INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE.a) Concepto y objetivo de la Historia del Arte: El arte como expresión humana en el tiempo y el espacio. b) Características generales de la arquitectura, escultura y pintura. El lenguaje de las artes visuales y su terminología. c) Percepción y análisis de la obra de arte. d) El origen del arte. La Prehistoria *

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a) Concepto y objetivo de la Historia del Arte: El arte como expresión humana en el tiempo y el espacio. 1-Término arte. El término arte deriva del latín ars- artis , con el significado de facultad o destreza para hacer algo, una destreza entendida como habilidad “técnica”. Se trata, pues de una habilidad que pueden ser de carácter intelectual o manual. 2-El concepto de arte. Dificultades para definir el arte. Cambios en la conceptualización del arte. Dos de las evidencias a la que se enfrenta el estudioso del arte son: - La dificultad para definir que es el arte. - El cambio de lo que se ha entendido por arte a lo largo del tiempo. Sin embargo se pueden señalar una serie de características propias del hecho artístico: a) Arte como una manifestación típicamente humana. Arte y hombre son inseparables. Según las palabras de René Huyghe: “No hay arte sin hombre, pero quizás tampoco hombre sin Arte , b ) Arte como lenguaje y forma de expresión El hombre para transmitir ideas y sentimientos ha creado una serie de códigos, basandose en sistemas de signos. Entre ellos están, por ejemplo, el lenguaje articulado con el que nos comunicamos al hablar o escribir, el matemático y el artístico. El lenguaje artístico es un medio de conocimiento de la realidad y de comunicación del artista respecto tanto de lo que le rodea (mundo físico y humano) como de su propio interioridad (sentimientos, deseos, temores...). Se trata, por tanto, de un lenguaje de las formas o

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visual, de carácter universal- ya que todo el mundo puede expresarse con él y comprenderlo-, para conocer y comunicar lo exterior e interior al ser humano. c) Arte como actividad que da forma material a aquello que concibe el espíritu humano., idea complementaria de la anterior de l igual forma que aquellos que consideran el arte como forma significativa, con un contenido o significado, incluyendo muchas veces valores simbólicos (Ej.”Saturno devorando a su hijo de Goya”, símbolo de la crueldad y del paso del tiempo que lo destruye todo) e incluso, en muchas ocasiones sin significado o deseo de transmitir mensaje alguno - arte por el arte- ( Arte abstracto). d) Arte como creación,. Cuándo un artista concibe y lleva a efecto una obra de arte está creando un elemento único e irrepetible y dotado de su propia identidad. e) Arte y belleza.. El arte como sinónimo del ideal belleza ha sido una de las constantes durante muchos períodos históricos (Grecia, Renacimiento, Neoclasicismo...) y el arte de esta manera era entendido como plasmación de la proporcionalidad o armonía o equilibrio de medidas.

3- Historia del Arte. Concepto. La Historia del Arte es la disciplina que se ocupa del estudio y análisis de los artistas, de las obras de arte, así como de los estilos artísticos dentro de su contexto histórico y espacial. 4 - Concepto de estilo artístico. Los estilos artísticos. -Definición. El término estilo viene del latín (“stilus”, punzón para escribir sobre una tablilla de cera) y designa la manera peculiar de ejecutar su obra un artista. En sentido estricto la palabra estilo hace referencia a la modalidad artística - es decir un conjunto de rasgos artísticos- que caracteriza a una época o periodo histórico concreto (Ejemplos: se habla de arte griego, arte romano, arte barroco, etc.)

5- Las funciones sociales del arte en la Historia. Su valoración en los distintos momentos históricos y culturas diversas. Desde que aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en el Paleolítico Superior (arte rupestre, arte mueble, figuras antropomorfas...) el arte se ha constituido como un elemento básico de las sociedades humanas de cualquier época o espacio. Para entender de manera completa

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una civilización humana, a parte de estudiar su forma de vida (economía), su manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e instituciones políticas (organización política) su sistema de ideas o pensamientos (ideologías), etc., es preciso tener en cuenta las manifestaciones artísticas que ha generado. Las manifestaciones artísticas no han tenido siempre la misma finalidad en las sociedades humanas a lo largo de la historia, esta ha ido variando y evolucionando. Funciones sociales del arte durante los diversos momentos históricos y culturas 1) El sentido mágico que algunos historiadores del Arte han querido ver en el Arte prehistórico. Según ellos las representaciones animalísticas de las pinturas rupestres tendrían un carácter propiciatorio. El artista-cazador del Paleolítico representaría las especies de animales que más tarde desasearía cazar. Aunque otros le darían un significado sexual a estas pinturas, asimilando cada una de las representaciones de animales a signos masculinos y femeninos respectivamente. En el mismo sentido se interpretan las denominadas “venus” paleolíticas. Todas estas manifestaciones artísticas habría que relacionarlas con los cultos a la fertilidad. Es de resaltar la importancia que tendrían las funciones reproductivas para asegurar la continuidad de los grupos humanos, en los cuales la supervivencia era un elemento vital. 2) En muchas civilizaciones -desde las más antiguas a las más recientesel arte ha estado vinculado estrechamente a los distintos poderes políticos y /o religiosos; bien como un medio más para mostrar su dominio ante al sociedad o como método de propaganda. Ejemplo representativos son: a) Los bastones de mando en la Prehistoria, que se han interpretado como un signo de supremacía de un individuo dentro de un grupo humano. b) Las pirámides en la Civilización egipcia (Ej Pirámide de Keops), que no son otra cosa que tumbas monumentales con la que se expresa el rango que llegaron a ostentar los faraones, considerados como auténticos dioses en la tierra. c) En la Civilización romana se afianza el estrechamiento de los lazos entre el Arte y los poderes públicos. Los gobernantes romanos, especialmente los emperadores, fueron los que impulsaron la construcción de edificios públicos: teatros, anfiteatros, circos, templos...o bien de construcciones para mostrar sus hazañas al pueblo, generalmente militares, mediante la erección de monumentos conmemorativos (arcos de triunfo -Ej.

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Arco de Tito-), constituyendo todo ello un efectivo método de propaganda política. d) En relación con las monarquías europeas, durante el periodo moderno sólo citar a modo de ilustración: el Monasterio de San Lorenzo del El Escorial, símbolo de la fortaleza de la monarquía de los Austria, mandado levantar por Felipe II; o más tarde, con respecto a la realeza francesa, el Palacio de Versalles, autentico símbolo del absolutismo monárquico del s. XVIII representado en Luis XIV. 3) Otra función que ha desempeñado el arte es la de transmitir ideas, entre ellas: a) Las de carácter religioso, en intima conexión con la religión cristiana fundamentalmente. Derivado de lo anterior hay que hablar también de un sentido didáctico y moralizante, y habría que referirse al Arte como un recurso para hacer llegar a la gente las doctrinas o normas morales del cristianismo - Esta intención se aprecia desde los primeros momentos de difusión de los ideales cristianos con el arte paleocristiano.; y durante la Edad Media cuando se afianza un arte cristiano que tiene su máximas expresiones en : el arte bizantino, ; el arte románico, con un predominio de la finalidad didáctica y moralizante. La misión de manifestaciones artísticas como la escultura románica se inscribe en una sociedad dominada por las ideas religiosas y con una institución tan poderosa como la Iglesia , y teniendo en cuenta, por otro lado, que la mayor parte de la población era analfabeta, dicha estatuaria desempeñaría la función de enseñar a las gentes una serie de normas religiosas y morales. De ahí que la iconografía románica haya sido interpretada por los historiadores del arte como una figuración de los valores antagónicos del bien y del mal. Asimismo habría que citar el arte gótico y el arte el barroco, en el cual muchas obras artísticas se hacían para ponerlas al servicio de la Iglesia Católica, como expresión del espíritu y las normas impuestas por la Contrarreforma (Concilio de Trento), frente a los reformadores protestantes. b) Ideales de carácter estético. Aquí habría que incidir en la conexión entre Arte e ideal de belleza. La idea de belleza ha sido una manifestación constante en toda la extensión de la Historia del Arte, que se ha manifestado con gran intensidad durante determinados períodos o momentos -En culturas como la griega, alcanzar la belleza es la máxima aspiración de muchos artistas. La belleza se concibe como armonía o equilibrio de medidas (“cánones) en la obra de arte

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Los ideales de belleza también ocuparon un eje central durante: El Renacimiento y el Neoclasicismo. Al recuperase en ambos momentos los valores de la Antigüedad clásica. prevalecieron los ideales de belleza, de considerar las obras de arte como una conjunción perfecta de mediadas o proporciones armonizadas, muchas veces idealizadas. 5) El arte puede ser asimismo un distintivo de importancia o rango social de una serie de individuos. El fomento de la realización de las obras de arte se convertiría en un instrumento para destacar dentro de la estructura social. En este ámbito podíamos citar a los “mecenas” o protectores de los artistas ( Ej: los Médici en la Florencia “quattrocentista”) o coleccionistas bien remotos como las clases dirigentes romanas que copiaban o importaban obras griegas, los papas durante el Renacimiento y el Barroco, o más actuales como personajes del mundo de la empresa o los negocios el barón Thyssen (recientemente fallecido). 6) El Arte como medio para luchar contra los valores dominantes en una época, o como método de denuncia y oposición a la estructura de una determinada sociedad o momento histórico. En esta línea hay que mencionar los movimientos de vanguardia que surgieron a fines del s XIX y principios del XX /entre los tuvo especial relieve el dadaísmo). 7) El arte, en sociedades como la nuestra de hoy en día, se ha convertido en un elemento de consumo. Las obras de Arte son unos objetos más que se compran y se venden en el gran mercado del capitalismo (Ej. subastas y galerías artísticas, o fenómenos más cotidianos y populares como reproducciones de obras de arte que se venden en: carteles, videos CD Rom, libros, fascículos de periódicos... )

b) Características generales de la arquitectura, escultura y pintura. El lenguaje de las artes visuales y su terminología.

a) El lenguaje artístico. Lenguaje plástico y visual. Los lenguajes artísticos se caracterizan por ser : 1-Lenguajes plásticos, es decir, utilizan elementos que se pueden moldear o dar forma. 2-Lenguajes visuales, o, lo que es lo mismo, que se perciben con el sentido de la vista.

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*Los lenguaje artísticos se apoyan en una gama de elementos materiales, formales y técnicos sin los cuales no existirían y no se entenderían (Ejemplos: Una bóveda no sería posible sin la piedra con la que está hecha; o el gótico no hubiera sido posible sin los adelantos técnicos del arbotante o la bóveda de crucería.). Así pues, están constituidos por un conjunto de materiales, procedimientos técnicas y elementos formales. - Los lenguajes artísticos más destacados son los relacionados con los medios de expresión artística más significativos: a- Arquitectura. b- Escultura. c- Pintura.

b) elementos formales.

: Definición. Materiales, procedimientos técnicos,

* Definición . La arquitectura es el arte de la creación de espacios interiores. * Materiales: piedra, ladrillo, tapial (pared hecha con tierra amasada), hierro, hormigón, etc. * Procedimientos técnicos y elementos formales: Elementos formales: 1) Elementos sustentantes (muro, pilar, columna) 2) Elementos sostenidos (dintel, arco, bóveda, cúpula). 1-Elementos sustentantes: # Muro (Macizo). Elemento sustentante. Es la pared u obra construida sólida, situada entre vanos, o bien opuesta a vano. - En unos estilos como el románico predominó el macizo sobre los vanos. Lo contrario ocurrió con el Gótico.) a) Aparejos (se utiliza este término para designar las diferentes formas de tallar y de disponer los materiales constructivos en un muro). Tipos: - Regular (isodómico, a soga, a tizón, a soga y tizón...). -Irregular (mampostería,; muro hecho con piedras irregulares unidas por argamasa; ciclópeo.). Vano (Hueco que interrumpe un muro o pared. En general, lo que se opone a macizo: puertas y ventanas). Partes. - Umbral (puerta). - Alféizar (ventana). - Jambas (laterales). Abocinamiento. - Alfiz

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# Pilar: Es un elemento sustentante vertical de sección poligonal. Fueron muy utilizados en el Románico y el Gótico. Tipos: cruciforme, cruciforme con columnas adosadas, fasciculado -Gótico- Pilastra: es un pilar adosado a un muro. - Estípite: pilar en forma de tronco de pirámide invertida. Se empleó mucho durante el barroco. - También suelen tener basa y capitel como las columnas. # Columnas: Son elementos sustentantes verticales de sección curva, generalmente circular. Suelen constar de tres partes: basa, fuste, capitel. En muchas culturas como la griega fue tratada como un elemento escultórico, dando lugar a los estilos: dórico; jónico, corintio. 2-Elementos sostenidos: # Dintel: Es un elemento sostenido de carácter horizontal construido, generalmente en una sola pieza. - Arquitectura adintelada o arquitrabada. Es la basada en elementos horizontales. Ejemplo: los entablamentos de los templos clásicos . El entablamento es lo que se encuentra sobre las columnas. Partes del entablamento: dintel (arquitrabe), friso, cornisa, frontón. Arquitecturas adinteladas fueron entre otras la de Egipto y la Griega #Arco: Es el elemento sostenido de configuración curva. Las piezas que forman el arco se llaman dovelas, la que ocupa la parte central se denomina clave y las que inician el arranque del arco se llaman salmer. En todo arco hay que tener en cuanta: 1-Las impostas, que es la separación entre el arco y la parte recta de un vano. Es la superficie de la que arranca un arco. 2-La fecha, que es la altura del arco, contada desde la clave hasta la línea de impostas. 3-La luz, es la anchura del arco. - Tipos: 1-Arco de medio punto. Es el equivalente al de media circunferencia (Arte romano, románico...) 2-Arco peraltado. Es el equivalente al de medio punto, más el peralte en el que se apoya (Arte islámico-periodo nazarí-, románico...) 3-Arco apuntado u ojival. Es el formado por dos segmentos de arco que forman un ángulo. Tiene dos centros. Es el característico del arte gótico. 4-Arco de herradura. Es un arco ultrasemicircular; propio del arte musulmán. 5-Arco lobulado. Es el formado por lóbulos. Si tiene tres lóbulos se llama trilobulado y si posee más de tres polilobulado. Es característico del arte musulmán, aunque también de otros estilos por influencia de este ( Ej: Románico).

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6- Arco mixtilíneo. Es el formado por líneas mixtas. Es típico del arte musulmán- periodo reinos taifas. 7-Arco conopial. Es el que tiene forma de quilla de barco invertida. Consta de cuatro centros, dos interiores y dos exteriores. Muy utilizado en el gótico. 8-Arco carpanel. Se parece al rebajado. Se traza a partir de tres centros: propio del gótico. 9-Arco rebajado. Es aquel cuya curva es inferior a media circunferencia. Está descrito con un solo centro. El escarzano es un arco rebajado formando un ángulo de 60º. 10-Otros. # Bóveda: Es un elemento sostenido que tiene su origen en el movimiento de un arco. - Tipos: 1-Bóveda de medio cañón. Es la formada por el movimiento de traslación de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal (Románico...) 2-Bóveda de arista. Compuesta por la intersección perpendicular de dos bóvedas de medio cañón. Es típica del románico. 3-Bóveda de nervios (o de nervadura). Constituida por nervios y plementos. Existen diversos tipos según el número y la disposición de los nervios: - Bóveda de crucería (simple). También llamada ojival. Originada por la intersección de dos arcos ojivales. Es típica del gótico. - Bóveda sexpartita. - Bóveda de terceletes. - Bóveda estrellada. 4-Bóveda de cuarto de esfera (de cascarón o de horno). Equivalente a un cuarto de esfera. Cubre generalmente el espacio de un ábside. 5-Bóveda anular. Es la de medio cañón que cubre un espacio circular o curvilíneo. 6-Bóveda de arcos entrecruzados. Típicamente musulmana. Formada por cruzamiento de arcos que no pasan por el centro. 7-Bóveda vaída. Se trata de una bóveda semiesférica cortada verticalmente por cuatro planos paralelos entre sí dos a dos. Se utilizó durante el Renacimiento. 8-Otras. - En las bóvedas podemos distinguir: - Arcos fajones. (Perpiaño en el estilo románico). Son los que cortan la bóveda en sentido transversal a su eje.

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- Arcos formeros. Son los paralelos al eje de al eje longitudinal de la nave, para unir y, a la vez, separar las naves contiguas. - Arco toral. Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero. *Cúpula: Es la bóveda creada por el movimiento rotatorio de un arco. La más común es la semiesférica o de media naranja, originada por la rotación de un arco de medio punto. Se asienta bien sobre pechinas (son cada uno de los triángulos esféricos que sirven para pasar de la superficie cuadrada de la planta a la circular de la cúpula), trompas (Son bovedillas semicónicas que sirven para pasar de una planta cuadrada a la octogonal de la cubierta sobre la que va la cúpula), tambor (estructura cilíndrica poligonal que sustenta la cúpula otorgandole mayor altura). En la parte superior suelen tener una abertura para dar luz: la linterna. - Tipos: 1-Otras: Cúpula bulbosa. *A la hora de estudiar un edificio debemos considerar, por otro lado: 1-El plano o planta. Es el dibujo (hecho a escala) de la sección horizontal de un edificio. En él aparecen los muros, las columnas, pilares, vanos y la proyección de la bóvedas. - Tipos: - Longitudinal. Es aquella planta en la que predomina un eje longitudinal (el largo del edificio). Tipos: Planta basilical. Es que tiene su origen en las basílicas romanas: edificio longitudinal, normalmente con tres naves - la central a mayor altura que las dos laterales- y ábsides en la cabecera. . Dentro de las plantas basilicales destaca la planta balilical de cruz latina., que es la que consta de un eje longitudinal, el mayor -como la basilical- y otro transversal más corto (transepto o crucero) -Centralizada. Es la planta que se organiza en torno a un centro. Tipos: 1) Cruz griega. Es la planta que consta de dos ejes iguales. 2) Circular. Es la que tiene forma de circulo. 3) Poligonales, son las que siguen la forma de polígonos (Ej. Un octogono). 2-El alzado. Es la proyección (a escala) o dibujo de la sección vertical de un edificio.

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. Definición. Materiales, tipología, procedimientos técnicos,

elementos formales. *Definición: Es el arte de la creación de volúmenes, es decir, la realización de figuras en sus tres dimensiones; mediante el modelado, tallado o el esculpido empleando diversos materiales. * Materiales (son variados). - Mármol y alabastro. Se utilizan mucho por su facilidad para esculpirse y por su acabado brillante. Arte griego, romano, renacentista, etc. - Granito. Se utiliza para obras de sentido monumental. - Bronce. Aparece en estatuas de carácter urbano, ecuestre, fuentes, etc. - Madera. Es el material más empleado para estatuas destinadas a retablos, sillerías de coros, pasos procesionales. Policromada o no. Se muestra con profusión en el Renacimiento y Barroco español. - Otros: Terracota. (barro cocido). - Oro y marfil ( esculturas crisoelefenatinas), etc. * Tipología: 1-Bulto redondo. Es aquella escultura que se encuentra exenta (porque no está pegada a nada, está aislada) y es independiente del marco arquitectónico; además puede contemplarse desde todos los puntos de vista a su alrededor. 2-Relieve. Se trata de una escultura adherida a un plano (no exenta y no liberada físicamente del plano arquitectónico) y, por tanto, solo cabe mirarla desde un punto de vista, el frontal. Según el relieve sobresale del plano se distingue entre: - Alto relieve. En este tipo las figuras parecen casi de bulto redondo pero adheridas al plano, pues sobresalen más de la mitad respecto a éste. - Medio relieve. En él las figuras parecen estar como cortadas por la mitad, ya que sobresalen casi un 50% respecto al plano. - Bajo relieve. Es un tipo de relieve en el cual las figuras sobresalen muy poco respecto al plano del fondo. Según la actitud de la figura representada podemos también establecer varios tipos: - De pie. - Sedente. Sentada. - Orante. De rodillas con las manos juntas - Yacente. Tendida.

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- Ecuestre. A caballo. - De pie. Dependiendo de la parte del cuerpo representada se diferencia entre: - Busto. Representa solo la cabeza y la parte superior del tórax. - Torso. Le falta cabeza, brazos y piernas. - Cuerpo entero. Por otro lado se puede hablar también de grupo , cuando se representa un tema por medio de un conjunto de figuras. * Procedimientos técnicos. Existen varios métodos para efectuar una escultura: - Sustractivo (de quitar) Consiste en partir un bloque compacto. La escultura ya está ahí- como decía Miguel Angel-y sólo hay que quitar lo que sobre. Al ir desbastando la piedra o la madera, el escultor va realizando volúmenes negativos y el resultado es lo que deja sin tocar. Para la piedra, mármol, etc. se utiliza como técnica el esculpido (cincelado) y para la talla la madera. - Aditivo (de añadir) Supone ir añadiendo materia sobre una armadura mínima. Aquí el escultor debe ir concibiendo los volúmenes positivos e irlos creando. Por lo general se utiliza como materiales la arcilla, el metal y la madera; como técnicas el modelado, la soldadura y el encolado Para las estatuas obtenidas a partir de un molde- generalmente para la fundición de figuras en bronce- se utiliza la técnica del vaciado- Supone obtener un molde de la obra y con él reproducir la misma obra una y varias veces en un estado que pueda obtenerse en estado líquido y que después termine fraguando y endureciendo (cera, escayola, cemento, metal fundido, plásticos, etc.) Tipos: a) Procedimiento de fundición “a cera perdida”. Se suele utilizar para obtener pequeñas escultura de bronce (macizas). Pasos a dar: 1) Se hace un modelo de cera que se recubre de arcilla mezclado con arena, yeso...(materiales refractarios: materiales que resisten la acción del calor sin modificarse o derretirse), constituyendo el molde, que reproduce en negativo todas las formas del modelo en cera. 2) En el molde se dejan orificios de entrada y salida. A través del orificio de entrada se vierte la colada de bronce fundido en estado líquido que penetra en el interior y desplaza la cera hacia el orificio de salida, ocupando su lugar. 3) Por último se deja enfriar el metal, se fractura y se quita el molde, quedando la escultura lista para pulirla y acabarla. b) Procedimiento de fundición “en hueco”. Es un método apropiado para esculturas de gran tamaño. Modo de empleo: 1-En primer lugar se prepara un núcleo interior en arcilla con arena, en yeso o cualquier materia refractaria.

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2-Sobre este núcleo se hace un molde de cera. 3-Posteriormente la cera se reviste de la misma materia refractaria que el núcleo interior,tras lo cual el bronce fundido se vierte por el orificio de entrada que se ha dejado en el molde para desplazar a la capa de cera hasta el orificio de salida. 4) Cuando el metal ya se ha enfriado y se ha roto el molde, liberando la escultura, a esta hay que vaciarle todavía el interior para que quede hueca por dentro. *Elementos formales. - La composición. Es la disposición o distribución de los distintos elementos que integran una escultura. La composición en escultura se ha debatido tradicionalmente entre dos principios rectores: - El reposo o carácter estático. - La ilusión de movimiento o carácter dinámico. 1-El reposo o carácter estático. Se aprecia en la escultura egipcia y en la estatuaria griega de la época arcaica (ss. VII y VI a.C.) Las composiciones escultóricas responden a la “ley de la frontalidad”, según la cual la figura humana es sometida a un principio compositivo en la que se presenta vista de frente, con el cuerpo dividido en dos partes iguales, mediante un eje vertical imaginario que pasa entre las cejas, por la nariz y el ombligo. Las esculturas que se ajuntan a este principio son rígidas, hieráticas, etc. 2- La ilusión de movimiento. Se obtiene mediante dos recursos compositivos: a) El ritmo. Tiende a convertir lo estático en dinámico, mediante la armonía en la distribución de los elementos compositivos. Entre los recursos para conseguirlos están: -La duplicación o multiplicación de perfiles (de frente, perfil...) (Ej. relieves egipcios o mesopotámicos.) -Unidades rítmicas elementales: a) Ritmos lineales: oblicuos o en diagonal. b) En forma de “S”, helicoidales, zig-zag...c) Otros: en pirámide, en circulo, etc. -Los basados esencialmente en la contraposición armónica de las partes del cuerpo humano, como los utilizados en la escultura griega (“contraposto”: o sea, disponer en una escultura un brazo que avanza y una pierna que retrocede, buscando el equilibrio en una figura estática.). b) La tensión Se consigue dando forma dinámica a la escultura mediante una fuerza interior que pugna por exteriorizarse (Ej. Miguel Ángel).

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*Otros aspectos interesante de la escultura a la hora de hacer su estudio son: -Si una escultura aparece con caracteres realistas o idealizada (pudiendo haber intención detrás de todo esto o no) - La luz y el color. 1-La luz. Las diferentes partes de la esculturas proyectan más o menos luminosidad; resultan más o menos claras. Puede haber efecto de claroscuro (unas zonas en sombra y otras iluminadas). 2-El color. En cuanto al color la obra puede ser monócroma o policromada. - Textura. Muchas veces el escultor par a diferenciar las distintas partes del cuerpo humano (piel, ojos, cabellos, las vestiduras, joyas, armaduras,etc no pulimenta o trata de la misma manera el material con el que trabaja para así sugerir al espectador sensaciones táctiles diferentes. d)

. Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos

formales. * Definición. La pintura es el arte de aplicar colores (pigmentos) y líneas (dibujos) sobre una superficie plana (de sólo dos dimensiones). * Materiales. En pintura hay que distinguir entre: a) El soporte plano de dos dimensiones sobre el que se pinta (muro, papel, tabla, lienzo, etc). b) El pigmento. (Color). Es la materia colorante, es decir, los elementos naturales o artificiales que proporcionan un color. (Ejemplo: el carbón produce el color negro.) c) El aglutinante, que es una sustancia líquida que fija y da consistencia a un color (Ejemplo: el aceite en la técnica al óleo, huevo en el temple...) d) Otros materiales pictóricos. A partir sobretodo de los movimientos de vanguardia (fines XIX/principios del. XX) se incorporaron a la pintura materiales como: papales pegados, arenas, trapos, maderas, objetos metálicos...

*Procedimientos técnicos: Existe una amplia gama. Los más destacados son: - El fresco. Técnica utilizada para la pintura mural. Para aplicarla exige las siguientes condiciones: 1-Revocar el muro, es decir, que se haga un

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enlucido a base de arena fina, cal y polvo fino de mármol. 2-Humedecer el muro. 3- Aplican los colores con agua de cal. Este procedimiento tiene: la ventaja, de que al convertirse la disolución de cal en carbonato cálcico, se convierte en una sustancia muy resistente a los agentes externos y de gran duración (de ahí su utilización para exteriores); el inconveniente: exige gran destreza y rapidez de ejecución al pintor, ya que el muro no se puede dejar secar: Además tampoco admite retoques. - La acuarela. Técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua y aplicarlos sobre papel, por lo cual seca rápidamente y obliga a tener una ejecución rápida. Caracteriza a la acuarela la transparencia y la luminosidad de los colores. No utiliza el blanco como pigmento. - La tempera. Muy parecida a la a la técnica anterior. Tiene a favor que se pueden superponer los colores y retocarse después de estar terminada la obra. Es menos luminosa que la acuarela-colores algo opacos y apagados-. Si utiliza como pigmento el blanco. - El temple. Es una de las técnicas que más se utiliza en la pintura sobre tabla, aunque también se emplea sobre lienzo y en menor medida se puede aplicar igualmente sobre muro. Consiste en diluir los colores en agua templada (“temperada”) a la que se han añadido aglutinantes como el huevo, goma arábiga, etc. Al utilizar el huevo es un procedimiento más brillante y lento de secar. Tiene la ventaja de que, a diferencia del fresco, es posible retocarlo en frío. - El óleo. Es el procedimiento pictórico más utilizado a partir del s. XV. Fue pefeccionado y difundido por los pintores flamencos. Consiste en mezclar los colores en aceites especiales (secantes) como el de nueces y el de linaza- semilla de lino- y aplicarlos sobre un lienzo o una tabla previamente preparados. Es el procedimiento más lento en secar de todos los conocidos, lo que permite un trabajo sosegado, hacer interrupciones y retoques. El mayor inconveniente que tiene es el oscurecimiento de los aceites con el paso del tiempo. - La encáustica. Técnica pictórica consistente en diluir los colores en cera fundida, a la que se añade resina para darle más dureza. Hay que pintar en caliente y para aplicar los colores se emplean paletas y espátulas metálicas - previamente calentados en una estufa -. Las ceras de colores son una versión actualizada de esta técnica antigua. - El acrílico. Método pictórico en el que se usa como aglutinante el ácido acroleico, que es un emulgente, o sea , permite unir el agua con el aceite, por lo que ambos elementos pueden utilizarse para extender el color. Participa de las ventajas del temple y del óleo, es decir, es lento de secar. Sin embargo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, ya que unos colores no ocultan a otros.

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- El mosaico. Es un procedimiento que no utiliza colores. El color lo proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o metal, con las que realmente se “pinta”. Se trabaja sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición horizontal, en donde se van colocando las teselas que van configurando formas. Posteriormente se encolan papeles sobre el trabajo acabado para poder trasladarlo, así al muro que tendrá la argamasa (capa de cal, arena y agua) preparada. Una vez fraguada esta se desencolan los papeles se sujeción y transporte, para proceder a la limpieza y acabado final. - La vidriera. Se trata de un armazón o bastidor de madera o metálico con vidrios utilizado en puertas y ventanas. (La vidriera emplomada es la que tiene tiras de plomo para encajar en ella los vidrios). Al igual que en el mosaico se trabaja sobre un plano horizontal y sobre un dibujo previo en el que han diseñado los cortes de los vidrios que irán configurando las figuras. Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan los grafismos de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes, sombras... con pigmentos, y se introducen de nuevo en el horno, para que la pintura penetre en el vidrio, que se ha elaborado, previamente en el horno. Posteriormente se recompone el mosaico, se unen sus bordes con plomo, se arma sobre hierros sólidos y se lleva al ventanal. *Elementos formales: 1-La línea. /El dibujo. Son las líneas que determinan el contorno (líneas exteriores) y los dintorrnos - líneas interiores- de las cosas o figuras representadas. Rasgos: - Poder limitativo, que acota y define el objeto. - Identifica y reconoce las formas. Tipo de trazos lineales: - Continuos y cerrados: delimitan formas finitas y acabadas. - Discontinuos y abiertos: producen formas indeterminadas indefinidas. 2-El color. Es la cualidad de los objetos originada por la impresión que los rayos del Sol producen en la retina, al reflejar unos rayos de luz y absorber otros. ( La luz al atravesar un prisma se descompone en siete colores del espectro). El color es un elemento básico de la pintura. Sirve para crear efectos como la luz y el volumen, por tanto de la profundidad (sobretodo en la perspectiva aérea). Los colores pueden ser:

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- Oscuros o luminosos. - Naturales (si son semejantes a los colores de los objetos y seres naturales) o irreales (si no tienen parecido con el natural (cielo verde, agua amarilla, etc). En una pintura se pueden utilizar muchos o pocos colores. Es posible que aparezcan superficies tonales (degradaciones de un mismo color) o superficies planas (utilización de colores sin distintos tonos). - En cuanto a los tipos de colores, es preciso distinguir entre: 1-Colores primarios o fundamentales (elementales o simples. Son tres: el rojo, el amarillo y el azul). 2-Colores binarios. Formados por la mezcla de dos primarios. Son tres: el naranja (rojo más amarillo); verde (azul más amarillo); y violeta (rojo más azul). 3-Colores terciarios. Son los originados por la combinación de un binario y un primario. Esta forma de combinación se puede seguir indefinidamente hasta dar una gama enorme de colores. Por otro lado hay que hacer mención de: - Los colores complementarios. Son los que al yuxtaponerse se intensifican mutuamente y al mezclarse en parte iguales se destruyen dando lugar a un gris neutro. Los colores complementarios son uno secundario y el primario que no entra en su composición: el verde es el complementario del rojo; el naranja lo es del azul y el violeta del amarillo. Otra distinción es la que se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales que sugieren los colores y así hay que mencionar: - Los colores cálidos o cercanos: rojo, amarillo y naranja. Expanden la luz y son salientes, avanzan hacia el espectador ( Tb. relación con el sol, la alegría). - Los colores fríos o lejanos,: verde, violeta y azul; Absorben luz, son entrantes y se alejan del espectador. (Tb. relación con el agua y la naturaleza). Esta distinción se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales. Existen asimismo teorías que asocian los colores a: - Emociones y sensaciones (rojo: vida, sangre; azul: cielo, agua; verde: vegetación; amarillo: fuego y luz...) -Son asociaciones naturales. - Ideas o conceptos (blanco y azul: pureza). - Asociaciones por tradición cultural Otros términos relacionados con el color: - Paleta. Conjunto o escala de colores preferidos por un pintor - Gama. Serie de matices de un mismo color.

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- Factura de color. Se llama así a la manera en la que el artista ha distribuido los colores, bien con toques ligeros y difuminados, o con pinceladas espesas y contrastantes. Sobre la distribución de los valores tonales en la organización de la obra de arte está el claroscuro. (Hay que resaltar que una realización pictórica prevalece unas veces el dibujo o el color; o bien se establece un equilibrio entre ambos elementos.). 3-La composición. Es la ordenación organizada de las figuras, objetos o colores en un una obra pictórica. Tipos: - Sin aparente composición: Yuxtaposición de elementos (colores, figuras...) 1) Las basadas en la línea, que han dado lugar a esquemas compositivos: - Simétricos. - Piramidales (triangulares). - En diagonal - En espiral. Línea serpentinata (Manierismo). - Circular. - Rectangular. (Isocefalia. Consiste en disponer las cabezas a la misma altura). 2) Las basadas en el color (tanto en la pintura figurativa como en la abstracta) Ej- Los movimientos de vanguardia -Pintura abstractaEn otro orden de cosas las figuras pueden aparecer bien: - Quietas o en reposo. - En movimiento, mostrando tensión dinamismo. 4- La representación del volumen. La Pintura en sí es bidimensional (dos dimensiones: alto y ancho), extendiendose sobre una superficie, sin embargo el lenguaje pictórico ha tratado de sugerir o representar mediante ilusiones ópticas la tercera dimensión, lo profundo, creando así apariencia de volumétrica. - Maneras de representación del volumen: a) El modelado Es posible conseguirlo mediante : - La gradación de luz y sombra; representado las zonas más próximas al ojo con más luz, mientras las más alejadas en penumbra o en sombra, con

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ello se obtiene que la figura destaque en relieve sobre la superficie del cuadro. (Ejemplo: claroscuro violento de Caravaggio -tenebrismo-; “sfumato” o difuminado suave de Leonardo). - El color. Los colores se aclaran o se transparentan en las zonas más próximas al observador mientras se van oscureciendo en las partes más alejadas. Con ello también se obtiene el efecto volumétrico. Además cada color se comporta de manera diferente en relación a la luz, cada uno de ellos tiene distintos valores respecto a la luz y puede presentar distinta intensidad. (Este último es un recurso muy utilizado por impresionistas y postimpresionistas). b) El escorzo. Es un recurso plástico que consiste en disponer a los objetos en posición perpendicular u oblicua respecto al plano de la obra pictórica La sensación de volumen ha sido un efecto que muchas veces se ha querido obtener en pintura, pero en otras ocasiones se ha prescindido de él dando lugar a una pintura plana, sin profundidad. c) La perspectiva. Se denomina así al sistema o artificio que permite representar sobre una superficie plana, de dos dimensiones, el espacio y los objetos que hay en éste tal como son en la realidad (tamaños, disposición, etc.), por medio de la simulación de la tercera dimensión o profundidad. - Si no se utiliza la perspectiva, hablamos de pintura plana, sin representar ficticiamente el espacio (Ej. arte rupestre, egipcio, bizantino, románico, fauvismo, arte contemporáneo en general). - Perspectiva lineal o geométrica. Se consigue mediante líneas diagonales que confluyen en un punto , denominado punto de fuga, en el fondo del cuadro. Mediante este sistema se consigue representar las cosas más grandes o más pequeñas en función de la distancia en que estarían situadas respecto al espectador (Fue muy utilizada a lo largo del Renacimiento y del Barroco y en los movimientos posteriores). - Perspectiva aérea. (El comienzo de su uso así como su teorización se debe a Leonardo da Vinci)- La perspectiva aérea es la que intenta representar la atmósfera que envuelve los objetos, pintar el aire del cuadro; para ello partiendo de la perspectiva lineal, se van difuminado los colores y los contornos de la figuras en relación a la distancia. La luz y el aire interpuestos entre el ojo del espectador y los objetos difuminan los contornos y por tanto no se aprecian con la misma nitidez objetos situados en primer plano que los que ocupan el fondo. Al mismo tiempo los colores también se van modificando con la distancia. (Tiene su máximo exponente en el Barroco -Velázquez- y en los movimientos del s. XIX).

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Según el punto de vista elegido para realizar la perspectiva se puede hacer una diferenciación entre: - Perspectiva de punto de vista normal o frontal. El punto de vista está en el centro del cuadro. Es la más utilizada en pintura. - Perspectiva caballera (o de punto de vista alto). También se le llama “a vista de pájaro o militar”. Es la que se obtiene desde un punto de vista semejante a un jinete, más elevado de lo normal. Con ella se contempla una amplísima superficie de terreno. (Ha predominado en la pintura Flamenca). - Perspectiva de punto de vista bajo. Se obtiene desde un punto de vista colocado cercano al suelo. Esta perspectiva se utiliza para lograr efectos de sensacionalismo, de grandilocuencia, etc. (Fue utilizada sobre todo en el Renacimiento -Mantegna-). * Forma de representación. hace referencia a si la representación de las figuras es realista o existe una idealización. c ) Percepción y análisis de una obra de arte. A la hora de contemplar, analizar y comprender una obra de arte hay que tener en cuenta diversos tipos de elementos, que se pueden sintetizar en el siguiente esquema: 1-La ubicación espacial y temporal de la obra de arte. - El lugar en el que se efectuó la obra de arte. - La época. en la que se hizo. - La relación de la obra de arte las características de su momento histórico. 2-La descripción razonada de la obra (utilizando el vocabulario técnico adecuado) - Aspectos formales (materiales, procedimientos técnicos, elementos formales). - Aspectos iconográficos e iconológicos (tema, significado, simbolismo). 3-Valoración argumentada de la obra de arte, aludiendo a: - Estilo artístico. - Autor - si se conoce- (características de éste).

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ASPECTOS ICONOGRÁFICOS E ICONOLÓGICOS. a) Iconografía. Es la ciencia o disciplina que tiene como objeto de estudio las imágenes artísticas Las dos grandes series iconográficas del arte occidental son: -La mitológica clásica. Es decir la representación de personajes y dioses sacados de los mitos griegos y romanos. A parte de los períodos correspondientes a las civilizaciones griega y romana, las referencia a la mitología clásica han estado continuamente presentes en la Historia del Arte Occidental en múltiples obras escultóricas y pictóricas, abundando con especial fecundidad en momentos como: La época clásica (Grecia y Roma), el Renacimiento; el Barroco; o el Neoclasicismo, o personalidades como Goya.. - Ejemplo: Venus /Afrodita: Trono Ludovisi (Grecia), Botticelli (Renacimiento). Venus de Gnido (Praxíteles, Grecia), Venus de Milo (Época helenística, Grecia); Venus de Ticiano, de Giorgone (Renacimiento), “Venus del Espejo” Velázquez (Barroco)... - La iconografía cristiana. La iconografía cristiana la constituyen toda la serie de imágenes relacionas con personajes, símbolos o historias sagradas de dicha religión , en concreto sobre la Biblia (Antiguo y Nuevo Testamento): Cristo, la Virgen María, Apóstoles, Profetas, etc, así como de santos/as y mártires u otras representaciones sagradas de la religión cristiana. Las imágenes más comunes son: 1) La cruz, o Cristo crucificado, , 2) La Virgen con el niño. La Virgen portando en su regazo, en su piernas o en brazos a Jesús de niño. 3) El Pantocrator. (Cristo en Majestad). Se representa a Cristo resucitado y triunfante, envuelto en la mandorla o almendra mística portando los Evangelios en una mano y bendiciendo con otra.. Imagen muy repetida en el arte románico 4) La Inmaculada. Se representa a la Virgen María suspendida en el aire sobre una nube y /o la luna y con las manos juntas. Tema frecuente del arte barroco. 5) La Anunciación. La Virgen María recibe el anuncio del Arcángel Gabriel de que ha sido elegida por Dios para ser la madre del Mesías, Cristo. 6) La Piedad. La Virgen María sostiene en sus brazos el cuerpo muerto de Jesucristo. b) Iconología.- Término en el campo de Arte para designar el significado, contenido o sentido propio de una obra; o dicho en otra palabras los concepto, ideas y valores de la que es portadora la obra de arte. Para valorar el significado de la obra de arte es preciso tener en cuenta aspectos ideológicos, filosóficos, socioeconómicos de la época Ejemplos en la Historia del Arte:

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- Significado mágico de las pinturas rupestres paleolíticas. - Ideas del bien y el mal que descansan en la iconografía románica. - Idea de belleza (armonía, equilibrio de medidas). Representación de Venus, símbolo de la belleza. - Pintura expresionista: imágenes como expresión de la interioridad de la persona, su modo de ver las cosas, sentimientos, deseos. - Pintura surrealista. Imágenes extraÍdas del mundo de lo onírico y del subconsciente, etc.

ASPECTOS FORMALES (Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales). A) Arquitectura. 1-Materiales (piedra, ladrillo...). Aparejo (tipos, disposición). 2-Tipo de Planta. *Longitudinal: basilical, cruz latina. *Centralizada: cruz griega, circular, octogonal. 3-Partes del edificio. (Interior y exterior). 4-Elementos sustentantes y sostenidos. *Elementos sustentantes (muros, pilares, columnas...). *Elementos sostenidos (dintel -arquitectura adintelada o arquitrabada-, arcos, bóvedas.) B) Escultura. 1-Materiales (mármol, bronce, madera...). 2-Tipología. *Bulto redondo. *Relieve (alto, medio o bajo). -Actitud (sedente, yacente...), parte del cuerpo representada (cuerpo entero, busto,etc) 3-Composición (en diagonal, piramidal, en espiral, en zig-zag...) (Otros aspectos: movimiento o estatismo; color; textura...) C) Pintura. 1-Técnica pictórica (fresco, temple, óleo...). Soporte (muro, lienzo, tabla...)

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2-Dibujo. 3-Color/es. (Tipo de colores empleados) 4-Luz (Si se obtiene o no la captación de la luz). 5-Composición (yuxtapuesta, simétrica, horizontal, triangular, en diagonal...) 8-Volumen (pintura plana o intento de crear la tercera dimensión). 6-Perspectiva: - Tipo: Lineal o geométrica; aérea. - Punto de vista: normal o frontal, caballera (alto), punto de vista bajo. (Otros: movimiento o quietud...). EL AUTOR a) El artista y el proceso de creación.Hacer una obra de arte es un proceso de creación, pero éste no es algo neutro, ni abstracto si no que a la hora de abordar su estudio es preciso contar con el artista, analizar sus circunstancias personales en un doble sentido ,por un lado observando las conexiones de sus obras con su trayectoria vital o evolución personal y por otra parte su personalidad da a su obra. *La trayectoria vital. Los hechos o acontecimientos que van moldeando la vida personal de un artista se van a ver reflejados en su proceso creador (Ejemplos: 1-Velázquez, pintor sin problemas económicos tras ser nombrado pintor de cámara de Felipe IV (retratos de personajes de la familia real); transformación artística de Goya a raíz de sus desgarros interiores provocados por la sordera y los desmanes que se cometieron con la Guerra de la Independencia). *La personalidad. Desde el terreno de la psicología en general y del psicoanálisis en particular se ha querido incidir en los vínculos entre la creación artística y el modo de ser del artista, es decir , lo que le impulsa a crear una obra, resaltando todo lo relacionado con el mundo del inconsciente (sentimientos, deseos, frustraciones; así por el ejemplo la obra de arte aparecería como un medio de sublimación de los instintos, manifestación de narcisismo...) o ciertas comportamientos patológicos, en la cual la obra de arte se muestra como fruto de la tensión interior del artista o como medio para evadirse o tratar de salir de ella ( Ej.Van Gogh).

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b) Consideración social. Circunstancias sociales. La consideración social de los artistas ha experimentado cambios a lo largo del tiempo. En períodos como La Edad Media el artista era normalmente un ser anónimo, un artesano que hacía su obra por encargo, ajustandose normalmente a los gustos patrones e ideas de la persona de que quien dependía. En otras ocasiones, como durante el Renacimiento, los artistas se convierten en un grupo social muy apreciado tanto por su genio intelectual, por sus habilidades técnicas y su capacidad creadora, así como por su destreza para idear y llevar a la práctica auténticas obras inigualables que ha pasado a la posteridad - es el caso de Miguel Angel -. Otras veces puede ocurrir que la obra de un artista sea menospreciada o infravalorada en la época en la que vive y posteriormente con el paso del tiempo se convierta en un elemento de admiración y veneración (Ej. Van Gogh). Las circunstancias sociales. El artista no es un ser que vive separado de la sociedad de su época sino un componente más de ésta y, en consecuencia, estará influido por las ideas, gustos , modas o tendencias de su tiempo. (Ejemplos: El arte románico fue un arte fundamentalmente religioso debido a que la religión y la Iglesia -como institución- ocupaban un papel esencial en la vida del Hombre medieval y pretendía ante todo transmitir ideas religiosas y morales. En el Renacimiento se recupera la temática mitológica por la afición a la Antigüedad grecolatina, el ideal de belleza como máximo exponente del goce estético ...) c) El papel de clientes y mecenas. Los clientes en Arte serían todas aquellas personas que demandan, patrocinan o impulsan la realización de obras artísticas. Los “mecenas” (la palabra viene de Cayo Cilnio “Mecenas”, amigo de Augusto y protector de las letras y la literatura) han sido personajes que se han dedicado a patrocinar las letras y las artes. En el terreno artístico se convirtieron además en auténticos protectores de los artistas. Todos ellos clientes y mecenas ejercieron una influencia determinante en la promoción del Arte y de las tendencias estéticas o estilísticas. (Ejemplos: 1- No se concibe el esplendor artístico renacentista del “Quattrocento” florentino sin la protección de la familia Medici; o el de la Roma renacentista y barroca sin la intervención de los Papas (Julio IIBasílica de San Pedro, frescos de la capilla Sixtina, etc). 2-No se comprende tampoco el predominio aplastante de la temática religiosa en la

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pintura y escultura barroca española sin conocer que el cliente principal fue la Iglesia Católica). Otros ejemplos son: 3-Los monarcas absolutos, como los franceses, quienes para expresar su poderío y grandeza impulsaron la realización de obras del porte del Palacio de Versalles, mandado a construir por Luis XIV. 4-La rica y acomodada burguesía de países como Holanda en el s. XVII, que impone sus gustos en la temática pictórica -ausencia de representaciones religiosas, paisajes, interiores de casas burguesas, retratos, etc. En cuanto a personalidades individuales cabe resaltar el mecenazgo que ejerció el rey Felipe IV respecto a Velázquez. El convertirse en pintor de cámara de dicho monarca le permitió vivir sin estrecheces económicas y no tener que vender sus cuadros para subsistir. Lo mismo cabe decir de Goya con respecto a personajes como Carlos IV o nobles como el duque de Osuna.

d) El origen del arte: La Prehistoria. a) Introducción histórica. - Prehistoria: Es el periodo que estudia el pasado de la humanidad previo a la invención de la escritura y se divide en tres grandes etapas: *El Paleolítico, Se subdivide en tres fases: Paleolítico Inferior, Paleolítico Medio y Paleolítico Superior. *El Neolítico. - Entre el Paleolítico y el Neolítico algunos señalan un periodo intermedio llamado Mesolítico. *La Edad de los Metales. Con fases como:1-La Edad del Cobre o Calcolítico.2-La Edad del Bronce.3- La Edad del Hierro. A) Paleolítico. Significa “piedra vieja” y hace referencia a la técnica de la talla que se empleaba en la fabricación de útiles de piedra. - Cronología. La cronología del Paleolítico en la Península Ibérica se remontaría a la de los restos humanos más antiguos encontrados en el yacimiento de Atapuerca (Burgos) con una antigüedad de 780.000 a. C. hasta el 10.000 a. C. Rasgos: 1-Durante el Paleolítico fue cuando se desarrolló el proceso de hominización (la adquisición por el género humano de los rasgos que le caracterizan como especie).

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2-Los hombres del Paleolítico tenían una economía depredadora y para buscarse el sustento recurrían a la recurrían a la recolección de los productos que le ofrecía la Naturaleza, así como de la caza o la pesca. 3-Además eran poblaciones nómadas, que estaban en continuo desplazamiento y no tenían un lugar fijo para vivir ( se refugiaban temporalmente en cuevas o abrigos rocosos). 4-La fabricación de útiles de piedra tallada (cantos trabajados, bifaces, raederas, hendedores...) y sobre hueso. B) Mesolítico. Periodo de transición entre el Paleolítico y el Neolítico caracterizado por la adopción paulatina de los modos de vida que caracterizarán al Neolítico. - Cronología. Desde el 10.000 a C. hasta el 4.000 a.C. en el caso de la Península Ibérica. B) Neolítico. Significa “piedra nueva” (en comparación con el Paleolítico: “piedra vieja”) y se asocia a un modo peculiar de fabricar los útiles de piedra, como fue la de la pulimentación (alisado de la superficie), frente a la talla, propia del Paleolítico. - Cronología. Desde aproximadamente el 4.000 a C. hasta el 2500 a C. para la Península Ibérica. -Características: 1-La aparición de una economía productora, basada en nuevas actividades como: la agricultura y la ganadería. 2-El surgimiento de poblados estables. Los grupos humanos se volvieron sedentarios. 3-El uso de la técnica de pulimentación de la piedra (hachas, azuelas...) 4-El empleo de la cerámica y la fabricación de tejidos. C) Edad del Cobre o Calcolítico. Es la primera de las correspondientes a la llamada Edad de los Metales, la cual viene definida por la metalurgia o fundición de metales para hacer objetos diversos. En concreto el Calcolítico se caracteriza por el empleo del cobre. - Cronología: Para la Península Ibérica el Cacolítico estaría comprendido entre el 2500 y el 1700 a. C. - Características: 1-La progresiva especialización del trabajo. Surgen personas especializadas en la fabricación de diversos objetos: alfareros, metalúrgicos, orfebres, carpinteros, tejedores, etc.

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2-La aparición de una serie de jefes con poder político con la suficiente entidad como para organizar las comunidades y realizar obras colectivas (construcciones megalíticas). 3- El comienzo de la diferenciación en grupos sociales, debido al enriquecimiento de determinados grupos frente a otros a consecuencia de las nuevas actividades (metalurgia, comercio...), lo cual se comprueba en los objetos encontrados en ajuares funerarios. 4 – La difusión de la metalurgia o fundición de metales,(para hacer instrumentos como puñales, puntas de lanza, etc.), en este caso el cobre, y el comercio o intercambio de productos. 5-La realización de construcciones megalíticas (dólmenes, sepulcros de corredor, etc.) b) Manifestaciones artísticas.

- Arte parietal (rupestre). * Arte rupestre franco-cantábtrico. - Localización: Europa (el 90% de las manifestaciones están en la región francocantábrica). - Cronología: Existen dificultades para datar estas pinturas. Se ha intentado hacerlo haciendo una comparación estilística con el arte mueble. Estas pinturas se enmarcarían durante el Paleolítico Superior (Lascaux: 25.000 años, Altamira: 15.000 años). - Soportes: Normalmente se emplearon paredes y techos de cuevas. Se localizan en estos lugares debido a las duras condiciones climáticas (finales de la glaciación Würm). - Temática: Los temas que se desarrollaban en las pinturas rupestres franco – cantábricas eran: 1-Representaciones de animales (sobretodo el caballo, en menor cantidad el bisonte). En la Península Ibérica también son importantes: el venado, las ciervas, las cabras y los bóvidos. Las especies de clima frío son más escasas: el mamut, rinoceronte lanudo, etc. 2-Signos, que aparecen solos o asociados a las figuras de animales (círculos, triángulos, bastones, etc. 3-Manos en negativo, a veces con dedos amputados. - Materiales: Para pintar se utilizaban colorantes naturales, los más empleados eran el óxido de manganeso (tonalidades negro – violáceas) y el óxido de hierro (tonalidades entre rojo y ocre). También se emplearon el carbón y en algunos casos la sangre. El aglutinante que se utilizaba era grasa animal, que consiguió una buena adherencia sobre las rocas porosas de las cuevas.

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- Técnicas de representación: 1-Se pintaba empleando bien los dedos o sirviéndose de pinceles de cerda (pelos) de animales. En ocasiones se hacían grabados de la figuras mediante buriles. Sobre los grabados frecuentemente se hacían dibujo con trazos finos. 2-En otro orden de cosas podía aparecer el dibujo de la silueta de las figuras en color negro (monocromas); o bien en otras ocasiones se le añadía a la silueta en negro un relleno en diversos tonos de rojo que producía pinturas polícromas. Además era frecuente que el artista se sirviera de las rugosidades de la roca para acrecentar al sensación de volumen. - Interpretaciones sobre su significado: 1-La más popular es la defendida entre otros por Henri Breuil. Esta teoría atribuye una connotación mágica a las pinturas rupestres: la representación de un animal propiciaría (favorecería) su posterior caza. 2-Otra hipótesis defendida por personajes como André Leroi-Gourham, la cual parte del análisis de la localización y asociación de los temas en las cuevas, llegando a la conclusión de que los artistas primitivos tenían una visión dual del cosmos basada en la asociación antagónicas de dos principios: el femenino (bisontes, mujeres) y el masculino (hombres-caballos). *Ejemplos: - Cueva de Altamira. Se encuentra cerca de Santillana del Mar (Cantabria), Las pinturas que se encuentran en su interior fueron descubiertas a finales del siglo XIX por Marcelino de Sautuola pero se tardó algún tiempo hasta que se aceptó que eran verdaderamente pinturas prehistórica. Se datan hacia el 15.000 – 12.000 a C.en el periodo del Paleolítico Superior. La cueva tiene una longitud de unos 270 metros. En su interior se distingue una sala de unas dimensiones de 18 metros de largo por 9 de ancho que es donde se concentran la mayoría de las pinturas y los grabados. Entre figuras representadas resaltan bisontes, caballos, jabalíes, ciervos, etc. Para dar sensación de relieve en las figuras se han empleado las rugosidades de la piedra. Los colores empleados son el negro, para el contorno de las figuras, y el rojo y marrón para los interiores - Cueva del Castillo; Cueva de la Pasiega de la Pasiega. (Cantabria). - Cueva del Pindal; del Candamo (Asturias). - Cueva de Lascaux; de Font-de- Gaume; Trois Fréres. (Francia). - Cueva de Maltravieso (Cáceres). *Arte rupestre levantino. - Localización: Se trata de una modalidad típicamente hispana, que se localiza en la zona levantina española.

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- Cronología: Existen controversias para su datación Hay quienes las sitúan en el Paleolítico Superior- Tesis hoy descartada por no corresponder a la fauna representada, que es postglaciar-. Otros las atribuyen al periodo Mesolítico (transición entre el Paleolítico y Neolítico), o a comienzos del Neolítico. La hipótesis más acertada es la que las data entre el 6.000 a. C y el 1.500 a C, aunque las más importantes representaciones se darían entre el 6.000 a. C y 4.000 a.C. - Soportes. Las pinturas se encuentran normalmente sobre abrigos rocosos. Esto se debe a que la vida en la época potsglaciar ya no se realizaba en cuevas sino en poblados al aire libre. - Temática. Hay que resaltar que aparecen escenas y no solo figuras aisladas. Las principales representaciones son figuras humanas realizadas de forma esquemática, poco realista sin ofrecer detalles y siempre en movimiento. Mayoritariamente aparecen representaciones de hombres en actitudes de caza o de guerra. En menor proporción aparecen mujeres-se las identifica porque suelen llevar los pechos al descubierto y una especie de faldas largas desde la cintura- en faenas domésticas, de recolección o de siega y de danza o rituales (en estas últimas algunos autores las han identificado como posibles divinidades o sacerdotisas). En segundo lugar destacan las representaciones de animales (ciervos, cabras, toros, jabalíes...), ejecutados de forma naturalista y en posiciones más estáticas, formando parte de las mencionadas escenas de caza. - Técnica y materiales. La técnica empleada casi exclusivamente es la pintura, aplicada con pinceles o plumas. Las representaciones suelen ser monócromas, utilizándose colores como el negro (óxido de manganeso), el rojo (óxido de hierro) o en algunos casos el blanco. - Interpretaciones:1-Algunos le otorgan a estas representaciones un significado narrativo. Siguiendo esta línea estas pinturas simplemente relatarían hechos de la vida cotidiana que se querían recordar. 2-Otros inciden en el sentido mágico o religioso - los que esto afirman se han fijado que los lugares donde se hallan estas pinturas son casi inaccesibles y no coinciden con los lugares de habitación y que dichas pinturas suelen estar agrupadas en un mismo lugar -. *Ejemplos: - El Cogull (Lérida). Las pinturas de este abrigo rocoso se interpretan como una especie de danza ritual en la que cabe distinguir a un grupo de mujeres con faldas largas y que muestran los pechos que están en torno a una figura de hombre que tiene muy marcado sus atributos sexuales. Los colores que destacan son el rojo o el negro. -Valltorta (Castellón). Se puede apreciar una escena de caza en la que un grupo de hombres, con arcos y flechas, está disparando contra una manada

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de ciervos que se dirigen hacia ellos, algunos de los cuales tienen varias flechas clavadas. Las figuras son monócromas (en ocre o en negro) y están muy simplificadas, en especial, los hombres que portan los arcos. - Remigia (Castellón). -Alpera (Albacete).

TEMA ELABORADO POR: • José Jerónimo Rodríguez Carrasco. • Profesor de Geografía e Historia. • I.E.S. Sierra La Calera. Santa Marta (Badajoz)

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