Comisariado > LINEAS DE VISION Con esta sección, el MACBA abre una línea de programación destinada a explorar el complejo mapa del arte sonoro desde diferentes puntos de vista y organizada en ciclos de comisariado. LÍNEAS DE VISION es un programa bimensual que toma su nombre de la red de puntos interconectados en la resonancia del espacio global creado por la radio y demás tecnologías sin hilos. A partir de la extraordinaria variedad de música que suena en este escenario global, seguiremos pistas tan diversas como la notación musical o la composición nolineal, y presentaremos a artistas que exploran ideas alrededor de la transmisión como medio de expresión creativa. A cargo de Barbara Held y Pilar Subirà.

Contenidos del PDF: 01. Lista de temas 02. Descripción de los temas + Biografías 03. Agradecimientos 04. Licencia

Barbara Held es flautista, compositora y artista sonora. Actualmente centra su interés en la relación rítmica entre la música y las imágenes de vídeo. Ha encargado e interpretado un conjunto idiosincrásico de nuevo repertorio para flauta de compositores españoles y americanos. Fue la creadora y productora de “Música a Metrònom”, una serie de conciertos de música experimental en la que se profundizaba la colaboración entre músicos y artistas visuales. Cree que los artistas/comisarios son responsables del trabajo de irse relevando para presentar la obra de unos y otros. http://www.barbaraheld.com/ http://barbaraheld.wordpress.com/ Pilar Subirà es percusionista, reputada intérprete de música contemporánea y miembro de varias formaciones de cámara y orquestales. Desde 1992 combina la actividad de intérprete con la presentación de un programa diario en la emisora Catalunya Música. Mastering de sonido: Ferran Conangla. Para cualquier consulta, comentario, sugerencia o enlace de interés: [email protected]

LINEAS DE VISION #5 Una orquídea en el país de la tecnología Muchas culturas tradicionales del mundo creen que pasamos por un ciclo de eras que se desplazan desde la luz hacia la oscuridad. Los hay que consideran nuestro periodo histórico como parte del Kali Yuga o era de la oscuridad, del conflicto, era de la tecnología. Fue en 1936 Cuando Walter Benjamin1 escribió "La obra de arte en la era de la reproducción mecánica", y el mundo se precipitaba entonces hacia la pendiente del horror; sin embargo, su visión sobre el potencial que poseemos resulta inspiradora. Para Benjamin las posibilidades de reproducción mecánica de la obra de arte, con la "pérdida del aura" de la obra de arte única, marca un cambio en el sentido humano de la percepción que hace añicos la tradición y conecta el arte con los grandes movimientos sociales y políticos de nuestro tiempo. El cambio que esto supone en nuestra implicación en el arte y en las masas participantes se refleja en el interés de este autor por los trabajos destinados a la radio. A John Cage le interesaba el impredecible momento presente y consideraba que “la grabación de una actuación no tiene más interés que una postal" (Yasunao Tone, "John Cage and Recording").2 Aun así, no se privó de utilizar material pregrabado y emisiones radiofónicas para crear música. La grabación y reproducción del sonido han tenido un rol fundamental en el proceso creativo de la llamada Musique Concrète, en la música electrónica y electroacústica, obras que existen directamente en una cinta. El mismo Yasunao Tone pensó su obra "Musica Iconologos" específicamente para el formato CD, y no podía existir hasta después de ser remasterizada. El proceso completo de la producción del disco es parte integrante de su composición. Una historia divertida sobre la utilización de las grabaciones: Salvador Dalí invitó a la comisión organizadora del Festival de Música de Cadaqués a su casa de Port Lligat y les obsequió con un "Tristán e Isolda con sardinas fritas", la audición de un vinilo viejo y rayado. La grabación puede constituir un reflejo de los pensamientos y emociones de un ser humano (Arthur Russell), lo mismo que memoria (el proyecto de Brandon LaBelle “Phantom Music-Radio, Memory and Narratives from Auditory Life”), o museo (Edgar Varèse utilizó grabaciones de la procesión y la Danza de la Muerte del Jueves Santo en Verges, de origen medieval, para construir la banda sonora de una película sobre Miró). Una producción de estudio registra una interpretación perfecta, su presencia en el espacio y el tiempo se parece a la de una película. Incluso el sonido destructivo puede transformarse en las delicadas vibraciones de una membrana transparente ("The trembling of my Williamsburg art studio", Juan Matos Capote). 1 Walter Benjamin, "The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction" 1936 http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/ge/benjamin.htm 2

Yasunao Tone, "Cage and Recording", Leonardo Music Journal,Volume 13, 2003 http://muse.jhu.edu/journals/leonardo_music_journal/toc/lmj13.1.html

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01. Lista de temas 01 Edgar Varèse "La procesión de Verges", Verges 1955. 2'54'' 02 Anne Wellmer, "needle" needle", 2003. 3' 03 Brandon LaBelle, "Dirty Ear", Ear" 2007. 8'46'' 04 Richard Garet, "Précis" Précis", 2008. 7'10'' 05 IBA "Octante Octante” Octante”, 2008. 8'15'' 06 Arthur Russell, "Home Away from Home", Home" 1994-2006. 5'12'' 07 Juan Matos Capote, "The trembling of my Williamsburg art studio while they were constructing outside" outside", 2008. 6'55'' (Nota: Por favor, cubrid vuestros altavoces con una fina capa de papel o acetato para apreciar las vibraciones). 08 Roscoe Mitchell, "Parched Plain", Plain" 2006. 13'06'' 09 John Bischoff, "Override", "Override" 2002. 3'51'' 10 Andres Lewin-Richter, “Study 1”, 1964 3'35'' 11 Matt Davis, "Rain", "Rain" 2007. 9'03''

02. Descripción de los temas 01 Edgar Varèse "La procesión de Verges Verges" ges" 1955 Fragmento de la banda sonora de "Around and About Miró", de Thomas Bouchard. Fragmentos de sonido organizado en una cinta magnetofónica. La copia proviene del archivo personal de Andrés Lewin-Richter, que fue estudiante y asistente de Varèse en el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton. El pueblo ampurdanés de Verges es conocido por su procesión y representación de la Danza de la Muerte del Jueves Santo. Esta tradición se remonta a la Edad Media y se ha mantenido en Verges sin interrupción. Preguntamos a Andrés por su experiencia en la audición de viejas cintas y si, con oídos acostumbrados a la tecnología actual, su percepción de la música había cambiado, a lo cual nos contestó que era como escuchar la esencia de la persona que las hizo, como el sonido de una voz, o una fotografía. Más información: http://www.accompositors.com/compositores-curriculum.php?idComp=80 Andrés Lewin-Richter: http://www.iua.upf.es/~alewin/ 02 Anne Wellmer "needle" 2003 "Fu era un joven estudiante de ingeniería chino al que conocí durante mi estancia en una residencia en Karlsruhe en 2003. En aquel momento yo estaba trabajando la idea de una obra radiofónica sobre las aventuras de una aguja que se había perdido en un pajar. Fu se ofreció a leerme una parte de su diario, escrito mientras viajaba por Francia el año anterior. Durante la grabación de la lectura de Fu supe de qué hablaba, pero ahora no puedo recordar realmente si eran o no observaciones hechas en una playa de la Riviera francesa".

[Anne Wellmer]

Software y hardware utilizados en la obra: - Micrófono binaural OKM + grabador DAT portátil - Módulos analógicos Doepfer - Radio de onda corta de Sony - Bobina para captar y amplificar campos electromagnéticos - Software: Nuendo, Peak, MaxMsp - Apple G3 powerbook

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Anne Wellmer es una artista sonora nacida para enojarse en Alemania en 1966, criada para ser salvaje en Estados Unidos (1970-1973) y educada para ser ruidosa en los Países Bajos (1992-1997). Su obra incluye performances e instalaciones, música para teatro y coreografías. Actúa como improvisadora, compositora y cantante, utilizando instrumentos electrónicos diversos como VCS3 EMS Sinthy, ARP 2600, STEIM Crackle Box y portátiles. Más información: http://www.nonlinear.demon.nl http://myspace.com/uiuiuikoo http://myspace.com/nonlinearanalogica 03 Brandon LaBelle "Dirty Ear" 2007 1. home 4:16 2. closet 4:25

["prototypes for the mobilization and broadcast of fugitive sound", 2007. Foto: Brandon LaBelle]

"Dirty Ear" es una serie de trabajos de audio, compuestos alrededor de un espacio o localización imaginarios, que expanden la noción y la actividad de la grabación ambiental. De este modo, la ubicación funciona como motivo o tema y, al mismo tiempo, como objetivo. Cada corte apunta hacia el emplazamiento imaginario como si fuera una contra-sonoridad. La distracción, el ensueño, la fantasía y la representación-distorsión sonora se convierten en figuras que dan forma a ficciones musicales. Más que buscar la captación de un entorno ya existente de manera invisible o de proyectar en el oyente el sentido de la naturalidad, la obra imagina e interpreta activamente los entornos a través de hiperconstrucciones que incluyen aspectos de ironía y saturación. Para conseguirlo, los trabajos constan de elementos diversos de audio como descargas de efectos de sonido, grabaciones de campo de fabricación propia y también ajena, electrónica minimal y “beat-work”, guiando al oyente a través de series de micronarraciones que enlazan las referencias del entorno con las de la imaginación sónica. Brandon LaBelle es un artista y escritor que trabaja con el sonido y sus narrativas culturales. Por medio de su trabajo con Errant Bodies Press ha coeditado las antologías "Site of Sound: of Architecture and the Ear”(1999); "Writing Aloud: The Sonics of Language" (2001); "Surface Tension: Problematics of Site" (2003) y “Radio Territories” (2007), además de series monográficas ("Critical Ear Series") sobre el sonido y los artistas media. Como artista, trabaja en el terreno de la instalación sonora, la performance y las intervenciones públicas. Ha expuesto internacionalmente sus instalaciones en exposiciones y festivales como "Sampling Rage" (1999), "Podewil Berlin, Sound as Media" (2000) en el ICC Tokyo, "Bitstreams" (2001) en el Whitney Museum de Nueva York, "Pleasure of Language" (2002) en el Netherlands Media Art Institute de Amsterdam, "Undercover" (2003) en el Museum of Contemporary Art de Roskilde y "Tuned City" (2008), en el festival de sonido y arquitectura de Berlín. También ha presentado una exposición individual en la Singuhr Galerie de Berlín (2004), una composición experimental para “baterías pirata” como parte de "Virtual Territories" en Nantes (2005), y sus "Prototypes for the Mobilization and Broadcast of Fugitive Sound" se expusieron en la galería Enrico Fornello de Prato en 2007. Su proyecto de construir una biblioteca de memorias radiofónicas se presentó en 2006 como parte de "Radio Revolten" en Halle, Alemania, y en la Casa Vecina de Ciudad de México (2008). Es autor de "Background Noise: Perspectives on Sound Art" (Continuum 2006). Más información: http://www.errantbodies.org/labelle.html

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04 Richard Garet "Précis" 2008 "Esta obra es el resultado del procesado digital de grabaciones de sala de dos actuaciones en directo realizadas en Brooklyn, NY, en octubre de 2007. Más información: http://www.richardgaret.com

[Richard Garet, "Light Field"]

05 Octante, "Sin título" 2008 Margarida Garcia: bajo eléctrico Ruth Barberán: trompeta y objetos Ferran Fages: electrónica Alfredo Costa Monteiro: acordeón y objetos Fragmento de un proyecto de estudio iniciado en 2003 como resultado de la grabación hecha para "L’innoviable". Grabado en 2008 con Ferran Conangla. La improvisación está enfocada en la armonía, el espacio y las dinámicas.

[Octante]

Más información: Margarida Garcia: http://www.creativesourcesrec.com/artists/m_garcia.html Ruth Barberán: http://www.experimentaclub.com/data/ruth_barberan/index.htm Ferran Fages: http://www.etuderecords.com Alfredo Costa Monteiro: http://www.cremaster.info 06 Arthur Russell "Home Away from Home" 1994-2006 Arthur Russell: cello y voz De "Another Throught", Orange Mountain Music, reedición de POINT, producido por Don Christensen

[Ferran Fages]

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Este tema ha sido extraído de uno de los CD de la serie que se publicó tras la prematura muerte de Arthur Russell. Él utilizaba el estudio de grabación a su propia manera íntima y sutil, con el eco como prolongación y énfasis de determinadas sílabas, creando efectos de iluminación de intensidad rítmica. Michael Crumsho hablaba de su música "no como una colección de canciones, sino más bien como un reflejo de la naturaleza humana real, una representación de los pensamientos, esperanzas, sueños y tristeza profunda que impregnan las horas de la vida cotidiana". Más información: http://www.audikarecords.com 07 Juan Matos Capote "The trembling of my Williamsburg art studio while they were constructing outside" 2008 Nota: Por favor, cubrid vuestros altavoces con una fina capa de papel o acetato para apreciar las apreciaciones.

[Juan Matos Capote, "Visual element of 'The trembling of my Williamsburg art studio while they were constructing outside: speaker, circle, square, triangle and grid'"]

“Esta obra tiene una parte visual y una parte sonora. El sonido es una grabación editada de los sonidos producidos por la construcción de varios edificios cerca del estudio en el que vivía y trabajaba en Williamsburg, Brooklyn, a lo largo de mi última estancia en Nueva York. Es una manifestación del crecimiento descomunal y rápido, y del desarrollo real de esta parte de la ciudad. La grabación incluye sonidos de maquinaria de construcción, camiones, hormigoneras, perforadoras, etc. Estos sonidos son diurnos, constantes e irritantes; no me permitían trabajar en condiciones en mi estudio y me despertaban temprano cada mañana. En ese período estaba trabajando en algunas pinturas con formas geométricas, y por lo tanto precisaba de precisión y de un pulso firme. Pero la maquinaria de construcción producía, además del sonido que invadía el silencio, vibraciones en el edificio que hacían temblar mi mano. Con el objetivo de sacar partido de las circunstancias adversas, decidí grabar el entorno en el cual estaba destinado a trabajar. Mi última obra (visual y /o sonora) se refiere a la reformulación de la experiencia en un lugar o espacio personal. Así surgió la idea. La parte visual pasa en el hogar o en el lugar donde se sitúa el oyente. Éste puede disponer un recorte fino de acetato o cualquier otro material parecido (una lámina de plástico o papel fino) encima de los conos de los altavoces sin la cubierta de protección, de forma que las frecuencias graves provoquen la vibración del acetato o del material parecido. Cuanto más potentes sean los altavoces, más se percibe el efecto de la vibración, y con un subwoofer funciona todavía mejor. De esta forma, las vibraciones que llegaban a mi edificio de Williamsburg, donde yo intentaba pintar en silencio y con un pulso firme, quedan reflejadas. Una variación en el elemento visual de la pieza sería la colocación de pequeños trozos de papel con diferentes formas geométricas dentro del cono, colocando el altavoz en posición horizontal sobre una mesa. Los papeles se mueven y vibran en el interior del círculo con las frecuencias graves”. Juan Matos Capote es un artista canario que ha vivido durante los últimos 12 años en Nueva York y que recientemente se ha instalado en Barcelona. Estudió en el Pratt Institute de Brooklyn, donde obtuvo un máster en Bellas Artes. Su formación y práctica artística eran originalmente visuales, pero empezó a trabajar los elementos auditivos con la utilización de onomatopeyas que pintaba o “esculpía” en diversos materiales táctiles, fruto de su interés por la percepción y las relaciones entre los diferentes sentidos. Su trabajo con el sonido se inició en el sentido más físico, sin por eso abandonar su interés por los aspectos visuales y sin más formación en ese terreno que el estudio del Circuit Bending con el pionero Reed Ghazala en Cincinnati, Ohio, y de técnicas de Deep Listening con la compositora e intérprete Pauline Oliveros.

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Su obra de sonido más reciente, "The Subway Aural Recordings", consiste en una serie de composiciones basadas en grabaciones hechas en el metro de NY, publicadas por Einzeleinheit en Múnich. También actúa como parte del dúo "Thick Wisps". Su obra ha sido expuesta en Estados Unidos, Europa, Australia y África. Más información: http://myspace.com/juanmatoscapote http://juan-music.blogspot.com/ http://www.youtube.com/juanmatoscapote http://juanmatos-capote.Neoimages.net 08 Roscoe Mitchell "Parched Plain" 2006 Roscoe Mitchell Trio, de No Side Effects, CD editado por Rogue Art. Roscoe Mitchell (saxo). Harrison Bankhead (bajo) y Vincent Davis (batería) Las innovaciones de Roscoe Mitchel como intérprete solista, su papel en la resurrección de instrumentos de viento de madera —de registros extremos y olvidados durante mucho tiempo—, y su reafirmación del papel del compositor ligado tradicionalmente a una forma de improvisación, lo han situado en la vanguardia de la música contemporánea a lo largo de más de 20 años. A través de su participación en el establecimiento del Advancement of Creative Musicians (AACM) y como miembro fundador del mundialmente famoso Art Ensemble de Chicago, Roscoe Mitchell, compositor y multiinstrumentista, contribuyó de forma importante a la creación de un cuerpo de material musical que marcó el periodo post-Coltrane. Roscoe Mitchell ha recibido muchos premios como el National Endowment for the Arts, Wisconsin Arts Board, Vilas Foundation, University of Wisconsin-Madison y una beca para investigación del Institut de Recherche et Coordination Acoustique Musique (IRCAM) en París. Fundó el Creative Arts Collective (CAC) en East Lansing, Michigan, y es líder y fundador del Sound Ensemble y cofundador del trío Space. En agosto de 2007 Roscoe Mitchell ocupó la silla Darius Milhaud en el Mills College, Oakland, California. “Parched Plain” es una improvisación para saxo alto, contrabajo y batería con parámetros fijos. A cada músico se le pide que cree una improvisación que mantenga la individualidad y la intensidad con un límite temporal de doce a quince minutos. 09 John Bischoff "Override" Override" 2002 De “Aperture”, publicado por 23five, grabado y mezclado por John Bischoff en el Center for Contemporary Music del Mills College, Oakland, California. Relaciones sintéticas con mediación humana.. No se trata de procesos naturales, aunque se podría decir que estas piezas replican la profundidad de la jerarquía musical sin la sensación de la causalidad física. Sutilidad fabricada hasta la misma raíz. Cada pieza es una presencia física, un objeto temporal que resuena en el aire, que se desarrolla a lo largo de un eje de intención reflexiva, junto a la corrección periódica de errores y las interacciones manuales. En todo momento existen las mismas probabilidades, tanto de mantener la condición actual como de interrumpirla. Una especie de síntesis de lógica binaria guiada por la contemplación humana. Estas piezas fueron desarrolladas a partir de cero utilizando el lenguaje de síntesis de sonido Max/MSP a través de varias técnicas: desde la síntesis aditiva hasta la modulación de frecuencia o el procesado de muestras. Cada una de ellas se dirige y se altera en directo mediante un pequeño grupo de controles manuales. Grabado en tiempo real sin mezclas adicionales.

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La grabación como memoria/archivo, como instrumento, como transcripción de una actuación perfecta, como arte de sonido que utiliza grabaciones de campo. Más información: http://www.23five.org http://www.johnbischoff.com 10 Andrés Lewin-Richter “Study 1” 1964

[ [Matt Davis, lluvia]

Como cualquier estudio musical, “Study 1” es una exploración en campos inicialmente desconocidos para Andrés Lewin-Richter. En esta pieza se exploran los sonidos "instrumentales", de manera discreta, como por ejemplo sonidos de campanas, pizzicati de contrabajos o sonidos de percusión, usando generadores electrónicos de sonido que a la vez generan células rítmicas de tensión y relajación, y sonidos puramente electrónicos que crean fondos, a manera de bajo continuo. Los materiales se encuentran en 6 pistas y 4 magnetófonos sincronizados con entradas perfectamente prefijadas que en el momento de la realización de la pieza exigían que se pudieran sincronizar con precisión como máximo 60 segundos. Por ello la pieza se divide en 4 secciones. 11 Matt Davis "Rain" 2007 "'Rain' es una obra hecha completamente a partir de grabaciones de lluvia. Durante el verano pasado, que fue muy lluvioso, hice unas cuantas grabaciones, y también he usado otras realizadas anteriormente. Me atrajo la idea de grabar la lluvia como ruido blanco en un espacio determinado. Me interesan más los espacios que los sonidos por ellos mismos, la lluvia es una bonita manera de capturar el sonido de un espacio sin particularidades. Es como el silencio audible de un lugar, tiene una especie de efecto que frena, alguna cosa que quizás tenga relación con la melancolía. Y cada vez es diferente, naturalmente. De estas grabaciones se extrae una amalgama que otras también reflejan. Se escuchan cosas de su interior, pero también es una textura densa, muy semejante a la del ruido blanco, pero no exactamente igual. Tocado con algo que puede tener o no forma interna, algo que podría experimentarse como un objeto de sonido, o en lo que podría entrarse como un espacio en sí mismo. Te pide de alguna forma que estés en dos lugares a la vez. Es importante decir que la obra fue pensada inicialmente como una pieza radiofónica (aunque soy consciente de que se trata de una transmisión digital), y que el sonido es muy semejante al de la interferencia radiofónica, de modo que se da un deseo de trabajar mediante la naturaleza del medio, utilizando el sonido como el medio mismo". Biografía: "Londres 1970. Me formé como artista visual, pero poco a poco me introduje en la música, que se convirtió en mi actividad principal, como trompetista y también haciendo grabaciones de campo. Después de establecer conexiones con improvisadores en el Londres de principios de los noventa, como Mark Wastell, Rhodri Davies y Angharad Davies, me trasladé a Barcelona, en el momento en que Agustí Fernández estaba formando la Orquesta IBA. Hice muchos bolos con ellos, incluso un concierto que dirigió Buth Morris, y colaboré con Liba Villavecchia, Rosa Muñoz y Anna Subirana (Tres perros y una cabra), con Ruth Barberán, Alfredo Costa Monteiro (I Treni Inerti) y Ferran Fages. También en Cataluña conocí a Constanza Brncic y a Carme Torrent, que junto con Uri Blanch crearon la compañía de danza La Sospechosa, y la colaboración todavía continúa. De regreso a Londres he comisariado una serie de conciertos llamada Field, en la que se intentaba incluir la danza. Esta serie, que cuenta con la colaboración del Chisenhale Dance Space, se ha ido convirtiendo en un proyecto de investigación de live art/performance. He colaborado también con Rhodri Davies, Samantha Rebello, Bechir Saade y Matt Milton en grabaciones publicadas por el sello Another Timbre, y he actuado en las dos últimas ediciones del festival LMC con la formación Otomo Yoshihide Amode Cathode y formando dúo con Robin Hayward".

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Más información: http://www.f-i-e-l-d.co.uk http://www.myspace.com/mattdavisfield

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03. Enlaces adicionales Soundmuseum. Museum for Contemporary Sound Art Con Soundmuseum.fm, queremos crear un espacio en el que una audiencia pueda escuchar piezas sonoras únicas en un espacio virtual agradable, libre de sonido e interrupciones; un espacio que sea accesible desde cualquier sitio en el mundo, en el que la gente pueda escuchar trabajos originales y en el que el sonido pueda trascender a su entorno visual. http://tijdelijk.soundmuseum.fm ../artesonoro.org artesonoro.org es un proyecto que nace en SINSALaudio, Vigo, con el apoyo del equipo de mediateletipos.net, del Centro de Creación Experimental de Cuenca, el festival Zemos98 de Sevilla, la asociación de artistas Alg-a de Galicia, la asociación CRC de Madrid, Castilla y Leon Web Cultural, y la radio OndaSonora de Madrid. Su objetivo es servir de portal de acceso a los proyectos y artistas que trabajen en la promoción y divulgación del fenómeno sonoro en nuestro idioma. También sirve de lugar de encuentro para la discusión sobre la profesión y sus satélites. http://artesonoro.org 25H Puedes encontrar todo el material que quieras sobre nuestras actividades, además de poder descargarte video, audio, fotografías, textos y diseños, o descargarte auto ediciones, programas de radio o conciertos, o linkar con las webs de las emisoras desde las que emitimos, en nuestra red de blogs. http://25hombres.blogspot.com/ http://desconciertos25hombres.blogspot.com/ http://1hombre.blogspot.com/ http://circulodeamigosdejsavagge.blogspot.com/ http://gaddb.blogspot.com/ http://1mujer.blogspot.com/ http://1hy1m.blogspot.com/ Exchange Rate: 2008

Exchange Rate: 2008 es un intercambio internacional de performances organizado por la artista Elana Mann como respuesta a las elecciones presidenciales americanas de 2008. http://exchangerate2008.com

04. Licencia 2008. Reservados todos los derechos. © de los respectivos autores y editores. Se han hecho todas las gestiones para identificar a los propietarios de los derechos de autor. Cualquier error u omisión accidental, que tendrá que ser notificado por escrito a RWM, será corregido en la medida de lo posible.

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