16+1

ENRIQUE CATTANEO MAESTRO IMPRESOR

D. R. © 2015 Centro de Cultura Casa Lamm www.casalamm.com.mx Álvaro Obregón 99, colonia Roma México, D. F., C. P. 06700

Impreso y Hecho en México por Grupo Romo

Información y Ventas Centro de Cultura Casa Lamm

Information and Sales Casa Lamm Cultural Center

www.galeriacasalamm.com.mx [email protected] [email protected]

Álvaro Obregón 99 Col. Roma, México D.F. 06700 Tels. + 52 (55) 5525 1332, + 52 (55) 5511 2164 exts. 215 y 216

Inauguración: 29 agosto Clausura: 29 septiembre 2015

Opening: August 29 Closing: September 29, 2015

16+1

ENRIQUE CATTANEO MAESTRO IMPRESOR

Catalogue Presentation

It is not possible to discuss graphics arts in Mexico without talking about Enrique Cattaneo, who attended the Escuela Nacional de Artes Plásticas at Mexico’s National University. He was barely 20 when he finished his courses, obtaining the degree of “Painter”. Up to that point, his contact with graphic arts had been at university workshops, in which he attained basic skills in lithography, zincography and learned some notions of serigraphy. After graduation, Cattaneo opened a painting studio in Mexico City’s Coyoacán district. In order to make a living, he taught drawing and modeling at junior high and high schools. To increase his income, he started doing serigraph prints on a small scale. At the shop where he used to buy ink and other implements for serigraphy, he once he found out about a symposium organized by the Mexican Association of Serigraph Industries (AMIS), a chapter of the Screen Printing Association (SPA). He decided to attend and went to every meeting held during the three days that the event lasted. He eventually became part of that group, and its only member devoted to art works instead of commercial production. At that 100% commercial symposium, Enrique Cattaneo found out that he could make use of technology to produce art. He then started his career as editor and printer of high-level serigraphs. Mexico’s most important galleries started seeking Cattaneo to edit and print the works of their contemporary and avantgarde artists. That is the case of Galería de Arte Mexicano, Galería Arvil and Galería de Juan Martín, to mention a few. He also contacted several companies in order to print graphic art by diverse authors for their seasonal gifts. Some of those firms were Cartón y Papel de México, Olivetti Mexicana and Tintas Sánchez. It required a lot of effort, but Cattaneo finally started a workshop in Mexico City, which would close after a few years. This scenario would repeat itself with some frequency, since he was more focused on the quality of the artworks than on the commercial side of business. But each studio was larger than the previous one, and more successful, so he would eventually receive numerous national and international awards. In 1998, for health reasons he moved to Cuernavaca, in the state of Morelos. Since then, thanks to his devotion and love for printing, his graphic arts production has been considerable. The list of artists with whom he has worked includes great creators, like Rufino Tamayo. Throughout his life as a printer, Cattaneo has kept alive his interest in painting, but he has not been able to devote the time that we would have liked to this artistic expression, since graphic arts are very demanding and each work is a challenge. Up to this date, he has had eight solo and thirty collective exhibitions. During the last fifteen years, Cattaneo has been part of the staff at the Arts Faculty of the Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM), in the capacity of full-time researcher, teaching drawing and graphic techniques. For the period 2013- 2016 he was appointed faculty dean. Enrique Cattaneo is undoubtedly a master of Mexican graphic arts. He has achieved perfection in the execution of both his own works and those by other artists who have called upon him for help and have walked away thoroughly satisfied with the results. Galería Casa Lamm’s show, 16+1, exhibits some of Cattaneo’s remarkable works that have presented significant challenges in their execution. Alda Carrasco Fernández Art Historian Translation: Jorge Ruíz Esparza

Presentación Hablar del arte gráfico en México, es hablar del Maestro Enrique Cattaneo, egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México donde termina sus estudios, obteniendo el título de “Pintor”, a la edad de 20 años. Hasta entonces, su contacto con el arte de la estampa había sido a nivel de estudios universitarios, a través de prácticas y ensayos, gracias a los cuales obtuvo conceptos básicos de litografía, grabado en zinc y vagamente, en la serigrafía. Ya en la vida profesional, instala su estudio en Coyoacán, en donde intenta encontrarse con la pintura. Por las mañanas, impartía clases de dibujo y modelado en escuelas particulares de nivel medio y medio superior, para sostenerse económicamente; y para obtener mayores recursos, empezó a imprimir pequeños trabajos en serigrafía. En una ocasión a través de la tienda en donde adquiría sus tintas y demás insumos para la serigrafía, se entera de un congreso que se celebraría en la ciudad de México, organizado por la Asociación Mexicana de la Industria Serigráfica (AMIS) filial de la Screen Printing Asociation, SPA. Decide asistir a dicho congreso y durante los 3 días que duró, acudió a todas las conferencias; sin embargo algunos años después él formaría parte de ese selecto grupo siendo el único en dedicarse a la producción de obras de arte y no a la parte comercial. En dicho congreso de carácter 100% comercial, Enrique Cattaneo descubrió que podía aprovechar toda la tecnología para llevarla al ámbito de la producción gráfica: para ediciones de arte. A partir de ese momento, inició su carrera como editor e impresor en serigrafía al más alto nivel. Enseguida se empezaron abrir para él, puertas de las galerías más importantes de México, para editar e imprimir a los artistas contemporáneos y de vanguardia que representaban, como Galería de Arte Mexicano, Galería Arvil, o Galería de Juan Martín, por mencionar algunas. De la misma manera, hace contacto con diversas empresas, para elaborar los regalos de fin de año, que consistían en obra gráfica de diversos autores. Algunas de estas empresas fueron: Cartón y Papel de México, Olivetti Mexicana y Tintas Sánchez. Con grandes esfuerzos, logra montar un taller en la ciudad de México, el cual cerraría al cabo de pocos años. Esta escena se repetiría varias veces, ya que para él era más importante la calidad de la obra, que el negocio en sí. Finalmente, logró que su taller creciera cada vez más, tanto en dimensiones como en logros, obteniendo muchos premios a nivel nacional e internacional. En 1998 por problemas de salud cambia su residencia a la ciudad de Cuernavaca, Morelos. A pesar de ello, su dedicación y pasión por la producción de estampas, han hecho que su producción de obra gráfica sea bastante considerable. La lista de los artistas con los que ha trabajado, es demasiado larga para ser mencionada, pero en su taller han trabajaron grandes figuras como el Maestro Rufino Tamayo. Durante toda su vida como impresor, no ha dejado a un lado la pintura, sin embargo, no ha podido dedicarle el tiempo que él hubiera querido, la producción gráfica es una pasión y cada pieza representa un reto, por ello, a la fecha ha tenido 8 exposiciones individuales y ha participado en 30 colectivas. Por otro lado, en estos últimos 15 años ha formado parte de la planta docente en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM), como Profesor Investigador de Tiempo Completo, donde imparte las materias de dibujo y técnicas graficas. En la actualidad ocupa el puesto de Director de la propia Facultad para el período de 2013-2016. Enrique Cattaneo es sin lugar a duda un maestro de la gráfica en México, ya que ha logrado la perfección en cada una de las obras que ha realizado, tanto propia, como de todos aquellos artistas que alguna vez han pisado su taller para salir plenamente satisfechos con los resultados. En esta ocasión con la muestra 16+1 en Galería Casa Lamm, presenta algunas de las piezas que han sido especiales por el reto que significaron para su elaboración. Alda Carrasco Fernández Historiadora del Arte

ENRIQUE CATTANEO 1946. México, D. F.

Cattaneo como es reconocido, es en la actualidad un referente obligado en la historia de la plástica contemporánea mexicana. Su estilo es paisajista —algunas veces abstracto y otras figurativo—, decididamente minimalista, obsesionado con el horizonte; con la posibilidad o imposibilidad de derrotarlo, o por exacta contraparte, ser derrotado por él. Más recientemente, ha centrado su atención artística en el cuerpo de la mujer, en el semidesnudo femenino, ese que provoca infinitas fantasías. Su actividad como pintor es paralela a ser experto grabador con el arte del entintado, el tórculo, las planchas y los ácidos. Considerado un coautor importante junto con los artistas plásticos de primerísimo nivel (como Rufino Tamayo, Vicente Rojo, Carlos Mérida, José Luis Cuevas, Manuel Felguérez, por mencionar algunos), que lo han buscado para plasmar sus obras al ambiente gráfico, demostrando su elevada valuación que da a su propio trabajo. Un grabado, una serigrafía, una xilografía, etc., son tan originales como un óleo, un acrílico o cualquier técnica de pintura. Incluso, el mundo particular de cada una de estas técnicas es inmensamente variado y de una gran riqueza (linografía, aguafuertes, aguatinta, punta seca…). El trabajo de comprender, dominar y llevar a cualquiera de estas técnicas, toda la intención visual y estética del artista así como las emociones, texturas o colores, le dan la misma validez que el acto de llevarlo a cualquier material y/o composición artística. En realidad es un trabajo, no sólo original, sino de un gran valor, es por ello que a Cattaneo lo sitúan en lo más alto de la calidad gráfica en México

Mangle rojo (5 piezas) Serigrafía 56 x 56 cm. Cada una, 2008

TÉCNICAS DE ESTAMPACIÓN

El arte gráfico de que disponen los artistas para sus creaciones tiene tres aspectos básicos: El primero es alguna herramienta con la cual a una obra original se le hacen una serie de líneas, texturas y efectos diferentes; el segundo consiste en multiplicar la obra a través de ediciones de un determinado número de estampas; y el tercero es llegar a nuevos mercados, ya que la obra múltiple tiene un precio menor que la obra original. Para la elaboración de una edición de estampas es indispensable tener una matriz, que se entinta y, ejerciendo determinada presión sobre un sustrato, como papel, la tinta de la matriz pasa a este, resultando de ahí una impresión. Hay muchas técnicas de impresión y en la actualidad, con las nuevas tecnologías, se han inventado nuevas formas para editar estampas. Entre las formas de impresión inventadas por el hombre a través del tiempo son: xilografía, huecograbado y serigrafía.

Xilografía Consiste en grabar o desbastar una tabla de madera, llamada “taco”, para ir dejando en la superficie del taco el motivo que se va a imprimir. Para desbastar la madrea nos valemos de herramientas especiales llamadas gubias, que tendrán que estar bien afiladas para poder cortar el hilo de la madera. A esta forma de matriz se le llama “altorrelieve”; de tal suerte que en el proceso de impresión se entinta solamente la superficie del taco por medio de un rodillo de hule, dejando blancos en el papel en los lugares donde se desbastó la madera. Para una xilografía a color se emplearán tantos tacos como colores correspondan al proyecto original. Esta técnica de impresión se puede realizar sobre una mesa plana, donde colocaremos los registros del taco o los tacos y otro registro para el papel, para que todas las tintas caigan en el lugar que les corresponda.

Huecograbado Contrariamente a lo que ocurre con la xilografía, lo que importa en el huecograbado son las hendiduras que se le hacen a una placa. La matriz del huecograbado es una placa de metal de hierro, zinc o cobre, de un espesor no mayor a 1 ó 2 mm. Dicha placa habrá que lijarla y pulirla para quitarle todas las imperfecciones, ya que la superficie corresponderá a los tonos claros y blancos de la obra. Hay dos formas de grabar o hacer incisiones en una placa: de forma directa o indirectamente. 1) La primera es mediante una punta de acero, con la que se practican las incisiones. Cuanto más profunda la incisión, más negra quedará la línea al momento de la impresión. A esta técnica de grabado se la llama punta seca. Dentro de la forma directa hay otra manera, llamada mezzotina o a la manera negra. Por medio de una herramienta llamada “cuna”, se graba toda la superficie de la placa, dejando una textura rugosa, que al momento de sacar una prueba resultará totalmente negra. El proceso de la mezzotinta consiste en aplanar las partes rugosas de la placa por medio de un bruñidor, para ir sacando las

distintas tonalidades del motivo que se desea imprimir, desde zonas obscuras que requieren poco bruñido, hasta tonalidades más claras que exigen aplanar más el metal, hasta los blancos, donde se vuelve a dejar totalmente lisa la placa. 2) La segunda forma de grabar una placa de metal, la forma indirecta, es por la acción de un mordiente que ataque y destruya al metal. Puede ser por medio de ácidos o de sales corrosivas. Para lograrlo habrá qué proteger la placa con un barniz especial hecho a base de asfalto y resina disueltos en colofonia. Este barniz protege la placa de la acción del mordiente. Utilizando una punta de acero, se va retirando el barniz de la superficie de la placa, donde corresponde al dibujo del proyecto, para dejar el metal expuesto. El siguiente paso es introducir la placa en una charola que contenga ácido en cierta proporción de agua para que muerda el metal y haga la incisión requerida. Se retira el barniz de la placa y se entinta con una espátula de hule, procurando que entre en todos los huecos que se lograron por la acción del ácido. Se retira la tinta excedente de la superficie de la placa con tarlatana y papel, dejando solamente la que se depositó en los huecos. Para la impresión se coloca sobre la placa un papel húmedo y, por medio de una prensa con mucha presión, la tinta de los huecos de la placa quedará en la superficie del papel y, de esa forma, se logra una impresión. Dentro del grabado en metal o huecograbado hay muchas otras técnicas, como aguatinta, para lograr efectos acuosos; talla dulce, para líneas más suaves. En fin, toda una riqueza de efectos y texturas

Serigrafía Es una técnica de estampación más moderna y radica en pasar tinta a través de una malla que originalmente era de seda (de ahí el nombre de serigrafía), para ser impresa en una superficie determinada. La matriz en serigrafía se llama esténcil, que es un bastidor de madera o metal con una malla tensada. Sobre la malla se reservan o bloquean las partes que quedarán sin tinta, dejando la malla descubierta donde se desee imprimir. Para imprimir una imagen se elabora primero un positivo, consistente en dibujar sobre una superficie transparente o translucida la imagen que se desea imprimir, utilizando lápices negros de cera o tinta negra, según el motivo que se transportará a un esténcil. Para la preparación del esténcil se aplica sobre la malla una capa delgada de emulsión sensible a la luz. Una vez que seca, se coloca en una mesa de vacío junto con el positivo para que hagan perfecto contacto, dando una exposición de luz por medio de una lámpara de metal halógeno para endurecer la emulsión en las partes donde no va a pasar la tinta y dejar blanda la emulsión que no se endureció por efecto de la luz. Terminando la exposición de luz, se saca el esténcil y se lava con agua corriente para quitar la emulsión blanda y, de esa forma, quedará la imagen sobre la malla, teniendo como resultado un esténcil. Para la impresión se fija el marco con un par de bisagras que estarán sujetas en una mesa plana. Debajo del esténcil se sitúan los registros donde se coloca el papel a imprimir. Sobre el esténcil se agrega la tinta y por medio de un rasero de hule se pasa la tinta de un lado al otro del esténcil, ejerciendo una leve presión para depositar la tinta sobre el sustrato a imprimir. De esa forma se obtiene una impresión, repitiendo la operación según el número de ejemplares deseados. Para cada color se requiere un esténcil diferente, y en la suma de todos ellos es como se completa una obra.

ENRIQUE CATTANEO

La gata rosa (10 piezas) Técnicas varias 19 x 19 cm. Cada una, 2010

CARLOS AGUIRRE

1948. Acapulco, Guerrero, México.

Aguirre es un artista de formación autodidacta. Inicialmente trabajó el dibujo y la neográfica (el empleo de la fotocopia y la presentación de la imagen usando diferentes medios) hasta llegar a la pintura y las instalaciones. Las técnicas que ha utilizado a lo largo de su trayectoria artística son: dibujo, gouache, tinta, pastel, tierras, pigmentos sobre papel, fotocopia, fotografía y collage. En sus instalaciones están presentes materiales como cobre, acrílico, negro de humo, lámina, lona, prensa, chapopote, carbón y azufre entre otras. Su preocupación por el conocimiento de la historia en México lo ha llevado a adentrarse en problemas de carácter político y social que trata con una profunda visión plástica. En su obra podemos captar una actitud crítica de los problemas que trata y de un arte comprometido con las causas progresistas de la humanidad. Su trayectoria siempre vinculada a la crítica, lo lleva a tratar problemas graves de la ciudad como ecología, vejez, basura y cuestiones económicas.

Topografía Serigrafía 120 x 80 cm., 1998

RAFAEL CANOGAR 1935. Toledo, España.

En sus inicios Canogar acudió como discípulo a la casa taller del Maestro Daniel Vázquez Díaz, con quien estudiaría hasta 1953. En esta época pinta paisajes y retratos al estilo de su maestro y comienza a interesarse por la obra de Braque, Picasso y Miró. A diferencia de otros artistas de la misma generación, su obra no se puede clasificar dentro de un estilo determinado, aunque posee unos rasgos que serán constantes a lo largo de su obra: el gesto, la materia y el color. Tres elementos que se presentarán alternativamente dentro de una estética informal, figurativa o abstracta. La materia pictórica y la gama cromática se enriquecen llenando de matices la obra. Poco a poco va introduciendo trazos y líneas, formas geométricas que le permiten reordenar la composición. Su obra, está dominada por una cuidada tensión entre gestualidad y geometría.

ROJOS - NEGRO (Tríptico) Digital - collage 56 x 45 cm. Cada una, 2012

RAFAEL CAUDURO 1950. México, D. F.

Cauduro descubrió su vocación por la pintura en 1975 y en ésta se denota una gran técnica hiperrealista, con dominio de los colores, del dibujo y del manejo de diferentes materiales como metales, fibra de vidrio, madera, entre otras, y en sus composiciones denota un deseo por mostrar el deterioro de las cosas cotidianas. A lo largo de su productiva carrera ha manejado diversas técnicas, para su minucioso dibujo, como el óleo, encáustica, acrílico y carbón así como también se apoya en la tecnología con la fotografía digital. Domina todos los materiales y matiza cada efecto para lograr una perfección formal, los objetos se presentan con toda la carga de su historia en manchas, rasgaduras, pegotes y escurrimientos, dejando atrás el espacio tradicional, añadiendo textura y relieve con espuma de poliuretano, metales y plásticos, que cambian el soporte cotidiano para dar la impresión de estar entre lo real y los sueños. Un claro ejemplo de su técnica y temática que asombra al espectador, es la reflexión indirecta del contexto actual de la justicia en México, la cual se expresa en su mural 7 Crímenes de la Suprema Corte de Justicia de la Nación en la ciudad de México, donde exalta conceptos como el abandono, el envejecimiento y el desgaste social.

Pinches bugas Técnica mixta 114 x 74 cm., 2015

JAVIER CRUZ 1952. México, D. F.

Cruz es uno de los artistas mexicanos contemporáneos mejor posicionados y más reconocidos en México y en el extranjero. Es un creador plástico muy completo pues realiza bien facturadas pinturas, esculturas, grabados, arte objeto, escenografías y murales con una técnica muy mesurada y complicada. Su producción se inscribe dentro del neo-informalismo ya que sus lienzos presentan evocaciones oníricas llenas de controversiales sentimientos transmitidos por estratos rugosos con variaciones de arenas sílicas, unidas a una exquisita variedad cromática con características luminosas que contrastan entre sí: por su gran variedad de tonos azules, morados, rojos cardenales, marrones, amarillos rubios y verdes esmeraldas, que en conjunto o de manera individual, crean una energía gestual expresiva, concebida a través de atmósferas etéreas inasibles, lo que se distingue por su sólida y estudiada técnica.

Fósil Serigrafía 50 x 65 cm., 2011

RAFAEL CORONEL

1931. Zacatecas, Zacatecas, México.

Coronel mostró inclinaciones artísticas desde muy joven ya que siempre ha estado rodeado de creatividad artística. Su obra ha sido descrita como “expresionismo realista que representa figuras temibles con toques de las más bajas experiencias urbanas” y es frecuentemente comparada con grandes artistas como Goya y José Clemente Orozco. La temática de su trabajo a menudo provoca discusión a qué corriente artística pertenece, al neo-romanticismo o al mexicanismo contemporáneo, ya que contiene características de ambas. Le permite a su obra hablar por sí misma, le impregna fuerza; una inquietud interna por entender los estados anímicos del hombre, de confrontar lo que otros no confrontan; la soledad, el abandono y la desesperación que se manifiesta en aquellos momentos en los que la vida hace crisis en el ser humano y a muchos se les apetece darse la vuelta y olvidarse que allí, en ese estado miserable, existe un ser que se está aferrando a la vida, como un culto a la existencia.

El Tiziano y el Niño de Atocha Serigrafía 114 x 154 cm., 2010

JOSÉ LUIS CUEVAS 1934. México, D. F.

Cuevas nació en los altos de la fábrica de lápices y papeles El Lápiz del Águila, administrada por su abuelo paterno. Ese temprano contacto con el papel y el grafito marcarían su destino de manera determinante, siendo esencialmente un artista autodidacta. Su aporte fundamental es haber redescubierto la gráfica en un sentido tal que exploró todo, desde la serigrafía, la litografía, grabado al azúcar, la mezzotinta, todas las técnicas posibles de la gráfica, no delimitándolo simplemente como pintor. Los vínculos que tiene, por un lado, con el submundo de locura, lo monstruoso y los marginados, y su vinculación con la literatura son puntos a resaltar en su obra. Sus primeros 30 de trayectoria son los más importantes en su obra porque es donde tiene la fuerza del trazo y esa imaginación para redescubrir temas que no estaban explorados en México y América Latina. Él ha expresado que para ser un verdadero artista se necesita tener una vocación muy firme, una disciplina férrea, una entrega absoluta y no esperar.

Cuaderno de París (Libro de autor) 50 hojas impresas en serigrafía. Cuaderno forrado en Percalina. Edición: 100 ejemplares Interior: 31 x 34 cm. | Exterior: 33.5 x 35 cm. | Extendido: 31 x 68 cm., 1977

PEDRO FRIEDEBERG 1936. Florencia, Italia.

Es uno de los artistas mexicanos contemporáneos más destacados, es casi imposible de atrapar ya sea por la densidad casi barroca de sus imágenes, por la multiplicidad de sus medios de expresión (pintura, escultura, serigrafía, escultura, mueblería), por los géneros que prefiere (paisaje, naturaleza muerta, abstracción pura, dibujo arquitectónico) o por los estilos de su producción (art nouveau, surrealismo, arte op y pop). Friedeberg utilizó dibujo arquitectónico como el medio a través del cual se creó composiciones inusuales y también diseñó muebles y objetos inútiles. Este sentido de ironía y exceso era compartido en sus imágenes, a través de la repetición alucinatoria de elementos, un trastorno formal y asfixiante. Aunque sus pinturas, llenas a rebosar de sorpresa, a veces se describen como ejemplos de surrealismo o realismo fantástico, no son fácilmente definibles en términos de categorías convencionales. El arte de este autor está lleno de simbolismos metafísicos, religiosos, hindúes y aztecas.

Errores rectificados Serigrafía 65 x 65 cm., 1995

CECILIA GARCÍA AMARO

1953. Guadalajara, Jalisco, México.

Es una pintora autodidacta cuyo manejo del color le hace crear su propio estilo. Incorpora todo aquello que le emociona y que ordena en su mundo interior a su quehacer plástico de donde adquiere su esencia y profundo significado. Los temas de su obra van de lo abstracto a lo gestual y de las formas a paisajes sonoros, equilibrando el rigor de la composición con el azar. Su formación lírica se desarrolló principalmente en Baja California, al lado del mar, del desierto, del valle, entre las viñas y en la frontera, región a la que ha rendido honor a través de su pintura, su canto y su poesía.

Jeroglíficos Serigrafía 46 x 46 cm., 2013

GUNTHER GERZSO 1915 – 2000. México, D. F.

Este año se celebra el centenario del nacimiento así como los tres lustros del fallecimiento del pintor considerado pionero de la abstracción en México. Gerzso fue un artista autodidacta pero sus pinturas encierran en sus composiciones de planos disímbolos el espíritu sagrado de los templos prehispánicos evocados poéticamente en sus formas geométricas superpuestas, cuadrados y rectángulos aparentemente simples, que se contrastan y complementan en una atmósfera densamente hermética. Aunque su pintura se clasifica dentro de la abstracción y ha sido considerado el primer pintor abstracto mexicano, sus cuadros remiten irremediablemente a paisajes y formas arquitectónicas. Sus cualidades plásticas son notables: sus pinceladas finísimas se superponen en tersas superficies en las que cada detalle ocupa un lugar preponderante. Su paleta, también refinadísima, combina los colores de la tierra y de las piedras, pero también evoca la luminosidad del cielo y la frescura de la vegetación. Sus formas entreveradas ocultan y revelan, creando una tensión entre las partes que esconde insinuaciones secretas.

Torso femenino Serigrafía 76 x 56 cm.,1990

ROBERTO CORTÁZAR 1962. México, D. F.

A muy temprana edad reconoce su afición por las artes al ingresar en 1977 a la Escuela de Iniciación Artística. Su carrera ha sido una constante búsqueda del ser humano, sin embargo, la forma de expresar a éste ha sido una extenuante exploración de las técnicas y los materiales. Con respecto a la técnica, sintió una fuerte atracción hacia los postulados del “Art Informel”, el cual busca el potencial expresivo de los materiales, así desarrolló la técnica por la cual hoy es reconocido: usando principalmente el óleo sobre madera, mezcla también carbón, grafito, cera, pigmentos y polímeros, lo que le da a sus figuras un dramatismo extra así como calidez y textura. Su temática está ampliamente vinculada al renacimiento, donde la glorificación del hombre se lleva a la perfección: a la imagen y semejanza del Creador. Influenciado por el trabajo del cuerpo humano de las obras de Miguel Ángel y Leonardo, Cortázar logra actualizar estos conceptos creando un estilo único dentro del actual arte mexicano. Sin embargo, la concepción de trabajar con formatos tan grandes, proviene de la influencia del muralismo mexicano.

Tres figuras en la habitación Grabado 90 x 240 cm., 2003

ALBERTO GIRONELLA

1929 – 1999. Valle de Bravo, Estado de México, México.

Gironella es una figura clave en el arte mexicano contemporáneo y referencia indiscutible de una forma de entender la plástica que se enfrenta a los planteamientos defendidos por los protagonistas de la llamada Escuela Mexicana. Su pintura se conformó a partir de influencias muy diversas, pero ha sido un error identificarla con el surrealismo. Su figuración, provocadora, llena de ironía y sarcasmo, las tomó de fuentes iconográficas tan dispares como pueden ser los cuadros de Velázquez, imágenes de políticos y hasta de la cantante Madonna. Estas imágenes y otras, tratadas con procedimientos técnicos personales, integran series en las que el factor descontextualizador es primordial. El interés por estar fuera de contexto se ve en sus particulares objetos realizados mediante la técnica del ensamblaje, en la que combina objetos de la procedencia más diversa, como trozos de muebles, latas de sardinas, botellas, fotografías, cajas, entre otros.

Sanda como Carmen Serigrafía 77 x 85 cm., 1990

DAVID LLOYD GLOVER

1949. Victoria, Columbia Británica, Canadá.

Situado en la isla de Vancouver, ciudad típicamente británica, con sus famosos jardines de estilo inglés, Glover formó su primera influencia en el arte así como de los impresionistas como Renoir, Monet y Cézanne. Sus obras en óleo sobre lienzo reflejan la sensibilidad de luz y color que han hecho de las pinturas de artistas como Paul Gauguin y Vincent Van Gogh tan mágico como inspirador. Puedes sentir su amor por los escenarios naturales así como de los jardines elegantes, que emanan las mezclas únicas de ricos colores que solamente él logra crear. Su gran éxito en el arte se entiende fácilmente como su visión artística habla una lengua internacional que no conoce fronteras ni barreras culturales.

Enchanted patio Serigrafía 102 x 68 cm., 1989

ALFONSO MENA 1961. México, D. F.

Es uno de los más destacados pintores no figurativos del panorama de la plástica mexicana actual. Una de sus características ha sido la construcción de un lenguaje que ha variado de acuerdo con sus distintas experimentaciones plásticas, pero que ha tenido la fuerza de conservar una coherencia estética basada en el rigor técnico y en la congruencia de sus propuestas. Ha consolidado su trabajo con base en la constante experimentación e innovación técnica y conceptual, sin abandonar la estafeta de la pintura, defiende los valores intrínsecos de la pintura sin por ello dejar de interesarse por investigar materiales extrapictóricos y plantear un sustento conceptual en torno a su creación plástica. La pintura de Mena es esencialmente sensual porque apela al lenguaje de los sentidos, pero es asimismo racional por la interpretación objetiva que el espectador acucioso hará de ella. Una pintura que permanece abierta a infinitas posibilidades para su interpretación y redefinición.

Múltiple serigráfico (Tríptico) Serigrafía 53 x 37 cm. Cada una, 2000

ALBERT RÀFOLS-CASAMADA 1923 – 2009. Barcelona, España.

Es uno de los grandes artistas de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX y uno de los referentes de la abstracción lírica. Nacido en el seno de una familia de artistas —su padre fue un conocido pintor noucentista—, heredó un profundo amor y respeto por la pintura, que se hace evidente en la limpieza, elegancia y mesura de sus obras, siempre reposadas, amables y sabias. Aunque cursó cuatro años de Arquitectura, abandonó la carrera para empezar una trayectoria artística influida por los movimientos constructivistas y abstractos derivados de las composiciones de Cézanne y Matisse y del fauvismo. En sus primeras obras se advierte la influencia del postimpresionismo y de Cézanne. Posteriormente evolucionó hacia la abstracción, con bodegones y paisajes caracterizados por el equilibrio y un sentido estructural del espacio, tendente hacia un lirismo sutil y evanescente, utilizando una amplia gama cromática con soportes de telas, papel, collages y objetos, además de texturas y acrílicos.

Secretos Marinos (Tríptico) Serigrafía 36 x 36 cm. Cada una, 2006

VICENTE ROJO

1932. Barcelona, España. Rojo es considerado como uno de los artistas más representativos del abstraccionismo en México. En Barcelona hizo estudios de escultura y cerámica, en 1949 llegó a México, donde estudió pintura y tipografía, realizando durante más de cincuenta años una extensa obra como diseñador gráfico, pintor y escultor en la cual ha renovado la forma y el color, hace variantes de un mismo tema y logra que todas sus piezas sean igual, al mismo tiempo que diferentes. Plasma formas arquitectónicas como columnas, pirámides y monumentos en escenarios secretos, urbanos y junto al mar. Las formas estáticas y definidas están frecuentemente asociadas al número cuatro en formas cúbicas y cuadrículas, contrastando con formas curvas como columnas, cilindros y esferas. Múltiples obras han sido creadas por sus impulsos y obsesiones que lo hacen seguir creando. Al respecto, Rojo ha comentado “yo tengo una obsesión detrás de otra, he trabajado series de pintura y escultura y eso me obliga a pensar que cuando una está terminada, otra ya está en camino”.

JOSÉ EMILIO PACHECO 1939 – 2014. México, D. F.

Estudió en la Universidad Nacional Autónoma de México y allí inició sus actividades literarias en la revista Medio Siglo. Escritor mexicano cuya obra abarca la poesía, la crónica, la novela y el cuento, así como el ensayo y la traducción. En su poesía recogió lo mejor de la tradición con la experimentación, además de un profundo amor a sus semejantes y a la ciudad de México; describió al mismo tiempo los horrores de la violencia como la capacidad de amar de la gente, amor que se comprime en un solo instante, irrepetible y memorable; en su narrativa hay una preocupación por la singularidad de la niñez, y en su periodismo difundió las virtudes de los héroes y los momentos decisivos en la historia del país. En 1978 realiza los escritos para acompañar las serigrafías de Vicente Rojo del primer libro-objeto publicado en conjunto, bajo el título Jardín de niños -edición limitada de serigrafías-, donde trataban en forma paralela recuerdos de sus infancias.

Jardín de niños (Libro de autores) 10 hojas impresas en serigrafía sobre papel Fabriano Nº 27 de 300 gramos, 12 hojas de texto impresas en serigrafía sobre papel Murillo de 220 gramos. Libro forrado en Percalina. Edición: 100 ejemplares. Interior: 34 x 30.5 cm. Exterior: 37 x 33 cm. Extendido: 34 x 61 cm., 1978

Avión Serigrafía 68 x 92 cm., 1978

Rehilete Serigrafía 68 x 92 cm., 1978

Niña Serigrafía 68 x 92 cm., 1978

Timbiriche Serigrafía 68 x 92 cm., 1978

MARIANO RIVERA VELÁZQUEZ 1945. México, D. F.

Rivera Velázquez posee una vocación artística que ha sido manifestada a través de la plástica. Estudió la licenciatura en Arquitectura y en los setenta se desarrolló como artista plástico con técnicas como la serigrafía, el dibujo, collage y algunas técnicas mixtas, también ha realizado algunos trabajos de escultura. Muchas de sus obras hacen referencia a los sobres como elemento generador de las ideas.

Cartas Davincianas Serigrafía 120 x 80 cm., 1992

Consejo del Centro de Cultura Casa Lamm Casa Lamm Cultural Center Council

Alejandro Burillo Azcárraga Presidente President Germaine Gómez Haro Dirección General General Director President Claudia Gómez Haro Dirección Académica Academic director Elin Luque Agraz Dirección de Artes Visuales Visual Arts Director Cecilia Gómez Haro Dirección Administrativa Administrative Director Elena Lamm † Dirección Administrativa Administrative Director

Grupo Pegaso Pegaso Group Renata Burillo Gómez Haro Dirección General de Proyectos Culturales

General Director for Cultural Projects

Centro de Cultura Casa Lamm Casa Lamm Cultural Center Álvaro Obregón # 99, col. Roma. C. P. 06700 Delegación Cuauhtémoc. México, D. F. Tels. +52(55) 5525 0019 | +52(55) 5511 2164 www.casalamm.com.mx [email protected]

Exposición Exhibition

Dyan Del Rivero Terán Ventas y Proyectos Especiales Sales and Special Projects Coordinator [email protected] Daniela López Negrete Ventas Internacionales International Sales [email protected] Gabriela Pola Asesoría en Venta de Arte Consultant in Art Sales [email protected] Luis E. Romero Romero Daniela Beaujean Santoyo Asistentes en Ventas y Proyectos Especiales Sales and Special Projects Assistants [email protected] Jenny Perea Cajero Registro y Control de Obra Registration and Control of Artworks [email protected] Héctor Flores Prensa Press [email protected] María Eugenia Núñez Deborah Fosas Hubbe Fotografía Photography

Galería Casa Lamm Casa Lamm Gallery Álvaro Obregón # 99, col. Roma. C. P. 06700 Delegación Cuauhtémoc. México, D. F. Directo: +52(55) 5525 1332 | Conmutador: +52(55) 5514 1575 ext. 215 – 216 www.galeriacasalamm.com.mx

Agradecemos a: Thanks to:

Información y Ventas Centro de Cultura Casa Lamm

Information and Sales Casa Lamm Cultural Center

www.galeriacasalamm.com.mx [email protected] [email protected]

Álvaro Obregón 99 Col. Roma, México D.F. 06700 Tels. + 52 (55) 5525 1332, + 52 (55) 5511 2164 exts. 215 y 216

Inauguración: 29 agosto Clausura: 29 septiembre 2015

Opening: August 29 Closing: September 29, 2015