2 Música coral sacra en una abadía cisterciense.

ORQUESTA TUS COMPETENCIAS...

EN CONCIERTO Kyrie, de la Misa para cuatro voces, de William Byrd (The Tallis Scholars) Madrigal O Mirtillo, Mirtillo anima mia, de Claudio Monteverdi (Les Arts Florissants) Recercada segunda sobre el canto llano «La Spagna», de Diego Ortiz (Hespérion XX, dir. Jordi Savall)

CULTURAL Y ARTÍSTICA: conocimiento de los estilos polifónicos del Renacimiento. CULTURAL Y ARTÍSTICA: conocimiento de los géneros musicales renacentistas relacionados con la literatura. SOCIAL Y CÍVICA: la danza como habilidad social en el Renacimiento.

en contexto El esplendor de la polifonía

en el cine

Elizabeth (1998) Te Deum, de Thomas Tallis Ronde I, de Tylman Susato

Los Tudor (serie) (2007-2010) Lamentaciones de Jeremías, de T.Tallis Volte, Orazio Vecchi

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en estudio

1. La música vocal del Renacimiento Hemos visto cómo en la Edad Media, a partir del siglo XIII, la música religiosa evoluciona al añadirse una o dos voces al canto gregoriano. En el Renacimiento, la polifonía experimenta un enorme desarrollo por lo que respecta a las composiciones destinadas a las celebraciones religiosas. Se incorpora una cuarta voz y las voces se organizan de la siguiente manera, de más aguda a más grave:

Un coro de niños canta el Miserere, de Gregorio Allegri (1582-1652).

s VOZsoprano o superius (superior). Es la voz que conduce la melodía. s VOZcontratenor o altus. Es la voz que completa la armonía. s VOZtenor. Canta la melodía gregoriana original cuando la obra está basada en una de ellas, a partir de la cual se escriben las demás voces. Con la introducción del contrapunto imitativo en el siglo XV, las voces dejan de tener relación jerárquica y se complementan entre sí. s VOZbajo o bassus. Actúa de soporte armónico en la tesitura más grave.

En la Edad Media y el Renacimiento, las mujeres tenían prohibido cantar en el coro, por lo que las voces agudas eran interpretadas por niños o falsetistas, hombres que podían cantar en el registro vocal de las mujeres, llamados en la actualidad contratenores. Escucha al Hilliard Ensemble, formado por un contratenor, dos tenores y un bajo.

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También se componen obras para seis, ocho, o más voces. Este tratamiento de las melodías se lleva a la esfera de la música profana. El siglo XV es la época del esplendor de la polifonía. En la música vocal se desarrollan varias técnicas compositivas que, posteriormente, se trasladan a la música instrumental: s cantus firmus. Es la melodía previa, normalmente gregoriana, que sirve de base a una composición polifónica.

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El compositor español Tomás Luis de Victoria se basó en esta melodía gregoriana para componer su obra polifónica a cuatro voces Ave Maria.

s contrapunto imitativo. Un fragmento melódico es repetido inmediatamente, en una tesitura más aguda o más grave, por las demás voces, que entran una tras otra. Cada voz tiene independencia rítmica, lo que dificulta la comprensión del texto.

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# 24

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en estudio

s polifonía de tipo homofónico. La voz conductora y las demás voces forman acordes siguiendo el mismo ritmo. Este equilibrio de las voces, que cantan las mismas sílabas a la vez, facilita la comprensión del texto.

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El Ensemble Organum interpreta el Requiem de Johannes Ockeghem (1410-1497).

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1.1 La música en el templo La Iglesia católica selecciona a cantores que interpretan una polifonía de gran complejidad técnica y vocal, como muestran las misas y los motetes. Los archivos de las catedrales son un testimonio de la riqueza de la vida musical de la época. Existía un maestro de capilla, un grupo de cantores y ministriles o instrumentistas. El mecenazgo de los papas permite el mantenimiento de las capillas musicales y facilita la labor de grandes compositores, como Orlando di Lasso, Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero, Giovanni Pierluigi da Palestrina y Tomás Luis de Victoria. Para la Iglesia protestante, la comunidad de fieles debe participar activamente en la misa cantando sencillos himnos polifónicos, denominados corales, con el texto en alemán. Los corales son de tipo homofónico, a cuatro voces, y la melodía principal está interpretada por la voz más aguda.

Escucha un fragmento del Kyrie de la Missa Gabriel Archangelus, de Palestrina, interpretada por el Palestrina-Ensemble München.

El Dresden Kreuzchor interpreta el himno mariano Es ist ein Ros entsprungen, armonizado a cuatro voces por Michael Praetorius en 1609.

Ave Maria, de Tomás Luis de Victoria El compositor y organista Tomás Luis de Victoria (1548-1611), nacido en Ávila, fue uno de los compositores más destacados del Renacimiento. Una de sus obras es un motete, una composición polifónica sobre una melodía litúrgica previa, sobre el texto del Ave María. Fíjate en que a cada frase del texto en latín le corresponde una frase musical. Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum, benedicta tu in mulieribus, et benedictus fructus ventris tui Iesus Christus. Sancta Maria, Mater Dei, ora pro nobis peccatoribus, nunc et in hora mortis nostrae. Amen.

Dios te salve, María, llena eres de gracia, el Señor es contigo, bendita Tú eres entre todas las mujeres, y bendito es el fruto de tu vientre Jesús. Santa María, Madre de Dios, ruega por nosotros, pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén.

# 25

2

en estudio actividades Escucha atentamente Ave Maria, de Tomás Luis de Victoria, y responde a las preguntas. 1. ¿Cuál de las siguientes combinaciones de voces corresponde a la que has escuchado?

a soprano, contralto, tenor y bajo

b soprano, tenor, barítono y bajo

2. ¿Es un canto a cappella? ¿Por qué?

a sí, porque intervienen muchas voces.

c sí, porque solo se escuchan voces sin instrumentos.

b no, porque intervienen muchas voces.

d no, porque no hay instrumentos.

3. Une cada fragmento de texto de la izquierda con la técnica compositiva de la derecha que le corresponda. Ave Maria gratia plena Sancta Maria

contrapunto imitativo polifonía de tipo homofónico canto gregoriano

4. En este motete, cada voz discurre con una melodía sin grandes saltos. Sigue la audición y señala si se produce algún melisma (varias notas para una sola sílaba) sobre estas palabras: mulieribus, Iesus Christus y Amen. 5. A diferencia del ritmo libre del canto gregoriano, el motete presenta un ritmo regular. Observa que en la sección del Sancta Maria, los acentos del texto coinciden con los rítmicos. ¿Es un ritmo binario o ternario?

2. El canto en el palacio

El intento de revivir la tragedia clásica griega da lugar, alrededor del 1600, a un nuevo género artístico, la ópera. Una de las primeras óperas fue Orfeo, compuesta por Monteverdi en 1607.

Durante el Renacimiento, el individuo cobra protagonismo, por lo que se le concede mayor importancia a la figura del autor. Los artistas, y entre ellos los compositores, dejan de trabajar únicamente al servicio de la Iglesia y pasan a hacerlo también para los mecenas. Solo una minoría acaudalada podía permitirse tener a compositores y a músicos a su disposición, y por eso en este periodo la música se considera un signo de distinción y refinamiento, destinada al entretenimiento de los nobles e interpretada en sus palacios. En la música profana se desarrollan nuevos géneros relacionados con la literatura: s ELmadrigal, una composición polifónica, lírica y breve, de tema amoroso. Grandes compositores de madrigales fueron los italianos Luca Marenzio, Carlo Gesualdo y Claudio Monteverdi. s LAopera in musica, el germen de la ópera: un género teatral en el que una acción escénica es cantada con acompañamiento instrumental. Destacan los compositores Jacopo Peri, Giulio Caccini y Claudio Monteverdi. s EN%SPA×A ELvillancico, una forma de canción polifónica profana, género en el que sobresalen Juan del Encina, Juan Vázquez y Francisco Guerrero.

# 26

2

en estudio Más vale trocar, de Juan del Encina La siguiente audición corresponde al villancico Más vale trocar, de Juan del Encina (Salamanca, 1468-1530), conservado en el Cancionero de Palacio, un manuscrito que recopila obras musicales del Renacimiento. El villancico es una forma polifónica de origen popular y de temática variada. Solían cantarlo los habitantes de las villas, o villanos, y de ahí el nombre de villancico. Fue un tipo de canción muy popular en España hasta el siglo XVIII, y a partir de entonces la palabra quedó asociada a las canciones navideñas. El villancico se estructura en un estribillo y varias coplas, que desarrollan el contenido del estribillo. La parte de la copla consta de una estrofa de cuatro versos, la mudanza, y unos versos, la vuelta, similares al estribillo, al que se retorna. COPLA

ESTRIBILLO

Mudanza

Más vale trocar (a) placer por dolores (b) que estar sin amores (b).

Vuelta

I. Donde es gradecido (c) es dulce el morir; (d) vivir en olvido, (c) aquel no es vivir. (d)

Mejor es sufrir pasión y dolores que estar sin amores.

II. Es vida perdida vivir sin amar, y más es que vida saberla emplear.

Más vale penar sufriendo dolores que estar sin amores.

III. Amor que no pena no pida placer, pues ya le condena su poco querer.

Mejor es perder placer por dolores que estar sin amores.

actividades 6. ¿Cómo es el coro?

a coro mixto (voces masculinas y femeninas)

b voces iguales (solo masculinas o solo femeninas)

7. ¿Qué combinaciones de voces aparecen en el coro?

a soprano, contralto, tenor y bajo

b soprano, tenor y bajo

8. ¿Qué tipo de polifonía utiliza el compositor para musicar el texto?

a Emplea la polifonía de tipo homofónico, formando acordes con un ritmo regular. b Se trata de una polifonía de tipo contrapunto imitativo. 9. Escucha fragmentos de dos versiones más de la misma obra, por Malta Almajano y Jordi Savall, y señala a qué versión corresponden las siguientes características. M. Almajano

a Es una versión a cappella. b Es un coro de voces iguales. c Está tocada con instrumentos de cuerda frotada y punteada.

J. Savall

d El solista improvisa sobre la melodía original.

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en estudio 3. La música instrumental del Renacimiento

Durante el Renacimiento, la música instrumental adquiere mayor protagonismo y progresivamente deja de ser un mero acompañamiento de las partes vocales. Se perfeccionan los instrumentos musicales, lo que permite componer obras de mayor dificultad técnica, y se redactan tratados y métodos de interpretación. También se fundan escuelas municipales de instrumentistas, creadas a partir de los gremios de ministriles. De estas escuelas proceden los músicos que trabajarán en las capillas musicales de reyes, nobles y religiosos.

3.1 Instrumentos musicales del Renacimiento La viola fue el instrumento de cuerda más importante del Renacimiento. En la actualidad se usa para interpretar música de la época. Entre los violagambistas actuales destaca el catalán Jordi Savall.

El consort era un conjunto de cámara que solía estar formado por instrumentos de la misma familia, como el consort de flautas de pico o el consort de violas de gamba.

Aunque la música sacra era vocal, la música instrumental experimentó un gran desarrollo durante el Renacimiento. Se mejoraron instrumentos antiguos, como la flauta de pico y la corneta, y se inventaron instrumentos, como el clavicémbalo o la viola de gamba. Los instrumentos musicales del Renacimiento se pueden clasificar en melódicos y polifónicos. melódicos

polifónicos

permiten tocar solo una nota a la vez (melodía)

permiten tocar varias notas a la vez (melodías o acordes)

viento

sacabuche, flauta de pico, corneta, chirimía

órgano

cuerda

viola de gamba, viola soprano

laúd, arpa, salterio, clavicémbalo, vihuela

3.2 Formas musicales del Renacimiento Las formas instrumentales del Renacimiento se pueden clasificar en: s COMPOSICIONESDERIVADASDELAMÞSICAVOCALQUESONadaptadas para instrumentos. La canzona o el ricercare surgen de los motetes y madrigales. s COMPOSICIONESimprovisadas. En las diferencias, el tiento, la fantasía o la tocata, el solista, a partir de la melodía original, añade libremente adornos instrumentales en una o varias voces. s danzas o piezas instrumentales en un contexto cortesano. Bailar era el entretenimiento favorito en las cortes renacentistas, lo que impulsó la composición de danzas, como la pavana, la gallarda, la zarabanda y el passamezzo, y la publicación de libros y tratados de danzas. Las danzas solían tocarse agrupadas de dos en dos, alternando una lenta y una rápida. Entre los compositores más célebres de música instrumental figuran John Dowland, William Byrd, Antonio de Cabezón, Adrian Willaert, Francisco Correa de Araujo, Luis de Narváez y Diego Ortiz.

# 28

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en estudio Gallarda napolitana, de Antonio Valente En el Renacimiento se consideraba el baile como una habilidad social imprescindible para todos los miembros de la nobleza y era habitual que los niños de las clases altas recibiesen clases de baile cada día. La gallarda fue una danza muy popular en toda Europa durante el siglo XVI. Solía emparejarse con la pavana, bailándose después de esta. La gallarda es una danza enérgica, caracterizada por saltos y brincos, los pasos de la cual no se improvisaban. Las danzas solían tocarse con un laúd y un clavecín, que formaban parte de un pequeño conjunto instrumental. Se requería del intérprete que ornamentase la melodía sobre los esquemas rítmicos establecidos. La reina Isabel I de Inglaterra era una gran aficionada a esta danza. Su ejercicio de cada mañana, además de tocar y cantar, consistía en bailar seis o siete gallardas.

actividades 10. Toca con percusión corporal estos dos patrones rítmicos y di cuál se corresponde con el ritmo de la Gallarda napolitana. ¿Es el ritmo del ostinato o de la melodía principal?

a

b

11. ¿Qué instrumentos del Renacimiento has oído en la gallarda? Elige la formación correcta.

a viola de gamba, laúd, percusión y viola soprano b laúd, viola de gamba y órgano c platillos, violonchelo y guitarra 12. ¿Qué instrumento de cuerda frotada toca la melodía? ¿Y cuál toca el ostinato del bajo?

a viola de gamba

b viola soprano

13. Escucha fragmentos de cinco obras del Renacimiento. A continuación, di con qué instrumentos (o combinaciones de ellos) están tocados y cuál es su forma instrumental.

a Tiento de V tono, de Francisco de Correa b The Frog Gaillard, de John Dowland c Diferencias sobre «Guárdame las vacas», de Luis de Narváez

d Bonjour mon coeur, de Orlando di Lasso

instrumentos vihuela laúd viola órgano

formas adaptaciones de obras vocales improvisaciones danzas

e Fantasía a 4, de Giovanni Coperario 14. Escucha el madrigal y di cuál de las piezas anteriores es una adaptación del mismo.

# 29

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en teoría 1. Las cualidades del sonido (III): el timbre

Si tocamos una nota, por ejemplo, un la3, con la misma intensidad en un violín, un piano y una flauta, la onda será igual en cuanto a frecuencia y amplitud. Sin embargo, podremos distinguir de qué instrumento proviene el sonido porque tendrán diferente timbre. El timbre es la cualidad del sonido que nos permite distinguir el cuerpo que lo ha emitido, su procedencia.

Forma de onda de un la3 emitido por una flauta.

Forma de onda de un la3 emitido por un violín.

Forma de onda de un la3 emitido por un órgano de tubos.

Lo que diferencia a esa misma nota tocada por diferentes instrumentos es que cada una de ellas tiene diferentes armónicos.

1.1 Los armónicos Prácticamente todos los sonidos que escuchamos están compuestos por una suma de distintas frecuencias. Son complejos. La frecuencia más baja es la frecuencia fundamental, la más audible, la que predomina. El resto de frecuencias, más altas, se denominan armónicos. La sucesión de armónicos que se producen al vibrar una cuerda o una columna de aire se llaman serie armónica. Así, cuando tocamos la nota do1 (65 Hz), en realidad suenan todos estos armónicos: El canto difónico o de armónicos es una curiosa técnica vocal mediante la que se pueden cantar dos notas a la vez, la fundamental y un armónico. Se emplea en la música tradicional de varias culturas del mundo, pero sobre todo en Mongolia. Escucha a Kongar-ol Ondar, de la región de Tuva.

F

8.ª

5.ª

4.ª

3.ª

5.ª 7.ª b

8.ª

La serie armónica de do hasta el octavo armónico.

Nuestro oído solo percibe como nota musical la nota fundamental y no los armónicos porque estos suenan a mucha menor intensidad y solo podemos oír los que entran en nuestro espectro audible. Por eso las notas graves nos suenan con más cuerpo, porque percibimos más armónicos de una nota grave que de una aguda. Sin embargo, aunque no los escuchemos, los armónicos contribuyen a la percepción auditiva de la calidad de sonido o timbre, además de otros factores relacionados con el desarrollo del sonido en el tiempo: cuánto tarda en aparecer, en prolongarse o en desvanecerse, entre otros.

# 30

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en teoría

1.2 El instrumento vocal humano La forma, el tamaño y el material del cuerpo de un instrumento determina el timbre del mismo. Por ejemplo, la caja de resonancia de una guitarra altera el timbre de las cuerdas, que por sí solas apenas se oirían. Lo mismo ocurre con el instrumento con el que estamos más familiarizados: la voz humana. El conjunto de órganos que intervienen en la producción de sonidos se denomina aparato fonador, y el aparato fonador humano puede emitir una enorme variedad de sonidos y nos permite expresar todo tipo de emociones: felicidad, sorpresa, ira, etc. Bien modulado, nos permite hablar y cantar con una enorme riqueza expresiva. El aparato fonador está formado por tres grupos de órganos: s ØRGANOSDERESPIRACIØNDIAFRAGMA PULMONES BRONQUIOSYTRÈQUEA s ØRGANOSDEFONACIØNLARINGE CUERDASVOCALESYCAVIDADESDERESONANCIA (boca, fosas y senos nasales). s ØRGANOSDEARTICULACIØNPALADAR LENGUA LABIOS DIENTES Pensemos en la forma en que emitimos sonido: cuando espiramos, el aire asciende desde los pulmones y pasa entre las cuerdas vocales que hay en la laringe, donde se convierte en sonido. Esta columna de aire convertida en sonido circula a continuación por los órganos resonadores –faringe, cavidad bucal, fosas nasales–, y se articula mediante la apertura de la mandíbula, la posición del velo del paladar, los dientes y la lengua.

Aunque los órganos sean los mismos, el aparato fonador de cada persona tiene características únicas. Por eso cada persona tiene un timbre de voz diferente. Al igual que las huellas digitales, el timbre se modifica a lo largo de los años, pero permanece único para cada persona. Eso nos permite, por ejemplo, reconocer la voz de alguien por teléfono aunque haga tiempo que no la oímos.

Cuerdas vocales Cavidad nasal Resonador Cavidad bucal Pulmones Paladar

Velo del paladar

Cavidad faríngea Diafragma Lengua

Cuerdas vocales

Respiración

Epiglotis

Tráquea

actividades 1. Escribe los seis primeros armónicos a partir de la nota fa1 e indica los intervalos entre ellos. 2. Formad grupos y grabaos diciendo una misma frase. A continuación, intercambiad las grabaciones, escuchadlas y escribid el orden de aparición de las voces. 3. Ordena las partes del aparato fonador por las que pasa el aire cuando cantas o hablas: labios, dientes, lengua, paladar, pulmones, faringe, cavidad bucal, fosas nasales, cuerdas vocales.

# 31

2

en teoría 1.3 La clasificación de las voces

Es muy probable que la voz haya sido el primer instrumento musical de la humanidad, y es un instrumento maravilloso. Es el más natural y el más emocional. Puede expresar todo tipo de emociones. La manera habitual de hacer música con la voz es mediante el canto, la emisión controlada de sonidos para interpretar o improvisar una pieza musical. Según el estilo musical, la manera de cantar cambia. Además, cada voz tiene características vocales propias. No es lo mismo cantar bossanova, un estilo suave, casi susurrado, que se canta con micrófono, que una ópera de Wagner, en la que la voz debe imponerse durante horas y sin amplificación por encima de una gran orquesta. Las voces se clasifican según su tesitura (el rango de notas que una voz puede emitir que sean utilizables musicalmente) y su timbre, su sonido específico. Según su tesitura, las voces se clasifican en blancas (niños antes del cambio de voz), femeninas (soprano, mezzosoprano, contralto) y masculinas (tenor, barítono y bajo). El timbre vocal de una persona depende de los armónicos de su voz, y estos, del modo en que vibran sus cuerdas vocales y resuena su voz en las cavidades internas de su cabeza. Según su timbre, las voces pueden diferenciarse, además de otras características, entre grandes o pequeñas, ligeras o con peso, brillantes u oscuras, con o sin vibrato, etc.

Para cantar música popular no es imprescindible tener buena voz, sino un estilo reconocible, como el de Bob Dylan (primera imagen). Algunos cantantes pueden expresarse bien en varios estilos, como Linda Rondstadt (segunda imagen), que ha cantado country, rhythm & blues, rancheras, boleros y jazz.

Así pues, hay muchos factores que contribuyen a la infinidad de matices, sonoridades y colores de la música vocal: la tesitura, el timbre, el estilo y la técnica propios del cantante y, por último, el género musical en el que se expresa y sus requerimientos: el dominio y la técnica de la ópera y el lied, la intensidad emocional del blues, el soul o el flamenco, la flexibilidad e improvisación del jazz o los que combinan la voz hablada y la cantada, como la zarzuela, los musicales o el hip hop.

actividades 4. Escucha unos fragmentos musicales cantados por distintas sopranos. Todas tienen un timbre de voz diferente. Relaciona el nombre de cada estilo con las características de timbre correspondientes. voz lírica voz de new age voz de pop voz de música brasileña

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a voz sin vibrato y con un color claro, que nos eleva. b voz con vibrato, grande y potente, que traspasa la orquesta. c voz brillante y voluminosa, con un vibrato controlado, diferente del canto clásico.

d voz clara, pequeña y sin vibrato, que transmite dulzura.

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en el número 1 I Can’t Stop Loving You, de Ray Charles

El soul El soul se originó en Estados Unidos a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Con origen en el gospel, adoptó elementos del rhythm & blues y de jazz. Fue la banda sonora de los afroamericanos durante los años del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. Varios géneros musicales importantes han derivado del soul, como el funk, el R&B contemporáneo o la música disco. También ha sido una gran influencia en el rock y en la música de África y del Reino Unido, que ha contado con cantantes de soul como Sade, Amy Winehouse o Adele.

Nº.1 en 1962 Otros grupos y cantantes The Temptations Sam Cooke Nat King Cole Aretha Franklin James Brown Marvin Gaye

Películas Lawrence de Arabia Matar a un ruiseñor Hatari! Gipsy

Ray Charles Ray Charles (1932-2004) fue un pianista, compositor y cantante de soul, gospel, jazz, blues y rhythm & blues. Ciego desde los siete años, aprendió música con el sistema braille. Está considerado uno de los mejores cantantes de la historia, y es autor de grandes éxitos como Georgia on my Mind o What I’d Say, canción que surgió de una improvisación al final de un concierto.

actividades 1. Di en qué ves la influencia del canto responsorial del gospel. 2. ¿Cómo es el tempo? 3. Fíjate en la subdivisión del pulso y observarás que es ternaria. Por tanto, ¿qué compás utiliza, simple o compuesto? 4. La armonización es bastante sencilla. Hemos escrito los grados en el vídeo. ¿Cuáles son?

noticias En España, el Boletín Oficial del Estado publica un decreto del Ministerio de Trabajo que equipara los derechos laborales de la mujer con los del hombre. Estados Unidos descubre bases de misiles nucleares soviéticos en Cuba, lo que da lugar al conflicto conocido como crisis de los misiles. Los misiles fueron descubiertos por el avión espía U-2, nombre que posteriormente adoptaría un famoso grupo de rock irlandés.

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en vídeo Blue Monk, de Thelonius Monk

El jazz es un género surgido en Nueva Orleans que se ha expandido por todo el mundo. Su principal característica es el papel fundamental de la improvisación. Los solistas de jazz improvisan sobre la estructura armónica de los temas, los acordes de la canción. Las estructuras más comunes a la hora de improvisar han sido el esquema AABA (típico de muchas canciones populares americanas) y el blues, la principal influencia del jazz junto con la música europea. Uno de los músicos más importantes de la historia del jazz fue Thelonius Monk. Compuso varios temas que se han convertido en estándares del jazz, es decir, clásicos del repertorio jazzístico, como Round Midnight o Epistrophy. También se basó en la estructura del blues para escribir temas como Misterioso, Straight No Chaser o Blue Monk.

actividades Escucha atentamente la versión de Blue Monk por el Rhythmoser Jazz Trio y contesta a las siguientes preguntas. 1. ¿Qué instrumentos forman el grupo que has visto en el vídeo? 2. ¿Qué instrumento toca el tema las dos primeras veces?

a contrabajo

b batería

c piano

3. ¿Qué diferencia crees que hay en la repetición del primer tema?

a se improvisa

c se repite una octava baja

b se repite una octava alta

d es idéntico

4. El compás del blues es cuaternario. Cuando aparezca la señal «*», marca la pulsación y cuenta los compases que tiene el tema. En esta versión, el tema se toca dos veces. Elige la respuesta correcta.

a 8 compases

b 12 compases

c 14 compases

d 16 compases

5. En la grabación aparecen unos números romanos, el I, el IV y el V. ¿A qué hacen referencia?

a a los grados de los acordes en que se basa la rueda de blues. b al número de instrumentos que deberían sonar en ese momento. c al número de compases que tiene asignados cada solista. 6. ¿Cuántas veces, en total, se expone el tema?

a 4 veces

b 6 veces

7. ¿Cuántas ruedas de blues se improvisan en esta versión?

# 34

c 8 veces

2

en relación Gallarda napolitana

y

Blue Monk

Hemos visto que la improvisación ha sido una forma de creación en músicas tan diferentes como la música instrumental del Renacimiento y el jazz. Aunque los instrumentos y los ritmos hayan cambiado mucho, en ambos géneros los músicos crean en el acto basándose en la estructura armónica del tema sobre el que improvisan. En esta unidad compararemos la Gallarda napolitana con Blue Monk. Nombre de la obra

Compositor

Forma/Género

Época

Gallarda napolitana

Antonio Valente

gallarda

siglo XVI

Blue Monk

Thelonius Monk

blues

1954

actividades 1. Escucha ambas obras y di si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas.

a El compás de la gallarda es ternario y el del blues es cuaternario. b El ritmo es irregular en las dos piezas. c El tema improvisado de la gallarda es más largo que en la rueda de blues. d En los dos temas se improvisa sobre los grados tonales I, IV y V. e Las dos obras están concebidas para ser bailadas. f

Las improvisaciones están escritas en ambas obras.

g Los instrumentos que improvisan en ambas audiciones son de cuerda.

La improvisación es una forma de composición espontánea que se ha practicado en muchos géneros y épocas diferentes, desde el Renacimiento hasta el jazz o el blues. Debido a las modificaciones rítmicas, melódicas o armónicas que pueden introducirse con la improvisación, un tema existente puede variarse ligeramente o reelaborarse de tal forma que llegue a no ser reconocido, o incluso puede servir de base para la creación de una obra totalmente nueva.

El grupo Les Sacqueboutiers de Toulouse tiende puentes entre la música renacentista y el jazz. Escúchalos improvisando sobre la Ciaccona, de Andrea Falconieri.

en digital En esta unidad te proponemos que experimentes con el programa Audacity los fragmentos de audio que te proporcionamos, extraídos de la música renacentista que has escuchado en esta unidad. Observarás alguna de las características de la improvisación.

# 35

2

en vivo 1. Ritmo Pica este ritmo. Puedes practicarlo sin y con ligaduras.

2. Melodía En esta unidad vamos a tocar Greensleeves, una canción tradicional inglesa que se publicó por primera vez durante el Renacimiento y ha sido muy conocida a partir de entonces. Se le llegó a atribuir al rey Enrique VIII, quien se la habría dedicado a su futura reina consorte Ana Bolena.

# 36

2

en vivo

3. Tocamos juntos Toca con flauta, placa u otros instrumentos la canción I’m yours, del cantautor estadounidense Jason Mraz. I’m yours fue un éxito en todo el mundo y fue nominada como Mejor Canción del año y Mejor interpretación vocal pop masculina en los Grammy de 2009.

# 37

2

en resumen El Renacimiento (del siglo XV al XVI) es la época del esplendor de la polifonía vocal.

cantus firmus una melodía gregoriana sirve de base a una composición polifónica

Música vocal religiosa – iglesia católica. Obras polifónicas complejas. Coros profesionales. sMISA sMOTETE – iglesia protestante. Obras sencillas en alemán para ser cantadas por los fieles. sCORAL

contrapunto imitativo un fragmento es repetido por las otras voces

Técnicas compositivas

polifonía homofónica las voces cantan con los mismos valores rítmicos, formando acordes

Música vocal profana sMADRIGAL"REVE DETEMAAMOROSO sOPERAINMÞSICA!NTECEDENTEDELAØPERA sVILLANCICO

obras derivadas de la música vocal Surgen de los motetes y madrigales scanzonasricercare

Música instrumental

obras improvisadas sDIFERENCIA sTIENTO sFANTASÓA sTOCATA danzas sPAVANA

instrumentos melódicos

instrumentos polifónicos

sacabuche viola de gamba flauta de pico viola soprano

órgano laúd arpa vihuela

sGALLARDA

El timbre Es la cualidad del sonido que nos permite distinguir el cuerpo que lo ha emitido, su procedencia. Está determinado por los armónicos.

Los sonidos están compuestos por una suma de distintas frecuencias, la fundamental y los armónicos. La sucesión de armónicos de un sonido se llaman serie armónica.

El instrumento vocal humano Aparato fonador: articulación: lengua paladar, dientes, labios. resonadores: faringe, boca, fosas nasales. cuerdas vocales aire de los pulmones

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timbre

tesitura

masculinas

femeninas

tenor barítono bajo

soprano mezzosoprano contralto

blancas

grandes pequeñas ligeras con peso brillantes oscuras con vibrato sin vibrato

2

en imágenes Magnificat, de Cristóbal de Morales

Cristóbal de Morales (1500-1553) fue un compositor andaluz que dedicó casi toda su composición a la música sacra. Tal fue su calidad como compositor que lo requirió el papa Paulo III y marchó a Roma. Fue un gran maestro en el contrapunto, aunque también destacó por la expresividad de sus obras. El fragmento de Magnificat que vas a escuchar fue compuesto a mitad del siglo XVI y se divide en versículos, que se interpretan de forma diferente. Los hemos numerado para que puedas seguir mejor la audición. Cada una de las cuatro voces se dobla con instrumentos, una práctica muy común en las iglesias españolas de la época. 1. Magnificat anima mea Dominum. 2. Et exultavit spiritus meus in Deo salutari meus. 3. Quia respexit humilitatem ancillae suae: ecce enim ex hoc beatam me dicent omnes generationes. 4. Quia fecit mihi magna qui potens est: et sanctus nomen eius. 5. Et misericordia eius a progenie in progenies timentibus eum. 6. Fecit potentiam in brachio suo: dispersit superbos mente cordis sui. 7. Deposuit potentes de sede, et exaltavit humiles.

1. Mi alma glorifica al Señor. 2. Y mi espíritu se regocija en Dios, mi Salvador. 3. Porque Él se ha fijado en la humildad de su sierva: y, por ello, me llaman bienaventurada todas las generaciones. 4. Porque Él es poderoso, hizo en mí grandes cosas: y santo es Su nombre. 5. Y su misericordia se extiende de generación en generación a aquellos que le temen. 6. Mostró la fortaleza de su brazo; expulsó a los soberbios de mente de su corazón. 7. Depuso a los poderosos de su sede y exaltó a los humildes.

Escucha el fragmento siguiendo el musicograma. Cada columna corresponde a un versículo. Contesta después a las preguntas. corneta chirimía sacabuche 1 sacabuche 2 flauta dulce

0’

0’12’’

1’07 ’’

1’27’’

2’42’’

2’59’’

4’45’’

1. Relaciona los colores con polifonía o canto gregoriano. 2. En el versículo sexto se escuchan tres voces (por lo que deja de sonar un sacabuche) y otro instrumento sustituye a la corneta. ¿Cuál?

# 39

3 El arte barroco buscaba el dinamismo y el dramatismo. En la imagen, La muerte de Decius Mus,de Peter Paul Rubens.

EN CONCIERTO Llegada de la Reina de Saba, de Solomon, de G.F. Händel (The Sixteen, dir. Harry Christophers) Canon en re mayor, de J. Pachelbel (Voices of Music) Badinerie, de la Suite orquestal n.º 2, de J.S. Bach (Amsterdam Baroque Orchestra, dir. Ton Koopman)

ORQUESTA TUS COMPETENCIAS... CULTURAL Y ARTÍSTICA: conocimiento de las principales formas y géneros vocales e instrumentales del Barroco. SOCIAL Y CÍVICA: la música al servicio de la aristocracia en el Barroco. CULTURAL Y ARTÍSTICA: la influencia de la música pop y de la banda The Beatles en la cultura popular de todo el mundo.

en contexto La ornamentación exuberante del Barroco

en el cine

Marie-Antoinette (1998) Minuet de Les Indes Galantes, de Rameau. Tristes Apprets, de Castor et Pollux, de Rameau

Tous les matins du monde (1991) Troisième Leçon De Ténèbres, de Couperin. Marche pour la cérémonie des Turcs, de Lully

3

en estudio 1. Música para cantar

El Barroco busca la intensidad emocional y el dramatismo, y para ello se vale de la ornamentación y el contraste de texturas, intensidades, timbres, dinámicas y tempos. En contraposición al orden y equilibrio renacentistas, las obras vocales del Barroco tienen un tempo marcado y una armonía con mayor inclusión de disonancias.

Imagen de la película Farinelli (1994), de G. Corbiau, basada en la vida del famoso cantante castrato italiano del mismo nombre.

En el Barroco también se consolida el concepto de jerarquía de las voces y se centra la atención musical y la expresión en la voz superior o aguda, que interpreta la melodía principal y cobra protagonismo, mientras que las voces más graves conducen la armonía. Este esquema jerárquico se denomina melodía acompañada.

«Ombra mai fu», de la ópera Xerxes, de Händel. Observa en la parte superior la melodía del cantante. En la partitura inferior, el bajo sustenta la armonía de los acordes del acompañamiento.

Las voces agudas suelen ser cantadas por niños que todavía no han experimentado el cambio de voz o por falsetistas, pero las voces más apreciadas son las de los castrati: hombres que conservan la tesitura aguda de la voz de un niño. Los castrati eran las grandes estrellas del escenario, los «divos». Sus voces, dulces y potentes, sus increíbles tesituras, y su asombrosa técnica, adquirida tras años de estudio, provocaban la admiración del público. Después de la subordinación a las voces que los instrumentos tuvieron durante el Renacimiento, con la orquesta barroca adquieren mayor importancia y desempeñan un papel fundamental. Los géneros vocales más destacados del Barroco son para cantantes solistas, coro y orquesta: la ópera, el oratorio, la pasión y la cantata.

1.1 La ópera barroca

Puesto que la ópera barroca surgió de un intento de puesta al día de la tragedia griega, adoptó varias características de la tragedia griega: temas mitológicos, destinos inexorables y desenlaces fatales, entre otras.

# 42

Alrededor de 1600, en Florencia, se intenta revivir la tragedia griega clásica, gran parte de la cual era cantada. Así nace la ópera. Uno de los primeros compositores de ópera fue el italiano Claudio Monteverdi, cuyas óperas aún se representan regularmente en la actualidad. La ópera (del italiano opera, «obra») es un género musical escénico, que parte de un texto o libreto de carácter profano. Es el espectáculo favorito del Barroco y seguirá siendo durante cuatro siglos uno de los géneros más populares, gracias a la unión de las artes que participan: música, literatura, ballet, artes plásticas, maquillaje, vestuario, etc.

3

en estudio

La ópera consta de los siguientes elementos: s obertura: pieza orquestal que inicia el espectáculo. Las partes orquestales refuerzan la intención dramática de la obra. s recitativos: tipo de canto declamado que sigue las inflexiones del texto. Permite que avance el desarrollo de la acción o argumento. s arias y duetos: composiciones vocales de carácter melódico y lírico, con acompañamiento instrumental. La acción se detiene y el personaje (o personajes) expresa un sentimiento mediante el canto. s coro: pieza polifónica interpretada por un grupo de cantantes. s ballet: pieza instrumental compuesta para ser bailada. Era una tradición en las óperas francesas.

«Da tempeste il legno infranto», aria de la ópera Giulio Cesare, de G. F. Händel Giulio Cesare in Egitto es una de las óperas barrocas más representadas. Fue compuesta por el compositor George Friedrich Händel, que nació en Alemania pero se estableció y triunfó en Londres. Esta opera seria, estilo de ópera noble con predominio del aria da capo que solía tratar un tema clásico, consta de tres actos. La trama es una historia de guerra y amor en Alejandría en el año 48 a. C. y narra el encuentro del legendario militar con Cleopatra. César ha derrotado a su rival Pompeyo, quien ha huido a Egipto, imperio regentado por Ptolomeo y su hermana Cleopatra. «Da tempeste» es un aria da capo («desde el principio», en italiano), en tres secciones, llamada así porque la tercera sección es una repetición de la primera y el compositor indicaba da capo al final de la segunda. En la tercera parte, se esperaba del cantante que improvisase variaciones y ornamentos sobre la melodía. Esta aria tiene lugar en el tercer acto. Ptolomeo sale victorioso de una batalla entre sus fuerzas y las de Cleopatra; ahora ella es prisionera de su hermano y se lamenta de su destino («Piangerò»). César irrumpe en sus aposentos con sus soldados para liberarla. Él sale para retornar al campo de batalla, mientras ella se regocija por su repentino cambio de suerte («Da tempeste»). La ópera finaliza cuando César proclama su amor por Cleopatra y la coloca en el trono. La ópera se estrenó en Londres, en 1724, con excelente acogida de público y crítica, y es una buena muestra de la maestría de Händel en la composición para voz y orquesta. Da tempeste il legno infranto, se poi salvo giunge in porto, non sa più che desiar. Così il cor tra pene e pianto, or che trova il suo conforto, torna l’anima a bear.

Cuando el barco, roto por las tormentas, se pone a salvo luego en el puerto, no puede desear nada más. Así, el corazón, luego de penas y llanto, una vez que ha hallado consuelo, está fuera de sí de gozo.

actividades 1. Escucha la tesitura de la voz de la solista femenina, ¿es soprano o contralto? 2. ¿Qué formación barroca acompaña a la solista?

a orquesta de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) con clave y viento. b consort de viento

# 43

3

en estudio 1.2 El oratorio, la pasión y la cantata

El oratorio y la pasión son composiciones de carácter narrativo y tema religioso escritas para solistas, coro y acompañamiento instrumental. Incluyen recitativos, arias, dúos, coros y secciones instrumentales. No están destinadas a la liturgia y se interpretan en versión de concierto, sin escenificación ni vestuario. El oratorio tiene una trama basada en algún tema de la religión cristiana, y la pasión narra, concretamente, la historia de la Pasión de Cristo. La cantata contiene los mismos elementos, pero no narra una historia. Además, puede ser de tema religioso o profano.

El Mesías, oratorio de Georg Friedrich Händel El Mesías es un oratorio para voces solistas, coro y orquesta, y Händel lo compuso en solo tres semanas. El libretista, Charles Jennens, escogió pasajes de la Biblia para narrar en tres partes el Nacimiento, la Pasión, la Resurrección y el Advenimiento de Jesucristo. El número coral del célebre «Aleluya», muy interpretado, cierra la segunda parte. He that dwelleth in heaven shall laugh them to scorn: the Lord shall have them in derision.

Thou shalt break them with a rod of iron; Thou shalt dash them in pieces like a potter’s vessel.

Hallelujah, for the Lord God Omnipotent reigneth, Hallelujah! The Kingdom of this world is become the Kingdom of our Lord, and of His Christ; and He shall reign for ever and ever, Hallelujah! King of Kings, and Lord of Lords, and He shall reign for ever and ever, Hallelujah!

actividades 3. Señala el esquema que corresponde a la audición de los tres últimos números de la segunda parte de El Mesías.

a aria – recitativo – coral

b recitativo – aria – coral

4. Di si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas.

a El clave acompaña al solista en el recitativo. b El solista masculino entona largos melismas sobre las palabras potter’s y rod. c En el aria, los violines tocan un motivo melódico que contrasta con la melodía vocal. d Después de una introducción orquestal, el inicio del coro tiene una polifonía homofónica. 5. ¿Qué tesituras de voces has reconocido?

a En el aria:

tenor

bajo

b En el coro:

voces masculinas

voces femeninas

# 44

voces mixtas

3

en estudio

2. Conjuntos bien orquestados Hasta el Barroco, la música instrumental había sido un género menor, pero en el siglo XVII se producen muchos avances técnicos en la construcción de instrumentos y la música instrumental adquiere mayor importancia. La música se tocaba en los palacios de los nobles, y los músicos y compositores de la corte formaban parte del personal doméstico. Como consecuencia de la consolidación de la ópera, en la que la orquesta jugaba un papel fundamental, y el avance de la música instrumental, nace la orquesta, un conjunto de instrumentos organizados por familias: cuerda, viento y percusión. La base de la orquesta la constituyen los instrumentos de cuerda, que se perfeccionan en esta época gracias al arte de los luthiers, entre los que destacan dos familias italianas: los Amati y los Stradivarius. El clavecín o clave, el violín, la flauta de pico y traverso, el laúd y el órgano son los instrumentos más importantes. Las principales características de la música instrumental barroca son:

El concierto fue uno de los géneros más importantes del Barroco. El compositor y violinista veneciano Vivaldi fue el que más contribuyó a darle su forma definitiva como diálogo entre el solista y la orquesta. Compuso más de 500 conciertos, 230 de ellos para violín.

s el contraste: de intensidad (forte/piano), de tempo (rápido/lento) y de timbre (un grupo de instrumentos se alterna con un instrumento solista). Los compositores se valen de los contrastes para inducir en el oyente determinados «afectos» o emociones, y expresar «pasiones» del alma: dolor, asombro, grandeza, heroísmo, etc. s la incorporación del bajo continuo. Es la base armónica grave (bajo) que sustenta la melodía ininterrumpidamente (continuo). Un instrumento de cuerda (el violonchelo) o viento (el fagot) toca el bajo y un instrumento de teclado proporciona la armonía. s el empleo de texturas homofónicas, polifonías contrapuntísticas y melodía acompañada. s el importante papel de la improvisación. La partitura no debía seguirse al pie de la letra: los músicos tenían libertad para decidir cómo tocar los acordes del bajo continuo o introducir ornamentos melódicos.

actividades 6. Mira los fragmentos de las siguientes obras del Barroco y fíjate en los instrumentos. Identifícalos y relaciona cada obra con los instrumentos correspondientes. Tocata y fuga en do menor, de J.S. Bach

laúd barroco

Concierto n.° 3 en La mayor, de J.P. Rameau

orquesta

Courante en Fa Mayor, de L. Weiss

órgano

Suite, de G.P. Telemann

clavecín, flauta travesera, viola de gamba y violín

Music for the Royal Fireworks, de G.F. Häendel

flauta de pico y orquesta

# 45

3

en estudio 2.1 Las formas instrumentales

Las formas instrumentales más importantes del Barroco son la sonata, la suite, el concierto y la fuga. En el Barroco, el término sonata describe un tipo de obra de carácter instrumental, para ser «sonada», por oposición a la cantata. Las hay de muchos tipos, pero suelen requerir cierto virtuosismo instrumental. La suite es una obra musical compuesta de movimientos breves y de distinto carácter basados en danzas barrocas. Puede estar escrita para instrumentos solistas, como la flauta o el clavecín, para formaciones de cámara (solista y bajo continuo) o para orquesta. A. Vivaldi, F. Couperin, J.S. Bach y G.F. Händel destacan por su dominio de las formas instrumentales barrocas. El francés François Couperin escribió 27 suites para clave («Ordres») compuestas por miniaturas con títulos originales y sugerentes, como Les barricades mystérieuses (Las barricadas misteriosas).

2.1.1 El concierto El concierto consta de tres movimientos que contrastan en carácter y tempo: Allegro-Adagio o Andante-Allegro. Hay dos tipos de concierto: el concierto solista, en el que el solo lo interpreta un instrumento, y el concerto grosso, escrito para un pequeño grupo de solistas (concertino) y orquesta (tutti), que dialogan entre sí.

Concierto de Brandenburgo n.º 5, BWV 1050, de Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach (1685-1750) es el máximo exponente de la música barroca y uno de los mayores compositores de la historia. Su influencia ha llegado hasta nuestros días. La audición que proponemos es un fragmento del tercer movimiento del Concierto de Brandenburgo núm. 5. Se trata de un concerto grosso que consta de tres movimientos: Allegro, Affettuoso y Allegro. El concertino lo integran un violín, un traverso y un clavicémbalo. El tutti, en líneas generales, está formado por la sección de cuerda a cuatro voces. El clave tiene un papel muy importante, llegando a jugar un papel solista al final del primer movimiento.

actividades 7. Escucha la audición de Bach e indica si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas.

a Traverso y violín juegan un papel solista. b Cuerda y bajo continuo conforman el tutti. c Destaca el virtuosismo de la viola. d Cada línea melódica está concebida para que la interprete cualquier instrumento. e Se produce un contraste entre los dos grupos instrumentales, a modo antifonal. 8. La métrica del tercer movimiento es…

a binaria

b ternaria

9. El término italiano Affettuoso indica que el tempo es...

a rápido

b lento

# 46

c cuaternaria

3

en estudio

2.1.2 La fuga La fuga es una forma musical polifónica, de un solo movimiento, formada por el contrapunto entre varias voces de igual importancia. El término procede del latín y significa «huida», porque parece que las voces se persigan y huyan unas de otras. La fuga es el máximo exponente de la técnica y la estética barrocas. Aunque hay fugas para todas las formaciones instrumentales, la mayoría son para teclado. Generalmente, se interpreta precedida de una introducción o preludio: una composición breve sin forma preestablecida. La fuga se inicia con la exposición del sujeto, el tema principal del que deriva toda la fuga. Las demás voces se van incorporando sucesivamente a diferentes alturas. Otros elementos de la fuga son la respuesta (el tema a la quinta del sujeto) o el contrasujeto, un motivo que acompaña al sujeto o a la respuesta.

J.S. Bach es el compositor de fugas más importante del Barroco. Llevó la fuga a su máximo esplendor en su última obra El arte de la fuga, compuesta únicamente por fugas. La última fuga de la obra, Contrapunctus XIV, quedó inacabada a su muerte.

Fuga n.º 16, en sol menor, de El clave bien temperado (Libro I), de J.S. Bach El clave bien temperado es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas en todas las tonalidades mayores y menores. Todos los preludios y fugas son de carácter diferente. Las fugas, veinticuatro en cada libro, suelen ser para tres o cuatro voces, aunque también las hay para dos o cinco. Bach demuestra en cada una de esas piezas su gran maestría del contrapunto. El clave bien temperado es una de las obras más importantes e influyentes de la música occidental.

actividades 10. Escucha observando la partitura y marca con palmadas el ritmo del sujeto y del contrasujeto.

11. Escucha los siete primeros compases de la fuga siguiendo el musicograma y completa los recuadros en verde según escuches el sujeto (S), la respuesta (R) o el contrasujeto (CS).

1 1 voz 2 voz 3 voz 4 voz

2

3

compases 4

5

6

7

8

R S

CS

# 47

3

en teoría 1. La tonalidad

Cuando escuchamos una obra percibimos momentos de estabilidad y de inestabilidad, de tensión y de resolución. Eso es porque el sistema musical occidental está organizado de forma jerárquica a partir de un «centro». Esa organización recibe el nombre de tonalidad. El «centro» es la nota con mayor estabilidad, la tónica, y a partir de esa nota y de su escala se organiza todo el sistema tonal.

1.1 Las escalas Una escala es una sucesión de notas por grados conjuntos ordenados de grave a agudo o viceversa. Existen varios tipos de escalas, y los compositores, al componer, emplean una o varias de esas escalas.

Primeros compases de la melodía del Bolero de Ravel, en do mayor.

La escala cromática contiene los doce sonidos de la escala temperada occidental. Entre cada una de sus notas hay un semitono.

Escala cromática de do.

A excepción de la escala cromática, entre las notas de una escala hay tonos o semitonos, y las escalas se clasifican según ese patrón de intervalos entre sus notas. Las escalas en las que se basa el sistema tonal occidental son la escala mayor (M) y la escala menor (m). Esas escalas tienen siete notas y ocho sonidos puesto que se incluye la octava de la tónica; a partir de la octava, el patrón se repite. La escala mayor se define por el patrón de intervalos T-T-S-T-T-T-S, es decir, que hay semitonos entre la tercera y cuarta nota y entre la séptima y la octava, y tonos entre las demás. Escala de do mayor

I

(T)

II

(T)

III

(S)

IV

(T)

V

(T)

VI (T)

VII

(S)

I

La escala menor se define por el patrón de intervalos T-S-T-T-S-T-T, es decir, que hay semitonos entre la segunda y tercera nota y entre la quinta y la sexta, y tonos entre las demás. Escala de la mayor

I

# 48

(T)

II

(S)

III

(T)

IV

(T)

V

(S)

VI (T)

VII

(T)

I

3

en teoría

El sistema tonal occidental se basa en las escalas mayores y menores, pero hay escalas de muchos tipos. Una de las más comunes es la pentatónica.

Escala pentatónica mayor de do.

Escala pentatónica menor de do.

1.2 Las alteraciones Las alteraciones son unos signos que se ponen delante de una nota y modifican su altura. Las más utilizadas son el sostenido, el bemol y el becuadro. El sostenido () eleva medio tono la nota.

La escala pentatónica es tan ubicua que todos la tenemos interiorizada. Mira este juego-experimento en el que el cantante Bobby McFerrin propone al público cantar siguiendo sus pasos, y en el que puede comprobarse cómo todos los presentes cantan sin dudar las notas correspondientes a la pentatónica menor, en este caso, de si bemol. Como afirma a continuación, el público canta la escala pentatónica en todos los lugares del mundo.

i

El bemol ( ) baja medio tono la nota.



El becuadro ( ) cancela el efecto de las demás alteraciones.

La escala de do mayor y la menor no tienen alteraciones, pero las necesitaremos si queremos escribir las otras escalas mayores y menores. Por ejemplo, si queremos escribir la escala de sol mayor, respetaremos el patrón de intervalos de la escala mayor a partir de la nota sol. Para ello tendremos que añadir un sostenido a la nota fa:

En las escalas menores también tendremos que recurrir a las alteraciones. Para escribir la escala de re menor añadiremos un bemol a la nota si:

# 49

en teoría 1.3 La armadura

3

Los compositores de música culta desde el 1600 al 1900, aproximadamente, y de música popular del siglo XX, se han basado en una tonalidad específica a la hora de componer sus obras y, por tanto, la escala de esa tonalidad era la que dominaba en la obra. Según la escala que escogieran tenían que utilizar alteraciones. Para no tener que poner las alteraciones propias de la tonalidad delante de cada una de las notas, se escriben al principio de la partitura, entre la clave y la indicación de compás. Ese conjunto de alteraciones propias de una tonalidad determinada se llama armadura. Observa la armadura de las siguientes melodías y fíjate en la escala en la que están escritas:

Joy to the World, de G.F. Haendel, en re mayor.

I Will Survive, popularizada por Gloria Gaynor, en la menor.

Frère Jacques, canción popular francesa, en do mayor.

Tercer movimiento de la Primera sinfonía, de Mahler. Se inicia con una variación en modo menor de Frère Jacques.

Ya sabes que se llama grado a la posición de cada nota dentro de la escala. Los grados más importantes del sistema tonal son los grados tonales: el I (tónica), el IV (subdominante) y el V (dominante).

actividades 1. Escribe en tu cuaderno las siguientes escalas.

a la mayor b si bemol mayor c sol menor d si menor e pentatónica mayor de mi f

pentatónica menor de do

2. Escribe las armaduras y los grados tonales de las cuatro primeras escalas de la actividad anterior.

# 50

3

en el número 1 Hey Jude, de The Beatles

El pop La música pop nació a finales de los cincuenta a partir del rock and roll y de la música folclórica británica. Las canciones pop son cortas y tienen estructura simple, con melodías pegadizas y forma de estrofa-estribillo. El pop, cuyo objetivo ha sido atraer a un público general, ha absorbido influencias de muchos otros géneros y se ha convertido en el género de música más difundido por todo el mundo. Algunos artistas de pop famosos son Michael Jackson, ABBA, Bee Gees, Madonna y The Beatles.

Nº.1 en 1968 Otros grupos y cantantes The Doors Sly & The Family Stone Cream Simon and Garfunkel James Brown The Rolling Stones

Películas 2001, una odisea del espacio El planeta de los simios La semilla del diablo El guateque

The Beatles La banda de Liverpool The Beatles (John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr) empezó tocando rock and roll en clubes de Hamburgo y terminó siendo la más exitosa de la historia. En solo diez años de continua innovación y experimentación musical, revolucionaron la música popular y la industria musical. Llevaron a cabo incontables contribuciones que hoy en día nos parecen normales.

actividades 1. ¿Quién es el principal vocalista del tema? 2. ¿Quiénes hacen los coros? 3. ¿Qué instrumentos tocan? 4. La forma de la canción es característica de las canciones pop, con estrofas (A) y estribillo (B), pero Hey Jude tiene una gran coda, de la que solo hemos puesto un fragmento. ¿Quién la canta?

noticias Mayo del 68 M E París, un grupo de En eestudiantes se manifiesta en contra de la fi ssociedad de consumo. A ella se sumarán m grupos de obreros, los g ssindicatos y el Partido C Comunista francés. El rresultado fue la mayor h huelga general de la historia de Francia. h

Asesinato de Martin Luther King El reverendo y activista Martin Luther King, galardonado cuatro años antes con el premio Nobel de la Paz, es asesinado en Memphis, ciudad a la que se dirigió para apoyar la igualdad de salarios entre blancos y negros.

# 51

3

en vídeo On Reflection, de Gentle Giant

Gentle Giant fue una banda de rock progresivo británica formada por los hermanos Shulman y activa durante la década de los setenta. Su música era compleja y sofisticada, y su objetivo declarado era expandir las fronteras de la música popular contemporánea aún a riesgo de no ser populares. Excepto el batería, todos los integrantes de la banda tocaban varios instrumentos. La música de Gentle Giant incorpora influencias de géneros como el jazz, el folk, y especialmente de la música culta, en particular de la Edad Media, el Barroco y el siglo XX. Para una sección de su canción On Reflection (1975), del disco Free Hand, compusieron una fuga a cuatro voces. El tema empieza con una sección instrumental, le sigue una sección fugada a capela y la tercera parte es vocal-instrumental.

actividades 1. Escucha On Reflection y completa el siguiente musicograma con (V) vocal, (I) instrumental o (V-I) vocalinstrumental.

0:00

2:11

3:02

I 3:53

3:29

2. Señala los instrumentos que intervienen en la primera sección instrumental.

a teclado

d vibráfono

g violonchelo

b flauta dulce

e violín

h bajo

c batería

f

guitarra eléctrica

3. En la primera parte vocal a capela, las voces entran sucesivamente a diferentes alturas. ¿Qué voces son las dos primeras que entran?

a aguda-grave

b media-grave

c aguda-media

4. En la sección vocal instrumental, ¿qué instrumentos acompañan a la primera y a la segunda entrada? 1.ª entrada 2.ª entrada

violín violín

flauta flauta

vibráfono vibráfono

5. En la primera sección instrumental, ¿cómo es la textura? ¿Y en la parte vocal a cappella?

a contrapuntística

# 52

b de melodía acompañada

c homofónica

3

en relación Fuga n.º 16

y

On Reflection

La época dorada de la fuga tuvo lugar durante el Barroco, pero el procedimiento musical de la fuga ha pervivido desde entonces. Mozart y Beethoven compusieron fugas. Y en el siglo XX se han compuesto fugas en géneros tan dispares como el tango o el jazz. Aunque en el rock la forma de la fuga no es muy frecuente, también se han escrito algunas, como On Reflection, de Gentle Giant. En esta unidad compararemos la Fuga n.º 16, de Bach, con un fragmento de On Reflection. Nombre de la obra

Compositor

Forma/Género

Época

Fuga n.º 16

J. S. Bach

fuga

1722

On Reflection

R. Shulman, D. Shulman y K. Minnear

canción

1975

actividades 1. Escucha hasta el octavo compás como mínimo de la Fuga n.º 16, en el que ya han entrado todas las voces con el tema principal, o sujeto. ¿A cuántas voces es la Fuga n.º 16?

a dos

b tres

c cuatro

2. Ahora escucha On Reflection hasta el segundo 0:27, en el que todas las voces han expuesto el sujeto. ¿Para cuántas voces está compuesta?

a tres

b cuatro

Al grupo especializado en repertorio barroco Sonatori de la Gioiosa Marca les gustan las composiciones de Gentle Giant inspiradas por la música barroca, y han interpretado varias al estilo barroco. Observa un fragmento de su interpretación de On Reflection.

c cinco

3. En una de las dos obras, la segunda entrada es más aguda que la primera. ¿En cuál?

a Fuga n.º 16

b On Reflection

4. ¿Qué término usarías como indicación de tempo de ambas obras?

a Moderato

b Lento

c Allegro

en digital Graba diferentes instrumentos en el programa Audacity y observa la forma de la onda que producen. Modifica las tesituras de los instrumentos y las características de la onda (amplitud o intensidad, forma). Mediante el programa MuseScore, escribe un fragmento de una fuga a varias voces.

# 53

3

en vivo 1. Ritmo Pica este ritmo. Puedes practicarlo sin y con ligaduras.

Dictado Escucha atentamente el audio y realiza el dictado con la ayuda de tu profesor o profesora.

2. Melodía En esta unidad vamos a tocar una de las piezas más célebres del Barroco, una adaptación del segundo movimiento del Concierto n.º 4 en fa menor, Op. 8, RV 297, de Antonio Vivaldi, más conocido como El invierno. Pertenece a un ciclo de cuatro conciertos para violín titulados Las cuatro estaciones. Dicho ciclo es una obra de música descriptiva (o programática) que evoca distintos aspectos de las estaciones del año. En este caso, la caída de la lluvia, sugerida por el pizzicato de los violines.

# 54

3

en vivo

3. Tocamos juntos Toca con flauta, placa u otros instrumentos un medley de tres de las canciones más conocidas del grupo sueco ABBA: Money, money, money; Mamma Mia y Waterloo. Los tres temas, que ya son clásicos de la música popular, forman parte del musical de gran éxito Mamma Mia!, basado en las canciones de ABBA, y sobre el que también se ha hecho una película.

# 55

3

en resumen El Barroco (siglos XVII y XVIII) es la época de la ornamentación, el contraste y el dramatismo en el arte.

Características

sJERARQUÓADELASVOCESYPROTAGONISMODELAVOZSUPERIOR sMELODÓASORNAMENTADAS sRITMOREGULAR sCONTRASTESINTENSIDAD TEMPO TIMBRE sBAJOCONTINUO sTEXTURASHOMOFØNICAS CONTRAPUNTÓSTICASYDEMELODÓAACOMPA×ADA sIMPORTANCIADELAIMPROVISACIØN

Música vocal s&ORMASRELIGIOSAS – oratorio – cantatas – pasión

Música instrumental sFORMAS – concierto: concierto para solista, concerto grosso. – suite – sonata – fuga

s&ORMASPROFANAS – ópera – cantata profana Las formas vocales tienen en común: oberturas, arias, recitativos, dúos y coros.

sINSTRUMENTOS – polifónicos: clave, laúd, órgano – melódicos: violín, flauta de pico, traverso, etc.

La tonalidad Es la organización jerárquica de las notas en relación a un centro tonal, o tónica.

La escala Sucesión de notas por grados conjuntos ordenados de grave a agudo y viceversa.

sCROMÈTICA sMAYOR sMENOR sPENTATØNICA mayor sPENTATØNICA menor

La armadura Conjunto de alteraciones propias de una tonalidad. Se escriben al principio de una partitura.

# 56

Las alteraciones Signos que se ponen delante de una nota y modifican su altura.

i



sSOSTENIDO ) sBEMOL ) sBECUADRO )



Grado Posición de cada nota dentro de la escala. Los más importantes son los tonales (I, IV y V).

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en imágenes Fuga núm. 6, en re m, BWV 851, de Johann Sebastian Bach

Una de las formas más elaboradas del Barroco es, sin duda, la fuga. La fuga cuenta con un solo movimiento y puede tener desde dos hasta seis o más voces (melodías independientes), aunque lo más frecuente es que tenga tres o cuatro. En la música instrumental, a veces, puede ir precedida de un preludio, una pieza de forma libre y carácter improvisado. La fuga es de textura contrapuntística, y las diferentes voces van entrando sucesivamente por contrapunto imitativo. El compositor que llevó la fuga a un mayor grado de perfección fue el alemán Johann Sebastian Bach. Bach empleaba el simbolismo en algunas de sus composiciones; por ejemplo, introduciendo un motivo musical compuesto por las notas de su nombre, BACH, que en la nomenclatura alemana corresponden a las notas sii, la, do y si. La fuga siempre se inicia con la entrada de una sola voz exponiendo el tema principal; seguidamente, el tema volverá a aparecer en las otras voces en diferentes alturas y tonalidades. J. S. Bach compuso dos series de veinticuatro preludios y fugas para teclado llamadas El clave bien temperado. Se llaman así porque, mediante una nueva afinación del teclado, se podía tocar en las veinticuatro tonalidades en las que están escritas las piezas (doce mayores y doce menores), algo que hasta ese momento no era posible. Cada libro contiene veinticuatro pares de preludios y fugas. El primer par está en do Mayor, el segundo en do menor, el tercero en do Mayor, el cuarto en do menor, y así sucesivamente. 1. Escucha el tema principal de la Fuga núm. 6 en distintas tonalidades.

2. ¿Cuántas notas distintas hay en el tema? Ordena las notas del tema de grave a agudo. 3. Escucha la Fuga núm. 6, en re menor a tres voces, de J. S. Bach, siguiendo el musicograma con las principales entradas del tema. 1 AGUDO

3

6

13

17

TEMA TEMA

MEDIO GRAVE

TEMA 18

21

28

TEMA 39

40

AGUDO MEDIO GRAVE

TEMA

TEMA TEMA

TEMA TEMA

¿En qué altura entra el tema en el compás 13? 4. Si la Fuga núm. 6 está en la tonalidad de re menor, ¿en qué tonalidad crees que estará la Fuga núm. 11?

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