DOSSIER DE PRENSA

Eulalia Valldosera

Loop

1997 Vídeo registrado en la Cisterna Basílica durante la 5.ª Bienal de Estambul (1997) 4 min Obra gentileza de la artista

NADA TEMAS, DICE ELLA Cuando el arte revela verdades místicas

SUMARIO Información práctica Nota de prensa Santa Teresa, una amiga de las imágenes Marco conceptual de la exposición Objetivos La sede de la exposición Artistas y obras Catálogo Sobre la comisaria de la exposición Actividades en torno a la exposición

EXPOSICIÓN Organizada por Acción Cultural Española, AC/E Museo Nacional de Escultura, MNE

Comisaria

Proyecto museográfico Producciones Nada con sifón

Montaje y producción Red Producciones

Rosa Martínez

Fernando Frutos (MNE)

Asistente de comisariado

Transporte

Alba Baeza

SIT Transportes Internacionales

Coordinación

Seguro

Monique Lambie (AC/E) Mercedes Serrano (AC/E) Celia Guilarte (MNE)

AON Con la colaboración de

INFORMACIÓN PRÁCTICA Exposición Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas abierta al público del 18 de noviembre de 2015 al 28 de febrero de 2016 en, Museo Nacional de Escultura Palacio de Villena Colegio de San Gregorio Casa del Sol Calle Cadenas de San Gregorio, 1 47011 Valladolid http://museoescultura.mcu.es / +34 983 250 375

Horario Abierto de martes a sábado de 11 h a 14 h; 16.30 h a 19.30 h; domingo de 11 h a 14 h Lunes cerrado Entrada gratuita Catálogo de la exposición A la venta en librerías y la tienda del Museo Nacional de Escultura Precio: 25 €

CONTACTO DE PRENSA Acción Cultural Española (AC/E) Mónica Hernández / Tel.: + 34 91 700 4000 / +34 628 26 01 75 [email protected] Museo Nacional de Escultura Celia Guilarte / Ana Gil / Ángel Villa / Tel.: +34 983 250 375 [email protected]

DOSSIER E IMÁGENES PARA LA PRENSA Página Web del Museo Nacional de Escultura http://museoescultura.mcu.es/actividades/exposicionesTemporales.html Descarga de imágenes en: http://bit.ly/1Qj3HeO Portada dossier: José Ramón Ais Parque natural, 1 2014-2015 Impresión lambda 125 x 93,75 cm Obra gentileza del artista y de la Galería Alegría, Madrid

NOTA DE PRENSA La exposición Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místi-

cas, que clausura los actos organizados por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte con motivo del V Centenario del nacimiento de santa Teresa de Jesús, ha sido organizada por Acción Cultural Española (AC/E), el Museo Nacional de Escultura y la Dirección General de Política de Industrias Culturales y del Libro. El Museo abre por primera vez de manera conjunta sus tres sedes para acoger la muestra. La exposición está comisariada por Rosa Martínez, directora artística de bienales internacionales como las de Venecia o Estambul, y trata de mostrar la fuerza con que la espiritualidad, la religiosidad y lo sagrado siguen siendo hoy sustento de la creación artística. Así lo evidencia este grupo de veintiún artistas contemporáneos, de reconocido prestigio, seleccionados por su conexión temática, conceptual o existencial con la figura y el legado de Teresa de Jesús: Marina Abramovic, Anila Quayyum Agha, José Ramón Ais, Pilar Albarracín, Francis Alÿs, Miquel Barceló, Louise Bourgeois, Dora García, Anish Kapoor, Waqas Khan, Kimsooja, Cristina Lucas, Bruce Nauman, Nikos Navridis, Rivane Neuenschwander, Cai Guo-Qiang, Eglė Rakauskaitė, Soledad Sevilla, Josefa Tolrà, Eulalia Valldosera y Bill Viola. Algunos han creado obras específicas para esta exposición, mientras que otros convivirán con piezas singulares de la colección histórica del Museo. En conjunto utilizan medios diversos que van desde la cerámica y el dibujo al video, la performance, las instalaciones o las intervenciones en el espacio público.

El recorrido por las tres sedes monumentales del Museo Nacional de Escultura, un Colegio del siglo XV y dos palacios del siglo XVI, situados en una misma calle, genera una simbiosis muy reveladora entre las obras contemporáneas y algunas de las piezas más significativas de la colección permanente. Esta interacción crítica se expande al Coco Café, próximo al Museo, que, en una experiencia singular, conecta lo público y lo privado, las asociaciones cívicas y las institucionales.

Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas, que podrá verse del 18 de noviembre de 2015 al 28 de febrero de 2016 en Valladolid, contará con un catálogo bilingüe español/inglés editado por Acción Cultural Española (AC/E) y Ediciones Anómalas bajo la dirección de la comisaria de la muestra, Rosa Martínez, en el que el lector encontrará reflexiones reveladoras sobre Teresa de Jesús y sobre el arte como camino espiritual a través de las obras de los artistas participantes, así como de los ensayos de María Bolaños, directora del Museo Nacional de Escultura; Giuliana Di Febo, historiadora; Julia Kristeva, psicoanalista y escritora, y Rosa Martínez.

Miquel Barceló

Al·legòric [Alegórico]

2012 Cerámica 50 x 63 x 40 cm Colección particular Fotografía de Agustí Torres © Miquel Barceló, VEGAP, Madrid, 2015

SANTA TERESA, UNA AMIGA DE LAS IMÁGENES

En el noveno capítulo de su Libro de la vida, santa Teresa se definió a sí misma como «amiga de imágenes», constatando así el poder que las representaciones tienen para facilitar la conexión con lo divino. La experiencia estética es, de hecho, la forma más cercana a la experiencia mística, y la creación artística es un medio privilegiado para ampliar y configurar la conciencia. En su reforma carmelitana, santa Teresa apostó por una estética austera, sencilla y desnuda, en la que la pobreza de los materiales –como la cal y la madera– era fundamental para crear un entorno propicio a la oración.

Gregorio Fernández

Santa Teresa de Jesús

c. 1625 Madera policromada 172 x 103 x 85 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid

En una época en la que ni la sociedad ni el pensamiento sostenían el valor de las mujeres, Teresa de Jesús fue una pionera, una luchadora que se enfrentó a dificultades de todo tipo en un ejercicio constante de aprendizaje, sanación y perfección. Su experiencia de exclusión la hizo ir más allá de lo masculino como expresión de lo humano y amplió así la conciencia antropológica al mostrar que, tanto hombres como mujeres, podían hablar directamente con Dios y ser sujetos de experiencia y de saber.

Pilar Albarracín Mentira n.º 5. Serie 300 mentiras 2009 Fotografía en color 190 x 125 cm Colección Fundación Arco, Madrid

La vida y la obra de Teresa de Jesús constituyen un ejemplo singular de cómo combinar misticismo y acción, recogimiento interior y poder transformador. Su figura tiene alcance universal y alimenta numerosos campos del conocimiento humano, desde la literatura, la religión, la filosofía, el psicoanálisis o los estudios de género. Bill Viola

La celebración del 500 aniversario de su nacimiento es una ocasión extraordinaria para reavivar su figura y conectarla con reflexiones existenciales y estéticas contemporáneas. Se evidencia así cómo su legado atraviesa los siglos y hasta qué punto su vida y su obra siguen siendo relevantes en la actualidad.

The Return [El regreso] 2007 Videoinstalación 7 min 15 s Obra gentileza de la Fundació Sorigué, Lérida

EL MARCO CONCEPTUAL DE LA EXPOSICIÓN La exposición Nada temas, dice ella explora los ecos de Teresa de Jesús como escritora, como reformadora y como mujer mística, a través de propuestas de artistas actuales en los que resuena el deseo de ir más allá de lo establecido y buscar nuevos sentidos a nuestro paso por el mundo.

Francis Alÿs

Cuando la fe mueve montañas (Making of) 2002

Instalación. Dimensiones variables Vídeo 15 min 9 s Gentileza del artista y de la David Zwirner Gallery, Nueva York/Londres

El título de la muestra proviene de la actualización de uno de los versos de la santa, el del conocido poema «Nada te turbe, nada te espante», que se convierte aquí en el más sencillo «Nada temas», como traducción del impulso a superar los obstáculos y los miedos. Al conjugarlo con la segunda parte del título del misterioso libro de la escritora Marguerite Duras, Détruire, dit-elle, se conectan el pasado y el presente, y se pone el acento en que las palabras son vehiculadas por voces de mujer.

Esta exposición se inscribe así en el campo de la revisión crítica de la historia, a la vez que potencia lo femenino como acercamiento al misterio de la existencia y como vehículo de conexión con lo sagrado. Hoy más que nunca se pone en evidencia que la desmedida ambición de dominio del racionalismo occidental debe ser equilibrada por una nueva «ética del cuidado», tanto del planeta como de las relaciones de poder o de la vida cotidiana.

La exposición Nada temas, dice ella se convertirá en un campo magnético que, a través de sus diferentes zonas de intensidad, mostrará la riqueza de los lenguajes artísticos actuales, desde la pintura a la performance, desde la escultura a las instalaciones, desde la escritura a las intervenciones en espacios urbanos.

En este contexto, el arte sigue siendo una forma privilegiada de impulsar la transformación personal y social en tanto en cuanto amplía nuestra conciencia sobre lo real y conecta las ideas de espiritualidad y creación.

Louise Bourgeois

Arch of Hysteria [Arco de la histeria]

1993 Bronce pulido 83,8 x 101,6 x 58,4 cm Obra gentileza de The Easton Foundation, Nueva York Fotografía de Allan Finkelman © The Easton Foundation licensed by VEGAP

OBJETIVOS DE LA EXPOSICIÓN

·

Actualizar el legado de santa Teresa a través de creaciones contemporáneas que dan forma a lo sutil, que conectan lo visible y lo invisible, lo terrenal y lo espiritual.

·

Revalorizar la escritura femenina –ya sea verbal o visual– como forma de transcrip-

Felipe de Espinabete

ción de la experiencia, de construcción

1750-1799 Madera policromada 61,5 x 91,5 x 41,5 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid

del yo, de saber y de autoridad. ·

Mostrar a la mujer como sujeto de la pa-

La Magdalena en el desierto

labra amorosa, como impulsora de una «ética del cuidado» necesaria para una convivencia más armoniosa. ·

Señalar el valor de la meditación y la creación artística como vías para alcanzar una conciencia superior de la realidad.

·

Evidenciar cómo el arte puede ser una forma de transformación individual y colectiva.

·

Reunir una serie de obras fundamentales en la creación del siglo XX y XXI que plasmen el anhelo de sentido y la belleza de los lenguajes contemporáneos.

Kimsooja

A Needle Woman – Kitakyushu [Mujer aguja – Kitakyushu]

1999 Vídeo sin sonido 6 min 33 s Obra gentileza de la artista y La Fábrica, Madrid

·

Atravesar el tiempo mediante obras de diferentes épocas históricas para mostrar cómo son expresadas las inquietudes existenciales en cada momento.

·

Potenciar el patrimonio artístico español y mostrar a los artistas de nuestro país como autores de vocabularios internacionales.

Pedro de Mena

La Magdalena penitente

1664 Madera policromada y cristal 165 x 52 x 61 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid

LA SEDE DE LA EXPOSICIÓN El Museo Nacional de Escultura de Valladolid constituye una sede idónea para la realización de esta exposición, tanto por la extraordinaria riqueza de sus fondos, como por la belleza y la significación de los edificios históricos en los que se presentan. Para la exposición Nada temas, dice ella el Museo abrirá, por primera vez y de manera conjunta, sus tres sedes:

·

El Colegio de San Gregorio, sede histórica del Museo, integrará algunas de las creaciones en conexión con obras de la colección permanente.

·

El Palacio de Villena, sede habitual de las exposiciones temporales del Museo, acogerá las instalaciones de formato más amplio y las proyecciones videográficas.

·

La Casa del Sol propiciará la interacción de obras contemporáneas con las significativas reproducciones artísticas que se reúnen en su espacio.

Se establecerá así un significativo diálogo entre el pasado y el presente y se mostrará cómo en el siglo XX se ha ampliado el concepto de escultura. Los hermosos artesonados de los techos, los relieves y tracerías de la piedra o el mármol, y las febriles tallas de madera convivirán con la concepción contemporánea de la escultura como ejercicio de transformación plástica de la conciencia.

Inspirado por la figura de Santa Teresa, el hilo invisible que conecta las obras presentadas en el Palacio de Villena traza un circuito de afinidades conceptuales, contrastes formales y asociaciones transtemporales a partir de Sky

Ladder (Escalera al cielo) de Cai Guo-Qiang, que alude al deseo de elevación espiritual.

La pluma en la mano de la Santa Teresa de Gregorio Fernández apunta sutilmente hacia la pieza Text in Continuum II de Waqas Khan, que es como otro Libro de la vida pero escrito con líneas en lugar de palabras. Una obra sonora realizada por Nikos Navridis traslada el alien-

Cai Guo-Qiang Sky Ladder [Escalera al cielo] 2015 Globo de helio y mecha, 500 x 5,5 m Proyecto de explosión realizado cerca del puerto Huiyu Island, Quanzhou, el 15 de junio de 2015 a las 4:45 Duración: 100 s Obra gentileza del artista y fotografía de Lin Yi

to de la santa a la exposición. Y el espectador puede ir descubriendo cómo las fotografías de José Ramón Ais recrean las dificultades del «camino de perfección» o cómo la instalación de Soledad Sevilla se convierte en metáfora del viaje por el «castillo interior»,

mientras

Pilar

Albarracín

y

Eglė

Rakauskaitė reflexionan sobre las dificultades del devenir mujer. Por su parte, Miquel Barceló traduce la mística del barro como material directamente ligado al cuerpo, y la médium Josefa Tolrà habla de los cuerpos sutiles y los seres de luz.

José Ramón Ais Parque natural, 1 2014-2015 Impresión lambda 125 x 93,75 cm Obra gentileza del artista y de la Galería Alegría, Madrid

Otros artistas como Anila Quayyum Agha, Eulalia Valldosera o Bill Viola aluden, desde perspectivas diferentes, a búsquedas de transformación interior, mientras que Francis Alÿs ofrece el contrapunto irónico con su instalación Cuando la fe mueve

montañas, mostrando cómo las empresas más utópicas son también posibles.

Anila Quayyum Agha Intersections (ed. 2/5) [Intersecciones (ed. 2/5)] 2015 Instalación. Medidas variables Escultura de acero cortado con láser recubierto con polvo de resina de poliéster 200,66 x 200,66 x 200,66 cm Obra gentileza de la artista y fotografía de Debra Jenkins

ARTISTAS Y OBRAS El criterio para la selección de los artistas y obras de la exposición Nada te-

mas, dice ella se ha basado en su conexión temática, conceptual, existencial o espiritual con la figura y el legado de Teresa de Jesús. Cuando la sociedad moderna del siglo xx comenzó a vivir el imparable proceso de secularización, en el que ya no tenían tan fácil cabida los agotados convencionalismos del arte cristiano, el artista comenzó a explorar su intuición de la divinidad mediante nuevas formas. Formas ajenas a los viejos rituales y prácticas devotas, pero basadas igualmente en una imaginación ultramundana, introspectiva e inmaterial. La vida del espíritu regresó a escena, de manera abiertamente programática, cuando en 1911 Kandinsky escribió De lo espiritual en el arte, donde proponía aquel salto en el vacío que fue la invención de la pintura abstracta. Ha sido en el tránsito del siglo XX al XXI cuando las nociones de sacralidad, espíritu, religión y misticismo han conocido un renacer como apuestas artísticas fuertes, muy distintas de todos los experimentos precedentes. Han reaparecido temas bíblicos, como la caída, la debilidad o el fracaso; y, sobre todo, los artistas han hecho del pathos y sus formas el centro de la creación, en un salto del concepto al

afecto, dejando de lado las especulaciones más intelectuales, y alentando una «revancha de las emociones» –la ira, la risa, el miedo, el dolor–, tan desacreditadas en décadas anteriores. Desde esta «experiencia de los límites», el ser del artista se embarca en cuerpo y alma en la experiencia creadora, una experiencia total, transformadora del sujeto, un «ejercicio espiritual» y, en muchos casos, ritualizado. Como la exposición demostrará, el trabajo de muchos artistas se basa en dichas experiencias de búsqueda espiritual.

Bruce Nauman (Fort Wayne, 1941)

The True Artist Helps The World by Revealing Mystic Truths (Window or Wall Sign) [El verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas (Letrero de ventana o pared)], 1967 Neón 149,9 x 139,7 x 5,1 cm Obra gentileza del artista y del Philadelphia Museum of Art, Filadelfia © Bruce Nauman, VEGAP, Madrid, 2015

En esta célebre pieza, Bruce Nauman se apropió del formato de un anuncio publicitario de cerveza para darle un contenido trascendente, al incluir en el ritmo visual de la espiral un axioma: «El verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas». La afirmación se desliza entre la ironía y el escepticismo. Como él mismo dice, «es verdad y no lo es al mismo tiempo». Como puerta de entrada a la exposición, esta obra invita a conectar lo espiritual y lo material, las tradiciones místicas y los lenguajes artísticos contemporáneos, y propone abrir nuevos territorios de sentido, de goce y de acción.

José Ramón Ais (Bilbao, 1971) Parque natural, 1 2014-2015 Impresión lambda 125 x 93,75 cm Obra gentileza del artista y de la Galería Alegría, Madrid Parque natural es una serie de paisajes sublimes, en la que se conjuga la tradición del romanticismo con el detallismo hiperrealista. El artista exalta su carácter «artificioso», pues cada uno de los elementos (hierbas, nubes, ríos) ha sido fotografiado independientemente y situado en un escenario ficticio, una especie de fantástico Edén. Gracias a este elaborado método, el paisaje adquiere una densidad narrativa, mítica o alegórica, tras la cual se encuentra nuestro imaginario cultural sobre la naturaleza. Un imaginario que está también en la escritura de los místicos, que abunda en metáforas de vergeles, cumbres, ascensos por escarpaduras, malas hierbas o zarzas ardientes que encarnan su anhelo de infinito.

Cai Guo-Qiang (Quanzhou, China, 1975) Sky Ladder [Escalera al cielo]

2015 Globo de helio y mecha, 500 x 5,5 m Proyecto de explosión realizado cerca del puerto Huiyu Island, Quanzhou, el 15 de junio de 2015 a las 4:45 Duración: 100 s Obra gentileza del artista y fotografía de Lin Yi Desde sus Projects for Extraterrestrials [Proyectos para extraterrestres], iniciados en la década de 1980, las llamas, las explosiones y la pirotecnia son parte fundamental del lenguaje de Cai Guo-Qiang, junto con la expectación, la alegría o la decepción que provocan en los espectadores. Después de varios intentos fallidos durante veinte años, Sky Ladder se hizo realidad en junio de 2015 sobre las aguas de la bahía de la ciudad natal del artista. Un globo aerostático elevó en el aire una escalera de 500 metros, cubierta de pirotecnia. Al alba, el artista encendió la mecha y las llamas ascendieron al firmamento, invitando a los espectadores a proyectarse hacia el infinito.

Nikos Navridis (Atenas, 1958)

Sobre la vida, la belleza, las traducciones y otras dificultades, 1997 Videoinstalación Fotografía gentileza del artista

El trabajo de Nikos Navridis se focaliza en la respiración humana, concebida como una energía que nunca se pierde sino que se dispersa. En la tradición griega, el pneuma o spiritus, es decir, el aliento, la respiración, eran sinónimos del ‘alma’, del principio de la vida, de la fuerza que nos permite ser. La instalación sonora específicamente concebida por Navridis para la exposición Nada temas... recrea la respiración de santa Teresa como aliento que se difundiría por toda la exposición. En su obra, el artista imagina el encuentro de Teresa de Jesús y Marguerite Duras, sus súplicas, su deseo de harmonía eterna, su desesperación, el aleteo de sus labios, sus oraciones junto a la nota tonal concebida como el primer sonido del mundo.

Gregorio Fernández (Sarriá, Lugo, 1576-Valladolid,1636)

Santa Teresa de Jesús c. 1625

Madera policromada 172 x 103 x 85 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid Esta escultura refleja los testimonios de quienes la conocieron: cara redonda y llena, tez blanca y buen aire en el andar. El escultor, que hizo la obra para un convento carmelita, ha avivado su expresión gracias a los ojos de vidrio y ha concedido especial protagonismo a los vuelos asimétricos del manto y a la policromía de su cenefa. La muestra como escritora y en ese acto secreto de la fusión con Dios. En sus apasionados textos, Teresa narra la frecuencia con que Cristo la visitó y habló. El espectador se convierte en confidente de esa «visión de lo invisible», mediante una retórica del gesto asociada a la compañía de un libro, pues es la lectura misma la que desencadena la visita divina.

Waqas Khan (Akhtarabad, Pakistán, 1982)

Texto continuo I

2015 Tinta sobre papel Dos paneles de 239 x 270 cm Obra gentileza del Galerie Krinzinger, Viena Fotografía de Tamara Rametsteiner Inspirado por las historias de los místicos sufíes oídas en su infancia y por la miniatura Mughal, una técnica milenaria de sutiles trazos, Waqas Khan concibe su trabajo artístico como un proceso de abstracción meditativa, un «espacio para la mente». Como si abriera las enormes páginas de un libro, nos invita a adentrarnos en sus delicados itinerarios, a la vez que nos recuerda la relación de la escritura con la subjetividad y con el cuerpo. Texto continuo es una metáfora de los caminos, constantes e irregulares, que traza cualquier vida y desde la sabiduría sufí lanza un soplo oriental sobre Teresa, para quien la escritura fue también una forma de existir.

Soledad Sevilla (Valencia, 1944) Sería la de la noche, 2015 Madera, hilos de algodón y luz negra Proyecto site-specific Gentileza de la artista Creado expresamente para esta «sala de cámara», el pequeño laberinto se presenta como una escultura penetrable, un recinto íntimo, que combina la dialéctica entre mirar y recorrer. La luz misteriosa, la frágil retícula y la repetición implacable poseen una eficacia idónea para inducirnos a la introspección y la quietud, sin retórica. Es un arte silencioso, nocturno, como indica su vacilante título, en el que resuena la frase «Sería la del alba», con la que Cervantes describe la incierta hora en que Don Quijote se puso en camino. Esta obra, a la vez que nos sitúa en el campo de una geometría severa, nos arroja al territorio de lo sublime, en la convicción de que, como dice ella misma, «en este mundo desacralizado, el arte se ha convertido en el refugio de la emoción religiosa y en una forma profana de creencia».

Eglė Rakauskaitė (Vilna, Lituania, 1967) Pinklės. Išvarymasišrojaus [Trampa. Expulsión del Paraíso] 1996 Vídeo en blanco y negro, sin sonido 3 min 40 s Obra gentileza de la artista Fotografía de Kestutis Stoskus La reflexión sobre la identidad femenina es uno de los ejes fundamentales de la trayectoria creativa de esta artista lituana, que experimentó un punto de inflexión con esta obra, originariamente definida como «escultura viva». Trece adolescentes ataviadas con vestidos blancos y gruesos abrigos de hechura masculina, se mantienen inmóviles, atadas entre sí por sus propias trenzas. La obra evoca la sumisión que se espera de ellas y contra la que se rebelan en el gesto final, que alude también a la pérdida de la inocencia como etapa inevitable en el proceso de individuación.

Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) Mentira n.º 5. Serie 300 mentiras 2009 Fotografía en color 190 x 125 cm Colección Fundación Arco, Madrid La serie 300 mentiras está construida sobre engaños. Mentira número 3 parte de una foto que la artista vio en una ciudad del norte de Europa, en la que tres mujeres que embarcaban hacia Estados Unidos parecían contemplar un horizonte de esperanza. A partir de ahí realizó Mentira número 3, donde tres mujeres del barrio de Lavapiés, en Madrid, no miran el horizonte del mar, sino un muro desgastado. En Mentira número 5 el propio cuerpo de Albarracín simboliza el de la infinidad de mujeres que llevan impuesta sobre sus hombros una carga que las excede, idea que aparece reiteradamente en su producción artística.

Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957)

Pare, mare, fill, filla [Padre, madre, hijo, hija], 2014 Cerámica Colección particular Desde que en 1991 descubrió África, Miquel Barceló pasó largas temporadas en Mali, estancias que supusieron un vuelco decisivo en su trayectoria. Allí aprendió la técnica dogón de trabajo con la cerámica, experimentando con pigmentos recogidos a orillas del Níger y cociendo arcillas. El artista ablanda sus vasijas como si fuesen de carne, con sus heridas y accidentes. Y las convierte en cuerpos torturados, aplastados por fuerzas opresivas; penetrados por una masa rosácea que las une a la vez que las hiere; o doblegados sobre sus propios vacíos y manteniendo un frágil e incierto equilibrio.

Eulalia Valldosera (Vilafranca del Penedès, 1963) Loop, 1997 Vídeo registrado en la Cisterna Basílica durante la 5.ª Bienal de Estambul (1997), 4 min Gentileza de la artista Esta «acción simbólica» fue realizada en un lugar fascinante: una cisterna de sobrecogedora monumentalidad en el subsuelo de la Estambul bizantina. Valldosera realiza aquí un ejercicio de hidromancia, de química poética, a través de las sugerencias que esta materia elemental ofrece a la imaginación: las aguas representan el inconsciente, lo informe, el inicio generador de la vida, pero también la disolución en el caos. Para los escritores místicos, la metáfora del agua era idónea para explicar el curso de sus meditaciones: «Soy tan amiga de este elemento, -confiesa Teresa de Jesús-, que le he mirado con más advertencia que otras cosas».

Anila Quayyum Agha (Lahore, Pakistán, 1965) Intersections (ed. 2/5) [Intersecciones (ed. 2/5)] 2015 Instalación. Medidas variables Escultura de acero cortado con láser recubierto con polvo de resina de poliéster 200,66 x 200,66 x 200,66 cm Obra gentileza de la artista y fotografía de Debra Jenkins

Intersecciones nace de una visita de Anila Quayyum Agha

a la Alhambra, donde la subyugaron los patrones geométricos de su ornamentación. Esta impresión se cruzó con su recuerdo juvenil de las mezquitas de Lahore, a las que, de acuerdo con los códigos de su cultura, tenía (como millones de mujeres) vedado el acceso. Esta impresionante pieza reúne, así, maravilla y exclusión. La artista, que vive entre Pakistán y Estados Unidos, gusta de trabajar sobre la noción de cruce e intercambio. Invita al visitante a traspasar fronteras físicas, estéticas y mentales: entre la luz y la sombra, entre el objeto artístico y su espacio circundante, entre Oriente y Occidente.

Josefa Tolrà (Cabrils, Barcelona, 1880-1959) Dibujo=aerolitos que son en el camino más fecundo para ponerse en acción s.f. Tinta sobre papel 47x67 cm Col. particular Fotografía: X. Arenós © Associació Josefa Tolrà (AJT) En la posguerra europea, emergen una serie de artistas fuera de la norma, que seducen por su autenticidad y su creatividad. Es el caso de la médium Josefa Tolrá que, entre 1942 y 1959, sin formación académica, produce una obra tardía, extensa y fascinante. Dibuja y escribe sobre personajes y lugares que nunca ha visto, instigada por visiones y voces interiores. Estos «seres de luz» le transmiten «fuerzas fluídicas» que plasma con lápices de colores y bolígrafos, o en telas bordadas. Crea así un universo de formas «espiritas», con una vida propia, rodeadas de arabescos y símbolos enigmáticos que ondean, acarician o se deslizan en medio de escenarios selváticos y laberintos caligráficos.

Bill Viola (Nueva York, 1951)

The Return [El regreso], 2007 Videoinstalación, 7 min 15 s Gentileza de la Fundació Sorigué, Lérida Bill Viola perdió el miedo a la muerte cuando, de niño, estuvo a punto de ahogarse en un lago: fue para él una hermosa experiencia. El regreso forma parte de la serie Trans-

figuraciones, palabra de connotaciones religiosas, que alude al momento en que Cristo se transforma en un ser resplandeciente. Toda la serie muestra a personas que atraviesan un muro de agua, como un tránsito líquido entre la vida y la muerte. «Tiene que ver, explica Viola, con la idea de los muertos que regresan a nuestro mundo, pasan un rato con nosotros y regresan a la tierra de las sombras». Su deliberada lentitud busca la quietud de la pintura clásica y la temporalidad narrativa del cine.

Francis Alÿs (Amberes, 1959)

Cuando la fe mueve montañas (Making of) 2002 Instalación. Dimensiones variables. Vídeo 15 min 9 s Gentileza del artista y de la David Zwirner Gallery, Nueva York/Londres Aunque animada por una intención crítica con la realidad latinoamericana en la que vive, la obra de Francis Alÿs tiene una dimensión irónica y poética. En 2002, junto con el curador mexicano Cuauhtémoc Medina y con el profesor peruano Rafael Ortega, convocó a quinientos voluntarios en las afueras de Lima para desplazar una duna de 500 metros a 10 centímetros de su posición original. Era «una especie de Land art para los-sin-tierra», como él mismo dice; un gesto irónico y desesperado, como metáfora de la épica de la fe humana en las empresas defendidas a contracorriente.

Louise Bourgeois (París, 1911-Nueva York, 2010) Arch of Hysteria [Arco de la histeria] 1993 Bronce pulido 83,8 x 101,6 x 58,4 cm Obra gentileza de The Easton Foundation, Nueva York Fotografía de Allan Finkelman © The Easton Foundation /Licensed by VEGAP, Madrid, 2015. Para Louise Bourgeois el cuerpo y las emociones son la materia fundamental de su creación artística. Esta figura sin cabeza que se balancea ingrávida, transmite a la vez vulnerabilidad y violencia, pues plasma la forma escultórica que adopta un cuerpo que, víctima de una tensión exacerbada, queda solidificado en el momento de la convulsión. En la elección de una figura masculina para representar la histeria hay una crítica abierta a la obsesión de la medicina de fines del siglo XIX por considerar esta enfermedad como una patología femenina, hasta el punto de interpretar los comportamientos místicos a la luz de esta dolencia. Anónimo (siglo XVIII)

Demonio

siglo XVIII Madera policromada 72 x 35 x 25 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid

Esta obra perteneció probablemente a un conjunto escultórico formado por san Miguel Arcángel y el demonio, encarnación de la lucha entre el Bien y el Mal, tal como se describe en el Libro del Apocalipsis. Desde fines de la Edad Media, el diablo toma la forma de una figura humana y temible, que arrastra a los hombres al mal. Su fiereza tentadora encuentra un fértil terreno entre ascetas y místicos, porque se mueven en el arriesgado mundo de lo sobrenatural. En la vida de Teresa de Jesús, las maniobras del tentador son una asechanza recurrente. En sus libros relata sus «estancias» en el infierno, descritas con aflicción desesperada, como «un estarse siempre arrancando el alma».

Kimsooja (Daegu, Corea, 1957)

A Needle Woman – Kitakyushu [Mujer aguja – Kitakyushu], 1999 Vídeo sin sonido, 6 min 33 s Gentileza de la artista y de La Fábrica, Madrid Esta pieza forma pareja con otra, concebida como un contrapunto, en la que Kimsooja se mantiene de pie en una atestada calle de Tokio, mientras ríos de gente pasan junto a ella. Aquí, en cambio, su cuerpo acostado se funde con el perfil de una roca en plena naturaleza. Como una María Magdalena contemporánea, descansa en soledad, lejos de los dramas barrocos y en sintonía con la serenidad que persigue la sabiduría oriental. Vestida de gris y con su lacia melena negra recogida en una coleta, permanece estática y contemplativa. La aguja y el acto de coser a los que alude el título son metáforas del cuerpo concebido como una conexión entre el ser y el universo.

Felipe de Espinabete (Tordesillas, Valladolid, 1719 Valladolid, 1799)

La Magdalena en el desierto 1750-1799 Madera policromada Museo Nacional de Escultura Esta cortesana, arrepentida de su pasado, se refugió́ en el desierto para entregarse a una absorbente meditación. Es así como el escultor nos la muestra: en medio de un paisaje exótico y ricamente ataviada. En la España contrarreformista, María Magdalena adquirió gran auge como patrona de las mujeres desviadas y su culto tuvo una orientación marcadamente moralizadora, dirigida a la tutela de las conductas femeninas. Teresa vio en ella un alma gemela en su «fuego de amor de Dios» y una aliada ante el acorralamiento de «los jueces del mundo que, como son hijos de Adán y, en fin varones, no hay virtud de mujer que no tengan por sospechosa».

Pedro de Mena (Granada, 1628-Málaga, 1688)

La Magdalena penitente

1664 Madera policromada y cristal 165 x 52 x 61 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid Los místicos son el objeto predilecto de Pedro de Mena. Aquí representó a la Magdalena como penitente, codificando el diálogo místico en los gestos de sus manos: la que sostiene la cruz y la que se lleva al pecho. El Crucificado que contempla es tan real que la libera del esfuerzo espiritual de quien no discierne sus propias ilusiones, tal y como recrea este soneto popular atribuido a Santa Teresa: «Muéveme el verte clavado en una cruz y escarnecido; muévenme tus afrentas y tu muerte. No me tienes que dar porque te quiera, pues aunque cuanto espero no esperara, lo mismo que te quiero te quisiera».

Marina Abramović (Belgrado, Serbia,1946) & Ulay (Solingen, Alemania, 1943) Night sea Crossing – Conjunction [Travesía nocturna – conjunción] 1983 Vídeo 2 min 11 s Performance (con Ngawang Soepa Lucyar y Watuma Tarruru Tjungarrayi) Sonesta Koepelzaal, Museo Fodor, Ámsterdam 4 sesiones de 4 horas, abril de 1983 Gentileza de Marina Abramović Archives Las «acciones artísticas» o performances de Marina Abramović convierten el arte en una forma ritualizada de comunicación. Esta «acción», realizada con Ulay, su pareja artística y sentimental durante más de una década, forma parte de una serie en la que ambos, sentados frente a frente durante horas, ponían a prueba su capacidad de concentración y el control sobre el cuerpo. En 1983 invitaron a un lama tibetano y a un aborigen australiano y, durante cuatro días, se reunieron al alba, al mediodía, al anochecer y a medianoche, sentados en los ejes de los cuatro puntos cardinales, en un diálogo meditativo que trataba de trascender las distancias geopolíticas y culturales.

Anish Kapoor ((Bombay, India, 1954) Untitled [Sin título] 2011 Fibra de vidrio y pintura 120,6 x 120,6 x 16 cm Obra gentileza del artista y la Lisson Gallery, Londres Fotografía de Dave Morgan © Anish Kapoor, VEGAP, Madrid, 2015. En el trabajo de Kapoor cumple un papel decisivo la energía del color. Aquí tiñe la superficie de un espejo cóncavo cuyo juego de reflejos evoca el gusto barroco por el ilusionismo. El rojo es un color espiritual, «el color por excelencia en el arte abstracto, que no es sino un arte del interior», como señala el propio artista. Esta «poética de la sangre» no puede menos que asociarse con las heridas de Cristo. La ubicación de la obra, concebida por el artista para este espacio «de cámara», muestra cómo el arte abstracto y el figurativo pueden llegar a transmitir emoción y misterio con intensidad.

Gregorio Fernández (Sarriá, Lugo, 1576-Valladolid, 1636)

Cristo yacente

1625-1630 Madera policromada, vidrio, asta, corcho, hueso 43 x 190 x 73 cm Museo Nacional de Escultura, Valladolid Esta magistral obra del naturalismo español es un paradigma del gusto barroco por la teatralidad. Su autor la talló para los Jesuitas, para quienes la imagen religiosa cumplía una función pedagógica decisiva en los ideales de la Contrarreforma. El artista muestra a Cristo en soledad, pero integra a los espectadores en el duelo, en un juego muy barroco de confusión entre lo ilusorio y lo real. Según los Evangelios, en ese momento de la muerte, el sol se ennegreció y cielos y tierra se cubrieron de una oscuridad repentina, espesa y tenebrosa.

Cristina Lucas (Úbeda, 1973) Habla, 2008 Vídeo, 7 min Gentileza de la artista y de la galería Juana de Aizpuru, Madrid Cuando terminó de esculpir su Moisés, Miguel Ángel, orgulloso del realismo conseguido, le golpeó la rodilla y le dijo: «Habla». Cristina Lucas retoma ese gesto y, armada con un mazo, destruye una reproducción en yeso del Moisés. Esta figura bíblica —profeta, legislador y figura central del monoteísmo— personifica el autoritarismo patriarcal. La acción es un ejercicio literal y alegórico de destrucción de un ídolo y condensa múltiples capas de lectura: un ataque a esa autoridad, perpetuada a través de la religión; la necesidad simbólica de «matar al padre», apuntada por Freud; y la idea de apropiación de la obra ajena como crítica a la teoría del genio.

Rivane Neuenschwander (Brasil, 1967) The Tenant [El inquilino] 2010 Vídeo 10 min 34 s Copyright del artista. Gentileza de la artista y de Stephen Friedman Gallery, Londres Una irisada pompa de jabón vagabundea plácidamente por las estancias del estudio de la artista, sin desvanecerse. Su viaje es una metáfora de la búsqueda creativa, de las certidumbres y angustias del recorrido por su propio «castillo interior». El diálogo entre la perfección esférica de la burbuja y su inquietante apariencia de un ser vivo (o fantasmal), traduce el gusto por el encuentro poético entre la geometría y el cuerpo. Conjuga así la conciencia barroca de la fugacidad de la vida (y su célebre alegoría «el hombre es una pompa de jabón») y la condensación de los lenguajes minimalistas.

Dora García (Valladolid, 1965) Fotografía perteneciente a "The Hearing Voices Café”, dentro de la exposición "Illness as metaphor", comisariada por Britta Peters Fotografía de Jann Wilken Dora García entiende la creación artística como una actividad que se desarrolla en los márgenes de lo establecido. Su proyecto, nacido en un café de Hamburgo, da voz a un movimiento internacional, los Oidores de voces, que propugna la necesidad de «despsiquiatrizar» y desestigmatizar esta percepción extrasensorial, sin sofocarla. Las alucinaciones auditivas no son sólo una experiencia relativamente frecuente, sino también un fenómeno cultural e históricamente significativo. En el pasado, fueron consideradas como un don divino —de Juana de Arco a Teresa de Jesús— y, para algunos escritores, como Ray Bradbury o Philip K. Dick, resultaron determinantes en su proceso creativo. http://elcafedelosoidoresdevoces.tumblr.com/

EL CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN

El catálogo de la exposición Nada temas, dice ella se propone como un libro de meditación, donde el lector pueda encontrar reflexiones reveladoras sobre santa Teresa y sobre el arte como camino espiritual. Además de contar con páginas específicas para cada uno de los artistas participantes, el catálogo incluye ensayos fundamentales que componen una visión poliédrica sobre Teresa de Jesús y sobre el arte como medio para transformar y ampliar nuestra conciencia de lo real. Con «La pasión según Teresa de Ávila», la psicoanalista y escritora Julia Kristeva aportará un lúcido análisis sobre la supuesta «histeria» de Teresa de Ávila. La historiadora Giuliana di Febo, profesora de Historia de España en la Universidad Roma III, nos hará comprender cómo el franquismo se apropió de la figura de Teresa de Ávila, escondió su origen judío y la convirtió en «la santa de la raza». La comisaria de la muestra, Rosa Martínez, explicitará cómo, en el camino del arte y de la vida, atreverse a superar miedos y obstáculos es imprescindible para abrir nuevas perspectivas lingüísticas y emocionales que nos enriquezcan.

Gian Lorenzo Bernini Éxtasis de Santa Teresa 1647-1651 Mármol 351 cm de altura Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma

Las autoras María Bolaños es directora desde 2008 del Museo Nacional de Escultura. Es doctora en Historia del Arte y Profesora Titular de la Universidad de Valladolid. Además de publicar numerosos artículos y participar en congresos internacionales, es autora de los libros: Pasajes de la Melancolía. Arte y bilis negra a comienzos del

siglo XX, 1996; Historia de los museos en España , 2008 ; La memoria del mundo, 2002; El silencio del escultor. Baltasar Lobo, Valladolid, 2000; Interpretar el arte, 2007. Julia Kristeva, nacida en Bulgaria, vive y trabaja en Francia desde 1966. Es escritora, psicoanalista, profesora emérita en la Universidad París 7-Diderot y miembro titular de la Sociedad Psicoanalítica de París. Es autora de obras como: Historias de

amor, 1984; Sol negro (depresión y melancolía), 1987; Las nuevas enfermedades del alma, 1993; así como del relato Thérèse, mon amour, 2008 o El matrimonio considerado como una de las bellas artes, 2015. Para más info: www.juliakristeva.fr Giuliana Di Febo es historiadora. Ha sido catedrática de Historia de España en la Universidad de Roma Tre. Es especialista del franquismo y autora entre, otras obras, de La Santa de la Raza, (1987); con R. Moro (eds.), Fascismo e franchismo (2005); con S. Juliá, El franquismo.Una Introducción (2012); Ritos de guerra y de vic-

toria en la España franquista, (2012). Es miembro del Consell Assessor del CEFID– UAB y Socio de Honor de GEHCEx. Actualmente forma parte del grupo de investigación nacional Las caras de Franco coordinado por E. Moradiellos. Rosa Martínez, nacida en Soria, vive en Barcelona desde 1960, donde se licenció en Historia del Arte. Es crítica de arte y comisaria de exposiciones. Ha sido directora artística de bienales internacionales como la 5a de Estambul (1997) o la 3a de Santa Fe de Nuevo México (1999). En 2005 fue la primera mujer directora de la Bienal de Venecia en ciento diez años de historia de este evento, así como co-curadora de "TRA" en el Palazzo Fortuny de Venecia en 2011. Para más info: www.rosamartinez.com

SOBRE LA COMISARIA DE LA EXPOSICIÓN

Rosa Martínez (Soria, 1955) es comisaria, escritora y asesora de colecciones de arte. Reside en Barcelona, donde se graduó en Historia del Arte en 1977. Inició su carrera profesional en el campo de la educación y fue responsable de los programas de Arte e Historia de la Obra Social de ”la Caixa” en Barcelona (1977-1987). Durante dos décadas (1988-2007) fue directora y comisaria de bienales internacionales como las de Estambul (Turquía), Santa Fe de Nuevo México (Estados Unidos), Pusan (Corea), Moscú (Rúsia) o São Paulo (Brasil). En 2005 fue directora de la Exposición Internacional de la Bienal de Venecia en el Arsenale, lo que la convirtió –junto a María de Corral, responsable del Pabellón Italia–, en la primera mujer directora de este evento en sus ciento diez años de historia. Desde su fundación en 2004 y hasta 2007 fue comisaria-jefe del Istanbul Museum of Modern Art, donde estableció la misión museológica así como las líneas maestras de la colección, y donde organizó relevantes exposiciones y programas de vídeo. En 2007 fue también comisaria de Chacun à son goût, la muestra que celebró el décimo aniversario del Museo Guggenheim de Bilbao. En 2011 fue co-comisaria de TRA.

Edge of Becoming en el palacio Fortuny de Venecia. Entre 2012 y 2013 comisarió el ciclo de exposiciones Qué pensar. Qué desear. Qué hacer en CaixaForum Barcelona, con obras de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”. Además de organizar múltiples exposiciones individuales y colectivas, ha impartido numerosas conferencias y colabora regularmente en catálogos de exposiciones, revistas de arte y periódicos nacionales e internacionales.

ACTIVIDADES EN TORNO A LA EXPOSICIÓN PROGRAMA «NADA TEMAS, DICE ELLA» El Museo Nacional de Escultura ofrecerá durante los meses de la exposición un programa de actividades que profundizará en aspectos derivados de la misma, con especial hincapié en las emociones y lo espiritual en el arte. Este programa constará de conferencias, conciertos, cine y visitas guiadas para todos los públicos, así como de una mesa redonda en la que participarán varios de los artistas presentes en la muestra. Visitas guiadas a la exposición Gratuita. Todos los domingos, a las 12 h. Palacio de Villena El café de los oidores de voces Este proyecto, nacido en un café de Hamburgo, da voz a un movimiento internacional, los Oidores de voces, que propugna la necesidad de «despsiquiatrizar» y desestigmatizar esta percepción extrasensorial, sin sofocarla. El Café de las voces funciona como un lugar público de encuentro entre escuchadores de voces y sus amigos, gente interesada en el fenómeno y clientes accidentales. Diferenciar qué clientes escuchan voces y cuáles no, es absolutamente irrelevante para las personas que frecuentan el lugar. El Café de las voces está en: Coco Café Plaza Federico Wattenberg (frente al Museo Nacional de Escultura) 47011 Valladolid en el marco de la exposición:

Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas http://elcafedelosoidoresdevoces.tumblr.com/

La Revolución Delirante, jóvenes profesionales de la salud mental, en colaboración con la artista Dora García, presentan el siguiente programa: Lunes: Escuchadores de música [16 -17.30h] Martes: CR-ARTE con locura [11-12 h] Debate [17.30-18.30 h] Miércoles: Desde rehabilitación [16.30-18 h] Encuentro “Fuera de la Jaula”[18-20 h] Jueves: Grupo de literatura [16-17.30 h]