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Escenium 2010 concluye que el espectador es el principal activo del sector escénico

Una imagen general de la zona de workshop de Escenium, situada en el Palacio de Congresos Euskalduna Jauregia de Bilbao.

El 12 de febrero se clausuró la cuarta edición de Escenium, el Foro Internacional de Artes Escénicas que había comenzado dos días antes en el Palacio de Congresos Euskalduna Jauregia de Bilbao, sede de todas las actividades de su programación. A este evento le puso el punto y final su propio comisario, Jaume Colomer, con la lectura de un documento con las conclusiones provisionales divididas en 30 puntos, en espera de que en la página web de Escenium se cuelguen los resultados de cada uno de los encuentros realizados durante las tres jornadas que duró este evento, y en los que participaron una treintena de expertos nacionales e internacionales. El borrador que leyó Colomer ayudará a creadores, productores, distribuidores y programadores teatrales a desarrollar nuevas prácticas para atraer espectadores a las salas. Entre los aspectos abordados se hallan cuestiones como la captación de públicos infantiles y jóvenes, la sobreproducción, las políticas públicas o los nuevos instrumentos para incentivar el consumo, como el marketing y la comunicación no convencional. Aunque los públicos, y las artes escénicas en general, sigan creciendo en un contexto de crisis, el sector asume que el principal activo es el espectador, y que “la dimensión económica no puede ser la única que determine la relación con los públicos”. Los intereses culturales “se forman durante la pri-

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mera infancia en el ámbito familiar y, más tarde, en el sistema educativo y en las relaciones sociales”, por lo que fomentar el interés de los docentes una de las apuestas. El sector también es consciente de que muchos teatros no han desarrollado aún estrategias de marketing y de promoción. Aunque los especialistas reconocen que la fórmula del “boca a oreja” es la más eficaz para llenar los recintos escénicos, también apuestan por el marketing y por las nuevas tecnologías digitales, que cuentan con “mayor penetración social”. “También –se apunta en el documento– debemos trabajar para una mayor implicación del público, transformando a los espectadores actuales en cóm-

plices y embajadores para la captación de nuevos públicos”. La “identificación y difusión de buenas prácticas”, la innovación, la formación del público y el desarrollo de sistemas de venta de entradas que aporten datos de interés sobre las preferencias del espectador y sus particularidades constituyen otros puntos importantes de este texto refrendado por expertos como François Colbert, Lucina Jiménez, Roger Tomlinson o Franky Devos, o los españoles Manuel Cuadrado, Alberto Fernández Torres, Emilio Sagi, Eva Aguado, Anna Villarroya, Victoria Ateca, Cesc Casadesús, Patxi Azpillaga, Joan Morros o Xabier Landabidea, por mencionar algunos.

En la fotografía, la mesa de oradores de una de las ponencias que acogió Escenium 2010.

Los públicos, protagonistas de la cultura Los pasados 10, 11 y 12 de febrero se celebró en el Palacio Euskalduna de Bilbao la cuarta edición de Escenium, un encuentro del sector escénico español organizado por la Red española de teatros y auditorios con el patrocinio del Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Bizkaia y el Ayuntamiento de Bilbao. El acuerdo de la Red con esas instituciones vascas, nacido hace más de ocho años –Escenium se celebra bianualmente-, da a este magno foro de profesionales un marco adecuado para la reflexión y el debate y garantiza su estabilidad. Más de quinientos profesionales inscritos y cerca de cincuenta expositores que acudían a defender sus propuestas artísticas o empresariales expresan la relevancia de esta cita y el respaldo del sector. Lo primero que hay que agradecer es la elección del tema que daba título al encuentro: “Los públicos de las artes escénicas”. A lo largo de cuatro sesiones se abordaron las tendencias del mercado en España y en el mundo, el estudio de los públicos y las políticas de creación y desarrollo de públicos y de demanda, áreas que en su conjunto fijan con bastante precisión por dónde ha de ir una de las ocupaciones estratégicas del sector escénico, y por extensión cultural, de nuestro país: la atención al destinatario del arte, el modelo de relación democrático con los públicos, el establecimiento de puentes y mecanismos de conocimiento mutuo y de comunicación. Introducir esta relevante cuestión en

la agenda inmediata de todos y cada uno de los profesionales del sector –creadores y exhibidores– es en sí mismo un reto y ayudará, sin duda, a introducir una cuña en el tradicional ensimismamiento con el que se producen y exhiben las artes escénicas en nuestro país. El proceso de preparación de Escenium ha sido en algunos aspectos ejemplar. Ya el pasado otoño se reunían paneles de especialistas –cerca de cincuenta- que abordaban los diversos aspectos del tema de los públicos y los resultados de sus debates y aportaciones constituyeron un material para todos los inscritos y para los ponentes. La metodología académica, aplicada a un encuentro de profesionales de las artes escénicas, sello e impronta sin duda de Jaume Colomer, comisario del evento, es técnicamente irreprochable, aunque quizás le haya faltado una mayor flexibilidad para adaptarse a las peculiaridades de un sector que no se caracteriza precisamente por su tendencia a la reflexión teórica. Este mismo esfuerzo en el proceso de preparación se ha constatado en la organización misma del congreso, y en el plantel de ponentes, claramente orientado a ofrecer calidad en el discurso. Las aportaciones de expertos y especialistas se mostraron relevantes en el plano teórico, por más que hubiese un desigual nivel, que contrastaba con la disponibilidad de tiempo idéntica para todos. Así, además de destacar las intervenciones de interés,

que ayudaban a conocer la madurez de esta cuestión en otras latitudes -Lucina Jiménez, François Colbert, Vivienne Moore, Franky Devos, o Roger Tomlinson-, hay que destacar, en lo positivo, las aportaciones de Rubén Gutiérrez del Castillo y su análisis de la demanda en España, y la vibrante intervención de Alberto Fernández Torres que dibujó un sky line que obligó a los asistentes a mirar hacia el futuro. Entre las intervenciones de profesionales del sector –Pilar López, José Luis Rivero, Grego Navarro, Joan Oller, Paco Flor…-, destacaron algunas brillantes, apasionadas y con un fuerte valor pedagógico. Es el caso de Joan Morros, de la Asociación El Galliner, de Manresa. El desarrollo del encuentro resultó quizás un punto académico. Tal vez el estricto cumplimiento de los tiempos, que daban la misma importancia a cada una de las ponencias o experiencias, contribuyó a ello, junto al sistema de preguntas por escrito, que impedía el abuso desde la sala pero también expresar su vitalidad. Tal vez es particularmente llamativo que la sesión inaugural tuviese el mismo esquema de desarrollo que el resto de las sesiones. Un menor número de intervenciones pero con un carácter más de marco congresual hubieran ayudado a centrar el inicio de Escenium. Un comentario, que a buen seguro puede considerarse más bien la expresión de una realidad a vigilar en el futuro, es la escasa presencia de profesionales del sector en las ponencias con mayor contenido. Es cierto que el nivel de reflexión y análisis sobre la situación de

las artes escénicas –y más si nos referimos al tema de los públicos– se está llevando a cabo en nuestro país en ámbitos académicos. Pero no es menos cierto que el liderazgo del sector ha de ser orientado al propio sector, a los profesionales sobre cuyos hombros recae el día a día y el futuro: gestores culturales y empresarios y compañías. Darles una mayor responsabilidad en la reflexión y en la teorización es imprescindible en el futuro. Aunque llovió, poco, e hizo frío, mucho, las ganas de disfrute, y de reencuentro con los conocidos y conocidas estuvo como siempre presente en Escenium. Para la próxima edición, eso sí, pediremos un DJ que nos haga bailar más. El bien organizado Escenium 2010 ha mostrado, entre otras, dos cosas relevantes. La primera que es necesario, posible y rentable dedicar esfuerzos y tiempo a pensar en el sector; solamente así podrá hacer frente en buenas condiciones a los muchos retos planteados. La segunda, que los públicos han de convertirse en el eje estratégico del sector escénico y cultural en nuestro país en las próximas décadas. Y que los públicos son clientes –una palabra repetida a la que se ha perdido el miedo– y aliados. Compañeros con los que hemos de hacer, codo a codo, escuchándonos mutuamente, este hermosísimo y privilegiado camino que es hacer cultura. Quedamos a la espera de las conclusiones que a buen seguro nos ayudarán en el viaje. Robert Muro

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La crisis no incidió en la XIX edición de FETEN Según Marián Osácar, coordinadora general junto a Humberto Fernández de FETEN, la negativa situación económica que vivimos actualmente no se ha sentido en la XIX edición de este encuentro dedicado a las artes escénicas para niños, que se celebró del 20 al 26 de febrero en Gijón: “A nivel creativo no ha habido crisis, al revés. A nivel de asistencia de programadores y público tampoco la hemos notado. Habrá que esperar a ver cómo transcurre el año a nivel de contratación. Nosotros hemos mantenido nuestro presupuesto. Esperemos que no se note porque un descenso en el número de funciones no solo se refleja en los espectadores que van a verlas, sino en la industria cultural que está detrás, y que supone el modo de vida de muchas personas. Es una industria, y hay que apoyarla igual que a otros tipos de industrias”. Osácar, además, no cree que las artes escénicas para niños estén doblemente expuestas a la crisis: “Al revés, en este sentido el teatro para niños es cada vez más un teatro para público familiar y eso se demuestra en que ya no consiste en llevar a los niños a la puerta del teatro y volver a recogerlos, sino que ahora el adulto entra a la función y disfruta doblemente: como espectador y como padre y abuelo del

niño al que acompaña. Esto va a favorecer que, puestos a limitar el número de funciones, las dirigidas al público familiar se van a mantener con más probabilidad”. Este año han sido más de 400 los profesionales acreditados, de los cuales más de la mitad eran programadores. “Debido al buen tiempo pudimos realizar todas las actividades de calle, no se suspendió ninguna, lo que proporcionó un gran volumen de visitantes y de participantes tanto en los juegos callejeros como en los pasacalles y actuaciones. Así que creo que vamos a estar en torno a los 20.000 ó 25.000 espectadores”, nos explica la máxima responsable de la feria gijonesa. Sin embargo, Osácar no quiere que este dato se convierta en un record a batir: “El aforo de los teatros está ya cerrado, puesto que no vamos a aumentar ni el número de funciones ni el número de plazas, porque lo que queremos es que los niños disfruten del teatro y no llenar el teatro de niños. Bien es verdad que el número de pases y

el número de actuaciones de calle sí que hacen que se incrementen los números, pero para nada es nuestro objetivo: queremos crecer cualitativamente y no cuantitativamente”. En total se han llevado a cabo unas 120 funciones a cargo 65 compañías procedentes de trece comunidades autónomas y de cinco países europeos –Holanda, Francia, Italia, Portugal y Reino Unido–. De los espectáculos exhibidos cuatro fueron estrenos absolutos –“Grillos y luciérnagas”, de La Machina Teatro; “La isla desconocida”, de Markeliñe; “Humanos”, de Marie de Jongh; y “La isla”, de Laví e Bel–; un estreno en castellano –“Cuentos de los

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Grimm”, de Escalante Centre Teatral y Anem Anant Teatre–; y dos reestrenos –“Einstein”, de Ados Teatroa; y “La maldición de Poe”, de Teatro Corsario–. “Hemos mantenido la sección dedicada a niños de entre 0 y 4 años. Pienso que cada vez hay más propuestas dirigidas a esa franja de edad. Hace seis años era impensable programar actuaciones para bebés, y sin embargo en este momento hay compañías que han ido investigando en este terreno y programadores que han ido abriendo sus programaciones a este tipo de montajes y que han buscado espacios en sus propios teatros en los ofrecer el hecho teatral a niños de estas edades”, explica Osácar. Por último, el equipo de FETEN ya se encuentra trabajando en la edición del año que viene, que se celebrará del 20 al 25 de febrero de 2011, y que promete ser un punto de inflexión, como nos adelantó su coordinadora: “En 2011 celebraremos nuestro vigésimo aniversario, por lo que queremos que sea una edición especial con una mirada retrospectiva hacia el pasado, pero también hacia el presente y hacia el futuro. Queremos que haya un análisis sobre cómo hemos ido creciendo en paralelo al sector del teatro para niños, y sobre cómo FETEN ha pasado de ser una feria de teatro para niños a ser una feria de artes escénicas para niños. Es más, a partir del año que viene vamos a trabajar con ese epígrafe, para dar cabida a todos los géneros que se han ido incorporando en estos veinte años”.

Ganadores de los premios FETEN 2010

Foto de familia de los ganadores y los organizadores de los premios FETEN 2010.

Mejor Espectáculo - “Nubes”, de Aracaladanza. Premio Especial del Jurado a las Nuevas Propuestas Escénicas - Maduixa Teatre por “Ras!”. - Teatro di Piazza o d’Ocassione por “El jardín pintado”. Mención del Jurado al Mejor Espectáculo de Títeres - Periferia Teatro por “Guyi-Guyi”. Mejor Dirección - Joan Carles Simó por “Yayos”, de Al Vent Teatre / Germinal Producciones.

Mejor Texto - Adolfo Ayuso por “Cajal, el rey de los nervios”, de Títeres de la Tía Elena. Mejor Interpretación Masculina - Carles Pijuán y Emiliano Pardo por “Cirque dejá vu”, de La Baldufa. Mejor Interpretación Femenina - Silvia Martín por “Josefina”, de Teloncillo. - Ana i Punto por “Humanos”, de Marie de Jongh. Mejor Espacio Escénico - Mauricio Bercini por “El flautista mágico”, de Teatro Paraíso. Mejor Vestuario y Caracterización - Rafael Garrigós por “Cómicos, de Uroc Teatro.

Natalia Menéndez, nueva directora del Festival

Nace en Barcelona el encuentro de títeres

de Teatro Clásico de Almagro

Poble Espanyol TOT Festival

El patronato del Festival de Teatro Clásico de Almagro, reunido el pasado 16 de febrero en la sede del Ministerio de Cultura, ha aprobado el nombramiento de Natalia Menéndez como nueva responsable del certamen teatral, procediendo al relevo del que hasta entonces era su director, Emilio Hernández. Esta decisión responde a la intención, por parte del patronato, de reforzar el modelo artístico y adecuarlo a la actual coyuntura económica. El patronato manifestó su agradecimiento a Emilio Hernández por sus logros al frente del festival. Con esta nueva etapa se pretende garantizar el mantenimiento del actual prestigio del certamen, sin comprometer la programación prevista para la próxima edición del festival. Natalia Menéndez, nacida en Madrid en 1967, es licenciada en Interpretación y en Dirección de Escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Como actriz posee una amplia experiencia, sobre todo en la interpretación de clásicos como “Don Juan”, de Molière, o “La discreta enamorada”, de Lope de Vega. En 1996 comenzó su carrera como directora de escena, aunque no se acercó a un texto clásico hasta 2004, con la puesta en escena de “Don Juan Tenorio”, de Zorrilla. Tres años después fue invitada a dirigir a la Compañía Nacional de Teatro Clásico en “El curioso impertinente”, de Guillem de Castro. Hasta el pasado 7 de marzo tuvo en cartel en el teatro María Guerrero de Madrid la obra “Realidad”, de Tom Stoppard. Además es autora, adaptadora y traductora de diversos textos.

Entre los días 25 y 28 de marzo Barcelona acogerá la primera edición del Poble Espanyol TOT Festival –Teatre, Objetes y Titelles–, evento que nace a raíz de la Concentración de Títeres, un encuentro anual que el año pasado celebró su décima edición. En esta ocasión, dejará de ser una concentración de un día para convertirse en este nuevo festival con vocación internacional. Durante la celebración del TOT se presentarán 15 funciones de algunas de las compañías más reconocidas del panorama de títeres catalán. El Retrete de Dorian Gray apostará por la poética de la sencillez en “Rua Aire”, con títeres creados delante del espectador en un pequeño escenario enmarcado dentro del escenario. “Pedra a pedra”, de Teatre de l’Home Bibuixat, es una propuesta dirigida a despertar la imaginación a través de objetos inanimados. El espectáculo de calle “El somni d’Alicía”, de Teatre Nu, cuenta con un títere gigante de cuatro metros y medio de altura que representa al inolvidable personaje de Lewis Carrol. Engruna Teatre repasará algunos frágmentos de las obras más emblemáticas de la escritora Mercè Rodoreda en “Roda, Roda... Rodoreda!”. Y en “En Quimet i seu tricicle”, de la compañía Galiot Teatre, Quimet, un cuentacuentos, buscará, con la ayuda de la gente, la llave para abrir su baúl a la vez que narra historias de dragones, pozos y pueblos especiales. Además, después de recorrer toda Europa, la compañía italiana Walter Broggini estrenará en Cataluña el espectáculo “Solo”, un montaje de humor negro pensado para el público adulto en el que se lleva a cabo una reflexión estrambótica y satírica sobre la muerte.

“El somni d’Alicía”, de Teatre Nu.

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heteatrodoxias

En el siguiente artículo Xavier Marcé cuestiona la identificación que en nuestro país se hace entre el sector escénico público con lo verdaderamente artístico y cultural, frente al sector privado, al que se considera siempre vinculado a los designios del mercado. A esta concepción han contribuido, según expone nuestro colaborador, un modelo excesivamente funcionarizado, sobre todo en comparación a los de países como Francia, y una serie de profesionales abonados a los fondos de la Administración. Lo que hizo grandes a André Malraux y a Jack Lang, ambos notables ministros de Cultura de la República Francesa, no fue únicamente su capacidad para imponer la cultura en la centralidad del debate político, sino una idea precisa sobre la creación de un sistema público de cultura. En Francia, el conjunto de elementos que componen el engranaje de la sociedad cultural, entendida la palabra sociedad en el sentido más republicano del término, sobrepasa con mucho el ámbito de actuación del Estado y obviamente las funciones de los trabajadores públicos. Prueba de ello es la multitud de centros culturales y los miles de gestores perfectamente asimilados a la prestación pública de servicios culturales que pertenecen al mundo asociativo y se rigen por criterios no estrictamente gubernamentales que existen en el país vecino, gozando, todos ellos, de las prerrogativas propias de un estatus público y de la financiación que por ello se le supone.

años de experiencia si en tan extenso periodo de tiempo hubieran cambiado tres o cuatro veces de cargo, transitado por diversas instituciones o tratado distintos sectores de la cultura con la misma intensidad que se le supone a un curioso y ambicioso becario en busca de trabajo. Una gran cantidad de nuestras instituciones culturales están dirigidas por personas que se eternizan en el cargo, alcanzando con el tiempo un elevado y costoso nivel de ineficacia, al que de manera amable llamamos burocracia cultural. Hay excepciones, lo sé, y podría señalar varias, pero lamentablemente nuestro sistema administrativo genera ese tipo de daños colaterales de tal forma que no es incorrecto postular la siguiente afirmación: no son las personas, es el modelo. Lo que ocurre es que los modelos perversos pervierten a las personas y éstas acaban justificando su actuación víctimas de un corporativismo consciente o inconsciente

mayoría de los teatros públicos. Lo dicho dos raseros para medir actividades iguales en las que la única diferencia es el marco jurídico desde el cual se opera. El problema es que esta división falaz de nuestra vida cultural en dos realidades perfectamente diferenciadas no es únicamente la consecuencia de un sistema organizativo decimonónico, sino una forma de pensar muy enraizada en una parte notable de los agentes del sector. Muchos artistas, políticos y gestores creen, sin ningún género de duda, que la gestión pública de la cultura, incluida la producción de contenidos, comporta una mayor legitimidad que el desarrollo de iniciativas privadas. Que lo público es culturalmente mejor que lo privado, más sano, más noble y menos afectado por los vicios del mercado; que responde a los requerimientos del arte y niega los principios malévolos del comercio y el dinero es una idea tan extendida como interesada. Responde, de entrada, a los intereses de una casta de artistas permanentemente abonados al salario público y responde igualmente a las necesidades de justificación de una clase funcionarial sólidamente consolidada. Fue Albert Boadella, ahora perdido en agrios debates identitarios, quien defendió a capa y espada que el Teatro Nacional de Catalunya era el conjunto del teatro catalán. Al margen de la gestión administrativa de un espacio físico concreto tal afirmación responde perfectamente a esa idea con la que Malraux y Lang construyeron el sistema cultural francés y de la que tan alejados estamos los españoles. La terrible ausencia de política cultural en nuestro país, y la sucesión vertiginosa de ministros es prueba de ello, nos impide avanzar en la dirección correcta. Un sistema público de cultura no puede basarse en la exclusión sino, más bien, en la suma de activos que se legitiman mutuamente bajo algunos objetivos comunes y entre todos uno es especial: el incremento del nivel cultural de nuestra ciudadanía.

Un sistema público de cultura Tal circunstancia no se da en España, donde el conflicto de legitimidades entre la gestión pública y privada en materia cultural es todavía un tema a resolver sujeto a multitud de tópicos y a no pocas falsedades provenientes, en su mayoría, de nuestra escasa práctica de participación social en la gestión de los asuntos públicos. En España la cultura está muy funcionarizada. Eso quiere decir que los gestores de hoy son los mismos que la gestionaban hace diez años y van a ser, en su mayoría, los mismos que la gestionarán dentro de un decenio. Podría parecer algo perfectamente normal si la gestión pública de la cultura fuera un despacho burocrático donde se repartieran carnets, se sellaran timbres o se cobrasen tasas. Sería igualmente razonable observar a esos mismos gestores con 20

–da igual– que limita las posibilidades de progreso del sector cultural. Que la cultura se mide por un doble rasero es un hecho evidente. Observemos, por ejemplo, que la mayor parte de las normativas de subvención existentes para nuestro teatro exigen a las compañías y empresas un nivel de circulación de sus espectáculos que no cumple ninguna de las unidades públicas de producción. Se le supone a lo público un valor artístico intrínseco y a lo privado un potencial comercial real o latente; sin embargo se le perdona a lo público que desarrolle una función realmente social y se le exige a lo privado una rentabilidad incierta dado el estrecho control del mercado que ejerce la propia administración. Por otro lado, si analizamos el rigor con el que se analiza la cuenta de resultados de cualquier empresa teatral no dejará de asombrarnos la tranquilidad con la que se solventa el déficit en el que crónicamente incurren la

Xavier Marcé

instituciones La FiraTàrrega de colaboración La FiraTàrrega y la Asociación de Empresas de Distribución y Gestión de Artes Escénicas (ADGAE) firmaron, el pasado 18 de febrero en Madrid, un convenio de colaboración para impulsar conjuntamente el sector escénico de nuestro país. En este acuerdo, las dos instituciones reconocen su valor estratégico y se unen para sumar esfuerzos en la dinamización del sector. El documento fue firmado por el presidente del Consejo de Administración de FiraTàrrega y alcalde de la localidad ilerdense, Joan Amézaga, y el presidente de ADGAE, Ramón López Barranco. A partir de esta colaboración,

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y ADGAE firmaron un convenio

De izda. a drcha., y sentados: Cristina Santolaria, subdirectora general de Teatro del INAEM; Joan Amézaga, presidente del Consejo de Dirección de Fira Tàrrega; y Ramón López Barranco, presidente de ADGAE. De pie: Roser Vila, vocal de ADGAE; Pau Llacuna, gerente de FiraTàrrega; y Nacho Vilar, vicepresidente de ADGAE, tras la firma del convenio.

las empresas de artes escénicas pertenecientes a ADGAE tendrán una presencia destacada en La Llotja, el Pabellón Ferial de FiraTàrrega, para poder promocionar la producciones de sus catálogos y establecer contactos con los diferentes agentes culturales que participan en el certamen de Tàrrega. El convenio también estipula un flujo permanente de intercambio y una difusión conjunta por diversos canales de información. Está fórmula es una nueva constatación de la unión entre el sector privado y el público para dinamizar el mercado escénico y poder realizar acciones conjuntas en la misma dirección.

ESCENOCAM denuncia la contratación irregular de una compañía por la Administración de Castilla-La Mancha ESCENOCAM, la Asociación de Compañías Profesionales de Artes Escénicas de Castilla-La Mancha, defiende la igualdad de oportunidades para todas las compañías de la región ante una contratación a dedo por parte de la Dirección General de Promoción Cultural. En el siguiente texto, transcrito literalmente, esta entidad denuncia el caso: El pasado mes de septiembre la Dirección General de Promoción Cultural ofertó un montaje teatral con coste cero para las localidades A y B de la Red de Teatros, o lo que es lo mismo, con cargo integro a la Consejería, una modalidad que no se contempla en la normativa de la Red de Teatros. La compañía elegida para realizar esta gira, que reportará importantes ingresos, no ha sido seleccionada por ninguna comisión técnica, ni artística, sino que ha sido designada arbitrariamente por la Dirección General de Promoción Cultural. Ante la falta de información sobre la medida, a mediados de noviembre ESCENOCAM solicitó a

Rafael de Lucas, director General de Promoción Cultural, información sobre la nueva modalidad de contratación, en relación al presupuesto asignado y al criterio de selección del espectáculo. Después de varias semanas de espera sin contestación, y tras elevar la petición a la consejera y al presidente de la Junta, los miembros de ESCENOCAM decidieron presentar un recurso de nulidad contra la circular que ofertaba el espectáculo, basándose en la irregularidad del procedimiento. En los últimos días, la consejera de Cultura, Turismo y Artesanía, “contestó” a la solicitud con un escrito en el que se limitó a exponer que la Consejería tiene competencias para programar, pero sin aportar información alguna sobre los criterios, los presupuestos, y la forma de selección de los espectáculos que podrían formar parte de esta programación. Por todo ello, ante la falta de información de la Administración Regional, ESCENOCAM quiere hacer pública su disconformidad con esta gira irregular por no respetar la normativa de la Red,

arbitraria por haber sido adjudicada a dedo, y opaca, por no existir información pública de los términos del acuerdo entre la Consejería y la productora teatral. ESCENOCAM quiere constatar que todos los pasos realizados por la asociación hasta el momento persiguen únicamente salvaguardar la Red de Teatros de este tipo de actuaciones, que por salirse de los cauces normativos, levantan la sospecha sobre los intereses que las incitan, y ensucian la imagen de la Red alejándola de los modelos de transparencia y buenas prácticas que exige el interés ciudadano, más en estos momentos de creciente desconfianza ciudadana en su clase política por las tan extendidas prácticas de amiguismo. En cualquier caso, desde ESCENOCAM se seguirá trabajando para conseguir el acuerdo en las políticas que afecten a las artes escénicas, y promoviendo que el acceso a cualquier iniciativa cultural de las instituciones públicas de nuestra región se realice en igualdad de condiciones para todas las compañías de la región.

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El Fantasma de la Ópera

opinión

Por el cambio 1. Cambio en las actitudes y comportamientos. Síntomas. ¿Se podrá mantener el sistema cuando cada vez es más frecuente llamar a los programadores y escuchar la siguiente respuesta: “Ni contesta al teléfono ni recibe visitas”. ¿Damos nombres? En la villa labrada de arena, fuentes y aves… te he dado tres. Si juegas con las palabras y sus rimas conocerás los municipios de tres comunidades distintas: Valencia, Madrid y Asturias. Tres programadores que, salvo con los poderosos, jamás atienden a nadie. Y tienen sus razones. Les comprendo. No pueden atender la enorme riada de llamadas, solicitud de visitas y correos electrónicos. El sistema no funciona. Cambiémoslo. También a estos programadores, por favor. Cambio de dirección en el Festival de Almagro. Natalia Menéndez sustituye a Emilio Hernández. Antes de que se reuniera el Patronato del Festival de Almagro, el diario EL PAÍS daba la noticia y justificaba el cese de Emilio Hernández por el déficit generado por el Festival en sus últimas ediciones. ¿Quién le ha filtrado a la periodista de EL PAÍS la noticia? ¿Por qué se produce el cese cuando se iba a aprobar la programación del Festival? Si la gestión económica del Festival era el problema, ¿no se sabía esto en septiembre? ¿No era ese el momento de hacer el cese? No me gustan las formas. El sistema no funciona. Los premios Max amenazan de nuevo con aburrirnos en sus pesadas ceremonias. Unos premios que nadie se cree. Siempre ganan los mismos. Animalario triunfa. ¿Por qué? Els Joglars hace años comunicó públicamente que no participaría en la farsa en que se convertían los premios. Modos y formas sorprendentes. ¿A qué esperamos para crear la Academia de las Artes Escénicas? El sistema tampoco funciona. Mucho Plan General de Teatro y de Danza, que no sirven para nada. Papel mojado. Declaración de intenciones. Buena gente que camina, como escribiría Machado… Leyes que promuevan, que obliguen, que limiten… Pongamos un ejemplo: ¿Por qué las Comunidades Autónomas siguen financiando a teatros públicos que no pagan sus deudas con las empresas de artes escénicas? ¿No sería

lógico que un teatro que contrata en RED sea expulsado de dicha RED si no paga las facturas de las compañías? Se representa el espectáculo, se presenta la factura, no se cobra, y al finalizar el trimestre se paga el IVA de una factura no cobrada. ¿Hasta cuándo seguiremos permitiéndolo? El sistema sigue sin funcionar. Y el 27 de marzo, como si la cosa fuera bien, celebraremos el día internacional del teatro. Fuegos artificiales. La SGAE compra por más de 40 millones de euros los teatros Coliseum y Lope de Vega en la Gran Vía de Madrid. Los dos coliseos dedicados a los musicales y hasta ahora gestionados por Stage Holding. SGAE invierte en compra de espacios escénicos sus beneficios. Y crea su red de teatros por varias ciudades de España e Iberoamérica: ARTERIA. Ofrece el 80% de la taquilla a las compañías y pagará la publicidad. ¿Por qué se convierte SGAE en empresa de local? ¿No podría invertir en mejorar la promoción o producción de las obras musicales, cinematográficas o escénicas de sus autores? El sistema anda revuelto. 2. Autores españoles vivos. Los taquillazos los consiguen los autores españoles vivos. Exceptuando los musicales, las obras que más recaudación consiguen son las escritas por autores españoles vivos. Basta con consultar los anuarios de SGAE o, en su defecto, los datos que publica el INAEM a través del Centro de Documentación Teatral. El público está con los autores españoles de hoy. Otra vez el público enfrentado con lo público. ¿Por qué es tan difícil producir o estrenar obras de autores españoles actuales? Sobre todo, porque el sistema lo impide. Lo impiden las administraciones subvencionadoras que no hacen una política clara y contundente de promoción de la dramaturgia actual. De verdad. Con un par… A modo de ejemplo, la Muestra de Teatro Español Contemporáneo de Alicante ha reducido su presupuesto para 2010 en 100.000€. La Generalitat Valenciana ha dejado de aportar su colaboración. También lo impiden los representantes de

premios

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Listado de finalistas de la XII edición de los premios Max de las Artes Escénicas

actores que no gustan de propuestas de riesgos. Y los propios actores, absurdamente anclados en los personajes históricos: Hamlet, Bernarda Alba, Max Estrella… Textos consagrados y contrastados. Personajes épicos y conocidos. El teatro de repertorio. Lo contrario a la modernidad, lo más lejano al cine de hoy. Prejuicios: “no hay autores”. Los mismos que escriben guiones de cine y tienen audiencia televisiva escriben teatro. Pero los actores siguen prefiriendo hacer algo conocido… Se equivocan. Como se equivocan los medios de comunicación, que se olvidan de los autores. Entrevistas sólo para los famosos, es decir, para los actores. Hace veinte años en ABC, cuando lo dirigía Ansón (un enamorado del teatro), los autores escribían su “antecrítica” el día del estreno. Ser autor era algo respetable.

Ya se han dado a conocer los finalistas de la XII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, unos galardones que año tras año organizan la Fundación Autor y la SGAE, y cuyo cuerpo electoral está formado por profesionales del teatro y la danza de todo el país. Además de las 24 categorías a concurso que aparecen en el siguiente listado, se otorgarán tres premios por designación directa –Nuevas Tendencias, Hispanoamericano de las Artes Escénicas, y el Premio de Honor–, así como el Premio Max de la Crítica. A fecha de cierre de esta edición no se habían hecho públicos ni la ciudad ni la fecha en las que se celebrará su gala de entrega, pero, como es habitual, sus organizadores seguirán con la pauta de que los Max sean unos galardones descentralizados y sin ubicación fija, lo que forma parte de la esencia misma del mundo escénico.

Mejor Espectáculo de Teatro - “La casa de Bernarda Alba”, del Teatre Nacional de Catalunya y Teatro Español. - “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”, de El Canal, Centre d´Arts Escèniques de Salt/Girona, Teatre Lliure y Teatro Español. - “Urtain”, de Animalario y Centro Dramatico Nacional.

Mejor Espectáculo de Teatro Musical Y los teatros públicos prefieren programar lo ya conocido, lo ya contrastado, los títulos de siempre. Las comedias o dramas de nuestros autores pueden ser de mala calidad, se excusan. No apoyan a la dramaturgia actual. ¿Para qué, entonces, el teatro público? El sistema no funciona. Si el teatro es el espejo de la sociedad, nuestra sociedad está muerta y desaparecida… porque el teatro refleja la sociedad de hace más de cincuenta o cien años, doscientos, trescientos… Se disfraza diciendo que el montaje lo actualiza. ¡Bobadas! Algo no funciona en el sistema. El teatro privado hace taquillazos con el autor español vivo (este año, por ejemplo, el Teatro La Latina, de Madrid, está llenando con “Sexos”)… y el teatro público lo programa con cuenta gotas. Lo público y los públicos no coinciden. ¡POR EL CAMBIO! Ese fue el lema con el que el PSOE ganó las célebres elecciones de 1982. No necesitaba contar sus propuestas. Le bastó con unos carteles dibujados por José Ramón que reflejaban una nueva sociedad idílica y mostrar la necesidad de cambiar la realidad. ¡Por el cambio! Es el lema de esta columna. Por el cambio del sistema en las artes escénicas. Programa, programa, programa, como repetía en su día Anguita. Pongámonos todos a crearlo y debatirlo. Luzmán

- “Aloma”, de Dagoll Dagom. - “Cabaré de caricia y puntapié”, de Compañía de Teatro El Gato Negro. - “Por culpa de Yoko”, de Jácara Teatro.

Mejor Espectáculo de Danza - “El llac de les mosques”, de Sol Picó Cia. de Danza. - “Jazzing flamenco”, de Antonio Najarro. - “Lluvia”, de Eva Yerbabuena Ballet Flamenco.

Mejor Autor Teatral en Castellano -

Alfonso Sastre por “La taberna fantástica”. Juan Cavestany por “Urtain”. Juan Mayorga por “Cartas de amor a Stalin”. Pau Miró por “Llueve en Barcelona”.

Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano - Lluïsa Cunillé por “El bordell”. - Marta Buchaca por “Plastilina”. - Sergi López y Jorge Picó por “Non solum”.

Mejor Autor Teatral en Euskera

Mejor Actriz de Reparto - Ana Labordeta por “Noviembre”. - Ana María Montero por “Sueño Lorca o el sueño de las manzanas”. - Carmen Machi por “Platonov”.

Mejor Actor de Reparto - Alberto San Juan por “Urtain”. - Alfonso Lara por “Urtain”. - Carles Canut por “La vida por delante”.

Mejor Intérprete Femenina de Danza

- Carles Santos por “Hamlet”. - Fernando Egozcue por “Jazzing flamenco”. - Nick Powell por “Urtain”.

- Carmen Werner por “Sin Dios”. - Eva Yerbabuena por “Lluvia”. - Sol Picó por “El llac de les mosques”.

Mejor Coreografía

Mejor Intérprete Masculino de Danza

- Antonio Najarro por “Jazzing flamenco”. - Sol Picó por “El llac de les mosques”. - Teresa Nieto por “Restos”.

- Antonio Najarro por “Jazzing flamenco”. - Daniel Doña por “En sus 13”. - Manuel Liñán por “En sus 13”.

Mejor Director de Escena - Andrés Lima por “Urtain”. - Lluís Pasqual por “La casa de Bernarda Alba”. - Mario Gas por “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”.

Mejor Director Musical - Alicia Lázaro por “Auto de los Reyes Magos”. - Manuel Gas por “Sweeney Todd”. - Nick Powell por “Urtain”.

Mejor Escenografía - Beatriz San Juan por “Urtain”. - Miguel Ángel Coso por “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”. - Paco Azorín por “La casa de Bernarda Alba”.

Mejor Figurinista

- Aizpea Goenaga por “Arrain ontzia”. - Maite Agirre y Garbi Losada por “Secando charcos / Putzuak lehortzen”. - Patxo Telleria por “Euskarazetamol”.

Mejor Autor Teatral en Gallego

Mejor Diseño de Iluminación

- Ánxeles Cuña Póveda por “Dame veleno, eu tamén soñar”. - Cándido Pazó por “A piragua”. - Jorge Rey por “Frida”. - Roberto Salgueiro por “Valentino rufini e âkil pillabán de viaxe a milán (e van sen un can)”.

- Carles Lucena por “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”. - Flavia Mayans y José Mora por “Sueño Lorca o el sueño de las manzanas”. - Juan Gómez Cornejo (AAI) por “Hamlet”. - Pep Gámiz por “La vida por delante”. - Valentin Álvarez y Pedro Yagüe por “Urtain”.

- Ana Zamora por “Auto de los Reyes Magos”. - Eduardo de Mendoza por “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”. - Juan Mayorga por “Platonov”.

- Alberto San Juan por “Tito Andrónico”. - Jordi Boixaderes por “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”. - Roberto Álamo por “Urtain”.

Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico

- Antonio Belart por “Mort d'un viatjant / Muerte de un viajante”. - Beatriz San Juan por “Urtain”. - Ikerne Giménez por “Avaricia, lujuria y muerte: ‘Ligazón’, ‘La cabeza del bautista’, ‘La rosa de papel’”.

Mejor Adaptación de Obra Teatral

Mejor Actor Protagonista

Mejor Actriz Protagonista

Mejor Espectáculo Infantil - “Alicia al País de les Meravelles” de la “Companyia La Trepa”-Mª Agustina Solé. - “El circo de la mujer serpiente”, de Ananda Dansa, Gran Teatre Antonio Ferrandis de Paterna, Centre Coreogràfic de Teatres de la Generalitat Valenciana, Concha Busto e INAEM- Ministerio de Cultura. - “Zoo” de Producciones Yllana.

Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas - Animalario por “Urtain”; “Baile. Solo parejas”; “Tito Andrónico”. - Baraka Madrid Producciones Teatrales por “Sueño Lorca o el sueño de las manzanas”. - Focus por “Fugadas”; “La vida por delante”; “Los chicos de historia”; “El joc dels idiotes”; “Jo sóc la meva dona”; “4 bailes /tango, bolero, rock & roll y vals”; “Mama Medea”.

Mejor Espectáculo Revelación -

- Blanca Portillo por “Hamlet”. - Concha Velasco por “La vida por delante”. - Rosa María Sardà por “La casa de Bernarda Alba”.

-

Aragón: “Metrópolis”, de Compañía Che y Moche. Asturias: “Almaelectra”, de Factoría Norte. Baleares: “Camarada K”, de Produccions del Mar. Canarias: “Los mares habitados”, de 2RC Teatro y Compañía de Repertorio. Cantabria: “Robinson y Crusoe”, de La Machina Teatro. Castilla-La Mancha: “La celosa de sí misma”, de Teatro de Malta y A priori Producciones. Castilla y León: “El jardín de los cerezos”, de Rayuela Producciones. Cataluña: “América”, de Producciones T6. Comunidad Valenciana: “Esfèric”, de Producciones Scura. Extremadura: “Princesas olvidadas o desconocidas”, de Karlik Danza y Producciones Javier Leoni. Galicia: “A esmorga”, de Sarabela Teatro. Madrid: “La función por hacer”, de Kamikaze. Murcia: “Obssession Street”, de Nacho Vilar Producciones. Navarra: “Casa de muñecas”, de Fundación Teatro Gayarre. País Vasco: “El club de las mujeres invisibles”, de Vaivén Producciones.

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entrevista

secretos. Un número mínimo de elementos concretos, desplazados por los mismos actores, sostienen la realización de esta idea. La casa de Harpagón sería así un verdadero laberinto donde se tejen los sueños contradictorios de sus ocupantes. Respecto a la música original, la de este espectáculo no tiene inspiración barroca ni académica: está al servicio de la dramaturgia. Es música "de texto". La iluminación, por su parte, tendrá un rol preponderante en el dibujo de zonas de juego y, sobre todo, en la creación de atmósferas particulares a cada situación. La libertad en el juego de los intérpretes, el combate contra el naturalismo y el trabajo explicativo constituyen algunos de los puntos capitales de la dirección de actores. La

Jorge Lavelli Director de “El avaro” Coproducida por el Centro Dramático Nacional y Galiardo Producciones, ya está en marcha una nueva versión del clásico de Moliere “El avaro”, que verá la luz el próximo 8 de abril en el teatro María Guerrero de Madrid. De la adaptación, junto a José Ramón Fernández, y de la dirección se encarga Jorge Lavelli, un experimentado y reconocido profesional del mundo teatral y operístico que ha ejercido su trabajo en varios países europeos, principalmente en Francia, donde está nacionalizado desde 1977 aunque nació en Buenos Aires, así como en Estados Unidos y en América Latina. El papel de Harpagón, protagonista indiscutible de la obra, lo interpreta Juan Luis Galiardo, al que le acompañan sobre las tablas Javier Lara, Irene Ruíz, Rafael Ortiz, Aída Villar o Manolo Caro, entre otros actores. Su distribución es gestionada por la empresa madrileña Entrecajas.

- ¿Cómo surgió el llevar a escena este conocido texto de Moliere? - Juan Luis Galiardo formó parte del equipo de actores que presentó, bajo mi dirección, "Edipo rey", de Sófocles, en el Festival de Mérida 2008, lo que constituyó una experiencia singular. Allí interpretó el personaje de Tiresias. Esa fue la ocasión de conocernos de manera más directa, es decir, a través de una actividad profesional. Allí también nació la idea de realizar un proyecto de Moliere que tomó cuerpo, después, con "El avaro". En suma, se trata de un teatro que ejerce una certera proyección social en nuestra civilización y puede reivindicar, sin complacencias, la calificación de "teatro popular". Juan Luis Galiardo encuentra en este proyecto una manera de ejercer su violencia, su humor y su sensibilidad, al servicio de un personaje sumamente complejo. - ¿La temática de “El avaro” se puede trasladar a cualquier época? ¿Qué cualidades, en su opinión, son las que más destacan en esta obra? - Para mí, "El avaro" es una obra que no exige

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“La mirada oblicua de Moliere sobre su tiempo, a la vez severa y grotesca, se acerca a la actitud de un dramaturgo del siglo XX. En todo caso, es así como yo lo comprendo y es con esa libertad y convicción que lo pongo en escena”

tituye un estado de crisis. - Usted ha trabajado mucho en Francia. ¿Qué diferencias encuentra entre el sector teatral francés y el español? ¿Qué deberíamos aprender del país vecino en este sentido? - El teatro en Francia y, sobre todo, el teatro de "servicio público", se ha desarrollado enormemente después de la guerra. Las grandes opciones han sido trazadas con la descentralización de las actividades. Da cuenta de ello el número impresionante de Centros Dramáticos regionales, sumados a los Teatros Nacionales. Una labor muy estimable se distingue allí en los métodos de enseñanza a través de conservatorios exigentes, de institutos universitarios y de escuelas oficiales. - También ha trabajado mucho en el campo

Foto: LOT.

un tratamiento histórico. Moliere, en su tiempo –mediados del siglo XVII– se había inspirado fuertemente en Plauto –nacido siglo y medio antes de nuestra era– pues los temas de su obra, la avaricia en primer término, el abuso de poder, la descomposición de la célula familiar, entre otros, no eran sólo privilegio de su época. Parafraseando a Yann Kott, crítico y dramaturgo polaco del siglo pasado, se puede decir de Moliere lo que éste pensaba de Shakespeare, escribiendo su "Shakespeare, nuestro contemporáneo". Para mí, la mirada oblicua de Moliere sobre su tiempo, a la vez severa y grotesca, se acerca a la actitud de un dramaturgo del siglo XX. En todo caso, es así como yo lo comprendo y es con esa libertad y convicción que lo pongo en escena. Si se analiza el desarrollo de la obra, se podrá constatar que los acontecimientos, alimentados por la frustración de los hijos de Harpagón, “el avaro”, dibujan situaciones límites. La resolución de la obra habilita la posibilidad de un final trágico. El autor, echando mano a una resolución artificial, conforma las aspiraciones contradictorias de

sus personajes: la inminente tragedia se consume en la irrealidad del sueño. La libertad del autor no sustrae la comedia de su virulencia crítica y un amargo escepticismo afirma su nacimiento. - ¿Cómo se ha planteado la puesta en escena de esta función?¿Cómo ha querido que fueran ciertos elementos como la escenografía, la música, el vestuario o la iluminación? - La puesta en escena de esta obra sigue el espíritu de la versión, se concentra en lo esencial. El siglo XVII está más sugerido que recreado. El vestuario sigue la línea dramatúrgica, ayuda a comprender mejor los personajes y a situarlos dentro de un contexto social particular. La "mode" de la época está interpretada para imponer ese punto de vista. El dispositivo escénico está llamado a desplegarse en virtud de las necesidades dramáticas. Una serie de opciones aparecen: ese primitivo espacio único –el escenario desnudo del teatro– se transforma al servicio de la puesta en escena, evocando salas y corredores, balcones, techos o lugares

Juan Luis Galiardo alza a Manolo Caro durante los ensayos de “El avaro”. / Foto: Teresa Serigó.

búsqueda de la verdad, basada en el compromiso, la convicción interior, la imaginación y, sobre todo, la comprensión y la apropiación de cada gesto, de cada mirada, de cada idea que se exprese, traduciendo así su personalidad y su punto de vista, son algunos de sus rasgos. Y siempre con la energía y la sensibilidad que son indisociables a un trabajo en profundidad. - ¿Qué buscaba en los actores que iban a participar en este montaje? - Lo que primeramente busco es un mínimo de dominio técnico indispensable: elocución, articulación, expresividad y conciencia de su cuerpo. Luego, lo más raro, su capacidad imaginativa. Su disponibilidad. Su sensibilidad. - ¿Un director de su experiencia se encuen-

tra tan cómodo en el teatro clásico como en el contemporáneo? - En toda circunstancia persigo la manera de expresarme conforme a lo que elijo con la mayor libertad posible. Me interesa la materia teatral –dramática, poética, política–, más que la forma. De ahí "mis actores". - Muchos consideran que las épocas de crisis constituyen un buen momento para montar teatro clásico ya que, como requieren un mayor esfuerzo económico, no se emprenden tantos montajes y los que se hacen tienen más posibilidades de ser programados, ¿está de acuerdo? - No pienso que los autores clásicos tengan el privilegio de responder mejor que los modernos a las circunstancias de las crisis económicas. El mundo, la vida misma, cons-

de la ópera. ¿Es un terreno en el que en nuestro país se necesita mejorar? ¿Considera que las óperas que se emprenden en España son demasiado clásicas y que se deberían traer títulos de autores más contemporáneos como Phillip Glass, Michael Nyman o Karlheinz Stockhausen? - El teatro lírico tiene en Europa, y en Occidente en general, un trazado común: la conservación del repertorio. Raros son los directores que practican una política de creación o de apertura. La búsqueda de lo raro, el re-descubrimiento del teatro barroco, por ejemplo, es más tentador y menos comprometedor que la "aventura" de la creación. Sin mucho exagerar, se puede afirmar que cien obras líricas alimentan el repertorio de los teatros de Europa y de América.

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Mercucho Producciones retoma la Commedia dell’Arte en

“El arlequín de oro”

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Un actor y tres títeres se miden a

“Don Juan. Memoria amarga de mí”

Mercucho Producciones presenta “El arlequín de oro”, un espectáculo teatral inspirado en las técnicas, las claves escénicas y los personajes de la Commedia dell’Arte: telones, tarimas, máscaras, ritmo vibrante, acrobacias, música en directo, personajes arquetípicos... Se trata de una comedia de sirvientes en la que los criados pasan de ser acompañantes de sus amos o artífices de sus enredos a convertirse en los auténticos protagonistas de la trama. Este montaje, que fue estrenado el 29 de diciembre de 2009 en el teatro de Matapozuelos (Valladolid), emprende ahora su gira por el resto del país. El texto narra las aventuras y desventuras de unos personajes irreverentes, crueles y tiernos a la vez, a los que La Fortuna ha convertido en sirvientes a las órdenes del Arlequín de Oro, un nuevo rico. Su estatus no favorece a los que fueron sus amigos de penurias, sino que por el contrario se convierte en un señor severo que los explota y los mata de hambre. Especialmente pensado para un público juvenil y adulto, “El arlequín de oro” está dirigido por Cruz García Casado, y cuenta con telones a cargo de Raúl Ortiz, y un vestuario diseñado por Mario Pérez Tapanes. Entre los actores que lo interpretan destacan Viki Martín Urdiales, Alfonso Peña, Begoña Martín y Félix Muñiz. Además Mercucho Producciones ha contado con el asesoramiento artístico de la compañía italiana Attori & Cantori. Mercucho Producciones nació en 2002 en respuesta a la necesidad de distintos profesionales de investigar en el teatro y la expresión dramática. La peculiaridad de sus trabajos escénicos radica en la fusión entre los distintos lenguajes teatrales: actores, máscaras, títeres, luz negra, música en directo, técnicas circenses..., que les ha permitido mostrar su trabajo en España, Francia, Italia, Cuba, Brasil, Estonia, Turquía, Argentina, Nicaragua, Portugal, Argelia y, próximamente, en Perú.

Higiénico Papel Teatro estrenó “Doctor Fausto” en el remodelado teatro Jovellanos de Gijón Sobre el texto de Christopher Marlowe, la compañía asturiana Higiénico Papel Teatro estrenó su versión del clásico “Doctor Fausto” en el teatro Jovellanos de Gijón el pasado 16 de enero. El estreno coincidió con la reapertura del recinto, que ha permanecido cerrado por obras de remodelación durante nueve meses. Esta revisión contemporánea está adaptada y dirigida por Laura Iglesia, y en ella se han mantenido a los más de cincuenta personajes que aparecen en la obra y que están interpretados por siete actores: Carlos Dávila, Alberto Rodríguez, Rita Cofiño, Lautaro Borghi, Arantxa Fernández Ramos, David Soto Giganto y David Acera. El argumento cuenta cómo el doctor Fausto, un eminente médico, astrólogo, teólogo y filósofo alemán, se siente insatisfecho tras haber pasado su vida cultivándose en esas disciplinas. Comienza a interesarse por las ciencias ocultas, la magia y la nigromancia. En uno de sus experimentos, Fausto logra contactar con Mefistófeles, enviado de Satanás, con el que pactará las condiciones de un contrato: Mefistófeles cumplirá con todos los deseos de Fausto durante 24 años, pero al término de ese plazo, el alma de Fausto pasará a pertenecer a Satanás para toda la eternidad. Lo que ha atraído a Higiénico Papel Teatro a llevar a cabo el montaje de “Doctor Fausto” ha sido el enfrentamiento y la dualidad que se dan en el ser humano ante las distintas opciones que se le presentan. Su Fausto mantiene esas características del protagonista original pero ha sido enfocado como el hombre que, harto de caminar por la senda de lo políticamente correcto, se adentra en el lado oscuro de la vida.

El mito de Don Juan se ha tratado desde muchas perspectivas, diversas épocas y diferentes autores. La compañía Pelmànec ha optado por una puesta en escena en la que el actor protagonista se mide con tres títeres. Un joven fraile que oculta un pasado misterioso, un prior enfrentado a sus propios pecados y la muerte en busca del amor de su vida. Y en medio, Don Juan, un personaje que, sin saberlo, removerá los cimientos de todos ellos. Los títeres que emplea Pelmànec son de gran formato, lo que permite que el actor y el títere interactúen en el mismo plano, además de mostrar al público cómo se manipula el títere que maneja el propio actor. María Castillo dirige este montaje en el que el gran protagonista es Miguel Gallardo, único interprete de carne y hueso sobre el escenario, que además de interpretar su papel, maneja a los otros tres personajes. El propio Miguel Gallardo ha sido también el que ha realizado la adaptación del texto junto a Paco Bernal, a partir de las obras de Tirso de Molina, Zorrilla, Molière y Josep Palau i Fabre. Esta obra, estrenada en el festival Titirimundi 2009 de Segovia, realizó poco después una gira por diversas comunidades autónomas y posteriormente viajó a Brasil, donde se alzó con el premio al Mejor Espectáculo en el Festival Bonecos 2009, de Belo Horizonte. También cuenta con el premio del Público y del Jurado del XII Certamen Nacional de Teatro Garnacha de Rioja. Tras su paso en enero por MADferia, “Don Juan. Memoria amarga de mí” se representó en el País Vasco el pasado 2 de marzo dentro de la programación de las XXXIII Jornadas de Teatro de la localidad guipuzcoana de Eibar.

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El Theatre Row de Nueva York acogió una representación de

pesar de su pronta desaparición, en 1960, a causa de un accidente de tráfico cuando solo tenía 46 años-, obtuvo el Premio Nobel de Literatura. “Calígula” fue un símbolo para Camus, quien incluso realizó varias revisiones del texto desde que lo escribiera en 1938 hasta 1958. En todas ellas su protagonista plantea la dureza de convertirse en adulto, el desafío a los conceptos divinos, las consecuencias de un poder ejercido contra los hombres, la existencia o no del amor en nuestras vidas, el resultado de una sociedad movida solo por intereses económicos, y, en definitiva, la eterna dialéctica entre libertad y justicia. Además la recuperación de esta obra ahora es especialmente oportuna ya que en 2010 se conmemora el 50º aniversario de la muerte de su autor. Este espectáculo de L’Om-Imprebís, coproducido por CITA y distribuido por Emilia Yagüe Producciones, ha obtenido una gran acogida tanto por parte del público como de la crítica, especialmente por su puesta en escena limpia, majestuosa y con mucho ritmo, con doce actores y músicos sobre el escenario, y por la interpretación de sus protagonistas, entre los que destaca Sandro Cordero en el papel de Calígula. El equipo creativo de la compañía, formado por el escenógrafo Dino Ibáñez, las responsables de vestuario Sue Plummer y Elena Sánchez Canales, y los encargados de iluminación Rafael Mojas y Félix Garma, se ha reforzado en esta ocasión con la coreógrafa sevillana Paloma Díaz, el músico Jesús Salvador “Chapi” y Owen Donnelan, colaborador de Declan Donnelan y Cheek by Jowl.

“El pez gordo” La palabra trepidante se queda corta para describir la actividad del equipo responsable de la obra “El pez gordo” durante la segunda semana de febrero. La acción comenzó el día 7, cuando actuaron en la localidad madrileña de Torrejón de la Calzada. Dos días más tarde cambiaron radicalmente de aires y la producción de TalyCual Producciones se trasladó, nada menos, que hasta Nueva York. Y es que el montaje fue invitado a participar dentro de la programación que la productora latina Teatro Retablo organiza en el Theatre Row de la ciudad de los rascacielos. Y por si no tenían suficiente, otros dos días después regresaron a España y realizaron otra función en León. La actuación neoyorquina, que estaba organizada por la Comunidad de Madrid dentro de la serie de actos de promoción cultural en el exterior que esta institución realiza englobados bajo el lema “Made in MAD”, fue plenamente satisfactoria, ya que fue muy bien acogida por el público. Como anécdota se puede mencionar que en las otras salas del teatro también se representaban “The De izda. a drcha: Toni Cantó, Helio Pedregal y Bernabé Rico frente al car- starry messenger”, protagonizada por Matthew Broderick, y “A lie of the mind”, tel luminoso del Theater Row de Nueva York el pasado 9 de febrero. dirigida por Ethan Hawke, quien presenció un ensayo general de “El pez gordo”, y con quien el elenco de la obra, integrado por Bernabé Rico, Helio Pedregal y Toni Cantó, tuvo oportunidad de conversar acerca de las particularidades del teatro neoyorquino en contraposición al desarrollado en Europa. Por otro lado, la obra “El pez gordo” está previsto que vuelva a Estados Unidos, ya que también se ha solicitado su representación en el Teatro 8 de Miami durante la última semana del próximo mes de agosto.

José Luis Pellicena se une al reparto de

“En el oscuro corazón del bosque” El conocido y experimentado actor José Luis Pellicena será el encargado de dar vida al papel del “Gato viejo” de la obra “En el oscuro corazón del bosque”, de José Luis Alonso de Santos, en las representaciones de la gira de este montaje producido por Es.Arte. Su incorporación, y la de la actriz Karmele Aramburu, que se anunció recientemente, constituyen las principales novedades de este periplo escénico, que comenzará en las ciudades de Soria, Zaragoza, Palma de Mallorca y Toledo. Por otra parte, el autor del texto, el dramaturgo José Luis Alonso de Santos, acaba de ser reconocido con el Premio de las Letras de Castilla y León 2010 por “la singularidad literaria de su obra teatral, en la que reflexiona sobre la condición humana con una visión que traspasa los parámetros de tiempo y espacio. Hombre de teatro, con una larga y brillante trayectoria como autor, ha extendido su actividad a todos los ámbitos de la dramaturgia, desde la dirección escénica, a la actividad docente o el ensayo”.

La eterna dialéctica entre libertad y justicia en “Calígula” Con “Calígula”, el director Santiago Sánchez ha completado su trilogía sobre el idealismo y la utopía que también integran las obras “Galileo” y “Quijote”, todas ellas producidas por L’Om-Imprebís. Este texto de Albert Camus fue estrenado el pasado 10 de septiembre en el teatro Lope de Vega de Sevilla, desde donde se trasladó al teatro Segura de Lima (Perú). A partir de octubre la compañía inició una gira por toda España que el próximo 10 de marzo recalará en el teatro Fernán Gómez de Madrid, que acogerá las representaciones de la obra hasta el 11 de abril. “Calígula” tiene fechas cerradas hasta el 30 de mayo, pero L’OmImprevís mantiene abierta su contratación a partir del 1 de junio. Albert Camus fue un hombre comprometido que se convirtió en la conciencia de Francia tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, y que a

Teatro El Zurdo continúa con la gira de “La ruleta rusa” Tras su estreno hace ahora un año, “La ruleta rusa”, de Teatro El Zurdo, retoma la gira que la llevó a visitar varias ciudades españolas y a participar en citas como MADferia, la Feria de las Artes Escénicas de Madrid. Durante 2010 la compañía girará con esta obra dirigida por Luis Bermejo sobre la adaptación de Enric Benavent, y que está formada por dos piezas cortas y algunos relatos humorísticos de Chéjov. La música y el Narrador crean el hilo conductor entre las diversas situaciones a las que se enfrentan los personajes interpretados por Fernando Otero, Marcos Marín, Tino Martínez, Mónica Monferrer y Paloma Mozo. En “La ruleta rusa”, una veintena de personajes que intentan defender sus deseos pese a que el entorno les resulta hostil dan pie a que las situaciones a las que se enfrentan les lleven a rozar el límite de la locura.Por otra parte, Teatro El Zurdo anuncia también la representación de su nueva obra, “Al final todos nos encontraremos”, el próximo 27 de marzo en el teatro Principal de Castellón. Con este montaje, la compañía indaga en el desamparo que siente el hombre ante el dolor creciente de su entorno y del mundo en el que vive. En esta ocasión la dirección corre a cargo de Fernando Soto y el elenco lo conforman Miguel Barderas, Luis Bermejo, Luis Crespo, Paloma Díaz, Carlota Ferrer e Ione Irazabal.

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Lola Herrera y Juanjo Artero vuelven a Madrid con sus

“Seis clases de baile en seis semanas” A pesar de los treinta años que les separan, y que forman una pareja aparentemente imposible, Lily y Michael se parecen mucho. Los dos son seres antisociales, aislados, llenos de prejuicios y están solos. Pero ambos se encuentran en una clase de baile y sus mundos se reconvertirán a través del contacto y la música, olvidarán sus diferencias y empezarán a conocerse entre ellos y a sí mismos. El autor de “Seis clases de baile en seis semanas”, Richard Alfieri, escribe una obra esperanzadora, con un gran sentido del humor y mucha franqueza, cualidades que llegan al público de cualquier edad. Lola Herrera protagoniza junto a Juanjo Artero esta comedia que pretende demostrar que la intolerancia y los prejuicios se pueden eliminar por medio del entendimiento, en este caso a través del baile. La aclamada Tamzin Townsend se embarcó en la dirección de este montaje atraída por lo brillante del texto y el elenco protagonista, cuyos personajes se quieren y se odian y sólo se entienden realmente cuando están bailando. Esta obra producida por Pentación regresará a la cartelera madrileña el próximo 8 de abril, cuando comenzarán sus funciones en el teatro Bellas Artes.

Estreno de “Camas y mesas”, ganadora del IV premio El Espectáculo Teatral

Álex Brendemühl y Marta Torné protagonizan

“Más allá del puente” El pasado 3 de marzo se estrenó “Más allá del puente” en el teatro Borrás de Barcelona, una tragicomedia romántica que protagonizan Álex Brendemühl y Marta Torné. Dos personas que se conocen cuando sus vidas están al borde del abismo comienzan a construir una historia juntos pese a que sus respectivas trayectorias están cargadas de lastres del pasado. La comedia y la tragedia se dan la mano gracias a estos dos obsesos del amor, que no renuncian a la posibilidad de volver a ser felices y experimentar nuevas emociones. Con diálogos ágiles y un divertido análisis acerca de los sentimientos de hombres y mujeres, “Más allá del puente” está dirigida por Roger Gual sobre un texto de David Botello, y producida por Zoopa, empresa fundada por Santi Millán y Carlos Ortet en 2005. La obra cuenta con el trabajo escenográfico del premiado Max Glaenzel, cuyo trabajo en “2666” le supuso el premio Max a la Mejor Escenografía en 2009. El dúo protagonista está formado por dos caras muy conocidas del mundo de la televisión, el cine y el teatro: Álex Brendemühl y Marta Torné. Álex Brendemühl.

Marta Torné.

Fotos: Sebas Romero.

Poco después de alzarse con el IV premio El Espectáculo Teatral, el dramaturgo Emilio Williams pudo ver estrenada la obra ganadora, “Camas y mesas”, sobre el escenario de la sala Triángulo los pasados días 12, 13 y 14 de febrero. El mismo recinto madrileño acogerá este montaje protagonizado por Marta Rubio, Juan Antonio Molina, Xabier Olza y Carlos Pontini durante el mes de abril. Como dice Tedd, uno de los personajes de esta función dirigida por Isabel Pintor y producida por Artist 13, la sinopsis de esta obra podría ser “chico conoce a chico. Chica conoce a chico. Chico deja a chico. Chica deja a chico...”, pero se quedaría corta, porque entre camas y mesas, amores imposibles y asesinatos pasionales, los cuatro personajes de este montaje enfrentan pasado con futuro, recuperan anhelos y niegan realidades. Sin embargo, entre tanta elipsis y tantos silencios, “Camas y mesas” también nace como un canto dedicado a los amigos de toda la vida, a los que nos sostienen cuando el entorno se hace disparatado e inhóspito.

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“Toc toc”

prolonga su presencia en la cartelera madrileña

Mientras muchos espectáculos de la temporada echan el telón, “Toc Toc”, obra producida por Lazona, no entiende de crisis, ya que prorroga su temporada en el teatro Príncipe Gran Vía de Madrid, donde se podrá disfrutar al menos hasta el próximo 25 de abril. Y es que, desde hace un tiempo, todo son buenas noticias para este montaje escrito por Laurent Baffie y que interpretan Daniel Muriel, Ana María Barbany, Gracia Olayo, Esteve Ferrer, Inge Martin, Sara Moros y Nicolás Dueñas. Precisamente este último actor, uno de los protagonistas de la función, ha sido nominado recientemente en la categoría de Mejor Actor 2009 para la próxima edición de los Premios de la Unión de Actores. La trama de “Toc Toc” está protagonizada por seis personajes que

sufren trastornos compulsivos obsesivos (TOC), que se conocen en la sala de espera de un afamado psiquiatra al que acuden con la intención de solucionar sus problemas. Pero el doctor nunca acudirá a la consulta, por lo que serán ellos mismos los que tengan que obtener sus propias conclusiones. “Toc toc”, que cuenta con el apoyo del público, hace mejores números representación tras representación, de las cuales ya lleva más de 200, por lo que su productora, responsable de otros éxitos como “¿Estás ahí?” y “Piedras en los bolsillos”, ha decidido seguir apostando por esta obra y prolongar su presencia en la cartelera madrileña. Foto: Pedro Gato.

“F-23” rememora una de las fechas más señaladas de nuestra Historia cercana En el mármol de la Historia quedan esculpidas fechas que, a modo de singular mantra, condicionan nuestro pasado y amenizan nuestro presente: 20-N, 11-S, 11-M... Aunque para los españoles, todavía hoy, la combinación de letras y números que más destaca es 23-F. Este es el acontecimiento que Konjuro Teatro ha rememorado en su montaje “F-23”, que fue estrenado en el Teatro Palacio Valdés de Avilés (Asturias) precisamente el pasado 23 de febrero. En palabras de Jorge Moreno, su director e intérprete junto a Mayra Fernández, “’F-23’ emplea a un añejo militar preso de morriña –qué nefasta puede resultar la nostalgia– aplicado en lo único que sabe hacer: conspirar. A este espécimen ibero se le suma la presencia de una confidente extraída de los bajos fondos y las altas camas. Ambos se acoplan –casi, casi, de manera literal– para revisar, a pie de tablas, un acontecimiento que tuvo tanto de representación afectada como de hecho fidedigno, llegando a la conclusión de que, tal vez, el ruido de sables y el chirriar de somieres componen el verdadero himno patrio

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

“El testigo”, el más reciente proyecto escénico de Rafael Álvarez “El Brujo” “El testigo”, título del nuevo montaje adaptado, dirigido e interpretado por Rafael Álvarez “El Brujo” sobre un texto de Fernando Quiñones, inició el pasado 4 febrero una serie de representaciones en el teatro Alcázar de Madrid que finalizará el 14 de marzo. En esta ocasión el intérprete se ha decantado por una obra que considera la continuación lógica a sus anteriores espectáculos: “Una noche con El Brujo” y “ El caballero de la palabra”, la personal revisión que hizo del Quijote. En “El testigo”, como es habitual en sus trabajos, Rafael Álvarez subraya la importancia del mensaje, que reside más en quién lo cuenta que en lo qué cuenta. El mundo del cante y la filosofía gitana de Andalucía es el entorno en el que se mueve el personaje que interpreta, testigo del arte y de los defectos de Miguel Pantalón, un ficticio y genial cantaor gracias al cual “El Brujo” eleva el flamenco a la categoría de pensamiento. El Centro Andaluz de Teatro ha participado en la producción de este espectáculo, con el que continúa su ciclo de homenajes a los maestros de la escena andaluza contemporánea, junto a Producciones El Brujo. De la distribución, por su parte, se encarga Gestión y Producción Bakty.

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compañías

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

humor

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

teatro de calle

“100% Tricicle”, de la compañía Clownic, repasa los mejores momentos del trío catalán Fue en el año 1985 cuando la agente francesa de Tricicle, después de que el trío de humor acabara una gira por el país vecino, les propuso una nueva serie de actuaciones por diversas ciudades francesas. Al no poder atenderla por tener pendiente el estreno de un nuevo espectáculo, Paco Mir, Joan Gràcia y Carles Sans decidieron montar una segunda compañía que atendiese ese tipo de compromisos. Así nació Clownic, formada a día de hoy por los actores Eduard Méndez, Antonio del Valle y Jaume Ortanobas, los tres especializados en el teatro gestual y procedentes de otros ámbitos teatrales como la danza o el teatro musical. Actualmente Clownic representa “100% Tricicle”, una antología de los mejores momentos de los siete espectáculos creados por Tricicle: “Manicomic”, “Exit”, “Slastic”, “Terrific”, “Entretres”, “Sit” y el más reciente, “Garrick”, que estará en cartel en el teatro Compac Gran Vía de

El Carnaval de Niza acogió el trepidante trote de los

“Caballos de Menorca”

“Caballos de Menorca”, el exitoso espectáculo de calle producido y distribuido por Tutatis, hizo un paréntesis en su gira nacional para desplazarse a la localidad francesa de Niza. Después del éxito obtenido en ferias como Mediterrània o Tàrrega, donde fueron catalogados como originales, atrevidos y dinámicos, estos grandes caballos articulados se trasladaron al país vecino para participar en uno de los Carnavales más importantes del mundo. Esta tradición procedente de la Edad Media acogió a miles de turistas y curiosos que pudieron ver este año a los caballos de Tutatis trotar entre serpentinas y bandas de música en los exuberantes y floreados desfiles que caracterizan a esta fiesta. Los organizadores de este evento no pudieron resistir el contar con la presencia durante cuatro días consecutivos de este espectáculo, que refleja fielmente la estética y los movimientos de los equinos. Ahora sus responsables mantienen abierta su contratación para que esta original producción pueda ser vista en todos los rincones de nuestro país

Madrid hasta el 14 de marzo. “100% Tricicle” constituye el mejor ejemplo de que el humor y la puesta en escena de Tricicle se basan en personajes y acciones cotidianas que son canalizadas hacia la comedia, huyendo de los temas de moda y haciendo que se conviertan en intemporales, y que permitan, por ello, que continúen vigentes años después de su exhibición y con intérpretes diferentes. Las próximas actuaciones de Clownic tendrán lugar del 17 al 21 de marzo en Lisboa; el 27 de marzo en Villena (Alicante); el 16 de abril en Ceutí (Murcia); al día siguiente en Fuente Vaqueros (Granada); y el 30 de abril en Calasparra (Murcia).

Proyecto MAC ofrece una amplia variedad de artistas de calle

“Reugenio” inicia su gira por todo el país “Saben aquel que diu...”. Así empezaba sus chistes Eugenio, uno de los grandes nombres del humor catalán, y así se llama la productora del hijo del propio Eugenio, Gerard Jofra, impulsora del espectáculo “Reugenio”, con el que se pretende recuperar la esencia del humorista y devolverla a los escenarios. El montaje comienza ahora su gira por toda España –para la que tiene fechas reservadas hasta el próximo mes de agosto–, tras triunfar en Barcelona y Madrid, ciudades a las que regresará durante el último trimestre del año. De su distribución se encarga la empresa Vania Produccions. Reugenio es más que un imitador, es prácticamente un clown. Con el mismo rictus serio, las gafas oscuras y el eterno cigarrillo, Reugenio nos devuelve algunos de los chistes más famosos de Eugenio, así como otros que quedaron guardados en los cajones y que ahora su hijo ha querido recuperar. Durante setenta minutos Reugenio consigue que revivamos en el escenario a uno de los artistas más queridos de nuestro país. Es un homenaje a quien, como a él, le gustaba decir que era un “intérprete de chistes”.

Fue en 2006 cuando nació el Proyecto MAC –siglas de Muestra de Artistas de Calle–, una iniciativa que distribuye la empresa palentina Señorp y que consiste en la oferta de una serie de artistas de calle para que el cliente realice, en función de su presupuesto, una contratación a la carta: desde un solo intérprete a todas las actuaciones de un festival. De los 41 espectáculos que integran su catálogo 2010, algunos se ofrecen en exclusiva y otros no. Lo que sí que cumplen todos son unas estrictas exigencias de calidad artística y originalidad. Proyecto MAC tiene cobertura para todo el territorio nacional y ya son varias las ciudades que han montado su propio festival gracias a esta idea. Es el caso de Palencia, que a finales de agosto celebrará la quinta edición de su festival de artes de calle, al que en su anterior cita asistieron 30.000 personas en sus cinco días de celebración. Y también realizan eventos de este tipo otras localidades como La Roda (Albacete), donde se celebra un festival desde hace tres ediciones; Guijuelo (Salamanca), también con tres ediciones de su evento callejero; o Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), que desde hace cuatro años acoge su propia serie de actuaciones de calle. Además, otra de las ventajas del Proyecto MAC es que proporciona al cliente todas las infraestructuras necesarias para las actuaciones: equipos de sonido, telones, moquetas para los niños, escenografías, montaje técnico, personas uniformadas de control...

“Dr. Ficante”, de Los Kikolas.

En definitiva, Proyecto MAC permite, en palabras de sus responsables, programar mucho a bajo coste, e incluso mostrar, gracias a las actuaciones de calle, rincones emblemáticos de cada localidad, lo que contribuye a resaltar su atractivo turístico. Además, al ofrecer propuestas artísticas de distintas disciplinas como acrobacia, malabarismo, música o clown, por mencionar solo algunas, y alejadas de las corrientes más contemporáneas, se hace ideal para un público de todas las edades.

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el apuntador

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

opinión

Tras finalizar sus estudios de Arte Dramático, Luis Crespo fundó en 1993 la compañía madrileña Teatro El Zurdo junto a Luis Bermejo. A lo largo de la historia de este proyecto teatral ha trabajado en diferentes áreas: como actor, director, productor... Es decir, que la manera más correcta de definir su labor en esta iniciativa escénica independiente es la de cogestor. Además de su trabajo en la compañía, Crespo colabora en la gestión de diferentes festivales de teatro y es el actual secretario de Artemad, la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Madrid. Espero compartir estas elucubraciones con todos

lo menos debería ser una reivindicación del sector.

suficiente y razonable. Más raros aun son estos

aquellos que respetan y aman el Teatro y que luchan

El Teatro es un servicio público que debe optimizar

casos. Estaremos atentos a ver en cuántos teatros

por que mejore como colectivo a todos los niveles.

sus recursos en cada temporada, haciendo números

retiran su cristal de la taquilla y reciben al publico

Quiero agradecer a La Red y al Gobierno Vasco su

pues es dinero publico, pero no generando imperio-

con una sonrisa cercana y con la idea de transmitir:

indudable compromiso al organizar Escenium, pues

samente beneficios, como tampoco me lo parece

¡Qué bien, has venido!

cualquier iniciativa que sirva para analizar y reflexio-

que los genere un hospital o una guardería, pues los

Si en un restaurante la comida está rica, los cama-

nar sobre cualquiera de las aristas de las Artes

intereses sociales, educativos y culturales que apor-

reros son amables y tienen un horario amplio de

Escénicas será renovador e interesante.

tan a la ciudadanía son muy difíciles de calcular.

cocina, poco a poco se hace con clientela, hasta que

Las ponencias fueron breves, algunas incluso apa-

Creo que uno de los compromisos de los gestores

reservar mesa sea necesario. También es verdad que

sionadas y por momentos un poco obvias, pero de

culturales debería ser poner a pleno rendimiento

los restaurantes tienen más aceptación social y

gran ayuda para ver carencias y errores en los meca-

toda la maquinaria de un servicio publico con pro-

mucho mas éxito que los teatros.

nismos de gestión, o para ver también éxitos consa-

puestas activas y programaciones especificas, estu-

No soy capaz de utilizar el termino “cliente” para

grados y contrastados.

dios de marketing y comunicación y, por supuesto,

definir a los asistentes a un teatro, como tampoco

La búsqueda de nuevos públicos en las Artes

afinar el equipo humano y técnico. Y un punto fun-

me parece acertado utilizar dicho termino para los

Escénicas es un debate interesante y pasa induda-

damental es el concejal/a de Cultura, cargo electo y

alumnos de una escuela o socios de una biblioteca,

blemente por la iniciativa de los gestores para ofrecer una programación especifica para una segmento concreto de la población. Simplemente hace

falta

iniciativa,

corazón y presupuesto.

y cuando asisto como

Escenium: Otro mundo es posible por Luis Crespo

Las dos primeras seguro. En

cada

comunidad

autónoma hay una cir-

espectador tengo la sensación de usuario y no de cliente. El número de producciones es bueno, muy bueno, todos sabemos que a cualquier festival o red se presentan muchas compañías, hay propuestas, hay ganas,

cunstancia concreta, y a su vez no hay dos ayunta-

que muchas veces define, diseña o destruye cual-

por lo tanto de entrada el estado de la Artes

mientos iguales, sin tener en cuenta que un peque-

quier iniciativa, ante lo que el gestor solo puede

Escénicas es muy bueno. Lógicamente luego viene

ño pueblo con una gran ciudad nada tiene que ver,

callar y obedecer. O no.

el efecto embudo que constriñe y envenena la distri-

por lo tanto para cada ciudad, pueblo, pedanía o

Se plantean los ejemplos de El Galliner o el teatro

bución.

parroquia es necesario un plan especifico de Artes

Chapi y uno se da cuenta que otro mundo sí es posi-

Hay demanda, existe un consumo real de teatro por-

Escénicas, tanto en la captación de nuevos públicos

ble solo poniendo encima de la mesa corazón y

que interesa y porque alimenta el alma. Creo que es

como en la programación, sin olvidar que la gestión

voluntad. ¿Pero son excepciones de una realidad ?

momento de realizar un esfuerzo por parte de todos

cultural depende en gran medida de la complicidad

¿Y que pasa con el resto de Teatros? Quiero mencio-

los implicados para mejorar el teatro como sector

del factor político.

nar la extraordinaria intervención de Joan Morros y

económico y alternativa de ocio, dejando a un lado

Lo que tengo claro es que el publico infantil debería

su teoría sobre los cristales de las taquillas de los

la desidia, y buscar estímulos para engrasar una

tener una mayor presencia, pues si se crece en el

teatros, creando separación y distancia con el publi-

compleja maquinaria que necesita más que nunca

habito de asistir al teatro estaremos haciendo mejo-

co asistente. Cada vez que uno llega a un teatro

pasión y compromiso. Animo a los gestores, ética

res personas y seguro que futuros públicos. Apunto

como compañía o como espectador, me da igual el

para los políticos y talento para las obras.

que si existiera una asignatura de Artes Escénicas en

caso, espera que desde la taquilla, técnicos, acomo-

En estos tiempos de tormenta las compañías son

las escuelas, como la hay de Música, crearíamos una

dadores... realicen con cierta devoción su trabajo,

como barcos a la mar, perdidos en la zozobra oceá-

sociedad con valores, con referentes y con hábitos

pues esto revierte en una función brillante e inolvi-

nica, y los teatros son al fin y al cabo los puertos

en el teatro. También me pregunto por qué se habla

dable para todos. Raros son estos casos. Hay un

donde descargar sus bellas mercancías, convirtién-

tanto de la escuela como centro de formación y

peculiar caso en que cierta compañía empezó a lle-

dose los gestores culturales en prácticos portuarios

como referente a la hora de educar y concienciar a

nar cada día el teatro, entonces los acomodadores

cuya responsabilidad está mas que clara. Dejo pen-

las futuras generaciones, y nunca haya nadie en

ante semejante desgracia decidieron boicotear la

diente para otro articulo a los grandes armadores, a

estos debates del ámbito de la Educación, que por

función, defendiendo que una media del 30% era

la pesca artesanal y a los tiburones.

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compañías

danza

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

La compañía OtraDanza da inicio a una trilogía con “Back” Con el estreno de “Back”, la compañía OtraDanza, liderada por la coreógrafa Asun Noales, comienza una trilogía que parte de una regresión al cuerpo, a la sencillez, a la limpieza y pureza del movimiento en el espacio a través de la luz. Este espectáculo, de cuya distribución se encarga Cámara Blanca, se podrá ver por primera vez los días 12 y 13 de marzo en el Centro Párraga de Murcia. Los cuerpos son la parte fundamental en esta obra, como en casi todos los trabajos de Asun Noales, donde lo físico y las imágenes poéticas se unen para fluir en el espacio escénico. Hipnótica, su danza no deja impasible a ningún espectador, conjuntamente con un ambiente limpio y elegante que te sumerge en un mundo innovador y casi futurista a través de una

iluminación que transforma el espacio constantemente, acotando o ampliando el territorio bailable. “Back” parte de un cuerpo troquelado, roto en pedazos, para dar paso a un movimiento diseccionado que alcanza su fluidez en los seis bailarines que interpretan esta obra. El espacio sonoro lo compone la chelista canadiense Zoe Keating, con quien Asun Noales estableció una relación artística en 2008, y que emprenden con esta su tercera colaboración artística. Del espacio lumínico se encarga Juanjo Llorens, que realiza un trabajo nada convencional y muy sugerente, mientras que el espacio escénico lo asume Luis Crespo, quien frente a la sencillez del montaje parte de una idea mucho más elaborada para la escenografía.

Antonio Canales y Amador Rojas, “Mano a mano” de dos figuras del flamenco

La compañía Roberto G. Alonso rescata

“Undeserved Loneliness”

Foto: Albert Masias.

Antonio Canales.

Dos excepcionales bailarines se unen en un mismo escenario en la nueva producción de Gran Burbuja Producciones. Antonio Canales aporta la experiencia de uno de los más grandes bailaores que ha dado nuestro país, mientras que Amador Rojas contrapone la juventud y la contemporaneidad de las nuevas generaciones. Ambos, en un “Mano a mano”, que así se llama este espectáculo, mostrarán a un público con deseos de nuevas versiones del flamenco lo que su energía puede dar de sí sobre el escenario. Para ello, estarán arropados por seis magníficos músicos y por una escenografía minimalista diseñada para no restarle ni un ápice de protagonismo al arte que ambos desplegarán.

Amador Rojas

La gira de presentación de este espectáculo comenzó el pasado 30 de enero en Orense. A lo largo de su desarrollo el montaje se podrá ver en lugares tan emblemáticos como el Palau de la Música de Barcelona, dentro del festival Decajón, el 13 de marzo; en el teatro Olimpia de Huesca el 10 de abril; o en los Teatros del Canal de Madrid el 19 de junio, entre otros. Por otro lado, Antonio Canales actuó junto a la pianista japonesa Mie Matsumura el 4 de marzo en el Festival de Jerez, donde ofrecieron el espectáculo “Serenata andaluza”. Sin duda se trató de una de las colaboraciones artísticas más esperadas de esta conocida cita flamenca.

En 2007, con motivo del estreno del video-danza “Undeserved loneliness”, de la realizadora Belen Herrera de la Osa, la compañía de danza Roberto G. Alonso presentó un work-in-progress dentro de la programación del III Ciclo de Teatro Físico, Danza y Performance del teatro Tantarantana de Barcelona. Tres años después, Roberto G. Alonso ha retomado este material coreográfico para darle forma y presentar “Undeserved Loneliness” en el festival La Alternativa, celebrado en la sala Triángulo de Madrid entre los días 18 y 21 de febrero. La compañía trabaja en base a dos líneas creativas diferentes pero ligadas entre sí. La principal es el trabajo del mensaje expresado en la coreografía, que busca la denuncia del fenómeno “bulling” o acoso escolar que sufrió el propio coreógrafo en la adolescencia. La segunda son las video-creaciones que ha realizado el director de cine José Marret, autor del multipremiado cortometraje “Todas”. Roberto G. Alonso añade el formato de vídeo como un elemento de marcado carácter narrativo a su combinación habitual de teatro, danza y dramaturgia. “Undeserved Loneliness” está interpretado por Lorena Callejas, Pau Gómez, Susana Rodríguez y el propio Roberto G. Alonso. Tras su estreno en la sala Triángulo el pasado mes de febrero, la compañía actuará en la sala Trono de Tarragona los días 20 y 30 de abril y el 1 de mayo.

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compañías

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

teatro multidisciplinar musicales

Albadulake estrena “Tres en caja – 3NKJA”, su nuevo espectáculo multidisciplinar

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

“Pasando revista” nos acerca al género de la revista musical española

La casualidad une a tres personajes en el escenario en el que más a gusto se desenvuelven: la ciudad. El parque, la calle, los bares, serán testigos del trepidante viaje iniciado por estos tres urbanitas que interpretan, además, el papel que mejor conocen: el de sus propias vidas. En “Tres en caja – 3NKJA” se dan cita el teatro, la música, la danza y las técnicas circenses para llegar al espectador y transmitirle todas las emociones generadas a través de su ritmo frenético. Las diversas disciplinas se reparten entre los artistas Antonio Vargas, encargado de las acrobacias y el equilibrio; Carlos Aragón, responsable de los números de hip-hop; e Ilia Miña, bailarina de ballet y de danza aérea. El estreno de esta obra se produjo el pasado 29 enero en la sala Trajano de Mérida (Badajoz) bajo la dirección de Ángeles Vázquez y Juan Antonio Moreno, y cuenta con la producción de la propia compañía, la Junta de Extremadura, y el Ministerio de Cultura. El 11 de abril “Tres en caja – 3NKJA” llegará al Gran Teatro de Cáceres y en principio está prevista con su participación en la Fira Tárrega, que se celebrará en septiembre de este año.

La imaginación protagoniza los tres espectáculos que ofrece la Compañía Kiku Mistu En 2007 Kiku Mistu sorprendió con una imaginativa propuesta de narrativa oral que transcurría el interior de una haima. Siempre inmerso en su universo particular, ahora ofrece “La fabulosa compañía de la luz”, un espectáculo que parte de la metáfora de la luz como símbolo de la imaginación, la sencillez, la ingenuidad y la utopía. En definitiva, de la capacidad de ser niños para elaborar historias de aventuras al más puro estilo de Julio Verne, a caballo entre el romanticismo y el futurismo. Se trata de un espectáculo participativo, cercano al happening, mágico y emocionante que fusiona la estética y la poética de las sombras chinas, los artefactos luminosos reciclados, la lectura de fábulas y la música en directo para reflexionar sobre el comportamiento de los humanos en la Tierra, donde se hace cada vez más evidente la pérdida de la luz. “La fabulosa compañía de la luz”, que inauguró la pasada edición de la Fira Tárrega, parte de la idea, el guión y la dirección de Kiku Mistu, quien también es uno de los intérpretes junto a Amai V. Reina y Roberto Kuzcer. Se podrá ver en La Sala de Sabadell (Barcelona) del 17 al 19 de marzo, en el Festival Transteatral de Praga (República Checa) el 9 de abril, y en Alpedrete (Madrid) el día 24 del mismo mes. Por otra parte, la compañía Kiku Mistu continúa con las representaciones de otros dos montajes. Por un lado está “Historias para hombres y mujeres buenos”, un espectáculo de pequeño formato basado en la antigua tradición de las narraciones escenificadas con la técnica de las

sombras chinas y con voz y música en directo, que se representa en una haima. Por otro lado está la “Bibliochil”, un espacio distendido para leer y escuchar música chill-out relajadamente, dirigido especialmente al público más joven. El primero se llevará a cabo del 23 al 28 de marzo en Las Palmas de Gran Canaria –donde también se podrá disfrutar de “Bibliochil”–, del 16 al 18 de abril en Redovan (Alicante), y los días 25 y 26 de junio en las localidades albaceteñas de Caudete e Higueruela respectivamente. De la contratación de los tres montajes se encarga Ana Sala.

La protagonista de “Pasando revista”, Esperanza París, fue primera vedette del teatro Parisién, una de las compañías más importantes que recorrían España ofreciendo su espectáculo de revista. Cuando la artista, ya retirada, recibe una llamada de la televisión que le comunica su interés por hacer un espectáculo, Esperanza contacta con sus antiguos compañeros para rescatar aquellos números de revista que les hicieron famosos hace tantos años. Rodetacón Teatro ha partido de este argumento para montar su nuevo espectáculo, estrenado el pasado mes de octubre, que está obteniendo un gran éxito. Diez actores interpretan los papeles de varios personajes que cantan y bailan los grandes éxitos de la revista española tradicional, dirigidos por Paco Carrillo sobre el texto escrito por Miguel Murillo. “Pasando revista” comenzó a girar en la Red de Teatros de Extremadura y en poco tiempo se ha convertido en uno de los espectáculos más solicitados. Sus más de 25 representaciones recuerdan que la revista sigue viva y que en ella se encuentran unos personajes que no pierden la ilusión ni la esperanza de alcanzar sus sueños.

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circo

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

“Slava’s Snowshow” regresa a España del 4 de marzo al 25 de abril Slava Polunin continúa recogiendo aplausos por todo el mundo con su espectáculo “Slava’s snowshow”, que ya se ha estrenado en 30 países y ante tres millones de espectadores a lo largo de los 15 años que lleva de gira. Antiguo miembro del Cirque du Soleil, Slava Polunin ha sabido perfeccionar la técnica del clown hasta ser considerado uno de los mejores del mundo. El artista ruso nos presenta en “Slava’s snowshow” un paisaje inhóspito y cubierto por la nieve, en el que unos entrañables seres dan lugar a todo tipo de situaciones llenas de ternura, humor y belleza visual. El espectáculo de este clown de origen ruso llegó a España el año pasado y entre los meses de octubre y noviembre, llenó los teatros de las cuatro ciudades que visitó entonces: Madrid, Girona, Vigo y Valladolid. En esta ocasión la gira llevará el espectáculo al teatro Principal de Zaragoza del 4 al 7 de marzo, al teatro Coliseum de Barcelona del 10 al 31 de marzo, al Auditorio de Tenerife del 7 al 11 de abril, al teatro Lope de Vega de Sevilla del 14 al 18 de abril y, por último, visitará La Coruña y su teatro Rosalía de Castro del 21 al 25 de abril, donde acabará su periplo español.

“La carta” cuenta, sin palabras, una misma historia desde quince perspectivas diferentes El clown italo-danés Paolo Nani llega a España con un clásico de la comedia teatral, y más concretamente, del clown. “La carta” es un ejercicio de estilo en el que, mediante el clown, sin texto, Paolo Nani interpreta una misma historia desde quince puntos de vista diferentes. El clown actúa rebobinando, en estado de sorpresa, sin manos, con terror, al estilo circense, con magia, borracho o como una película muda, consiguiendo en todas las situaciones la carcajada del espectador. El espectáculo fue creado en 1992 y desde entonces se ha representado en toda Europa y en parte de Latinoamérica, y ha participado en cuatro ediciones del Köln Comedy Festival, y en 2 ediciones del London International Mime Festival. “La carta” están actualmente recomendada por la Red Nacional en su selectiva sección “La Red Recomienda” dentro de Redescena. El espectáculo, que ha recibido el Premio United Slapstick que otorga The European Comedy Award de Frankfurt, y el Premio Ronph Sunphin de Italia, mantiene abierta su contratación para la gira que realizará en nuestro país en otoño de 2010. De su distribución se encarga la empresa Pro Versus.

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el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

compañías

circo

Un retrato de Vietnam a través del circo en

“Lang Toi “

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

“Nebbia”, la última parte de la “Trilogía del cielo” del Cirque Eloize

“Circus Klezmer”, la recreación de una boda en el Este de Europa En un pueblo del Este de Europa que no queda ni cerca ni lejos, en una época que no es ni la de ahora, ni la de antes, ni la de después, se está cocinando un gran banquete. La gente del pueblo está muy entusiasmada y va de un lado a otro haciendo malabares, acrobacias y mil peripecias... porque se acerca un día muy especial. En el mercado, los músicos están afinando sus instrumentos y la música klezmer, típica de los judios de la parte más oriental de Europa, se empieza a escuchar por todos los rincones. El loco del pueblo, entre tropezones y descuidos, va dejando caer del cielo las invitaciones. ¿Para qué? ¡Pues para la boda! Pero como en todas las historias, siempre surgen inconvenientes. La idea del “Circus Klezmer” surge de la unión de las pinturas de Marc Chagall y de la música klezmer. La obra de Chagall contiene máscaras y colores de una fuerte intensidad que tienen la capacidad de transportarnos hacia una realidades deformadas. La música klezmer, por su parte, típica de bodas y celebraciones, es alegre pero a la vez melancólica. En este espectáculo está interpretada en directo por tres músicos: una acordeonista, una violinista, y un clarinetista. El humor característico de la cultura yiddish ha inspirado además gran parte del espectáculo. Y la escenografía, basada en el uso teatral de objetos cotidianos –sillas, botellas, mesas o platos– nos traslada a ese pueblo remoto. En definitiva, esta producción de Ateneu Nou Barris, distribuida por Aire Aire, supone un espectáculo muy rico y repleto de pasiones humanas como el amor, el odio, la alegría o la melancolía. Susd próximas representaciones tendrán lugar el 8 de abril en el Teatro Palacio de la Audiencia de Soria, y dos días más tarde en el centro cultural Egia de San Sebastián.

Los hermanos Nhat Ly Nguyen y Lan Maurice Nguyen, procedentes de una saga familiar de origen vietnamita, emigraron a Francia a mediados de los ochenta y allí fundaron el Nuevo Circo de Vietnam. En su periplo francés coincidieron con el malabarista Le Tuan Anh, originario de Ho Chi Minh. Junto a él han creado el espectáculo “Lang Toi” (“Mi pueblo”), una recreación de la vida rural vietnamita de aparente fragilidad pero firme y resistente, como el bambú, que se convierte en el elemento aglutinante del espectáculo. Le Tuan Anh, director de la obra, relata que “en el pasado, todo estaba conectado con el bambú, de la vida a la muerte, de la fabricación de platos para comer hasta las camas o las armas. He querido aprovechar ese simbolismo”. El Teatro Circo Price de Madrid estrenó el 3 de marzo este espectáculo que supera las convenciones del circo tradicional y se inscribe en la corriente del circo contemporáneo. En él se integran diversas disciplinas, desde el teatro y la acrobacia hasta la música y las artes marciales, todo ello contado a través de un hilo argumental que en su recorrido forma un bello retrato de Vietnam. En el recinto madrileño se podrá disfrutar de este espectáculo hasta el 21 de marzo.

© Productions Nebbia 2007 - Valérie Remise

“Nebbia” constituye la tercera parte de la “Trilogía del cielo”, dirigida por Daniele Finzi Pasca, y en ella se explora el mundo de los sueños y la imaginación. “Nebbia” significa “niebla” y así como la niebla hace surgir un sentimiento de indefensión y desorientación, también puede esconder sorpresas inesperadas. Este espectáculo cuenta con una importante carga poética y sensual expresadas por medio de la acrobacia y el teatro. La “Trilogía del cielo” es un proyecto en el que se han fundido el trabajo del Cirque Eloize de Quebec (Canadá) y del director Daniele Finzi Pasca desde el estreno de “Nomade”, el primero de los tres montajes, en 2002. Tras cinco años de representaciones por los principales teatros del mundo y numerosos premios, se estrenó “Rain” en 2007, segunda entrega de la trilogía. Nominada a varios premios, “Rain” estuvo de gira por nuestro país durante 2009, donde cosechó un gran éxito. El mismo equipo de creación se volvió a reunir para presentar “Nebbia”, que ahora llega a nuestro país en su gira mundial. Su director concluye el proceso de la “Trilogía del cielo” con estas palabras: “En la niebla, la realidad cambia de forma y las nubes bajas nos llevan hacia la altura. Si en “Nomade” mirábamos hacia la altura para descubrir que en la noche el cielo más grande, y si en “Rain” una lluvia de libertad caía sobre nosotros, en “Nebbia” el cielo descenderá como un manto para cubrir nuestros hombros y proteger nuestros sueños. El teatro Compac Gran Vía de Madrid acogerá las representaciones de “Nebbia” durante seis semanas, en concreto del 25 de marzo al 2 de mayo.

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38 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

compañías

infantil

Teatre Nu ofreció en FETEN la versión en castellano de

“Avi Ramón” La compañía de títeres catalana Teatre Nu escogió su montaje “Avi Ramón” en su versión en castellano para presentarlo en la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas, FETEN, que se celebró en Gijón entre los días 21 y 26 de febrero. Su argumento se centra en la enfermedad de Alzheimer que afecta al abuelo Ramón y en la visión que su nieta Nora tiene de la enfermedad. Poco a poco, la pequeña comprenderá que la vida es una sucesión de cambios y aprenderá a ayudar a su abuelo ante la enfermedad que padece. Víctor Borrás es el encargado de dirigir esta obra de carácter optimista que transmite un mensaje de esperanza. La compañía Teatre Nu, en coproducción con Teatre de l’Aurora, presentó este montaje en su versión catalana en abril del año pasado en la Mostra de Teatro Infantil y Juvenil de Igualada (Barcelona), y el pasado noviembre estrenó el montaje en castellano en el Caixaforum de Madrid. “Avi Ramón” comenzará el 13 de marzo una gira por las provincias catalanas cuya primera función se llevará a cabo en el teatro-auditorio de Salou (Tarragona), al día siguiente estará en el Espai XXS de Lloret de Mar (Barcelona), y el día 16 en Sant Feliú de Guixols (Girona). El 20 de marzo la función recalará en Alella (Barcelona), al día siguiente en Catllar (Tarragona), el día 27 en Les Franqueses del Vallès (Barcelona) y el día 28 en El Prat de Llobregat y en La Garriga, ambas en Barcelona. La gira continuará durante los meses de abril y mayo.

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Títeres Sol y Tierra presenta

“El niño y el bosque”, un cuento con tintes ecologistas

La compañía de teatro infantil Títeres Sol y Tierra presenta su más reciente espectáculo de marionetas titulado “El niño y el bosque”, la historia de un niño de ciudad que en su primera excursión al campo vivirá una gran aventura. Este cuento de tintes ecologistas pretende transmitir a los más pequeños la importancia de proteger el medio ambiente, habitado por multitud de seres a los que debemos proteger. La compañía estrenará esta obra en el auditorio de Roquetas de Mar (Almería) el día 17 de marzo. Las siguientes funciones tendrán lugar en el Centro Cultural Nicolás Salmerón de Madrid el 27 de marzo y en el teatro León Felipe de Sequeros (Salamanca) el 17 de abril. Paralelamente, Títeres Sol y Tierra ultima las representaciones de otras dos obras infantiles. “Sueños de piedra” girará por once localidades de la Comunidad de Madrid dentro de la programación de la Red de Teatros de la región, y “La princesa y el dragón” se estrenará en el teatro Filarmónica de Oviedo los días 5 y 6 de mayo, y en el López de Ayala de Badajoz los días 17 y 18 de mayo.

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“Andersen”, un musical

“El gorrión y el poeta” constituye el

basado en los cuentos del famoso escritor danés La Intemerata Teatro adapta “La cabeza del dragón”, un cuento de Valle-Inclán Bajo la apariencia de un texto infantil con personajes de cuento, Valle-Inclán escribió “La cabeza del dragón” como una solapada crítica a la sociedad de su época, que gracias al genio del autor, es posible aplicarla a la sociedad actual. El príncipe Verdemar libera a un duende que había sido encarcelado por su padre, el Gran Rey Mangucián. Debido a este acto de rebeldía, Verdemar debe huir del reino y llega así al país gobernado por el rey Micomicón, cuya hija, la princesa Blancaflor, ha sido ofrecida como sacrificio a un dragón. Verdemar tratará de liberar a la princesa pero algunos pícaros capaces de cualquier cosa le pondrán la tarea muy difícil. El pasado 24 de enero la compañía La Intemerata Teatro presentó su versión de este texto en el Centro Cultural El Pozo del Tío Raimundo, en el distrito madrileño de Vallecas, mientras que el día 30 del mismo mes procedió a su estreno en el Auditorio de Boadilla del Monte (Madrid). Los valores que transmite “La cabeza del dragón”, como la libertad, las injusticias sociales o el amor que todo lo puede, son conceptos bastante adultos que los pequeños pueden empezar a aprender. A partir de un entorno mágico y lleno de color, Rakel Camacho dirige este montaje cuya música ha compuesto Julio Pacheco. El pasado 6 de febrero se estrenó en el teatro Häagen-Dasz Calderón de Madrid un nuevo musical de corte familiar basado en los cuentos del escritor danés Hans Christian Andersen, y que precisamente lleva el título “Andersen”. La trama cuenta cómo, ante el abandono de la lectura por parte de los niños, el escritor aparca su labor ya que la considera inútil. Por su parte la sirena Pelo, que sólo ha conocido el amor a través de los cuentos que ha escuchado, hará un pacto con la Reina de las Nieves. Ésta la convertirá en humana para que experimente el amor a condición de que bese a un príncipe hechizado que se ríe de Pelo porque no sabe leer. Los intereses de cada personaje desembocarán en un final sorprendente en el que cada uno aprenderá algo que cambiará su vida. Jesús Sanz-Sebastián ha escrito, dirige y protagoniza este espectáculo familiar en el que comparte escenario con Sara Grávalos, Alejandra Hernández, David Velardo, Samuel Gómez e Iván Hernán. Un cuerpo de baile formado por ocho bailarines se encarga de los números musicales que se alternan a lo largo de esta obra, cuyo objetivo es fomentar la imaginación y la lectura en los más pequeños. “Andersen” es una producción de Candileja Producciones que cuenta con la distribución de Rustic Show - Summummusic, y que estará en el teatro madrileño hasta el 28 de marzo.

homenaje de La Carreta Teatro a Miguel Hernández

A partir del cuento inconcluso “El gorrión y el prisionero” del poeta Miguel Hernández, la compañía La Carreta Teatro ha querido desarrollar el montaje “El gorrión y el poeta” para acercar la figura del autor a los niños. El actor Roberto Martínez se mete en la piel de Miguel Hernández y recita una selección de poemas intercalados con situaciones de la vida del poeta que retratan el momento que le tocó vivir y que tanto explica de su obra. Simultáneamente, el artista plástico Wenceslao Pérez como el Pintor de Sueños, recrea las imágenes que sugiere la obra de Miguel Hernández mediante la pintura, el dibujo o la animación. La compañía La Carreta Teatro, que cumple ahora 25 años desde su creación, cuenta en esta ocasión con la adaptación y dirección que han realizado para este montaje Francisco Guirado y Juan León. En este año en el que se cumple el centenario del nacimiento del poeta de Orihuela, la organización del Centenario Miguel Hernández–Elche 2010 ha programado varias funciones que comenzaron precisamente en Elche en el mes de febrero. Durante los días 16, 17 y 18 de marzo, y los días 20, 21, 22 y 23 de abril “El gorrión y el poeta” podrá verse en Elche, y a partir de mayo en Orihuela, ambas localidades de la provincia de Alicante.

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Fadunito sorprendió al

“Desideratum”

público del Carnaval de Primavera de Pekín

continúa de gira por la Comunidad de Madrid Mago y Gordito juegan sobre el escenario y se divierten, pero la aparición de Enamorado, que también quiere jugar con ellos, siembra la discordia. Este es el punto de partida de “Desideratum”, una obra de Entre Bastidores dirigida principalmente a niños de entre 4 y 10 años, y que habla del amor en el mundo de los más pequeños. Durante la hora que dura aproximadamente en este espectáculo se suceden números de malabares, aparición y desaparición de objetos de forma mágica, títeres y, por supuesto, las intervenciones de los tres payasos protagonistas. Todo ello está enlazado con una cuidada música y un ritmo trepidante propio del circo moderno. Durante el mes de marzo esta divertida obra se podrá ver en el teatro Victoria de Madrid los días 7, 14, 21 y 28, y en la localidad también madrileña de Collado Villalba el día 27. Ya en abril, los pequeños espectadores podrán disfrutar de este montaje en los centros culturales Puerta de Toledo y La Casa del Reloj, ambos en Madrid, los días 10 y 17 respectivamente, y en la localidad de Coslada, cercana a la capital, el día 24.

La compañía de teatro de calle Fadunito ha tenido el placer de actuar, durante la tercera semana de febrero, en la VIII edición del Carnaval de Primavera de Pekín, una de las numerosas actividades que en la capital china se organizaron con motivo del Año Nuevo que para los ciudadanos de este país comenzó el 14 de febrero bajo el signo del tigre. Ferrán Orobitg e Iván Alcoba interpretaron, en el parque Chaoyang, y subidos a unos zancos, a dos traviesos niños, Antonio y Pancracio respectivamente, que no paran de hacer trastadas subidos a sus triciclos y sin hacer caso de las llamadas de atención de su madre, encarnada por Lidia Zapatero, vestida con un traje decimonónico mientras empuja un carricoche. El público pequinés no dejó de reírse, aplaudir o de hacerse fotos con los protagonistas de este espectáculo, cuyos responsables se sorprendieron con su reacción ya que imaginaban que los habitantes del gigante asiático iban a ser más fríos. Lo que sí notaron fueron ciertos conflictos culturales por ejemplo con los besos, ya que los chinos no están acostumbrados a mostrar estas manifestaciones cariñosas en público, y se sorprendían al ver a los “angelicales” marineritos de este montaje lanzando ósculos al aire. Además, ambos infantes quitaban a los espectadores sus gorros o los pinchos de cordero que acababan de comprar, les lanzaban agua de su boca tras simular que bebían de una botella, o les intentaban pillar con sus triciclos, lo que provocaba las carcajadas de la concurrencia.

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la última

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reflexión

Hemos hablado en otras ocasiones de la imperiosa necesidad de avanzar en la profesionalización del sector escénico y cultural en España. En ese sentido, hoy nuestro colaborador, Robert Muro, aborda un primer artículo sobre los rasgos que a su modo de ver han de caracterizar a los gestores culturales. La gestión cultural como actividad profesional es relativamente reciente y sus perfiles resultan a día de hoy todavía difusos, o excesivamente diversos como para lograr que su trabajo obtenga la máxima rentabilidad. Entre los obstáculos para ir avanzando en la clarificación del perfil profesional de los gestores culturales hay que citar, en el orden interno, a los propios profesionales, con muy diversos grados de formación específica y diferentes modos de acceso a la profesión; y en el externo, a los responsables políticos –y en consecuencia, educativos–, poco inclinados a definir con precisión las tareas de gestión cultural por las ventajas que conlleva que ese trabajo sea un auténtico cajón de sastre. Bajo la denominación de gestores culturales se incluyen realidades profesionales muy distintas. Desde quienes realizan su tarea en organizaciones o empresas privadas, con o sin ánimo de lucro, a aquellos que trabajan al servicio de instituciones públicas. A una parte de

mejor” a los ciudadanos, pobres desconocedores de la gastronomía cultural. En definitiva un perfil a olvidar, vertical, de poder. Sin embargo lo verdaderamente grave es que el término, además, expresa por vía negativa, por ausencia, la desatención a otras facetas extraordinariamente importantes asociadas por activa o por pasiva a su perfil. Porque en realidad el gestor cultural es responsable de atender las necesidades que en materia de cultura tienen los ciudadanos, ha de organizar y dirigir los equipos humanos y técnicos encargados de ello, la comunicación en todas sus facetas, y sobre todo, la relación misma con sus clientes, con quienes pagan sus servicios: los ciudadanos consumidores de cultura. Un papel, también y en no pocas ocasiones, de impulsor del trabajo artístico, de las nuevas creatividades, para que éstas eclosionen. Un papel de mediador, de intermediario entre los creadores y los participantes en el acto cultural.

públicos, de establecer una comunicación estable y viva con ellos, más que un exhaustivo conocimiento de lo que el mercado cultural ofrece? Si nos planteáramos definir los principales rasgos que a futuro habrían de pesar más en los nuevos gestores culturales, yo señalaría los siguientes: Capacidad de analizar la realidad social y cultural del entorno en que su acción se inscribe, y capacidad para establecer estrategias que den respuesta a las necesidades que la sociedad plantea en materia cultural. Capacidad de organizar canales de comunicación y de participación de individuos y colectivos que deseen intervenir en la cultura local. Y más allá, capacidad de promover que los ciudadanos se auto-organicen para protagonizar la cultura, en la línea de hacer que la acción cultural contribuya a robustecer el tejido cívico y generar cohesión social.

De perfiles: programadores, gestores culturales, gestores de públicos

Por lo tanto ha de ser capaz de construir público, estructurar la demanda, y satisfacerla, para lo que es imprescindible conocer exhaustivamente, casi individualizadamente, los clientes culturales, sus críticas, sus aspiraciones, sus deseos.

estos últimos se dedican las reflexiones de hoy, los llamados programadores de espacios culturales públicos, dada la importante responsabilidad que asumen. En la actualidad, y a pesar del esfuerzo llevado a cabo por las asociaciones profesionales, todavía sigue usándose el término de programador para referirnos a quienes tienen a su cargo una responsabilidad cultural en teatros y centros culturales públicos. Una denominación verdaderamente desafortunada por razones profundas y que refleja el pasado como pocas. Por un lado, porque refuerza exclusivamente su tarea de seleccionador de contenidos. Por otro, porque para el conjunto del sector –no lo olvidemos, formado en su inmensa mayoría por empresas y compañías privadas– aparecen como compradores de espectáculos frente al universo de los creadores, dado que disponen de los fondos para elegir de entre los espectáculos ofertados a aquellos que les gustan. Por último, subraya su papel como todopoderoso factotum responsable de ofrecer “lo

La relación de los ciudadanos con la cultura está variando aceleradamente en las últimas décadas y empuja hacia la democratización de la relación entre los espacios y sus públicos, entre quienes asumen responsabilidades culturales y la sociedad. La aparición de tecnologías que facilitan una relación individual con la cultura, y el mayor peso de la demanda, de la voz de los usuarios, por poner dos ejemplos, señalan la necesidad de reforzar el perfil necesario para que la gestión cultural se acomode a ese nuevo escenario. Resulta particularmente curioso en este análisis que pretende contribuir a fijar los nuevos perfiles de la gestión cultural, que rasgos dominantes hace treinta años resulten más operativos que los actuales para la nueva realidad en la que se desenvuelven los gestores. ¿No se acerca más al mediador o al gestor de públicos tan necesario hoy, la figura del animador socio-cultural de los años setenta y ochenta del pasado siglo? ¿No es preciso un perfil más capaz de conocer y dinamizar a sus

Estos rasgos privilegiados, expresados sumariamente, sería preciso completarlos con conocimientos de marketing y comunicación cultural, técnicas presupuestarias, así como de formación en liderazgo y en gestión y dirección de equipos de trabajo, entre otras habilidades. La tarea de renovar los perfiles de la gestión cultural en España es ardua y sin duda van a precisarse esfuerzos de todo tipo. Desde las organizaciones profesionales de gestores, al apoyo de las instituciones públicas, que deben entender y aceptar el perfil profesional y no político de la gestión cultural; desde el propio esfuerzo de cada uno de los gestores, a la confianza del conjunto del sector cultural privado en que esos cambios son no solo necesarios, sino posibles. Menos programadores, más mediadores culturales.

Robert Muro [email protected]