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Guía didáctica Conciertos de música
Tiempo de cambios. En torno a la Constitución de Cádiz 1812 – 2012
Introducción Esta guía didáctica forma parte del proyecto que la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y el Consorcio para la Conmemoración del Bicentenario de la Constitución de 1812 han organizado en Cádiz con motivo de los bicentenarios de la Guerra de la Independencia, las Cortes de Cádiz y las Independencias de las Repúblicas Iberoamericanas. El proyecto consta de dos actividades:
La guía se estructura en dos partes:
1ª – Ciclo de conciertos conmemorativos de los bicentenarios, que se celebran este año en Cádiz.
1ª – Contexto histórico y cultural Permite al alumnado conocer el contexto histórico y cultural del período en el que se compusieron algunas de las obras que se interpretarán en los conciertos, así como las características estéticas y estilísticas de la música de la época (Clasicismo y Romanticismo).
2ª – Conciertos didácticos para estudiantes de Enseñanza Secundaria Obligatoria en algunos colegios e institutos de Cádiz. Estos conciertos se completan con la presente guía, que se distribuirá entre los alumnos que asistan, y que ha sido elaborada por profesores asesorados por los músicos intérpretes de los conciertos.
El apartado Los compositores reúne las biografías de los autores más relevantes de aquel momento, así como de los que están incluidos en los conciertos conmemorativos. Conciertos e instrumentos Se explican algunos de los aspectos musicales que se abordarán en cada concierto, para una mayor comprensión del lenguaje musical e interpretativo. Además, se abordan los instrumentos que intervienen en los conciertos, agrupados en familias. 2ª – Actividades Finalmente se incluyen ejercicios y fichas de evaluación con el objetivo de comprobar el grado de asimilación de los conceptos desarrollados en cada actividad.
Indice
Contexto histórico y cultural 10 Historia 12 El arte en Europa Los compositores 18 Haydn 20 Mozart 22 Beethoven 24 Schubert 28 Mendelssohn 32 Brahms 34 Arriaga Conciertos e instrumentos 38 Concierto nº 1: Quinteto de viento madera 42 Concierto nº 2: La cuerda 44 Concierto nº 3: El viento metal y la percusión
Actividades Compositores 53 Sobre Haydn 54 Sobre Mozart 56 Sobre Beethoven 59 Sobre Schubert 61 Sobre Mendelssohn 62 Sobre Brahms 63 Sobre Arriaga Conciertos e instrumentos 66 Funciones de los instrumentos 68 El minueto 70 El principio físico–armónico
Contexto histórico y cultural
Contexto histórico y cultural La historia 1808-1812 Entre los años 1808 y 1812 en España y sus territorios tuvo lugar una serie de relevantes hechos históricos, de los que actualmente conmemoramos el bicentenario. El primero de ellos fue la Guerra de la Independencia, en la que el pueblo español se levantó contra la ocupación francesa. El segundo consistió en la celebración de las Cortes de Cádiz y la elaboración de la primera Constitución española, donde se reconocen los derechos y libertades individuales. El tercero, la independencia de los territorios españoles en América, se puede considerar el acontecimiento más importante del siglo, ya que con esta pérdida España pasó a ser una potencia de segundo orden después de haber constituido un imperio de carácter mundial.
Muerte de Daoíz y defensa del parque de Monteleón, Manuel Castellano
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La Guerra de la Independencia Se trata de un conflicto armado que tuvo lugar ante la invasión de España por parte de Francia, al frente de cuyo ejército se encontraba su emperador, Napoleón Bonaparte. La contienda se desarrolló en un contexto de grandes cambios sociales y políticos, y en ella fue esencial la participación del pueblo, que se sublevó contra la ocupación de un ejército extranjero, a la vez que manifestaba su descontento con el entonces rey Carlos IV. Sus consecuencias fueron muy graves, ya que se produjo un importante descenso demográfico y una crisis económica global. Durante esta guerra se puso por primera vez en marcha el sistema de las “guerrillas”. A falta de un gran ejército nacional con que combatir al enemigo, el pueblo se organizaba en pequeños grupos locales que hostigaban al ejército francés en zonas como bosques o montes, disolviéndose inmediatamente una vez cumplido su objetivo. En las diversas regiones españolas surgieron las Juntas, órganos de gobierno formados por intelectuales y políticos encargados de la organización del país durante la guerra. Por su situación geográfica, Andalucía se convirtió en el principal foco de resistencia nacional tras la capitulación de Madrid. Después de Sevilla, Cádiz acogerá la Junta Suprema Central.
La Constitución de Cádiz La ciudad de Cádiz adoptará un papel crucial en el proceso histórico que nos ocupa. En ella se refugiaron los representantes de la nación española, quienes convocaron unas Cortes encargadas de promulgar un cuerpo legislativo que pusiera fin al Antiguo Régimen, y sobre el que fundar un nuevo orden social.
La independencia de los territorios americanos La independencia de las colonias españolas en América se desarrolló a través de diversas guerras, al término de las cuales un gran número de territorios que pertenecían a España se emanciparon de ella, dando lugar a repúblicas independientes. En su origen está el deseo de tomar el poder que manifestaban las minorías cultas criollas, formadas por americanos descendientes de españoles que se vieron influidos por las nuevas ideas liberales que recorrían el mundo. También hay que tener en cuenta la crisis política y económica que afectaba a España, que mermó su capacidad de reacción.
La promulgación de la Constitución de 1812, Salvador Viniegra
Los trabajos de esta asamblea culminaron con la proclamación de la primera Constitución española, en 1812. Esta Carta Magna, avanzada para su época, se basa en el principio de igualdad de los ciudadanos ante la ley y reconoce los derechos individuales (por ejemplo, el derecho a la educación, a la libertad o a la propiedad). Además, instaura la separación de poderes y la soberanía nacional, mediante la cual los ciudadanos ejercen el poder a través de sus representantes, acotándose así las atribuciones de la monarquía.
Las guerras de independencia hispanoamericana tuvieron un doble carácter: por un lado, internacional (ya que enfrentaban a España con otras naciones), y por otro, civil, pues dentro de las naciones americanas lucharon los independentistas contra los partidarios de la monarquía española. En 1808 tuvo lugar en México el primer levantamiento, a partir del cual se sucedieron otras revueltas en la mayoría de las colonias americanas, que establecieron Juntas de autogobierno. En todo el proceso tuvieron un papel destacado los “libertadores” o “padres de la patria”, líderes políticomilitares, entre los que destacan el venezolano Simón Bolívar o el argentino José de San Martín.
Retrato de Simón Bolívar, Martín Tovar y Tovar
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Contexto histórico y cultural El arte en Europa Clasicismo
Atalanta e Hipomene, Guido Reni.
El estilo
Desde mediados del siglo xviii y hasta principios del xix florece en buena parte de Europa el estilo artístico denominado Neoclasicismo, en cuyo desarrollo y difusión Francia jugó un papel fundamental. Se basa en la recuperación del equilibrio clásico, que se consideraba perdido con la artificiosidad del Barroco y el Rococó. Las antiguas Grecia y Roma vuelven a considerarse fuentes de inspiración para la arquitectura, la pintura y la escultura, como ya había ocurrido en el Renacimiento. Así se explica la utilización del término “neoclasicismo”: si “neo” significa nuevo, “neoclásico” alude a una nueva vuelta al Clasicismo. En música se conoce esta época como Clasicismo.
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En el espacio de tiempo de un siglo escaso, una serie de artistas (entre los que destacan Beethoven en la música y Goya en la pintura) desarrolla tanto el estilo clásico y neoclásico como el romántico. Estos dos genios se consideran fundamentales en la evolución artística de su época.
El papel del artista Durante este período asistimos a los efectos culturales de la Revolución Francesa de 1789. Las consecuencias de este acontecimiento, con el que se considera abolido el Antiguo Régimen, basado en los privilegios de los estamentos sociales superiores, se dejan sentir en el papel que a partir de ahora jugarán los artistas. A través de una lenta evolución, éstos pasarán del sometimiento a los poderosos (nobleza y clero) a la independencia, que será definitiva en el Romanticismo. Este proceso está encarnado en las figuras de dos de los compositores más importantes de la época, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart. El primero dependió fundamentalmente del patrocinio de diversos nobles, si bien gozó de cierta libertad de creación al final de su vida gracias a los contratos que consiguió en Londres por parte de empresarios de conciertos públicos. Mozart luchó por liberarse del poder que sobre él ejercían sus patronos y se instaló en Viena como compositor independiente, viviendo de los ingresos que le proporcionaban las clases que impartía, su actividad como intérprete, así como diversos encargos. Joseph Haydn
Romanticismo
Oponiéndose al imperio de la razón propugnado por la corriente neoclásica, el movimiento romántico prima la expresión de los propios sentimientos (por eso es común asociar el término “romántico” con una actitud hacia el amor). Los conceptos clásicos de serenidad y equilibrio se sustituyen por un nuevo ideal de belleza definida por la categoría estética de lo “sublime”, término que se asocia a lo sobrecogedor, oscuro y grandioso y que fue desarrollado por los filósofos ingleses y alemanes del momento (entre ellos, Emmanuel Kant). Emmanuel Kant
El caminante sobre el mar de nubes, Caspar David Friedrich.
El estilo
Frente a las antiguas Grecia y Roma, los románticos vuelven sus ojos hacia nuevas fuentes de inspiración. Entre ellas sobresalen las culturas exóticas y la Edad Media, apareciendo en arquitectura los estilos neorrománico, neogótico, neobizantino y el neoárabe (concretamente en España, el neomudéjar).
Más que un estilo con características definidas, el Romanticismo es un movimiento cultural que se desarrolló a lo largo del siglo xix, afectando por igual a las artes plásticas, la literatura y la música. Uno de sus rasgos fundamentales es la búsqueda de la libertad como valor supremo, tanto en lo personal como en lo colectivo (de esta manera surgieron los sentimientos de identidad nacional y las reivindicaciones de independencia de distintos pueblos).
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Contexto histórico y cultural El arte en Europa El papel del artista La búsqueda de la libertad se refleja en la nueva actitud que adoptan los artistas románticos. Desde el punto de vista de la creación, rechazan la rigidez de normas que imponen las instituciones artísticas o Academias. Además, se independizan definitivamente de la nobleza y el clero, sus clientes tradicionales. La sociedad está dominada ahora por una nueva clase, la burguesía, que modifica los modos de vida: así, los pintores exhiben y venden sus obras en salas de exposiciones y los músicos reciben encargos, dan clases y conciertos y aumentan sus ingresos con la publicación creciente de sus obras.
La música en el Clasicismo Mientras la arquitectura, la escultura o la literatura poseen como fuentes directas de inspiración las obras artísticas de la Grecia y Roma antiguas, no existen este tipo de testimonios para la música. Por ello, se utiliza el término “clasicismo” y no “neoclasicismo” para denominar el estilo compositivo de este período.
Uno de los ejemplos más representativos de este nuevo tipo de artista fue Ludwig van Beethoven. Alejado de la consideración tradicional del músico como simple artesano encargado de suministrar música para un acontecimiento concreto, este compositor (como muchos artistas románticos) valora sus obras como obras de arte surgidas de su propia individualidad. Los artistas románticos son vistos como genios independientes cuyas obras deben perdurar en el tiempo y transmitir un mensaje a la humanidad.
Melodía
Ludwig van Beethoven
Aún así, influidos por el arte y las ideas dominantes, los compositores de la época renuevan el gusto musical en contraposición al Barroco, que consideran difícil y excesivamente complejo. Se busca la naturalidad y el equilibrio, en un estilo que se caracteriza por: Alejamiento del estilo polifónico del Barroco, con el que desaparece el acompañamiento de bajo continuo y tendencia a la recuperación de texturas melódicas, como la melodía acompañada.
Estructuras regulares
En contraste con las frases del estilo barroco, largas y de difícil división, el fraseo clásico busca la sencillez y la simetría para que sea captado de forma clara por el oyente.
Forma sonata
El origen del término “sonata”, que se refiere a la música para ser “sonada” (del italiano “suonare” = tocar), en oposición a la “cantata” (música para ser cantada), es barroco. La novedad del Clasicismo es que la sonata se consolida como una estructura formal que se utiliza en muchos movimientos de sinfonías, conciertos, obras para conjuntos de cámara y para instrumento solo.
Vida musical
Se produce un aumento del público aficionado a la música, lo que tiene como consecuencia la programación de conciertos públicos, que son el origen de los que conocemos hoy. En ellos se escucha a los intérpretes de moda, cuyo papel comienza a diferenciarse del desempeñado por el compositor. 12
La música en el Romanticismo Las características estéticas y estilísticas citadas anteriormente se manifiestan en la música a través de los siguientes rasgos:
Intimidad
El piano se convierte en el instrumento protagonista, y es frecuente su presencia en las casas de cierta categoría, donde se toca en conjuntos familiares. También se celebran conciertos en círculos medio privados con músicos profesionales y aficionados, como las “schubertiadas” que organizaba el compositor Franz Schubert. Los principales compositores son sobre todo pianistas; algunos de ellos apenas escriben para otros instrumentos, como es el caso de Chopin, mientras que otros también destacan por sus obras sinfónicas y de cámara (Beethoven, Schubert, Mendelssohn, etc.)
Libertad en las formas
En contraste con las estructuras formales estereotipadas del Clasicismo, los músicos comienzan a utilizar nuevas formas de carácter abierto y libre (por ejemplo, los impromptus y nocturnos pianísticos o los poemas sinfónicos para orquesta).
Predominio del sentimiento
Estilo interpretativo con frecuentes cambios de tempo, intensidad y carácter.
Nacionalismo
Búsqueda de nuevas fuentes de inspiración en el folklore de los distintos países, empleando ritmos y temas propios de la música popular. Son muy frecuentes las danzas, como las polonesas y mazurcas polacas, o las que escribieron compositores españoles basándose en la música tradicional de nuestro país.
La música del Clasicismo en España El gran peso del Barroco limitó la entrada del Clasicismo en la música española. Sin embargo, dos compositores italianos afincados en España introdujeron las nuevas corrientes musicales en nuestro país. El primero fue Domenico Scarlatti, maestro de la princesa portuguesa Bárbara de Braganza, posteriormente reina consorte de España al casarse con Fernando VI. En 1729 la reina se trasladó a Sevilla, donde Scarlatti tuvo la oportunidad de conocer los aires de la música popular andaluza, que influyeron en su estilo. El segundo, Luigi Boccherini, recaló en nuestro país bajo la protección del infante Luis Antonio de Borbón, hermano pequeño del rey Carlos III. En sus obras también se aprecian elementos de la tradición musical española. De manera indirecta, otros compositores clásicos de Centroeuropa influirán en la música española. El caso más importante es el de Haydn, quien recibió por parte de un noble español el encargo de la obra religiosa Las siete palabras de Cristo en la cruz, con la que este compositor queda vinculado a la ciudad de Cádiz. Por último, también se produjo un movimiento de España hacia Europa, con Vicente Martín y Soler como caso más representativo. Este compositor valenciano triunfó en Viena, capital de la música en su época, con óperas como Una cosa rara. En su momento, esta obra eclipsó los estrenos de un compositor como Mozart, que pasaría a la historia en un lugar más relevante.
Libertad y desarrollo de la armonía
Los compositores románticos hacen un uso más libre de la armonía, llegando a crear nuevos acordes. Se inicia un proceso que llevará a la disolución del sistema armónico clásico, la tonalidad, en el siglo xx. 13
Los compositores
Los compositores
Joseph Haydn H
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Vida Franz Joseph Haydn nació en 1732 en Rohrau, un pequeño pueblo austriaco. Era el segundo de doce hermanos. De familia humilde, fue su padre –aficionado al arpa– quien le dio sus primeras clases de música. Haydn poseía una hermosa voz, por lo que en 1740 ingresó en el coro de la catedral de San Esteban de Viena, donde tuvo la oportunidad de perfeccionar sus conocimientos musicales. Al cambiarle la voz, desempeñó diversos trabajos como músico medio independiente, consiguiendo en 1757 su primer mecenazgo a tiempo completo por parte del conde de Morzin. Sin embargo, será bajo el auspicio de los príncipes de Esterházy cuando Haydn podrá disfrutar de componer para una de las mejores orquestas de su época. Durante este período, Haydn llevó a cabo una intensa actividad laboral: componía música para cada ocasión (como, por ejemplo, obras dedicadas a los visitantes destacados), dirigía la orquesta, interpretaba música de cámara con miembros de la orquesta y de la familia Esterházy (el propio príncipe tocaba la viola de gamba) y organizaba el montaje de óperas (dos a la semana). En 1790 Haydn viajó por primera vez a Londres, contratado por un empresario de conciertos. Allí compuso y dirigió algunas de sus sinfonías más importantes, y además pudo conocer la obra de otro gran compositor anterior a él, Haendel, cuya música influirá en sus oratorios La creación y Las estaciones. Haydn murió en Viena cuando era un compositor conocido y admirado. Obra A pesar de vivir tan lejos, Haydn compuso una importante obra para Cádiz. Se trata de Las siete palabras de Cristo en la cruz, encargada por el marqués de Valde-Íñigo para la Hermandad de la Santa Cueva, de la que este noble fue director y cuya sede mandó restaurar (el edificio permanece aún hoy en la calle Rosario, bajo la iglesia del mismo nombre). La composición debía tocarse el Viernes Santo por la mañana para acompañar la meditación sobre este pasaje bíblico. La obra, de la que Haydn realizó varias versiones, alcanzó gran fama en Europa.
Además de ésta, Haydn escribió una gran cantidad de composiciones. Entre ellas destacan sus más de cien sinfonías (entre las más conocidas están la Sinfonía nº 101, “El reloj”, donde los instrumentos imitan este mecanismo, o la Sinfonía nº 94, “La sorpresa”), así como sus cuartetos de cuerda. Se le conoce como el “padre” de la sinfonía y del cuarteto, ya que llevó estos géneros musicales a su perfección. Como obras vocales, compuso numerosas óperas, cantatas y oratorios (La creación y Las estaciones, mencionados anteriormente), así como el himno del Imperio Austro-Húngaro. Curiosidades • En su Sinfonía nº 94, llamada “La sorpresa”, Haydn decidió “vengarse” de aquellos que acudían a sus conciertos sin demasiado interés. En el 2º movimiento, en un momento en el que la orquesta toca piano, incorporó un fortissimo inesperado para despertar a los oyentes. • Los músicos del palacio de Esterházy estaban molestos porque debían trabajar en verano y no podían disfrutar de unas vacaciones junto a sus familias. A modo de protesta ante el príncipe, Haydn compuso la Sinfonía nº 45, denominada “Los adioses”. En ella, los músicos van dejando de tocar paulatinamente y abandonando el escenario, uno tras otro, hasta que éste se queda vacío. • El himno alemán constaba originalmente de tres estrofas. En la actualidad sólo se canta la tercera, ya que las dos primeras estaban impregnadas de un nacionalismo tan extremo que en 1991 el parlamento alemán decidió suprimirla. Actividades en página 53
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Los compositores
Wolfgang Amadeus A M Mozart
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Vida Wolfgang Amadeus Mozart nació en 1756 en Salzburgo, Austria. Dotado de un talento excepcional, desde muy pequeño empezó a tocar y a componer (sus primeras piezas datan de 1760, cuando el joven músico contaba tan sólo cuatro años de edad). Su educación musical fue la obra de arte pedagógica de su padre Leopold, hombre culto, violinista y maestro de capilla en la corte del príncipe arzobispo de Salzburgo. Con su progenitor, el pequeño Mozart recorrió distintos países europeos exhibiendo sus habilidades (tocaba el violín, el clavecín y la viola ante los personajes más ilustres del momento). A la vuelta de sus viajes comenzó a trabajar al servicio de Colloredo, arzobispo de la ciudad donde nació. A causa de la resistencia de Mozart a aceptar las órdenes que su patrón le imponía, la relación entre ambos era difícil. Por ello, el compositor dejó el trabajo al servicio del arzobispo y se trasladó a Viena con su esposa Constanza (con quien se casó a los 26 años), donde trató de establecerse como compositor independiente. Mozart se convertiría en el primer músico que vivió de su trabajo como compositor libre, lo que ocurrió durante los últimos diez años de su vida. Esta situación, que resultó aceptable al comienzo, empeoró al cambiar la suerte de Mozart. El compositor y su esposa cayeron en la pobreza, en una difícil etapa que coincidió con un época de gran productividad musical en la que él trabajaba febrilmente, olvidando a veces comer o dormir. Mozart murió en 1791 sumido en la miseria, dejando sin acabar su famoso Réquiem.
Obra Dotado de una gran facilidad para componer, el número de obras de Mozart supera las seiscientas (un total de doscientas horas de música, aproximadamente). A pesar de su corta vida (35 años), compuso más música que muchos autores que vivieron el doble de tiempo que él. Su música es una mezcla de ternura y energía, de alegría desenfadada y profundidad técnica. Compuso obras para orquesta, entre las que destacan sus sinfonías, conciertos para distintos instrumentos, obras para instrumentos solistas y un gran número de piezas de cámara. Entre sus obras vocales sobresalen las misas, y óperas como Las bodas de Fígaro, Don Giovanni o La flauta mágica. Curiosidades • Mozart era tan buen compositor como mal administrador. En los momentos de éxito ganaba importantes sumas de dinero por su trabajo, pero con la misma facilidad lo gastaba en fiestas, apuestas y regalos a sus amigos. La muerte le llegó en un momento de precariedad económica y fue enterrado en una fosa común. • Haydn y Mozart no sólo se conocieron, sino que también se profesaron mutua admiración. Mozart dedicó a Haydn seis cuartetos para cuerda y lo defendió públicamente. Se cuenta que cuando un pianista de la época se burló de un pasaje de uno de los cuartetos de Haydn diciendo: “Yo no lo habría compuesto así”, Mozart le contestó: “Tampoco yo. ¿Y sabéis por qué? Porque ninguno de nosotros habría concebido tan excelente idea”. Años más tarde, Haydn le devolvería el cumplido afirmando que “Mozart es el más grande compositor que el mundo posee hoy”. Actividades en página 54
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Los compositores
Ludwig van Beethoven
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Vida Beethoven nació en 1770 en la ciudad alemana de Bonn, en una familia de tradición musical. Desde pequeño demostró grandes cualidades para la música, tantas que su padre intentó convertirle en un nuevo niño prodigio como Mozart. Por desgracia, el ambiente de su casa era poco adecuado a causa del problema del padre con el alcohol, y el éxito no pudo ser tan inmediato. El primer gran maestro de Beethoven fue Christian G. Neefe, quien no sólo le enseñó música, sino que le puso en contacto con los intelectuales de la ciudad y le habló de las ideas liberales de la época. Esta etapa de descubrimientos continuó en Viena, donde conoció al famoso Mozart. Poco después volvió a Bonn, pero la impresión que le causó Viena fue tan fuerte que el adolescente Beethoven no dejará de pensar en vivir allí algún día. Ello ocurrió en 1792, y fue para siempre. En Viena creció como persona y como músico, celebró sus mejores conciertos y compuso la mayoría de su música. Independiente y testarudo, luchador y orgulloso, Beethoven pronto dio muestras de una fuerte personalidad, lo que le hizo ganar simpatizantes al mismo tiempo que no pocos enemigos. Los desengaños amorosos y los primeros síntomas de sordera le llevaron a la depresión, llegando a pensar incluso en suicidarse. Sólo su temperamento lo sacó adelante. En sus últimos años aumentó aún más su prestigio. Aunque compuso cada vez menos, los vieneses le adoraban, y se consideraban afortunados de tenerle entre sus vecinos. La muerte de Beethoven, en marzo de 1827, fue una tragedia nacional en Austria y una conmoción en la música europea. Sus restos reposan en el cementerio central de Viena, pero su música sigue viva como lo que es, una de las obras más colosales que jamás haya creado un ser humano.
Obra Beethoven compuso una gran cantidad de música, de carácter muy variado. En su producción son muy importantes las nueve sinfonías, entre las que destacan la Sinfonía nº 3, “Heroica”, la Sinfonía nº 5 y la Sinfonía nº 9, “Coral”. También escribió numerosos cuartetos de cuerda y otras piezas de cámara, así como diversas obras para piano, instrumento del que era un gran virtuoso (entre sus sonatas para piano destacan la Sonata opus 13, “Patética”, y la Sonata opus 27 nº 2, “Claro de luna”). La música vocal de Beethoven se centra fundamentalmente en obras para solistas, coro y orquesta; es el caso de sus misas, entre las que sobresale la Misa solemne y el famoso “Himno a la alegría”, perteneciente a su Sinfonía nº 9. Sin embargo, sólo escribió una ópera, llamada Fidelio, cuyo argumento transcurre en Andalucía. Curiosidades • Los cabellos de Beethoven fueron cortados un día después de su muerte por un admirador, el joven músico Ferdinand Hiller. En una subasta que tuvo lugar en el año 1994 en la sucursal de Sotheby´s de Londres, fueron vendidos por 7.300 dólares. Sus nuevos dueños, los coleccionistas Ira Brilliant y Alfredo Guevara, ofrecieron los cabellos para la investigación. El análisis descubrió que Beethoven había padecido desde muy joven un envenenamiento por plomo. • A los 17 años viajó a Viena con la intención de que alguno de los “grandes” le escuchara y le tomara como alumno. Mozart le atendió, sin quedar impresionado por sus dotes de pianista, pero Beethoven le propuso que le diera un tema musical para improvisar sobre él y, cuando Mozart lo hizo, demostró tal destreza y creatividad que le dejó impresionado. Dicen que fue entonces cuando Mozart se dirigió a la sala contigua, donde estaba Haydn, y le dijo: “No perdamos de vista a este joven, algún día dará mucho que hablar al mundo”. Actividades en página 56
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Los compositores
Franz Peter Schubert
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Vida Franz Peter Schubert fue uno de los primeros grandes compositores del Romanticismo (aunque algunos expertos le consideran un representante del último período del Clasicismo). Nació en una barriada (1) de las afueras de Viena el 31 de enero de 1797, ciudad de la que apenas salió en su corta carrera, que abarca unos 15 años. Aunque muy admirado en su entorno, gozó de una reputación más bien local. Recibió sus primeras enseñanzas musicales en el ámbito familiar: su padre, maestro de escuela aficionado a la música, le enseñó a tocar el violín, y aprendió piano con uno de sus hermanos mayores (2). A los once años entró como cantor en la Capilla Imperial de su ciudad, ampliando su formación musical y consiguiendo una beca para estudiar en un conservatorio. Allí fue alumno de un gran maestro y compositor italiano, amigo de Haydn y rival de Mozart (3), que apreciaba sus obras y llegó a supervisarlas. Schubert sufría una gran escasez económica que le impedía incluso adquirir papel pautado, el cual le compraba un amigo mayor que él (4). Este joven estudiante organizaba la orquesta del internado, dirigida por un director invitado de Bohemia (5) (en la actual República Checa).
Al principio, su padre aprobaba el deseo de Schubert de formarse musicalmente, e incluso le buscó un profesor, un organista (6) al que el joven Franz sustituía a veces en el órgano de la iglesia. Sin embargo, no estaba de acuerdo con que su hijo quisiera dedicarse a la música de manera profesional. Así, Schubert ayudó a su padre en la escuela, como profesor (en parte por agradarle y en parte para librarse del servicio militar), mientras componía música en sus ratos libres. Schubert abandonó la escuela en 1817 para dedicarse de lleno a la música, convencido por un amigo poeta (7), autor de la letra de An die Musik (A la música), uno de sus mejores lieder (canciones). Pero el más grande poeta inspirador de los lieder de Schubert fue Goethe el famoso autor de Werther y Fausto (8). Se enamoró más de una vez, sin ser correspondido. En 1815, su desengaño con una cantante (9) le llevó a componer frenéticamente 145 lieder en un año. En 1818 se enamoró, también sin éxito, de una de las hijas del conde Esterházy (descendiente de aquél para quien trabajó Haydn), a quien enseñó piano durante algunos meses. De todas formas, en su palacio lo pasó bien, a juzgar por esta frase del propio Schubert: “Vivo y compongo como un dios”. Desgraciado en amores, gozó sin embargo de la amistad de jóvenes poetas y artistas, de los cuales era siempre el centro de atención. Con ellos celebraba divertidas reuniones, las “schubertiadas”, donde jugaban, recitaban poemas y escuchaban a Schubert tocar el piano.
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En 1823 cayó enfermo de una dolencia que le llevaría a la muerte. Sus últimos años, entre la enfermedad y los fracasos sentimentales, fueron duros y tristes. Esta situación se refleja en su obra, especialmente en su Sinfonía nº 8, “Inacabada”, de carácter trágico. En 1827 participó en la comitiva fúnebre de uno de los más famosos compositores de todos los tiempos (10), a quien admiraba y había mostrado sus obras. Poco después, el 18 de noviembre de 1828, murió Schubert, siendo enterrado en el mismo cementerio que aquel compositor bajo un epitafio que dice: “La música enterró aquí un rico tesoro y esperanzas todavía más bellas”.
Obra Su obra abarca diversos géneros vocales e instrumentales. En el vocal destacan sus más de 600 canciones o lieder (plural de lied, que significa “canción” en alemán), para voz con acompañamiento de piano. Escribió también algunas óperas, aunque gozaron de escaso éxito. En la música de cámara sobresalen sus cuartetos de cuerda, como el titulado La muerte y la doncella o el quinteto para cuerda y piano La trucha. Su obra para piano solo abarca una gran variedad de formas: impromptus, sonatas, fantasías (por ejemplo, la Fantasía en do mayor, “El caminante”, o la Fantasía para dos pianos). En el terreno orquestal compuso nueve sinfonías, de las que destacan la Sinfonía nº 8, “Inacabada”, o la Sinfonía nº 9, llamada “La grande”. Sus obras se conocen por número de “opus”, como las de la gran mayoría de compositores clásicos, pero también por la inicial “D” (por su catalogador, apellidado Deutsch), seguida del número correspondiente.
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Curiosidades • La Sinfonía nº 8, “Inacabada”, tiene sólo dos movimientos y aún hoy es un misterio. No se sabe a ciencia cierta si la escribió entera y se perdió el final, si otra obra suya –el entreacto de Rosamunda, que casualmente está escrita para la misma plantilla– es el tercer movimiento que falta, o si bien, simplemente, dejó de escribir la obra y la guardó en un cajón. • Schubert vivió con gran estrechez económica, ayudado por sus amigos. Ganó en toda su existencia lo que Paganini en uno de sus conciertos de violín. Schubert sólo dio un concierto público de pago en su vida, un año antes de morir, y con el dinero que ganó pudo comprarse un piano. • El “niño prodigio” de la Historia de la música es Mozart, pero Schubert es el más prolífico: vivió menos años y escribió más obras que Mozart, empezando a componer mucho más tarde. Actividades en página 59
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Los compositores
Félix Mendelssohn M
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Vida Félix Mendelssohn nació en 1809 en Hamburgo (Alemania), en una familia de artistas, filósofos y científicos. De su madre recibió las primeras lecciones de piano, instrumento con el que ya interpretará conciertos a la edad de 9 años. A los 10 comienza a estudiar composición y, posteriormente, violín. Entre sus primeras obras destacan las sinfonías para cuerda, que demuestran una madurez compositiva poco común en un chico de 15 años.
En 1835 se traslada a Leipzig, donde es nombrado director de la orquesta de la Gewandhaus, acometiendo la importante labor de rescatar del olvido a un compositor local: Johann Sebastian Bach. Su amor por la literatura, en especial por las obras de Shakespeare, le llevó a componer la música para una de las obras de teatro del dramaturgo inglés, El sueño de una noche de verano, entre cuyos movimientos destaca por su popularidad la “Marcha nupcial”.
En 1825 la familia Mendelssohn se traslada a Berlín, lo cual permite a Félix recibir clases del filósofo Hegel en la universidad. Pocos años después ocupa en la propia universidad de Berlín el puesto de profesor de música, actividad que no le impide realizar numerosos viajes por toda Europa. En Italia se inspira para realizar su Sinfonía nº 4, “Italiana”, mientras que en París conoce al pianista y compositor Frederic Chopin.
La obra de Mendelssohn no es sólo musical. También fue el artífice de la creación del Conservatorio de música de Leipzig, que se inauguró en 1843 y que contaba con profesores de la talla de Robert y Clara Schumann. Cuatro años más tarde de esta fecha, Mendelssohn murió (a la edad de 38 años). Su fallecimiento tuvo lugar unos meses después del de su hermana Fanny, el cual afectó terriblemente a la salud y ánimo del compositor.
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Obra Además de sus primeras trece sinfonías para orquesta de cuerda, a lo largo de su vida Mendelssohn compuso otras cinco para orquesta sinfónica. Entre ellas destacan la citada Sinfonía nº 4, “Italiana”, y la Sinfonía nº 3, “Escocesa” (ambas son fruto de sendos viajes del compositor). Otras de sus más importantes obras orquestales son la música incidental compuesta para El sueño de una noche de verano y para Antígona, además de oberturas, entre las que Las Hébridas es la más conocida. Entre las obras para instrumento solista y orquesta hay que destacar el Concierto para violín en mi menor opus 64 y sus dos conciertos para piano y orquesta. En música de cámara, y además de los cuartetos de cuerda (los cinco primeros a la edad de 8 años), Mendelssohn compuso para un sinfín de combinaciones instrumentales. Por ejemplo, el Octeto opus 20 (para cuatro violines, dos chelos y dos violas), sextetos para cuerda y piano, dúos para violín y piano, para violonchelo y piano, y para dos pianos, o tríos para violín, chelo y piano. Dentro de su música vocal, y aunque compuso cinco óperas de escasa trascendencia, sobresalen sus más de sesenta lieder para voz y piano y sus piezas para coro (“a capella” o con orquesta).
Curiosidades • Tan prolífica como Félix y, para muchos, tan buena compositora como él e incluso mejor pianista, fue Fanny Mendelssohn, su hermana. Sin embargo, el carácter machista de la sociedad de la época impidió la proyección pública de Fanny. Mientras Félix era un músico admirado y respetado, ella se vio obligada a publicar muchas de sus 466 obras bajo la firma de su hermano. • Al igual que sucedió con Mozart, se cree que el exceso de trabajo pudo ser una de las causas de la muerte prematura de Mendelssohn. Desde pequeño su horario comenzaba a las cinco de la mañana y terminaba a última hora de la tarde. Esto le permitió desempeñar tantos trabajos, realizar tantos viajes y componer tantas obras en su corta vida. • El padre de Mendelssohn era un rico y culto banquero y, cuando se trasladaron a Berlín, la familia se instaló en una mansión a las afueras de la ciudad. El jardín tenía el tamaño de tres campos de fútbol con un auditorio para varios cientos de personas. Aquel lugar se convirtió en el centro de la vida cultural de Berlín. • Además de la figura de su abuelo, el filósofo Moses Mendelssohn, Félix tuvo contacto con importantes figuras de las letras alemanas. Una de ellas fue Goethe, al que le unió una profunda amistad hasta su muerte. Actividades en página 61
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Los compositores
Johannes Brahms
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Vida Johannes Brahms nació en el año 1833 en la ciudad alemana de Hamburgo y murió en Viena (Austria) en 1897. Desde niño destacó con el piano, instrumento con el que dio muchos recitales al principio de su carrera musical. Pronto empezó a trabajar como compositor, sobre todo después de conocer al gran músico Robert Schumann, que hizo buenas críticas a Brahms en su prestigiosa revista de música y se convirtió en un gran amigo. Parece ser que Brahms, que nunca llegó a casarse, se enamoró de la mujer de Schumann, llamada Clara. En 1862 se instaló en Viena, donde se dedicó por completo a la composición durante casi 30 años. Su primera gran obra presentada al público fue el Concierto nº 1 para piano y orquesta, aunque no tuvo mucho éxito. Sin embargo, lograría la fama con su Réquiem alemán. Brahms fue un compositor romántico, aunque su estilo conserva algunos rasgos clásicos. Se le considera sucesor de otro gran músico, Beethoven, a quien admiraba profundamente.
Obra Entre su música para orquesta destacan sus cuatro sinfonías, así como la Obertura trágica y la Obertura académica. Para orquesta e instrumento solista sobresalen los conciertos para piano y orquesta y el Concierto para violín en re mayor. Una de sus obras más famosas es la “Danza húngara nº 5”, que forma parte de las Danzas húngaras. En la música de cámara compuso sonatas, cuartetos y quintetos de cuerda y canciones para voz y piano. Este era su instrumento preferido, al que dedicó multitud de obras, como rapsodias, intermezzi, valses y fantasías. Curiosidades • Pese a que a los 20 años ya componía, no fue hasta los 40 cuando Brahms se propuso escribir su primera sinfonía. Su carácter continuista con la tradición vienesa hace que muchos la denominen “la 10ª sinfonía de Beethoven”. • Cuando era adolescente ayudaba a la economía familiar dando clases y tocando el piano en toda clase de lugares: restaurantes, bares e incluso burdeles. Actividades en página 62
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Los compositores
Juan Crisóstomo de Arriaga A
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Vida Juan Crisóstomo de Arriaga Balzola es considerado uno de los compositores más destacados en la Historia de la música española. Nació en Bilbao el 27 de enero de 1806. Recibió sus primeras lecciones musicales de la mano de su progenitor, Juan Simón de Arriaga, organista de la iglesia de Berriatúa. Más tarde, y dadas las cualidades del niño, el padre consigue que su hijo se convierta en discípulo de Faustino Sanz, violinista de la capilla de música de la basílica de Santiago. En esta misma época, y pese a su juventud, empieza a frecuentar las sociedades musicales, germen de las futuras sociedades filarmónicas y las orquestas. Para estas instituciones compone y representa sus primeras obras, por las que es reconocido y admirado. Es en este ambiente donde a los once años (en 1817) escribirá el octeto Nada y mucho para trompa, cuerda, guitarra y piano. A esta composición seguirán otras en la misma línea, hasta que finalmente se decida, con trece años, a emprender obras de mayor envergadura (por ejemplo, la ópera en dos actos que lleva por título Los esclavos felices, de 1819). A la vista de sus grandes dotes musicales, su padre decide enviar al joven Juan Crisóstomo a París, donde continuará sus estudios musicales. De este modo, en 1821 (con quince años de edad) se matricula en el conservatorio parisino, donde estudiará contrapunto y fuga con Fétis y violín con Baillot. Su rápido progreso y su gran talento para la composición hicieron posible que a partir del curso 1823-1824 Arriaga fuera nombrado profesor ayudante de Fétis y comenzase a impartir las disciplinas de las que sólo dos años antes era alumno.
Obra La primera obra importante que Arriaga escribe en París es una fuga a ocho voces llamada Et vitam venturi, pieza de concurso que fue premiada y que se perdió tras la muerte del compositor. A ésta siguió una serie de tres cuartetos. Finalmente, en los últimos dos años de su vida, compondrá una Obertura pastoral para su ópera Los esclavos felices, así como la Sinfonía grande para orquesta, una Misa a cuatro voces, un Salve Regina y un Stabat mater para coro y orquesta, además de varias arias, dúos, cantatas y quintetos. El inesperado y prematuro fallecimiento del compositor, el 17 de enero de 1826, fue la causa de que la obra de Arriaga permaneciera desconocida hasta mediados de la década de los ochenta del siglo xix, momento en el que un descendiente suyo recupera algunas piezas. Entre ellas destacan los cuartetos, que entregó a la Sociedad de cuartetos de Bilbao, la cual los interpretó en sus actuaciones en los distintos salones de la capital vasca. En 1887 se crea en Bilbao la “Comisión permanente Arriaga”, presidida por Emiliano Arriaga (descendiente del compositor), cuya finalidad será la de dar a conocer la obra de Juan Crisóstomo por medio de las representaciones de sus piezas, así como la obtención de beneficios con los cuales poder editar sus obras y difundirlas. Actividades en página 63
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Conciertos e instrumentos
El alumnado asistirá a tres conciertos en los que están presentes la mayoría de los instrumentos sinfónicos, así como las formaciones de cámara más representativas formadas por dichos instrumentos: 1 Quinteto de viento madera Flauta, oboe, clarinete, saxofón y fagot. 2 Cuarteto de cuerda Dos violines, viola y violonchelo. 3 Quinteto de viento metal y percusión Trompeta, trompa, trombón, tuba y percusión.
Conciertos e instrumentos Concierto nº 1: Quinteto de viento madera La flauta travesera
Los instrumentos de viento reciben este nombre por la manera en que producen el sonido; en todos ellos hay algún mecanismo que hace que el aire entre en vibración.
El cuerpo de la flauta es un tubo cilíndrico (es decir, el grosor del tubo es el mismo en los dos extremos), a lo largo del que hay diferentes agujeros. A diferencia de la flauta dulce, hay más agujeros que dedos, lo cual obliga a utilizar un mecanismo de llaves que permiten tapar o destapar varios agujeros con un mismo dedo. La parte de aire que al dividirse en el bisel entra en el tubo va saliendo por los agujeros que están abiertos. Cuanto más lejos de la cabeza, más largo es el recorrido del aire, y más graves las notas que suenan.
En la flauta travesera este mecanismo es el bisel, un orificio en la cabeza del tubo hacia el que el músico dirige el aire. El bisel hace que el aire se divida en dos y comience a vibrar, produciéndose así el sonido. Hay muchos tipos de flautas. La flauta travesera, que es la que se utiliza en la orquesta sinfónica, se llama así por la posición en que se toca, que es diferente al resto de instrumentos de viento. La forma del bisel hace que la flauta se coloque de manera transversal al cuerpo del intérprete.
La flauta es uno de los instrumentos más agudos de viento madera, ya que en la orquesta se utiliza uno más agudo aún. Se trata de su “hermano menor”, llamado flautín o piccolo (que significa “pequeño” en italiano).
En sus orígenes, las flautas eran de madera (por eso se consideran instrumentos de viento madera). Posteriormente se comenzaron a construir de metal para aumentar su potencia sonora, y así poder igualarse a otros instrumentos de la orquesta.
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El oboe El oboe es un instrumento de viento madera de doble lengüeta. Este mecanismo de producción de sonido consiste en dos trozos de caña muy finos que se colocan en paralelo, dejando un pequeño espacio entre ellos. Al soplar, el aire entra por ese espacio y hace vibrar las dos lengüetas, y así se produce el sonido. El cuerpo del oboe es cónico, es decir, el extremo donde se coloca la caña o lengüeta es más pequeño que el otro extremo, que se denomina pabellón o campana.
El clarinete Dentro de la familia de viento madera, el clarinete pertenece al grupo de instrumentos de lengüeta simple. El mecanismo es similar al del oboe, pero en lugar de dos trozos de caña hay sólo uno. La caña o lengüeta se coloca en la boquilla, dejando un pequeño espacio por donde pasa el aire, de modo que al soplar vibra esta lengüeta y se produce el sonido.
El cuerpo del clarinete es cilíndrico, aunque en su extremo tiene una campana El origen del oboe se sitúa con forma cónica. A pesar en el antiguo Egipto. Hoy de que el clarinete tiene en día existen multitud de una longitud similar al oboe instrumentos tradicionales y la flauta, puede producir que utilizan el sistema de sonidos mucho más graves doble lengüeta; uno de ellos que esos dos instrumentos, es la gaita, que no es más éste uno de los motivos por los que que un oboe cuya lengüeta siendo en el siglo xviii se incorporó a la plantilla de la está dentro de una bolsa de aire que se presiona con los brazos, haciendo vibrar la caña. La familia del oboe se completa con una serie de instrumentos de mayor tamaño, como el corno inglés, el oboe de amor o el oboe barítono. orquesta de manera permanente. La familia del clarinete está formada por instrumentos más agudos que él, como el requinto, y otros más graves como el clarinete bajo. Además hay dos variedades de clarinete cuya longitud es muy similar, el clarinete en si bemol y el clarinete en la. En el primero, cuando el clarinetista toca un “do”, en realidad suena un “si bemol”; en el segundo, al tocar “do” suena “la”. A este tipo de instrumentos se les llama “instrumentos transpositores”.
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Conciertos e instrumentos Concierto nº 1: Quinteto de viento madera El fagot
El fagot es el instrumento más grave de la familia de viento madera. Consiste en un tubo de dos metros y medio de longitud que comienza en una lengüeta doble similar a la del oboe y termina en una campana que sobresale por encima de la cabeza del intérprete. Debido a esta longitud, el tubo no es recto, sino que tiene varias curvas: la primera en el tudel, un tubo metálico que adapta la posición horizontal en la que situamos la lengüeta en la boca y la posición oblicua en la que está el fagot; la segunda curva, llamada culata, está en la parte baja del instrumento, donde hace un giro de 180º para subir hasta la campana. Por su longitud, el fagot es uno de los instrumentos más graves de la familia de viento metal. Aún más grave es el contrafagot, equivalente del contrabajo en la familia de viento metal. Las grandes dimensiones del contrafagot hacen que no esté formado por dos tubos unidos sino por tres o cuatro y que, a diferencia del fagot (que se sujeta al cuerpo del intérprete con una correa o arnés), necesite apoyarse en el suelo con una pica como la del violonchelo.
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El saxofón El quinteto de viento madera se compone de los cuatro instrumentos citados más la trompa, que, sin embargo, no forma parte de la familia de viento madera. Para este concierto lo hemos sustituido por otro mucho más moderno: se trata del saxofón, que sí pertenece a dicha familia.
Este instrumento fue inventado en 1840 por el constructor de instrumentos de viento belga Adolf Sax, quien creó un instrumento nuevo incorporando la boquilla del clarinete a un cuerpo cónico hecho de latón.
Poco a poco, el instrumento se fue perfeccionando y fabricándose en diferentes tamaños: con forma recta los más pequeños (el sopranino y el soprano) y con una o varias curvas el resto (desde el alto hasta el subcontrabajo). El saxofón es un instrumento poco frecuente en la orquesta sinfónica, aunque algunas de las excepciones son muy conocidas (por ejemplo, se utiliza en el Bolero de Ravel o en La Artesiana de Bizet). Su uso es mucho más frecuente en otros géneros y estilos musicales, como el jazz, el rock el y pop. Las partes del saxofón son similares a las del resto de instrumentos de viento metal: la boquilla (que puede ser de plástico o de metal) donde se inserta la lengüeta o caña; el tudel, que es la primera parte del tubo y que, al igual que en el fagot, tiene forma curva; y la parte baja, también denominada campana. Actividades en página 66
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Conciertos e instrumentos Concierto nº 2: La cuerda El violín
Es un instrumento de cuerda frotada. En este tipo de instrumentos, el sonido se produce por la vibración de una cuerda tensada pero, a diferencia de los de cuerda pulsada (como la guitarra), la cuerda vibra al frotarla con el arco. Para que se produzca la vibración, se unta en el arco una resina que le proporciona cierta adherencia, dificultando un deslizamiento excesivo de la cuerda y haciendo que ésta entre en vibración. El violín es el más agudo de los instrumentos de cuerda de la orquesta. Su origen es muy antiguo pero, a diferencia de los instrumentos de viento, que evolucionaron casi todos en el siglo xix, el violín alcanzó su perfección en el siglo xvii de la mano de un constructor llamado Antonio Stradivarius. Desde entonces, los violines han evolucionado muy poco, únicamente en sus accesorios (arcos, material de las cuerdas, sistema de apoyo…). De hecho, los violines más valiosos son los que se fabricaron en la época barroca y aún se conservan en buenas condiciones.
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El arco del violín y del resto de instrumentos de cuerda frotada se denomina así porque, en un principio, se componía de una vara de madera arqueada y una cuerda. Posteriormente se incorporaron crines de cola de caballo y la vara de madera fue haciéndose más recta. El arco posee en un extremo una tuerca que permite tensar y destensar las crines.
El violín tiene cuatro cuerdas que, a pesar de tener la misma longitud, suenan cada una a una determinada altura debido a su diferencia de grosor. Inicialmente las cuerdas se hacían de tripa, aunque ahora se fabrican de metal o de tripa recubierta de algún metal. La altura de sonido de cada cuerda también varía según lo tensa que esté, para ello hay unas piezas denominadas clavijas en el extremo del violín que pueden girar para graduar la tensión. En el otro extremo de las cuerdas está el puente, que sirve para transmitir las vibraciones de las cuerdas a la caja de resonancia, que es el cuerpo del violín y sirve para amplificar el sonido. Paralelas a las cuerdas se sitúa el mástil, una superficie de madera contra la que el violinista presiona las cuerdas a diferentes alturas, aumentando o disminuyendo así la longitud de cuerda que está vibrando, lo que le permite obtener notas más graves o más agudas. A diferencia de la guitarra, el mástil del violín no tiene trastes (las líneas transversales que delimitan las distancias en las que está cada nota), de modo que tiene que ser el violinista quien busque con el oído la afinación de las notas pulsando en el lugar exacto.
La viola Como gran parte de los instrumentos que estamos viendo, los constructores no se limitaron a realizarlos de un solo tamaño, sino que construyeron variedades más grandes y más pequeñas, algunas de las cuales perduraron.
El violonchelo
Se trata de una variedad de violín mayor que la viola.
La viola es una de ellas, y se trata de un instrumento igual que el violín pero un poco más grande. Esto hace que la viola produzca un sonido más grave, concretamente cada cuerda suena una quinta por debajo de la misma cuerda en el violín. Este instrumento está presente tanto en la orquesta sinfónica como en el cuarteto de cuerda, aunque por regla general la melodía principal la hace el violín. Sin embargo, existen obras escritas para viola solista acompañada de orquesta. Al igual que el violín, la viola se sujeta con la barbilla a través de la presión que la cabeza y el hombro hacen sobre el instrumento; de esta manera se libera la mano derecha para pasar el arco y la izquierda para pulsar las cuerdas a lo largo del mástil.
Dadas sus dimensiones, no se puede tocar de la misma manera que el violín y la viola, sino que el intérprete está sentado, con la caja de resonancia entre las piernas. Inicialmente los violonchelistas colocaban las piernas en forma de rombo y apoyaban el violonchelo sobre los gemelos. Más adelante se le incorporó la pica, una barra metálica que permite apoyarlo en el suelo y situar el instrumento a la altura deseada. Aunque el violonchelo no es el más grave de los instrumentos de cuerda de la orquesta (es el contrabajo, que suena una octava por debajo del violonchelo), en el cuarteto de cuerda sí se utiliza para realizar la voz más grave. Actividades en página 66 41
Conciertos e instrumentos Concierto nº 3: El viento metal y la percusión La trompeta
La trompeta es el instrumento sinfónico más agudo de viento metal. Aunque el mecanismo que produce las notas es distinto, todos estos instrumentos (llamados así porque están hechos de latón) tienen el mismo sistema de emisión de sonido. Éste consiste en una boquilla en la que el instrumentista sopla, haciendo vibrar los labios. Las boquillas tienen diferentes formas y tamaños dependiendo del instrumento.
Los instrumentos de metal no tienen agujeros a lo largo del tubo para acortar la longitud de la columna de aire, como los de viento madera. Así, empezaron a fabricarse con tubos sin agujeros y de longitud invariable, con lo que las notas más agudas o graves se debían a la mayor o menor presión de los labios y del aire. Sin embargo, con este sistema no se podían producir todas las notas de la escala, sino sólo algunas llamadas “armónicos”.
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Para solucionar este problema se comenzaron a utilizar trozos de tubo de diferentes longitudes que se podían intercambiar. Con un juego de tubos de este tipo se podían tocar todas las notas, pero no era posible hacer el cambio mientras se tocaba, con lo que las posibilidades quedaban limitadas. Por tanto, era necesario un sistema que pudiera combinar los tubos de diferentes longitudes en un mismo instrumento a gran rapidez. En la trompeta, este mecanismo está compuesto por los pistones, unos cilindros que, al pulsarse, desvían el aire por conductos diferentes, variando así el recorrido del aire. Presionando o dejando de presionar uno o varios de los tres pistones de la trompeta, se consiguen diferentes longitudes de la columna de aire que permiten tocar todas las notas de la escala cromática. Al igual que la flauta, la trompeta tiene un “hermano menor”, el piccolo, que se suele utilizar para interpretar música barroca. También forman parte de la familia de la trompeta el fliscorno y la corneta, que no se utilizan en la orquesta, pero sí en las bandas de música. Estos dos instrumentos se diferencian de la trompeta en que son cónicos, mientras que la trompeta tiene un tubo cilíndrico que sólo es cónico en el final, formando la campana.
La trompa Si aplicamos el mecanismo de emisión de sonido de los instrumentos de metal a una caracola o al cuerno de un animal, su sonido será parecido. Este es el principio de la trompa, que fue evolucionando desde su origen animal hasta la construcción del instrumento en metal; de hecho, en inglés aún mantiene el nombre de “horn” (cuerno).
Actualmente la trompa es un tubo de metal enroscado de más de tres metros y medio de longitud con un sistema denominado de válvulas, muy similar al de los pistones de las trompetas, que permite tocar todas las notas.
Existen tres tipos de trompas. Las trompas naturales son las que se fabricaban antes de adoptar el sistema de válvulas (más limitadas en cuanto a número de notas, se utilizan sobre todo para tocar música anterior al siglo xix con instrumentos de la época), la trompa simple, que tiene un tubo con tres válvulas, y la trompa doble, que es como la superposición de dos trompas, las llamadas “trompa en fa” y “trompa en si bemol”.
La forma de la trompa permite que el instrumentista utilice una mano para activar las tres válvulas, introduciendo la otra en el interior de la campana. Con esta mano puede corregir levemente la altura de las notas, así como hacer efectos como el “bouché” que consiste en hacer vibrar el metal tapando la salida del aire por la campana.
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Conciertos e instrumentos Concierto nº 3: El viento metal y la percusión El trombón
El trombón está formado por dos tubos unidos por otro tubo móvil en forma de U denominado vara. El trombonista desplaza la vara con el brazo derecho, lo que le permite alargar o acortar el tubo y producir las diferentes notas. El sistema de varas se inventó en el siglo xv, cuando el trombón se utilizaba principalmente en la iglesia. Posteriormente se incorporó a la orquesta sinfónica, a las bandas de música y a otros estilos como el jazz. En la orquesta existen dos variedades de trombón, el más agudo se denomina trombón tenor, y el más grave trombón bajo.
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La tuba
Es el más grave de los instrumentos de viento metal. Normalmente tiene cuatro válvulas o pistones y su forma es cónica. Es el más moderno de los instrumentos de esta familia y, por tanto, el último en incorporarse a la orquesta (a mediados del siglo xix).
La tuba también tiene una variedad más aguda llamada bombardino, que se suele utilizar en las bandas de música. Tanto las tubas como el resto de instrumentos de viento metal tienen un accesorio llamado sordina, que se coloca en la campana para “apagar” el sonido. El tamaño de la sordina es proporcional al de la campana donde se introduce, con lo que la sordina de tuba es de grandes proporciones.
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Conciertos e instrumentos Concierto nº 3: El viento metal y la percusión La percusión La marimba Existen tres teorías sobre su origen: algunos La familia de instrumentos expertos la sitúan en Indonesia, otros en África de percusión está y un tercer grupo en el Amazonas. Lo cierto es que fue en América donde evolucionó, formada por diferentes pasando de unas sencillas láminas de madera componentes, cada uno de de diferentes tamaños a un instrumento con resonadores hechos de calabaza o de tubos de los cuales tiene un origen bambú, más similar al instrumento usado hoy bien distinto. Muchos de en día. Está muy extendida en Centroamérica, especialmente en Guatemala, donde se la ellos proceden de África, considera el instrumento nacional. donde la música destaca El güiro por su enorme desarrollo Se construye con un trozo de madera al y riqueza rítmica. que se practican hendiduras transversales, Con la colonización de América, un gran número de africanos fueron trasladados a este continente como esclavos. Con ellos llevaron sus tradiciones musicales y sus instrumentos, que se mezclaron con la cultura de los indígenas americanos y de los colonos europeos. Fruto de este mestizaje son algunos de los instrumentos de percusión más utilizados, como los que aparecen a continuación.
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produciendo un efecto similar al de una botella con la superficie rugosa. El güiro se utiliza mucho en las islas del Caribe y Venezuela.
Las maracas Existen muchas variedades de este instrumento, basado en el efecto de sacudir un recipiente hueco que se rellena con distintos objetos o materiales. En Puerto Rico, por ejemplo, lo construían los taínos, una tribu indígena que lo fabricaba dejando secar un fruto y vaciando su interior, que rellenaban con guijarros. Actualmente se utiliza por ejemplo en el son cubano y en el cha-cha-chá.
Las congas o tumbadoras Su origen es claramente africano. Se fabricaba vaciando un tronco y colocando en su extremo un parche de piel de mono, leopardo, antílope o gacela. Se utiliza actualmente en bailes tribales de África, Centroamérica y Haití, pero sobre todo en la música caribeña. El nombre de “tumbadora” se debe a que este instrumento es la base del ritmo llamado “tumbao”, que, dependiendo de la velocidad con que se toca, sirve para el bolero (lento), el cha-cha-chá y la guajira (medio), la salsa (medio-rápido), o la rumba y el mambo (rápido). Actividades en página 66
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Notas
Notas
Actividades de compositores
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Sobre Haydn Sobre Mozart Sobre Beethoven Sobre Schubert Sobre Mendelssohn Sobre Brahms Sobre Arriaga
Actividades de conciertos e instrumentos
66 Funciones de los instrumentos 68 El minueto 70 El principio físico–armónico
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Actividades de compositores Sobre Haydn 1 – Contesta las siguientes cuestiones acerca de Haydn: a ¿Cuál fue el primer trabajo de Haydn? b ¿Por qué razón le expulsaron del coro de la catedral de San Esteban? c ¿A qué se debe que estuviera tan contento con los príncipes Esterházy? d Enumera los trabajos musicales de Haydn. e ¿Por qué fue importante su viaje a Inglaterra? f ¿Cuál es la relación de Haydn con Cádiz? 2 – Con ayuda de Internet, nombra los instrumentos que forman un cuarteto de cuerda y explica qué es una sinfonía.
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Actividades de compositores Sobre Mozart 1 – Lee este fragmento de una de las cartas que Mozart escribió a su padre desde Mannheim en 1778, y contesta a las preguntas.
“Le ruego, queridísimo padre, que saque partido de ese asunto en Salzburgo, y hable tanto y tan alto que el Arzobispo crea que quizá no iré, y se decida a darme mejor salario, porque, sabe, no puedo pensar en ello con ánimo sereno; ¡el Arzobispo no podría pagarme bastante por la esclavitud de Salzburgo! Como le digo, siento el mayor placer cuando pienso en hacerle a usted una visita, ¡pero nada más que disgusto y miedo cuando me veo otra vez en esa corte de los milagros! El Arzobispo no debe empezar a hacerse conmigo el importante, como era su costumbre, ¡porque no es imposible que lo deje con un palmo de narices, muy fácilmente!; y estoy seguro de que usted compartirá también mi alegría [...]”.
a ¿Piensas que tiene ganas de volver a Salzburgo? b ¿Crees que aún está trabajando para el arzobispo? c ¿Tiene Mozart intención de abandonar su puesto como músico del arzobispo? d ¿Consideras que el modo de dirigirse a su padre es normal o excesivamente formal? e ¿A qué se refiere cuando dice que puede dejar al arzobispo “con un palmo de narices”? f ¿Crees que Mozart prefiere trabajar al servicio de la Iglesia? g ¿A qué crees que puede referirse Mozart cuando habla de “la esclavitud de Salzburgo”?
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2 – Responde a estas cuestiones sobre la vida de Mozart: a ¿A qué país pertenece actualmente Salzburgo, ciudad natal de Mozart? b ¿A qué edad empezó Mozart a componer? c Menciona dos de los instrumentos que tocaba Wolfgang. d ¿Qué instrumento tocaba su padre, Leopold? e ¿Al servicio de quién estuvo Mozart en su ciudad natal? f ¿Cómo se llamaba la esposa de Mozart? g ¿Cuál fue la última obra que escribió, dejándola incompleta? h Cita el nombre de dos óperas de Mozart. i ¿Cuál es el número aproximado de obras compuestas por Mozart? j ¿Qué obra dedicó Haydn a Mozart? 3 – Los conciertos para piano y orquesta proporcionaron una gran fama a Mozart como compositor y virtuoso del piano. Escucha el “Andante” del Concierto nº 21 y realiza las siguientes actividades: a Sigue la partitura del tema principal y di cómo es su línea melódica y cuántas partes lo integran.
b ¿Qué instrumentos interpretan el tema al comienzo? c Interpreta la partitura con flauta, teclado e instrumentos de placas.
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Actividades de compositores Sobre Beethoven 1 – Investiga y descubre si las siguientes afirmaciones acerca de Beethoven son verdaderas o falsas: a La familia de Beethoven era de origen vienés.
Verdadero | Falso
b Beethoven era rubio y bastante alto.
Verdadero | Falso
c Dio su primer concierto a los 7 años.
Verdadero | Falso
d Tuvo los primeros signos de sordera con 30 años.
Verdadero | Falso
e Se casó en dos ocasiones pero no tuvo hijos.
Verdadero | Falso
f A su entierro acudieron 20.000 personas.
Verdadero | Falso
2 – Comenta el siguiente texto, que relata una anécdota sobre Beethoven.
“Paseaba Beethoven con el gran poeta Goethe por los caminos de cierto balneario cuando se cruzó con el archiduque Rodolfo, hijo del emperador de Austria. Mientras el poeta se apartaba al borde del camino y saludaba educadamente, Beethoven continuó su marcha como si tal cosa. Poco después Beethoven le comentó al poeta que se había comportado como un lacayo”.
3 – Elabora una sinopsis (unas 50 palabras) sobre el argumento de la ópera Fidelio. 4 – Sitúa en el mapa las siguientes ciudades: Berlín, Bonn, Praga, Teplitz y Viena. a ¿Qué significan en la vida de Beethoven?
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5 – Lee el siguiente fragmento del Testamento de Heiligenstadt, carta escrita por Beethoven en 1802 y dirigida a sus hermanos, y contesta a las preguntas.
“¡Oh vosotros, hombres que me consideráis o definís rencoroso, huraño o misántropo, qué poca justicia me hacéis! Vosotros no conocéis la causa secreta de lo que me hace aparecer ante vosotros de esta manera… A los seis años tuve una grave enfermedad que empeoró por culpa de médicos incompetentes. De año en año, mis esperanzas de curación se vieron frustradas gradualmente, y al final me he visto obligado a aceptar la perspectiva de una enfermedad crónica. Aunque estoy dotado de un temperamento ardiente, vivo, y hasta sensible a los atractivos de la sociedad, me vi obligado enseguida a apartarme y a transcurrir mi vida en la soledad. No era capaz de decirle a la gente: “hable usted más alto, grite: porque soy sordo”. Cómo iba a consentir la debilidad de un sentido, que en mí debería ser más refinado que en los demás hombres… No, no puedo hacerlo; perdonadme, pues, si a veces me veis apartado de vuestra compañía, que antaño en cambio trataba de obtener con gusto”.
a ¿Dónde hace Beethoven referencias a su infancia? b ¿Cómo es el estado de ánimo del músico y de qué manera puede afectar a su relación con los demás? c ¿Crees que su enfermedad pudo influir en su carácter? d ¿Cómo puede una persona sorda componer música? e ¿Sabes lo que es el oído absoluto?
6 – Lee y comenta las siguientes frases sobre Beethoven y la libertad. a De joven conoce las ideas liberales en la universidad de Bonn y lee con frecuencia a Rousseau. b Siempre luchó por la libertad del músico y por su independencia económica. c Su admiración por Napoleón le hizo llamar “Bonaparte” a su Sinfonía nº 3. d Su única ópera, Fidelio, se centra en el tema de la libertad. e Beethoven vive una época de revoluciones (Revolución Francesa, guerras napoleónicas, independencia de las colonias…) y ve el nacimiento de un mundo nuevo. f El “Himno a la alegría” (¿o a la libertad?) en su Sinfonía nº 9 se refiere a la idea de hermandad de todos los hombres. 57
Actividades de compositores Sobre Beethoven 7 – Visionado de la ópera Fidelio (fragmento del “Coro de prisioneros”). 8 – Crucigrama
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Horizontales 2 Nombre de Beethoven. 5 Primer maestro de Beethoven. 7 Instrumento de cuerda (al revés). 9 Ciudad donde nació (al revés).
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Verticales 1 Instrumento predilecto de Beethoven. 3 Número de sinfonías compuestas por Beethoven. 6 Ciudad en la que Beethoven pasó gran parte de su vida. 8 Nombre de la única ópera compuesta por Beethoven.
Actividades de compositores Sobre Schubert 1 – Los datos de la vida de Schubert que faltan en la biografía (páginas 25 y 26) aparecen aquí desordenados. Relaciónalos mediante flechas, buscando la información en una enciclopedia o en Internet.
(1) (2) (3) (4) (5) (6) (7) (8) (9) (10)
Grob Růžička Schober Ignaz Goethe Holzer Spaun Beethoven Salieri Himmelpfort-grund
2 – Lee el poema “Au die Musik” (A la música), que Schubert convirtió en uno de sus lieder más bellos, y responde a las preguntas. Fue escrito por el poeta que convenció a Schubert para dedicarse por completo a la música cuyo nombre has buscado en la actividad anterior.
Au die Musik
(A la música)
“Du holde Kunst, in wieviel grauen Stunden, Wo mich des Lebens wilder Kreis umstrickt,
“¡Noble arte, en cuántas horas sombrías, cuando quedé atrapado en el torbellino de la vida,
Hast du mein Herz zu warmer Lieb entzunden, Hast mich in eine bessre Welt entrückt!
has acogido mi corazón en el calor de tu amor y me has llevado hacia un mundo mejor!
Oft hat ein Seufzer, deiner Harf entfl ossen, Ein süsser, heiliger Akkord von dir Den Himmel bessre Zeiten mir erschlossen.”
A menudo un suspiro de tu arpa, un dulce y divino acorde tuyo ha abierto un cielo de tiempos mejores para mí.”
a ¿Qué términos expresan con más fuerza el espíritu del Romanticismo (sentimiento, melancolía, espiritualidad)? Menciona al menos tres. b ¿Qué palabras aluden directamente a conceptos musicales? (Dos palabras). Defínelas con ayuda de algún libro o del profesor. c El poema original está escrito en alemán, la lengua materna del poeta y del compositor. Las palabras en mayúscula no son nombres propios. ¿A qué categoría gramatical crees que pertenecen (sustantivo, adjetivo, verbo…)? (Una pista: en el sexto verso aparece una palabra muy parecida en alemán y en español). 59
Actividades de compositores Sobre Schubert 3 – Estas son algunas imágenes (cuadros, grabados) de las famosas “schubertiadas”, reuniones de amigos en torno a Schubert donde se jugaba, se cantaba o recitaba y se escuchaba tocar a Schubert. La más curiosa es la número 4, donde los asistentes se dirigen a la fiesta mientras el propio Franz corre junto a la calesa, en lugar de ir montado.
3 2
1
5 4
Obsérvalas con atención y responde: a ¿Cuál es la “schubertiada” más concurrida? b ¿Cómo describirías la actitud de los asistentes en las ilustraciones 1, 3 y 5? (Emplea dos o tres adjetivos). c ¿Qué crees que están haciendo los amigos de Schubert en la número 2? d ¿Cuál de las ilustraciones te gusta más y por qué? 4 – Escucha el lied La trucha y la versión instrumental que Schubert compuso para uno de sus amigos, aficionado al contrabajo. A continuación, contesta: a En el lied, ¿de qué manera evoca Schubert los saltos del pez en el agua? b ¿Qué tipo de agrupación de cámara interpreta la segunda versión? 60
Actividades de compositores Sobre Mendelssohn 1 – Redacta una pequeña biografía (máximo una página) de Félix Mendelssohn. 2 – Elabora un estudio sobre la historia de los conservatorios: qué son, cuáles fueron sus orígenes, evolución histórica de los mismos, principales conservatorios del mundo, etc. 3 – Señala en un mapa de Alemania las ciudades citadas en la biografía de Mendelssohn. 4 – Busca en Internet direcciones relacionadas con Félix Mendelssohn y sus obras. 5 – ¿Qué significa “opus” y qué designa en música? 6 – Contesta a las siguientes preguntas sobre Mendelssohn, relacionadas con su vida y su obra: a ¿Quién fue Goethe? b ¿Qué instrumento tocaba Mendelssohn y en qué población de España pasaba temporadas este músico? c Nombra algunas obras corales de Haendel y de Bach. d Explica qué es la música incidental. e ¿Cuál es la parte más conocida de Sueño de una noche de verano? f ¿Cuál era el apellido de soltera de Clara Schumann?
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Actividades de compositores Sobre Brahms 1 – Escucha cuatro fragmentos de obras de Brahms, algunas muy conocidas. Averigua el orden en el que aparecen, leyendo las pistas, y escribe al lado de cada una el número correspondiente.
Canción de cuna Es tan conocida, que no necesita pistas. Brahms la compuso para uno de los hijos de Schumann. Réquiem alemán, “Ihr habt nun Traurigkelt” Escuchamos a una soprano acompañada por la orquesta. Danza húngara nº 5 Muy famosa, en ritmo binario y tempo rápido. Concierto para violín y violonchelo Tercer movimiento, con un ritmo de carácter bailable. Comienza el violonchelo, que luego es contestado por el violín. Al final se unen los dos y, por último, la orquesta.
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Actividades de compositores Sobre Arriaga 1 – ¿Qué eran las Sociedades Musicales? ¿Siguen existiendo todavía? 2 – Haz una breve biografía sobre Fétis. 3 – Busca el catálogo de obras completo de Arriaga. 4 – ¿Existe en España algún edificio dedicado a Arriaga? 5 – ¿Qué edad tenía el compositor cuando murió? 6 – ¿Qué es un cuarteto de cuerdas? 7 – ¿A qué época histórico-musical pertenece Arriaga?
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Actividades de conciertos e instrumentos
Actividades de conciertos e instrumentos Funciones de los instrumentos 1 – ¿En qué se parecen un grupo de rock y un conjunto de cámara del Barroco? Además de que ambos hacen música, los dos adoptan un esquema muy similar en cuanto a las funciones de los instrumentos. En el rock:
Melodía
Bajo
Armonía
Ritmo
La suelen hacer el cantante y una de las guitarras eléctricas, que se llama “melódica” o “de punteo”. La otra guitarra es la que generalmente lleva a cabo los acordes, que forman la base armónica de las canciones.
Un bajo eléctrico toca una línea más o menos simple con notas graves durante casi toda la canción. Lo marca la batería.
En la música barroca (por ejemplo, en una sonata para conjunto):
Melodía
Bajo (llamado “bajo continuo“)
Armonía
Ritmo
La interpreta un instrumento agudo como el violín, el oboe, la flauta, etc. Está a cargo de un instrumento polifónico, como el clavicordio (antecesor del piano), el laúd o la tiorba (antecesores de la guitarra).
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Lo lleva a cabo un instrumento melódico grave (el violonchelo, la viola de gamba o el fagot). La única diferencia es el ritmo, ya que en aquellos tiempos no se estilaba usar percusión para este tipo de música.
En un quinteto de viento El esquema que acabamos de explicar necesita una adaptación cuando la música es interpretada por un quinteto de viento, ya que al no incorporar percusión ni ningún instrumento polifónico deberá utilizar otros recursos para cumplir estas funciones.
Melodía
Como todos los instrumentos son melódicos, se puede realizar de manera fácil y en muy diversas combinaciones. Por ejemplo, en el Divertimento en Si bemol mayor que se tocará en el concierto, todos los instrumentos interpretan a la vez la misma melodía, aunque a alturas diferentes (desde el más agudo, la flauta, hasta el más grave, el fagot).
En otras ocasiones, la melodía empieza en un instrumento y luego la continúa otro. _»œ»» _»œ»» »œ» »œ» »œ »œ . _J»»œ J»»œ »»œ» »œ»» »œ»»» __ bb 4 ∑ ∑ Ó .. » » »» » »» »» » »˙» » l ========================== l& 4 l l l = » l l l l l l l ‰ J»œ l »»»œ »»»œ »»»»œ »»»œ »»œ»» œ»»»» œ»»» ##œ»œ» l »»»œ##œ»œ» »»»œ »œ» »œ»» . ‰ l Ó «« «« ˆ««« l «ˆ«« . «« «ˆ«« ‰ J»œ» l »»»œ »»»œ »»»»œ »»»œ »»»»œ »»»»œ »»»œ##œ»œ» l b b 44 »»=== » == ˆ« ˆ« == j » » » = ========================== === == =»»= =» == === === == == =» = =»= =» == === === l& l == l= l nˆ« l l == l b4 l l l l l « « b ˙»
Armonía
Al no haber en el quinteto de viento instrumentos polifónicos capaces de tocar varias notas a la vez, son varios instrumentos los que tocando simultáneamente producen los diferentes acordes.
Bajo
El instrumento que hace la línea de bajo suele ser el más grave, en este caso el fagot.
Ritmo
De una manera rudimentaria el fagot marca el ritmo cambiando la altura o nota cuando quiere resaltar un tiempo fuerte (en este caso el primero y tercero de cada cuatro, al tratarse de un compás de 4/4).
1
2
3
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3
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Armonía y melodía juntas: el coral
En algunas ocasiones se logra combinar el esquema vertical de la armonía con el horizontal de la melodía. Un ejemplo es el coral: si escuchas una por una las voces, tienen su propia melodía, pero al oírlas todas juntas la superposición de voces va produciendo los acordes. Es como una especie de crucigrama en el que las letras sirven para formar palabras horizontales y verticales a la vez.
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Actividades de conciertos e instrumentos Formas musicales: el minueto 1 – La mayoría de las obras de música clásica se componen de varios movimientos que, para crear variedad, son diferentes entre sí en su velocidad o tempo, su compás, su tonalidad, etc. La gran mayoría tiene una estructura reconocible que se denomina forma, siendo una de las más utilizadas el minueto. El minueto tiene su origen en una danza francesa que el compositor Jean Baptiste Lully introdujo en la corte del rey francés Luis XIV. Se caracteriza por: 1 Ritmo ternario (normalmente 3/4) 2 Estructura ternaria ABA: primera parte (minueto), segunda parte (llamada trío) y tercera parte (vuelta al minueto de la primera parte). 3 Esquema rítmico muy marcado, al ser su origen una danza. Durante el Barroco, el minueto se bailaba, y hay muchos tratados de la época que indican cuáles eran sus pasos; sin embargo, los compositores posteriores también lo utilizan en obras que no son de baile. Un ejemplo es el minueto del Cuarteto de cuerda opus 76 nº 2 de Joseph Haydn, que escucharéis en el concierto.
Menuetto. Allegro ma non troppo
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El trío recibe este nombre por la instrumentación que utilizaba Lully, que consistía en sólo tres instrumentos (normalmente dos oboes y un fagot). Su carácter suele ser más recogido, y se interpreta un poco más lento.
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Otras diferencias del trío respecto al minueto son la figuración (con mayor abundancia de compases enteros formados por tres negras), la tonalidad –el minueto está en re menor (un bemol) y el trío en re mayor (dos sostenidos)– y la articulación o manera de tocar las notas: en el minueto más ligadas y en el trío más cortas (staccato). Este minueto tiene además otra característica muy peculiar: se trata de un canon o, lo que es lo mismo, está escrito con una estructura que se llama “canónica”. Es decir, hay una melodía que tocan todos los instrumentos, pero comenzando en momentos diferentes: primero lo hacen los dos violines y después, con las mismas notas pero en octava, la viola y el violonchelo. En esta partitura hemos movido hacia la izquierda las voces de la viola y el violonchelo, y, como se puede apreciar, todas las voces hacen los mismos movimientos.
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Actividades de conciertos e instrumentos El principio físico–armónico 1 – La música está mucho más relacionada con las matemáticas y la física de lo que parece a simple vista. En primer lugar, el sonido es un fenómeno físico que se produce cuando un cuerpo entre en vibración, generando ondas que se transmiten hasta que son captadas por el oído. Una de las cualidades del sonido, la altura (lo que percibimos como más agudo o más grave), está determinada por la velocidad (también llamada frecuencia) de la superficie que vibra. Además, la altura de un sonido también está relacionada con la longitud de esta superficie (a mayor superficie vibrante, más grave es un sonido). Pero los sonidos no se caracterizan sólo por su altura sino por su timbre, cualidad que permite diferenciar unos de otros. Esto se debe a que el sonido que percibimos no es causado realmente por una sola frecuencia, sino que es la suma de varias de ellas, llamadas armónicos, y que son múltiplos de la frecuencia fundamental. A finales del siglo vi a. de C., Pitágoras (uno de los matemáticos más importantes de la antigua Grecia) determinó de forma numérica los intervalos de la escala musical mediante la medición de cuerdas y expresó la aparición sucesiva de armónicos como proporciones: “2:1” (octava), “3:2” (quinta),“4:3” (cuarta), etc. Si hacemos vibrar una cuerda, ésta producirá un sonido; por ejemplo, un do.
do
“Fundamental” = do
La octava: si ahora partimos la cuerda en la mitad de su distancia y la hacemos vibrar, el sonido que se oirá será otro do, pero una octava más agudo (se llama “octava” porque es la suma de las 8 notas que forman este intervalo: =do + re + mi + fa + sol + la + si + do`). Se expresa con la fracción 2:1.
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do’
“2º armónico” = do’ = 1/2 = octava
do
“Fundamental” = do
La quinta: si dividimos la cuerda en tres partes, el sonido resultante de cada tercio será un sol, a una distancia de una quinta justa de la anterior división (quinta = do + re + mi + fa + sol). Se expresa con la fracción 3:2.
sol’
“3º armónico” = sol’ = 2/3 = quinta
do’
“2º armónico” = do’ = 1/2 = octava
do
“Fundamental” = do
La cuarta: la siguiente división será en cuatro partes, cada una de las cuales producirá un do agudo (do’) que estará a una distancia de cuarta de la división anterior (4 ª= sol + la + si + do). Se expresa con la fracción 4:3.
do’’ sol’
“4º armónico” = do’’ = 3/4 = cuarta “3º armónico” = sol’ = 2/3 = quinta
do’
“2º armónico” = do’ = 1/2 = octava
do
“Fundamental” = do
Estas fracciones son la base de las teorías sobre la consonancia y la disonancia. A partir de Pitágoras, en la música occidental se considera que son consonantes (es decir, que suenan de forma agradable cuando se tocan juntos) los sonidos cuyos armónicos guardan una relación más simple (por ejemplo, la octava). Cuanto más compleja es esta relación, y más cerca están los armónicos entre sí, se dice que los sonidos son disonantes (es decir, que tocados a la vez producen una sensación de aspereza).
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Actividades de conciertos e instrumentos El principio físico–armónico Los armónicos en los instrumentos de metal Hay dos maneras de que un instrumento de metal con una longitud fija (es decir, todos menos el trombón) pueda hacer diferentes notas: 1 A través de los sistemas de llaves y pistones, con lo que se cambia la longitud del tubo, desviando el aire por otros recorridos más cortos o más largos. 2 Modificando la presión de los labios, lo cual permite emitir los armónicos que hemos estudiado anteriormente. Esta segunda manera se puede escuchar en la música para corneta, con los toques militares.
En los ejemplos que escucharás en el concierto podrás comprobar cómo, cuando el argumento requiere la música militar, se acude a las trompetas imitando las llamadas militares a base de armónicos. En la Obertura 1812 de Tchaikovsky hay un momento en el que representa la llegada de las tropas rusas, que se imponen a las francesas. Los metales interpretan esta melodía, donde se puede comprobar cómo la mayoría de las notas son los tres armónicos citados anteriormente.
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Notas
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