Prehistoria

Pintura El artista prehistórico nunca limitó su arte a un marco, ni lo colocó en un pedestal; en  lugar de ello, lo incorporó a su medio ambiente. Abundantes muestras de su trabajo perduran en unas 100 cuevas, aisladas del  mundo exterior durante siglos en una oscuridad sepulcral. Muchas imágenes se  encuentran como el día en que fueron creadas. Unas de las más importantes son Lascaux en Francia y Altamira en España. Lascaux es un complejo de cuevas en el suroeste de Francia, famoso por las pinturas  rupestres que contiene. Las cuevas originales están situadas cerca de la aldea de  Montignac, en el departamento de la Dordoña. Estas contienen parte del arte más antiguo  conocido, datado entre 13.000 y 15.000 años a.C. o tan antiguo como 25.000 años a.C. No fue hallada hasta 1940, por Ravidat y Marsal, pues era casi imposible dar con ella  debido a su difícil acceso ya que la entrada estaba bloqueada por dos grandes piedras.  Entre los diferentes espacios hallados, quizás los más significativos sean la Sala de los  Toros en una de las primeras composiciones circulares; la galería axial, donde se puede  contemplar el llamado 'caballito chino"; el camarín de los felinos; así como el "pozo",  donde se halla una escena mágico­cinegética bien conocida, con la presencia de un  chamán. La cueva de Altamira está situada dentro del territorio de Santillana del Mar, Cantabria  (España), cerca de la capital municipal. En ella se conserva uno de los ciclos pictóricos  más importantes de la Prehistoria. Pertenece a los períodos Magdaleniense y Solutrense,  dentro del Paleolítico Superior. Su estilo artístico constituye la denominada escuela  franco­cantábrica, caracterizada por el realismo de las figuras representadas. Las pinturas de Altamira, fueron descubiertas en 1879 por Marcelino Sanz de  Sautuola. El realismo de sus escenas provocó, al principio, un debate en torno a su  autenticidad. Su primer defensor fue su descubridor.  A finales del siglo XIX, principalmente en Francia, se descubrieron pinturas rupestres  innegablemente asociadas a las estatuillas, relieves y huesos grabados aparecidos en  niveles arqueológicos paleolíticos, unidos a restos de animales desaparecidos (mamut,  reno, bisonte, etc.). Fijada la autenticidad de las pinturas, se inicia el debate sobre la  propia obra.

El método del carbono 14 llevó a los investigadores Laming y Leroi­Gurhan a  proponer para las pinturas de Altamira una datación entre 15.000 y 12.000 años a.C.  Pertenecían, por tanto, al período Magdaleniense III. La pintura de Altamira está hecha con pigmentos minerales ocres, marrones,  amarillentos y rojizos, mezclados con aglutinantes como la grasa animal. El contorno de  líneas negras de las figuras se realizó con carbón vegetal. Se aplicaron con los dedos,  con algún utensilio a modo de pincel y en ocasiones soplando la pintura a modo de  aerógrafo. Aprovechan el relieve natural de la roca y a veces la modelan interiormente para dar  un efecto de volumen y movilidad. El relieve de la cueva y el raspado de ciertas zonas  aportan a las imágenes gran movilidad y expresividad. Las representaciones rupestres de Altamira podrían ser imágenes de significado  religioso, ritos de fertilidad, ceremonias para propiciar la caza o puede interpretarse como  la batalla entre dos clanes representados por la cierva y el bisonte.

Escultura La Venus de Willendorf, es una estatuilla de una figura femenina descubierta en una  excavación paleolítica cerca de Krems, Baja Austria, encontrado por Josef Szombathy en  el año 1908. La figura de esta mujer desnuda, de unos 11,1 centímetros de alto y 15 centímetros de  ancho y regordeta, fue esculpida en piedra caliza monolítica, que no es local en la región,  y pintada con ocre rojo. Esta pequeña obra, de tan sólo 11,1 cm. de altura, ha llegado a ser posiblemente el  modelo más difundido del grupo de las “Venus”. Se trata de una figurilla de bulto redondo,  hecha de piedra caliza, y cuyo tratamiento formal se caracteriza por la exageración de los  rasgos femeninos, como las caderas, muslos y pechos. La estructura anatómica, de  diseño cerrado, sigue la ley de simetría, propia de los artes primitivos, y ha sido eliminado  cualquier rasgo facial, lo que lleva al espectador a concentrarse en el resto del cuerpo. Si  bien la pesantez de la masa escultórica es notoria, la estilización de las piernas le confiere  una cierta y grácil sensación de inestabilidad. Según la interpretación actual, posee un sentido mágico­religioso para provocar la  fecundidad de la tribu. La exageración de los atributos femeninos y el anonimato de su  rostro nos dan a entender que no se trata de una representación puramente naturalista de  una mujer, sino de una estatua­símbolo que contiene el concepto abstracto de la  fecundidad­maternidad. Algunos autores tienen muchas reticencias en identificarla como la Madre Tierra de la  cultura europea del Paleolítico Superior. Otros sugieren que su corpulencia representa un elevado estatus social en una  sociedad cazadora­recolectora y que, además de la obvia referencia a la fertilidad, la  imagen podía ser también un símbolo de seguridad, de éxito y de bienestar.

Arquitectura

En la provincia de Cádiz existe una multitud de construcciones megalíticas,  manifestaciones materiales de las sociedades prehistóricas. Se destacan los dólmenes,  los menhires y los cromlechs.  Un dolmen, que en bretón quiere decir mesa grande de piedra, es una construcción  megalítica consistente en dos losas hincadas en la tierra en posición vertical y una losa de  cubierta apoyada sobre ellas en posición horizontal; todo ello cubierto con tierra, formando  un túmulo. Estas estructuras se dan en Europa Occidental, sobre todo en la franja atlántica, y  fueron construidas durante el Neolítico y el Calcolítico. Su función atribuida suele ser la de  sepulcro colectivo, pero también se cree que puede ser una forma de reclamar un  territorio, dada la poca entidad de los poblados neolíticos. Un menhir es una construcción prehistórica consistente en una piedra alargada  colocada verticalmente ocasionalmente antropomorfa; su principal función era rendir culto  al Sol. Fue una de las primeras construcciones de la humanidad. Son variedades y combinaciones de menhires que algunas veces se asocian a los  dólmenes las siguientes: • ringleras o alineaciones, filas de monolitos en línea recta. • crómlech, conjunto de menhires formando líneas circulares o elípticas, dobles o  triples. • piedras oscilantes o bamboneables, monolitos situados sobre alguna roca, de tal  manera que oscilen al menor empuje y que pueden ser sencillamente naturales. • túmulos, montículos de tierra y piedras con alguna cavidad interior en la que suele  hallarse alguna cista o caja rectangular de piedra que sirve de sepulcro. La extensión geográfica de dichos monumentos es enorme pues abarca India, Siria,  el Cáucaso, Crimea, el litoral septentrional del mar Negro, Bulgaria, norte de África, la  península Ibérica, Francia, Gran Bretaña, la parte suroeste de Suecia, Dinamarca,  Holanda, Bélgica, el norte de Alemania y Argentina. En la cordillera Oriental de Colombia,  en el territorio del pueblo U'wa, se pueden encontrar una serie de menhires, considerados  sagrados, que simbolizan los pilares que soportan la "casa del mundo" Un crómlech o crónlech es un monumento megalítico formado por piedras o menhires  clavados en el suelo y que adoptan una forma circular o elíptica, cercando un terreno.  Está difundido por Gran Bretaña y por la Bretaña francesa, así como en la Península  Ibérica, Dinamarca y Suecia.

Cerámica El carácter distintivo de la cerámica prehistórica en Europa está en su barro que, por  lo común es una pasta de color gris, negruzco o rojo ennegrecido sembrada de pequeños  fragmentos de mica y más aún en la factura de los cacharros que aparecen como hechos  a mano, sin torno y que a menudo conservan huellas e imperfecciones de los dedos.  Suelen llevar los productos de este tipo algunos dibujos, siempre de forma geométrica,  unas veces pintados y otras, incisos con la uña o el punzón o impresos con molde  sencillo. La cochura, en todo caso imperfecta, se verificaba a fuego libre o se sustituía por el  simple endurecimiento del barro al calor solar. 

Se atribuyen estos productos a la edad neolítica, los más antiguos y otros, de forma  más regular, a la del bronce. Entre los primeros, los hay con dibujos (siempre lineales o  geométricos), trazados por incisiones hechas en la pasta negruzca y rellenas con otra  blanquecina. Tal es la decoración que ostentan los famosos platos neolíticos de Ciempozuelos  (Madrid) imitando a otros igualmente decorados en el Egipto prehistórico y en lo más  primitivo de la civilización minoica o cretense, de donde acaso tomaran el modelo los  primeros ceramistas hispanos. Las formas comunes son pequeños cuencos, copas  caliciformes y vasos a modo de casquetes semiesféricos y cónicos.

Egipto Arquitectura Las más grandiosas y monumentales construcciones del mundo antiguo se hallan en Egipto.  Entre ellas son dignos de mención las mastabas, las pirámides, los hipogeos y los templos.

La mastaba es la edificación funeraria del antiguo Egipto, con forma troncopiramidal,  de base rectangular. Las más suntuosas, como la erigida por el faraón Shepseskaf,  llegaron a tener casi veinte metros de altura. Las más antiguas se datan durante las  primeras dinastías. Las mastabas se construyeron con adobes (ladrillos de barro), y  posteriormente con piedras, generalizándose entre los egipcios más ricos. Las pirámides de Egipto son, de todos los vestigios que nos legaron los egipcios de la  Antigüedad, los más portentosos y emblemáticos monumentos de esta civilización, y en  particular, las tres grandes pirámides de Giza, las tumbas o cenotafios de los reyes Keops,  Kefrén y Micerino, cuya construcción se remonta, para la gran mayoría de estudiosos, al  periodo denominado Imperio Antiguo de Egipto. La Gran Pirámide de Giza, construida por  Keops (Jufu), es una de las siete Maravillas del Mundo. La función de la pirámide:  contener la «esencia» del rey por toda la eternidad. No se sabe con certeza cómo se construyeron las pirámides, pues no han perdurado  documentos de su época que lo describan. Además, se utilizaron diversos materiales  (piedra escuadrada, piedra si tallar, adobe) y variadas técnicas en la construcción de sus  núcleos (apilamiento de bloques, muros resistentes conformando espacios rellenos de  cascotes, etc.). Se denomina hipogeo a la galería subterránea, o a los pasajes excavados en laderas  rocosas, de carácter funerario. Los hipogeos se conocen ya en la época menfita y tuvieron  un gran desarrollo durante el Imperio Nuevo de Egipto, cuando se construyeron tumbas  reales en forma de suntuosas mansiones subterráneas, horadando la cordillera de la  región de Tebas, en el enclave hoy denominado Valle de los Reyes. El término templo designa un edificio sagrado. En su origen, designaba la zona del  cielo que el augur utilizaba para contemplar qué aves la atravesaban y en qué sentido,  estableciendo así los augurios. Muchas religiones, si no todas, tienen edificios que  consideran sagrados. Algunos de ellos son clasificados como templos blancos. Los primeros templos monumentales construidos en piedra fueron los de la civilización  del Antiguo Egipto, durante el Imperio Antiguo (2700­2200 a. C.), destacando por su  magnificencia el conjunto de templos del Imperio Nuevo en Luxor y Karnak. En la religión egipcia el templo es la imagen terrestre de la morada celestial, y las  estatuas que representaban a los dioses eran consideradas depositarias del Ka del dios, y 

su situación dentro del templo, la naos. Estos templos, más que lugares de culto, eran  considerados moradas del espíritu de la divinidad y por este motivo, sólo el faraón y los  sacerdotes podían entrar en las zonas «privadas» del recinto sagrado, permaneciendo la  nobleza en los patios aledaños y el pueblo ante los pilonos. En la época predinástica eran simples capillas de techo arqueado, construidas con  elementos vegetales. Durante las primeras dinastías pudieron surgir los primeros templos  de adobe.

Pintura La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. La técnica pictórica de los  egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya que aglutinaban  pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, que mezclaban con clara  de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una  capa de tendido "seco" de yeso. Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el  encausto y a veces también el esmalte en joyas, amuletos, escarabeos, estatuillas de  respondientes y azulejos de revestimiento en muros interiores. Utilizan colores planos y tienen carácter decorativo, narrando asuntos más mundanos  que el relieve como fiestas, cacerías o actuaciones musicales, complementando a la gran  estatuaria para conformar un aspecto global de la vida egipcia. El método para realizar los dibujos, se basaba en la ejecución de líneas guía o  cuadrículas, representando la figura humana, según su regla de proporción, en la cual  ésta ocupaba dieciocho cuadrículas si estaba de pie, y catorce si estaba sentada, sin  contar la peluca o adornos de la cabeza. Durante la dinastía saíta, la proporción cambió,  ocupando la figura humana veinticuatro cuadrículas y un cuarto. La representación de la figura humana se caracterizó por la Ley de Torsión: cabeza,  brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de  la figura. Se puede observar también la superposición de figuras y gran colorido, logrando  diversos tipos de armonías. Sus pinturas representaban escenas de la vida real. Su  carácter es decorativo, ya que es empleada en las paredes de templos, tumbas y  palacios.

Escultura Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la  arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus realizaciones  auténticas obras de arte y no simples trabajos de artesanía. Una de las técnicas escultóricas más empleadas por los egipcios era el bajorrelieve,  que consiste en confeccionar imágenes o inscripciones en los muros que se consigue  remarcando los bordes del dibujo y rebajando el muro, tallando las figuras sobresaliendo  ligeramente del "fondo", obteniéndose un efecto tridimensional. Esta técnica, fue concebida y excesivamente utilizada con maestría en el Antiguo  Egipto, donde una vez erigidos los muros y pilonos de los templos, un experto artista,  buen conocedor del canon de perfil y las proporciones sacras, procedía a dibujar el  perímetro de las figuras y los rasgos principales, incluso los jeroglíficos que describían la  escena; una vez rebajado el contorno, y tallado el interior de las figuras, se pintaba todo el  conjunto en vivos colores.

La escultura de busto se denomina también exenta. Es aquella que se puede  contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura  humana se denomina estatua. Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha  para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, su  posición u otras características las esculturas de bulto redondo se clasifican en:  • Busto: Sólo representa la cabeza.  • Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.  • Sedente: Sentada.  • Yacente: Tumbada.  • Orante: De rodillas.  • Ecuestre: A caballo.  • Grupo: Lo que su nombre indica.  La escultura egipcia constituye un capítulo muy interesante en sus dos facetas:  escultura de bulto y de relieve, y en ambas se darán prácticamente las mismas  características. Mantienen un carácter de rigidez, hieratismo, son muy estáticas. Esto es  una manera de transmitir la permanencia (quieren mantener o fijar la vida). Los materiales  más normales son el granito, el basalto y la caliza. También se utilizaba la madera o, si  son pequeñas, otros materiales nobles, como el marfil. Para el faraón se utilizarán los  materiales más nobles. El tamaño es variable, hay algunas grandes, otras de tamaño  natural y otras pequeñas, pero sí se busca una cierta proporción, nunca hay miembros  que desentonen, incluso en las estatuas colosales. Ley de la Frontalidad, o frontalismo, es la denominación del modo peculiar empleado  por los antiguos egipcios en sus representaciones escultóricas de la figura humana. Esta  Ley se mantuvo constante en las esculturas de reyes y dioses durante unos tres mil años. Es una de las convenciones del arte del Antiguo Egipto consistente en esculpir la  figura del faraón, o los dioses, para ser contemplados preferentemente de frente. Las  figuras son muy simétricas, como si se hubieran esculpido respecto de un plano central  vertical, siendo las dos partes muy semejantes.

Grecia Canon o módulo La Escultura del Clasicismo Griego ha sido considerada durante mucho tiempo como  el punto más alto del desarrollo del arte escultórico en la Antigua Grecia. La Canon, un  tratado sobre las proporciones del cuerpo humano escrito por Policleto alrededor del 450  a. C., suele tomarse como una primera etapa, y su final está marcado por la conquista  macedónica sobre Grecia en el 338 a. C. El concepto de «canon» hace alusión a las proporciones perfectas o ideales del  cuerpo humano y se refiere a las relaciones armónicas entre las distintas partes de una  figura. Policleto, en sus obras “Doríforo” y “Diadúmeno” estableció que la altura perfecta  de una figura humana era 7 veces la altura de la cabeza. En el siglo siguiente Lisipo  cambió el canon a 8 cabezas, con lo que las figuras aparecen más esbeltas, como  podemos apreciar en su obra “Apoxyómenos”.

Arquitectura

Existen profundas relaciones entre el culto aqueo y cretense y esas formas de culto  fueron la base que generó la religión griega. Existían dos   formas de culto conocidas, el  culto a la divinidad y el culto a los muertos. El  culto  destinado  a  la   divinidad  tiene   un  paso   intermedio   derivado  del   culto  a  los  muertos,   el   culto   a   los   héroes,   individuos   intermedio,   con   toda   probabilidad   estaba   vinculado con el mundo  micénico, incluso el término hero se deriva de ese idioma.  El culto a la divinidad es otra forma  de veneración que cobra importancia y fuerza en  los momentos que siguieron a la caída del mundo micénico y se enriquecen con nuevas  manifestaciones tributadas a los dioses.  A  los dioses se  les rindió culto  en  muchos lugares,  que les  fueron consagrados  y  donde se realizaban ceremonias dedicadas a ellos. Estos lugares fueron de  distinto tipo:  parajes naturales, algunos resguardados, como las cuevas, otros al aire libre, a veces  señalados con muros.  Naturalmente   existieron   edificios,   en   el   ámbito   doméstico,   como   en   el   palacio   de  Tirinto, donde había un altar, o en casas particulares. La Arquitectura en la Antigua Grecia es aquella que se desarrolló en la Grecia de la  antigüedad, desde el primer milenio antes de Cristo hasta el siglo II a. C. La arquitectura  griega sienta las bases de lo que será la arquitectura del mundo occidental durante siglos.  La codificación de la edad arcaica en tres órdenes estéticos conforme a los cuales  construyeron los antiguos griegos (dórico, jónico y corintio) se convertiría con el helenismo  en un lenguaje compartido por todo el mundo mediterráneo. Orden dórico El estilo dórico es el más rudo y se empleaba en exteriores, especialmente de los  templos dedicados a los dioses varones. Entre otros rasgos estilísticos, se caracteriza por un capitel de gran sencillez,  formado por collarino, equino y ábaco cuadrado, así como por un friso en el que se  alternan metopas y triglifos. Las columnas son esbeltas y carecen de basa. El estilo dórico  era más formal y austero. Se cree que tuvo su origen en las construcciones en madera, cuyas formas pasan  a la piedra. Así, los triglifos responderían a las cabezas de las vigas transversales en las  construcciones de madera. El estilo dórico se usaba en la Grecia continental y de allí se difundió por las  colonias griegas en Italia. La mayor parte de los templos que se conservan de época  griega pertenecen a este estilo: el de Hera en Olimpia (600 a. C.), el de Apolo en Corinto  (540 a. C.), los de Paestum (siglo VI a. C.), el de Apolo en Delfos (520­500 a. C.) y el  Hefestión y los Propileos (437­432 a. C.) en Atenas. Se considera que el estilo culmina  con el Partenón de Atenas (447­438 a. C.), templo octástilo y períptero. En su  construcción participaron el arquitecto Ictino y su ayudante Calícrates. Destaca la  decoración de sus frontones y del friso, obra de Fidias. Una explosión del año 1687  destruyó en parte este templo. Orden jónico El estilo jónico se empleaba en interiores o en exteriores de templos dedicados a  divinidades femeninas. Resultaba elegante y refinado frente al dórico, por lo que se 

asociaba a con la gracia y delicadeza de lo femenino. Era más relajado y decorativo que  el dórico. Este segundo estilo clásico se relaciona con la otra raíz del arte griego, la jonia, en  relación con Asia Menor. Se usó en las ciudades de Jonia (hoy costa occidental de  Turquía) y algunas islas del Egeo. El rasgo más representativo de este estilo es el capitel con dos volutas o espirales  encuadrando el equino. Del entablamento destaca el hecho de que el arquitrabe, que se  muestra usualmente descompuesto en tres fajas horizontales, llamadas platabandas y  que el friso sea una banda continua, sin metopas ni triglifos. Las columnas son más  esbeltas y ocasionalmente son sustituidas por estatuas de muchachas llamadas  cariátides, como ocurre en el Erecteión. Al orden jónico pertenecen dos templos construidos en la Acrópolis de Atenas: el  de Atenea Niké (427­424 a. C.) y el Erecteión. El Erecteión es un triple templo, con las  cariátides jónicas. Algunos de los edificios helenísticos mejor conservados, como la  Biblioteca de Celso, pueden verse en Turquía, en ciudades como Éfeso (templo de  Artemisa) y Pérgamo. Orden corintio Al igual que el estilo jónico, el corintio se empleaba en interiores o en exteriores de  templos dedicados a divinidades femeninas. El estilo corintio, más ornamentado, fue un  desarrollo tardío del jónico en el siglo V a. C. Es el más ornamentado o recargado. Destaca como rasgo estilístico el capitel en  forma de campana invertida o cesta, en cuya parte inferior hay una doble fila de hojas de  acanto, de las cuales surgen unos caulículos o tallitos que se enroscan en las cuatro  esquinas y en los centros. Entre los templos de este orden, destaca el de Zeus Olímpico en Atenas  (174 a. C.). También cabe mencionar la Linterna de Lisícrates en Atenas, monumento  conmemorativo que fue encargado por el poeta Lisícrates para exponer el trofeo obtenido  en un certamen de teatro

Escultura Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas  hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta  el período arcaico (siglos VII y VI a. C.) que los griegos comenzaron a trabajar la piedra.  Los motivos más comunes de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos y  muchachas. De formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra una  belleza ideal. Las esculturas de bulto redondo compartieron la solidez y la característica posición  frontal de los modelos orientales, pero, como podemos comprobar en la Dama de Auxerre  y en el torso femenino encontrado en el santuario de Hera en Samos, sus formas son más  dinámicas que las de la escultura egipcia. Las esculturas masculinas y femeninas, a partir  aproximadamente del año 575 a.C., reflejan en sus rostros la denominada sonrisa arcaica.  Aunque esta expresión no parece obedecer a razones específicas en las figuras o  situaciones en las que aparece reproducida, quizás fue empleada por los griegos como un  artificio que proporcionaba a las figuras un rasgo humano distintivo.

Los relieves, que se desarrollaron con posterioridad a la escultura exenta o de  bulto redondo, representan por lo general figuras en movimiento. El estilo arcaico está caracterizado por la representación de los jóvenes atletas  vencedores en los juegos. Se trata de figuras rígidas que con el paso del tiempo alcanzan  mayor dinamismo. Lo que prima en estas obras es la perfecta proporción basada en la  simetría.  El objetivo que se persigue es la perfección del cuerpo humano y la expresión del rostro.  Estas esculturas siguen el principio de la llamada ley de la frontalidad, conservando los  brazos pegados al cuerpo y rígidos, avanzando habitualmente la pierna izquierda. En el estilo clásico, siglos V y IV a. C., la estatuaria griega fue tomando un carácter  propio y abandonó definitivamente los primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de  las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron  definitivamente en expresividad y realismo. En este período se introdujo el concepto de  contrapposto. Se trataba de una posición por la cual la escultura se apoyaba totalmente  sobre una pierna, dejando la otra libre. Con Fidias culminan los esfuerzos hacia la conquista de la belleza, consiguiendo  las figuras más equilibradas y perfectas. La escultura de la Antigua Grecia alcanzó el ideal de la belleza artística hasta  donde pudo llegar por si solo el ingenio humano. Cultivó el arte de la Antigua Grecia todos  los géneros de escultura, adoptando con predilección el mármol y el bronce como material  escultórico y tomando como asuntos principales los mitológicos y los guerreros a los  cuales añadió en su última época el retrato de personajes históricos. Suele dividirse la escultura griega en cuatro periodos históricos bien delimitados a  los cuales precede el protohistórico o minoico y micénico.  Los cuatro períodos arqueológicos que tras un prolongado silencio artístico  siguieron al micénico se distinguen del siguiente modo: 1. El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C. 2. El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C. 3. El período de perfección o clásico, hasta finales del siglo IV a. C. 4. El período de difusión, que algunos llaman de decadencia, después de Alejandro  Magno hasta la conquista de Grecia por roma, de 323 a. C. a 146 a. C.

Cerámica La cerámica tuvo entre los griegos gran importancia. Fue muy rica y variada en sus  formas y perfecta en sus acabados. Se caracterizó especialmente por la estilización y la  expresión de las figuras. Durante el periodo arcaico se mostraba cerámica de figuras en  negras sobre fondo rojo. En el periodo clásico predominan las figuras rojas sobre fondo  negro brillante. Estilo minoico Poco después del 2000 a. C. aparece a lo largo de toda Grecia un estilo de  cerámica sorprendente que se distingue por la superficie barnizada en un gris mate de  alta calidad. Parece que la introdujeron los indoeuropeos durante su invasión. Estilo micénico

Al principio de la época micénica, 1600 a. C., la cerámica que aparece está  animada con nuevos motivos de elementos tomados de la naturaleza. Estaba influida  fuertemente por los estilos de la Creta minoica. lo más destacado son las jarras de estilo  de palacio, jarras de almacenamiento muy elegantes decoradas con llamativos motivos  florales y marinos. Estilo submicénico Después del 1200 a. C. y de la caída de la civilización micénica, el estilo de la  cerámica submicénica se empobreció, y se simplificó y estilizó el diseño naturalista. Se  caracteriza por el uso de bandas de decoración en meandros o en zigzag. Posteriormente  se introdujeron escenas altamente estilizadas que, de manera abstracta, retrataban  figuras humanas. Estilo protogeométrico Los vasos del periodo protogeométrico (c. 1050 a. C.­900 a. C.) constituyen el  testimonio artístico esencial del principio de la Edad Oscura. Los vasos eran decorados  con motivos barnizados de color negro brillante, descendiente de la Edad del Bronce. A  veces retoman motivos micénicos (líneas ondulantes trazadas a mano, pero los nuevos  motivos (semicírculos, círculos concéntricos) eran diseñados con sumo cuidado, con  compás o con peine. La decoración era simple y se adaptaba a la forma del vaso  subrayando las formas con anchos trazos horizontales o con bandas negras. Estilo geométrico El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. C. Se caracteriza por nuevos  motivos, rompiendo con la iconografía minoica y micénica: meandros, triángulos y otras  figuras geométricas. Estilo orientalizante A finales del siglo VIII a. C. se desarrolló un estilo denominado orientalizante,  resultado de la renovación de los contactos con Oriente y de la influencia de su arte. El  estilo orientalizante se despliega principalmente en Corinto desde 725 a alrededor de  625 a. C.. Corinto se convirtió en un importante productor de cerámica fina y en la primera  ciudad exportadora a todo lo largo del mundo griego. Estilo de figuras negras  El estilo de figuras negras fue inventado en Corinto en el siglo VII a. C. Los vasos  áticos de figuras negras se fabricaron primero bajo la influencia corintia desde circa  620 a. C., y fue llevado a su apogeo por los atenienses entre el 570 y el 525 a. C.,  alcanzando su mayor grado de perfección. Estilo de figuras rojas El estilo de figuras rojas apareció en Atenas hacia 530­520 a. C. Se convirtió  rápidamente en la «punta de lanza» de la producción ática, que le permitió imponerse  como la única gran escuela del periodo clásico. consistía en una inversión de la figura  negra: el fondo era pintado de negro y las figuras tenían el color de la arcilla. Los detalles  eran pintados y nunca incisos.

Roma Arquitectura La arquitectura de la Antigua Roma es probablemente uno de los testimonios más  significativos de la civilización romana. Se caracteriza por lo grandioso de las  edificaciones, y su solidez que ha permitido que muchas de ellas perduren hasta nuestros  días. La religiosidad romana, al igual que la griega, estaba basada en una compleja  mitología jerarquizada, llena de divinidades (muchas de ellas provenientes del Olimpo  griego) y de las sociedades orientales conquistadas. Este hecho favoreció el sincretismo  religioso, rasgo distintivo de a civilización romana hasta la conversión del estado romano  al cristianismo. Además era una religiosidad doméstica, con dioses familiares (manes,  lares y penates) a los que se ofrecían gestos de respeto, dones y plegarias. El mismo  emperador, como Pontifex Máximus, ejercía de intermediario entre el Estado y los dioses. La arquitectura romana adaptó los tres órdenes griegos y el llamado etrusco  modificándolos y añadiéndoles otra forma de capitel que se definió por los arquitectos  renacentistas con el nombre de orden compuesto. De esta suerte, se cuentan cinco  órdenes, a saber: • el orden toscano o etrusco que permanece básicamente igual. • el orden dórico romano que eleva su columna a dieciséis módulos, adorna su  collarino o garganta, añade un talón al ábaco, tiene el astrágalo en forma de  junquillo que rodea al fuste y debajo de la corona de la cornisa lleva dentículos o  mútulos. Esta última diferencia le constituye respectivamente en las variantes de  dórico denticular y dórico modillonar, según los arquitectos del renacimiento. • el orden jónico romano, que adorna más su capitel que el griego, reduce la  magnitud de sus volutas, suprime en ocasiones el astrágalo y eleva la altura del  fuste. • el orden corintio romano, se ostenta más florido aún que el griego y en él abunda,  sobre todo, la hoja de acanto. De ésta, lleva dos o tres series el capitel, dobladas  hacia adelante y además de los dentículos admite series de modillones adornados  para sostener la cornisa. • el orden compuesto, que llegó a ser el predilecto de los romanos no difiere del  corintio sino en engarzarse más los adornos y en alguna modificación accidental  del capitel: éste se constituye por hojas de acanto sin calículos y con cuatro  volutas que salen por encima del cuarto de bocel de modo que parece compuesto  de jónico y corintio. Los romanos recibieron diferentes tipologías que modificaron o adaptaron a sus  gustos o necesidades, desarrollando algunas gracias a nuevas técnicas. Entre estas  podemos señalar la domus, el templo, el teatro y los monumentos funerarios. Además  desarrollaron otras nuevas como: • Basílicas. Eran palacios de justicia y también lonjas, las cuales tenían planta  rectangular con su pronaos o pórtico, sus naves (centrales y laterales) para el  público, su transeptum o chalcidicum para los abogados su absis o exedra par el  tribunal, sus entradas principales y laterales y sus tribunas o galerías, sobre las  naves laterales, con vistas a la central.

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Arcos triunfales. Se dedicaban a honra de algún vencedor glorioso y se  derribaban luego de haber pasado él en triunfo haciéndose permanentes los  construidos durante el Imperio. También se elevaban estos monumentos lo mismo  que las columnas u obeliscos en conmemoración de otros hechos gloriosos. Termas o edificios de baños para el servicio público. Anfiteatros, no conocidos por los griegos. Eran de planta circular o elíptica. Circos. Servían para las carreras de carros como los griegos hipódromos pero  tenían una espina o muro coronado de estatuas a lo largo de la línea media. Naumaquias. Eran anfiteatros cuyo fondo se llenaba de agua para representar  combates navales. Puentes y Acueductos. Calzadas. Bien fundadas y sólidamente empedradas (ya con anchas losas, ya con  menudos cantos) que partiendo de Roma llegaban hasta los extremos del Imperio  con sus márgines o aceras algo elevadas, sus columnas miliarias para señalar las  millas (los miles de pasos), sus puentes, etc. Foros. Teatro. Puede ser de grandes dimensiones, dividido en varias partes: la grada o  cavea, la orchestra de forma circular donde el coro danza, la escena donde tienen  lugar las representaciones y el fondo de escenario.

Escultura La escultura en la Antigua Roma, lo mismo que la arquitectura, es original en el  espíritu de su finalidad, pero en ella pesan mucho las aportaciones formales etruscas y  griegas (helenísticas), siendo de hecho buena parte de la producción escultórica romana  copia de originales griegos. El relieve consistía en esculpir formas tridimensionales poco profundas sobre  superficies planas. Se usaban en trabajos arquitectónicos como columnas, arcos y  templos. Un ejemplo de este tipo de escultura sería el Ara Pacis (‘Altar de la Paz’),  construido en torno a 13–9 a. C. El Ara Pacis era un monumento a la Pax Romana (‘Paz  Romana’), 200 años de paz y prosperidad propiciados por el emperador Augusto. En la estatuaria de bulto redondo utilizaron los mismos materiales pétreos, aunque se  hicieron también gran cantidad de estatuas en bronce o incluso en oro y plata. Se  conservan relativamente pocas estatuas en bronce y casi ninguna en oro o plata, ya que  muchas de ellas se fundieron en la edad media y periodos posteriores. También se realizaron estatuas de dioses, héroes y seres humanos en una amplia  variedad de contextos. Cada templo tuvo su estatua de culto. Las imágenes en mármol y  bronce de dioses y héroes, originales romanos o copias de las antiguas estatuas griegas,  fueron comunes no sólo en los lugares públicos como las termas, sino en los atrios,  jardines y estanques de viviendas privadas.

Pintura Dentro de la Península italiana, en la región de Campania se situaban las ciudades  romanas de Pompeya y Herculano que fueron destruidas por una erupción del Vesubio  durante el reinado del emperador Tito. Las pinturas murales de las ciudades resurrectas arqueológicamente, como  Herculano y Pompeya, hablan de una técnica cuidadosa y de un gran refinamiento  artístico, aunque parte de sus obras son simples reproducciones de cuadros famosos.  También aplicaron en pintura la técnica del retrato; algunos de ellos ofrecen soluciones tan  atrevidas que nos hacen pensar en los impresionistas modernos. Los frescos de Pompeya y Herculano han sido los mejores documentos para estudiar  la pintura romana. Gracias a ellos, se pudieron definir los diferentes estilos de cada  periodo, que revelan la evolución de las técnicas pictóricas y la moda.

Mosaico El mosaico era la decoración lograda por medio de pequeñas piezas de piedra,  terracota o vidrio (las teselas), con las que se formaban decoraciones de motivos  geométricos o figurados. Se utilizaban para la decoración de los suelos, aunque en  algunos casos, en viviendas de extrema riqueza, aparece en las paredes. Los motivos decorativos son muy variados. Suelen tener una greca en el borde que  enmarca   el   motivo   principal   que   suele   estar   en   el   centro,   éste   es   el   emblema.  Encontramos varios tipos, dependiendo del tamaño de las teselas: Opus Sectile ­   El   más   rudimentario,   imita   labores   de   mármoles   o   piedra   mediante   grandes   piezas,  fragmentos de distinto tamaño de mármol que se acoplan formando un dibujo de tema 

figurativo   o   composiciones   geométricas   (círculos,   cuadrados,   formando   diferentes  composiciones).  Opus Tesellatum ­ Cuando el tamaño de las teselas es superior a 1 cm. Mediante estas pequeñas tesellas,  se forman escenas, desarrollando verdaderas composiciones pictóricas. Opus Vermiculatum ­ Cuando el tamaño de las teselas es inferior a 1 cm. El mosaico se concibe en este caso  como una simple imitación de la pintura, buscándose un acercamiento a los efectos que  consigue el pintor con su pincel. Para ello se utilizan cubos sumamente reducidos (de  unos pocos milímetros de arista) y se buscan las máximas gradaciones de color. El lugar de fabricación era un taller especial. Allí lo primero que se hacía era  diseñar el cuadro. Después de haber diseñado el cuadro se hacía una división de acuerdo  con el colorido. Se sacaba a continuación una plantilla en papiro o en tela de cada una de  esas parcelas divididas y sobre dicha plantilla se iban colocando las teselas siguiendo el  modelo escogido con anterioridad. Las teselas se colocaban invertidas, es decir la cara  buena que luego se vería tenía que estar pegada a la plantilla. Cuando este trabajo  estaba terminado, los expertos lo transportaban in situ para que el artista concluyera allí  su obra.

Prehistoria

Escultura

Materiales

Temática

Proporciones

Venus de  Willendorf

Piedra caliza Hace  referencia a la  fertilidad 11,1 cm. de alto  y 15 cm. de  ancho

Egipto

Nefertiti Piedra caliza  cubierta por  capas de  estuco

Religiosa

Grecia

Roma

Nacimiento de  Afrodita

Rómulo y  Remo

Mármol griego

Bronce

Mitología griega

Mitología  romana

1,02 mts. de alto y  1,44 mts. de ancho