La luz y el claroscuro

Ya hemos estudiado como gracias a la luz percibimos el color, pero la luz define las zonas de claridad y de sombra; resalta y acentúa algunas zonas, las más importantes, y oculta otras. En definitiva, La luz es un elemento fundamental a la hora de crear el significado global de la imagen ya que nos permite percibir la forma, y el claroscuro es una técnica que nos permitirá representar los bojetos con volumen.

Para definir correctamente el volumen de un objeto debemos valorar exactamente las intensidades de sus sombras. Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas. Sombras propias son las que se producen sobre las superficies del propio objeto, y las proyectadas son las que produce en las superficies vecinas.

También hay que tener en cuenta los reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u objetos vecinos, ya que aclaran la sombra propia. Entre la luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede variar en extensión dependiendo de la intensidad de la luz

LUZ

Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz de forma directa.

“Mujer con Turbante”. Vermeer. 1665

LUZ

SOMBRA (propia) Es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.

“Mujer con Turbante”. Vermeer. 1665

MEDIAS TINTAS o PENUMBRA zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura, comprende gran variedad de grises.

REFLEJO Area que recibe parte da la luz reflejada por alguna superfiecie cercana.

“Mujer con Turbante”. Vermeer. 1665

Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra. En las superficies curvas la transición que se produce es suave

Si la fuente de luz es difusa, producirá unas sobras suaves, con una zona de medias tintas amplia y variada, es decir la transición de la luz a la oscuridad será muy paulatina y difuminada. La luz suave consigue expresiones delicadas.

Si la fuente de luz es puntual, producirá unos contrastes duros y bien delimitados entre la luz y la sombra, con una zona de medias tintas muy reducida. La luz fuerte o dura consigue efectos de dureza y dramatismo.

La luz puntual se puede dirigir al objeto desde diferentes direcciones, de manera que puede ser más o menos dramática, según las partes del objeto que resalta u oculta, y dónde centra el interés.

Luz Cenital Iluminar una figura directamente desde arriba puede dar un aspecto amenazante. Enfatiza la estructura de los huesos y la profundidad de las cuencas de los ojos.

LUZ

La iluminación desde abajo crea un aspecto misterioso y poco familiar. Incluso las zonas iluminadas en los ojos se ven extrañas debido a su colocación. Date cuenta de cómo el ángulo de luz también enfatiza la textura de la piel. Compárala a la imágen de la sección anterior: es la misma cara, sólo la posición de la luz se ha movido, pero parecen completamente diferentes la una de la otra.

LUZ

La iluminación lateral La luz lateral produce sombras muy densas (luz dura), realzando los volúmenes. Se destaca la textura de las formas y cuando es muy intensa llega a dominar el objeto.

LUZ

La iluminación frontal Produce un aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles, pero anula la textura.

La iluminación desde atrás o contraluz Reduce la figura a una silueta sin revelar su expresión.

La luz y el claroscuro en la Pintura

El claroscuro, fue utilizado inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, como técnica de dibujo que permitía hacer un estudio previo para posteriormente pintar el cuadro a color.

“Estudios para San Juanito y el ángel de la Virgen de las Rocas respectivamente ” Leonardo da Vinci

También se usaba para el estudio minucioso en los pliegues en las vestiduras.

El claroscuro (chiaroscuro en italiano) es una corriente artística que se caracteriza por utilizar grandes contrastes de luz. Algunas partes de la imagen se dejan muy oscuras, mientras que otras se iluminan intensamente. De esta forma las zonas con luz destacan con gran fuerza de la escena y se produce un efecto visual de relieve. Esta técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.

“David y Goliat” Caravaggio 1599

“Narciso” Caravaggio 1599

El tenebrismo cuajó con fuerza en la pintura española de finales de el siglo XVI y principios del XVII. Algunos pintores con influencias de esta escuela son Francisco Ribalta, José de Ribera también conocido como Españoleto, Y el máximo exponente del tenebrismo en España, el extremeño Francisco de Zurbarán .

“Cristo y San Bernardo” Francisco Ribalta

“Martirio de San Felipe” José de Ribera 1639

“Agnus Dei” Zurbarán 1635-1640

Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, 7 de noviembre de 1598 – Madrid, 27 de agosto de 1664) pintor del Siglo de Oro español, contemporáneo y amigo de Velázquez. Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos.

“Bodegón” Zurbarán 1635-1640.

Pinacoteca Francisco de Zurbarán

En el Barroco con el tenebrismo, se busca lo teatral y efectista y por eso los contrastes entre luces y sombras son muy marcados Las luces artificiales aparecen iluminando dramáticamente lo que interesa, dejando en acusada penumbra lo que no. Pero en la historia de la pintura, el tratamiento de la luz ha sido muy diferente dependiendo de las épocas y los autores, y casi siempre ha estado ligada al tratamiento del color. Veamos algunos ejemplos.

Johannes Vermeer van Delft (bautizado en Delft, el 31 de octubre de 1632 - id. 15 de diciembre de 1675) uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa, en que su país experimentó un extraordinario florecimiento político, económico y cultural. La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de Holanda. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

Titulado “El Taller del Pintor”. Podemos observar al propio Vermeer trabajando en su salón, pintando a la chica que aparece al fondo. Acaba de empezar el cuadro y va ricamente vestido, muy colorido y con sombrero, todo muy refinado. Todo aparece como si nosotros descorriésemos el bello cortinaje y nos asomáramos al taller de Vermeer, creado a partir de la perspectiva de las baldosas del suelo y de la distribución muy meditada de los diversos elementos en el espacio. El primer plano está en atrevida penumbra y el fondo resalta por su luminosidad.

El esquema compositivo se repite: una ventana en el lado izquierdo deja entrar la luz natural y entre rico mobiliario, vestimenta y joyas se desenvuelven uno o dos personajes, predominantemente femeninos. La protagonista es siempre la mujer, tratada de forma muy delicada, detallista y sensual. Ella ríe, duerme, cose o trabaja, siempre bañada por una sugerente y tamizada luz que juega enormemente con los claroscuros.

“La lechera “ Vermeer 1658-1660

“La pesadora de perlas” Vermeer SXVII

El interior representado explota en detalles como lámparas, muebles, tapices, cuadros, mapas, suelos alicatados, etc. A pesar de esta presencia de personajes, lo verdaderamente importante para Vermeer es el espacio y la luz. Los personajes son accesorios. Vermeer se convierte así en el pintor de la intimidad, de lo recogido y sosegado, de lo tranquilo y lo sugerente. Su luz es mágica: dorada y sensual, consigue subrayar la atmósfera y el aire, con un poco de imaginación podríamos ver las motas de polvo flotando visibles a la luz lateral de la ventana. “El oficial y la joven que ríe” Vermeer SXVII

“La Encajera” Vermeer SXVII

“Muchacha con turbante” o “La joven de la perla” SXVII

Pinacoteca de Vermeer

Hablar de luz en la pintura es referirse forzosamente a Venecia, la luminosa capital adriática. Debido a su situación en una laguna litoral y a su configuración como una ciudad sobre cientos de islitas entre canales, la luz de Venecia es muy intensa y dorada. Esta circunstancia ha sido una constante en los pintores venecianos de diferentes épocas y estilos como Carpaccio, Giorgione, Bellini, Tiziano, Tintoretto y Canaletto. Este último realizó una serie de vistas urbanas de su Venecia natal y en ellas observamos la riqueza lumínica que baña los edificios y los canales.

Canaletto (Venecia, Italia, 7 de octubre de 1697 – ibídem, 19 de abril de 1768),cuyo verdadero nombre fue Giovanni Antonio Canal fue un pintor famoso por sus paisajes urbanos de Venecia los cuales teatralizaba al representarlos, llegando incluso a cambiar la realidad con el fin de embellecerla. Sus maravillosas luces doradas y difusas envuelven una venecia propia de los sueños. Pinacoteca de Canaletto

“Plaza de San Marcos” Giovanni Antonio Canal o Canaleto sXVIII.

“Vista sureste de la Plaza de San Marcos” Giovanni Antonio Canal o Canaleto sXVIII.

“Vista a través de un arco del puente de Westminster” Giovanni Antonio Canal o Canaleto sXVIII.

Claude Monet (1840-1926) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. El impresionismo debe su nombre a la célebre obra de Monet: “Impression, sloeil levant” (Impresión: amanecer), sin lugar a dudas el ejemplo más paradigmático de la luz emergente del cuadro.

“Impression, sloeil levant” Claude Monet 1872

Para no perder la inmediatez de la sensación, recurre a aplicar directamente el color a través de manchas sobre telas preparadas en blanco con rápidas, sueltas y agitadas pinceladas, reproduciendo el carácter prismático de la luz, permitiendo que los colores se mezclen ópticamente al contemplarlos desde la distancia adecuada El espacio se percibe a través del color y la luz no del dibujo. Monet representa en sus cuadros efectos de luces artificiales; luces de estrellas; reflejos interiores; reflejos en el río...

“Puesta de sol en Etretat” 1883

“Versión del Puente de Waterloo en Londres” 1900.

“El Támesis en Westminster “ 1871.

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia 1863 - 1923), fue uno de los pintores más prolíficos con más de 2.200 obras catalogadas. Aunque muy influenciado por los impresionistas debido a su interés por plasmar la luz natural y el efecto que ésta produce sobre las superficies, su pintura tiene unas características muy diferentes, pues Sorolla no pinta a base de pequeñas pinceladas, utiliza grandes manchas de colores pastel. Su pintura representó la aplicación directa del luminismo al paisaje y la figura, acercando por tanto esta tendencia a la sociedad de la época.

“Paseo a orillas del mar” Sorolla

“El baño del caballo” Sorolla

Joaquín Sorolla captó la luz y el color del Mediterráneo, inmortalizando con sus pinceladas amplias el movimiento de las figuras representadas. Llenó sus cuadros de escenas cotidianas, los pescadores, los niños jugando en el mar, los paseos, el baño…

Museo Sorolla

“Chicos en la playa” Sorolla

Propuesta de Actividades

Lámina para realizar con lápiz de grafito y/o bolígrafo negro.

Recomendado para 1º de ESO

Lámina para realizar con lápiz de grafito y/o bolígrafo negro.

MEDIO TONO

LUZ SOMBRA PROPIA

SOMBRA ARROJADA

REFLEJO

Recomendado para 1º de ESO

Lámina para realizar con lápiz de grafito y/o bolígrafo. En 1º de ESO si es necesario, se puede dar dibujada la pieza.

Recomendado para 1º y 3º de ESO

Este ejercicio consta de tres partes. Primeramente debes obtener una figura tridimensional (en este caso una pajarita, aunque pueden desarrollarse figuras geométricas tridimensionales) a partir de un plano (una hoja de papel). Seguidamente coloca la figura cerca de un foco de luz, haz pruebas y elige la que mas matices de sombras produzca. Dibuja dicha pajarita sobre el papel, y recuerda ir dando sombras de más claro a más oscuro o viceversa.

Recomendado para 1º y 3º de ESO

Dispón algunos objetos sencillos, ilumínalos y a dibujar. No olvides el fondo de la composición.

Recomendado para 1º , 3º y 4º de ESO

Mira los siguientes ejemplos, y realiza composiciones similares donde la luz sea la protagonista de la escena. Experimenta con diferentes técnicas.

Recomendado para 1º, 3º y 4º de ESO

Realiza un autoretrato siguiendo las siguientes normas. Utiliza los colores fríos para los fondos y las zonas en sombra, y los colores cálidos para las zonas iluminadas y los medios todos.

Recomendado para todos los cursos

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