P ER IÓD I CO

MUNAL

ESTRENAMOS Publicación mensual del Museo Nacional de Arte

• Número 8

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Septiembre 2012

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Distribución gratuita

NUEVO PORTAL

munal.gob.mx porque hay Museo para rato entérate de esto y más: págs. 6-10

Rubén Herrera

maestro de la Academia Retratos hablados

La vida breve y fructífera de Julios Castellanos

¡Apocalipsis!

El fin del mundo según Tamayo

HE M EROTEC A

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Archivos secretos

El palacio que sobrevivió a la destrucción

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El Museo Nacional de Arte inaugura una muestra consagrada a este importante pintor coahuilense, quien sobresalió por su técnica en el dibujo y pintura academicista. Herrera gozó de gran maestría en el trazo, fue un ferviente seguidor de los antiguos métodos empleados en la enseñanza del arte que promulgaban el “diseño” como la base de la pintura, de ahí sus numerosos estudios de manos, rostros, torsos y bocetos de múltiples temáticas. Acércate al Munal para conocer su obra, enfocada en el retrato, naturalezas muertas y el paisaje.

Págs. 21-23

"El Chango" García Cabral vs. Francisco I. Madero. Pág. 16

e d i t o r i a l

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directorio

consejo nacional para la cultura y las artes

Consuelo Sáizar ⎬ Presidenta

instituto nacional de bellas artes y literatura

Teresa Vicencio ⎬ Directora General Alejandra Peña ⎬ Subdirectora General del Patrimonio Artístico Inmueble Mónica López Velarde ⎬ Coordinadora Nacional de Artes Plásticas Miguel Fernández Félix ⎬ Museo Nacional de Arte patronato del museo nacional de arte

Roberto Hernández ⎬ Presidente Marcela Arregui ⎬ Coordinadora Ejecutiva Mariana Canales⎬ Coordinadora Operativa periódico munal

Director Editorial: Miguel Fernández Félix Editores: Pablo Martínez, Bernardo Esquinca Consejo Editorial: Evelyn Useda, Nina Shor, Ví­ctor Mantilla, Andrea Villalba Coordinador de Diseño: Carlos Morales Diseño y formación: Diana Alvarado Colaboradores: Arturo López Rodríguez, Román Quiroz, Luis Javier Sáenz, Oswaldo Truxillo Imagen de portada: José María Velasco, La Alameda de México, 1866.

Filas surrealistas: la exposición Surrealismo: Vasos Comunicantes se va el 15 de septiembre, no la dejen escapar.

Tacuba #8, Centro Histórico, Cuauhtémoc, México, D.F., 06010

Queridos lectores,

Arranca el último tercio del 2012, año en que el Museo Nacional de Arte se ha vestido de fiesta. Los trabajos de restauración asignados para este periodo han concluido y el palacio no podría estar en mejor estado para festejar sus 100 años. Las más de 3000 piezas que conforman el acervo consolidado en estas tres décadas como museo, dialogan hoy con intervenciones de artistas contemporáneos en todos los núcleos del recorrido histórico y los espacios del recinto. Exposiciones internacionales con obra de distintos países y corrientes, así como muestras de artistas nacionales, nos acompañarán en este cierre de celebraciones. En esta edición, como en todas, puedes consultar nuestra cartelera de cine, conciertos, talleres, recorridos especiales y conferencias. Durante el mes de septiembre se van los surrealistas, pero no sin un cierre de película y funciones al aire libre en la plaza Tolsá. También preparamos la siguiente exposición temporal, que vendrá de Francia a cautivar nuestra mirada. Pero en la transición entre exposiciones temporales "de gran formato", el museo ofrece otras muestras.

Los horizontes de la vocación del Museo Nacional de Arte son vastos. De ello el compromiso con la difusión de los artistas de los estados representados en el acervo. Además de los gabinetes cuyas obras cambiaron en agosto, en las salas 31 y 32, ubicadas en el primer piso del museo, inauguramos la muestra Trazo y Volumen, del artista coahuilense Rubén Herrera. En esta edición hacemos un homenaje al pintor y educador nacido en Saltillo en 1888 y muerto en México en 1933, poco tiempo después de haber llegado a la capital para ocupar una oficina en el Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas, hoy casa del Munal. Por si fuera poco, el Museo Nacional de Arte lanza su nuevo sitio web, donde el público no solamente encontrará información sobre la agenda de actividades, sino también una ventana digital al trabajo de los más de 400 artistas representados en el acervo del Munal a través del catálogo en línea. Los invitamos pues a celebrar, así sea reviviendo la colección a través de la pantalla; nosotros lo seguiremos haciendo hasta que termine el año.

Página 3: El pintor decimonónico Petronilo Monroy (1836-1882) ha perfilado como bacante a una sílfide mujer de belleza griega, seductora, graciosa. Esta devota del Dios Baco levanta con su brazo izquierdo un ramo de tirsos y con el derecho sostiene el velo transparente que cubre la mitad de su blanquecino cuerpo, sostenido en un solo pie en puntas. Alegoría plástica de los ritos o misterios báquicos en torno a la divinidad varonil de la mitología griega.

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Museo Nacional de Arte Conmutador 51303400 Fax 51303401 Ext. Miguel Fernández · Dirección 3411 Sara Baz · Exhibición 3441 Adolfo Mantilla · Investigación 3442 Lluvia Sepúlveda · Curaduría 3424 Ma. Elizabeth Herrera · Registro de Obra 3428 Nina Shor · Comunicación Educativa 3459 3414 Mary Carmen Lozano · Relaciones Públicas Pablo Martínez · Difusión 3468 Andrea Villalba · Medios Electrónicos 3438 Evelyn Useda · Coordinación Editorial 3415 Fernando Corona · Biblioteca 287 Carlos Morales · Desarrollo Institucional 3466 Adrián Pérez · Sistemas 3464 Salvador Sánchez · Museografía 3451 Elvia Pérez · Arquitectura 3496 Angélica Martínez · Administración 3472 320 Agustín Montes de Oca · Seguridad María Purón · Patronato 3487 Yunuen Morales · Tienda 3493

Con la fuerza

Agradecimientos: Ing. Sergio Autrey (RÉCORD) Claudia Verdugo Evans (Directora de Producción) Erik Flores Benítez (Coordinador de Producción) Jaime Martínez Rivera (Coordinador de costos de producción) Marco A. Hernández de la Luz (Coordinador de producción) Ivan González Pérez (Coordinador de producción) Preprensa Notmusa

Nos interesa tu opinión

[email protected]

www.munal.com.mx

Petronilo Monroy, Bacante, s/f.

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e d u c a c i ó n

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A

do

Ricar Rubia les

proximadamente el 50 por ciento de la corteza cerebral participa en el momento en que observamos. Así, en fracciones de segundo, somos capaces de distinguir una diversidad de formas, texturas, planos y colores. En un sentido, el acto de mirar puede ser percibido como un proceso perceptivo automático, y entonces se le resta importancia a la enseñanza, el uso y comprensión de imágenes tanto en la infancia como en la edad adulta. El archivo visual de cada persona determina el acercamiento, interpretación y significado de las imágenes a las que nos enfrentamos. Entonces ver no sólo se refiere a un proceso sensorial sino también cultural vinculado al contexto social e histórico. Ver y aprender a ver, por lo general implica hacerse preguntas, observar, analizar; construir significado. Aprender a observar, encontrar diferencias, relacionar imágenes es parte necesaria de eso que llamamos “visitar un museo de arte”. Al indagar, explorar y hacernos preguntas que involucren explica-

ciones reflexivas estamos participando de un proceso de aprendizaje donde nosotros marcamos la rapidez, la cantidad de información y las metas de ese proceso. Se vuelve fundamental subrayar que: “Tus impresiones como observador, tus sentimientos e interpretaciones son una parte integral del significado de las obras de arte”. Reflexionar sobre estas impresiones e interpretaciones; descubrirlas, exa-

minarlas, revisarlas y ampliarlas, es parte de lo que significa acercarse al arte y aprender algo en los museos. Entonces bajo esta perspectiva, el “estar en el museo” puede tener dos efectos fundamentales en el pensamiento: brinda espacios para hacer que pensemos más detenidamente y amplía el campo del pensamiento más allá de la mente,

¿Sabías qué? La encuesta Nacional de hábitos, prácticas y consumo culturales realizada por Conaculta en el 2010 rebeló que el 59 por ciento de la gente encuestada no había visitado un solo museo en el transcurso de un año. Del 41 por ciento que sí había visitado un museo sólo el 13 por ciento lo hizo en más de una ocasión. Otro estudio arroja que cerca del 50 por ciento del público que visita un museo lo hace por menos de una hora. Esto quiere decir que la gente viene poco a los museos y cuando llega a ellos, pasa poco tiempo dentro de los mismos. Esta realidad pone muchos retos a dichas instituciones. Quizá una manera de comenzar sea invitando a nuestros públicos a que cuando nos visiten, se atrevan a desafiar su capacidad de mirar. Muchos que lo han hecho han encontrado fácil regresar y pasar tiempos prolongados en el museo.

para incluir al cuerpo y la emoción. El estar en el museo con sus tiempos pausados y su amplio espectro de posibilidades de reflexión y percepción, nos convertirán en co-autores de las propuestas artísticas. Mirar, tocar, escuchar, sentir, conversar con otros, con nosotros mismos, buscar respuestas, probar, experimentar, volver a nuestras preguntas, volver a conversar, sentir de nuevo es fundamental para la comprensión. Estamos seguros que cada espacio, palabra, objeto y material que se encuentra en el museo tiene la posibilidad de que descubras, encuentres, observes y relaciones.

Posturas y opciones A diferencia de las ciencias exactas las artes no utilizan leyes, fórmulas y respuestas “correctas”, por el contrario, siempre presentan diversas posturas y opciones. De hecho, el encontrarte con una propuesta artística implica necesariamente escuchar diversas voces, conceptos e ideas que pueden ser comunes a lo que ya conoces o que puede ser demasiado distante y aún así a través de la obra, cercano. Así, cuando los visitantes participan en el proceso de estar en el museo, es importante adentrarse en una propuesta artística, conversar con otros sobre lo que se ve, se siente y se dice del arte; y celebrar la diversidad. El contacto con el arte permite a las audiencias ampliar horizontes, mirar nuevas opciones e inferir posibilidades. En el arte los problemas pueden tener más de una solución y las preguntas más de una respuesta. Esta pluralidad también señala las pequeñas diferencias, y esa es otra lección del arte. En el acercamiento a una expresión artística tratemos de observar más de cerca,

El 25 de septiembre de 1877 nació en Guaymas, Sonora, Plutarco Elías Calles, Caudillo de la Revolución mexicana, el “Jefe Máximo”; fue Presidente de México de 1924 a 1928.

¿Será posible que el Museo permita a cada persona reflexionar sobre la manera como vive su vida? ¿Puede esta institución convertirse en un catalizador de ideas y conocimiento? ¿En un espacio que no sólo brinda información enciclopédica sino acerca, contrasta, provoca y facilita la autocomprensión? En este artículo intentamos responder dichas preguntas. *Resumen del artículo “Exhibición e interpretación” de Ricardo Rubiales. Para leerlo completo puedes encontrarlo en el Portal para maestros: www.munal.com.mx

tomemos en cuenta toda imagen, sonido, textura: aquí cada detalle es importante. Solemos fijar nuestra mirada en lo más evidente pero no olvidemos, las artes suelen utilizar muchos subtítulos. Al hablar de aprendizaje dentro del espacio museal, nos referimos directamente a las relaciones entre los usuarios y el ambiente, las propuestas, los objetos, otras personas. Es necesario ampliar nuestra comprensión de la experiencia de aprendizaje en el contexto museal, es decir, concebir al museo como un laboratorio de aprendizaje donde las personas experimentan procesos cognitivos y afectivos que podemos estorbar o potenciar. Una vez más, en el museo, aprender entonces se refiere a procesos de interpretación y trascendencia, y no a simple transmisión de información. El museo, cuando se percibe como un laboratorio, múltiple, rico en significados, abierto a la experimentación y el encuentro, se convierte en un espacio de aprendizaje significativo.

No te pierdas… Próximamente nueva versión del Portal para maestros. Ingresa a www.munal.gob.mx para descubrir los cambios.

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Nuevo sitio web del Museo Nacional de Arte

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Andrea Villalba A propósito de su treinta aniversario, el Museo Nacional de Arte presenta un nuevo portal web, plataforma digital que combina tecnologías 2.0 para proveer acceso al público visitante a secciones especiales en las que el acervo plástico bajo su resguardo es el protagonista.

11 secciones, 3 micrositios: catálogo en línea, portal de maestros, Museo Digital, y varias redes sociales integran este desarrollo que será permanentemente actualizado.

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a tendencia nacional e internacional en los museos apunta hacia la creación de espacios que permitan expandir su presencia en un contexto global. Durante los últimos años, los museos internacionales han apostado hacia la renovación de sus espacios en web, ya sea reestructurando sus páginas o aprovechando el uso de las redes sociales. Este proceso se ha reflejado en lo nacional, donde instituciones culturales han puesto su interés en el desarrollo y análisis de las nuevas tendencias digitales y su aplicación, ya sea a través de la web o incluso en dispositivos móviles.

El Munal será el primer museo mexicano en hacer accesible su acervo completo en web. Por su parte, el Museo Nacional de Arte, consciente del potencial que este escenario promueve, también comenzó a trabajar en herramientas que integran esta nueva plataforma: siguenos en:

www.munal.com.mx

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el Catálogo en Línea, sección de la página que hará accesible a los usuarios todo el acervo del Museo, tanto exhibido como en bodegas a través de imágenes, fichas técnicas e información complementaria; o el Portal de Maestros, micrositio educativo que proveerá de herramientas a los maestros de educación básica para crear experiencias dentro del aula sobre los artistas exhibidos en el Munal. Esto, entre otras secciones que incluyen la vinculación con el acervo plástico del Museo y la arquitectura del edificio, como el recorrido 3D que complementa la información sobre el antiguo Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas, sede del Munal.

Para septiembre de 2012 el Munal cuenta con más de 44,000 seguidores en twitter. También tiene presencia en Facebook con alrededor de 20,000 fans y más de 10,000 reproducciones en Youtube. Aunado a estos apartados también se incluirán en un futuro micrositios destinados a la divulgación de los proyectos del Museo como la Red de Bibliotecas de Arte Mexicano (ReBAM), proyecto encaminado a fortalecer el estudio y la investigación del arte nacional a través de los acervos bibliográficos y documentales de las instituciones más importantes, con bibliotecas especializadas en arte. A la fecha, este proyecto cuenta con 18 miembros destacables

¿Qué hay de nuevo? El desarrollo que propone el Museo rehúye a los formatos estáticos. Se pretende un ambiente virtual pensado para que el Munal amplíe su presencia hacia la red, y optimice la experiencia de los visitantes virtuales. El reto principal es que el contenido resulte atrayente, interesante y permanentemente actualizable, al tiempo de ser un espacio en donde este público virtual tenga la posibilidad de profundizar en diferentes temas acordes a su interés.

Con el catálogo en línea se difundirá más el 80% del acervo que actualmente se resguarda en bodegas. La página está conformada por diez secciones, presentadas a través de una interfase limpia y clara en la que la combinación del aspecto visual, aunada con el contenido textual e interactivo, es el punto clave para atraer la atención de quien acuda a la página. Sobre la accesibilidad, se trabajó en una plataforma que pudiera ser vista en computadoras de escritorio y laptops e incluso en dispositivos móviles, favoreciendo el acceso a través de tabletas o teléfonos inteligentes. Además de facilitar la navegación intuitiva y la rápida localización de contenidos, cada sección está ubicada con un color específico, lo que permite diferenciarlas e identificarlas. A todo ello se suma la integración de redes sociales, en las que los usuarios podrán compartir a través de facebook o twitter aquellas secciones de su interés. Por último, la premisa de diálogo entre el Museo y los usuarios es posible, pues coexiste un esquema de comentarios para que el

público deje saber sus opiniones e inquietudes, y éstas sean atendidas por los responsables de cada departamento, lo que acerca al Munal con sus visitantes.

Cabe destacar que el concepto general y el desarrollo de esta plataforma fueron realizados a partir de los procesos internos del Museo, pues las aplicaciones y bases de datos que ya están en funcionamiento para el estudio de los acervos y la operación de proyectos encuentran una salida adaptada y pensada para el público. Los departamentos del Munal trabajaron en coordinación interna y en colaboración con especialistas en programación y diseño, lo cual dio por resultado un producto totalmente armónico que refleja la interdisciplina de las áreas del Museo y sus procesos de trabajo, lo que no hubiera sido posible si se hubiera optado por un desarrollo externo al Museo.

Descargables, videos, algunos interactivos, biografías y sugerencias de talleres y dinámicas en el aula son algunas de las herramientas disponibles para Primer desarrollo maestros. en México de su tipo, Otro principio interesante que con él el Munal opera dentro de esta nueva página, es que todas las secciones se vincu- buscará afianzar larán a través de aquellos contenidos su relación con que resulten afines, haciendo más amplia la gama de posibilidades a los docentes de través de las cuales se puede acceder educación básica sin a algún tema. Es decir, si un usuario está interesado en conocer la obra de importar en donde se José María Velasco resguardada en el Munal, podrá acceder a ella a través ubiquen. del buscador del Catálogo en Línea y seguir su recorrido a través del Portal para Maestros; o culminarla en el hub Munal, concentrador de contenidos digitales como son videos creados por el museo y alojados en Youtube, o artículos del Periódico Munal cuyos números anteriores pueden ser consultados y descargados en formato PDF para su lectura offline.

El 3D del Munal cuenta con más de 3,000 m2 de alzados realizados por computadora.

El 31 de septiembre de 1891 nació en Monterrey, Nuevo León, Fidias Elizondo, escultor, formado en la Academia de San Carlos, autor del conjunto escultórico del Cerro del Cubilete en Guanajuato.

El museo va a ti ¿A quién está dirigida esta página? Se plantea que la web cuente con información útil para los visitantes que están planeando su asistencia al Munal con datos sobre ubicación de salas, horarios y cartelera cultural. Pero también está pensada para públicos virtuales, que por su ubicación o condición el acceso al museo es limitado o nulo. Para ellos los apartados dedicados a cada una de las Exposiciones Temporales pueden resultar atrayentes, puesto que galerías de imágenes, micrositios y videos podrán permitir el acceso incluso cuando las muestras ya hayan concluido.

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Las celebraciones por el 100 aniversario del edificio y 30 del museo, expresadas a través de las intervenciones de artistas contemporáneos, también estarán presentes a través de documentación fotográfica y de video. Incluso los internautas que opten por conocer al Museo mediante el 3D experimentarán una visita similar a la que tendrían si lo hicieran físicamente. Finalmente el objetivo de la plataforma es ser un complemento a la visita para aquellos asistentes presenciales, y un acercamiento muy real para los públicos virtuales.

Para su realización se tomaron alrededor de 5000 fotografías para generar texturas y referencias necesarias.

NUMERALIA

44

mil seguidores en twitter

20

mil seguidores en facebook

10

mil reproducciones en Youtube

A PARTIR DEL 12 DE SEPTIEMBRE

munal.gob.mx El 2 de septiembre de 1895 nació en Texcoco, Estado de México, Antonio M. Ruiz, “El corcito”, considerado uno de los representantes del arte popular mexicano y del surrealismo.

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Andrea Valencia Adriana López Después de un arduo trabajo de 6 años, sale a la luz el Catálogo en Línea dentro de la página web del Munal. En él se podrán apreciar las 3,769 piezas del Acervo, mismas que van incrementando con las adquisiciones y donaciones que se realizan al Museo.

E

n 2004 se desarrolló una aplicación básica para uso interno en la que se registraron las fichas catalográficas del inventario de la colección Munal. Esta herramienta facilitó el acceso a la información; sin embargo, la aplicación no contaba con los medios suficientes para dar abasto a las nuevas demandas del Museo respecto al manejo de la colección, aunado a las necesidades del acceso a la información del público. Por otro lado, la evolución de las comunicaciones exigió una nueva forma de interactuar con la colección del Munal, siendo una tendencia mundial la digitalización de la información. De acuerdo a esta demanda, en 2007 se comenzó a conceptualizar un Catálogo en Línea y en 2008 surgió como proyecto formal. Después de un arduo trabajo de 6 años, sale a la luz dentro de la nueva página web del museo, el Catálogo en Línea. ¿Por qué es tan importante para el Museo el desarrollo de un proyecto tan ambicioso? Uno de los objetivos del Museo Nacional de Arte respecto a su misión, es el difundir su acervo y generar experiencias significativas para nuestro público; respecto a esta premisa, es indispensable considerar a Internet y las redes sociales como los nuevos medios de información y difusión más importantes de nuestros tiempos. A través de nuestro portal, los usuarios podrán navegar por el total de las piezas registradas del acervo que el día de hoy son 3,769 y que van incrementando con las adquisiciones y donaciones que se realizan al Museo. Es importante mencionar que para que este catálogo saliera a la luz, se ha realizado mucho trabajo de investigación de las obras. Algunas de las actividades que hemos realizado son la catalogación por disciplinas, técnicas y tipos de objetos. Gracias a este trabajo, el museo ha identificado que la colección se divide en 6 disciplinas a las que los usuarios podrán tener acceso, como son la pintura, la escultura, el dibujo, la fotografía, las artes plásticas y las artes decorativas.

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En el Catálogo en Línea, los usuarios tendrán acceso a la ficha técnica de cada obra y a más de 2,300 imágenes en alta resolución que les permitirán apreciar detalles como las tramas de los lienzos y el papel que sirven de soporte para las piezas. Así mismo podrán consultar comentarios de especialistas y consultar videos relacionados con las piezas. El catálogo permite que el usuario realice búsquedas básicas a través de menús sugeridos, o hacer una búsqueda abierta para navegar las colecciones. En otras secciones del catálogo encontrarán reseñas sobre los periodos que abarca el acervo, la historia de la formación del mismo, así como una página donde se describen las actividades que el museo realiza y ofrece en torno a su acervo.

lo que podrás ver

3,769

piezas que componen el acervo del Munal

Antonio Fabrés, Los borrachos (Bacanal), 1896

6

colecciones completas

2,300 detalles de piezas en alta definición

479

comentarios de especialistas

El 4 de septiembre de 1896 nació en Marsella, Francia, Antonin Artaud, poeta bohemio vinculado al movimiento surrealista francés; visitó México en 1936.

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Nina Shor El propósito del Portal para Maestros de la nueva página web del Munal es ofrecer un punto de partida al profesor, para que pueda acercar a sus alumnos al mundo del arte.

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a experiencia de apreciar una obra de arte en primera instancia es individual y después se puede profundizar de maneras múltiples. Sabemos esto y nos percibimos como un lugar que busca constantemente diferentes medios para comunicar las posibilidades de la apreciación artística. Uno de nuestros mayores intereses es ser un lugar donde se construyan experiencias junto con maestros y alumnos. El propósito del Portal para maestros es ofrecer de entrada un punto de partida al profesor, para que pueda acercar a sus alumnos al mundo del arte. Poco a poco será una herramienta con la que se pueda profundizar a través de distintas rutas. El portal se titula Arte en Construcción lo cual tiene dos sentidos: busca construir conocimiento y busca construirse a través de sus usuarios, es decir, es participativo y crecerá entre otras cosas, con los aportes de quienes lo visitan. Te invitamos mientras continuas tu lectura a percibirte desde este momento como un cómplice y colaborador del proyecto. Comienza el diálogo entre nosotros, te introducimos a lo que trata el portal. Envíanos tu opinión al correo [email protected].

Principalmente el portal tendrá: • • • •

Contenidos teóricos para la formación docente. Posibilidades metodológicas y didácticas para trabajar en el aula. Espacios donde comentar, compartir y generar discusiones. Oportunidades para establecer una relación Museo/Escuela, directa y prolongada.

Entre sus páginas el portal ofrecerá este tipo de herramientas:

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Información de obras y artistas a manera de fichas descargables que contienen información de la pieza y su autor junto con actividades para apreciar, compartir y contextualizar. Las fichas son herramientas para trabajar en clase o para venir al museo y hacer recorridos autodirigidos. La oferta de visitas guiadas y talleres y crecerá en la medida que sugiramos y registremos experiencias pre y post visita, que amplían las posibilidades de la experiencia en el museo. Contiene artículos especializados con propuestas en relación a la educación artística, que abren el espacio de diálogo entre las artes visuales y la formación de los estudiantes. Su desarrollo se finca en las posibilidades de recibir información de maestros y profesionistas que prueban y descubren, pero que no tienen un espacio para compartir sus reflexiones. Análisis de temas transversales donde el acervo es recorrido desde distintas perspectivas o disciplinas como los lenguajes de las artes plásticas: pintura, escultura, grabado, la naturaleza en obras de siglo VII a siglo XX, la mujer en el arte, etc. En el foro se abrirán temas de discusión. ¿Cuáles serán estos temas?, proponga por favor, buscamos conocer sus intereses.

El 3 de septiembre de 1898 nació en Guadalajara, Jalisco, Carlos Orozco Romero, pintor de tendencia cubista y surrealista, y de imágenes que acusa su pasión por la escenografía.

1898

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RECORRIDO 3D

Horas de trabajo se ven reflejadas en beneficio de los espectadores: ahora se puede visitar el Museo Nacional de Arte desde casa y tener una experiencia sensorial muy parecida a la realidad. Y aunque a nosotros nos encanta que las personas vengan a las instalaciones, les hemos acerdado el Museo a aquellos que están lejos.

E

l 3D del edificio permitirá experimentar la sensación de trayectoria en un levantamiento digital al estilo de los video juegos first person point of view (vista en primera persona). Este tipo de desarrollos tienen una ventaja sobre las fotografías de 360 grados, pues éstas solamente son una serie de fotografías en un solo plano, que ofrecen una interactividad muy limitada, ya que la experiencia de recorrido es imposible. En el 3D los usuarios podrán experimentar una visita virtual del edificio, el Patio de los Leones, subir las escaleras monumentales e incluso entrar y observar el Salón de Recepciones y sus murales. También ya es posible apreciar una de las salas virreinales que aloja obras como El Señor de Chalma o La virgen del Apocalipsis. En una siguiente etapa, se modelarán el interior del resto de las salas y simularán museografías especiales, con lo que el Munal estaría en posibilidades de mostrar el resto de su acervo. La función más interesante del 3D es que tiene la posibilidad de almacenar información de cada uno de los recorridos realizados por el público virtual, lo que ayudará a revelar qué puntos resultan atractivos dentro del desarrollo 3D, pero con un impacto en lo real, pues también se ha demostrado que las trayectorias que realizan los visitantes virtuales coinciden hasta en un 85 por cierto con el efectuado por los visitantes físicos, por lo que la información recolectada podría tener un impacto en decisiones museográficas del espacio real.

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1903

El 21 de septiembre de 1903 nació en Córdoba, Veracruz, Jorge Cuesta, poeta y escritor del grupo Contemporáneos y editor de la revista Examen.

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EL APOCALIPSIS

SEGÚN TAMAYO

Andrea Valencia Este año se ha hablado mucho sobre el fin del mundo. Pero nada más inquietante que conocer la visión que sobre este tema tenía el gran artista mexicano, en un nuevo gabinete que abrirá sus puertas en el Museo Nacional de Arte.

¿Dónde? Apocalipsis A partir del 18 de septiembre Gabinete de Estampa del Siglo XIX.

E

n esta pequeña exposición los espectadores encontrarán una serie de quince estampas que el maestro Rufino Tamayo (1899- 1995) realizó en 1959 para la importante editorial francesa Bibliophile Jaspard, Polus & Cie, con sede en París. En ella, se ilustra el pasaje bíblico del Apocalipsis según san Juan. Esta colección de cromolitografías es parte del acervo del Museo Nacional de Arte y se considera como uno de los trabajos seriados más representativos que Tamayo realizó en su trayectoria como artista gráfico. Llena de color, geometrismo y abstracción, difícilmente se puede asociar con el enigmático pasaje del Apocalipsis. Este fragmento de la Biblia corresponde al último libro canónico del Nuevo Testamento escrito por San Juan Evangelista, en el que se narra la profética visión del fin del mundo, así como la lucha entre el bien y el mal para la redención del alma de los hombres. El interés de Rufino Tamayo por abordar un tema bíblico, no tenía como objetivo transmitir el credo de la religión católica; si bien el artista nunca se identificó con algún dogma religioso en especial, aunque como la mayoría de los mexicanos nació en el catolicismo, su inclinación personal fue más bien el culto al arte como un medio de acercamiento y expresión del espíritu. Teniendo esto en cuenta y aunque podemos reconocer algunos personajes del corpus del texto como el demonio de siete cabezas o los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, podemos observar cómo el artista decidió omitir elementos narrativos y descriptivos para resaltar el valor de la fuerte carga simbólica, sensible y expresiva de este pasaje. A propósito del fin de los tiempos, Tamayo retrata el “Apocalipsis” de la narración como elemento protagonista de la pintura, remplazada por la fuerza del color y de las formas. La serie Apocalipsis de san Juan, así como la mayor parte de la producción plástica de este artista, apela y busca provocar a nuestros ojos y a nuestras emociones para que revelemos los misterios de la obra desde nuestra individualidad.

El 16 de septiembre de 1907 falleció en París, Francia, víctima de tuberculosis, Julio Ruelas, dibujante y grabador de la Revista Moderna de México, autor de lúgubres escenas.

1907

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p u e r t a s

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luciano Lluvia Sepúlveda

matus

Re-conocimiento del espacio. Intervención Museo Nacional de Arte Una sorprendente intervención contemporánea en diálogo con el edificio del Munal.

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a sexta participación de Diálogos contemporáneos: 100 y 30. Palacio y Museo será la instalación de Luciano Matus. Arquitecto mexicano, que conoce bien las exigencias del espacio. A lo largo de su trayectoria ha realizado intervenciones efímeras en numerosos edificios históricos, sitios considerados patrimoniales en sus distintas naciones, la gran mayoría catalogados como Patrimonio de la Humanidad. La obra de Matus estará conformada por una compleja instalación de hilos de níquel que recorrerán todo el recinto del Munal, jugando con la per-

Diálogos contemporáneos cepción del ojo humano, por momentos diluyéndose visualmente sin dejar de tener presencia táctil. La pieza se convertirá en una arquitectura/escultura transitable, con la intención de conducir la mirada y el desplazamiento físico desde una propuesta volumétrica distinta a la planteada hace cien años por el arquitecto Silvio Contri, y la decoración de Mariano Copeddé. El recorrido de las líneas perceptivas de Matus iniciará en el gran Salón de Recepciones y concluirá en un gabinete de curiosidades en la sala hipertextual del siglo xix.

¿Cuándo? A partir del 19 de septiembre

zod i ac o y art e La paciencia paga

Stephen King.

Los nacidos entre el 23 de agosto y el 22 de septiembre pertenecen a Virgo, el signo de las personas perfeccionistas.

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stamos ante el único signo del zodiaco que es representado por una mujer: la virgen. Sean hombres o mujeres, están regidos por características femeninas como el orden y la limpieza. Paradójicamente, es el signo de los solteros por excelencia, lo cual les dejará mucho tiempo disponible para dedicarlo al exigente mundo del arte. Perfeccionistas por naturaleza, suelen dedicarse a su obra con paciencia y meticulosidad, y pueden pasar largas temporadas en soledad. Nunca los veremos precipitarse a la hora de ejecutar un proyecto, lo cual les da muy buenos resultados.

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1942

El 24 septiembre depara 1925 nació en Veracruz, Idaoportunidades Rodríguez Prampolini, historiadora Los talleres sonde principalmente niños y jóvenes y ofrecen para crear piezas que se y crítica de arte, autora de referenciales estudios sobre arte mexicano e internacional, como El relacionan con las temporales. surrealismo y el arte fantástico en México.

Curiosamente, suelen ser creadores atípicos: no les gusta ser el centro de atención, hablan poco y muestran un carácter tímido, muy contrario a los egos desmedidos de la mayoría de los artistas. Exteriormente muestran serenidad, sin embargo, los domina una angustia interior, la cual liberan mediante su obra artística. Un rasgo negativo es que son muy criticones con el trabajo de los demás, pero difícilmente ven los errores propios. Un Virgo famoso es el escritor estadounidense Stephen King, quien es un claro ejemplo de las características de este signo cuando se enfocan en lo creativo. King es conocido por ser un prolífico autor, que se consagra a la soledad de su estudio para producir más de un libro al año. Y sus traumas y temores –tuvo un pasado de adicciones– los exorciza mediante la literatura de terror, género en el que pocos lo superan.

1907

H E M EROTECA

S

emanario dirigido por Mario Vitoria y editado entre 1911 y 1914, que llegó a convertirse en vocero del antimaderismo más conspicuo. En él se hizo célebre el ensañamiento de "El Chango" García Cabral contra Francisco I. Madero, tratándolo de inepto. A decir de Carlos Monsiváis, los dibujantes de Multicolor expresaron la transformación artística en la década de los veinte. (Datos tomados de Agustín Sánchez, "Póngase chango", en La piztola: órgano de penetración humorística, 15 de julio de 2012)

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p e r s o n a j e

El mandatario nació un 15 de septiembre de 1830; treinta y seis años después protagonizó la Batalla de Miahuatlán. Aquí lo recordamos con un cuadro del acervo del Munal que rememora dicho conflicto bélico, en el que se derrotó al ejército francés del Segundo Imperio Mexicano.

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o cabe duda que las bodegas del Museo contienen obras maravillosas que por motivos de espacialidad no se encuentran en el recorrido permanente, pero que por ello no se demeritan sus valores, que tienen en el Periódico Mu-

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m e s

nal un órgano difusor. Es el caso de esta obra en la que el general Porfirio Díaz a caballo, siete veces presidente de la República Mexicana, arenga en la acción bélica a sus tropas de “chinacos” del Ejercito republicano de Oriente. Con un semblante heroico y al centro de la obra, Díaz es inmortalizado en esta pintura que lo vanagloria como vencedor en la batalla de Miahuatlán del 3 octubre de 1866, misma en la que derrotó al ejército francés del Segundo Imperio Mexicano. De Porfirio Díaz pueden escribirse decenas de páginas, pero la

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justificación para abordarlo aquí es que nació en septiembre, el día 15 de 1830. El primero “héroe” de las causas republicanas y después “tirano” de la dictadura -las paradojas de la Historia Patria-, fue originario de Oaxaca de Juárez y fue un destacado militar antes de encumbrarse a la presidencia a través del Plan de Tuxtepec en 1876, asonada contra el presidente Sebastián Lerdo de Tejada que pretendía reelegirse. Otra paradoja de la historia de México indica que Díaz y su gente derrocó a Lerdo por descontentos entre los que estaba su postura reeleccionista; más tarde, el propio Díaz se reeligió en seis ocasiones (fue presidente de 1877 a 1880 y se subió a la silla presidencial de nuevo en los periodos 1884-1888, 1888-1892, 1892-1896, 1896-1900, 1900-1904 y 1904-1911). Muchas cosas tangibles e intangibles dejó el porfiriato en la vida de México, simplemente el edificio sede del Munal, el antiguo palacio de Comunicaciones y Obras Públicas, es producto de aquella administración. Pero uno de los legados más curiosos de don Porfirio, relativos a las celebraciones patrias, fue haber cambiado el protocolo de la fiesta nacional por excelencia del 16 de septiembre, cuando muy

temprano el cura Hidalgo inició la sublevación insurgente de 1810, al 15 de septiembre a las once de la noche -como hasta hoy se acostumbra-, y que es la fecha y hora del nacimientos de Díaz. Esto fue uno de sus grandes caprichos, ya que él en vida se sentía un prohombre de la patria. Asumió su linaje, “modestamente”, como prócer de México en la línea de Cuauhtémoc, Hidalgo y Juárez. En su juventud, brillan las actuaciones de Díaz como general liberal en la derrota de los conservadores, la expulsión de los franceses y el fusilamiento de Maximiliano entre 1862 y 1867. En el año del 1866 encabezó el asedio y derrota de los franceses en Oaxaca, y la batalla de Miahuatlán del 3 de octubre es de las más recordadas, como en esta excepcional pintura del género militar que realizó con austeridad de tonos -a manera de dibujo o grisalla- P. Ruiz. ¿Quien fue Ruiz? Poco se sabe de él. En primer lugar la investigadora Esther Acevedo planteó que la obra no es de Santiago Hernández, el reconocido dibujante de La Orquesta, como la registra el INBA por una inscripción a mano en el reverso, sino de Ruiz, ilustrador de impresos litográficos y

cromolitográficos para, entre otras publicaciones, aquellas que destacaron las glorias del general Díaz cuando este ya era dictador, como en Apuntes históricos de la carrera militar del señor general Porfirio Díaz, presidente de la República Mexicana, de 1889. En esta publicación aparece la estampa idéntica a la pintura del Munal. Sobre la lectura de la composición, en dinámica cabalgata el batallón de Díaz (cuerudos chinacos de la tropa informal) aplasta a buena parte de la fuerza de 2 mil hombres del general Oronoz, sólo con la mitad de soldados. Díaz se valió de sus artimañas, de sus cualidades militares y del conocimiento de la geografía. Una diagonal divide una lucha personal a la derecha en la que un republicano vence a un imperialista en un entorno apagado, mientras que a la izquierda, el hábil artista recrea el vertiginoso río de jinetes que va aplastando al enemigo y se dirigen a galope hacia el extremo medio derecho de la superficie pictórica, flanqueado este vendaval de caballistas por los paredones de adobe del modesto pueblo del municipio indígena de Miahuatlán.

P. RUIZ La batalla de Miahuatlán, 3 de octubre de 1866

El 26 de septiembre de 1929 nació en la Ciudad de México Alberto Gironella, relacionado con el surrealismo mexicano y español, amigo cercano de Luis Buñuel.

1929

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P u e r t a s

a d e n t r o

Visiones prejuicios yEl Munal prospectos visto por los

Otro aspecto de la misión del Munal que me parece vital es la configuración, en relación con estos acervos artísticos, de procesos de construcción del derecho a la experiencia estética en su más amplio sentido. Creo que en México, como en otros ámbitos internacionales, museos como el Munal, cargan un lastre antidemocrático y elitista muy difícil de superar. En este sentido, sobre todo en un contexto político y económico como el que actualmente vivimos, se hace insostenible, en térmicos democráticos, perpetuar las sutiles formas de exclusión de la cultura letrada, de los circuitos culturales letrados, que heredamos de la intelectualidad y las

Aunque no soy un especialista en el tema, sí he tenido cierta cercanía con algunos investigadores, curadores y museólogos mexicanos, y, en cierta medida, creo que todos ellos coincidirían conmigo en relación con la doble dimensión que una categoría como el “arte mexicano” juega en la coyuntura. Por una parte, está claro que ésta hace parte de las políticas culturales del Estado nacional, y que, a pesar de todas las vicisitudes del poder ejecutivo en los últimos tiempos, sigue siendo uno de los fundamentos para articular, desde el poder político, la gestión de la identidad nacional, en los términos más ortodoxos y conservadores. Por otra parte, y aquí pienso

temporáneos y, sobre todo, conec- clases políticas dominantes en casi tarlos con las diferentes tradiciones toda América Latina. poéticas e intelectuales del arte en Por último, por ser uno de los México. Por otra parte, y en vía dia- principales museos del INBA, es imlécticamente contraria, debe esta- portante que lidere un proceso radiblecer programas de investigación cal y profundo de autonomización que, sobre todo, activen los patri- de la administración de los museos monios artísticos del pasado de cara de arte del Estado. Éste es un proceal presente. Me parece que las in- so difícil, por las complejas formas vestigaciones sobre el arte más con- de articulación de la política cultutemporáneo así como aquellas que ral mexicana, pero esencial. Estoy estudian períodos históricos no tan convencido de que hacer posible cercanos, debe tener esa doble vía: la democratización del derecho al religar el presente con el pasado y, arte, pasa por configurar un espacio a su vez, el pasado con el presente, autónomo de gestión profesional de en un juego crítico que, sobre todo, los museos. Sin éste, no es posible permita a los diferentes públicos de dar los pasos hacia adelante que, los museos, la historia del arte y, en creo, se deben dar, en el Munal, y general, los espacios de mediación en el resto de los museos del INBA. artística, construir una perspectiva Prejuicio de largo aliento sobre las dinámicas creativas en la sociedad mexicana, ¿Cómo se ha replanteado la categoría “arte mexicano” en nuestros días? de cara al presente y al futuro.

sobre todo en el trabajo de curadores como Olivier Debroise, Pilar García de Germenos, Cuauhtémoc Medina, Osvaldo Sánchez, Sol Henaro, o en el trabajo de historiadoras del arte como Karen Cordero y Esther Acevedo, o en el de museólogos como Luis Gerardo Morales, la categoría “arte mexicano” ha permitido establecer un programa de investigación crítica que, en términos generales, ha develado no sólo las manipulaciones que desde el campo del poder se han realizado en relación con el establecimiento del canon oficial, sino que ha recuperado la obra de artistas que, por diferentes circunstancias, habían sido olvidados. No puedo dejar de pensar al responder esta pregunta, en las profundas resonancias que tuvo un proyecto como La era de la discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968 - 1997. Creo que este proyecto es un paradigma de

profesionales del arte

Profesor William Alfonso López Rosas.

Director de Maestría en Museología y Gestión del Patrimonio Cultural de la Universidad Nacional de Colombia.

En esta sección recurrimos a expertos y profesionales vinculados al ámbito de los museos, a fin de conocer su perspectiva sobre el Museo Nacional de Arte y su opinión sobre las funciones que esta institución desempeña.

Visión ¿Cómo asume la misión del museo, conformado por acervos patrimoniales del siglo XVI al XX, considerando las circunstancias del país y del entorno internacional?

Visto desde afuera (Bogotá, Colombia), creo que la misión del Munal, además de conservar, estudiar y comunicar sus actuales acervos artísticos y patrimoniales, debe establecer una línea de acción agresiva para integrar acervos artísticos con-

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1935

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El 9 de septiembre de 1935 murió en la Ciudad de México Fermín Revueltas, pintor y muralista, integrante del grupo estridentista en la década de 1920.

esta segunda dimensión o, mejor, corriente de configuración crítica de lo mexicano dentro del campo artístico.

Prospecto ¿Cuál es su visión del Munal dentro de 20 años?

Esta pregunta es muy difícil de responder para mí. La primera vez que fui a México en 2001, visité la exposición permanente del Munal. Si no estoy mal, en aquel momento, esta exposición había sido recientemente abierta por el equipo que dirigió Graciela de La Torre, antes de pasar a la UNAM. En aquel entonces, no podía dejar de leerla con gran emoción y expectación; aunque suene un poco cursi, con gran alegría. Como historiador del arte, el arte y la literatura mexicanos siempre ejercieron sobre mí una gran atracción. Las lecturas de Carlos Fuentes, Octavio Paz, pero también las de Jorge Ibargüengoitia, o la de algunos de los escritores asociados a la Literatura de la Onda, como José Agustín, así como la obra de artistas como Nahum Zenil, Pedro y Rafael Coronel, que habían sido presentados en una exposición muy significativa para mí, Por mi raza hablará el espíritu, que se presentó en Bogotá, en el año 96, y claro, la de los popes Iturbide, Kahlo, Siqueiros, Orozco, Rivera, Toledo, y un gran etcétera, estaban dentro de mi inventario poético personal; y, en ese momento, supongo que tenía una tácita cita con todos ellos. En este contexto, la exposición del Munal fue para mí una gran experiencia. No sólo estuvo a la altura de mis expectativas sino que me mostró un universo complejo y rico, que, recuerdo, visité unas cuatro veces. La última vez que fui a México, en octubre del año pasado, este montaje ya mostró, para mí, signos evidentes de agotamiento. Supongo que se trata del ciclo “natural” de un tipo de exposición como esa, cuya vitalidad y actualidad, no va más allá de los diez años. En este sentido, creo que dentro de 20 años, el Munal debe -además de tener una exposición permanente muy contemporánea, situada dentro de los recursos museográficos de vanguardia- contar también con un programa museológico significativo para los públicos de ese momento. Me imagino un museo con una gran vitalidad expositiva y con una gran capacidad de gestión simbólica de sus acervos y de su propia institucionalidad. Ahora pienso en la conjunción de los más acertados y lúcidos alcances de la llamada Nueva Museología y de los más sofisticados y potentes logros de las redes sociales, como fundamentos de su proyecto museológico.

a r c h i v o s

s e c r e t o s

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Esteban Azcárate

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l explorador Alejandro de Humboldt se refirió a esta urbe como “La Ciudad de los Palacios”. Epíteto que hoy en día difícilmente puede definirla, pues muchos de ellos fueron demolidos para levantar en su lugar modernos edificios, otros cedieron al deterioro o a los incontables terremotos. Sin embargo, todavía quedan algunas construcciones magníficas, que han sido restauradas, como es el caso del palacio barroco que perteneció al Primer Conde de Miravalle. Para ser exactos, el nombre de este ilustre personaje del siglo xvii era

Don Alonso Dávalos Bracamontes de Ulibarri y de la Cueva. Era canciller mayor del Tribunal de la Santa Cruzada del Reino de la Nueva España, organismo encargado de proceder en los litigios y causas surgidas por la administración y cobranza de bulas (gracias o privilegios concedidos por la Cancillería Apostólica). Don Alonso fue una figura importante en la sociedad colonial, ya que además fue patrono de misiones organizadas por jesuitas y franciscanos en Baja California. Con el correr de los años, este palacio ha tenido distintos usos.

Hacia la década de los cuarenta del siglo xix fue sede del Ateneo Mexicano, asociación literaria fundada por don Ángel Calderón de la Barca, entre cuyos miembros se encontraban Andrés Quintana Roo y José Gómez de la Cortina, el famoso Conde de la Cortina. Posteriormente la antigua casona albergó al Hotel del Bazar, que funcionó hasta la década de los treinta del siglo xx, y al que se consideraba uno de los más cosmopolitas de la época. Poco después, el palacio fue transformado por su entonces dueño, Francisco S. Iturbe, en el Edifico Jar-

Ubicado en la calle de Isabel la Católica número 30, este palacio barroco es considerado como una de las construcciones más antiguas de la Ciudad de México. Sus muros han hospedado a distinguidos personajes, y guardan también un valioso mural. Hoy en día se ha transformado en un centro de actividades comerciales sin perder su valor histórico.

dín, cuyos despachos dieron cobijo a la Sinfónica de México y al Partido Acción Nacional. Rodolfo Usigli (1905-1979), autor de la novela clásica Ensayo de un crimen, que llevara al cine Luis Buñuel, vivió también entre sus muros. Iturbe, quien era mecenas del pintor Manuel Rodríguez Lozano, le encargó en 1945 el mural titulado “Holocausto”, el cual puede apreciarse al fondo del patio central, presidiendo las escaleras. Actualmente, la antigua casona del Conde de Miravalle es propiedad de la familia Sacal, y alberga, entre otros negocios, el Azul His-

El 7 de septiembre de 1949 murió en la Ciudad de México José Clemente Orozco, muralista, pintor y grabador, considerado uno de los “tres grandes” de la Escuela Mexicana de Pintura.

tórico, restaurante de comida mexicana que se caracteriza por realizar mes con mes festivales de cocina de diferentes regiones o temas. Próximamente, abrirá también sus puertas el Hotel Downtown. Cuatro siglos de historia para un palacio que ha sobrevivido a la destrucción. Por las noches, cuando las luces de los negocios se apagan, se puede escuchar el rumor de pasos antiguos y de conversaciones que continúan sucediendo en otro tiempo, apenas por debajo de la piel de la ciudad moderna.

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h a b l a d o s

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JULIO CASTELLANOS

r e t r a t o s

Julio Castellanos, Retrato de Germán Cueto, 1927

Mauricio Montiel Figueiras @Elhombredetweed

(1905-1947)

El Retrato de Germán Cueto (1927), obra perteneciente al acervo del Museo Nacional de Arte, es una pintura en la que Julio Castellanos buscó saldar una deuda con el lenguaje escultórico.

J

ulio Castellanos, uno de los discípulos favoritos de Manuel Rodríguez Lozano, tuvo una vida breve pero fructífera. Fuerte rival sentimental de Abraham Ángel, el joven que cruzó como un meteoro el cielo de la pintura mexicana contemporánea, Castellanos estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes entre 1918 y 1920; al abandonar el territorio académico, decidió pro-

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seguir su aprendizaje con Saturnino Herrán y Leandro Izaguirre. La figura definitiva en la carrera de Castellanos, no obstante, fue Rodríguez Lozano, con quien entró en contacto hacia 1921; la cercanía entre ambos permitió que el aprendiz de veinte años pudiera viajar a Europa luego de visitar Buenos Aires en 1925. La estancia europea, que se prolongó dos años, convenció a

Castellanos de que ser artista exigía hallar una expresión propia. Al volver a México, Castellanos comenzó a buscar esa expresión en una pintura en deuda con el lenguaje escultórico. Prueba de dicha deuda es el Retrato de Germán Cueto (1927), obra perteneciente al acervo del Munal, donde el escultor estridentista adopta el gesto de una estatua. Los personajes de Castellanos casi nunca miran al espectador: viven entre muros que parecen construir claustros geométricos; en uno de esos claustros habita la pareja de La cirugía casera (1934), fresco destacado de Castellanos. Los muros, sin embargo, se esfuman en El día de San Juan (1937), donde el pintor hace gala de su paleta cromática; en este óleo, considerado no en balde una de sus obras maestras, Castellanos exhibe el esplendor escultural

del cuerpo humano. Perfeccionista, el pintor tomó desde sus inicios una decisión especial: sólo firmaría cuadros que lo complacieran por completo. A partir de 1936, la resolución llegó al extremo: la rúbrica de Castellanos se desvaneció de todas sus obras. En este deseo de invisibilidad se detecta el anhelo del artista porque su arte camine por sí solo, sin prótesis nominales. Paralelamente a su pintura, Castellanos desarrolló un filón escenográfico que contribuiría a renovar el teatro mexicano. En 1927, en cuanto regresó de Europa a nuestro país, el artista se unió al Teatro Ulises, la célebre iniciativa cultural del grupo Contemporáneos. Las primeras incursiones escenográficas de Castellanos fueron como ayudante de Manuel Rodríguez Lozano y Roberto Montenegro; en marzo de 1928, para la

Los talleres son principalmente para niños y jóvenes y ofrecen oportunidades para crear piezas que se relacionan con las temporales.

tercera temporada del Teatro Ulises, se encargó por sí solo de la escenografía de El peregrino, obra de Charles Vildrac: un montaje que marcó el principio de la estrecha colaboración entre Castellanos y el director y dramaturgo Celestino Gorostiza. La experiencia en el Teatro Ulises, cerrado en julio de 1928, sembró en Castellanos un gran entusiasmo por las artes escénicas que lo acompañaría durante el resto de su vida y lo haría profundizar en los vínculos entre pintura y teatro. Cuando murió, el artista trabajaba en la escenografía del Don Quijote adaptado por Salvador Novo para el Programa de Teatro Escolar del Instituto Nacional de Bellas Artes. Dos días antes de su fallecimiento en la Ciudad de México, Julio Castellanos había terminado su Autorretrato. Ofreció su mejor rostro para despedirse del mundo.

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la exposición

RUBÉN HERRERA TRAZO Y VOLUMEN

Rubén Herrera fue uno de aquellos pintores regionales que por diversas circunstancias de la vida política, social y artística permaneció en el olvido durante muchos años para la mayoría de los mexicanos. Su producción artística, así como su labor docente, son recordadas por todos aquellos coahuilenses que reconocieron en él un importante esfuerzo por aprender y transmitir este sublime arte. ¿Dónde? Munal: salas 32,33 y 33a. Hasta el 11 de noviembre.

Los talleres son principalmente para niños y jóvenes y ofrecen oportunidades para crear piezas que se relacionan con las temporales.

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a temprana muerte del artista, cuando apenas contaba con cuarenta y cinco años, truncó su fructífera producción plástica. En reconocimiento a su intachable labor, sus restos descansan en la Rotonda de los Hombres Ilustres de la ciudad que lo vio crecer. La Presidencia Municipal de Saltillo creó, en el año 2002, el Museo Rubén Herrera para mostrar, a propios y extraños que visitan la ciudad, algunos de los trabajos de este insigne pintor y dibujante. Ahora, el Museo Nacional de Arte engalana algunas de sus salas expositivas con una cuidada selección de las obras del maestro Herrera como un merecido reconocimiento a su trayectoria artística.

LA NIÑEZ Y LOS SUEÑOS. 1888 – 1908 Rubén Herrera nace en Villa de Coss, Zacatecas, el 10 de marzo de 1888. A los pocos años la familia, dedicada a la minería, se traslada a Saltillo en donde inicia sus estudios de primaria en la Escuela Número I, hoy llamada Miguel Alemán, en 1892. El arribo a esta ciudad, a tan temprana edad, hará que la considere su ciudad natal. En 1901 ingresa al Ateneo Fuente, donde cursa los estudios de secundaria, y recibe clases del maestro Francisco Sánchez Uresti, persona clave en su formación, mostrando grandes dotes artísticas. Su innata facilidad para el dibujo lo hace destacar sobresalientemente entre sus compañeros. Este hecho y su empeño por aprender los nuevos métodos de dibujo y pintura, que intentó implementar en México el afamado pintor español Antonio Fabrés en la Real Academia de San Carlos hacia 1903, motivaron al maestro Sánchez Uresti a solicitar, al gobernador Miguel Cárdenas, una pensión para que pudiera ampliar sus conocimientos en las Academias más renombradas de Italia. En 1908, el Gobernador del Estado accedió a la petición, concediéndole una pensión de cuarenta pesos mensuales que no incluían los gastos del traslado a Roma. Para tal fin, Uresti reúne a varios amigos quienes aportaron los recursos necesarios para el viaje.

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En diciembre de 1908, cuando contaba apenas contaba con veinte años, se embarca en una larga travesía cuyo destino final era la Ciudad Eterna, cuna del arte y lugar en donde se atesoran las obras clásicas de grandes maestros.

DESCUBRIENDO EL MUNDO. 1909 – 1920 A su llegada a Roma, en 1909, Rubén Herrera comienza, gracias a las gestiones del embajador de México en Italia, a estudiar en el taller del laureado pintor Antonio Fabrés, con el que establecerá una estrecha amistad hasta su muerte. En 1910, ingresa en la afamada Academia de San Lucas y, al poco tiempo, también lo hace en la reconocida Academia de Francia, en dicha ciudad, para así completar su aprendizaje. En 1910 da inicio la Revolución mexicana y este hecho, que podría parecer muy lejano para Rubén, provocará la suspensión temporal del apoyo económico que le había otorgado el gobierno del estado de Coahuila, viviendo de la venta de sus trabajos. Para 1917 se le concede nuevamente la beca, pero por poco tiempo. Durante estos años, concursa en diversas exposiciones, entre ellas destacan; El Arte Mundial y Los Independientes celebradas en Roma, en 1911 y en 1912, respectivamente. En Venecia participa, en 1917, en la exposición de Artistas Independientes, obteniendo, en todas ellas, numerosos reconocimientos. Al mismo tiempo, y durante estos años, compagina sus actividades plásticas con diver-

Estudios anatómicos de narices y ojos II, 1918, lápiz sobre papel, Museo Rubén Herrera, Saltillo, Coahuila

sos encargos de retratos, pinta al aire libre y sobre todo realiza los apuntes callejeros, que tanto ensalzó el maestro Fabrés en sus cartas. En 1920, y motivado por las alabanzas que hacían de sus trabajos reconocidas personas de la vida cultural coahuilense como Artemio del Valle Arizpe, el presidente Venustiano Carranza invita a Rubén Herrera a que regrese a México para desarrollar importantes proyectos artísticos. Durante la travesía marítima se da a conocer la noticia del magnicidio de Carranza hecho que provocará nuevos cambios en su vida.

EL RETORNO A SUS RAÍCES. 1921 – 1933

Autorretrato sonriendo, s.f., carbón sobre papel, Museo Rubén Herrera, Saltillo, Coahuila

En 1921, y tras haber pasado doce años en Roma, Rubén Herrera decide trasladarse a la ciudad de Saltillo donde inicia una nueva etapa en su vida profesional, animado por el amor que sentía por su tierra. Gracias a su sólida formación y su fructífera producción artística, decide crear, con el apoyo del gobernador Luis Gutiérrez, la Academia de Pintura de Saltillo. Alejado de las nuevas corrientes pláticas posrevolucionarias mexicanas, se dedica a su nueva faceta docente, compaginándola con diversas exposiciones, como la que tuvo lugar en el Salón Bach, en la ciudad de México, y que fue inaugurada por el presidente Álvaro Obregón en 1922.

Para 1928, los avances artísticos de sus alumnos permitirán que participen en diferentes concursos, destacando, en 1930, la premiación recibida en la Exposición Iberoamericana de Sevilla, en España. En 1931, la Academia saltillense será clausurada tras el retiro del subsidio gubernamental con el que contaba. Este hecho provocará un sentimiento de desengaño y tristeza ante los múltiples beneficios que la Academia proporcionaba a la juventud coahuilense y del norte del país. Rubén Herrera recibe, en 1933, el ofrecimiento de un puesto, acorde a su trayectoria, en la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas, trasladándose a la capital de la República, pero no por mucho tiempo, ya que ese mismo año, el primero de octubre, muere en esta ciudad. En reconocimiento a su vida intachable, en 1940, sus restos mortales fueron trasladados a la Rotonda de los Hombres Ilustres de Saltillo. Para 1965, la Academia fundada por el artista reabrirá sus puertas como Escuela de Artes Plásticas Rubén Herrera y se rendirá homenaje a su trayectoria artística, con una exposición retrospectiva celebrada en 1967, en el Palacio de Bellas Artes, de esta Ciudad de México. En 1970, los descendientes del maestro abren su casa como museo privado y en el año 2002, la Presidencia Municipal de Saltillo inaugura el actual Museo Rubén Herrera, en la antigua casona de la familia Figueroa.•

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ATENEO FUENTE

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ubén Herrera Flores nació el 10 de marzo de 1888 en Villa de Coss, Zacatecas, hijo de Perfecto Herrera Salazar y de Salomé Flores. A los pocos años de su nacimiento, la familia se trasladó a la ciudad de Saltillo, Coahuila. En 1901, Rubén ingresó al Ateneo Fuente, la institución educativa más antigua (fundada en 1867) e importante de Saltillo, donde hizo estudios de secundaria; allí fue discípulo del maestro de dibujo Francisco Sánchez Uresti, quien a su vez había sido alumno del renombrado pintor catalán Antonio Fabrés, traído a México como instructor de pintura en la Academia de San Carlos en 1902. A los 20 años de edad, Rubén Herrera viajó a Roma –la catedral del arte– para con-

Retrato de Francisco Sánchez Uresti, 1907, lápiz sobre papel, Museo Rubén Herrera, Saltillo, Coahuila.

tinuar su formación artística, gracias a una pensión otorgada por el Gobernador de Coahuila, Miguel Cárdenas. Por recomendación del embajador mexicano en esa ciudad, Gonzalo A. Esteva, Rubén tuvo la oportunidad de estudiar con Antonio Fabrés, quien sería un amigo muy cercano y con quien mantuvo comunicación epistolar. Durante su estancia en la Ciudad Eterna, el artista coahuilense hizo numerosos dibujos con escenas urbanas, rurales y de retrato cotidiano que manifiestan su habilidad artística. De este periodo (1909) es el Retrato de Laura, la serie de Apuntes niña del arete y también algunas copias de esculturas académicas. Su formación estética revela la admiración y estudio por Tiziano, Miguel Ángel, Velázquez y Rubens, haciendo calcas de las obras de estos grandes maestros del arte universal. En el caso de Miguel Ángel, Rubén Herrera hizo dibujos directamente de la Capilla Sixtina en el Vaticano. Un año después, en 1910, ingresó a las academias de bellas artes de Francia y San Lucas, en Roma. Sin embargo, el estallido de la Revolución mexicana ocasionó la suspensión de su beca. No obstante, Herrera participó en concursos académicos efectuados en la capital italiana. No por acaso, una de sus intervenciones tuvo ocasión en la exposición de los

MUSEO RUBÉN HERRERA El Museo Rubén Herrera se localiza en la ciudad de Saltillo, Coahuila. Fue fundado en 1970 por los familiares del artista, con la intención de mostrar al público en general (en la propia casa de la familia Herrera), sus aportes al arte de México. En la actualidad, el edificio que alberga al museo es una construcción que data del siglo XVIII, llamado antigua casa de las hermanas Figueroa, el cual fue adaptado como museo en el año 2001 por el arquitecto Carlos Villarreal, bajo el concepto museográfico de Jorge Bribiesca.

Fue reinaugurado en 2002, con la intención de lograr la difusión y la revaloración de los aportes plásticos del pintor mexicano, nacido en 1888. El museo cuenta con cinco salas de exhibición permanente que dan cuenta de la producción del artista realizada en Italia y México. Por otro lado, se pretende que las obras del artista dialoguen con otros proyectos a partir de una sala exposiciones temporales, un auditorio, una biblioteca y diversas actividades educativas que se realizan en dicho recinto, uno de los referentes culturales de Saltillo.

Independientes en 1912. Poco después concluyó sus estudios en las academias romanas y comenzó a ejecutar obras de manera independiente a los movimientos artísticos de vanguardia en Europa, como el Futurismo y el Cubismo, liderados por Marinetti y Picasso, respectivamente, aunque decía (según comentó a la prensa mexicana) admirarlos por la belleza del colorido. Muy activa fue su participación en eventos artísticos que se llevaron a cabo en Roma, sin dejar de lado su producción, que por estos años se abocó principalmente al género del retrato. Sobresale de esta época la pintura Ni envidioso ni envidiado, cuyo título parece haber sido tomado del poeta español del siglo xvi, Fray Luis de León. En cambio, su admiración por el arte bizantino se aprecia en el díptico Santa Lucía y Santa Cecilia, firmado en 1918, de sus obras más elogiadas en la actualidad por la belleza y sobria composición.

Al igual que sus contemporáneos Saturnino Herrán, Rafael Ponce de León e Ignacio Rosas, Rubén Herrera hizo del dibujo una disciplina y la médula de su arte pictórico, tal como se aprecia en los numerosos bocetos y pinturas de marcadas líneas para dar cuerpo a las figuras.

La institución educativa Ateneo Fuente fue inaugurada en Saltillo, Coahuila en octubre de 1867. Se encontraba ubicada en una casa en la calle de Juárez; un año después fue trasladada al exconvento de San Francisco (en la plaza del mismo nombre). Su fundación pretendió enmendar la ausencia de instituciones de educación superior en el norte del país. Fue nombrada Ateneo Fuente en honor a Juan Antonio de la Fuente, destacado abogado y político representante del liberalismo mexicano, proveniente de Coahuila. En 1932 Zeferino Domínguez inició la construcción del edificio actual, de estilo art decó, con obras murales de Salvador Tarazona y Miguel Santana en el vestíbulo. El 15 y 16 de septiembre de 1933 se llevó a cabo la ce-

Retrato de Laura, 1909, carbón y pastel sobre papel, Museo Rubén Herrera, Saltillo, Coahuila.

El año de 1920 es trascendental en la vida del artista. Por un lado, contrae matrimonio con Dora Scaccioni, también pintora; por otro, a su regreso a México, después de permanecer trece años en el Viejo Continente, fundó con el apoyo del gobernador Luis Gutiérrez, la Academia de Pintura en Saltillo, otro de sus invaluables aportes a la plástica e historia coahuilense. Con un extenso bagaje artístico, Rubén Herrera tuvo una exposición individual en el Salón Bach de la Avenida Madero en la capital mexicana, en marzo de 1922, evento inaugurado por el Presidente Álvaro Obregón y que acaparó la atención de los encabezados de la prensa local. El cuadro Ni envidioso ni envidiado obtuvo opiniones favorables, según se lee en la crítica periodística. En 1923 nació su primer hijo, Mario,

remonia de apertura del edificio, a la cual asistió el entonces presidente de la República, Abelardo L. Rodríguez y Jesús Silva Herzog, subsecretario de Educación Pública. El Ateneo Fuente forma parte de la Universidad de Coahuila desde el año de 1957. Cuenta con un Museo de Historia Natural, una sala de Arte Colonial y una Pinacoteca que exhibe más de 350 piezas de arte de México (con obras de Saturnino Herrán, Miguel Cabrera, Rubén Herrera, Pelegrín Clavé, entre otros) y de otros países. También cuenta con el archivo del escritor Artemio de Valle Arizpe. Entre los egresados del Ateneo Fuente se encuentran Vito Alessio Robles, Venustiano Carranza, Artemio de Valle Arizpe, Rubén Herrera, entre otros.

y cinco años después, en Roma, Maria Romana, la segunda hija de la pareja. Sus actividades en la Academia de Pintura se vieron interrumpidas por el retiro del subsidio gubernamental. Sin embargo, continuó con sus labores a favor de la formación de pintores locales. En 1933 la Secretaría de Comunicaciones y Obras Publicas (actual Museo Nacional de Arte) le ofreció un puesto en la Ciudad de México, el cual no pudo concretarse ya que el pintor falleció el 1 de diciembre del mismo año, a los 45 años de edad. Entre sus últimas obras se encuentran los proyectos de mural con el tema mitológico de Deyanira siendo raptada por el centauro Neso, asunto tratado también por Guido Reni y Rubens, entre otros de sus artistas admirados. Al igual que sus contemporáneos Saturnino Herrán, Rafael Ponce de León e Ignacio Rosas, Rubén Herrera hizo del dibujo una disciplina y la médula de su arte pictórico, tal como se aprecia en los numerosos bocetos y pinturas de marcadas líneas para dar cuerpo a las figuras. En 1970, la familia Herrera Scaccioni decidió abrir en su casa de Saltillo el Museo Rubén Herrera, que resguarda la mayor colección de dibujos y pinturas del artista, y en el año 2002, la Presidencia Municipal de Saltillo, inauguró el actual Museo Rubén Herrera, en la antigua casona de la familia Figueroa.•

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M i r a . . . l e e

Núm. 8 7| |SEP TI EMBR E| |2012 2012 Núm. agosto Foto tomada del blog del artista.

El martirio del creador

Entrevista al pintor Héctor Anaya, en el marco de la charla sobre “Martirologio”. Programa Mira… Lee, 10 de marzo de 2012. Entrevista por Fernando Corona

Pero, después de la creación, ¿hasta dónde más llega el martirio?

¿Hay algún martirio que viva el artista en el proceso mismo de crear?

Por supuesto. Puedo hablar de mi caso en particular y no dudo que sea el de muchos otros creadores. Este proceso de la creación es un tránsito; podría compararlo tal vez con la gestación: cuando se está gestando en el vientre este nuevo ser, empiezan algunos problemas acompañados también de la ilusión, de la felicidad, de lo que espera, del advenimiento y todo lo que uno se puede generar en la mente acerca de ese próximo ser. El artista cuando crea, llega a una idea; pero, más que una idea, es una idea afectada por una necesidad que experimenta aquí dentro, un grito desesperado que no lo deja en paz mentalmente, inclusive físicamente: hay una necesidad de que ese ser salga, ese ser quiere salir, ese ser quiere respirar por su propia razón de que quiere ser. Me estoy refiriendo a la obra. Y cuando esa obra aparece en el interior de uno, que quiere salir al mundo, es donde empieza el martirio: ¿cómo voy a sacar lo intangible que hay dentro de mí, que grita dentro de mí?, ¿cómo lo voy a manifestar en una tercera dimensión para que sea lo más aproximado a lo que yo quiero, lo más fiel? Cuando uno espera un hijo, espera que el hijo esté completo, que esté perfecto. La angustia por la obra bien acabada, que esté bien compuesta, existe y es un martirio para el creador.

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1966 1942

Y no termina ahí el asunto, porque cuando uno logra acercarse a lo que uno quería, ve el cuadro que te lleva unos dos meses en el taller estar trabajándolo; cuando eso está en los últimos momentos de detalles, uno está disfrutando de esa presencia ya, de esa manifestación que se hizo en la obra en este mundo, se abrió una puerta de una dimensión desconocida y se trajo y aparece ante nuestros ojos aquello que en algún momento solamente era un grito aquí adentro… Y la angustia y el tormento siguen porque, cuando se termina la obra, muchas veces no hay tiempo para que se quede con el artista: la obra tiene que seguir su destino; sale del taller y uno llega, ve ese hueco, ese espacio donde estaba esa obra tan deseada, tan querida, y hay una depresión, hay un vacío, algo de mi alma que se fue a cumplir su destino. Sí, sí hay tormento en la creación, pero claro que también hay un gozo, un gozo tremendo que podría llamar extático en el proceso de la gestación. Los espectadores, cuando llegamos a las obras, ¿estamos condenados a mirarlas y contemplarlas, o también podemos leerlas?

No, creo que la obra plástica se lee y se empieza a leer de izquierda a derecha, hablando de plasticidad. Una obra se lee por matemáticas: los cuadros tienen entradas por donde debe entrar el ojo y el pintor debe de saber llamar la atención para que tenga una entrada el cuadro y ver que no haya salidas, que no se escapen las miradas por diferentes rutas matemáticas que tienen las piezas. Y lo demás es una contemplación, una contemplación que es sagrada; yo diría que es como cuando uno va al templo y contempla a la deidad, cae uno en meditación. Las piezas que tiene este Museo, muchas de ellas son verdaderas deidades espirituales, fuentes de energía y de un alma intensa que todavía seguirá irradiando su magia al espectador que abra bien sus ojos.

Reseña Mira...lee agosto 2012

Las múltiples ventanas de lo visual

E

n la sala 20 de la Exposición Permanente del Munal, al abrigo de las obras que conforman un ambiente prehispánico a partir de escenas indígenas y de la conquista española, donde de junio a septiembre las luces y las esculturas de Demián Flores intervienen el entorno estético y museístico, el sábado 4 de agosto el escritor Pablo Martínez Zárate hizo a un lado su papel de difusor en jefe del recinto y perfiló una voz resuelta a reflexionar sobre el artista actual en los últimos seis decenios, convencido de que “los espacios museísticos hoy en día se están abriendo a reinventar la forma en que se acerca uno a la obra de arte”, y viendo en ello un rejuego fundamental a partir del cual no sólo el sujeto que se acerca a las obras de un museo modifica su percepción histórica, sino que, cual espejos, las obras le permiten una mirada transformadora de sí mismo. No alejada de este sentido, la charla que brindó una semana después la fotógrafa Cecilia Morales de frente a la obra El suplicio de Cuauhtémoc, de Leandro Izaguirre, abrió las múltiples ventanas de lo visual (el lente fotográfico, el cinematográfico, el plástico) para ahondar en los significados de lo indígena como icono y como retrato. Suplicio, martirio, tortura desde un rostro que es un par de ojos, pero también dos pies, un camino de senderos y de historias, de legados y de símbolos sigue vigente recorriendo y mirando, avanzando a ciegas por momentos y en ocasiones descalzo tras una pregunta que nos sigue a todos los vivos en la piel y en las pisadas: ¿qué es la mexicanidad?, ¿qué es lo mexicano en mí? Y así, esta pregunta que inició con Félix Parra y Demián Flores en la reflexión de Pablo Martínez Zárate se cerró en cierta forma en la sala

23 el último sábado de agosto, ante los cuadros de Ernesto Icaza que encuadran el tema de la tradición de charros. El historiador del arte Víctor Rodríguez Rangel abrió el telón de esa iconología tan arraigada en la imaginería popular, haciendo en el espectador, más que un recorrido por el aire de las haciendas y el ambiente rústico, una inmersión por los elementos que configuran aquello que de pronto se volvió “lo mexicano” desde la alegoría centaura de un caballo, un jinete, una soga y un sombrero al aire. Finalmente, el broche de oro del domingo 26 del mes tuvo lugar en una edición especial del programa en la sala 22, un maratón de cerca de cinco horas continuas homenajeando a José María Velasco en el centenario de su muerte: muestra de video documental realizado por Andrés Reséndiz y María-Christine Camus en una Memoria del Valle tras las huellas del paisajista; charla de pintor a pintor de la voz de Ricardo Amezcua, develándonos un paseo que giró de la naturaleza viva a los trazos del artista del xix; reflexión ecopoética y ecoestética de parte de Fernando Corona, en un asomo de más de un siglo a la región más/ menos transparente del aire; plática al respecto de una apropiación de legado arqueológico en Velasco por parte justamente de Víctor Rodríguez Rangel; presentación de la intervención en sala Trayectoria del conocimiento, del artista plástica Alejandro Pintado; y, finalmente, la exposición del historiador del arte al respecto de su libro Después de Velasco: transformaciones del paisaje. Jornada intensa, visiones de ópticas diversas y un México revisitado y redivivo con todo un esplendor que se manifiesta en espejismo.

El 28 de septiembrepara de 1966 en París, Francia, André Breton, líderpiezas del surrealismo Los talleres son principalmente niños murió y jóvenes y ofrecen oportunidades para crear que se internacional y que visitó México en 1938 para extender el movimiento artístico revolucionario. relacionan con las temporales.

A lo mejor soy el sueño de un dios, a lo mejor soy la pintura de algún artista, a lo mejor soy el pensamiento efímero de algún poeta. Lo que yo he soñado, lo que yo he sido…, soy tan efímero como una obra de teatro, soy tan efímero como una pluma, la vida es sueño. Mientras el hombre esté, seguirá siendo un sueño.

Joanydka Mariel

CONTINÚA EL programa Voces al viento El recital dramatizado “La pluma del barroco”, con lo más representativo de los poetas españoles y novohispanos, prosiguió en la sala 12 el programa literario que se propone habitar con la palabra y la teatralidad las obras exhibidas en la Exposición Permanente. El domingo 12 de agosto, los actores Joanydka Mariel y Gerardo Vázquez dieron vida al verso y al atuendo entrando en las pinturas y en la sensibilidad del ambiente virreinal.

PRÓXIMO RECITAL: DOMINGO 9 DE SEPTIEMBRE, POESÍA NACIONALISTA, SALA 22 (ENTRADA GRATUITA).

c i n e

| agosto Núm. Núm. 8 |7 SEP TI EMBR E||2012 2012

Juan Correa, El niño Jesús con ángeles músicos, s/f

Oswaldo Hernández Truxillo

Ángeles sin arpa: Juan Correa y la Música en el Cineclub MUNAL. Conoce la programación del ciclo Ángeles musicos, y descubre nuevas conecciones entre música, cine y plástica.

U

n pintor y un cineasta siempre comparten, además de las hermandades de sus artes más obvias, la necesidad de abrirse un campo óptico propio entre la abrumadora maleza de la tradición de las Musas. Los temas están dados:

un hombre nace, un hombre ama a una mujer (y viceversa et alia combinatoria), un hombre muere, un hombre resucita; más allá de eso hay poco. Como decía D’Ors, en arte la originalidad es sinónimo de plagio.

Así es como el artista se ve obligado a luchar con las formas y no los contenidos, a buscar un modo, una manera, y a quien se le pasan un poco sus maneras —sea por demasiado verdes o maduras — se le estereotipa inevitablemente de ma-

nierista. Cierta crítica ha tachado a Juan Correa (1646-1716) precisamente de esto último. En su cuadro El niño Jesús con ángeles músicos, reproduce un tópico antiguo, el de unos putti disfrazados de músicos, el de unos intérpretes alados disfrazados de angelillos y serafines. Pero lo rescatable del cuadro no es el tema sino la manera: una orquesta caprichosa sirve a Jesús, pero ni afina ni entona, parece más situarse al capricho del pincel y de unos serafines mezclados —digamos confundidos— en los que la nota mulata y autobiográfica no está del todo ausente. Y ahora viene a cuento el cineasta Fellini en Ensayo de Orquesta: unos ángeles músicos que no se dejan dirigir, donde se mezclan los idiomas y las edades, donde, al final, resulta imposible ordenar el caos. Si en Tijuana (Sonidos del Nortec) pueden presumir mejores resultados, es porque han tenido mayor tesón y un poco de suerte. Este mes el cineclub del Munal propone un ejercicio comparativo entre la música, la plástica y el cine. Una “paleta” cinematográfica, una “nota colorida” o un color “chirriante” no son meras formas de hablar, dan cuenta y le ponen palabras a la humana y animal manera de buscar entender las líneas, las notas, los colores, una manera de entender las maneras, con los ojos o con los oídos (viceversa et alia combinatoria). Consulte cartelera.

Los sueños de

Jan Svankmajer Pablo Martínez Zárate

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l tiempo de Svankmajer es único. Su visión, tanto plástica como cinematográfica, y el punto donde ambas convergen, confirman al artista checo como un creador excepcional. Sobre su versión de Alicia (1988), Svankmajer dijo a la revista Electric Sheep: "Hasta el momento todas las adaptaciones de Alicia (incluyendo la última de Tim Burton), la presentan como un cuento de hadas, cuando Carroll la escribió más bien como un sueño. Y entre un sueño y un cuento de hadas existe una diferencia fundamental. Mientras el cuento de hadas tiene un aspecto educacional —funciona con la moral del índice alzado (el bien vence al mal) —, el sueño, como la expresión de nuestro inconsciente, persigue sin compromisos la

realización de nuestros deseos más secretos sin considerar inhibiciones racionales o morales, pues está guiado por el principio del placer. Mi Alicia es un sueño realizado." En comparación con el resto de sus obras, uno podría referirse a Alicia como un ejemplo moderado del descabellado mundo de Svankmajer, por el cual desfilan pedazos de carne cruda mirándose al espejo (una cuchara), figuras animadas de plastilina reconfigurándose al interior de un cuarto minúsculo, un hombre recibiendo el desayuno del estómago del otro. Te invitamos a despedir la exposición Surrealismo: Vasos Comunicantes con una selección de cortometrajes de quien hoy, a sus 78 años, es conocido como el único surrealista en pie. La cita es el 9 de septiembre a las 16:00 horas.

El 16 de septiembre de 1983 murió en la Ciudad de México Francisco Corzas, pintor vinculado a la generación llamada “Ruptura” de la década de 1950.

1983

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¿ Q u é

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m u s e o s ?

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Bioartesania

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Museo Estudio Diego Rivera Diego Rivera esq. Altavista, Col. San Ángel Inn. Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. $12 pesos Domingo entrada libre

Espacio Habitable

Funcionalismo en el entorno doméstico, 1929-1950

E Museo de Arte Popular Revillagigedo 11, esquina con Independencia, col. Centro Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. $40 pesos Domingo entrada libre

l Funcionalismo fue un movimiento que buscaba satisfacer las necesidades básicas de las personas, además de estar a favor de probar nuevos materiales de construcción, como el vidrio, el metal y el concreto. Tales enfoques propiciaban un nuevo renacimiento y generaban una nueva imagen de progreso, cambio y unidad en el país, proponiendo este nuevo estilo arquitectónico para la reconstrucción de México.

Pedro Valtierra:

mirada y testimonio

C

on más de 200 imágenes sobre los hechos más relevantes de los últimos 37 años, la exposición y retrospectiva de este fotógrafo originario de Zacatecas, muestra como el fotoperiodismo tiene un valor documental y estético que requiere cualquier disciplina artística, y que a su vez tiene la gran responsabilidad de registrar los hechos históricos que han marcado el curso del siglo XX.

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1987

A lo largo de la muestra se pueden apreciar momentos e imágenes icónicas del trabajo de Valtierra, así como portadas de revistas, artículos periodísticos, fotorreportajes, entrevistas, propaganda y secuencias fotográficas. De igual forma se menciona la fundación de la agencia de fotografía y revista especializada Cuarto Obscuro, la cual es un referente de los trabajos más selectos e importantes de otros fotógrafos tanto nacionales como extranjeros.

Centro Cultural Universitario Tlatelolco Ricardo Flores Magón No. 1, Col. Nonoalco-Tlatelolco Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. $30 pesos Domingo entrada libre

El 27 de septiembre de 1987 murió en la Ciudad de México Alice Rahon, pintora surrealista, casada con Wolfgang Paalen; ambos llegaron a México en 1939.

Algunos de los representantes más importantes de este movimiento son Juan O ‘Gorman, José Villagrán y Luis Barragán, entre otros. A lo largo de esta exposición se muestran algunas de sus obras y trabajos más representativos e importantes, fotografías y planos, incluyendo los grandes conjuntos habitacionales de la época, y por supuesto la misma casa estudio de Diego y Frida, al sur de la Ciudad de México.

Fotografìas y textos por Román Quiroz

in duda alguna el medio ambiente es uno de los principales aportadores tanto en materia prima e inspiración para el ser humano, esto se ve reflejado al momento de realizar y plasmar diferentes producciones artísticas y artesanales, ya que el hombre vive y toma prestado de la naturaleza los elementos necesarios para crear con destreza, habilidad y creatividad gran parte de su obra. La artesanía es un claro referente de lo que el ser humano puede crear en colaboración con su entorno; en esta exposición destacan los materiales, técnicas, formas y colores que son ejemplo de la historia y la riqueza natural con la que cuenta el territorio mexicano. Aquí encontraras trabajos con un nivel impecable de producción, y que a nivel internacional son reconocidos por la calidad de sus materiales.

¿ Q u é

h a c e r

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o t r o s

m u s e o s ?

Núm. 8 | SEP TI EMBR E | 2012

Mnemografias

Entre la superficie y la memoria

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Fotografìas y textos por Román Quiroz

os procesos de estampación actualmente no se limitan por la técnica o principios tradicionales, ya que esta disciplina va más allá de lo establecido con respecto al uso de nuevos materiales, y discursos que ofrece el artista con respecto a su producción. Además tiene como objetivo principal reflexionar sobre su capacidad de desarrollo histórico, poniendo de manifiesto su vigencia y vitalidad hoy en día. Gran parte de las obras nos ofrecen un panorama muy distinto al que estamos acostumbrados, ya que los diferentes trabajos de todos estos artistas se presentan con un gran dominio del espacio dentro de las instalaciones del museo, abarcando la instalación, la pintura, la serigrafía y el uso de las nuevas tecnologías, que no están separadas de las diferentes disciplinas artísticas, como es el caso de la estampa.

Museo Nacional de la Estampa Av. Hidalgo núm. 39, Plaza de la Santa Veracruz, col. Centro Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. $11 pesos Domingo entrada libre

Homenaje a Manuel Bueno

Museo Estudio Diego Rivera Diego Rivera esq. Altavista, Col. San Ángel Inn. Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. $12 pesos Domingo entrada libre

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Museo y Centro Comunitario de Ecatepec Casa de Morelos Av. Vía Morelos s/n Ecatepec de Morelos, Estado de México Martes a domingo de 10:00 a 17: 00 hrs. Entrada libre

omo parte de la red de museos del INAH, el Museo y Centro Comunitario Ecatepec Casa de Morelos, ubicado en el Estado de México, presenta una exposición que a su vez es un homenaje a los más de 52 años de trayectoria de este artista plástico nacido en Tulpetlac, municipio de Ecatepec. A lo largo de su carrera siempre ha mantenido un gran interés por la cultura, las artes y la educación, ya que él menciona que estos tres elementos conforman el inicio de todo bienestar social. Las piezas que conforman esta muestra son algunos de los trabajos más destacados del Maestro Herrera, el cual nos ofrece una manera distinta y particular de arte, estética, anatomía y dibujo. Un plus que tiene este sitio es que se pueden observar los artículos personales que utilizo José María Morelos y Pavón, además de apreciar uno de los fósiles de Mamut mejor conservados, con una altura de cuatro metros y más de 10 mil 500 años de antigüedad.

Miradas compartidas

En los virreinatos de América

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na muestra que exhibe más de 181 piezas de los Virreinatos de México y Perú, en donde se revisan las conexiones existentes entre las tradiciones artísticas y culturales de ambos países, las cuales se exhiben en dos salas y abarcan seis núcleos temáticos, que van desde la época prehispánica a la colonial. Esculturas, arte sacro, pintura, códices, manuscritos, textiles, arte plumario y vasijas, son algunos de los objetos que se pueden apreciar a lo largo del recorrido y que en conjunto dan cuenta de la intersección de dos grandes actividades en el mundo colonial prehispánico, que son el arte y el poder. Una exposición organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia y el LACMA.

El 4 de septiembre de 1992 murió en la Ciudad de México el poeta y crítico de arte guatemalteco Luis Cardoza y Aragón, autor de La nube y el reloj, entre otros libros sobre arte mexicano.

1992

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