Impression « Die einzigen Grenzen des Harfenrepertoires sind die Ihrer Fantasie! »

Die Harfe ist ein Instrument mit vielen Facetten. Im Laufe des Konzerts, von Damase bis Tschaikowsky, über Kompositionen für Cembalo bis hin zu moderneren Kompositionen mit überraschenden Effekten, werden Sie die Harfe in verschiedenen Formen entdecken, die Sie weit weg vom klassischen Bild der Harfe führen werden. Zu einigen Werken finden Sie meine Zeichnungen, die von den Kompositionen inspiriert wurden.

PROGRAMM Jean-Michel Damase (1928-2013) Étude n°24 Paul Hindemith (1895-1963) Sonate für Harfe Virgilio Mortari (1902-1993) Sonatina Prodigio Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonate K466 André Caplet (1878-1925) Divertissement 1 à la française Divertissement 2 à l’espagnole E.Walter-Kühne (1870-1930) Fantaisie sur un thème d'Eugene Onegin par Peter Tchaikovsky

Etude n°24, Jean-Michel Damase Jean-Michel Damase wurde 1928 in Bordeaux in eine Musikerfamilie geboren. Er starb erst vor zehn Jahren. Seine Mutter, die berühmte Harfenistin Micheline Kahn, brachte Werke von Fauré, Ravel und Caplet zur Uraufführung. Der frühzeitig begabte JeanMichel Damase war erst neun Jahre alt, als Colette für ihn drei kleine Gedichte schrieb, die er vertonte. Unter der persönlichen Leitung von Alfred Cortot setzte er sein Musikstudium am Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris fort und erhielt im Alter von fünfzehn Jahren einstimmig den ersten Preis im Fach Klavier. Vier Jahre später erhielt er den ersten Preis für Komposition des Pariser Konservatoriums und anschließend den ersten Grand Prix de Rome. Er war zu diesem Zeitpunkt neunzehn Jahre alt! Er war Solist der Concerts Colonne, der Société des Concerts du Conservatoire und des Radio-Symphonie-Orchesters. Nachdem er auf zahlreichen internationalen Tourneen aufgetreten war und den Grand Prix du disque für die erste Gesamtaufnahme von Faurés Nocturnes et Barcarolles erhalten hatte, wandte sich Jean-Michel Damase nach und nach von seiner Karriere als Pianist ab, um sich ganz der Komposition zuzuwenden. Seine Kammermusikwerke wurden von den renommiertesten französischen und ausländischen Interpreten gespielt, darunter Lily Laskine (Harfenistin), Pierre Barbizet, Jean-Pierre Rampal, Nicanor Zabaleta (Harfenist)... Als Komponist erhielt er den großen Musikpreis der SACD (Gesellschaft der Autoren) und den großen Preis der Stadt Paris für sein Gesamtwerk. Er hat sich in vielen verschiedenen Genres hervorgetan. Er schrieb Chor- und Vokalmusik, Opern, lyrische Musik, Bühnenmusik für das Theater, Ballette, Orchester, Konzerte, Kammermusik und Solostücke für zahlreiche Instrumente. Die Etude n°24 ist Teil einer Sammlung von dreißig Etuden

Sonate für Harfe, Paul Hindemith (1895-1963) « Das ist wirklich etwas für einen Komponisten, der kein Harfenist ist ». Paul Hindemith über die Komposition seiner Sonate. Paul Hindemith gilt als einer der wichtigsten Komponisten der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als Professor für Komposition hatte er großen Einfluss auf die Komponisten der nächsten Generation. Nachdem Hitler an die Macht gekommen war, wurde seine Musik angegriffen und er wurde als « atonaler Geräuschmacher » bezeichnet. 1936 wurde die Aufführung der Werke des Komponisten in Deutschland verboten. Seine Musik wurde vom Nazi-Regime als « entartet » eingestuft, seine Wohnung und sein Vermögen wurden beschlagnahmt. Hindemith und seine Frau gingen daraufhin ins Exil in die Schweiz. « [...] Wenn wir nicht in der Lage sind, blitzschnell eine Komposition in ihrer absoluten Vollständigkeit zu sehen, mit jedem relevanten Detail an seinem Platz, sind wir keine authentischen Schöpfer. » Hindemith, « A Composer's World », S.84 1939, ein Jahr nach seiner Emigration und kurz nach Ausbruch des Zweiten Weltkriegs, komponierte Hindemith die Sonate für Harfe. Er komponierte sie innerhalb von zwei Tagen. Sie ist Teil eines Sonatenzyklus, den er von 1935 bis 1955 komponierte, von insgesamt sechsundzwanzig Stücken für verschiedene Instrumente. Nachdem er eine erste Fassung fertiggestellt hatte, ließ er sie der italienischen Harfenistin Clelia Gatti Aldrovandi, einer bekannten Interpretin, die in Turin lebte, vorlesen, die ihm eine Reihe von Verbesserungen vorschlug, die mit dem Harfenspiel zu tun hatten. Am 22. Dezember teilte er seinem Freund Willy Strecker stolz mit, dass Clelia Gatti Aldrovandi nichts mehr zu bemängeln hatte. « Das ist wirklich etwas für einen Komponisten, der kein Harfenist ist », fügte er hinzu. In dieser dreisätzigen Sonate finden sich mehrere Merkmale von Hindemiths Schreiben. Zunächst einmal erkennt man gleich zu Beginn des Stücks seine Rhythmik, die manchmal auch als Motorik bezeichnet wird. Sie ist durchschlagend und soll - wie die Maschine - zwanghaft sein. Ein weiteres Merkmal seiner Musik ist die häufige Verwendung von parallelen Quarten und Quinten. Das erste Thema des ersten Satzes ist ein hervorragendes Beispiel dafür (B - Es, Des - Ges, ... Db ... , B - F). Ein weiterer Grund, warum Hindemith den Sonatenzyklus komponierte, war, die Theorien zu demonstrieren, die er in Unterweisung im Tonsatz entwickelt hatte. Das erste Motiv der Sonate, Urmotiv (urspronglischmotiv), (B - Es - Db; aufsteigende Quarte, absteigende Sekunde) findet sich im gesamten Werk in verschiedenen Formen (umgekehrt, rückläufig), wie zum

Beispiel am Anfang des dritten Satzes (Db - B - Es). Außerdem sind die Haupttonarten der Sätze eine retrograde Umkehrung des Urmotivs: I Satz: ges, II Satz: as, III Satz: es. Dieses Verfahren hatte den Zweck, das Werk zu vereinheitlichen. Der dritte Satz ist mit einem Gedicht von Ludwig Hölty (1748-1776) Eure Freunde, hänget, wann ich gestorben bin verbunden. Die Struktur und der Rhythmus dieses Liedes in drei Strophen entsprechen leicht den Worten des Gedichts. Die Atmosphäre und die Geschichte, die in dem Gedicht erzählt werden, sind wichtig, um das gesamte Stück zu verstehen. Außerdem soll Hindemith eine Beschreibung der Sonate geliefert haben: Der erste Satz beschreibt den Kölner Dom, wo ein Organist übt, der zweite Satz handelt von einem Kind, das vor dem Dom spielt, läuft und singt, und der letzte Satz handelt vom Tod und Gedenken an den Verstorbenen Ihr Freunde hänget, wann ich gestorben bin, Die kleine Harfe hinter dem Altar auf, Wo an der Wand die Todtenkränze Manches verstorbenen Mädchens schimmern. Der Küster zeigt dann freundlich dem Reiſenden Die kleine Harfe, rauscht mit dem rothen Band, Das, an der Harfe festgeschlungen, Unter den goldenen Saiten flattert Oft, sagt er staunend, tönen im Abendroth Von selbst die Saiten, leiſe wie Bienenton; Die Kinder, auf dem Kirchhof spielend, Hörtens, und sahn, wie die Kränze bebten.

Sonatina Prodigio , Virgilio Mortari Virgilio Mortari, geboren 1902 in Mailand und gestorben 1993 in Rom, war ein italienischer Pianist und Komponist. Nachdem er in seiner Heimatstadt Klavier und in Parma Komposition studiert hatte, begann er eine Karriere als Konzertmusiker. Später unterrichtete er Komposition am Konservatorium von Venedig (1933-1940) und am Conservatorio du Musica Santa Cecilia in Rom (1940-1973). Er übernahm auch die künstlerische Leitung mehrerer Theater. « Was nicht heißen soll, dass die Harfe in einer vielleicht nicht allzu fernen Zukunft nicht die Gunst zurückgewinnen wird, die sie verloren hat, da die unberührten Ressourcen des Instruments weiterhin zahlreich sind. » Die Technik des zeitgenössischen Orchesters, Kapitel über die Harfe, Alfredo Casella und Virgilio Mortari Mortari war ein Komponist, der sich für die Harfe interessierte. Er schrieb zahlreiche Werke für Harfe. Darüber hinaus war er gemeinsam mit Alfredo Casella Autor eines Abhandlung über Orchestrierung, in der mehrere Seiten der Harfe gewidmet sind. Ihrer Meinung nach litt das Instrument unter seiner enormen Entwicklung während der impressionistischen Periode. Da die Komponisten die Verwendung von Glissandi missbraucht hätten, hätten sie dadurch das Image der Harfe und ihre klanglichen Möglichkeiten geschmälert. Die beiden Komponisten hatten Hoffnung, dass sich Komponisten für dieses Instrument interessieren würden, dessen Möglichkeiten bei weitem noch nicht ausgeschöpft waren. Im Jahr 1938 komponierte Mortari sein erstes Stück für Harfe solo: die Sonatina prodigio. Er benannte jeden der drei Sätze dieser Sonate. Der erste Satz dieser Sonate trägt den Namen Gagliarda. Die Gaillarde ist ein Paartanz italienischen Ursprungs, der Ende des 15. Jahrhunderts in der Lombardei auftauchte. Er war im 16. und 17. Jahrhundert an den aristokratischen Höfen in Mode. Im Dreivierteltakt ist er ein fröhlicher, sprunghafter Tanz. In diesem Satz, der im 3/4-Takt geschrieben ist, steht der tänzerische Charakter außer Zweifel. Es wird auch deutlich, dass Mortari zwischen zwei Schreibweisen wechselt: der vertikalen Schreibweise (beidhändig gesetzte Akkorde) und der vertikalen, eher melodischen Schreibweise. Dieser Kontrast lässt uns vermuten, dass Mortari jeden der Tänzer des Paares deutlich darstellen wollte. Der zweite Satz, Canzone, bedeutet im Italienischen wörtlich übersetzt Lied. In der Musik des 18. und 19. Jahrhunderts bezeichnete Canzone ein liedähnliches Instrumentalstück. Im größten Teil dieses Satzes wird die Melodie unisono gespielt: Eine Hand spielt das Thema in Naturtönen, während die andere es in flageoletten

Tönen verdoppelt. Mortari fand, dass diese Schreibtechnik einen sehr schönen Klang ergab. Der letzte Satz ist eine Toccata. Dieser Begriff tauchte Ende des 15. Jahrhunderts in Italien auf und definiert Kompositionen, die den « Tastsinn » des Interpreten zur Geltung bringen sollen. Es handelt sich um Virtuosenstücke. Ihre Form ist frei, sie haben einen scheinbaren Improvisationscharakter sowie häufige rhythmische oder melodische Änderungen. Eine der einzigen Anforderungen, die an eine Toccata gestellt werden, ist die strikte Anpassung an das Instrument, auf dem sie gespielt wird.

Sonate k466, Domenico Scarlatti Domenico Scarlatti, ein italienischer Cembalist und Komponist, wurde 1685 in Neapel geboren und starb 1757 in Madrid. Als Schüler seines Vaters Alessandro, eines bekannten Komponisten und Gründers der neapolitanischen Opernschule, wurde er bereits im Alter von sechzehn Jahren zum Organisten und Komponisten der königlichen Kapelle in Neapel ernannt. Domenicos Karriere verlief in zwei perfekt kontrastierenden Phasen: In seiner Jugend reiste er viel durch Italien. Er komponierte hauptsächlich Opern und religiöse Werke. Da er im Schatten seines Vaters stand, erlangte er nicht den erhofften Ruhm. Diese Anerkennung fand er erst spät, ab 1720, als er in den Dienst von Maria Barbara von Braganza trat, einer portugiesischen Prinzessin, die auf den spanischen Thron berufen wurde. Für sie schrieb Scarlatti seine 555 Cembalosonaten. Die meisten dieser Werke, die für den königlichen Gebrauch bestimmt waren, wurden zu Lebzeiten des Autors nicht veröffentlicht, außer 30 von ihnen, die unter dem Namen Essercizi per gravicembalo erschienen. Essercizzi bedeutet Übungen, und jedes Stück illustrierte im Sinne Scarlattis einen bestimmten Punkt der Interpretationstechnik. Dies ist wichtig zu erwähnen, da es erklären könnte, warum diese Werke, die wir als Sonate bezeichnen, nichts mit der klassischen Sonate zu tun haben. Sie sind einsätzig, binär (Typ AB(AB)), mono- oder bi-thematisch. « in der Instrumentalmusik des 18. Jahrhunderts erkennt man beim Hören nichts schneller als eine Sonate von Scarlatti, aber nichts ähnelt weniger einer Sonate von Scarlatti ... als einer anderen Sonate von Scarlatti, so überrascht ist man von den wenigen textlichen Wiederholungen in einem so umfangreichen Werk! » Stephane Goldet Diese Sonaten sind von großem musikalischen Reichtum. Sie bieten eine erstaunliche Vielfalt an melodischen Formeln, die sich oft wiederholen, an Dissonanzen, gebrochenen Rhythmen, einer Stille oder einem anderen Überraschungseffekt, die uns daran erinnern, dass diese Sonaten Werke und nicht nur Studien sind. Man kann diese Sonaten in drei verschiedene Perioden einteilen. Die erste ist die « flamboyante » Periode, in der es für Scarlatti wichtig war, dass der Interpret technische Meisterleistungen erbrachte. Die zweite Phase umfasst die « mittleren » Sonaten, die weniger auf Virtuosität und mehr auf Intimität setzen. Die letzte Periode besteht aus den « ultimativen Sonaten ». Sie wurden wahrscheinlich in den letzten Jahren seines Lebens komponiert. Sie verfallen nie in sinnlose Virtuosität. Auch wenn es viele Sprünge gibt, werden diese nur zu expressiven Zwecken eingesetzt. Erst in den

späteren Sonaten tauchen Nuancen oder Angaben zu entwickelteren Tempi wie con spirito, allegretto, andante auf. Die Sonate KV 466 in f-Moll gehört zu dieser letzten Periode. Sie ist mit Andante moderato notiert und zeigt eine berührende Melancholie und eine betörende Poesie. In der Ouvertüre wird vorgestellt, was die Begleitung für einen Großteil des Werkes wird. Die binäre Begleitung ist ein Leitlinie, das ab Takt 5 durch ein ternäres Motiv ergänzt wird. Dieses einzige Beispiel einer Überlagerung von drei für zwei ist repräsentativ für das Werk. . Barbara, für ihre melancholischen Lieder, die von Poesie und einer tiefen Sehnsucht geprägt sind

Divertissements, André Caplet « Dieser Caplet ist ein Künstler. Er weiß die Klangatmosphäre wiederzufinden und hat mit einer schönen Sensibilität den Sinn, die Proportionen wiederzufinden ». « Lettres inédites à André Caplet », Claude Debussy, S:23 André Caplet, Komponist und Dirigent, wurde 1978 in Le Havre geboren und starb 1925 in Paris. Seine Begabung zeigte sich schon früh: Nachdem er am Conservatoire National Supérieur in Paris Komposition studiert hatte, gewann er vor Maurice Ravel den Premier Grand Prix de Rome. Caplet bewunderte Debussys Werk und widmete mehrere Jahre der Analyse seiner Werke. Da die beiden Komponisten befreundet waren und Debussy Caplets Talent bewunderte, beauftragte er ihn mit der Orchestrierung mehrerer seiner Werke. « Es ist an der Zeit, dass Caplet sich durch sein Werk durchsetzt [...] Es besitzt alle Zeichen von Originalität und Inspiration ». Max Pinchard Neben diesen kompositorischen Gaben ist an Caplet auch die Art und Weise bemerkenswert, wie er die verschiedenen Möglichkeiten jedes Instruments auslotet. Ein Beispiel hierfür sind die beiden Divertissements, die weit entfernt vom ätherischen, luftigen, ja sogar diaphanen Image der Harfe sind. Dieses Werk in zwei Sätzen wurde 1924 komponiert und ist Micheline Kahn (die Mutter von Jean-Michel Damase) gewidmet. Das Divertissement à la Française mit der Aufschrift « bien allégrement et carré » ist wie eine ständige Bewegung von Sechzehnteln, die manchmal von plötzlichen harmonischen Punktierungen unterbrochen wird. Es ist voller Eleganz im Stil der Cembalostücke von Couperin oder Rameau, kann aber auch als Hommage an Debussy und seine fließende Klaviermusik verstanden werden. Im Divertissement A l'espagnole beschwört Caplet durch das Spiel mit den Klangfarben und die zahlreichen Klangunterbrechungen ein imaginäres und fantasievolles Spanien herauf. Die Angabe « avec galbe et drapé » (mit Schwung und Drapierung) deutet auf das Rubato und die Freiheit der Flamencomusik hin. Das Spiel « près de la table » (nahe am Tisch) und die wiederholten Noten, die die Gitarre imitieren, wechseln sich mit der flageolettetöne ab, die so besonders auf die Harfe sind. Caplet, der Erfinder der Pedalglissandi in Halbtonschritten, verwendet sie in dieser Komposition und verleiht ihr damit diese ganz besondere Dimension.

« Die Divertissements für Harfe von M. Caplet sind von einer verrückten Kühnheit der Ausführung. [...] Die beiden Divertissements haben Anmut, Phantasie und gute Laune ». « Le Ménestrel: Journal de musique » 13. Februar 1925

Fantaisie über ein Thema aus der Oper « Eugen Onegin » von Peter Iljitsch Tschajkowsky, Ekatarina Walter-Kühne « Wenn es eine Musik gibt, die mit wahrer Leidenschaft komponiert wurde, mit Liebe zur Geschichte und ihren Figuren, dann ist es die Musik zu 'Onegin'. Ich schmolz und vibrierte vor unsäglicher Sehnsucht, als ich sie komponierte. Und wenn nur ein winziger Teil dessen, was ich beim Komponieren dieser Oper empfunden habe, beim Zuhörer nachhallt, dann bin ich zufrieden und brauche nichts anderes mehr. » Peter Iljitsch Tschajkowsky Eugen Onegin, op. 24, ist eine Oper ("lyrische Szenen") in drei Akten und 7 Bildern. Die Handlung spielt in der Nähe von Sankt Petersburg im späten 18. Jahrhundert. Olga und Tatjana sind die Töchter von Madame Larina: Die erste ist lachend und verliebt in den Dichter Lensky, die zweite ist verträumt und melancholisch. Als Lenski in Begleitung seines Freundes Eugene Onegin zu den Larinas kommt, verliebt sich Tatjana sofort in den müßigen und blasierten Mann. Sie schreibt ihm daraufhin einen Liebesbrief, den Onegin verächtlich beantwortet. Einige Zeit später besteht Lenski darauf, dass Onegin an einem Ball teilnimmt, der anlässlich Tatjanas Geburtstag stattfindet. Aus Langeweile geht Onegin hin und beschließt, den Zynismus noch zu steigern, indem er Olga den Hof macht. Diese Situation verstärkt Tatjanas Schmerz nur noch mehr und löst bei Lensky einen schrecklichen Eifersuchtsanfall aus. Dieser fühlt sich betrogen und fordert seinen Freund zum Duell heraus. Während der Auseinandersetzung tötet Onegin Lenski und verlässt das Land. Einige Jahre später besucht Onegin einen Empfang in St. Petersburg, wo er die inzwischen verheiratete Tatjana wiedertrifft. Ihm wird klar, welche Gefühle er für sie empfindet. Onegin offenbart Tatjana seine Liebe und Leidenschaft für sie sowie sein Bedauern über sein früheres Verhalten. Tatjana bleibt ihrer Pflicht als Ehefrau treu und weist ihn zurück. Zwischen Wut und Schmerz bleibt Onegin allein zurück. Ekaterina Walter-Kühne (1870 - 1930) war eine russische Musikerin deutscher Abstammung und um die Jahrhundertwende in Sankt Petersburg eine bekannte Künstlerin. Als Soloharfenistin des Mariinsky-Theaters sowie der Italienischen Oper lebte sie ihr Leben inmitten der Oper. In einer Oper, die zweieinhalb Stunden dauert, arbeitete Ekatarina nur an einigen wenigen Melodien. Darunter war auch das Thema der Introduktion. Es ist das Leitmotiv von Tatjana. Ursprünglich während der Ouvertüre vorgestellt, während des ersten Akts entwickelt und im dritten Akt wieder aufgenommen, wenn Onegin und Tatjana sich Jahre später

wiedersehen, vereint es die Oper. Walter-Kühne behält diese Struktur bei: Die Fantasie beginnt mit diesem Thema, das dann in der Einleitung weiterentwickelt wird und schließlich in der Mitte des Stücks wieder auftaucht, vor der melancholischsten Passage. Bei Tschaikowsky soll dieses Verfahren, ein einfaches Motiv aufzugreifen und zu variieren, eine Atmosphäre ausdrucksstarker Melancholie schaffen. Die Komponistin ließ sich auch bei Tatjanas Geburtstagsball vom Walzer inspirieren. Walter-Kühne entwickelte ihr Thema weiter und arrangierte es im Laufe des Stücks. Trotz des spärlichen Materials gelang Walter-Kühne eine farbenfrohe Komposition!

Estelle Friedrich Estelle, geboren 1999 in Paris, begann ihre musikalische Ausbildung an der Harfe bei Françoise de Maubus am Konservatorium in Versailles. Sie schloss ihr Diplom am Konservatorium in Versailles mit „sehr gut“ ab. Seit 2018 studiert sie Bachelor in der Harfenklasse von Prof. Françoise Verherve an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt. Sie ist Preisträgerin verschiedener internationaler Wettbewerbe, wie dem « Le Concours Français de la Harpe » in Limoges, dem « Concurso Internacional de Harpa » in Porto, und dem « Concours de harpe des juniors » in Monaco. Seit 2021 wird Estelle von der Stiftung Live Music Now Yehudi Menuhin Frankfurt und das Deutschand Stipendium unterstützt. Meisterkurse, u.a. bei Marie-Pierre Langlamet, Christine Icart, Sandrine Chatron und Michelle Vuillaume, ergänzen ihre Ausbildung.

Danksagung Françoise Verherve Eine außergewöhnliche Professorin, aber auch ein wunderbarer Mensch. Die immer an mich geglaubt, mich unterstützt und mein Potenzial gesehen hat, die mich dazu gebracht hat, über mich selbst hinauszuwachsen. Die mir geholfen hat, meine Persönlichkeit an der Harfe, aber auch als Person zu bestätigen. Die es mir ermöglicht hat, dorthin zu gelangen, wo ich heute bin. Meine Eltern Liebevoll und investiert, haben sie mich auf meinem musikalischen und harfenistischen Weg immer unterstützt und ermutigt. Als Nichtmusiker hörten sie mir zu, vertrauten mir und boten mir die besten denkbaren Bedingungen, damit ich mich als Harfenistin, aber auch als Person verwirklichen konnte. Ohne sie wäre das alles nicht möglich gewesen. Meine Freunde Aus Frankfurt oder von anderswo, Die mich emotional unterstützt haben, die sowohl in meinen freudigen als auch in meinen zweifelnden Momenten anwesend waren, Die mir zugehört und mich ermutigt haben, Die mein Leben in Frankfurt schöner gemacht haben. Françoise de Maubus Meine erste Harfenlehrerin, der ich es zu verdanken habe, dass ich heute diesen Lebensweg beschreite. Die mich zehn Jahre lang bis zu meiner Aufnahme an der Frankfurter Hochschule ausgebildet hat. Die mir ihre Liebe zur Harfe und zur Musik vermittelt hat. Meine Familie

Die meinen Fortschritt verfolgt hat und immer ein enormes Interesse an meinen musikalischen Projekten und meiner Entwicklung auf der Harfe gezeigt hat. Die heute in großer Zahl gekommen ist Die Harfenklasse In der ein Geist der gegenseitigen Hilfe und des Wohlwollens herrscht. Sie besteht aus großartigen Menschen mit vielfältigen Persönlichkeiten und inspirierendem Spiel. Tausend Dank an alle ! 5coeur noir

Fin