PROYECTO DE GRADUACION Trabajo Final de Grado

Título del Proyecto “Arte y Diseño de la década del 60`”

María Gabriela Feroldi 23 de septiembrede 2008 Diseño de Interiores Cuerpo B del PG Facultad de Diseño y Comunicación Universidad de Palermo

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INDICE Pág. INTRODUCCIÓN.....................................................................................................4 “Arte y Diseño de la década del 60`” CAPITULO I: Pop Art. Lenguaje y Replanteamiento de la problemática artística y social 1.1- Antecedentes…………………………………………………………………...7 1.2- Marco social…………………………………………………………………....9 1.3- Qué significó…………………………………………………………………..14 1.4- Cómo incidió………………………………………………………………….15 CAPITULO II: Respuesta al cambio 2.1- Incidencia en el campo del Diseño………...…………………………………..18 2.2- Diseño de mobiliario. Nuevo concepto estético en la creación de muebles…....22 2.3- Respuesta al cambio……………………………………………………………28 CAPITULO III: Cambios en la Producción Industrial a partir de un diseño innovador 3.1- Uso de nuevos materiales: plástico, madera laminada, vidrio, acero…………30 3.2- Uso de colores brillantes y Formas orgánicas, ergonómicas …………………38 CAPITULO IV: Pioneros en la incorporación de nuevos estilos 1.4- Pioneros en la industria del diseño y en la incorporación innovadora de materiales…………………………………………………………………………..41 - Verner Panton…………………………………………………………………….41 - Eero Aarnio……………………………………………………………………….44 - Eero Saarinen……………………………………………………………………..46

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CAPITULO V: Proyecto de diseño. “Arte y Diseño de la década del 60`” 5.1- Idea rectora………………………………………………………………...…49 5.2- Análisis de sitio…………………………………………………….…………50 5.3- Target y perfil………………………………………………………………....50 5.4- Proyecto………………………………………………………………….........51 5.5.1- Servicios con los que cuenta…………………………………..…..51 5.5.2- Normas de Prevención y Seguridad Edilicia……………………...53 5.5.3-Accesibilidad al medio físico- Proyecto libre de barreras arquitectónicas……………………………………………………………….…....53 5.5.4- Fachada……………………………………………………….…...55 5.5.5- Diseño de arquitectura interior………………………………....…58 5.5.6- Subsuelo……………………………………………………….….61 5.5.7- Planta Baja…………………………………………………….….62 5.5.8- 1° y 2° piso……………………………………………….……….72 5.5.8- Terraza……………………………………………….…………….90

CONCLUSIÓN …………………………………………………………….…….92 BIBLIOGRAFÍA ………………………………………………………….……..94

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Introducción

“Arte y Diseño de la década del 60`” El Pop Art es un movimiento que demuestra interés por la cultura popular urbana, se caracterizó por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicado a las artes visuales y al diseño interior. Este movimiento destaca el valor iconográfico de la sociedad de consumo, es el resultado de un estilo de vida; es la expresión plástica de una cultura que se caracteriza por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo. Los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie y el arte pasa a ser un objeto más de consumo. El concepto Pop Art se refiere a un repertorio de imágenes donde el arte y la vida se acercaron. Llegaron al gran público. Esto dentro de un contexto social que procura generar la cultura del consumo, a través del análisis y manipulación del comportamiento del hombre común. Cultura del consumo que también hoy rige nuestra actualidad. Existe una transformación de los criterios artísticos. El Pop Art fue una manifestación cultural que fue creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial, con sus consecuentes cambios, que más adelante se analizarán. Esta respuesta al cambio se ve en el uso de formas orgánicas o ergonométricas, en el uso de colores brillantes y sobre todo en el uso de nuevos materiales, aparece el gran protagonista: el plástico. Artistas que incursionan en el pop Art, diseñadores y arquitectos, reconocen el potencial creativo del plástico, la facilidad con que se modela y colorea.

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Con esta transformación producida en el arte, cuando hablamos de repetición y reproducción de la obra y su valor, los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie y el arte pasa a ser un objeto más de consumo. En estos tiempos, desde el Pop Art hasta la actualidad, si algo fascina al público es la capacidad de los objetos de ser reproductibles. El valor de reproductibilidad ha devenido valioso en sí mismo; Además, del valor intrínseco de la obra, la reproductibilidad involucra un plus que va más allá de la obra misma. Así se desarrolla un nuevo concepto estético en el diseño de objetos. Este nuevo concepto estético en el diseño de objetos y espacios, es el que se tomará para el desarrollo creativo de la propuesta que define al proyecto del hotel. El resultado es una idea diferente, idea que simboliza a la cultura urbana, y da respuesta a las necesidades del público dentro de un espectro amplio que va desde el turismo joven hasta el hombre de negocios. El proyecto de este hotel busca su identidad, su sello que lo identifique, con un diseño interior que evoca al movimento pop.

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Capítulo I Pop Art Lenguaje y Replanteamiento de la problemática artística y social

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Antecedentes Hacia la segunda mitad del siglo XIX se desarrolló en Europa un movimiento artístico y literario llamado el EXPRESIONISMO Abstracto. Este nuevo movimiento negaba la primacía del objeto como fuente de inspiración imitativa pura, y propugnaba la intensidad de la expresión sincera sacrificando el equilibrio formal, surgió como reacción al Impresionismo. Utilizaban colores muy saturados, los trazos eran bruscos, las figuras deformadas, alargadas; todo buscaba reflejar angustia, soledad. Influyó notablemente en la literatura, pintura, escultura y cinematografía no solo europea, sino que se irradió hacia los EEUU encontrando campo propicio para su desarrollo. La temática fantástica, el tratamiento de los decorados, los juegos de luces y sombras, hizo que hacia fines de siglo los artistas jóvenes de Inglaterra comenzaran a criticar y acusar ésta tendencia por la falta de sinceridad emocional y, el estricto academicismo expresado por rasgos violentos de pincel por el uso del efecto estilístico, sin la presencia de sentimientos. También el público – y sobre todo el de los EEUU-, estaba cansado de tanta abstracción y de cuadros sin estructuras. Otro movimiento que surgió del Expresionismo abstracto es el DADAÏSMO, que se presenta como una ideología total, una forma de vida que se caracteriza por el rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior; demuestra un antihumanismo tanto filosófico, como artístico y literario. Surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el arte. Promueven un cambio: buscar el efecto de la espontaneidad, expresar la libertad del individuo, demostrar la contradicción y el caos frente al orden. Se basan en lo absurdo, en lo carente de valor y, para lograr éstos efectos utilizan objetos de deshecho diario y montaje de fragmentos.

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Este movimiento surge en 1916 en Zurich, que se había convertido en una zona de emigrantes que escapaban de la primera guerra mundial quizás esto explica las características que presenta dicho movimiento. Estos movimientos incidieron en el movimiento POP-ART como todos los que se dieron en la historia del arte; tuvo su origen en el Dadaísmo y, no corta plenamente con él - con el Expresionismo Abstracto-, aunque le imprime rasgos muy particulares: buscan demostrar el impacto que produjo la tecnología y los medios de comunicación de masas sobre la sociedad, para lo cual toman imágenes y temas del mundo de la comunicación y lo aplican a las artes visuales. El desprecio por los objetos, la ironía y la ambigüedad – características de una sociedad de consumo-expresan las obras de este movimiento, el cual insiste en las cualidades táctiles de la superficie, en la estrecha relación del arte con la vida social, en el romanticismo a través de evocaciones nostálgicas de cosas pasadas. También adopta algunas de las técnicas del Dadaísmo, como el collage y el fotomontaje, aunque expresa una filosofía diferente al Dadaísmo. Así, el arte elitista de los años 45 y 50 expresado en el movimiento del Expresionismo Abstracto y subjetivo, se vió cuestionado con una exigencia general de cultura. El Pop-Art pretende ser un arte popular, ingenioso, efímero, joven, barato, producido en serie según Richard Hamilton.

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Marco social Lo que caracterizaba a la sociedad norteamericana en la década del 60 era la cultura del consumo, los medios de comunicación y la euforia tecnológica. La situación socio-política-económica floreciente presentaba vulnerabilidad en cuestiones aún sin resolver: la “Guerra fría”, el enfrentamiento que tenían EEUU y la URSS y que abarcó todo el siglo XX. Desde lo político era la lucha por imponer en el mundo cada uno su sistema: A través de, una carrera por el dominio del espacio y la competencia armamentista. Si bien nunca se llegó a un conflicto armado, las tensiones eran constantes. Los límites del enfrentamiento se dieron entre 1945 y 1950, coincidiendo con el fin de la segunda guerra mundial, y con el inicio de la posguerra; esto duró hasta 1985 época en que la URSS inicia una reestructuración, un nuevo proceso para reformar el sistema. Este cambio produjo, en el tiempo, la disolución de la URSS, y puso en evidencia situaciones problemáticas que la sociedad vivía. En los Estados Unidos el problema “Racista”, que se expresaba a través de la lucha que mantenía el Reverendo Luther King buscando una política de integración; defendía los derechos del negro en la convivencia con el blanco; el derecho a ser reconocido como Persona con igualdad de posibilidades junto al blanco. Esta lucha cuesta la vida del Reverendo que es asesinado en 1968, pero dá sus frutos en lo referente a la integración. La Guerra de Vietnam: el Presidente Kennedy hereda éste problema y debe continuar con la intromisión yanki en la contienda que sostenían las dos Coreas. Corea del Norte defendía su sistema político, el comunismo; Corea del Sur era democrática. A ésta zona envía miles de ciudadanos el gobierno norteamericano, pero la política pacifista del Presidente Kennedy busca detener la masacre mediante 9

alianzas con el líder de Corea del Norte; el resultado es el asesinato de ambos en 1963. En éste contexto surge el Pop-Art como expresión de cultura, como fenómeno relacionado con el estado de ánimo de una época; como un modo de vida que caracterizaron los años 60. El arte Pop es una expresión de filosofía anti-arte del Dadaísmo, y se expresa construyendo nuevos objetos a partir de imágenes que se sacan de la realidad cotidiana. A principio de 1950 surge en Londres, y casi simultáneamente en los EEUU éste movimiento artístico, fundamentalmente pictórico, que tuvo extraordinaria acogida entre el público joven. Esta expresión artística se interesa por la cultura popular, y de ésta manera sus obras llegan a ser críticas sociales y, dan lugar al surgimiento de una cultura particular porque el contenido de las obras es fácil de comprender, son divertidas y superficiales. El Pop-Art es un arte ciudadano, nacido en las grandes ciudades, ajeno a la naturaleza; es un arte crítico. Este movimiento destaca el valor iconográfico de la sociedad de consumo, es el resultado de un estilo de vida, es la expresión plástica de una cultura que se caracteriza por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo; expresiones frívolas que marcaron una época. La belleza es posible encontrarla en cualquier objeto de consumo. En éste tipo de expresión cultural los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie, y el arte pasa a ser un objeto más de consumo. El Pop-Art nace en el Reino Unido, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres como resultado de grandes discusiones, donde se debatía el impacto que estaba produciendo en la sociedad la tecnología y los nuevos medios de comunicación de masas. 10

Se puede hablar de dos generaciones del arte Pop británico: en la primera se expresa un arte POP culto, intelectualizado, ya que sus creadores toman como fuente- además de los elementos del ocio y de la industria- los de la historia del arte. Entre los representantes más destacados sobresalen Richard Hamilton y Roland Kitag En cambio, la segunda generación combina cuadros abstractos, material gráfico y fotografías como lo demuestran las obras de David Hockney y Allen Jones. El arte Pop en EEUU se expresa con mayor fuerza que en el Reino Unido, y tiene connotaciones más nacionalistas, quizás se deba a la rivalidad artística que existía con Europa. Este movimiento pretendía acercar el arte al pueblo, creando un nuevo arte- más popular-, frente al elitista que había dominado la escena en los años anteriores. Lo que caracterizaba a la sociedad norteamericana en la década de los 60 era la cultura del consumo, los medios de comunicación y la tecnología; todo esto fue creando “mitos” en la vida diaria y, por el estilo de vida imperante cantidad de desperdicios, que manifiestan un comportamiento social basado en el despilfarro. Existía el optimismo, pero también el temor; el progreso pero había signos de decadencia; lujo y chatarra; sueños y miedos. Todas estas realidades se expresaban en las obras Pop del momento: el culto a las estrellas como Marilyn Monroe, Elvis Presley, Liz Taylor,etc. expresan realidades, ilusiones, sufrimientos enmascarados en rostros embellecidos, maquillados, que quieren compensar la frustración, el desaliento, la soledad.. En las obras de Warhol los ídolos parecen deshechos, los objetos pierden brillo, se descascaran. Otra característica de ésta época es el diseño que responde al marketing, al análisis de conductas y a la estadística. Así se crean “tipos” para los diversos diseños: de moda, publicitario, diseño fotográfico, de automóvil, productos de consumo, etc. El 11

diseño se fue perfeccionando para lograr influir en el comportamiento privado del hombre común; para manejar su conducta se lo seducía, se lo inhibía en su capacidad de decisión y se lo impelía hacia el consumo. Todo esto fue un reto para los artistas: debían esmerarse en diseñar publicidades de objetos de la vida diaria. Ahora los artistas exhiben productos diseñados pero los colocan en un contexto diferente que lleva a la reflexión; no adoptan una postura definida, ni clara, ni crítica sino que dejan que el espectador le dé el valor que considera. Lo mismo ocurrió con el cine y la música. Las obras de Andy Warhol en la serie “Marilyns”(1962), James Rosenquist con “Marilyn Monroe”(1962), Meter Phillips en “Sólo para hombres MM y BB como estrellas”(1961), Richard Hamilton en “Mi Marilyn”(1964), Ray Jonson en “Elvis Presley Nº1”, Tom Wesselamnn y otros, reflejan la frivolidad, la banalización de preferencias reales y vivas composiciones pictóricas pero insustanciales; las escenas no seducen más bien angustian; los elementos individuales -al poder ser intercambiables según cada espectador- no tienen valor, se vuelven insignificantes. Todo demuestra lo artificial, todo está al alcance de todos y para ser usado o consumido por todos. Lo trivial logra un mayor valor estético por medio del cuadro de gran formato. Era una época en que los artistas se sentían deslumbrados por el espacio y por los objetos de la vida cotidiana, pero también estaban insatisfechos de los efectos que se lograban con las pinturas anteriores; así empezaron a utilizar el sonido, las personas, el movimiento, los olores, el tacto. Al incorporar en sus obras los deshechos de la sociedad de consumo muestran la basura, el barro. Se quería resaltar la vida produciendo alegría o tristeza.

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Los productos y objetos de consumo pasan a ser símbolos de una cultura popular: la Coca-Cola es el símbolo clave, es la expresión del sistema capitalista, de una forma de vida americana. Con ese símbolo se inicia la tendencia de incluir al consumidor en la publicidad del producto, y a difundir que no hay diferencias entre el consumidor rico y el pobre: Elvis Presley toma Coca-Cola, el Presidente toma Coca-Cola, Liz Taylor toma Coca…vos también…Coca-Cola representa fielmente la característica de ésa época Pop al relacionar el objeto con el vulgo, con el ocio…Toda una industria surgió alrededor de este producto impulsado por el Pop-Art. También los helados, la Pepsi, las sopas en conserva, la Seven-up, los cigarrillos, las cajitas de fósforos, la pasta dental son expresiones de una vida más snob, más confortable. El objeto adaptado al estilo de vida común resulta, ahora más significativo y de valor. Ellos se van a convertir en la iconografía del movimiento Pop-Art. Hoy se cree que los objetos y seres que aparecen en las obras –sean pinturas o esculturas- no son seres ni objetos reales, sino mitos sociales, creaciones estereotipadas. Otro símbolo de la época fue el dólar, esto tiene que ver con la confianza en el poder económico, con la creencia de que el progreso se desarrolló gracias a la economía. El dólar era todo un símbolo de poder, de supremacía, además ayudaba a superar frustraciones, angustias. Otro ícono fue la Bandera de los EEUU, emblema de América y símbolo de un Estado próspero: fue uno de los principales temas del Pop-Art y materializa un nuevo concepto del arte El arte descubre los símbolos de la época, y a su vez ejerce su influencia en la sociedad.

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Qué significó El concepto Pop-Art se refiere a un repertorio de imágenes de la cultura urbana de masas formado por la publicidad, la TV, el cine, los “comics”, la fotonovela. El Pop-Art fue una manifestación cultural netamente occidental que fue creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial.. Fue un fenómeno artístico que expresó el estado de ánimo de una época. La cultura Pop y el estilo de vida se entrelazaron en los años sesenta. El arte y la vida se acercaron y llegaron al gran público mediante temas, formas y medios comunes a todos, y todos pudieron expresarse: “el arte es vida” y “todos somos artistas” (slogans de Beuys y Warholl) popularizaron no sólo el sistema educativo, sino las academias de arte y los museos. El movimiento Pop-Art no sólo prendió en la juventud sino en adultos que esperaban un cambio en el arte, y fue en los EEUU donde se dio la mayor repercusión debido que se expresó como algo auténtico propio de su experiencia. Este cambio cultural y el impulso del arte responden a una época de postguerra, donde la estabilidad política y económica condujo a una revaloración de lo popular; el Pop-Art –arte popular - con sus formas fáciles de entender basadas en imágenes publicitarias, en

objetos de la vida diaria, en temas divertidos, cómicos;

fue

ampliamente aceptado y recibido por un público vulgar que no debía esforzarse por comprender lo que se representaba. Lo trivial, lo vulgar se convirtió en objeto del interés general.

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Cómo incidió Los hábitos de conducta y consumo en esta nueva sociedad de postguerra - esta sociedad de masas-, llevó a que se buscase un mayor acercamiento del productor al consumidor lo que motivó el surgimiento del marketing y a una reestructuración de los programas en los medios de comunicación para llegar al cliente e incitarlo al consumo. Los temas pictóricos del Pop-Art estaban basados en la vida diaria, reflejaban realidades propias de una época – tomar coca-cola, comer salchichas, leer “comics”, coleccionar baratijas -; así lo trivial se había convertido en objeto de interés general. Esta revolución cultural afectó todos los ámbitos transformando no solo el arte, sino el estilo de vida, el lenguaje, los valores en las relaciones humanas: la emancipación de la mujer, la educación antiautoritaria, la liberación sexual. Todo este movimiento fue canalizado por los “hippies” – producto del movimiento de los años 50 llamado “beatniks”-, cuyos exponentes fueron Elvis Presley y James Dean. Todo esto ocurrió en una sociedad materialista que llevó a tener comportamientos

y costumbres

distintas, a un nuevo concepto del objeto y el arte. Con las obras pictóricas de Robert Rauschenberg y Jasper Johns – expuestas en la Galería Leo Castelli de Nueva York -, unidos al músico John Cage – profesor que contribuyó a través de su cátedra a que los nuevos artistas borraran la frontera entre el arte y la vida, sostenía que las cosas más banales y frívolas contenían un potencial estético - ; aquí se puede decir que se inicia este movimiento. Hacia 1959-60 comenzaron lentamente a realizarse exposiciones en diversas galerías de Nueva York, y las revistas de mayor circulación – Time, Life, Newsweek publicaron artículos refiriéndose al movimiento como el nuevo escándalo artístico. Ocurría que los artistas del Pop-Art utilizaron en sus obras las imágenes propias de la 15

realidad, las cosas más comunes, las más vulgares, las que hasta el momento el arte las consideraba no propias del arte; y esto encantaba al pueblo norteamericano porque dichas imágenes ejercían una nostálgica atracción; les recordaba su infancia, su adolescencia: los helados de fresa, los hot-dogs, los “comics”, etc. eran imágenes de la cultura de masas, comunes a todos. Y así seguían al pie de la letra los consejos de John Cage de “prestar atención a la vida que les rodeaba”…y así transferían en las obras el materialismo, el vacío espiritual y el opulento ambiente norteamericano. La revalorización de lo trivial se dio en todos los niveles: así los souvenirs, los envoltorios, las imágenes de la industria, etc. se fueron convirtiendo en el contenido del arte, en temas de investigación y en objetos coleccionados por los museos. La industria del ocio prosperó con la música POP: los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta la euforia, las ansias, las fuerzas de la juventud, su estado de ánimo. Artistas del Pop-Art como Warhol, Hamilton y Blake diseñaron las carátulas de los discos de dichos artistas. La elevada participación de lo trivial en el arte y el fuerte interés del arte por lo trivial hizo que aumentara el número de los que querían producir arte y se llegó a la desmaterialización del cuadro – ya no sugiere ni insta a la contemplación -, le sigue aspectos materiales como el contenido y los medios de representación. Así el Pop-Art

se opone a lo abstracto mediante el

realismo, a lo emocional por medio de lo intelectual.

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Capítulo II Respuesta al cambio

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Incidencia en el campo del Diseño

El nacimiento del Pop-Art como estilo norteamericano realista, revolucionario coincidió con un posicionamiento industrial que deja su impronta en la sociedad del momento, pero también con un momento económico muy favorable y con la expansión e influencia de los medios de comunicación de masas producto del desarrollo tecnológico. Este movimiento artístico-social busca transformar cualitativamente la práctica burguesa del arte. A fines del siglo XIX y principios del siglo XX- debido al proceso de industrialización-Occidente experimentó una profunda transformación dando inicio a la era moderna. El advenimiento de la tecnología produjo grandes cambios, no sólo en la arquitectura y el diseño, sino en la forma de vida. Se alteró la vida cotidiana como respuesta al auge de los medios de transporte, los sistemas de comunicación y la fabricación en serie. Este gran cambio político, económico y tecnológico que se dio con la aparición de la máquina, cómo metáfora del diseño moderno fue ambiente propicio e instó a los diseñadores a crear con una intensidad sin precedentes. Impulsados a actuar en un mundo nuevo y democrático, en el que el entorno material desempeñaba un papel muy importante vieron la oportunidad para crear un nuevo estilo de vida. El diseño moderno fue la respuesta como reacción de ruptura del pasado. La mayor fuente de expresión moderna era la arquitectura, también llegó a las artes, al diseño industrial y al diseño de interiores. Rompiendo con la forma de trabajo tradicional, arquitectos y diseñadores comenzaron a ocuparse del proyecto integrador, del conjunto; se ocupaban de crear la “obra total”, tanto del diseño interior de las

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construcciones como de los espacios y de los objetos. Su logro fue la transformación del espacio total. El movimiento Pop-Art dinamizó el diseño, le dio vitalidad, lo sofisticó y le imprimió elegancia. Este arte, inspirado en la tecnología moderna, utilizó materiales nuevos – tales como el plástico – y puso en contacto el entorno cotidiano con el arte; por eso se puede afirmar que fue una revolución que se extendió a todos los ámbitos, porque no sólo transformó el arte sino la forma de vida. El diseño optimista, innovador, confortable, elegante, era un reflejo de las nuevas aspiraciones sociales de posguerra: la identificación con el presente, el deseo de cambio, los sueños. Interiorismos que reinterpretan las décadas del 50’ y 60’

Propuestas innovadoras. En cuanto, al uso de textiles con líneas geométricas, los acabados de los muebles, y el uso de nuevas formas.

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Priman las telas estampadas en los cortinados y tapizados

http://www.rldiseno.com/desde-adentro-y-con-humor-2.html

Formas orgánicas que brindan movimiento al espacio, lo cual, unido al color, conforma una escena divertida e innovadora.

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Uso de grafismo en paredes y solado.

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Diseño de mobiliario. Nuevo concepto estético en la creación de muebles

Cuando estalló la segunda guerra mundial – 1939.-el diseño vanguardista estaba consolidado a nivel internacional, tanto en la práctica como en sus formulaciones teóricas. En la posguerra muchos de los países que iniciaron su reconstrucción, recurrieron al diseño para proyectar una imagen positiva ante la comunidad internacional. Utilizaron el diseño de vanguardia como muestra de una cultura y economía progresista para mejorar su imagen En respuesta a la necesidad de renovación y cambio, surge la teoría del funcionalismo basada en la producción en serie y en la simplificación geométrica. Los diseñadores se replantearon la función, la forma y el proceso de fabricación buscando imprimir en sus obras estilo, confort y elegancia. Durante los años de posguerra, éstos cambios en el mundo del diseño pasaron de la arquitectura y las artes aplicadas – muebles, vidrios, telas- a la industria. Mientras que en Europa se centraron más en la arquitectura y en las artes aplicadas, en EEUU. se manifestó -en gran medida-en el diseño industrial, para lo cual se impulsaban desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York, concursos internacionales de diseño cuyos resultados en el tiempo fueron la renovación de muebles, electrodomésticos y automóviles. Los diseñadores industriales se convirtieron en figuras claves de estas nuevas necesidades del mercado. En los años sesenta los diseñadores sentían la responsabilidad de crear objetos que estuviesen al alcance de todos, por eso decían que debían crear diseños democráticos.

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Los ideales de diseño de antes de la guerra, revivieron con más fuerza, y se adaptaron a los nuevos cambios y a las necesidades sociales de la posguerra. Reinaba optimismo en los diseños de los años sesenta que se reflejaba en los objetos de formas ergonómicas, de colores brillantes y realizados con materiales innovadores. Así es como los objetos relacionados con interiores – muebles, lámparas, recipientestendieron cada vez más a lo orgánico, favoreciendo formas abstractas derivadas del cuerpo humano y de la naturaleza. Surgía la estética Pop que privilegiaba lo desechable y rechazaba lo permanente. El diseño se volvió hacia la cultura popular. Los objetos se convirtieron en objetos de moda que simbolizaban un nuevo estilo de vida. Diseños de vanguardia Charles Eames Se lo recuerda como uno de los diseñadores y fabricantes progresistas que, durante los años cincuenta, se erigieron como la principal fuerza innovadora en el mundo del diseño. Charles estudió arquitectura en St. Louis, Missouri, su localidad natal, entre 1924 y 1926. Empezó a trabajar por su cuenta en 1930. En ese tiempo conoció a dos personas que habrían de influir notablemente en su carrera. La primera era Eero Saarinen, que le pidió su colaboración en una serie de diseños y proyectos arquitectónicos; la segunda fue una mujer que estudiaba en la academia, Ray Kaiser. En 1941, Charles contrajo matrimonio con Ray, y ambos se mudaron a California, donde, en 1944, abrieron un estudio que permaneció activo hasta la muerte de Charles. Ray Charles Eames aportaron una nueva visión al diseño de muebles e interiores, durante la posguerra. 23

Silla y mesa realizada con contrachapado de haya moldeado y curvado. Diseñada en 1946.

http://www.steeldomus.com/es/plywood_low_chair_charles_eames.htm

http://www.steeldomus.com/es/plywood_coffee_table_charles_eames.htm

Butaca y posapiés; estructura de palote rosa moldeado, el tapizado de cuero y la base basculante con cinco puntas de aluminio fundido y con laterales laqueados en negro. Diseñada en 1956.

http://www.steeldomus.com/es/lounge_chair_charles_eames.htm

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Hielen Gray Nació en Brownswood, comenzó su carrera en Londres, estudiando en la escuela Slade, y seguidamente, alrededor de 1902, se radicó en París, en esa época centro de la actividad artística europea. Llegó a ser una figura sobresaliente en el mundo de las artes decorativas francesas. Entre los años 1910 y 1920 se dedicó al diseño de mobiliario con terminados en barniz y lujosos tapetes, con tendencia a la tradición japonesa; su arquitectura y el tipo de mobiliario fueron altamente innovadores, combinando las líneas puras de la estética del Movimiento Moderno con un sentido práctico, de confort e ingenio. Su contribución en el Movimiento Moderno ha sido muy significativa y ha colocado su obra en el marco de los movimientos contemporáneos de diseño y arquitectura de la historia social y cultural del Siglo XX. Modelo Bibendum: Confeccionado en poliéster, con la base en caño pulido a espejo y cromado http://www.steeldomus.com/es/bibendum_armchair_eileen_gray.htm

http://www.steeldomus.com/es/non_conformist_chair_eileen_gray.htm

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Philippe Starck Nació en París, Francia. (1949). Estudió en la École Nissin de Comondo. Está considerado uno de los iniciadores del Nuevo Diseño en Francia. En 1969 fue nombrado director artístico del estudio Pierre Cardin, donde realizó 65 diseños de muebles. En 1979 fundó su propia fábrica, Starck Products. Ha trabajado como diseñador de objetos, mobiliario y como interiorista. Diseñó muebles para Vitra Disform, Driade, Baleri, Idée. Y diseñó interiores tales como: hoteles y centros de comida en los Estados Unidos y Hong Kong. Parques, museos y salas de exhibición.

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Sillón Toy: Apilable. La estructura tiene una geometría cuadrada, fabricada de prolipopileno teñido.

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Silla de acrílico: Realizada en policarbonato transparente. Ofreciendo una imagen etérea y cristalina.

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Respuesta al cambio

En los años cincuenta se produjo un espectacular crecimiento del consumo, tanto en Europa como en los EEUU. Se fusionaron el diseño vanguardista con la tecnología de avanzada en el trabajo conjunto de diseñadores e industriales, dando como resultado una gran producción de objetos de uso cotidiano, fabricados con materiales innovadores cuyo uso posibilitó la nueva tecnología. En los años, sesenta la característica de sociedad consumista se había impuesto, y los diseñadores se vieron en la necesidad de crear objetos/productos que estuviesen al alcance de todos. Se debía dar respuesta a consumidores de todo el mundo que plasmaban sus aspiraciones personales, tanto en la decoración de sus casas, como en el interés por el uso de objetos que se consideraban sinónimos de un buen nivel de vida. Por un lado los diseñadores creaban una mayor variedad de objetos, una producción sin precedentes; y por otro lado los fabricantes, que se volcaron a producirlos en serie. Eran respuestas vanguardistas a las necesidades del mercado, de un público ávido por consumir nuevos diseños, a un mercado de consumidores jóvenes con su consiguiente deseo de diversión y cambio, en ésta nueva sociedad de consumo integrada al sistema capitalista del siglo XX. Existe un distanciamiento con los principios del arte moderno, con la teoría funcionalista; hay un cambio de valores culturales. Este cambio trajo consigo la “revolución pop”, con un mercado joven, optimista, con aspiraciones de diversión, variedad y moda, inmerso en una sociedad de consumo donde el mensaje es que “comprar es algo divertido”.28

Capítulo III Cambios en la Producción Industrial a partir de un diseño innovador

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Uso de nuevos materiales: plástico, contrachapado moldeado, madera curvada y tubos de acero. El diseño moderno del siglo XX no es sólo el resultado de las innovaciones artística de unos cuantos precursores, sino que va también íntimamente ligado a avances en materiales y tecnológicos. Estos avances, dieron a los diseñadores la oportunidad de crear nuevos signos visuales tanto para espacios público como para el ámbito privado. Los entornos en los que abundan muebles voluminosos y macizos cambiaron gracias a la presencia de mobiliarios que denotan modernidad y formas deliberadas. Muchos diseñadores decidieron explotar las propiedades de los diferentes materiales como: el plástico, contrachapado moldeado, madera curvada y tubos de acero. El “Plástico” Su descubrimiento es en el siglo XIX, donde se convirtió en uno de los materiales más empleados, revolucionando el mercado de productos fabricados en serie y plateando un reto de carácter estético y ecológico a los diseñadores. Los primeros plásticos naturales y semisintéticos, se empleaban como opción económica, en lugar de materiales como el azabache, el ámbar y el marfil. La baquelita fue el primer plástico totalmente sintético, éste se empleaba como sustituto de la goma para aislar enchufes o interruptores. Para dar forma a la baquelita bastaba utilizar un molde y verter en su interior el material fundido. El método permitía fabricar con facilidad objetos con formas suaves y aerodinámicas. Mas adelante se descubrieron los plásticos petroquímicos, como el vinilo, el acrílico, el nailon el poliéster y el acetato de celulosa, pero la mayoría no se utilizaron hasta después de la segunda guerra mundial.

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Los avances técnicos y las investigaciones durante la guerra aumentaron considerablemente la gama de plástico disponible en el mercado. El desafío de los diseñadores de posguerra pasaba por otorgar a los plásticos de una cierta categoría y explotar sus posibilidades creativas de ligereza, color, maleabilidad, precio económico, higiene, robustez e impermeabilidad. Diseñadores que contribuyeron en el diseño de muebles con plástico: Joe Colombo Joe Colombo (1930-1971), nació en Milán, Italia. Fue uno de los diseñadores italiano más importantes del diseño moderno durante los años cincuenta y sesenta. Estudio pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Milán. Cuando su padre cayó enfermo, Joe y su hermano Gianni cogieron las riendas de la fábrica de la familia, utilizo el negocio familiar como patio de experimentación con los procesos de producción del plástico, desarrollando modelos con la fibra de vidrio, ABS, PVC y polietileno. En 1961 los dos hermanos se retiran del negocio familiar y se centran plenamente en el arte del diseño, al año siguiente abren un estudio junto a su hermano. “En 1962, Colombo abrió su propio estudio en Milán y se dedicó al diseño de muebles y de interiores. Para él, los interiores constituían la suma de todas sus partes, por lo que cada mueble o accesorio resultaba importante.” (1999, p.208).

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Unidad Totalmente Amueblada http://mueblesantiguos.juegofanatico.cl/modernos/colombo/colombo-8.jpg

Su diseño de cocina Mini-kitchen (1963) indica su pasión por lo compacto, un concepto que le llevó a crear sus “unidades de vivienda móviles”, inspiradas en los avances relacionados con los viajes espaciales. Una de las mayores contribuciones de Colombo al diseño fue su “unidad totalmente amueblada”. (Penny Sparke, 1999, p. 208). Donde pretendía cubrir las necesidades básicas. Mostrando como podía reducirse el ámbito doméstico, en las cuatro unidades cocina, armario, cama y baño. El “Contrachapado Moldeado y Madera curvada”

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La empresa austríaca Thonet logró curvar la madera a mediados del siglo XIX, mientras que Alvar Aalto y Marcel Breuer diseñaron sillas con contrachapado curvado durante los años veinte y treinta, antes de la segunda guerra mundial. Los avances más espectaculares relacionados con la curvatura o moldeado de madera tuvieron lugar durante la segunda guerra mundial, gracias a los experimentos realizados por la industria aeronáutica. Se descubrieron nuevas resinas para unir láminas de madera con el fin de crear materiales más resistentes. De este modo, el contrachapado se pudo moldear con mayor facilidad, eficacia y, sobre todo, con menores costes, con lo que se lograron formas orgánicas o esculturales mucho más acorde con las necesidades del cuerpo humano. Diseñadores que contribuyeron en el diseño de muebles con contrachapado moldeado y madera curvada: Alvar Aalto Arquitecto y diseñador nació en Kuortane, Finlandia, uno de los más destacados del siglo XX. Aalto nació el 3 de febrero de 1898, y se graduó en la Escuela Politécnica de Helsinki. En un principio trabajó como diseñador de exposiciones y no inició su carrera de arquitecto hasta 1923. En 1925 realizó sus primeros diseños de muebles y en 1928 ingresó en el CIAM (Congrés Internationaux d´Architecture Moderne). En 1929 fundó un taller experimental de contrachapado en Turku, donde desarrolló intensamente los muebles de madera curvada, junto a Otto Coronen. En 1935 fundaron junto a Harry y Marie Gullichsen la empresa Artek, que todavía hoy produce un mobiliario innovador.

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Los “Tubos de Acero” En el siglo XIX, se presenció la revolucionaria aparición del acero, un material fuerte pero maleable que permitió la fabricación de un gran número de productos. En las primeras décadas del siglo XX surgió el acero curvado y los tubos de acero, su empleo, resultaba especialmente ligero y resistente en diseño de mobiliario doméstico, donde constituyo una autentica revolución. Este material, permitió darle un aire innovador a los muebles y un aspecto más modernos a los interiores, denotando espacio, claridad y simplicidad. Diseñadores que contribuyeron en el diseño de muebles con tubos de acero: 34

Le Corbusier Arquitecto y diseñador, (1887-1965), nacido en La Chaux-de-Fonds, Suiza. Se estableció en Francia y alrededor del 1920. Junto a su equipo de trabajo Le Corbusier estructura un sistema de muebles, que incluye distintas piezas realizadas con acero tubular. Estos elementos, que marcan la propuesta del mobiliario funcionalista de Le Corbusier, evidencian la revolución iniciada sobre 1920, con el predominio de las formas geométricas y las líneas puras en el diseño y la transformación formal del mobiliario, mediante la utilización de materiales como el metal y el acero.

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Mies Van der Rohe Arquitecto y Diseñador, (1886-1969), nacido en Aachen, Alemania. Uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. También ha dejado su huella en el campo del diseño de muebles. Fue una faceta corta, de 1927 y 1931. En 1927, Mies van der Rohe diseñó su primera silla en suspensión para las viviendas de la colonia Weissenhof, contribuyendo así al éxito de la silla de tubo de acero en el diseño de muebles. Cuando, hacia 1929-1930, los muebles de tubo de acero inundaron el mercado y cuando parecía que los diseñadores casi habían agotado su repertorio de ideas originales, Mies van der Rohe creó tres diseños completamente innovadores: una silla para el Pabellón Alemán de Barcelona y una silla y una butaca para la Villa Tugendhat, en las que utilizaba perfil de acero plano. Mies realizaba una revolución, al considerar el mobiliario como parte integral del diseño arquitectónico. El mueble tensiona el espacio, es un referente, y el arquitecto distribuye en sus cajas de cristal, en sus elementos transparentes, las mesas, las sillas, las tumbonas o aparadores, que adquieren un gran protagonismo.

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Uso de colores brillantes y Formas orgánicas, ergonómicas.

El interés por los objetos fabricados con nuevos materiales, nuevas formas, nueva tecnología y nuevos colores rivalizaron por captar la atención de los jóvenes. Este hecho se manifestó en todas las áreas de diseño, en la que apareció una multitud de diseños de muebles radicales de colores brillantes. Los consumidores de todo el mundo empezaron a plasmar sus aspiraciones personales a través de la decoración de sus casas. Ese interés sin precedentes por los productos vanguardistas animó, por un lado, a los diseñadores, que empezaron a crear una mayor variedad de objetos, y, por otro, a los fabricantes, que se aprestaron a producirlos. Por ejemplo en Gran Bretaña El estilo contemporáneo implicaba el empleo de colores llamativos, tanto en muebles como en objetos, lo que constituye a una muestra de las diferentes respuestas vanguardistas que los diseñadores dieron a las necesidades del mercado. En los años sesenta se abrió la brecha que ya existía desde que los procesos de fabricación en serie convirtieron los ideales de los líderes del movimiento moderno en estilos marcados por el consumo, ya que, en esos años, los diseñadores se rindieron por completo al mercado. Los productos se convirtieron, de forma progresiva, en símbolos de un estilo de vida u objetos de moda, cada vez de menor utilidad, por lo que la teoría funcionalista perdió toda razón de ser. De todos modos, no todos los diseñadores se adaptaron con la misma rapidez a este cambio. Muchos habían sido educados en los ideales del movimiento moderno y eran reacios a abandonar la seguridad y el confort que les aportaban sus creaciones. Al igual que ocurrió en los años previos a la guerra, la posguerra presenció el surgimiento de varios diseñadores de fama internacional. En esa época convivieron 38

dos importantes tendencias estilísticas: el diseño orgánico, formulado por Charles Eames en Estados Unidos, Arne Jacobsen en Dinamarca, Robin Day en Gran Bretaña y Marcello Nizzoli en Italia. Los nuevos materiales innovadores, hicieron posible crear objetos muchos más expresivos. Los objetos relacionados con los interiores tendieron cada vez más hacia lo orgánico, oponiéndose al estilo mecanicista y favoreciendo las formas abstracta derivada del cuerpo humano y de la naturaleza.

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Capítulo IV Pioneros en la incorporación de nuevos estilos

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Pioneros en la industria del diseño y en la incorporación innovadora de materiales. En el siglo XX, la producción en serie ha permitido poner diseños de calidad al alcance de millones de personas y los diseñadores han alcanzado una posición y un prestigio que antes estaban reservados únicamente a los artistas. Verner Panton, Eero Aarnio, Eero Saarinen, etc. Son algunos que marcan la historia del siglo XX. Sus creaciones, concebidas como obras funcionales, se han convertido objetos muy deseados, símbolos de estilo y obras de artes por mérito propio. Verner Panton El arquitecto y diseñador danés, nacido en 1926, vive y trabaja en Suiza desde mediado de los años cincuenta. Probablemente dos encuentros tuvieron una influencia decisiva en su evolución profesional y por tanto en su camino hacia el diseño. Una de estas influencias fue Poul Henningsen, conocido internacionalmente por sus diseños de iluminación que hicieron época. Donde algunos de los principios y actitudes que impartió Henningsen al joven Panton fueron: actitud abierta hacia la innovación técnica, un enfoque sistemático hacia la resolución de los problemas de diseño, y un concepto amplio de funcionalidad. La segunda figura en importancia es Arne Jacobsen, ahí adquirió una experiencia muy valiosa para sus propios trabajos de diseño, sobre todo acerca de la manipulación de nuevos materiales y la búsqueda de la tecnología adecuada de producción.

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Sus obras se encuentran en las líneas de los diseñadores estadounidenses e italianos de posguerra que creaba objetos sofisticados con materiales y formas innovadoras. A finales de los años sesenta, Panton se sumó al movimiento internacional que intentaba promover el empleo de nuevas tecnologías y de materiales sintéticos. Una de las mayores contribuciones de Panton en la historia del diseño, fue la silla apilable de plástico Stacking Diseñada en 1960, Panton constituyo su diseño más innovador. Esta silla de formas curvas y voladizas, era la primera que se fabricaba con una sola pieza de plástico moldeado, con asiento en suspensión. http://www.panton.ch/design/furni/index.htm

Silla Cone diseñada en 1958. Realizada con una estructura de chapa metálica, acolchada con espuma y revestida en tela, con una base de metal.

http://www.danish-furniture.com/designers/verner-panton/#verner-panton-cone-table

Otras de sus creaciones innovadoras fueron las lámparas, como por ejemplo, la lámpara Panthella Diseñada en 1970, contaba con una pantalla acrílica semiesférica montada sobre un pie metálico. Creando un diseño acorde a la “era espacial”, en el que no se percibe la fuente de luz. http://www.panton.ch/design/lamps/index.htm

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http://www.panton.ch/design/lamps/index.htm

Spiegel Publishing House, Canteen, 1969, Hamburg, D

Verner Panton's Home, Dining room, Binningen, Ch

http://www.panton.ch/design/index.htm

Como diseñador, Panton creó numerosos diseños fascinantes, absolutamente originales. De crucial importancia son sus diseños de habitaciones. Su filosofía de diseño global ya era evidente en los tempranos diseños interiores. Demostró una particular habilidad en la fusión de elementos dispares – tratamientos de suelos, paredes y techos, muebles, elementos de iluminación, telas, y paneles plásticos o esmaltados para paredes. Textiles

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http://www.panton.ch/design/index.htm

Panton se distinguió como diseñador textil. Su estrecha colaboración con la firma Mira-X, para la cual diseño una extensa colección de telas domésticas a partir de finales de los años 60, demuestra claramente su preferencia por lo colores intensos y las formas geométricas. El espectro de colores de Panton, generalmente iba desde el amarillo, pasando por el naranja, rojo y violeta hasta el azul, turquesa y verde. No le gustaban los colores oscuros y terrosos, y utilizó tonos pasteles únicamente en los años ochenta.

Eero Aarnio

El diseñador finlandés, nacido en Helsinki, Finlandia en 1932. En sus comienzos utiliza madera y luego desarrolla un nuevo concepto estético en la creación de 44

muebles. Para 1960 se ubica a la vanguardia de un movimiento artístico que emplea fibras sintéticas de plásticos y vidrio como componentes estructurales y de acabado exterior. Incluye piezas que en la actualidad se consideran íconos del diseño contemporáneo: asientos de usos múltiples, mesas, sillas, taburetes, lámparas y muebles públicos. Una de sus obras más famosas es la silla Ball

http://www.eero.aarnio.com/8/Objects/Ball-Chair.htm

Presentada por primera vez al mundo en 1966. Esta silla se diseño utilizando una de las formas geométricas más simples; la esfera. Respecto a esta silla, Aarnio ha dicho que se trata de un objeto que podría concebirse como “una habitación dentro de una habitación”. Con una atmósfera tranquila y acogedora, que protege de los ruidos exteriores y ofrece un aspecto privado para relajarse. Otro de los objetos famosos es la silla Bubble (burbuja), que se basa en el diseño original de la silla Ball. Se fabrico en acrílico y un aro de acero, colgándose del techo mediante una cadena de acero templado. http://www.eero.aarnio.com/10/Objects/Ball-Chair.htm

Focus 2 chair

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http://mueblesantiguos.juegofantastico-cl/moderno/aarnio/aarnio-2.jpg

Eero Saarinen El arquitecto y diseñador finlandés, desde 1910-1961 formaba parte de la generación de arquitectos y diseñadores que logró que Estados Unidos se convirtiera en el centro del movimiento de vanguardia después de la segunda guerra mundial. Las líneas rectas y los procesos industriales del vanguardismo más funcional dejan paso a formas orgánicas, más adecuadas al cuerpo humano, y a la elaboración artesanal. El primer contacto que Saarinen tuvo con el mundo del diseño fue en 1929, cuando ayudó a sus padres a diseñar muebles de madera para la escuela femenina de Kingswood. En los años cuarenta Eero realizo varios diseños de contrachapado moldeado para la marina de Estados Unidos. Sin embargo en 1946 había evolucionado en direcciones creativas distintas. La primera silla, diseñada en 1946, era una tumbona tapizada llamada Grasshopper (“Saltamontes”), que a pesar de su interés estético, resultaba mucho menos radical que su Womb, de 1946-1948, creada a partir de una pieza única, pieza de fibra de vidrio 46

forrada de espuma de látex y con una base de tubos de acero.

Silla Grasshopper

Silla Womb

http://www.scandinaviandesingn.com/eero-saarinen/Objects/index5.htm

La silla Tulip constituye otro de los clásicos de Saarinen, realizada en 1955-1957, se debe su nombre a su parecido con los tulipanes, está basada en un efecto óptico. El diseño de ésta silla tenía como base la búsqueda de un asiento realizado con una sola pieza. Saarinen ideó el pie para, según sus propias palabras, evitar un “amasijo de patas”. La silla era de fibra de vidrio y aluminio, pero ambos materiales llevaban un revestimiento de plástico blanco que les otorgaba un aspecto uniforme.

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Silla Tulip http://mueblesantiguos.juegofantastico-cl/moderno/saarinen/silla-tulipan.jpg

Capítulo V Proyecto de diseño

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Idea rectora Con respecto a la propuesta de diseño, el recorte elegido fue el “Arte y Diseño de la década del 60`”, donde se hará un abordaje al nuevo concepto estético en el diseño de muebles, concepto de diseño que destaca el poder de reproductibilidad que tiene el mismo, donde ya no son objetos únicos, sino que se fabrican en serie. Este concepto de diseño se centró en torno a dos ideas rectoras: una, en cuanto al uso de materiales innovadores, - la utilización del plástico, la fibra textil sintética, madera laminada, etc.-; y otra, referida a usos de nuevas formas , orgánicas y ergonométricas. Es decir, aparece un innovador concepto estético de diseño que da respuesta a las necesidades de la sociedad. Esta propuesta de diseño, donde el mobiliario es protagonista. En el cual se encuentran una amplia gama, desde las creaciones libres y prototipos hasta los productos acabados y ya industrializados. En los últimos años, los productos de diseño han sido capaces de ser lo suficientemente innovadores, tanto como para transformarse en íconos de una época. Esto provoca emociones; resulta difícil olvidarlos. En este contexto, aparecen productos cargados de emotividad, que irradian vitalidad y frescura. 49

El Pop Art vuelve. La nostalgia de tiempos más coloristas ha conseguido rescatar esta expresión artística en todos los sentidos. Muebles, diseño de interiores y tendencias decorativas. Lo retro está de moda y cada vez son más los que apuntan a un estilo alegre y desenfadado, mezcla de hedonismo y nostalgia. El pop consigue envolvernos en un mundo de color en el que la estética es lo más importante. Formas y colores llenos de vida se mezclan para conseguir la más absoluta autocomplacencia. Bajo esta idea se funda el proyecto de diseño de este hotel temático, el cual consiste en la creación de espacios abiertos, dinámicos y acogedores; Utilizando el uso de formas geométricas, empapelados con diseño óptico y mobiliarios de formas orgánicas y ergonómicas con un toque de color. Dándole el equilibrio perfecto, de originalidad y elegancia. Donde el huésped pueda pasar unos días gratos conjugando diversión y placer.

Análisis de sitio El proyecto a realizar, es de un hotel céntrico, en el barrio de La Recoleta, en la calle Callao Nº 1660.

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Target y Perfil El proyecto de este hotel también busca su seña de identidad, su sello que lo identifique, se ha puesto el acento en el deseo de singularizarse mediante un diseño arquitectónico interior que combina

el estilo Pop Art, con una selección de

superficies, revestimientos, texturas, y una profusión de uso del color, que nos evoca a ese movimiento pop, con una combinación de materiales contemporáneos y de vanguardia.

Proyecto: Hotel Urbano

Servicios con los que cuenta Este hotel, ubicado en el barrio de la Recoleta, tiene doce habitaciones en suite, distribuídas en dos pisos, y el edificio consta de 1 Subsuelo, Planta Baja, 1º Piso, 2º Piso, y Terraza. En el Subsuelo se aloja la zona para el Personal, con sanitario, vestuario, cocina, zona de estar y comer.

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La Planta Baja, cuenta con: •

Lobby-

•

Recepción

•

Gerencia

•

Conserjería

•

Estar

•

Zona de Computadoras

•

Sanitarios para Discapacitados

•

Bar

•

Restaurant

•

Sanitarios

•

Depósito

•

Dos amplias Escaleras, una, la Principal y otra Complementaria.

•

Y la Zona de Servicios, con su depósito, sanitarios, vestuario, y escalera contra incendio con su ascensor-montacargas.

1º Piso- Se distribuyen 6 amplias Habitaciones en suite, con sus respectivos Baños y con su zona de Estar y zona de Dormir. Una de ellas es la Suite Principal, de mayor superficie, y cuenta con una amplia zona de Estar, una zona de Guardarropa, zona de Dormir y además, una Kitchenette. Otra de ellas es la Habitación apta para Discapacitados, de la que daremos detalles más adelante. Y otras 4 Habitaciones en Suite. Cada una de ellas con un diseño interior diferente, minuciosamente estudiado en el uso de texturas materiales y colores, dando a cada una de estas suites una impronta distintiva y diferente a las demás. 52

En esta planta, en el recorrido de su Circulación Horizontal se vincula el sector de Biblioteca / Hemeroteca con su sector de Zona de Lectura, y también se vincula con un pequeño Estar Intimo, flanqueado por dos Patios Interiores. En la caja de la zona de Servicio de esta planta se desarrolla un depósito, baño, y escalera contra incendio con su ascensor montacargas. 2º Piso – ídem anterior. Terraza – Consta de un sector en el frente, de superficie cubierta, y otro sector de superficie descubierta. Además está sectorizada también por tres distintos niveles. Superficie cubierta: En el nivel +15,55 m. , que corresponde a la superficie cubierta, se aloja un Gimnasio, la Sala de Máquinas, Sala de Masajes y separado, un grupo sanitario de Baños para Discapacitados , además, la caja de Zona de Servicios , idéntica a la del 1º y 2º piso, que tiene un Depósito, Baño y la Escalera de servicio y contra incendio. Superficie descubierta: En el mismo nivel, pero en superficie descubierta, una amplia Terraza vinculada con una rampa para ingresar a la Piscina y una escalinata para acceder al Bar y también a la Piscina. En el nivel +16,55 m. está el Bar., con la cocina y sanitario de servicio. Y en el nivel + 17,35 m., encontramos la Piscina con Solarium a la que se accede también, a través de una rampa.

Normas de Prevención y Seguridad Edilicia La totalidad del edificio se ha proyectado teniendo en cuenta Normas de Prevención y Seguridad Edilicia, por lo tanto está previsto el uso y buen funcionamiento de: 53

Detectores de humo y fugas de gas Luz de emergencia Extintores Hidrantes Disyuntores y llaves térmicas Llave principal de gas.

Accesibilidad al medio físico- Proyecto libre de barreras arquitectónicas Se ha desarrollado este proyecto, teniendo en cuenta como premisa la accesibilidad al medio físico. Con la intención fundamental de la eliminación de barreras arquitectónicas, y así generar un itinerario libre de obstáculos y desniveles que garantice el libre uso y movimiento de personas con discapacidad o sin ella. Se desarrolla en este proyecto el concepto de accesibilidad integrada, libre de barreras físicas, con la convicción que no resulta ni molesto ni perjudicial para las personas sin discapacidad, y que este proceso tampoco limita la creatividad. El proyecto así concebido es testimonio del compromiso entre el diseño arquitectónico interior y la accesibilidad al medio físico, lo que es un derecho y un indicador de calidad de vida. Como ya se señaló, este hotel ha sido creado con el deseo de caracterizarse por su diseño, por su servicio personalizado, original y eficiente, y, además con una combinación de ubicación urbana privilegiada y una oferta de servicios completa.

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Fachada La estética del Pop Art es el leit motiv que organiza tanto los espacios públicos y privados del proyecto como también la fachada. Es una fachada dinámica que dialoga con los espacios interiores. Se trató que la arquitectura interior del edificio dé respuesta a los requisitos del turismo boutique, con ambientes íntimos y un extremo cuidado en los detalles de diseño interior y exterior , resultando así una fachada con personalidad y estética Pop, marcando de esta manera, su carácter de construcción comercial, dentro de un barrio con una impronta muy fuerte.

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Fachada Vista de Día

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Fachada Vista de Noche

FACHADA (Ver archivo autocad) Anexo 1 Cuerpo C

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Diseño de arquitectura interior El diseño interior en esta estructura preexistente, recupera una atmósfera intimista de los años 50-60, que difícilmente pueda lograr un edificio totalmente nuevo. Subsuelo En el Subsuelo se aloja la zona de uso exclusivo para el Personal, con sanitario, vestuario, cocina, zona de estar y comer. Se accede a través de la escalera de servicio Planta Baja: El Hotel tiene dos accesos, uno jerarquizado, el Acceso Principal y el Acceso de Servicio, a través del cual se vincula a la zona de Depósitos, Sanitarios y Escalera de servicio y Contra Incendio . El Acceso Principal al Hotel se da a través de una importante abertura vidriada de doble hoja. Desde allí se ingresa al Lobby- Recepción, que sirve como distribuidor.

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A un lado del Lobby se sitúan la Oficina de Gerencia y la Conserjería, las que se visualizan francamente desde el acceso principal. Desde el Lobby se accede a la zona de Estar del Hotel, allí se crea este espacio donde se recupera una atmósfera intimista. A partir de allí la planta recupera un eje circulatorio central, sin desniveles, al que se van volcando a cada lado de la circulación, los espacios que albergan distintas funciones, tales como, Zona de Computadoras, Sanitarios aptos para discapacitados, Restaurant con su Cocina y Depósito, y al otro lado de la circulación, el Bar. Todas estas funciones son linderas a Patios Interiores que están intercalados a uno y otro lado del eje circulatorio. Patios a los que se puede acceder, y que otorgan iluminación y ventilación a los ambientes, creando, a la vez, visuales y transparencias. Esta situación está enfatizada en el bar, puesto que está ubicado en medio de dos amplios patios interiores con su estudiado y minucioso diseño. También el restaurant tiene una franca vinculación con uno de estos patios, el posterior, creando una generosa relación entre interior y exterior.

Esta secuencia espacial conforma un gran collage arquitectónico y escenográfico, resultado del análisis profundo y minucioso, del estudio que nos ocupa, y da por resultado una superposición de imágenes que forman un conjunto familiar y novedoso al mismo tiempo. Esta idea se trasluce en la totalidad del proyecto.

Las circulaciones verticales están dadas por dos amplias escaleras, y dos ascensores. En el sector de servicios una escalera secundaria, que cumple con los requisitos de escalera contra incendio, y un ascensor montacarga.

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Decíamos que la planta tiene una escalera principal y otra complementaria, como requiere el código de edificación para este tipo de edificios, aunque las dos tienen las mismas dimensiones, características y materiales, por lo que podría decirse que posee dos escaleras principales. Fueron proyectadas teniendo en cuenta los requisitos para escaleras de primera, por lo tanto cumplen con los mismos. El ancho en todo su recorrido es de 1,20 m. y cada tramo no tiene más de diez alzadas. Los escalones con pedadas antideslizantes con aristas evidenciadas que permite su fácil identificación al ascender o descender. Una se sitúa próxima acceso principal, ubicado entre el Lobby y el Estar, y la otra, en el sector posterior, entre el Bar y el Restaurant. Con esto se logra además de dar mayor seguridad, una gran comodidad al usuario del hotel. La escalera de servicio, además cumple la función de escalera contra incendio y responde a los requisitos puesto que está encerrada en una caja de mampostería cerrada con puertas que admiten trabarse para permitir la fácil evacuación. Allí se proyectó también un ascensor montacarga.

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PLANTA SUBSUELO (Ver archivo autocad) Anexo 2 Cuerpo C

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PLANTA BAJA (Ver archivo autocad) Anexo 3 Cuerpo C

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CORTE (Ver archivo autocad) Anexo 4 Cuerpo C

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Lobby-Recepción En el Lobby predominan los colores ocres. Se utilizó esta paleta de colores para lograr un espacio impactante, al acceder al Hotel.

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Esquema planta – Planta Baja

Lobby-Recepción Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Planta Baja

Lobby-Recepción Angulo desarrollo de imagen

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Zona de Computadoras Después de traspasar el Lobby se encuentra con una secuencia de espacios interrelacionados a través de la circulación horizontal y de alguna manera integrados, tales como el Estar, la Zona de Computadoras, el Bar y el Restaurant. Esta secuencia está integrada también con el uso del mismo color de solado en toda su extensión. En esta zona se realizo mobiliarios ergonómicos, tanto en escritorios y tabiquerías realizado, con corian verde. Silla ergonómica y flexible.

Esquema planta – Planta Baja

Zona Computadoras 67

Angulo desarrollo de imagen

Bar Predominan los colores pasteles. El mobiliario es de madera curvada. Se utilizo iluminación focalizada en la barra.

Esquema planta – Planta Baja

Bar Angulo desarrollo de imagen

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Restaurant Profusión de colores naranjas amarillos y rojos. Se diseñó como lugar de uso frecuente. Por lo que se utilizó materiales de texturas lisas para su fácil limpieza, y resistentes al uso. Tiene una franca relación con el patio, a través de una puerta vidriada, lo que genera una buena relación con la superficie descubierta del patio posterior. Así se genera una posibilidad de uso y expansión del restaurant hacia el exterior, en época estival.

Esquema planta – Planta Baja

Restaurant 69

Angulo desarrollo de imagen

Esquema planta – Planta Baja

Restaurant Angulo desarrollo de imagen

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1º Piso y 2º Piso En esta planta se desarrollan 6 amplias habitaciones en suite, vinculadas por una circulación de muy generosas dimensiones. Esta circulación se proyectó teniendo en cuenta que su recorrido sea sinuoso, con el fin de generar espacios contenedores, creando una atmósfera íntima y con la intención, también, de que las visuales rompan con una perspectiva lineal. Así se van hilvanando en este recorrido sinuoso, las habitaciones, y se genera un sector de Estar Intimo propicio para esta planta de tranquilidad y descanso y también se vincula con el sector de Biblioteca /Hemeroteca. Cada una de las Suites cuentan con una zona de estar, una zona de guardado de ropa, una zona de dormir y su baño respectivo. Una de ellas es la Suite Principal, de mayor superficie, la que cuenta además, con una kitchenette. Otra de ellas es la Habitación proyectada especialmente para Discapacitados. Su baño, lo mismo que la habitación, está proyectado según normas que responden a requerimientos constructivos y de seguridad requeridos. Cuenta con un espacio libre frente a los artefactos, que permite un círculo de 1,50 n. de diámetro. El lavamanos tiene un espacio libre bajo la bacha para poder arrimar cómodamente la silla de ruedas. El espejo sobre la bacha tiene un ángulo de inclinación que permite la cómoda visualización. El sector de la ducha construído con piso antideslizante, duchador manual,y admite un sillón para ducha . El inodoro y el bidet están a una altura de 0,47 del NPT. 71

Todo esto se ha proyectado de tal manera , para permitir el giro de la silla de ruedas sin ningún tipo de barreras, lo que permite un libre uso y desplazamiento, tanto en el baño como en la habitación, como así también en todos los espacios comunes del hotel, como ya lo dijimos y como podemos ver en las fotos. En la caja de la zona de Servicio de esta planta se desarrolla un depósito, baño, y escalera contra incendio con su ascensor montacargas.

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PLANO 1° PISO (Ver archivo autocad) Anexo 5 Cuerpo C

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PLANO 2° PISO (Ver archivo autocad) Anexo 6 Cuerpo C

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CORTE (Ver archivo autocad) Anexo 7 Cuerpo C

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Habitación en Suite En esta Habitación en Suite apto para Discapacitados, en el dormitorio predominan los colores verdes, amarillos y naranjas. Se ingresa a la suite al sector de estar. Se dejó libre una superficie con un diámetro de 1,50 m. que permite el giro de la silla de ruedas, en este sector, en el de dormir y en el baño. El guardarropa sectoriza visualmente el dormitorio del estar. La pared de apoyo de las camas se pintó con una imagen pop, que le da un toque cálido y divertido. Las camas tienen la separación y la altura requeridas. Se visualiza desde este sector el vidrio curvado arenado del Baño, lo que da una sensación de movimiento y desmaterialización del muro. El Baño se diseñó con un criterio joven y alegre. Se utilizaron los colores rojosnaranjas. Piso y paredes revestidos con venecitas. Se destaca la pared curva de vidrio arenado.

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Habitación en Suite En esta suite predomina el color verde contrastado con ocres, y amarillos. Se intentó generar un espacio amplio y flexible, con un desnivel de piso y de cielorraso en la zona de dormir, generando un espacio más íntimo. Se empapeló una de las paredes con diseño pop, se repite en los respaldos de las camas. El baño predomina totalmente el color verde. Revestimiento de venecitas en piso y paredes. Los artefactos son de idéntico color .En la mesada curvada de corian se instalaron dos bachas. Contiene como todos los demás baños, bañera y duchador.

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite Angulo desarrollo de imagen

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Habitación en Suite con kichinette

Accedemos a través del sector de estar en el que contrasta el color naranja del mobiliario con un piso de corian neutro, las paredes con un blanco off white. En el lado opuesto está la kitchenette donde predomina el color verde seco, pero que se integra a través del piso, con el estar. Enfrentado a la puerta doble de acceso a la suite, un tabique curvo verde, que es la pared de apoyo de la cabecera de la cama y que sectoriza por un lado el lugar de estar y por otro lado el lugar de dormir. La cama está apoyada sobre una plataforma y desde allí se visualiza la pared curva del baño, de vidrio arenado color naranja. En el baño predomina el color naranja .La pared del baño opuesta a la vidriada, está revestida con venecitas de 2 “de lado, color beige. El piso del baño es de corian color naranja, el mismo color que los artefactos, que contrastan con el verde seco del cielorraso.

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite con kichinette Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite con kichinette Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite con kichinette Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite con kichinette Angulo desarrollo de imagen

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Esquema planta – Primer Piso

Habitación en Suite con kichinette Angulo desarrollo de imagen

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TERRAZA (Ver archivo autocad) Anexo 8 Cuerpo C

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CORTE (Ver archivo autocad) Anexo 9 Cuerpo C

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Conclusión En la transformación social y en las artes, fue determinante la influencia de los medios masivos de comunicación, que se vivió, desde la década del sesenta en adelante. Se produjeron cambios conductuales de la sociedad, la masificación de la información, provocó una dependencia social hacia los medios de información. Demostramos cómo, esta situación, alcanza al arte y su influencia hace que sufra una transformación, es así como vemos el arte interesado por objetos triviales del mundo del consumo. Los artistas del Pop Art comienzan a jugar con imágenes visuales y con el vocabulario, porque se dieron cuenta que el medio era el mensaje. Y así se dio en el arte, que el contenido es secundario y lo que atrae y fascina es el lenguaje.

Ante la tecnicidad de los procesos productivos de los medios de masas, los artistas del Pop Art, tuvieron que trasponer a sus trabajos las estructuras de dichos medios. Y así aparece, como innovación en el arte, un método productivo mecánico, anónimo y surge la reproductibilidad y la repetición, con su valor intrínseco. De allí la expresión de Andy Warhol, “quiero ser una máquina”. Los nuevos materiales utilizados – tanto en el diseño de muebles como en la elaboración de las telas-, y la producción en serie, dieron lugar al surgimiento de obras inéditas, que tuvieron la virtud de captar el estado anímico de una población de posguerra, proclive al consumismo producto del sistema capitalista imperante. La simplicidad de los temas, el confort que brindaba el mobiliario, con su organicidad y ergonometría, la identificación que sentían las personas con las publicidades, los comics, los personajes, permitieron que el arte llegase al pueblo.

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Hoy, como ha ocurrido en otros períodos de la historia del arte, se produce una revaloración del movimiento: hay un retorno al uso de materiales y diseños que fueron innovadores en su momento. Se podría afirmar que los diseñadores recrean el pasado, se hacen reinterpretaciones de reinterpretaciones, ejemplo de esta tendencia, la reinterpretación de las sillas Starck presentada en el Salón del Mueble propuesta 2009, en Milán Esto nos lleva a preguntarnos: ¿estaremos en los inicios de lo que más adelante, en décadas posteriores, se llamará un Neo Pop-Art?

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