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¿Qué es Socio Espectacular? Socio Espectacular es un sistema de socios que mediante el pago de una pequeña cuota mensual, equivalente al precio aproximado de una entrada, brinda acceso gratuito a una amplia oferta de expresiones culturales, desde el arte llamado culto hasta el deporte. Fue fundada en febrero de 1997 por dos instituciones teatrales de más de sesenta años de actividad ininterrumpida en Uruguay: Teatro El Galpón y Teatro Circular de Montevideo. Desde ese entonces, estos dos grupos teatrales independientes han dirigido el emprendimiento en torno a sus objetivos originales: fomentar la creación artística y contribuir a democratizar el acceso a los bienes culturales de los uruguayos.

¿Cómo usar la tarjeta? La tarjeta es de uso personal e intransferible, y está habilitada desde el primer día del mes que pagaste hasta el 15 del mes siguiente. Para retirar las entradas de teatro, cine o carnaval es imprescindible la presentación de la tarjeta magnética acompañada de cédula de identidad en la boletería del espectáculo elegido. En caso del ballet del SODRE las fechas de entrega de entradas se comunican a los socios con anticipación, quienes podrán retirar las entradas en las boleterías del SODRE. Para el fútbol, las entradas están a disposición de los socios en nuestra oficina desde los días jueves. También se puede retirar la entrada a Platea Olímpica, en la boletería próxima a la puerta 15 en el Estadio Centenario (excepto clásicos, finales y partidos de alto riesgo, que se entregan sólo en nuestra oficina). No se puede ir dos veces a ver el mismo espectáculo o película, pero sí es posible asistir todos los días al Velódromo y al Cine Universitario. La revista de Socio Espectacular se puede retirar desde el primer día hábil de cada mes en nuestra oficina, en forma gratuita para todos los socios. También se puede consultar la versión digital de la revista en la página www.socioespectacular.com.uy. Toda la información y la actualización semanal de la misma es enviada por mail a los socios que lo soliciten. Además, se brinda toda la información en el contestador del teléfono 2402-9017.

Horario de atención

Lunes a viernes de 9 a 21 horas. Sábados de 10 a 14 y de 19 a 21 horas, en el entrepiso del Teatro El Galpón, 18 de Julio 1618.

Teléfono 2402-9017. Página web: www.socioespectacular.com.uy

Edición de 15 mil ejemplares de frecuencia mensual para ser distribuida entre los Socios Espectaculares. Dirección de correo: [email protected] // Directores: Juan Graña, Gerardo Mantero, Marina Rodríguez // Redactor Responsable: Gerardo Mantero. 18 de Julio 1618. Teléfono 2402-9017. Editor: Gerardo Mantero// Diseño Gráfico: Luciana Viera. Permiso MEC ART. 45 Ley 16099, tomo XII, foja 59. Edición amparada al decreto 218/96. Comisión del Papel. ISSN:2301-072X // Depósito Legal 363.388/2014 - Impresa en Artes Gráficas S.A.

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Tarjeta BÁSICA

$ 230 TEATRO: Entrada libre a las producciones de Teatro El Galpón, Teatro Circular, Comedia Nacional, Compañía Italia Fausta, Teatro Victoria, Teatro El Tinglado, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú. CINE ARTE: Cine Universitario. Entrada libre a toda su programación en sus dos salas. Atención: sábados y domingos se abona $ 30 la entrada. Cinearte del SODRE. Entrada libre a toda su programación. MÚSICA Y DANZA: Orquesta Filarmónica de Montevideo. Entrada libre a las salas donde se presente, con cupo limitado. SODRE. Espectáculos musicales: entrada libre, con

cupo limitado. Ballet: 50% de descuento, con cupo limitado. FÚTBOL. Platea Olímpica: Entrada libre al Campeonato Uruguayo de Fútbol. Las entradas pueden retirarse, presentando su tarjeta al día y su CI, indistintamente en nuestras oficinas o directamente en la boletería del Estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales y partidos determinados por la AUF como de alto riesgo, las entradas se retiran exclusivamente en nuestras oficinas de 9 a 21 horas, los días jueves y viernes. El socio podrá retirar las entradas correspondientes hasta un máximo de cuatro tarjetas. No se entregarán entradas a socios nuevos o reingresos el mismo día de la afiliación o reafiliación CINE 2 x 1: Cines Life Cinemas , Cinemateca Uruguaya. SALA ZITARROSA: Entradas bonificadas a los espectáculos que mes a mes adhieran al sistema. CRIOLLA: Una entrada libre a la Criolla del Prado

Tarjeta Tipo 1 TEATRO: Entrada libre a las producciones de Teatro El Galpón, Teatro Circular, Comedia Nacional, Compañía Italia Fausta, Teatro Victoria, Teatro El Tinglado, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú. CINE ARTE: Cine Universitario. Entrada libre a toda su programación en sus dos salas. ATENCIÓN: sábados y domingos se abona $ 30 la entrada. Cinearte del SODRE: entrada libre a toda su programación. CINES: el socio dispondrá de UNA ENTRADA LIBRE A ELEGIR ENTRE LOS CINES: Cines Life Cinemas, Cinemateca Uruguaya y Grupocine. En las exhibiciones en 3D, al socio se le debitará su entrada libre, más $ 80. CINES 2 x 1: Cines Life Cinemas y Cinemateca Uruguaya. MÚSICA Y DANZA: Orquesta Filarmónica de Montevideo: entrada libre a las salas donde se presente, con cupo limitado. SODRE: Espectáculos musicales: entrada libre, con cupo limitado. Ballet: 50 % de descuento, con cupo limitado. FÚTBOL: Platea Olímpica: Entrada libre al Campeo-

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$ 350 nato Uruguayo de Fútbol. Las entradas pueden retirarse, presentando su tarjeta al día y su CI, indistintamente en nuestras oficinas o directamente en la boletería del Estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales y partidos determinados por la AUF como de alto riesgo, las entradas se retiran exclusivamente en nuestras oficinas de 9 a 21 horas, los días jueves y viernes. El socio podrá retirar las entradas correspondientes hasta un máximo de cuatro tarjetas. No se entregarán entradas a socios nuevos o reingresos el mismo día de la afiliación o reafiliación. SALA ZITARROSA: Entradas bonificadas a los espectáculos que mes a mes adhieran al sistema. CRIOLLA: Una entrada libre a la Criolla del Prado.

Tarjeta Tipo 2

$ 460 TEATRO: Entrada libre a las producciones de Teatro El Galpón, Teatro Circular, Comedia Nacional, Compañía Italia Fausta, Teatro Victoria, Teatro El Tinglado, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú. CINE ARTE: Cine Universitario. Entrada libre a toda su programación en sus dos salas. ATENCIÓN: sábados y domingos se abona $ 30 la entrada. Cinearte del SODRE. Entrada libre a toda su programación. CINES: El socio tendrá DOS ENTRADAS LIBRES A ELEGIR ENTRE LOS CINES: Life Cinemas, Cinemateca Uruguaya y Grupocine. En las exhibiciones en 3D, al socio se le debitará su entrada libre, más $ 80. 2 x 1 Cines Life Cinemas y Cinemateca Uruguaya. MÚSICA Y DANZA: Orquesta Filarmónica de Montevideo: entrada libre a las salas donde se presente, con cupo limitado. SODRE: Espectáculos musicales: entrada libre, con cupo limitado. Ballet: 50 % de descuento, con cupo limitado.

Tarjeta Docente TEATRO: Entrada libre a las producciones de: Teatro El Galpón, Teatro Circular, Comedia Nacional, Teatro El Tinglado, Teatro Victoria, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú. CINE ARTE: Cine Universitario: Entrada libre a toda su programación en sus dos salas. ATENCIÓN: sábados y domingos se abona $ 30. Cinearte del SODRE: Entrada libre a toda su programación. CINES: El socio dispondrá de UNA ENTRADA LIBRE A ELEGIR ENTRE LOS CINES: Life Cinemas, Cinemateca Uruguaya y Grupocine. En las exhibiciones en 3D, al socio se le debitará su entrada libre, más $ 80. CINES 2 x 1: en Cines Life Cinemas, y Cinemateca Uruguaya.

FÚTBOL. Tribunas - canchas menores: Una entrada libre por fecha del Campeonato Uruguayo de Fútbol a las tribunas Colombes, Ámsterdam o canchas menores. Las entradas se retiran en las oficinas de Socio Espectacular a partir de los jueves previos al partido de 9 a 21 horas. FÚTBOL. Platea Olímpica: Entrada libre al Campeonato Uruguayo de Fútbol. Las entradas pueden retirarse, presentando su tarjeta al día y su CI, indistintamente en nuestras oficinas a partir del jueves previo al partido o directamente el día del partido en la boletería del Estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales y partidos determinados por la AUF como de alto riesgo, las entradas se retiran exclusivamente en nuestras oficinas. El socio podrá retirar las entradas correspondientes hasta un máximo de cuatro tarjetas. No se entregarán entradas a socios nuevos o reingresos el mismo día de la afiliación o reafiliación. CARNAVAL: Entrada libre al Tablado del Velódromo y al Monumental de la Costa. UN LIBRO: de Ediciones de la Banda Oriental. Cada dos meses y con un plazo de 60 días para retirarlo. SALA ZITARROSA: Entradas bonificadas a los espectáculos que mes a mes adhieran al sistema. CRIOLLA: Una entrada libre a la Criolla del Prado. BUS TURÍSTICO DE MVD: Un viaje, por única vez.

$ 120 MÚSICA Y DANZA: Orquesta Filarmónica de Montevideo: entrada libre a las salas donde se presente, con cupo limitado. SODRE: Espectáculos musicales: entrada libre, con cupo limitado. Ballet: 50 % de descuento, con cupo limitado. CARNAVAL: Entrada libre al Tablado del Velódromo. SALA ZITARROSA: Entradas bonificadas a los espectáculos que mes a mes adhieran al sistema. CRIOLLA: Una entrada libre a la Criolla del Prado. Se deberá permanecer asociado por este convenio, por un plazo no menor a 6 meses.

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Abono Cultural BPS Abono Cultural MIDES El ABONO CULTURAL BPS es un proyecto organizado por las instituciones teatrales El Galpón y Circular de Montevideo con el objetivo de democratizar el acceso a bienes y servicios culturales. En ese sentido, se ha realizado un acuerdo con el BPS para que todos aquellos que perciban jubilaciones, pensiones de sobrevivencia, subsidios transitorios por incapacidad parcial, pensiones graciables, asistencia a la vejez, pensiones de vejez e invalidez y pensiones especiales reparadoras que no superen las 6 BPC, puedan acceder a los beneficios del ABONO. Con el apoyo del BROU, el BPS pone a disposición de los mencionados beneficiarios un préstamo de $ 640 para adquirir UN AÑO DE ABONO CULTURAL. El mismo puede ser descontado de la pasividad en 6 o 12 cuotas. Los interesados deberán solicitar el préstamo directamente en BPS y con derecho a otro para un acompañante quien deberá cumplir con los mismos requisitos que el titular. EL ABONO CULTURAL MIDES Es distribuido por el MIDES, está dirigida a diversos grupos de interés. BENEFICIOS instructivo de uso * Entrada a todos los espectáculos teatrales producidos por Teatro El Galpón, Teatro Circular, Teatro Victoria, Teatro Tinglado, Compañía Italia Fausta, Teatro Eslabón de Canelones, Teatro Alsur de Atlántida, Teatro Sin Fogón de Fray Bentos y Taller de Teatro de Paysandú y Comedia Nacional. Es aconsejable retirar las entradas con anticipación, siguiendo forma y condiciones indicadas oportunamente. Asimismo podrá consultar telefónicamente, sobre la disponibilidad de entradas. * 1 entrada mensual al cine a elegir entre las siguientes salas y días (con excepción de las vacaciones de julio): lunes: Life Cinemas 21 (ex Casablanca), martes y miércoles: Life Cinemas Punta Carretas 1 y 2, Costa Urbana y Alfa Beta; miércoles: Moviecenter (no válido para Abono Cultural MIDES) ; jueves: Grupocine; martes a viernes: Cine Universitario (sábados y domingos, abonando $ 30 la entrada). Cinemateca Uruguaya: lunes a domingos. En las exhibiciones en 3D (únicamente en Cines Life Cinemas , al socio se le debitará su entrada libre más $ 80. Toda la programación de Cine Universitario, abonando $ 30 la entrada. Toda la programación de Cinemateca Uruguaya en todas sus salas, abonando 2 x 1.. * 1 entrada al fútbol por fecha, válida para los partidos por el Campeonato Uruguayo. Platea Olímpica del Estadio Centenario y canchas menores. Las entradas de las canchas menores se retiran los jueves y viernes previos a cada partido en las oficinas de Socio Espectacular. Las entradas de Platea Olímpica pueden retirarse indistintamente en nuestras oficinas o directamente en la boletería del estadio destinada para Socio Espectacular. ATENCIÓN: para clásicos, finales, partidos determinados por la AUF como de alto riesgo y Selección Nacional para los partidos de Eliminitorias, las entradas de Platea Olímpica se retiran exclusivamente en nuestras oficinas, los días jueves y viernes de 9 a 21 horas. Informes 2402 90 17. El socio podrá retirar las entradas correspondientes a un máximo de cuatro tarjetas. * Entrada libre a los espectáculos del SODRE (excepto ballet, para el cual se abona con descuento) y de la Orquesta Filarmónica de Montevideo. Las entradas se retiran directamente en la boletería del lugar en el que se realice el espectáculo. * Entrada libre al Carnaval - escenario del Velódromo. Las entradas se retiran directamente en el Velódromo, en la boletería destinada a Socio Espectacular. Se tramita directamente en el hall del BPS, con fotocopia de cédula de identidad, fotocopia del último recibo y fotocopia de comprobante de domicilio. La Oficina del ABONO CULTURAL se encuentra en el hall del BPS, Colonia y Fernández Crespo, y funciona de 9.15 a 16 horas de lunes a viernes.

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Precios Tarjeta BÁSICA ........................................................................ $ 230 /mes Tarjeta tipo 1 ............................................................................ $ 350 Convenios $ 220 /mes Tarjeta tipo 2 ............................................................................ $ 460 Convenios $ 435 /mes Estudiantes tipo 2 ................................................................... $ 435 /mes

*Los socios por convenio que pasen a jubilación, podrán mantener su cuota bonificada por convenio, mediante el pago de la misma por débito automático. El beneficio es sólo para el titular. * Tarjeta joven: 15% de descuento en todas las categorías. * Socio anual abona 10 cuotas por todo el año * Socio semestral abona 5 cuotas por el semestre * Atención: las promociones no son acumulables. Para asociarse deberá abonar dos cuotas, más el costo de la tarjeta magnética. En caso de reasociarse, podrá hacerlo 90 días después del último pago de la cuota social, también abonando dos cuotas. El pago mensual tiene vigencia del 1° del mes hasta el 15 del mes siguiente. Aquel socio que opte por un tipo de tarjeta deberá permanecer en el mismo un mínimo de 3 meses, antes de pasarse a otro. CUOTA DE MANTENIMIENTO Es el 50% de su cuota. Si usted sabe que no va a utilizar su tarjeta, puede abonar la cuota de mantenimiento que le permite conservar su antigüedad. Esta gestión debe realizarse antes del 15 de cada mes y es por un plazo de hasta 4 meses. La siguiente cuota, luego de realizada esta gestión, no puede abonarse en Abitab. SOLICITUD DE BAJA: deberá hacerla personalmente en nuestras oficinas antes del 20 de cada mes.

Formas de pago * En las oficinas de SOCIO ESPECTACULAR (entrepiso del Teatro El Galpón) 18 de Julio 1618. Teléfono 2402-9017. De lunes a viernes de 9 a 21 horas. Sábados de 10 a 14 y de 19 a 21 horas. * En todos los locales que integran la red ABITAB. *En todos los locales que integran la red REDPAGOS Recuerde que su pago se acreditará a las 24 horas. * En todos los cajeros automáticos de BANRED. * Por internet en: www.banred.com.uy * Por internet en: wwww.brou.com.uy/ebrou * Con débito automático, tarjetas CABAL, OCA CARD, MASTER CARD, ITALCRED y VISA. * Por Convenio Colectivo *Con Abitab Familia Los acompañantes de socio de los convenios UTE Y ANCAP, podrán abonar su cuota exclusivamente en al oficina de Socio Espectacular (excepto los que pagan por Federación Ancap).

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Los cines 30 SALAS DE CINE

EL SOCIO TENDRÁ ACCESO A LAS SIGUIENTES SALAS:

CINE UNIVERSITARIO 2 salas. Canelones 1280 Tel. 2901 6768

LIFE CINEMAS ALFABETA 5 salas. Miguel Barreiro 3231 TEl 2707 9647

CINEARTE DEL SODRE 18 de Julio 930. Tel. 29012850

LIFE CINEMAS COSTA URBANA 5 salas. Av. Giannattasio Km. 20.200 Costa Urbana Shopping Nivel 2 Teléfono: 2682 0522

CINEMATECA URUGUAYA CINEMATECA 18 18 de Julio 1280. Tel: 2900 9056 SALA CINEMATECA SALA UNO y DOS Lorenzo Carnelli 1311. Tel: 2419 5795 SALA POCITOS Chucarro 1036. Tel: 2707 4718 LIFE CINEMAS PUNTA CARRETAS 2 salas. Shopping Punta Carretas Ellauri 350, nivel 3

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LIFE 21 (CASABLANCA) 3 salas. 21 de Setiembre 2838 Tel. 2707 3037 GRUPOCINE EJIDO 3 salas. Ejido 1377. Tel. 2901 4242 GRUPOCINE TORRE DE LOS PROFESIONALES 2 salas. Colonia 1297. Tel. 2901 4242 GRUPOCINE PUNTA CARRETAS 3 salas. Shopping Punta Carretas Ellauri 350, nivel 3. Tel. 2901 4242

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www.socioespectacular.com.uy Visitá nuestro sitio www.socioespectacular.com.uy para informarte de la cartelera, leer las notas periodísticas y la entrevista del mes, además de encontrar los trailers de las obras en cartel, videos y la versión digital de la revista Socio Espectacular. Invitá a tus amigos a visitar nuestro sitio, donde podrán conocer los beneficios y asociarse vía Internet.

A CADA OBRA DE TEATRO CON ENTRADA LIBRE SE PUEDE ASISTIR UNA SOLA VEZ

ESPECTÁCULOS TEATRALES CON ENTRADA LIBRE INSTITUCIÓN TEATRAL EL GALPÓN 18 de Julio 1618. Línea colectiva: 2408-3366. www.teatroelgalpon. org.uy Salas climatizadas. Boletería: lunes a sábados de 17.00 a 21.00 hs. Domingos de 17:00 a 20:00 hs. La boletería permanecerá cerrada por descanso del personal hasta el 17 de enero. Estacionamiento bonificado en Colonia esq. Tacuarembó. Sala Atahualpa Producción de El Galpón QUERIDA ELENA (Querida Profesora) de Liudmila Razumovskaya Dirección: Graciela Escuder Desde el 23 de enero Sábados 20.30 hs. Domingos 19.30 hs Duración: 1h20´ Apto mayores 12 años

Cuatro estudiantes llegan a visitar a la maestra Elena, una mujer sola en el día de su cumpleaños. Encantada con la delicadeza de los estudiantes, Elena los invita a quedarse, pero una sorpresa se ​​cierne sobre la profesora y los personajes ten-

drán gran transformación. Elenco: Claudia Trecu, Pablo Pípolo, Estefanía Acosta, Federico Guerra, Ignacio Duarte. TEATRO CIRCULAR DE MONTEVIDEO Rondeau 1388. Tel. 2901-5952. [email protected] Boletería: martes a domingos de 18.00 a 22.00 horas. Salas climatizadas Sala 1 EN LA LAGUNA DORADA (On golden pond) de Ernest Thompson con versión de Manuel González Gil Dirección: Gerardo Begérez (Integrante de “El Galpón”) Estreno: sábado 16 de enero Viernes y sábados 21:00hs. Domingos: 19:30hs En 1981, Mark Rydell dirigió una película homónima, adaptación del texto de Ernest Thompson, protagonizada por Henry Fonda, Katherine Hepburn y Jane Fonda, que recogió un gran éxito de crítica y de público. La Laguna dorada es el paraíso al cual Ethel y Norman han acudido todos los veranos durante casi cincuenta años. Ya en el ocaso de sus vidas, ambos regresan a la entrañable cabaña y esperan a su hija, quien vuelve a visitarlos tras muchos años de ausencia. Chelsea, sin embargo, trae un pedido insospechado: quiere que sus padres se hagan cargo de Billy, el hijo adoles-

cente de su actual novio, mientras ella y su pareja se van de vacaciones por un mes. Ese verano será un antes y un después en la vida de todos los integrantes de la familia. Una historia de amor que muestra con humor y sensibilidad, que nunca es tarde para reencontrar el cariño de los seres queridos .Elenco: Estela Medina, Juan Graña, Cecilia Lema, Ignacio Estévez, Félix Correa, Andrés Guido. TEATRO VICTORIA Río Negro 1479. Tel. 2901-9971 Reservas telefónicas para socios: martes a domingos de 18.00 a 20.00 horas (hasta media hora antes del comienzo de la función). Boletería: únicamente los días de función desde 2 horas antes. COMBATE A PUERTA CERRADA de Nut Arel Monegal Dirección: Marcel Sawchik A partir del 9 de enero Sábados 21.30hs Domingos 20hs Cupo para 20 socios: cubierto éste: 2 x 1. Entradas: $220

París, dos extremistas de derecha asesinan a dos militantes sociales

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que ayudan a la inserción de inmigrantes en situación de emergencia. Esa misma noche Rosa, una periodista, inmigrante uruguaya que vive en el barrio en que se concreta el crimen, regresa tarde de su trabajo, se cruza con dos personas que corren y concluye que están escapando. A pesar del miedo, decide enfrentarlos y pelear contra la locura que mueve a esos grupos radicales. Tendrá que descubrir cómo sobrevivir. Elenco: Adriana Ardoguein. SALA VERDI Soriano 914. Tel. 29020325. Boletería: martes a sábados de 15.30 a 21.30horas. Domingos: 15.30 a 19.30 horas. CABARET TRÁGICO - Basado en “Cabaret místico” de Jodorowsky – Teatro Eslabón (San José) 8 al 21 de enero – 21 hs Cupo para 40 socios Entradas generales: $ 200

TEATRO DEL INTERIOR CON ENTRADA LIBRE TEATRO ALSUR Roger Balet y Avda Artigas- Atlántida-Canelones Boletería de miercoles a domingo de 17 y 30hs a 23:00hs Reservas/ Informes: 43726053// [email protected] CAFÉ ARTÍSITICO DOS SOLEDADES DOS Texto y dirección: Ana Lasserre Viernes 8, 22:00 hs Sábado 30, 22:00hs Marta una vez más visita el Café. Ariel que ha quedado viudo recientemente concurre por primera vez. Casualidades o causalidades los llevan a entablar una relación, propia de una noche que se convertirá en la gran oportunidad para que ambos dejen sus soledades. Elenco: Jessie Monserrat y Gustavo García.

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FONTANARRISA DE SALÓN Café artístico Versión y dirección: Eduardo Cervieri Jueves, 21:00hs Un nuevo espectáculo que incluye, entre otros, los mejores cuentos de “Fontanarrisa de boliche” y “Fontanarrisa de bolero” obras que estuvieron cinco temporadas de éxito ininterrumpido en cartel. Elenco :Ariel Caldarelli, Carlos Rodríguez, Félix Correa

ESPECTÁCULOS TEATRALES CON DESCUENTO SALA VERDI Soriano 914. Tel. 29020325. Boletería: desde el 5 de enero, lunes a sábados de 16.30 a 21.30 horas. Domingosde 16.30 a 21.30 horas. MONTEVIDEO DE LAS ARTES 2016 / VERANO EN LA VERDI Programa sujeto a modificaciones 6 al 24 de enero Socios 2 x 1. Entradas $ 50.

en “Don Quijote de la Mancha” de Cervantes, en Franz Kafka que soñó que Sancho soñó al Quijote, y en Marco Denevi que soñó que fue Dulcinea quien lo soñó. Espectáculo que recibió el Premio Nacional de Literatura, Categoría Comedia, del Ministerio de Educación y Cultura. Elenco: Gustavo Alonso, Alejandro Camino, María Clara Vázquez.

CARTA DE UNA DESCONOCIDA de Stefan Zweig Dir. Fernando Gilmet Miércoles 6 y jueves 7, 21 hs. Adaptación de la popular novela de Stefan Zweig en la que un famoso escritor vienés recibe una carta escrita por una mujer desconocida que le confiesa su amor secreto; un amor intenso, obsesivo, que la había acompañado toda la vida. La obra fue estrenada en el Auditorio de La Casa del Lector del Matadero de Madrid en el mes de junio donde realizó una única función, antes de presentarse en Uruguay. Elenco: Soledad Gilmet.

CHECK IN AL PARAISO Texto y dirección: Teresa Deubaldo Domingo 10, 20 hs. Lunes 11, 21 hs.

DULCE VENENO. Texto y dirección: Raquel Diana Viernes 8 y sábado 9, 21 hs. Tres personajes declaran sobre su participación en un crimen en esta historia de amor. Si bien la acción dramática sucede en un “aquí y ahora”, los personajes se inspiran

Una comedia a la que le caen a medida las dos máscaras alegóricas con que se representa el teatro. El fervor viajero de los uruguayos se

ENERO ve retratado en las conductas insospechadas que los preparativos de un viaje desatan en los integrantes de una familia como tantas, que intenta evadirse de la grisura cotidiana, mediante ese “oscuro objeto del deseo” en que se ha convertido viajar al extranjero. Elenco: Rosario Fernández-Chaves, Carina Méndez, Malú Contreras, Elsa Mastrángelo, Ángeles Vázquez, Jorge Villarmarzo

blan sus esfuerzos por envenenar a la patrona. Elenco: Cecilia Guerra, Eugenia Rodríguez y Micaela Artigas.

ESPECTROS, UN DRAMA FAMILIAR de Henrik Ibsen Dir. Fernando Alonso Domingo 17, 20 hs. y lunes 18, 21 hs.

1975. Texto y dirección: Sandra Massera Jueves 14 y viernes 15, 21 hs.

Una madre y su hijo atormentados por los fantasmas del pasado. Un secreto que enferma el cuerpo y la conciencia de una familia hasta el punto de la destrucción. Como en anteriores oportunidades, fascinado por los destinos trágicos, el texto se aventura en el corazón de un drama íntimo de forma radical. Escrita en 1881, esta obra provocó un escándalo desde su lanzamiento. Abordando sin tabúes los temas del incesto o la eutanasia, Ibsen toca el corazón de la moral burguesa. Elenco: Victoria González Natero, Danilo Pérez, Gabriela Iribarren, Till Silva, Agustín Pérez Milano.

EL CARTERO DE NERUDA de Antonio Skármeta Dir. María Emma Nuñez y Juan Duarte (Centro Cultural Teatro De La Mancha-Escenacero- Maldonado) Martes 12, 21 hs.

“El cartero de Neruda” narra la historia de amistad entre el poeta y dramaturgo Pablo Neruda y su cartero, donde la poesía, el amor, el humor y la política se interrumpen a lo largo de la obra. Elenco: Jesús Maneiro, Gabriel Martínez, Emilia Martínez, Marita Cirillo y Ariel Mosteiro LAS CRIADAS de Jean Genet Dir. Sebastián Barrios (Maldonado) Miércoles 13, 21 hs. Clara y Solange, criadas en la casa de la Señora y el Señor, juegan a representar el rol de la patrona y el asesinato de la misma. El juego, que deja entrever una relación que pasa rápidamente del amor al odio, será perturbado por la llamada telefónica del señor, anunciando que había sido liberado del presidio, al cual lo había condenado un falso testimonio dado por Clara y Solange a través de cartas. Ante esta situación, las hermanas redo-

Una mañana de fines de verano, una mujer ve algo en la orilla del mar que no olvidará nunca. 1975 surge del texto elegido para formar parte del espectáculo Idéntico, 10 años de Teatro por la Identidad Abuelas de Plaza de Mayo, Buenos Aires 2010. Obtuvo mención en la convocatoria Solos en el Escenario III del Centro Cultural de España en Montevideo, 2010. Espectáculo producido por el Programa de Fortalecimiento de las Artes 2015. Ganadora del Florencio como Mejor Texto de Autor Nacional 2015. Elenco: Laura Almirón. VOLPONE O EL ZORRO de Ben Jonson Dir. Ricardo Perdomo Sábado 16, 21 hs. Apto mayores 12 años. Duración: 1h30 ´ La escena se localiza en Venecia en el siglo XVII, y sin embargo la situación es paradojalmente contemporánea. Actitudes humanas tan antiguas como actuales: la codicia, el honor, la ética, el maltrato a la mujer, la estafa y la justicia son los temas constantes del espectáculo. Elenco: Daniel Cabrera, Javier Martínez Barzi, Horacio Rubino, Teddy Faus, Pablo Bonilla Caride, Roberto Bornes, Sandra Cervini, Cynthia Patiño, Joaquín Olivera, Bernardo Salvo, Julia Nudelman, Nicolás Escobar.

NO SE ELIGE SER UN HÉROE de David Desola Dir. Eduardo Cervieri Martes 19 y miércoles 20, 21 hs. Duración: 1´40min

Tras la muerte de su padre, cinco hermanos se reúnen en la terraza de la casa de playa con el fin de decidir si vender o no una imagen de su progenitor, un militante izquierdista, salvando a una niña de morir ahogada a una reconocida empresa multinacional de bebidas gaseosas. Los enredos y mentiras de estos cinco hermanos aparecerán en esta reunión en la que todo puede pasar, mientras se realiza la votación y dan sus argumentos por el sí o por el no. Elenco: Carlos Rodríguez, Félix Correa, Cecilia Lema, Aline Rava, Ana Lucía dos Santos.

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ENERO DETROIT Texto y dirección: Carlos Schulkin Jueves 21 y viernes 22, 21 hs.

En una Detroit al borde del colapso total, Jeanette, una cantante fracasada, abandonada por su marido y estafada por sus padres, se ve obligada a vender su casa para poder hacer frente a sus deudas. Viktor, su primo con quien no habla desde hace años, reaparece con un plan para salvarla de la quiebra y acaso devolverle la esperanza de un amor prohibido. Pero todo tiene su precio en el capitalismo feroz norteamericano. ¿Cuánto estará dispuesta a pagar Jeanette para salvar su alma? EL CAPOTE de Nikolai Gogol Dramaturgia y dirección: Fabiana García, Pablo Albertoni y Richard Riveiro Sábado 23, 21 hs. Domingo 24, 20 hs. L’ Arcaza Teatro culmina los festejos de sus 20 años con la adaptación de uno de los mejores trabajos dentro de los cuentos breves de Gogol. Cuenta la vida de Akakiy Akakievich, desplazado por su entorno, cuya miserable existencia cobra una repentina vitalidad cuando adquiere un nuevo capote que lo ayudará a sobrellevar el frío ruso. Elenco: Fabiana García, Pablo Albertoni, Richard Riveiro. BARLOVENTO / Circo-teatro (Cía. Hazmerreír de Mar del Plata) Lunes 25 y martes 26, 21 hs. Un viaje en barco con cuatro tripulantes en alta mar: un árabe, un italiano, una francesa y un ruso. Cada uno habla su idioma. Se entienden. Narran la misma historia. De popa a proa, del quillote al carajo, esta

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nave deja a su paso la estela espumosa del pasado. La acrobacia, el humor, la danza y la magia, se mezclan y nutren al espectáculo. Barlovento, de donde viene el viento, es el resultado de un sueño, una creación colectiva, un microcosmos dentro de una barca en la inmensidad del mar. LA SANGRE DE LOS ÁRBOLES Dramaturgia y dirección: Luis Barrales (Chile) 30 de enero al 7 de febrero Socios: $ 250, con cupo. Entradas: $ 350 El dilema sobre la relación de dos posibles hermanas que cruzan tiempos y enfrentan posibilidades que se derivan en decisiones que se toman o dejan de tomarse. Un equipo de amplia trayectoria, que mezcla distintas disciplinas y nacionalidades. Construye en escena un drama contemporáneo que plantea los misterios de las relaciones de parentesco y las despliega dinámicamente en el escenario, como si fuese una cinta de Moebius donde no es posible distinguir dónde comienza el inicio ni donde termina el final. Elenco: Victoria Césperes (Uruguay) y Juana Viale (Argentina).

La obra nace del folklore mágico del Uruguay, siendo éste el pretexto para encontrarnos en un espacio único, un fogón en las dunas de la playa de El Pinar. Una mujer-araña teje historias de aparecidos, mal de ojo, el lobizón. Un pasaje por un Cerro Bravo o una Salamanca que nos reencontrará con expresiones ancestrales, fuertes alegorías que aluden, también, a nuestro mundo interno. Elenco: Silvina Migliónico, Inés Amaral, Santiago Bozzolo, Alejandra Weigle, Diego Balliva, Alejo Buysse, Eduardo Migliónico

ESPECTÁCULOS MUSICALES CON ENTRADA LIBRE TEATRO ALSUR Roger Balet y Avda Artigas -Atlántida-Canelones Boletería de jueves a domingo de 16 a 23horas. Reservas/ Informes: 43726053// [email protected] CAFÉ ARTISTICO LA FRAGUA JAZZ Sábado 23, 21:00hs

Nuevamente se presenta este gruTEATRO po integrado por: Javier Moro, José Arce, y Pepe Infantozzi, con DEL INTERIOR CON Nicolás la participación especial de Gracie-

DESCUENTO GRUPO BABILONIA Rambla Costanera Bajada 30 y Av. Central Médanos de Solymar Como llegar: Copsa 7E7R. Informes y reservas, facebook.com/ losdescreidos - www.grupobabilonia.com.uy LOS DESCREÍDOS, EL MÁS ALLÁ. Texto y dirección: Alejandra Weigle Temporada 2016 Viernes y sábados de enero y febrero 21.00 hs Socios: 2 x 1. Localidades $ 150

la Gutiérrez en la voz y Daniel Irilarry en saxo prestigiando nuestras propuestas musicales. En el 2012 fueron nominados a los premios Graffiti como mejor álbum de jazz y ahora han sumado nuevos temas con arreglos propios versionando canciones.

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Lo mejor de Cinemateca con entrada libre para socios A partir de enero de 2016, siendo Socio Espectacular, Ud. tendrá entrada libre a todas las funciones de Sala Cinemateca y Sala Dos, en la histórica sede de Lorenzo Carnelli 1311 y donde Cinemateca Uruguaya exhibe los ciclos y muestras de actores y directores, historia del cine, cinematografías nacionales, muestras y festivales itinerantes, el canon de las Mil mejores películas de todos los tiempos y mucho más. Además, Ud. podrá seguir optando por usar la entrada libre mensual de Socio Espectacular para asistir a los estrenos de Cinemateca 18 y Cinemateca Pocitos.

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CONVENIOS COLECTIVOS Contamos con un nuevo convenio Socio Espectacular para seguir mejorando las condiciones de vida del trabajador y su familia. Funcionarios del SODRE afiliados a AFUSODRE *Funcionarios de BHU socios del Club del Banco Hipotecario *Funcionarios de Cooperativa Magisterial afiliados a ECMA *Socios de COMAG *Funcionarios de DGI afiliados a AFI *Funcionarios del SERVICIO MÉDICO INTEGRAL *Socios de COOPERATIVA ABC del Banco Central *Funcionarios del Círculo Católico afiliados a AFCCOM *Funcionarios del Banco de Seguros del Estado asociados al Club Banco de Seguros *Funcionarios de Contaduría General de la Nación afiliados a AFCGN *Docentes de enseñanza secundaria afiliados a ADES *Funcionarios de ANTEL afiliados a SUTEL *EX funcionarios de IMPASA afiliados a UFUSMI *Funcionarios de ANCAP afiliados a FEDERACIÓN ANCAP *Funcionarios de LUCHA ANTITUBERCULOSA afiliados a AFLA *Funcionarios de CAJA BANCARIA *Funcionarios de Ministerio de Ganadería, Agricultura y Pesca afiliados a AFGAP *Socios de COOPERATIVA FAE *Funcionarios del Banco República socios de CLUB BANCO REPÚBLICA *Funcionarios de la Intendencia de Montevideo *Funcionarios de BPS afiliados a ATSS *Funcionarios de CONAPROLE afiliados a AOEC *Funcionarios docentes y no docentes de la Universidad de la República *Funcionarios de Hospital Británico *Socios de Coordinadora de Psicólogos del Uruguay *Rifa de Arquitectura *Cablevisión *Funcionarios del Centro de Quemados *Pulso acompañantes *Surco seguros *Tarjeta Joven *Funcionarios del CASMU afiliados a AFCASMU *Funcionarios judiciales afiliados a AFJU *Fondo Social de la Construcción *Funcionarios de SEMM afiliados AFEMM *Asociación de Magistrados fiscales del Uruguay *Socios del Club Independiente Universitario. *Los socios de CAUTE-ANTEL pueden obtener una tarjeta con importantes beneficios *Socios de HOSPITAL BRITÁNICO, docentes, funcionarios y alumnos del INSTITUTO CRANDON y de LICEO FRANCÉS tienen el acceso a la tarjeta Socio Espectacular Tipo 1 ANUAL por un costo de $2.640 en un pago único. *ABITAB FAMILIA. Deberá realizar la gestión de afiliación en cualquier agencia ABITAB, donde la primera vez, abonará la suma $ 340 (que incluye la tarjeta magnética de Socio Espectacular) y se le descontarán 100 ABIS. Los sucesivos pagos se realizarán también únicamente en ABITAB (abonará $ 340 mensuales + 100 ABIS. Al ingresar , en los meses de enero y febrero, se abonan 2 meses más el costo de la tarjeta magnética. En todo lugar de trabajo, cooperativa, gremio, club de funcionarios donde se alcance un grupo de más de veinte personas, es posible realizar un convenio colectivo. El único requisito para establecerlo es que las cuotas sean debitadas directamente de los haberes del asociado. El Departamento de Convenios Colectivos de Socio Espectacular está a su disposición. Llame al 2402 9017 .

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EL GALPÓN Teatro El Galpón mantendrá un pequeño receso por descanso del personal desde el 20 de diciembre hasta el 17 de enero de 2015. Teatro El Galpón les desea felices fiestas y !un buen comienzo de año! QUERIDA ELENA Vuelve el 23 de enero a la Sala Atahualpa COCINANDO CON ELISA Vuelve el 6 de febrero a la Sala Cero

Está en ensayo el primer estreno del año 2016

LOS PEQUEÑOS BURGUESES De Máximo Gorki. Dirección: Héctor Guido El estreno en la Sala César Campodónico está previsto para febrero de 2016. “En Los Pequeños Burgueses Gorki expone el tema de la relación entre padres e hijos, la búsqueda de la felicidad, la falta de compromiso social, el estancamiento mental, las adicciones, el desamor, el desencanto, la vulgaridad extrema, el desencuentro trágico entre las personas por no saber o no querer escuchar al otro, los conflictos de familia, la soledad, que son moneda corriente en nuestros días. La civilización se tambalea, el hombre construye para luego destruir su propia creación, el poder del dinero y el afán de lucro crean monstruos de mil cabezas. Ahí donde haya una sociedad pacata, hipócrita, excluyente, o con evidentes síntomas de insania, el mensaje de Gorki es imprescindible; ineludible. ‘Sobre todo ahora, que la gente viene aguada y desabrida’, al decir de Téterev en Los Pequeños Burgueses”. Alberto Guarnieri para Revista Socio Espectacular. Diciembre 2015. El director Héctor Guido expresa acerca de la obra: “Esta obra relata un conflicto aparentemente familiar que tiene una poderosa construcción social. Qué es desarrollarse, realizarse, ser alguien en la vida, qué es lo que está bien y lo que está mal,… finalmente todo se reduce al predominio de la mezquindad” (…) “El espectador se tiene que entretener, pero luego de ver la obra además de haber pasado un buen momento pretendemos que nos deje una reflexión sobre lo que tenemos que construir como sociedad, y con estos autores de comienzo del siglo, caracterizados por el rea-

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lismo, importa no sólo qué decir sino cómo decirlo”. Dice Walter Rey, que interpreta al pater familia: “Hay personajes muy diversos que se cruzan y un montón de historias en situaciones dramáticas donde se desatarán pequeñas y grandes pasiones. Gorki conoce el alma humana y todo se vuelca allí, 100 años atrás que parecen ahora”. Marina Rodríguez interpreta a Elena, una viuda “algo libertina, optimista, positiva ante la vida, que desespera ante las actitudes egoístas y personalistas de los demás, tratando de romper con lo establecido”. Y agrega sobre la obra: “Esta obra relata y critica a un sector social que entendemos es el principal actualmente en nuestro país. Es como si la sociedad entera se concentrara en una casa donde habita una familia, se refleja en sus relacionamientos. Toda la obra transcurre dentro de la casa”. Elenco: Walter Rey, Silvia García, Soledad Gilmet, Pierino Zorzini, Cristian Amacoria, Massimo Tenuta, Soledad Frugone, Marina Rodríguez, Claudio Lachowicz, Sandra Américo, Analía Gavilán. Escenografía: Osvaldo Reyno / Dante Alfonso. Vestuario: Nelson Mancebo. Iluminación: Eduardo Guerrero / Héctor Guido. Música: Carlos Da Silveira. Prensa y difusión: Gabriela Judeikin. Producción Ejecutiva: Amelia Porteiro y Patricia Medina. Producción: Teatro El Galpón. Asistente de dirección: Liliana Dicranis. Dirección: Héctor Guido.

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EL GALPÓN LIUDMILA RAZUMÓVSKAYA:

“Al pueblo lo lanzaron al mercado” El reportaje que transcribimos a continuación fue escrito por Tatiana Pozniak para el Sankt-Peterburgskie védomosti en noviembre 2001 y fue traducido por Alberto Guarnieri

-Hace treinta años la aparición de “Querida Elena Serguíevna” sumió al país en estado de shock. De todas las puestas de su obra, ¿qué lugar ocupa este nuevo espectáculo del Teatro del Joven Espectador (Tiuz)? -Me resulta difícil ubicarlo en una línea comparativa. Cada puesta vale por sí misma y tiene pleno derecho a vivir su propia vida. Un espectáculo interesantísimo. La verdad es que no me esperaba una versión tan moderna, en su justo ritmo, atmósfera, con buenos hallazgos y recursos de dirección, con caracteres tan expresivos, reconocibles y conmovedores… Tengo una visión altamente positiva de esta versión, quizás porque, de verdad, no esperaba encontrarme con una puesta tan elocuente… Es obvio que el espectáculo irá creciendo, cambiando en la medida que vaya tomando fuerza, potencial. A juzgar por la reacción del público presente en el estreno, el éxito está asegurado. -Es cierto, el público reaccionó con vehemencia. Hubo momentos en los que tuve la sensación de que el autor buscaba provocar un sentimiento contrario al expresado por los espectadores: en vez del silencio esperado, la carcajada desbordante o al revés… -No me asombra para nada. En el Festival Internacional de teatro (San Petersburgo, 2007) se presentaron grupos teatrales de Corea, Francia y España, cada uno con una versión de “Querida Elena…”.

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El director Semión Spivak repuso su viejo espectáculo para una única función: el público literalmente parecía estar “colgado de la araña del techo”, como suele decirse, y durante la representación reía todo el tiempo. Pero no porque no captara o no entendiera la idea planteada por los creadores, sino porque aquel espectáculo no refería al proceder de un grupito de malvados contumaces; más bien hablaba de muchachos comunes que entraron en un juego siniestro del cual no tenían noción del trágico final que podría venírseles encima. Es sabido que las personas, a veces, enfrentadas a una situación por demás dramática pueden tener una reacción inversa: la risa en lugar de las lágrimas, por ejemplo. -A su entender, ¿cuáles son los factores que hoy día permiten considerar este material como actual, vigente?

-La vida real nos demuestra a diario que, lamentablemente, el conflicto generacional existe y se agudiza cada vez más. Creo que acá el problema no radica solo en la honda divergencia de pareceres entre “padres e hijos”, surgida a partir de la crisis de la sociedad tradicional y el desmoronamiento de su base de valores. Se trata de distintas formas de existencia, incluso dentro de una misma generación. Hay los que para lograr sus objetivos están dispuestos a pisotear el conjunto de las normas morales y de las buenas costumbres; otros, a pesar de todo, tratan de vivir conforme al dictado de su conciencia. En “Querida Elena…” el conflicto generacional es conceptual, espiritual, ya que todo depende del espíritu que albergue el corazón del hombre. Hoy en día este conflicto adquiere un carácter extremadamente ríspido, lo cual no solo despierta compasión y desasosiego, sino emociones más con-

tundentes. De lo contrario la obra no habría captado la aceptación y la aprobación del público en todos estos años. En los inicios del siglo XX, el teólogo y filósofo ruso Serguéi Bulgákov acuñó el término pedocratia (literalmente “el poder de los niños”). Con mucho pesar escribió acerca de la capitulación de los mayores respecto de los niños, de una actitud cuasi obsequiosa frente a los jóvenes y de la correlación anómala, deformante, en donde la valoración y la opinión de “la masa estudiantil” deviene en fuerza rectora para las generaciones mayores, desvirtuando así el natural orden de cosas. Lo cual, a la postre, resulta pernicioso tanto para los mayores como para los más jóvenes. Hoy día hemos dado pasos agigantados en este ingrato camino. Basta mencionar las leyes referentes a la justicia juvenil promulgadas en Occidente e impuestas hoy día en Rusia, conforme a las cuales los padres pierden definitivamente todo control y poder sobre sus hijos. La brecha entre padres e hijos se ha generalizado y adquiere carácter absoluto, además el Estado prioriza los derechos del niño sobre los legítimos y naturales derechos de los padres. Cambia, entonces, el cometido, la función de la educación: a los padres se les otorga solo el derecho a parir, alimentar y mantener a sus vástagos. Mientras que estos se encargarán de elegir por sí mismos a qué edad iniciar su vida sexual, la orientación por la que optarán y cuáles serán sus “deseos”. Y si los padres, por ahí llegan a infringir el “legítimo” derecho del vástago a la permisividad de sus pecados, entonces se les podrá castigar ejemplarmente, exigirles el cumplimiento de las responsabilidad y deberes, incluso la responsabilidad penal, léase la cárcel. Huelga decir que la totalidad de los tradicionales valores familiares, enmarcados en este gran absurdo legal, se hará añicos. Un “Padre № 1” y un “Padre № 2” es lo que nuestros hijos obtendrán de este nuevo orden de cosas mundial, en lugar del preciado e insustituible nombre de sus padres. “Dios ha muerto” expresó Nietzsche en las postrimerías del siglo diecinueve. Para aquellos

para quienes efectivamente Dios ha muerto, el pecado no existe, lo que hay es el derecho infinito de los hombres a la extinción del género humano, al autoexterminio. -Quiere decir que estos últimos treinta años la sociedad ha estado buscando los caminos para resolver los problemas planteados en su obra, aunque el balance general nos demuestra que nos estamos cerrando ante la eventual posibilidad de resolverlos… -Justamente, no considero que en este lapso la sociedad haya luchado en forma activa y buscado una salida, puesto que la única salida, la más apropiada, está a la vista: el retorno a la fe de los padres primigenios, a los valores morales y espirituales fundamentales, pilares sobre los que siempre se ha asentado y hoy se sostiene, aunque a duras penas, la humanidad. Los mandamientos fueron formulados hace mucho tiempo, y aquellas comunidades humanas que se atienen a su contenido, sobreviven, conservan y estimulan las sanas relaciones humanas en el seno familiar. Pero cuando esa base espiritual colapsa arrastra consigo al hombre, destruyéndolo ya que “si Dios no existe, todo está permitido”, según la genial fórmula de Dostoievski. Una humanidad sin Dios es inviable. Es ilusorio pensar que hoy día el Estado vaya a encargarse de la sanidad moral y espiritual del individuo. En los hechos el Estado ha desistido voluntariamente de ello; al pueblo lo lanzaron al “mercado” en donde todo vale y se gana plata a cualquier precio, inclusive a costa de las pasiones y vicios del hombre. -¿Le inspira esperanza el hecho de que, a nivel gubernamental, prácticamente se haya consolidado el retorno hacia las posiciones de la Iglesia e incluso cierta clericalización, valga la expresión, de nuestra vida? -De la “clericalización” en la vida del país hablan los descendientes de aquellos que, en los años veinte y treinta, destruyeron las iglesias y eliminaron al clero en el vano intento de arrancar a Cristo del co-

razón del pueblo ortodoxo. Pero la Santa Rus vive y vivirá hasta el fin de los tiempos, aunque más no sea en este pequeño “remanente” que continúa siéndole fiel a Dios. Sí, los templos se reconstruyen, por suerte, pero nuestro cuerpo es el templo del Espíritu Santo, y es por eso que ante todo debemos reconstruir el templo de nuestra alma. -De la amplia oferta teatral en cuanto a dramaturgia contemporánea, ¿hay algo que le resulte interesante? -Difícil de juzgar, estos últimos diez años prácticamente me he apartado de la dramaturgia: no hace mucho publiqué una extensa novela, y ahora estoy escribiendo la segunda. Aunque en términos generales podría decir que, a mi entender, hoy día tanto el teatro como la literatura -por varios motivos- han perdido el alcance social de antaño. Entre otras cosas porque el tan cacareado “mercado” manda y obliga, y el creador, el artista, el teatro en sí, a veces, se ve obligado a dedicarse al negocio, al lucro, en el afán de divertir al público a cualquier precio. Desde mi punto de vista, aun a costa de divertirlo, al público hay que hablarle con respeto, seriamente y de cosas serias. En cuanto a las puestas en escena que pugnan por mostrar la vida en su más cruda y despiadada realidad, quisiera decir que también nuestra generación fue igualmente acusada y criticada por eso. Lo fundamental acá es el punto de vista espiritual que se tenga acerca de lo que está ocurriendo sobre el escenario, lo cual impide que la literatura o el teatro sumerjan al espectador en un páramo de tinieblas y horror. “La lámpara del cuerpo es el ojo”, es decir nuestro corazón y nuestra conciencia. El “ojo” espiritual del dramaturgo tiene que ser luminoso y límpido. Pues “si la luz que en ti hay es tinieblas, ¿cuántas no serán las mismas tinieblas?”. Un interrogante impresionante, ¿no es cierto?

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EL GALPÓN

La destrucción de la personalidad El teatro sin mañana de Máximo Gorki Con ocasión del próximo estreno de Los pequeños burgueses de Máximo Gorki puesto en escena por Héctor Guido, profundizamos desde una perspectiva contemporánea en la lectura del dramaturgo eslavo y su lugar en el teatro del siglo XX. Con irreverencia vive y observa el mundo el gran Gorki a través de su teatro. Laura Pouso

“Podemos esperar que en un futuro no muy lejano algún hombre valiente y honesto escriba el libro triste de la Destrucción de la personalidad, donde expondrá claramente el irresistible proceso del empobrecimiento intelectual del hombre, el inevitable empequeñecimiento de su ‘yo’. El siglo XIX ha jugado un rol decisivo en ese proceso, poniendo a prueba la firmeza psíquica de la pequeña burguesía del mundo entero y revelando su escasa capacidad para desarrollar una vida creativa”, escribía en 1905 Máximo Gorki, en la mitad de su vida y en los inicios de su carrera como dramaturgo. Ya obsesionado por el lugar del intelectual en el siglo XX y por el crecimiento fulminante de la noción de individualismo, descrito por él mismo en sus Notas sobre la pequeña burguesía como un “ascenso fulminante, caótico, anárquico y orgánicamente incapaz de construir algo por fuera de sí mismo y a favor de la comunidad”, se concentra en sus primeras producciones para teatro en construir fragmentos, impresiones sobre la neta disminución de las “necesidades socio-éticas” y en poner de manifiesto un empobrecimiento generalizado “de las fuerzas combativas del intelecto”. Es evidente que cada época desarrolla e induce su propia lectura del teatro y de acuerdo a los distintos

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movimientos históricos y sociales; a veces hay tendencia a poner el acento en los aspectos intimistas o vinculares y, otras, la percepción se concentra en lo político-social. Hoy el teatro de Gorki podría ciertamente ser descrito como un teatro cerrado, tanto como podría

serlo el del más inmediatamente contemporáneo Heiner Müller. Salvando las distancias estilísticas y formales que con evidencia los separan, podríamos, sin embargo, establecer una línea de conexión entre ambos en la medida en que consideremos que para estos autores el

teatro es concebido más como una herramienta que como un fin en sí mismo. A diferencia de Chéjov, su amigo y mentor que ama el teatro como arte y se complace en él, para Gorki el teatro es un medio, una herramienta para expresar su mirada brutal, moderna, fragmentaria y, por qué no, impresionista del ser humano confrontado a sus límites; una visión característica del realismo socialista que impregna y define su escritura. Huérfano de padre desde los cinco años, es criado con rigor y sin afecto por su abuelo materno, comienza a trabajar desde niño y descubre el universo de la lectura; plasma estas memorias en dos libros autobiográficos: Infancia y Ganándome el pan. Su primera juventud fue difícil, signada por dos intentos de suicidio, el ejercicio de variados oficios que le permiten desarrollar un conocimiento profundo del ser humano y una mirada brutal del mundo, de la que se servirá más tarde en sus novelas y obras de teatro. Gorki mantuvo vínculos ciertamente ambiguos con el poder de su país durante un período por demás agitado de la historia rusa. Implicado en los movimientos revolucionarios de inicios del siglo XX, recurre como estrategia expresiva, tanto en su teatro como en sus novelas y en sus relatos autobiográficos, al uso de un lenguaje directo, de acción, que sostiene con crudeza personajes oscuros, al límite, descarnados, que evidencian las fronteras que encierran al hombre social y moral de su tiempo. En 1902 Gorki es elegido como miembro de honor de la Academia de Ciencias de Rusia, pero su designación fue suprimida por Nicolás II, considerándolo indigno de tal distinción por su actividad política calificada por el propio zar como subversiva. En ese momento Gorki ya gozaba de mucho prestigio en su propio país y también en el extranjero, donde su teatro comenzaba a ser traducido y representado. Sin embargo, de poco sirvió el ferviente apoyo de sus contemporáneos Chéjov y Tolstoi, su espíritu libre y frontal lo transformaban en oposi-

Gorki y Chéjov en Yalta

tor. Entre la adulación, la admiración, el desprestigio y la persecución escribe y construye su legado. Ese mismo año, el Teatro de Arte de Moscú estrena sucesivamente sus dos primeras obras de teatro: Los Pequeños burgueses y Los Bajos Fondos. Un éxito rotundo acompañó ambos estrenos, acontecimiento significativo si se tiene en cuenta su particular situación respecto al poder imperante. Su compromiso social y su activismo político lo conducirán pocos años más tarde a participar en la Revolución rusa de 1905, pagando con cárcel y exilio su postura ideológica. En estos dos primeros textos, producidos con meses de diferencia, ya se anuncia la fuerza irreductible de su teatro, se advierte el carácter de su escritura dramática y su singularidad que presenta dos niveles de lectura, dos capas que conviven en sus obras. En Los pequeños burgueses la primera capa es la de la historia social, política, que plantea con mucha claridad una cuestión: ¿quiénes son estos pequeños burgueses? Una pregunta que interpela al espectador, siempre teniendo en cuenta que el teatro es para Gorki un instrumento estético, una estrategia, un medio para alcanzar un fin que trasciende la obra de arte en sí misma. La segunda capa es la que se construye en torno a la historia intimista, afectiva, entre

los personajes. El recurso de la superposición de la vida del hombre como ser político y como ser afectivo, y sus consecuencias, lo conduce a constatar, de manera casi violenta, la imposibilidad de ese hombre (su contemporáneo y por qué no también el nuestro) de proyectar la identidad colectiva de una clase social ya que para estos pequeños burgueses la noción de singularidad e individualismo se ha vuelto necesaria e inevitable. Esta obra tiene más de un siglo y, a diferencia de Gorki, nosotros sabemos cómo siguió la historia política pero también, como a sus personajes, nos cuesta quizá pensar un futuro mejor que el presente. En las fronteras de su teatro no hay mañana, todo se juega en el ahora, más aun, todo se vive en el instante, sin nostalgia del futuro. En ese sentido, estamos frente a un autor moderno, ya que el universo dibujado por Gorki se inscribe particularmente bien en nuestro inicio de siglo, en nuestra sociedad de la inmediatez, de la destrucción de la personalidad, de la impaciencia, de la impresión fugaz, de la fragmentación y del desasosiego.

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CIRCULAR Gerardo Begérez:

Los protagonistas reflejan el temor a que el sentimiento de la pareja se calcine Gerardo Begérez, director de las recientemente galardonadas “Cocinando con Elisa” y “Horror en Coronel Suárez” presentadas en El Galpón, inicia el año con un estreno, esta vez en el Teatro Circular y nuevamente con la actuación de Estela Medina. Se trata de la obra norteamericana “En la laguna dorada” de Ernest Thompson. Conversamos con Begérez sobre esta propuesta y su buen momento creativo. Luis Vidal Giorgi

-El año 2015 fue un año de fructífera creación como director, que convalida tu decisión de dedicarte profesional y exclusivamente al teatro. ¿Cómo se fue dando esa decisión, que incluso te llevó a radicarte en Buenos Aires un tiempo? -Soy un ser esencialmente libre y en el teatro encontré la manera de expandir mi libertad y dar rienda suelta a mi imaginación, siendo absolutamente fiel a mi intuición. Creo que los hombres deben tener una pulsión, una pasión que los haga libres, que les otorgue motivación para poder mitigar los tropiezos y las penas que habrá, indefectiblemente, en la vida. Soy de los que creen que uno debe continuar en el camino aunque éste se torne sinuoso, y no abandonarlo jamás. El camino del teatro es sacrificado, uno posterga muchas cosas pero las gratificaciones llegan. El teatro no es para blandos, tampoco para indecisos. Es un arte para seres pasionales. Son muchas las cosas que uno pone en juego en cada proyecto, cada día, sobre un escenario. Si bien es una profesión que requiere mucha dedicación, como cualquier otra, es necesario tener cierta cuota de valentía, un plus de coraje, kilogramos de disciplina y la certeza de que es el camino elegido; sin estos componentes uno lo abandonaría ante el primer fracaso. Porque nuestra profesión será

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un cúmulo de fracasos, pero éstos jamás deberán frustrarte, porque la frustración es una enfermedad muy contagiosa en nuestra disciplina artística, casi tan dañina como la mediocridad. Antes de subir a ensayar, el actor y el director deben dejar las frustraciones en la puerta del teatro y el ego en el hall; ésa es otra de mis máximas. Me cuesta mucho disfrutar los logros del momento, es un defecto. Me cuesta disfrutar el presente porque tengo siempre la vista en el mañana, en el próximo desafío en el que me sumergiré. En Buenos Aires monté espectáculos más osados, me animé a abordar temáticas que acá no sé si podría. El público uruguayo tiende más a la estigmatización y eso hace

que a uno se le enciendan las alertas antes de tirarse al vacío. Poseemos una pseudopacatería que genera un boicot permanente a las ideas originales. Medimos demasiado los riesgos por miedo a la opinión contraria de tus propios colegas y estamos demasiado pendientes del que tenemos al lado. Lo mismo pasa con nuestra imagen, los uruguayos pecamos de exceso de modestia y humildad; y tomamos eso como una gran virtud. Uno puede ser humilde sin dejar de lado la felicidad y orgullo por sus creaciones y logros. Tenemos que aprender a defender y vender nuestro arte sin tanta timidez y vergüenza. La vergüenza deben sentirla los chantas y los mediocres.

-En esta obra, que vas a estrenar en el Circular, vuelve a aparecer el tema de la vejez, la soledad, lo que no se dice, la fragilidad de las relaciones humanas, pero también la necesidad de restablecer esos vínculos y los afectos. ¿Son temas que te motivan como creador? ¿Por qué? -Pienso que son temas que nos atraviesan a todos. A lo largo de la vida todos estamos esencialmente solos y envejecemos cuidando que nuestros vínculos humanos, tan frágiles e inexcusables, no perezcan tempranamente. Quizá con la ilusión puesta en aquello de la posteridad, la prolongación de nuestra existencia; para sentir que todo lo que luchamos no fue en vano, que algo nuestro quedó, y que nos permitirá seguir prevaleciendo. -De esta obra teatral, que ya ha conocido una versión cinematográfica muy aplaudida en su momento, ¿cuáles son los aspectos que te atraen para comunicar al público de hoy? -Esta obra fue llevada al cine y fue un éxito rotundo en 1981, merecedora de tres premios Oscar: al guión, a Herny Fonda como actor y a Katharine Hepburn como actriz. El texto ha sido traducido a más de treinta idiomas y fue producido en más de cuarenta países. Poseedor de magníficos diálogos que generan un finísimo humor, apuesta a la sensibilidad y la ternura que genera el amor eterno, con un toque amable que dejará muy buen sabor de boca. La obra en sí es un espectáculo de contrastes, de contraste de sentimientos, el espectador podrá pasar de estar con un semblante serio a esbozar una sonrisa a los dos segundos. El guión es sublime, las emociones fluyen solas, no se ha abusado de palabrería efímera, nada sobra. ¿Qué hacer cuando la muerte se transforma en nuestra propia sombra? En los protagonistas se refleja constantemente el temor a que la laguna se seque, se quede sin patos, a que su familia se evapore, a que el sentimiento de la pareja se calcine.

-¿Algo más que quieras resaltar sobre la puesta en escena? -Habrá una evocadora ambientación naturalista anclada en los años 80, emotivos temas musicales y un cuidadísimo vestuario. Tengo el privilegio de volver a dirigir a Estela Medina y nuevamente en El Circular. Abrazarla en cada ensayo es estrechar en mis brazos al teatro uruguayo en cuerpo de mujer. Fue un hermoso proceso de intenso trabajo que generó una empatía muy fuerte en todo el equipo. Estoy seguro que el público amará a la pareja central. Lo que hacen Medina y Graña en escena es más que una lección de teatro, es una lección de amor hacia la profesión. Sé que disfrutarán mucho de un paseo en nuestra laguna.

-¿Tenés otros proyectos para 2016? -En febrero arranco los ensayos de un unipersonal con Susana Groisman que estrenaremos en junio en la Sala China Zorrilla de La Alianza, y con mi Teatro El Galpón es probable que realice un montaje de un texto croata en Sala Atahualpa. También con “la Medina” tenemos pensado realizar un unipersonal sobre fin de año y estoy escribiendo un musical que haré en un proceso de experimentación. Estamos trabajando fuertemente con un equipo de compañeros para reabrir la Escuela de El Galpón en el primer semestre del año, eso me tiene muy ocupado y feliz. Hay que estar en movimiento, creando, construyendo, porque de eso se trata la vida, ¿no?

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TEATRO POR EL MUNDO

IONESCO: “LLAMARME ABSURDO ES UNA ABSURDIDAD” En el año que se fue se cumplieron 65 años del estreno en París de la primera obra del llamado Teatro del Absurdo, “La cantante calva” del autor rumano Eugène Ionesco (1909-1994) que, luego de una interrupción, se continúa representando desde el año 1957 en la misma ciudad de su estreno, en el Téatre de la Huchette. Luis Vidal Giorgi

ANTITEATRO Las obras del Teatro del Absurdo, que en su momento, desde los márgenes del teatro, fueron rupturistas, incluso fueron llamadas el “antiteatro” con una connotación despectiva; pero el término -con el sentido de humor irónico que caracterizaba a los autores del Absurdo- fue por ellos adoptado como propio, por oposición al teatro tradicional, al cual cuestionaban. Esos experimentos teatrales que muchos críticos consideraron un snobismo, incluso por parte de nuestro Mario Benedetti en sus crónicas teatrales, fueron ganando en aceptación y son en la actualidad obras clásicas del siglo XX. Para reafirmarlo, otro de sus autores, Samuel Beckett (1906-1989) fue galardonado con el Premio Nobel en 1967. En nuestro país sus textos fueron representados principalmente por Teatro Uno de Cerminara- Restuccia, que lo tomaron como una seña de identidad desde el desaparecido teatro de la Alianza Francesa. También Nelly Goitiño, con otro estilo de dirección, realizó puestas de Ionesco y Beckett, entre ellas “Rinoceronte”.

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VOLVERSE O NO UN RINOCERONTE En el Centro Nacional Dramático, en España, se presentó una escenificación de “Rinoceronte”. Recordemos que trata de una pequeña ciudad donde todos, poco a poco, se van volviendo rinocerontes, salvo el protagonista Berenguer, quien para su desesperación va observando la metamorfosis que sufren los de-

más, quedando solo. Como antihéroe que es, en parte lamenta no ser como los demás, aunque en definitiva es el único que resiste y mantiene su identidad. La obra ha sido considerada una crítica a la masificación, especialmente la política, tanto que el término rinoceronte se ha utilizado como para referirse a quienes se adaptan al poder en situaciones de opresión. Al ser preguntado respecto a cuál

ha sido el motivo de llevar a escena “Rinoceronte” y cómo cree que conecta con el momento actual, Ernesto Caballero, director de la puesta, señala: “Ionesco es un clásico contemporáneo, un autor de referencia que he admirado desde siempre. En estos momentos ‘Rinoceronte’ resulta más que oportuna porque el humanismo y la conciencia individual corren el riesgo de ser aplastados por arrolladores fenómenos de masas de muy distinto pelaje. Berenguer es un personaje que aparece degradado, descuidado, alcoholizado. Es una especie de antihéroe, pero también es el motor de la acción y es el personaje con el que nos debemos identificar. No es un galán, es un hombre común que representa la figura del resistente. Hoy en día las más dignas resistencias y actitudes de coraje y heroísmo se dan en personas anónimas que no saben o no pueden adaptarse a las corrientes dominantes. Ellos son a quienes más temen los políticos, que no saben cómo convencerlos porque ni siquiera saben quiénes son. Creo que estamos muy necesitados de estas actitudes de coherencia que, como digo, se dan en la afueras de la realidad oficial. Los que no se dejan llevar por la corriente y no caen en la tentación del ‘si todo el mundo lo hace…’ son los berengueres de nuestro tiempo. Esta es la razón por la que monto esta obra. Estas virtudes todavía existen en algunos hombres y mujeres de la calle, afortunadamente se dan casos de inmunidad ante la epidemia. Hay que reconocerlo.” En España, donde la crisis ha llevado a la desilusión en ambos partidos que se han alternado en el po-

der desde la instauración democrática posfranquista, esta obra se lee desde ese estado de ánimo.

EL ABSURDO DEL ZURDO Con otras ilusiones que el paso del tiempo ha erosionado, desde Cuba nos llega la información de la puesta de una obra de Ionesco que ha causado polémica, ya que se ha presionado para que luego de dos funciones bajara de cartel. Se trata de “El rey se muere”, que hace poco se ha presentado en nuestro país. La historia se basa en un rey que ante la proximidad de la muerte se resiste a morir, rodeado de su corte. Evidentemente la obra fue vista como alusión a Fidel Castro y como tal cuestionada. El director Juan Carlos Cremata realizó unas declaraciones sobre el Consejo de Artes Escénicas, que consideró la obra como un “panfleto político”. Dijo Cremata: “Son especialistas que son tan especialistas como yo, porque yo soy graduado de la misma escuela, he estudiado las mismas cosas, y tengo una carrera por detrás, y yo sí pongo en entredicho el verdadero Consejo, que además está divorciado por completo de la producción. Ellos no calculan, ni se enteran, ni se quieren enterar jamás de cuánto puede costarnos una producción –no sólo desde el punto de vista material, sino desde el punto de vista espiritual-. Eso a ellos no les interesa, a ellos lo que les interesa es hacia dónde va el discurso y, sobre todo, cuidar sus puestos de trabajo, porque los entiendo a los pobres. Ellos responden ante una oficialidad y

tienen que dar respuesta a esa oficialidad. Entonces, están previendo que no venga alguien mañana a decirles: ‘¿Cómo tú dejaste poner esto ahí?’ y pueda perder su puesto de trabajo. Yo no, yo soy un artista, y por lo tanto mi naturaleza es anárquica, iconoclasta, contestataria, alternativa o como me dé la gana. Mi nación es el arte que produzco, no creo en nada más que en eso”. La palabra “absurdo” proviene de una raíz que significa sordo, por eso muchas veces las obras de este estilo de teatro son un diálogo de sordos, que hace referencia a la incomunicación y a las palabras que han perdido su sentido como expresión de la razón y el pensamiento. Ojalá la sociedad cubana y sus manifestaciones de arte encuentren sus mecanismos para retomar un diálogo de unidad en la diversidad.

HACER HUMOR FRACASO

DEL

Estas dudas sobre la realización de la utopía y la llegada del Mesías adquieren su más potente expresión en la mayor obra de este Teatro del Absurdo, “Esperando a Godot” de Samuel Beckett, cuyo nombre juega con la palabra God (Dios), aquel cuya espera o silencio nos desvela. En el Teatro Nacional de Costa Rica se presentó una versión con la dirección de Luis Gómez, quién señala: “Enfrentarse a un clásico y a una pieza que transforma la historia del teatro es, para cualquier actor, un disfrute absoluto. Hay dos cosas que hacen al texto universal: por un lado, el tema filosófico, este análisis de la condición humana desde este pesimismo, pero, por otro lado, su humor lo hace muy universal. Uno no puede leer a Beckett sin sentido del humor”. Estas obras, que parecieron ingenuas al principio, trascendieron su momento irónico para testimoniar la desorientación metafísica del humano que, pese a todo, sigue esperanzado y, como dice Sábato, tiene un instinto por el cual al otro día de la destrucción, entre las ruinas, pequeños hombres y mujeres comienzan a levantar la ciudad de la Esperanza.

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ENTREVISTA

DELFINA GUZMÁN

“Una buena obra de teatro te puede llenar de sentimientos o sensaciones” Delfina Guzmán es una actriz mítica del teatro chileno, vinculada durante muchos años al grupo ICTUS. Su destacada trayectoria artística y vital refleja las vicisitudes de la sociedad chilena, a la que ella ha contribuido a mejorar con su aporte desde el arte y el compromiso humano de su pujante personalidad. Hoy, a las 87 años, sigue en actividad tanto en la escena como generando acontecimientos culturales desde la dirección del Festival Santiago a Mil. Estuvo en nuestro país a dar una charla en la recientemente inaugurada sede de la Fundación Mario Benedetti. Allí cautivó a los asistentes con su estilo franco e intenso, pleno de vivencias singulares.

Luis Vidal Giorgi

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-¿Cómo te acercaste a la actuación en una sociedad conservadora, como lo sigue siendo en parte, la chilena? Por lo que yo recuerdo, fue el último país de Latinoamérica en aprobar la ley de divorcio, por ejemplo. -Es un país, una sociedad muy “cartucha”, no sé si ese término signifique algo para los uruguayos... viene de cartucho como algo apretado, muy beata quiere decir. Que una señorita de la sociedad chilena, de una familia conocida, con un abuelo que había sido presidente del Partido Conservador, se dedicara al teatro... era algo intolerable. Que en vez de estar a la tarde esperando al marido para servirle el pisco prefiriera ir al ensayo o meterse en política, que también fue muy importante en mi vida -milité muchos años en el Partido Comunista- era inaceptable. -Te preguntaba cómo habías llegado a los cursos de teatro. -Mira, llegué a ellos por casualidad. A mí me echaron de las monjas, donde me había puesto mi mamá y tuve una pelea muy fuerte con ella. Te cuento esto y me acuerdo de una escena: yo me estaba bañando, y hasta me viene la sensación de la toallita caliente que me había dado, y mi mamá me dice: “Ahora cuando termine se va a su cuarto, se viste, se hinca frente al velador y le reza a la mamita Virgen -así se decía- porque en España los comunistas están matando a todos”. ¡Mira contarle eso a una niñita de ocho años! Entonces yo pensé en esas monjas que yo detestaba y eran todas españolas y le pregunté: “Mamá, ¿y habrá posibilidad que los comunistas se vengan a vivir a Chile?”, porque quería que las mataran a todas. Eso fue lo primero que pensé de los comunistas, que vinieran a liberarme de esas monjas detestables. Siempre los vi como un ejemplo de liberación. Obviamente que me llevé una cachetada y el castigo de dos semanas sin salir. -¿Te echaron por ese tipo de comentarios? -Me echaron de las monjas por esa razón y por otras. Porque me movía mucho, era hiperquinética. Yo iba

a un colegio excelente, muy caro, mis padres tenían su platita por ahí y me metieron en ese lugar. Tengo unos recuerdos muy importantes en los que se ve cómo se te va armando la ideología. Imagínate un lugar muy conservador y católico y sin embargo había mucha muchacha judía, de familias que escapaban de Alemania. La madre de una muchacha judía, Lise -no se me olvida su nombre-, daba clases en el colegio. Un día me doy cuenta que no tengo goma para borrar y Lise me dice que no me preocupe, que su mamá andaba por ahí y que le podíamos pedir. Aquí viene lo interesante: llegó esta señora, le pasó la goma y vi que tenía en el brazo un número. Me llamó la atención porque no era suciedad. Entonces cuando se fue, muy prudentemente dije: “Oye, ¿tu mamá no se lavó las manos?”; y ella me dice: “Ése es el número que tenía en el campo de

concentración”. Con catorce años me enteré por primera vez que en Alemania había campos de concentración. ¿Ves cómo te educaban allí? Para mi papá Hitler era un genio y un santo, ¿tú te das cuenta? ¿Cómo me salí de eso yo? Gracias al teatro. Primero me metí a ballet, también a través de unos judíos alemanes que daban clase allá; pero tenía catorce años, el ballet hay que empezarlo muy chica. Después entré a una compañía de mimos, de Alejandro Jodorowsky, ustedes lo deben conocer, que fue un gran amigo mío. -¿Hacía mímica Jodorowsky? -Sí, luego hizo teatro y cine. Después me casé y me fui ocho meses a Europa a pasarlo bien, y hasta pude hacer clase con Marcel Marceau. Después de los mimos me metí al teatro de la Universidad de Chile, donde estaban los masones. No sé

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ENTREVISTA qué sentido tienen para ustedes los masones, si tienen un sentido muy aterrador para los católicos como sucede allá. -No, acá no demasiado. -En ese momento la U de Chile era todo cosa de comunistas, de gente de izquierda, de todos los pésimos, y yo voy y me meto ahí. Ya estaba casada y tenía dos hijos. Mis hijos después terminaron separados de mí. El juez decidió que no tenía capacidad como para ocuparme de ellos, ¿te puedes imaginar? -¿Cuando te separaste? -Antes de separarme incluso. En la primera fiesta familiar a la que no asistí porque tenía ensayo se produjo el gran drama: “Pero ¿cómo no va a venir a la fiesta familiar? No, es que tiene ensayo”. La palabra “ensayo” era tremenda. Ahí seguí con los fundadores del teatro de la Universidad. Empezamos cien alumnos y terminamos siete. Éramos puras mujeres y un solo hombre, al que le decíamos “el Machu Picchu”. Para una persona como yo, enclaustrada dentro de una clase social, un espacio como la Universidad te abría un mundo a otros sectores, hasta a amores distintos. Entre otras cosas me enamoré de otro compañero y ahí empezó la segunda parte de la vida. Yo pienso ahora en mi primer marido y me da un poco de culpa, porque era un hombre bien buena persona, era de una de las grandes familias ricachonas, pero apareció éste que era director de teatro, radical además. El Partido Radical en Chile podría verse como el antecedente de los demócratas cristianos, era de izquierda, y por ese lado yo entré a una cultura de la comida, del vivir. En mi familia se comía la típica comida chilena, que no te voy a decir que sea demasiado buena, excepto por algunas cosas: mucha cazuela, mucho mote con papas, una comida muy pobre. De vez en cuando langosta, pero de vez en cuando. Era como parte de esa austeridad religiosa e ideológica. En cambio los Meza, que eran también de un buen pasar, comían sabroso. Sabían usar los sentidos.

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El real conocimiento de lo que puede ser un preso político lo tomé acá en Uruguay, leyendo a Mario Benedetti y a Marcelo Estefanell que escribe “El hombre numerado”. Si en ese momento hubiera conocido esos detalles... Eso nosotros sólo lo conocíamos por gente de afuera, compañeros de trabajo, colegas que nos contaban los horrores que sucedían, las torturas y todo eso, pero como uno no lo veía, no tenía real dimensión. Porque una cosa es ver algo, aunque sea escrito, a ti te hace meterte adentro de eso que lees. Una buena novela u obra de teatro te puede llenar de sensaciones o de sentimientos, y eso es Benedetti.

-¿Después empezaste a trabajar cercana a grupos de teatro independiente? -Mira, después de salir de la Universidad yo estuve algunos años viviendo en Concepción, en las provincias y ésa fue otra apertura. Los chilenos no conocen el país. Por eso es que cada vez más se pierde la pertenencia. Cuando tienen plata viajan a Buenos Aires, y si tienen más plata viajan a Europa. Yo me fui a vivir a Concepción, fuera de mi familia, en un mundo completamente distinto, que a lo mejor fue la continuidad de ese mundo radical que estaba conociendo, con otras costumbres, con otras formas de relación y fui muy feliz formando el teatro de la Universidad de Concepción, estuve ocho años allí. Ahí nacieron mis dos hijos menores. A la vuelta me llamó Víctor Jara, con quien fuimos contempo-

ráneos en la Universidad de Chile -él estudiaba teatro también-, para que viniera a hacer un papel. Ya lo de Concepción se estaba un poquito diluyendo y habían nacido los dos niños, estaban más grandes y me volví a Santiago. Empecé en el Ictus, fue un tiempo maravilloso, y también fue la práctica de la política. En Concepción entré a militar al Partido Comunista, porque no militar en el Partido Comunista era muy raro, todo el mundo militaba en el mundo del teatro, el arte, la cultura. Pero en el Ictus nos tocó la dictadura... recuerdo el día que murió Allende. Yo adoraba a Allende... -Mencionaste que tuviste relación con él. -Es que su señora, Hortensia Bussi, estudió teatro conmigo y nos hicimos amigas. Para mí siempre Allende, Chicho como le decíamos, era el marido de la Tenchita y paseaba por ahí mientras nosotras estábamos estudiando. Hasta que fue Presidente. El día de su muerte, cuando el golpe, me acuerdo que tenía que ir con Nissim hasta la Televisión Nacional porque íbamos a empezar a hacer un programa que se iba a llamar Crónicas del Subdesarrollo y lo iba a hacer mi grupo, el Ictus. Cuando llega Nissim a la casa me dice: “Delfina, saca todas tus cosas”. No se sentían todavía los aviones. Vino también el padre de mis hijos, yo ya estaba separada, y se llevó a los niños. Nissim me dijo: “Vente a mi casa que tú estás muy cerca de La Moneda y puede pasar cualquier cosa”. Salí a la calle y fíjate la imagen que tengo: muchos obreros. Ésa es la imagen más potente que tengo del golpe. Yo vivía en una callecita chica en Providencia y recuerdo muchos obreros con camisas blancas, con las mangas arremangadas, gritando “¡Allende, Allende!”. Nos fuimos para su casa y ahí nos pusimos a escuchar los bandos famosos. En ese momento Chile -y en Uruguay pasaba lo mismo, quizás menos porque estaban más abiertos a Europa, era un país muy cerrado. Ictus empezaba a trabajar en la producción de obras de un autor que capaz les suene, Jorge Díaz.

-Sí, claro, el dramaturgo de “El velero en la botella”, “Pablo Neruda viene volando”, y otras. -Entonces empezamos a proyectar cómo defendernos y que no nos cerraran el teatro. Nosotros hacíamos creación colectiva y hablábamos a favor y en contra de lo que fuera, éramos libres. Y fíjate, te voy a contar algo que es muy personal pero que creo que puede interesar porque es raro: mira, yo viniendo de la oligarquía chilena, que siempre consideró que el país era de ellos y que por eso podían hacer lo que quisieran: tomar las tierras que quisieran, pagarle a los obreros lo que quisieran, ellos ponían las leyes. Nadie entraba en la órbita militar, creo que uno solo de mis primos entró a la Escuela Militar y lo echaron al poco tiempo. Y estos tipos que venían, estos militares, a pesar de que estaban muy mezclados con la derecha, sentí que eran gente que no tenía nada que ver con nosotros, unos tipos incultos. Les tenía como un desprecio, y eso me ayudó a manejar el miedo porque nunca los consideré enemigos. Claro que sabía que habían matado gente, amigos del alma. Pero mira cómo pueden llegar a ser las cosas que la real dimensión, el real conocimiento de lo que puede ser un preso político lo tomé acá en Uruguay, leyendo a Mario Benedetti y a Marcelo Estefanell que escribe “El hombre numerado”. Si en ese momento hubiera conocido esos detalles... Eso nosotros sólo lo conocíamos por gente de afuera, compañeros de trabajo, colegas que nos contaban los horrores que sucedían, las torturas y todo eso, pero como uno no lo veía, no tenía real dimensión. Porque una cosa es ver algo, aunque sea escrito, a ti te hace meterte adentro de eso que lees. Una buena novela u obra de teatro te puede llenar de sensaciones o de sentimientos, y eso es Benedetti. -Aunque ya conocía la tragedia del actor Roberto Parada a quien la dictadura le asesinó un hijo, cuando la contaste en tu charla me volví a emocionar. Eso es lo que el arte provoca al hacernos recor-

dar, que es volver a pasar por el corazón. -Es el gran aporte de la buena literatura, que eso es la buena dramaturgia. Te hace revivir. -En esa oportunidad mencionaste la pérdida de determinados valores, por la cual la competencia sustituye a la confidencia. -Peor aun. Hoy en día yo siento que en Chile la gente no tiene pertenencia. Otra cosa que sentí de chica fue la idea de que el país era mío, por los motivos que sean: porque era bello, porque tu familia era de allí, porque tu historia viene de ahí. Lo que sea. Esa pertenencia se ha retrasado por la competencia. Todo se reduce a quién gana, en las discusiones, en los debates. El diálogo así se va para cualquier lado porque el objetivo no es encontrar una solución, sino ver contra quién combaten y cómo le ganan. Es lo que yo siento y puedo estar profundamente equivocada. Hay gente que no piensa así y por suerte sigue trabajando, pero yo me pongo nerviosa. Me deja afuera esa situación, me siento extraña. En este momento me siento extraña dentro de mi propio país, cosa que no me había pasado nunca. -Respecto al sentido del arte, en tu charla también hablabas de lo hermoso que es leer algo llorando, te pasó con Benedetti. -Desgraciadamente yo no conocí

a Benedetti, pero ha sido un honor enorme para mí que me haya tocado dar esta charla. Creo que Benedetti es un experto, como los cirujanos, que meten el bisturí hasta el fondo... Yo nunca vi un bisturí tan bien manejado como el lápiz de Benedetti cuando se mete hasta el fondo de las emociones, en esos resquicios que uno nunca ha advertido que existen, en los celos, en el desamor. El desamor es el final. Cuando se acaba algo que fue muy importante, cómo habla, cómo escudriña, es muy emocionante. -Está bien interesante que rescates el tema del desamor más allá de lo político, ya que se puede tender a asociar a Benedetti sólo con lo político en su obra. -Los finales de esas historias son tremendos, también la forma cómo todo se va diluyendo... Para mí “Primavera con una esquina rota” es una obra sobre cómo se va sintiendo el tiempo a través del personaje de Santiago, y ese tiempo de estar preso y el de ella, la esposa Graciela, que primero está sola y luego con un amigo de él... cómo va pendulando eso. Benedetti fue un hombre muy inteligente, es un gran escritor. Nosotros lo hicimos con el Ictus porque era la ocasión. Pasaditos los primeros momentos de la dictadura, que fueron los más duros en cuanto a censura, nosotros podíamos hablar de presos políticos, de exilio, de cárcel, con lo que todo eso significaba para las fa-

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ENTREVISTA milias chilenas. La historia ocurría en Uruguay y no podían decirnos nada, no estábamos criticando al gobierno ni nada... -Yo te comentaba que te había visto en una obra de José Donoso, en lo que fue su primera experiencia teatral más allá de su carrera de novelista. Para él también fue un cambio ir a las funciones, escuchar los aplausos. -No te puedes imaginar. Aunque llegara muy tarde él igual iba, justamente, a escuchar los aplausos. Me lo dijo mil veces: “Delfina, lo mejor del teatro son los aplausos”. Fíjate que me acuerdo de cuando estábamos preparando la obra, armando los decorados, en fin, de ver a Pepe martillando, yo que siempre lo había visto en su máquina escribiendo, o leyendo, o explicando algo. José siempre andaba con unas camisas muy finas hechas en Londres o qué sé dónde, y verlo martillando era una curiosidad. Él era un ser humano estupendo. Hay algo, fíjate, que me comunica a Donoso con Benedetti. Donoso tiene obra muy diversa, pero a mí me deja la sensación que fue el primero en meter el bisturí en una determinada clase social para ver qué había detrás. Un personaje de su novela “Casa de Campo” es una tía que él tiene que es ciega, y es tal su afán de vencer la ceguera que todos los días le ponen un montón de guantes, encima de la cómoda o de la cama, de distintos colores -guantes de gamuza que siempre son de colores muy finos, celeste, rosado, verde agua, colores muy delicados-, y se los dejan ahí para que ella los tome, sepa cuál es cual y los empareje. ¿Te das cuenta el esfuerzo? ¿De dónde saca esa mujer eso? Pepe decía: “No se olviden de esta gente que igual siendo ciega es capaz de distinguir el celeste del verde agua, tienen una habilidad por la fuerza de la su-

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Hoy en día yo siento que en Chile la gente no tiene pertenencia. Otra cosa que sentí de chica fue la idea de que el país era mío, por los motivos que sean: porque era bello, porque tu familia era de allí, porque tu historia viene de ahí. Lo que sea. Esa pertenencia se ha retrasado por la competencia. Todo se reduce a quién gana, en las discusiones, en los debates.

pervivencia”. Donoso, al igual que Benedetti, indagó en las profundidades de algo que es más que comportamiento de clase, hay que ir al individuo, hay que ir al ejemplo. -Vi otra obra del Ictus, “Lo que está en el aire”, cuando la presentaron acá en El Galpón, en un festival. Actuaba Roberto Parada. -Las cosas que pasan en la vida... A Roberto Parada le mataron un hijo; cuando representábamos la obra de Benedetti, Roberto hacía el papel de un padre que tiene al hijo preso... Un día de función, al empezar ya sabíamos que habían aparecido tres militantes políticos degollados, pero no se sabían los nombres. En el primer acto yo le tomo las manos a Roberto, ¡estaban heladas!; supe que el dolor extremo da frío. En el intervalo llegó la hija a anunciar que era su hermano uno de los asesinados. Roberto, en medio del dolor, quiso seguir haciendo la función como homenaje a su hijo. Mientras hacíamos la función se llenó de gente el teatro, fueron llegando de todos los teatros compa-

ñeros con flores rojas que dejaban en el escenario. Algo muy terrible y muy conmovedor. -¿Algunas otras obras que recuerdes especialmente de la última etapa del Ictus? -“Pablo Neruda viene volando” fue muy linda. Me acuerdo, aunque no fue de las últimas, de “Pedro, Juan y Diego”, que también era algo precioso. En Chile se estableció algo llamado Plan de Empleo Mínimo, se hacían por ejemplo obras municipales con un mínimo de plata y se pagaba a los obreros también un mínimo. La obra es sobre tres obreros que trabajan en el Plan y a mí me tocó hacer de una muda. No hablaba nada en toda la obra. Imagínate lo que me costó, como soy yo que no paro callada (risas). Pero decía Patricio Contreras: “Nunca vi una muda que hablara tanto”, porque con gestos, gritos, ojos, manos, decía de todo. Pero me costó. “Pedro Juan y Diego” es parte de un dicho en Chile, ¿existe acá? -No. -Es como decir “todo el mundo”: ¿Quién vino?: Pedro, Juan y Diego. También puedo mencionar “Tres noches de un sábado”. Esa obra estuvo tres años en cartel. Son tres actos con tres autores distintos y tres anécdotas diferentes en relación a un sábado en distintos sectores sociales: la oligarquía, la clase media y la clase obrera; la última era de Alfonso Alcalde. -Lo conozco como cuentista. -El lenguaje era muy espacial, porque esas son también cosas que yo rescato: esas palabras que saltan pa’ todos los lados, ¡qué cosa más linda! Lo mejor que heredamos de los españoles es el idioma, por eso me pongo tan triste cuando veo todas estas siglas “pak”, “lec”, “tic”, “kac”.

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ENTREVISTA Guillermo Heras:

“Ya me da vergüenza insistir en que la cultura crea empleo” El creador español Guillermo Heras tiene una intensa labor como director, autor, gestor, docente. Desde su actividad como director del Centro de Nuevas Tendencias Escénicas en los noventa a la actualidad, en que lleva adelante el Programa Iberescena, que apoya la creación escénica en toda Iberoamérica, ha recorrido y conoce las artes escénicas contemporáneas y sus realidades latinoamericanas. Por lo que sus opiniones siempre son un aporte a ese conocimiento.

Luis Vidal Giorgi

-A tu, podríamos decir, itinerancia teatral con tu función en Iberescena has sumado la dirección del Festival de Alicante, ¿cuál es la característica de este festival y de las nuevas dramaturgias? -El Festival ya tiene 23 años, su característica primordial es que está dedicado a los autores vivos españoles, eso significa que está presente cualquiera de cualquier tendencia estética, ideológica, de sistema de producción público o privado, o el gran teatro alternativo que está surgiendo en toda España, lo que se llama la Generación Emergente, que tiene una característica parecida a los del Cono Sur, pues son autores, directores, actores y productores, ese movimiento de la escritura desde el escenario. Y todo eso lo hago compatible con mi actividad fundamental, que es desde hace años ser el Secretario Técnico del Programa Iberescena. Estoy aquí en Montevideo pues hemos realizado el reparto de fondos, se han repartido cerca de un millón de euros entre proyectos de los trece países que forman parte del programa. Aprovechando que tenía esa cita organizada por el Ministerio de Cultura, el Centro Cultural de España y el Instituto de Artes Escéni-

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cas se han unido para organizar dos actividades. Una ha sido un taller con catorce integrantes, jóvenes en su mayoría y algunos que estuvieron conmigo cuando hice otro taller en El Galpón, que fue una experiencia muy grata. La segunda actividad tiene alguna conexión con la Muestra de Alicante y lo que estamos intentando hacer con los Centros Culturales de España es generar algunos ciclos de autores vivos españoles. Ahora mismo en Buenos Aires se está realizando uno, que yo he curado, con cuatro textos de la joven o más reciente dramaturgia española. Aquí elegimos un texto

emblemático que es “Dentro de la tierra” de Paco Becerra, que por desgracia no se ha representado nunca en España, aunque es Premio Nacional de Literatura Dramática y Premio Calderón. Es un texto muy complejo, se mezcla lo poslorquiano con la fragmentación de tiempo y espacio. Haremos una lectura dramatizada. Lo que intento es crear sinergias para trabajar sobre escrituras escénicas contemporáneas, en su nivel más amplio, que incluye también la danza, el circo. Somos una generación que tuvimos que hacer de todo: producir, gestionar, actuar, dirigir.

Esto hoy lleva a nuevas estrategias para conseguir financiación, pero el trabajo sigue siendo igual de duro. -Tú mencionaste un millón de euros, una cantidad significativa, pero hubo recortes. Aquí hubo un empuje con el gobierno de izquierda a la cultura pero ahora hay un freno. ¿Cómo se ha reflejado en las actividades a las que estás vinculado? -Qué me vas a contar que no sepa. La Muestra de Alicante, una ciudad de 350.000 habitantes, ha tenido el 40 por ciento menos de presupuesto que hace cinco años, es una cantidad importante. En Iberescena estamos teniendo lo que empezó por una crisis en Europa, entonces España tuvo que bajar los presupuestos; en cambio países como Argentina, Brasil y México subieron sus aportaciones. En 2016 España vuelve a subir, pero Brasil baja a la mitad y Argentina no sabemos. Uruguay, en el caso concreto de Iberescena, ha cumplido siempre de manera eficaz. En mi último informe utilizo el término que se utiliza en el modelo de gestión norteamericano, que es “morir de éxito”, ya que Iberescena es muy conocido y este año hemos tenido 700 proyectos presentados. Por eso en los encuentros de presidentes y jefes de Estado iberoamericanos es necesario señalar que basta de retóricas, ya me da vergüenza tener que insistir en cómo la cultura crea empleo, que crea mucho. Tiene un valor material además de su valor intrínseco. Además intento trasmitir que la gestión cultural se ha convertido en algo que tiene una función social muy importante, no solamente es una técnica, algo que necesitamos hacer entender a nuestros políticos es que constituye un motor de superación, de cambio y estabilidad. Aquellos países que tienen una fuerte inversión cultural lo demuestran, como los países del norte de Europa. Por ejemplo el Teatro público de Estocolmo, el Dramaten, hace 18 producciones al año. Creo que la izquierda tiene una óptica de comprensión de la cultura que la hace más cercana, aunque a veces -pues lo he visto en mi país y

en otros lugares- la izquierda hace un trabajo cultural excesivamente populista, obvio, de inmediatez y lo importante es crear programas sostenibles y con mayor compromiso. -La creación pasa por sostener esas prácticas culturales en el tiempo, pero ¿qué pasa con los nuevos públicos? Has podido testearlo en distintos ámbitos, ¿está fragmentado?, ¿hay atractivo para los jóvenes? -Es un tema fascinante y es un océano. Creo que en los tiempos en que estamos, en un mundo que aunque parezca global luego se transforma en muy local en la recepción, de algo tan artesanal, tan voluble, tan delicado como son las artes de prácticas escénicas, no podemos hacer una tabla unificadora. Viajo por muchos países y hay lugares donde no hay tejido teatral ni profesional, como en el Cono Sur. En Centroamérica no hay. Por ejemplo en Honduras, no entiendo cómo resisten dos salas independientes, porque Tegucigalpa es una de las ciudades más peligrosas del mundo y el teatro es una experiencia urbana que se concreta a determinada hora; esas salas están en el centro y da miedo a la gente que va, entonces es una labor de resistencia política y cultural. Pero a diferencia de esa realidad, en Buenos Aires puede haber en un fin de semana más de 500 espectáculos, de los cuales 300 son en salas, muchas periféricas y va público. Además se da el fenómeno de que directores como Daulte o Veronese dirigen en el off y han comenzado también en el circuito de Corrientes. El público puede ir a una sala independiente o a una comercial, eso en Madrid no existe, el público que va a las salas independientes no va a las otras. En México, en cambio, el problema son las salas, o son del Estado o son comerciales, no hay salas independientes. Creo que igual en nuestros países hemos cambiado poco, cuando hay un éxito corre el boca a boca, a veces un espectáculo de nivel no tiene la recepción esperada. Por lo tanto no soy optimista ni pesimista, creo que hay lugares en los que no hay crisis de público y lugares en los

que al público hay que crearlo, pues ni siquiera está en sus tradiciones. En Uruguay, por lo que he visto aquí y en festivales, hay un momento espléndido de la creación uruguaya. Me atrevería a decir que en Latinoamérica hay espectáculos que tienen una recepción que trasciende sus fronteras, hasta más que el cine. En Madrid pones una película uruguaya y no va nadie, pero una obra de teatro convoca público. La recepción siempre va a estar en función de la excelencia de un espectáculo. En nuestra profesión hay mucho chanta, gente que cree que lo que hace es renovador, hay que ser un poco más humildes. A veces, al hablar de la recepción, se mete en el mismo saco espectáculos muy rigurosos y otros comerciales. -Has dirigido el Instituto de Nuevas Tendencias Escénicas. En nuestro país se ha creado el Instituto Nacional de Artes Escénicas. En base a tu experiencia, ¿qué líneas de trabajo debería atender? -En realidad el centro de Nuevas Tendencias se creó para producir. Hicimos al cabo de los diez años que funcionó más de 30 producciones propias y más de 400 coproducciones, pero tenía un lado pedagógico también, tenía talleres, ediciones… Creo que el Instituto aquí ha tomado la buena idea de no hacer producciones, ese espacio maravilloso que tiene se enfoca en ser un lugar fundamentalmente para los creadores, donde pueden mostrar sus trabajos en proceso. También contempla algo que me parece imprescindible, que es la formación en dos grandes territorios, uno la creación y otro la gestión, es muy importante crear personas que no quieran ser actores, sino que quieran ser exclusivamente gestores. El Instituto debería ser, desde mi opinión, un lugar de residencias para los creadores, de cesión del espacio para mostrar los trabajos, de pedagogía trayendo creadores a dar talleres, de crear sinergias de coproducción entre distintos países y disciplinas. Por ejemplo, las coreógrafas uruguayas están haciendo una labor muy interesante de red en Latinoamérica.

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CINEMATECA

Fin de año / Año Nuevo en Cinemateca Uruguaya, estrenos y reposiciones Habrá tres estrenos internacionales este mes en Cinemateca Uruguaya. SHOWROOM, de Fernando Molnar (Argentina). El joven director Fernando Molnar debuta en la ficción con una tragicomedia sobre el mundo laboral, donde subsisten sus raíces de documentalista que ponen en el centro de la trama el sueño de la casa propia. La breve historia tiene mucho de parábola, donde el jefe de familia que interpreta Diego Peretti queda desocupado al cerrar la empresa de organización de eventos para la que trabaja y que, hasta ese momento, le ha permitido vivir sin mayores preocupaciones. La nueva situación lo lleva rápidamente al endeudamiento, sin poder costear el alquiler de su confortable departamento ni las cuotas del club privado donde su hija juega al tenis. Un pariente rico le tiende un salvavidas y le ofrece mudarse a una modesta casita en el delta del Tigre, y además le ofrece una nueva oportunidad laboral como vendedor en el showroom de un futuro complejo en el corazón de Palermo. La tragicomedia alterna entre la sonrisa y la angustia; el humor ácido descarga el peso del relato en la figura de su protagonista, un notable Peretti que responde con solvencia, aportando a la afilada crítica que la película realiza a las pretensiones de la clase media. EL CAPITAL HUMANO de Paolo Virzi (Italia). La víspera del día de Navidad un ciclista es atropellado de noche por un lujoso todoterreno. El desgraciado accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario Giovanni Bernaschi, un especulador financiero que ha creado un fondo que ofrece un 40 por ciento de interés anual, atrayendo y esquilmando a los crédulos inversores, y la de Dino Ossola, un ambicioso agente inmobiliario cuya empresa está al borde de la quiebra. La película, que confirma a Virzi como uno de los cineastas italianos más interesantes de hoy, hay despertado amplios juicios favorables. EL PEQUEÑO QUINQUIN, de Bruno Dumont (Francia). Presenta a jóvenes amigos de vacaciones en una granja familiar. El tono inicial es liviano y grato, pero algo sucede: el descubrimiento de un cadáver de vaca descuartizado y expuesto de manera espectacular en un búnker de la zona, unos restos mortales que se vuelven más inquietantes al revelar la autopsia trozos de cuerpos humanos en su interior.

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QUE TU ALEGRÍA PERDURE, de Denis Côté (Canadá). El director quebequense Denis Côté alterna filmes narrativos (Curling, Vic y Flo vieron un oso) con películas documentales de corte experimental. Que tu alegría perdure entra dentro de esa última categoría. A mitad de camino entre la ficción y el documental, y utilizando a sus colaboradores habituales (el editor Nicolas Roy y la directora de fotografía Jessica Lee Gagné), Côté nos sitúa en el interior de varias fábricas y sus diversas dinámicas de trabajo. Es una película casi muda, donde los diálogos mayormente provienen del ruido de la maquinaria. El director pasa de un obrero a otro, y de una máquina a la siguiente, a través de planos que se detienen en detalles, confundiéndose trabajadores con sus herramientas, creando una tensión muda entre ellos. Es así que el director planea qué tipo de diálogo absurdo y abstracto puede suceder entre humanos y su necesidad de trabajar. Entre las reposiciones están las películas uruguayas que se estrenaron en el año y que este año fueron más de ocho, pero ésa es la cifra que cubre (y el número de fechas disponibles) la selección de títulos nacionales recientes que va en el Pocitos . La selección incluye: Los enemigos del dolor, Retrato de un comportamiento animal, El hombre nuevo, Welkom, Niños de cine, El apóstata, Tus padres volverán y Murga, ópera popular. Como siempre, toda la programación pueden consultarla en www.cinemateca.org.uy o llamando al 24195795. Los esperamos.

LA LUPA

Uno de nosotros La edición argentina de la obra “Monsieur Jean” alcanza su tomo dos y le permite al público rioplatense disfrutar de una de las mejores historietas europeas recientes. Rodolfo Santullo

Se vive un muy buen presente en materia de historietas en la región. Luego de la debacle que significó en todo sentido la crisis económica -de 2001 en Argentina y 2002 en Uruguay-, los últimos años han servido para mostrar un resurgimiento no sólo artístico sino también editorial que produce muy buenas historietas aquí en el Cono Sur, pero también pequeños sellos editoriales que ya con algunos años a cuestas empiezan a permitirse la edición de obra internacional y la transforman en algo accesible para el lector local, privado de ella o que la conseguía a desorbitantes precios en sus ediciones europeas. Este fenómeno se ve particularmente en Argentina, ya que de la mano de editoriales como Loco Rabia, Exabrupto, Pictus y muchas más, libros de Estados Unidos o Europa comienzan a aparecer en librerías locales, siendo para muchos lectores verdaderos descubrimientos. Uno de estos emprendimientos pequeños pero en constante crecimiento es la Editorial Común de Argentina, capitaneada nada menos que por Liniers, el más popular de los humoristas gráficos del país vecino en este momento. La obra “Monsieur Jean” es absolutamente consagratoria para sus dos creadores, Dupuy y Berberian (quien visitara Montevideo como parte de una Montevideo Cómics no hace mucho). Ambos guionistas y dibujantes de la obra en cuestión -nunca se pudo separar dónde empezaba el trabajo de uno o terminaba el trabajo del otro- comenzaron su colaboración a mediados de la década de los 80s y la mantuvieron

hasta hace relativamente poco, generando más de veinticinco libros en total. De toda su obra, es “Monsieur Jean” la más reconocida, querida y exitosa. Jean es un artista, un escritor autor de una única novela de moderado éxito, quien vive en París. No tiene, aparentemente, más ingresos que las regalías de ese libro, adelantos de uno próximo y pequeñas entradas por artículos o traducciones que le van apareciendo. Para su comunidad -el edificio donde vive, puntualmente- es un misterio, ya que no tiene horarios, no parece trabajar, rota la compañía femenina regularmente y es de hábitos más bien nocturnos. Su día a día -y el de un par de amigos bastante excéntricos- es lo que da cuerpo a esta obra, cargada de experiencias autobiográficas de sus autores y absolutamente inserta en el costumbrismo.

El mayor logro de “Monseiur Jean” es, mediante pequeñas historias en ocasiones autoconclusivas, el de ir creando un personaje común y corriente, con sus afanes, deseos, miserias y alegrías. Se presenta como un treintañero que se niega a aceptar en su totalidad la vida adulta, evita a veces responsabilidades o de repente las asume cuando no le corresponden (como ocurre en el tomo que aquí nos ocupa y su relación con un niño). “Fue una idea que surgió con Dupuy, una voluntad de hablar del estilo de vida que teníamos y de una generación de la que somos parte; era hablar de ese miedo del joven hombre que tiene que proyectarse para formar una familia y comprometerse. Una fase de la vida que es un poco difícil”, narró el propio Berberian en su pasaje reciente por el Río de la Plata. Con muchísimo humor -sus autores se describen como deudores del estilo de Woody Allen, Nani Moretti y mucho del humor francés- las aventuras (por llamarlas de alguna manera) de Monseiur Jean se transformaron a lo largo de sus siete tomos (este en cuestión es el segundo) en parte de lo mejor de la historieta europea o universal reciente. Un verdero imperdible que ojalá Editorial Común continúe publicando para nuestra región.

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Actores

Moré María Varela

-¿Qué fue lo que captó tu interés por el teatro? -En su momento fue la búsqueda de qué hacer con mi vida. Mi amigo Rafael Hernández me dijo que estudiara teatro y no lo dudé. Un poco por hacerle caso y otro porque iba al teatro habitualmente y me gustaba mucho. Después fui descubriendo la vocación, empecé a dejar caer estructuras y logré meterme de a poco en el universo de la actuación. Hoy día no concibo otra forma de existir. Ahora lo que me capta o motiva es el deseo de comunicarme. -Sos actor de teatro, cine y televisión. ¿En qué medio te sentís más cómodo? -Me siento mucho más cómodo en el cine. Es como con la televisión, donde considero que el trabajo no es de los actores y eso me quita mucha presión, lo hago con una responsabilidad que no es tan agobiante porque el trabajo en el cine es de los directores, en la televisión es de los anunciantes, y en el teatro el trabajo sí es de los actores. Nunca entiendo qué es lo que pasa con el trabajo que hago en cine y televisión, porque desaparece y vuelve tiempo después y ya no me siento parte de eso. En el teatro el trabajo siempre es del actor. Paradójicamente trabajo mucho más en teatro que en cine y televisión, y creo que el conocer y poder trabajar en cine y televisión fue lo que me hizo crecer mucho en cuanto al trabajo teatral. -Además de actor sos docente teatral, como integrante y directivo del Teatro Circular de Montevideo estás muy cerca de los alumnos de la escuela de la institución, ¿qué aportes esperás de esa nueva generación? -Espero que su energía nos renueve en nuestras concepciones, en

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-¿Qué es lo que más disfrutás de tu trabajo? -Ensayar. Es la parte más divertida y sufrida al mismo tiempo. Me divierte la búsqueda, los errores y los encuentros fortuitos. Y hay un disfrute enorme cuando empieza a aparecer la luz luego de esos momentos en los que siempre me pregunto si estaré capacitado para poder trabajar en esto del teatro y la actuación.

nuestros anhelos y en nuestra forma de expresarnos. Es como con los hijos que llegan para sacarnos los preconceptos y hacernos perder nuestras comodidades adquiridas. Tienen la responsabilidad histórica de perpetuar un legado artístico muy rico. -¿Cómo se prepara un actor? -Para un trabajo en concreto, por un personaje, estudiando mucho todo lo que no está en la letra escrita y tratando de descifrar lo que esconde el texto en sí. El cuidado físico es fundamental y está el tema de la concentración y saber que uno es un actor siempre y está inmerso en un mundo que no siempre entiende nuestra profesión. Yo me cuido muchísimo la voz, por eso abandoné las salidas a bares y lugares nocturnos, más allá de que la edad ya me pide resguardarme no frecuento lugares con mucha gente por el desgaste que me genera en la voz, así como ya no grito más los goles en el futbol. El cuerpo es el templo del actor y del cuidado que uno le dé depende gran parte del resultado.

-¿Tenés diagramada toda tu actividad para el próximo año? -Solamente que estreno un unipersonal el 15 de enero en el Undermovie, que sigo en Radiocero en El Balcón, y que en junio nace mi tercer hijo. Lo demás está todo colgado con alfileres, proyectos para dar clases, trabajar en televisión y las miles de historias que tenemos ganas que se den y de las que luego se confirman el 3 o 4%

Graciela Escuder -¿Cómo fue tu formación artística? -Entré en la Escuela de Movimiento Escénico de El Galpón en 1972, en esa época considerada como un lugar de formación excelente y renovador. En el mismo año salvé el examen de ingreso en la Emad (Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático, Margarita Xirgú), y opté por quedarme aquí, para los jóvenes de esas épocas este teatro causaba gran impresión por las obras que hacía y por la actitud militante contra el pachecato. Al mismo tiempo estudiaba en el IPA (Instituto de Profesores “Artigas”), ya daba clase en secundaria, lo que complementaba mis proyectos de vida. Cuando cerraron el teatro en 1976 fue un golpe duro , pero al otro año fui a vivir a Buenos Aires donde continué estudiando en seminarios de Alejandra Boero y Agustín Alezzo, y también dirigí algunas obras para niños.… -Sos integrante de la Institución Teatral El Galpón desde 1976. ¿Fuiste partícipe de la generación de la resistencia de esa época? -Sí, claro, por ejemplo en la huelga general de 1973: los que quedamos al frente del teatro fuimos los estudiantes, puesto que el elenco salía a actuar a las fábricas ocupadas. Cuando 1976 la dictadura clausura el teatro, el día anterior nos integraron a Dante Alfonso, Osvaldo Costa , Rocío Centurión y a mí a un consejo de emergencia conformado por Mario Gallup, Nené Rodríguez Correa, Andrés Castillo y Juver Salcedo. Vale la pena recordar los nombres de estos compañeros, los demás estaban presos o perseguidos y o refugiados en la embajada de México. Gallup, que era el director de la Escuela de teatro, nos dijo: ustedes son el futuro, son los responsables de ahora en adelante. Fue una ironía trágica, al otro día el teatro estaba rodeado de tanques… y nos quedamos sin teatro por unos años. Los jóvenes de la escuela de a poco se fueron integrando en diferentes

lugares, o creando nuevos grupos, algunos continuaron estudiando en el Teatro Circular y otros se integraron al gran movimiento de teatro barrial, que creo no ha sido reconocido lo suficiente como un baluarte de la resistencia. -Actriz, directora, docente teatral y militante activa del movimiento sindical, y también profesora de Literatura, ¿cómo conjugás todas esas actividades? -No sé cómo las conjugué…(risas) dormía 4 horas, mis padres me apoyaron mucho porque además quedé viuda con dos hijos muy pequeños estando destituida como profesora; cuando en el 85 me reintegraron debía trabajar mucho para mantenerlos, y de alguna manera compartieron el teatro El Galpón conmigo, vieron espectáculos, entraron a los ensayos, como todos los hijos de los teatristas, y en su caso, los condujo hacia la vocación teatral. Actualmente estoy jubilada de la enseñanza lo que me permite otro tiempo para la creación. Supongo que de los largos años en que fui docente de teatro surgió mi interés por la dirección teatral y una experiencia en el manejo de la actuación, que es lo que más me interesa trabajar. -¿Qué opinás de las nuevas generaciones de dramaturgos uruguayos?

-Hay un grupo muy importante que está renovando la dramaturgia en muchos aspectos, incluso la concepción dramática eliminando los límites entre el autor y el director, o concibiendo al director o equipo de dirección como un nuevo dramaturgo, o tomando de los clásicos algunos elementos y mezclándolos. El problema surge cuando se los juzga con parámetros tradicionales donde no encajan, considero que siendo emergentes hay que entenderlos como tales; se manejan con gran libertad temática y de puesta en escena, lo que es positivo, pero corren en carriles diferentes a lo que se llama el espacio dominante. Este antagonismo siempre existió y enriquece al sistema teatral, si no hay que recordar el escándalo que suscitó la versión de “Fuenteovejuna” de Larreta y Vilas en 1969, a los jóvenes del momento nos enloqueció por su renovación artística. -¿Tenés proyectos laborales para 2016? -Sí, voy a dirigir otra obra rusa de un joven autor, Andrei Ivanov, “Todo por culpa de ella”, con la traducción de Alberto Guarnieri, en donde se plantean los desencuentros entre padres e hijos adolescentes, aquí entre una madre y su hijo, terriblemente atractiva y terrible por la implicancia de la tecnología en la vida actual.

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BANDA ORIENTAL Ediciones de la Banda Oriental y + Cerca

Divulgamos arte y ciencia, buscamos compartir la lectura Lo que comenzó con un libro de arqueología para niños se convirtió a lo largo de 2015 en un proyecto editorial que nos llevó a convocar a investigadores uruguayos para publicar cuatro títulos diferentes de ciencias y letras, en los que armonizan información, textos, ilustraciones y fotografías. El primero de esta serie fue Más cerca del cielo. Misterios de la arqueología uruguaya para niños curiosos a cargo de la arqueóloga Moira Sotelo. Este primer libro financiado por la ANII resultó ser una experiencia exitosa de divulgación de ciencia y a partir de allí vinieron tres títulos más. En mayo de 2015 se presentó en la Feria del Libro Infantil y Juvenil Gigantes bajo tierra. Animales misteriosos de nuestro pasado de Andrés Rinderknecht que da cuenta, entre otras cosas, de la investigación acerca del roedor gigante más grande del mundo cuyo cráneo se encuentra en el Museo Nacional de Historia Natural. Luego, en octubre de 2015 en la Feria Internacional del Libro se presentó En la orilla. Secretos nunca contados de animales de nuestra costa a cargo de la bióloga Anita Aisenberg que habla de animales carismáticos de la costa, como la araña playera, el sapito de Darwin o la tortuga verde entre otros, todos ellos en peligro de extinción. Por último, la colección se completó con un libro de enfoque diferente, innovador, que apunta a incentivar la lectura y escritura, titulado No hablemos de piratas. Una aventura para leer y escribir de Silvana Tanzi y Silvia Soler. Descubrir el mundo a través de la lectura Esta colección de divulgación de conocimiento para niños se nutre de investigaciones científicas realizadas en Uruguay, que luego se vuelcan a cada libro de una forma amena y atractiva con ilustradores y fotógrafos profesionales. En cada título se busca un referente científico nacional y luego se crea un relato con la inserción de personajes de ficción. Los libros utilizan distintos recursos para lograr la amenidad, tales como un relato simple guiado por personajes de ficción, ilustraciones, fotografías, fotomontajes, textos breves, glosario y ubicación geográfica cuando se considera necesario.

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“Nunca se hará comprender a un muchacho que se encuentra, por la noche, en mitad de una historia cautivadora: nunca se le hará comprender (…) que debe interrumpir su lectura e ir a acostarse.”

Kafka

Banda Oriental te acompaña en verano con la literatura que más te gusta

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CINE

BALANCE DE UNA TEMPORADA El balance anual de la temporada cinematográfica a cargo de los críticos -esos amargados- suele ser un largo lamento. Este año no fue distinto a otros, pero también hubo (como siempre) cosas valiosas a destacar.

Guillermo Zapiola

Termina 2015 y, mirando hacia atrás, el panorama cinematográfico fue más o menos el mismo de siempre: un montón de robots peleándose entre sí, comedias idiotas a cargo de Adam Sandler, y gente que se muda a casas pobladas de espectros y fenómenos paranormales. Hubo también un puñado de películas valiosas, la mitad de las cuales, por lo menos (y esto no pretende ser autopropaganda a cargo del firmante) se dieron en la Cinemateca como estreno o reposición. También siguió existiendo el cine uruguayo, lo cual es una buena noticia, a pesar de las alarmas que despiertan los anunciados recortes en fondos de apoyo: los cineastas van a tener que aprender lo que el gobierno ya sabe y otros gremios ya están descubriendo, que se terminó el período de las vacas gordas y que habrá que empezar a apretarse el cinturón. Pero vayamos al cine. Una buena guía (aunque parcial) puede ser el listado de nominaciones para los premios de la Asociación de Críticos. Allí están, película más o menos y en un riguroso orden alfabético, unos cuantos de los mejores estrenos del año: Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) de Alejandro González Iñárritu, Dos días, una noche de Luc y Jean-Pierre Dardenne, El capital humano de Paolo Virzi, Force Majeure: la traición del instinto de Ruben Östlund, Ida de Pawel Pawlikowski, Intensa-Mente de Pete Docter, Leviatán de Andrey Zvyagintsev, Mad Max: furia en el camino de George Miller, Sueño de

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Leviatán

invierno de Nuri Bilge Ceylan y Whiplash: música y obsesión de Damien Chazelle entre las películas internacionales; El apóstata de Federico Veiroj, El 5 de Talleres de Adrián Biniez y Una noche sin luna de Germán Tejeira entre las ficciones uruguayas (la mejor película uruguaya del año fue empero un documental, El hombre nuevo de Aldo Garay). A esa lista (a cualquier lista) se le pueden hacer sumas y restas, y para gusto del autor de estas líneas pudo no estar en ella Whiplash y en cambio hubiera preferido incluir Francotirador de Clint Eastwood, pero muchos lo considerarían una ofensa a la corrección política. La lista es interesante, de todos modos, como “estado de situación”. Pese a la abrumadora mayoría de estrenos norteamericanos, hay en ella solo dos películas de la gran industria (Mad Max e Intensa-Mente, esta última una espléndida animación), y dos “semiindependientes” (Birdman, Whi-

plash), valga la expresión lo que valga. Lo más interesante vino de otros lados: los belgas Dardenne, el italiano Virzi, el escandinavo Östlund, el polaco Pawlikowski, el ruso Zvyagintsev, el turco Ceylan. Y la lista podría ampliarse, sin necesidad de incluir Adiós al lenguaje de Jean-Luc Godard, que deslumbró a algunos pero es realmente la despedida de un talento oxidado. La crítica eligió en definitiva a Dos días, una noche como el mejor filme del año. Si no lo fue realmente, al menos fue uno de los cuatro de una selección que igualmente pudieron encabezar Leviatán, Sueños de invierno o Ida. Lo demás, que contiene cosas estimables, está por debajo, incluyendo valiosos ejemplos latinoamericanos de los cuales el mejor fue seguramente El clan de Pablo Trapero. Retengamos para el futuro, pues, un selecto grupo de títulos para llevarse a la isla desierta. La preocupación social es uno de los ejes de Dos días y una noche, donde el

tránsito de la protagonista Marion Cotillard sirve para retratar un abanico de reacciones diversas, ante la crisis económica y las necesidades de reducción de personal de una empresa, desde la solidaridad al egoísmo, desde la vergüenza a la prepotencia extrema. En Leviatán los temas son varios (el abuso de poder, la corrupción política, el padecimiento de los inocentes) y la forma incluye un esmero en la composición visual, el adecuado aprovechamiento de su desolado paisaje, un inteligente contrapunto entre la imagen y el sonido (que incluye desde ruidos naturales hasta la música de Philip Glass) y un sólido elenco. La historia de una novicia que antes de pronunciar los últimos votos que la convertirán en monja es enviada a conocer a su único familiar vivo, una tía que se ha desempeñado como implacable jueza en la Polonia comunista, sirve en Ida para que el director Pawlikowski narre, en un estilo austero y sobrio, casi bressoniano (cámara quieta, espléndido blanco y negro, una deliberada parquedad en su explicación de las conductas de los personajes) una

El 5 de Talleres

historia que es sobre todo un examen de caracteres y una reflexión acerca de opciones morales en situaciones límite para las que no hay respuestas fáciles. El filme crece sutilmente en su dramatismo aprovechando, sobre todo, la adecuación de sus dos notables intérpretes. El cuarto gran estreno del año (el orden no es estricto) fue Sueños de invierno, un drama intimista, hermoso visualmente, en el que el gran Nuri Bilge Ceylan renuncia a

las concesiones y enfoca las miserias humanas en su versión más íntima, al tiempo que despliega una radiografía de las brechas existentes entre los estratos de la sociedad rural turca, con referencias a Chéjov, Tolstoi y Dostoievski. Toda selección es una manera de la injusticia, y en esta nota debe haber seguramente unas cuantas. Se piden disculpas por anticipado.

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AYUÍ / TACUABÉ

1971 - 2015 Cuatro décadas en la música uruguaya

NOVEDADES AYUÍ/TACUABÉ para regalar Fernando Cabrera: CABRERA canta MATEO Y DARNAUCHANS. Edición en CD del espectáculo que Fernando Cabrera realizara en el Teatro El Galpón. Artista invitado: Edu Pitufo Lombardo. Gastón Rodríguez Aroztegui: Esa costumbre de insistir. Incluye la canción cuyo video clip fue premiado por voto popular en el prestigioso Festival Cl’hips de Barcelona. Varios: Alma de murga. Antología memorable de murgas, grupos y solistas que colocaron a la canción murguera como género imprescindible de la cultura uruguaya.

Varios: Montevideo en canciones. Dos CDs que reúne a treinta artistas interpretando cuarenta y dos temas dedicados a la ciudad de Montevideo. Otras novedades Ayuí: Luis Pasquet: Doce tangos en piano solo; Benavides / Benedetti / Espínola / Galeano / Maia / Quiroga / Rosencof / Vilariño (Libro+CD): La voz y la palabra; Daniel Drexler: Tres Tiempos. (Distribución-DVD-Libro); Ricardo Torres: Tiempos (Distribución). Busque material de Ayuí/Tacuabé en las diferentes plataformas de streaming: Spotify, Deezer y Rdio.

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