TEMA 4. EL CLASICISMO GEOMÉTRICO BLANCA ESTHER ZUZA ABRIL [email protected] Durante los años en que tuvo lugar la II guerra mundial , el arte de vanguardia en EE.UU alcanzó su propia identidad. Los factores que contribuyeron fueron de índole muy diversa, pero el esencial fue el deseo de los jóvenes artistas americanos de desvincularse de las influencias de Europa, también fue de gran importancia la inmigración de muchos artistas europeos a EE.UU Bajo el término expresionismo abstracto es habitual referirse a la nueva pintura que se hace en Estados Unidos en los años cuarenta, tomando los límites con amplitud (1942-1952), aproximadamente, en torno a la ciudad de Nueva York, Esta tendencia redebilita entre 1953-1956 con la muerte de Pollock y el nacimiento del Pop-qart Artistas como Jackson Pollock, Wilem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Josef Albers entre otros, marcan los distintos caminos. Desde una tendencia fundamentalmente gestual y apasionada, basada en el gesto de pintar, como es el caso de De Kooning o Pollock, hasta otra más tranquila, resuelta en capas superpuestas de pinturas que crean muros de colores -Rothko-, o la geométrica, fría y plana de Newman que abre camino a la abstracción pospictórica o geométrica (1960-1965) posterior. En Estados Unidos en los años sesenta en pleno auge del pop-art aparece una corriente totalmente abstracta cuyos antecedentes se remontan a las formas abstractas más radicales, las geométricas Los cuadros que se ejecutan, suponen un cambio respecto al pictoricismo y al calor del expresionismo abstracto. Sin embargo, las raíces de esta abstracción fría (característica principal de esta tendencia), como las del expresionismo abstracto, vienen de Europa y de la otra vertiente del arte de las primeras vanguardias. Los postpictóricos heredan los principios racionalistas y fríos de la Bauhaus -una escuela de diseño y arquitectura-, sus investigaciones se concretan sobre los elementos básicos del lenguaje abstracto: la línea, la forma y el color. Según Clemente Greenberg, teórico formalista la abstractación pospictorica se ciñe a la bidimensionlidad de la tela y sus límites con preferencia por los formatos de grandes dimensiones El transmisor fue Joseph Albers, que se trasladó a América en 1933, entre sus cuadros destaca una serie basada en la representación de cuadrados llamada (Homenaje al Cuadrado) que inicio en 1950, es la representación de cuadrados superpuestos con la proporción bien calculada y los colores varían en sus matices. Los resultados de sus investigaciones sobre el color fueron publicados en su libro “ Interaction of color” 1963 sus ideas y técnicas influyeron en el Pop Art. Mantuvo un modelo de abstracción diferente, basada en un racionalismo matemático, no busca la tercera dimensión, como la pintura tradicional, sino el espacio plástico sólido y concreto en dos dimensiones. Como ha escrito Argan "La concepción de Albers del espacio como integridad plástica del plano (profundidad-resalte) tuvo una importancia determinante tanto para la concepción del espacio en expansión de Rothko, como para la llamada corriente del hard-edge".Se trata de una pintura en la que la reflexión y el pensamiento priman sobre la acción y la emoción, la medida sobre la desmesura. Barnett Newman (29 enero 1905 a 4 julio 1970) artista estadounidense. Él es visto como una de las figuras más importantes en el expresionismo abstracto y uno de los más destacados de los colores de campo pintores. Newman escribió prólogos de catálogo antes de convertirse en miembro delGrupo de Uptown y tener su primera exposición individual en la Betty Parsons Gallery en 1948. Newman comentó en una reunión de los Artistas en el Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, en cierta medida, a nuestra imagen A lo largo de la década de 1940 trabajó en una surrealista vena antes de desarrollar su estilo maduro. Este se caracteriza por áreas de color separadas por líneas verticales delgadas, o "cremalleras" como Newman llamaba En los primeros trabajos que ofrecen las cremalleras, los campos de color son abigarradas, pero más tarde los colores son puros y planos. Newman se cree que llegó a su estilo en plena madurez con el Onement serie (desde 1948). Las cremalleras definen la estructura espacial de la pintura, y al mismo tiempo dividir y unir la composición.

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¿Quién teme a rojo, amarillo y azul? de 1966. Típico de trabajo después de Newman, con el uso de colores puros y vibrantes. La cremallera se mantuvo una constante en la obra de Newman a lo largo de su vida. Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstracta, y muchos de ellos fueron originalmente sin título, los nombres que más tarde les dieron alusión a temas específicos se abordan, a menudo con un tema judío. Dos pinturas de los años 1950, por ejemplo, se llaman Adán yEva (ver Adán y Eva ), y también hay Uriel (1954) y Abraham (1949), una pintura muy oscura, que además de ser el nombre de una patriarca bíblico, era también el nombre del padre de Newman, que había muerto en 1947. Las Estaciones de la Cruz serie de cuadros blancos y negros (1958-1966), que comenzó poco después de que Newman se había recuperado de un ataque al corazón , es generalmente considerado como el pico de su rendimiento. La serie se subtitula "Lema sabactani" - "¿por qué me has abandonado?" - Las últimas palabras pronunciadas por Jesús en la cruz, según el Nuevo Testamento . Newman vio estas palabras que tienen un significado universal en su propio tiempo. La serie también ha sido visto como un monumento a las víctimas [5] del holocausto . Últimas obras de Newman, como el ¿Quién teme a rojo, amarillo y azul de la serie, utilizar colores vibrantes, puros, a menudo en lienzos de gran tamaño - Luz de Anna (1968), llamado así en memoria de su madre, que había muerto en 1965, es el más grande de su trabajo, 28 pies de ancho por 9 pies de alto (8,5 por 2,7 metros). Newman también trabajó en lienzos con forma de tarde en la vida, con Chartres (1969), por ejemplo, ser triangular, y regresó a la escultura, por lo que un pequeño número de piezas lisas en acero . Estas pinturas posteriores se ejecutan en la pintura de acrílico en lugar de la pintura al óleo de las piezas anteriores. De sus esculturas, Obelisco Roto (1963) es la más monumental y más conocida, que representa un obelisco invertido cuyo punto de equilibrio sobre el vértice de una pirámide.

Obelisco roto en la Universidad de Washington 's Plaza Roja Newman también hizo una serie de litografías , los 18 Cantos (1963-64) que, según Newman, están destinados a ser evocador de la música. También hizo un pequeño número de grabados .

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Newman se clasifica generalmente como un expresionista abstracto por causa de su trabajo en la ciudad de Nueva York en la década de 1950, la asociación con otros artistas del grupo y desarrollar un estilo abstracto que debe poco o nada al arte europeo. Sin embargo, su rechazo de la pincelada expresiva empleada por otros expresionistas abstractos como Clyfford Still y Mark Rothko , y su uso de bordes duros áreas de color mate, puede ser visto como un precursor de la abstracción pictórica publicar y los minimalistas obras de artistas de la talla como Frank Stella . Newman fue apreciado como un artista de gran parte de su vida, se pasa por alto en favor de los más pintorescos personajes como Jackson Pollock . El influyente crítico Clement Greenberg escribió con entusiasmo sobre él, pero no fue hasta el final de su vida que empezó a tomarse muy en serio. Fue, sin embargo, una importante influencia en muchos pintores más jóvenes. Kenneth Noland (abril 10, 1924 -2010) americano, abstracto pintor . Fue uno de los más conocidos de Américapintores campo de color , aunque en la década de 1950 fue considerado como un expresionista abstracto y en la década de 1960 , como un minimalista pintor. Noland ayudó a establecer la Escuela Washington color de movimiento En 1948 y 1949 Noland trabajado con Ossip Zadkine en París, A principios de 1950 conoció a Morris Louis , La mayoría de las pinturas de Noland se dividen en cuatro grupos: círculos, u objetivos galones , rayas, y en forma de lienzos . Su preocupación por la relación de la imagen que contiene el borde de la imagen le llevó a una serie de estudios de anillos concéntricos, o buey ojos,( Objetivos ) como el que reproducimos aquí llamado principio de 1958, utilizando combinaciones improbables de color.

encontró su camino hacia las formas geométricas que sirven como recipientes para lavados vibrantes de manchas de color en el lienzo. En las series sucesivas de pintura, introdujo cambios sutiles en las formas geométricas que evolucionaron a partir de los círculos, rayas, galones y diamantes y de regreso al círculo al final de su carrera. En las grandes telas de Noland 81924) se aprecia una tendencia a marcadas zonas correspondientes al centro en las que convergen las distintas franjas de colores vivos que establecen una acusado efecto de contraste con respecto al fondo claro. [

EL OP ART O ARTE CINETICO OPTICAL ART también conocido como arte óptico , es un estilo de la visual del arte que hace uso de ilusiones ópticas . .( Ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la vista, que nos lleva a percibir la realidad erróneamente "El arte óptico es un método de pintura sobre la interacción entre la ilusión y plano del cuadro, entre entender y ver. obras de arte Op son abstractos, con muchas de las piezas más conocidas realizadas en sólo en blanco y negro . Cuando el espectador mira, se da la impresión de movimiento, las imágenes ocultas, tapajuntas y vibraciones, patrones, o, alternativamente, de inflamación o deformación. En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: • líneas paralelas rectas o sinuosas, • contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, • cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras • también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.

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No comunican con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. Podemos hacer una clasificación de las obras cinéticas 1. Obras de carácter Bidimensional o tridimensional con movimiento real, dotadas de motores que permiten que toda la obra o determinadas piezas se muevan. 2. Obras bidimensionales o tridimensionales estáticas, pero que poseen efectos de carácter óptico. 3. Obras bidimensionales o tridimensionales transformables VÍCTOR VASARELY (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.

Obra de Vasarely expuesta en Hungría.

Vasarely Comenzó a estudiar medicina pero lo dejo, Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art.

En su larga trayectoria pueden distinguirse periodos bien definidos: • Entre 1929-1939 realizo dibujos destinados a la publicidad recurriendo al empleo de efectos ópticos • Periodo desde 1948 llamado periodo de cristal, de este periodo es su Homenaje a Malevich empleando solo colores ( blanco-negro-gris) neutros viéndose cuadrados en perspectiva, en forma de rombos . Durante largo tiempo trabajara solo en blanco y negro realizando distintos tipos de obras ( Fotografimos, obras cinéticas, unidades plásticas blancas y negras) . • 1959 en su obras toma protagonismo el color (periodo de folclore planetario) • 1964 Vasarely intenta escapar de la recitula habitual que configuran sus obras introduciendo la figura geométrica del hexágono, amplia la gama cromática, recurre al juego de las perspectivas opuestas para lograr la sensación de máximo dinamismo Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). BRIDGET RILEY (1931) artista británico conocido por sus pinturas distintivas, óptimamente vibrantes, llamadas "Op Art". Fue durante este tiempo que Riley comenzó a pintar la obra en blanco y negro por la que es bien conocida. Presentan una gran variedad de formas geométricas que producen sensaciones de movimiento o color. A principios de 1960, sus obras se decía que inducen sensaciones en los espectadores tan variados como el mareo y el paracaidismo . De 1961 a 1964 trabajó con el contraste de blanco y negro, de vez en cuando la introducción de escalas tonales de gris. Explora los fenómenos ópticos y de color yuxtapone ya sea mediante el uso de una técnica cromática de tonalidades o por selección de colores acromáticos (negro, blanco o gris), analizar combinaciones de colores. Riley pasó dos años copiando la pintura de Seurat, Puente de Courbevoie , para aprender acerca de su técnica pictórica y su uso de colores complementarios Poco después, en 1966, Riley comienza a usar el color para lograr nuevos efectos ópticos. Mediante la yuxtaposición de líneas de colores puros complementarios que pueden afectar a la percepción de brillo de los colores individuales, trabaja meticulosamente y cuidadosamente mezclando sus colores para conseguir el color exacto y la intensidad que desea. .

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Riley está interesado en los efectos visuales, comentando: El ojo puede viajar sobre la superficie de un modo paralelo a la forma en que se mueve sobre la naturaleza. Debe sentirse acariciado y calmado, las fricciones experiencia y rupturas, deslizamiento y deriva. Un momento, no habrá nada a la vista y al segundo siguiente el lienzo parece recarga, que se llena con eventos visuales. sigue trabajando en negro, blanco y gris, En gran mural de Riley, Composición con Círculos (1998), los discos de construir un espacio dinámico y volátil de la superposición de círculos transparentes. Al tiempo que subraya la importancia de la "claridad del color, el orden de la mente ... no pincelada gratuita," Riley también reconoce la relación entre la música y la pintura, al igual que artistas como Kandinsky. Cartera Dominación, Azul , Bridget Riley, 1977 LA ESCUELA LATINOAMERICANA JESÚS RAFAEL SOTO. ]

El arte cinético es arte que contiene partes móviles o en movimiento depende de su efecto. Las partes móviles son generalmente impulsado por el viento, un motor o el observador. El arte cinético abarca una amplia variedad de superposición de técnicas y estilos. Jesús Rafael Soto (5 junio 1923 a 14 enero 2005) fue artista op y cinética, escultor y pintor.

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Comenzó su carrera artística siendo un niño pintando carteles de cine en su ciudad natal. Él recibió su formación artística en Caracas. Dirigió la Escuela de Artes Plásticas de Maracaibo desde 1947 hasta 1950, cuando se fue a París y comenzó a asociarse con Yaacov Agam , Jean Tinguely , Vasarely Victor y otros artistas relacionados con el Salon des Nouvelles Realités y la Galerie Denise René

En 1953 inspirado en sus conocimientos musicales inicia una pintura de carácter serial, basada en el empleo de los tres colores primarios, sus complementarios y el blanco y negro. A través de la permutación con las series de puntos de colores pintados sobre la superficie, desarrollo un arte que poseía características cinéticas, La repetición de los elementos provoca una fatiga en la retina que da lugar a un desplazamiento, de carácter ilusorio , en el campo visual. A partir de 1958 realizó obras colgantes en las que empleo varillas muy finas, metálicas o de materiales plásticos que se mueven con el aire Resumiendo Soto ha creado, esculturas interactivas que constan de matrices cuadradas de tubos delgados y colgantes a través de la cual los observadores pueden caminar. Se ha dicho que en el arte de Soto que es inseparable del observador, sino que sólo puede ser terminado en la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación de la pieza.

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CARLOS CRUZ DIAZ Nació 1923 en Caracas Venezuela, estudió en la Escuela de Artes Aplicadas plicas Y en Caracas entre 194045. Visitó París y Barcelona en 1955-56, donde fue expuesto a los movimientos artísticos tales como la Bauhaus y artistas abstractos geométricos cuyas ideas combinan arte y la industria. Cruz-D es una empresa pionera en el color y la percepción, su trabajo presenta formas abstractas geométricas utilizando un efecto muaré con un fuerte énfasis en el color para crear una experiencia Cruz-Diez se asocia a menudo con dos artistas cinéticos venezolanos, Jesús Soto y Alejandro Otero .Los tres artistas comparten similitudes estéticas en la estructura y la forma, y se considera que han asegurado la posición de Venezuela en el mundo del arte internacional. A pesar de Cruz-Diez llegó a París diez años después de Soto, sus conexiones nacionales y artísticas son evidentes.

Cruz-Diez ha trabajado de forma consistente en el color, la línea y la percepción del (espectador. Su trabajo contiene un elemento en el que el espectador participa activamente en la visualización de la obra, por los cambios de color y presenta una sensación de movimiento con la posición relativa de los cambios del espectador. Cruz-Diez utiliza el efecto moiré para producir esta sensación de movimiento por su particular composición de ] líneas. Debido a que la imagen de su trabajo cambia a medida que cambia espectador lugares, se refiere a este efecto cambiante de la imagen como "vibraciones". En 1959, Cruz-Diez comenzó a trabajar en la radiación de color, esencialmente de color claro - que es una forma de longitudes de onda, y abandonó la pintura como un medio. . Puesto que la percepción de los cambios pieza con el movimiento espectador, las imágenes individuales presentadas se consideraron eventos A lo largo de su carrera Cruz-Diez se ha centrado en cuatro tipos de autodefinidos Categorías de las OP:. •

Physichoromies

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Choromointerferences,

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Chromosaturations

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Transchromies

Toda la base de su experimento del color se centra en las variaciones de la posición del observador en relación con la pieza, la luz dirigida hacia la pieza, y la relación entre los colores presentados. EUSEBIO SEMPERE ( Onil , España, 3 abril 1923 a 10 abril 1985) estudio en la academia de bellas artes de San Fernando , viajó a Paris con una beca donde entre otras descubrió la obra de Kandinsky, escultor , pintor y artista gráfico cuya obra abstracta geométrica lo convierten en el artista más representativo del arte cinético movimiento en España Uno de los aspectos más interesantes de su pintura, es sin duda el color, Sempere no utilizo en muchas ocasiones colores primarios, ni secundarios, sino tonalidades de gran sutileza que muchas de las veces son colores pastel y gracias a su colocación provocan gran dinamismo .Su uso de la repetición de la línea y el dominio del color para manipular la forma en la luz juega en la superficie de dar profundidad a sus composiciones pictóricas. Obra de Sempere está definida por la abstracción de sus elementos, la repetición geométrica y la linealidad, todos los cuales evolucionaron en su síntesis de Op Art y el constructivismo con elementos del arte cinético.

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Su contribución personal al desarrollo del arte cinético es su serie de construcciones geométricas abstractas que muestran los efectos de percepción de la vibración óptica y la ilusión de movimiento. La luz también desempeña un papel importante en su obra artística. Tal vez influenciado por levantinos fuentes

Móvil . 1972, Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid . Sempere lo utiliza como elemento principal para organizar sus creaciones en armonía. Sus pinturas son consideradas como superficies de dos dimensiones donde la artista juega con elementos visuales: la luz, los colores y tonos, utilizando efectos de percepción y óptica para crear formas sugerentes en la repetición de formas geométricas. Sempere trabajado en diferentes medios de comunicación, a partir de dibujos, gouaches, óleos, serigrafías y esculturas a de hierro y acero inoxidable. Dos de sus obras pueden verse en el Museo de Escultura al aire libre en Madrid, para el que creó los rieles, ahora pintadas de azul, lo que sugiere un curioso efecto moiré al caminar al lado de ellos, y una móvil que había prestado al museo. PABLO PALAZUELO de la Peña (Madrid, 6 de octubre de 1915 - Galapagar, Madrid; 3 de octubre de 2007); pintor, grabador y escultor español. Palazuelo fue una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX Palazuelo concibe el arte como un «un camino para dar salida a los problemas humanos». Sus referencias a la historia de la pintura son continuas, y es especialmente importante la influencia en su trabajo de la noción de línea derivada de la obra de Klee, que supone una auténtica revelación para él. También reivindica a sus inicios su interés por constructivistas rusos como Gabo y Pevsner, aun cuando rehúsa su concepción científica de la geometría. La obra de Palazuelo ha sido clasificada por la historiografía de los últimos treinta años como una abstracción de tipo idealista, muy vinculada a corrientes de espiritualidad y a una concepción sagrada del artista y de su obra.

Pese a que Palazuelo se nutre de corrientes de pensamiento vinculadas al esoterismo, la cábala y la filosofía y el pensamiento orientales, también es cierto que por las matemáticas, la física y el pensamiento científico son fundamentales su trabajo. El desarrollo de la abstracción y el uso de la geometría en su obra están íntimamente ligados a un proceso racional basado en el descubrimiento - no invención- de nuevas formas. Esta descubierta constante que guía su trabajo se traduce en una tensión manifestada a través de las variaciones interminables de las formas. EL EQUIPO 57 Era un grupo de artistas ( Pintores, escultores, arquitectos) formado en París en mayo de 1957 por Jorge de Oteiza, Ángel Duarte, José Duarte, Juan Serrano y Agustín Ibarrola. Oteiza abandona el grupo el mismo año de su fundación por la publicación de un manifiesto que considera ingenuo y ajeno en buena parte a su idea de la actividad artística. Más tarde se incorporaron Juan Cuenca, Néstor Basterretxea, Luís Aguilera y Francisco Aguilera Ámate . Estos dos últimos crean el Equipo Espacio en 1958.

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En el manifiesto que firman en 1957 atacan el subjetivismo, el surrealismo y todo contenido emocional, individualista o literario de la obra plástica. Contrarios a la individualidad y la diferenciación artística proponen como salida el trabajo en equipo. La característica de este grupo de pintores • Espacio .El Equipo 5 7representa el espacio plástico y la interactídad del espacio. Mucha gente consideraba este estilo abstracto, pero en realidad el Equipo 57 describió su arte de la calidad del concreto. Esta idea de la calidad concreta es de las matemáticas que influyeron a los hombres. Las obras son mezclas de las matemáticas y el arte. • COLOR. Los colores que ellos emplearon en sus cuadros eran muy fuertes y se contrastan. Este uso de los colores representa la mezcla en la sociedad hoy en día - las lenguas, los costumbres, las autonomías, las clases, y la política. • También, el espacio plástico representa la interacción de los partes diferentes de la sociedad en la política, en los barrios, y en la comunicación. El Equipo 57 se disuelve a finales de 1961 por razones de diversidad de criterios y por el encarcelamiento de Ibarrola. BIBLIOGRAFIA • La abstracción americana Antehistoria. www antehistoria. Joly.es/arte/contextos • Color visión $Art www.weboxhibits.org/coloart/riley.html • Wipedia . riley • Arte cinetico Jesús soto /Fernando Urena Rib/ www.latinarmuseum.com/jesus_soto. htm • Cinetico Art Fair www.kinetico-artafair.com • Wipedia Sempere • Poeta de la geometría www.eusebio-sempere • www.art20xx.com • Juan Yarza www.artehistoria.jcyl.es • Historia Universal del Arte Ultimas tendencias Lourdes Cirlot • Bibliografía complementaria Tendencias artísticas

JOSEF ALBERT

Albers

producido muchos

220 x 254

Josef Albers "'INTERACCIÓN DE

Josef Albers , "Interacciones de los

350 x 350

1554 x 2062

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BARNNETT NEWMAN

Barnett Newman

250 x 425

Barnett Newman, Jericho, 1968- 520 x 520

Barnett Newman

300 x 361

KENNETH NOLAND

Kenneth Noland - Palabras clave y 375 x 388

Kenneth Noland , 1964 .. jpg 439 x 398

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Kenneth Noland 580 x 578

VASARELY

Victor Vasarely. 1173 x 1319

por la pintura mesurada, 313 x 320

Victor Vasarely 400 x 400

BRIDGET RILEY

Bridget Riley | Los Angeles 600 x 556

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JESUS RAFAEL SOTO

Jesús Rafael Soto (1923-2005) 600 x 534

CARLOS CRUZ DIAZ

Fisicromía párrafo Madrid , Madrid, España

EUSEBIO SEMPERE

Eusebio Sempere's sculpture 600 x 444

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