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APUNTES MÚSICA 2º ESO. PROFESORA COLOMA RODRÍGUEZ ARRÁEZ
TEMA 6: La danza 1. HISTORIA DE LA DANZA La danza podemos encontrarla en el mismo origen del ser humano. El hombre primitivo la utilizó como forma de expresión y de comunicación, tanto con otros seres humanos, como con fuerzas de la naturaleza o divinidades. La danza tenía un sentido mágico y también un valor de cohesión social. Entre sus funciones servía para el cortejo o dar ánimo a los guerreros. El ritmo le viene dado por el funcionamiento del cuerpo humano, la respiración y los latidos del corazón.
Danza de una comedia romana. Museo pío clementino. Vaticano
Danza pírrica. Museo de la Acrópolis. Atenas
En la antigua Grecia, Terpsícore era la musa de la danza. La práctica de la danza está vinculada al culto del dios Dionisos. Hay que decir que era junto a la poesía y la música uno de los elementos de la tragedia griega. Tanto en Grecia como en Roma, formaba parte del entretenimiento del placer, de los rituales cívicos y religiosos, del desarrollo físico del individuo y del entrenamiento militar. Tenía un papel importante en la educación para jóvenes. En la Edad Media la danza será una actividad esencial, aunque como arte fue una de las menos desarrolladas. Formaba parte del entretenimiento y diversión de los nobles y señores medievales y de la gente del campo. Resaltaba también los eventos teatrales y servicios religiosos. Los espacios de baile eran los campos, plazas, calles, salones de palacios, atrios… El Renacimiento, la danzas estaban sujetas a cantidad de reglas en sus pasos y evoluciones. En este período no existe diferencia entre danza social y teatral. Las danzas más famosas son las cortesanas, la Pavana, la Gallarda, la Gavota…Se escriben los primeros manuales o tratados de danza. Destacamos en Francia que a finales del siglo XVI se desarrolla el Ballet de Corte. En el barroco, el ballet se asimila a la de una obra dramática, con una exposición, un desarrollo y un desenlace. En los ballet participaban mayormente los caballeros, aun cuando representaran papeles femeninos. Se Crea la Real Escuela de Danza. Las danzas más destacadas eran la Bourrée, la Corrente, la Chacona, la Giga, el Minué, la Zarabanda, el Paspié y el Pasacalle. Los maestros franceses establecieron las bases de la danza clásica internacional. El siglo XVIII es conocido como el siglo de las luces. Se caracterizó por ser un período de integración. Se crea el vocabulario de la danza con integración de términos italianos. La danza oscilará entre la clásica (belle danse) y la culta italiana. El espectáculo se profesionaliza. La danza profesional femenina empieza a rivalizar con la masculina. Se construyen numerosos teatros de ópera y nuevas salas de espectáculos en muchas ciudades, adoptando el modelo de escena italiana: la visión frontal organizada alrededor del centro, la periferia reservada a partes de menor relevancia. Los tipos de baile coreográficos más importantes son: la tragedia ballet y la ópera ballet, el pantomima y el anacreóntico. En España, el baile nacional será el fandango. Coexiste con la zarzuela que va en decadencia, el bolero, el flamenco, la jota y la seguidilla.
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Siglo XIX. Las bailarinas comienzan a trabajar la elevación, el salto y los recorridos en el espacio. Aparece una innovación técnica y estilística: las puntas, que limitarán al mínimo el contacto entre la bailarina y el suelo, consagrando a la mujer como una estrella indiscutible de la escena. En la primera parte del siglo predomina el ballet romántico, que tuvo como centro de desarrollo París y Copenhague. En la segunda mitad del siglo el ballet declina y surgen otros tipos de espectáculos, como el music hall. Los nuevos centros de danza serán Italia y Rusia. Comienza a incorporarse la expresión corporal sentando las bases para el desarrollo del teatro físico, con el cuerpo como único medio de expresión. La aparición del arte interdisciplinario o multimedia, con la utilización de luces divergentes y coloreadas, y distintos elementos como la indumentaria, el sonido, la luz y el color. En España, se desarrolla la Escuela Bolera y el flamenco conservando una danza autóctona e internacionalmente reconocida. Se abrieron escuelas de baile y teatros en distintas ciudades. Siglo XX. La danza moderna representa la necesidad que tiene el bailarín de expresarse con todo su cuerpo, traducir sus ideas, sensaciones y sentimientos sin reglas establecidas. Diaghilev llevó el ballet ruso a su máximo esplendor en toda Europa, a tráves de su compañía de baile. Balanchine es uno de los más grandes coreógrafos de este siglo fuertemente enraizado con la danza académica, modelaba la obra según las cualidades y el temperamento de los artistas. Parte de la danza moderna norteamericana, Merce Cunningham, que incorpora distintas técnicas en la composición de los espectáculos, tales como los trajes en sintonía con el telón, creando la ilusión de pintura en el movimiento. 2. LOUIS XIV (EL REY SOL) bajo el reinado de Luis XIV (1643 – 1715), el ballet inicia su época dorada con la creación del “ballet de cour”, fruto de la colaboración de los grandes artistas protegidos del rey: el coreógrafo Pierre Beauchamp, el dramaturgo Molière y el compositor Jean Baptiste Lully (1632 – 1687). El Ballet de cour era una obra teatral bailada que comenzaba con una “obertura” instrumental y terminaba con un “gran ballet” en el que, al menos una vez al año, participaba el propio rey. El desarrollo dramático consistía en una serie de “entrées” o escenas en las que se mezclaba el canto y la danza, interpretados ya exclusivamente por profesionales. Se representaban bajo decorados espléndidos y los bailarines, al principio solo masculinos, iban adornados con lujosas vestimentas y máscaras. El propio Luis XIV participaba como bailarín en los espectáculos de la corte. A él se le reservó el papel de Sol en la representación del Ballet de la nuit (1653), lo que dio lugar al sobrenombre del “El Rey Sol”. Beauchamp dirigió la Academia Real de Danza, fundada en 1661 por Luis XIV. Gran profesor y virtuoso bailarín, a Beauchamp le debemos gran parte de la terminología de la danza y las cinco posiciones de los pies con el acompañamiento del “port de bras” (determinadas posiciones de los brazos) que utilizará el ballet clásico.
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3. PRIMERAS Y ATREVIDAS BAILARINAS La danza estuvo prohibida para las mujeres hasta 1681, pero ya a comienzos del siglo XVIII encontramos las primeras grandes bailarinas, entre las que destacan las francesas Marie Sallé (1707 – 1756) y Marie-‐ Anne Camargo (1710 – 1770). Ambas contribuyeron a las simplificación de las vestimentas, acortando las faldas y reduciendo el tacón a favor de una mayor libertad de movimientos. Es fácil imaginar el escándalo que provocó “La Camargo” en los escenarios cuando en 1730 subió sus faldas por encima de las rodillas. 4. LA DANZA EN ESPAÑA. (DANZA FOLCLÓRICA) España es uno de los países de mayor riqueza en bailes y danzas tradicionales. Además del flamenco, en el que el bailaor mueve piernas y brazos en solitario, las danzas más extendidas son las seguidillas, el fandago y sobre todo, la jota. Cada región tiene una danza característica: la muñeira gallega; la isa canaria; la sardana catalana; el zortzico y el aurresku vascos o las conocidísimas sevillanas andaluzas.
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5. LAS DANZAS URBANAS Los bailes de salón europeos nacidos en el Romanticismo se difunden en el siglo XX por el continente americano donde recibirán la influencia de los ritmos negros y latinos dando lugar a las nuevas danzas urbanas. A principios del siglo XX los bailes de moda serán el Boston, el tango y el Cakewalk. El Boston: es un baile originario de EE. UU., de ritmo ternario, con el vals pero de tempo mucho más lento. Se bailaba con las manos apoyadas sobre las caderas de la pareja. El tango: danza urbana de origen argentino y compás vinario. Es un baile sensual y elegante en el que la pareja se mantiene muy pegada, realizando pasos de gran complejidad mientras la parte superior del cuerpo se mantiene casi inmóvil. La música se caracteriza por un ritmo de acentos muy marcados, con inesperados silencios y síncopas El cakewalk: baile de la población negra norteamericana, de ritmo binario y sincopado emparentado con el ragtime. Se baila en grupos de parejas que se intercambian mediante movimientos circulares tomándose del brazo.
En la década de 1920 el baile más popular fue el Charlestón El charlestón: originario de la ciudad de Charlestón, en California del sur. Es un baile rápido influido por el jazz, de ritmo binario y sincopado. Puede bailarse en solitario, pareja o grupo. Una de sus señas características es el paso denominado “Susy Q” en el que, con los pies ligeramente abiertos y flexionando las piernas, se mueven las rodillas hacia dentro y hacia fuera mientras se cruzan las manos abiertas. En la década de 1930, surge el interés por los bailes latinoamericanos, y las orquestas de baile amplían sus agrupaciones con maracas, claves o tambores cubanos. Se ponen de moda la rumba o la samba. La rumba: danza popular de origen afrocubano en compás binario rápido y enérgico, con ostinatos rítmicos de percusión. Su coreografía se caracteriza por el movimiento lateral de la cadera, manteniendo el tronco erguido, dos pasos cortos y rápidos a un lado y uno lento al frente. La samba: danza popular afrobrasileña de ritmo binario sincopado. Sus señas características son el “bombeo” con la cadera trazando un movimiento circulas y el “shimmie” con los hombros, agitándolos de forma alternativa. En la década de 1940, se difunde el claqué, que marcará la época dorada del cine musical americano con películas como Sombrero de copa y Cantando bajo la lluvia. El claqué o tap dancing: es un baile que utiliza la punta del pie y el talón como instrumentos de percusión. Además, el trabajo rítmico de los pies se refuerza también con palmadas y chasquidos con los dedos y amplios movimientos de piernas y brazos. Los zapatos de los bailarines llevan tapas de metal en las puntas y talones para potenciar los sonidos.
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En la década de 1950, se ponen de moda el chachachá y otros estilos de baile caribeños. El chachachá: danza popular cubana que debe su nombre a su ritmo característico (un, dos cha, cha chá). Se baila avanzando dos pasos hacia un lado, tres pasos cortos marcados en el suelo y un paso pequeño.
En la década de 1960 irrumpen con fuerza espectacular todos los bailes derivados del rock y sus variantes. El rock: se basa en un ritmo vivo de cuatro tiempos, apoyando los acentos en el segundo y el cuarto. Comprende diversos estilos como el “rock acrobático” de pareja, el “stroll” que se baila en grupos formado filas y el popular “twist” que se caracteriza por los giros enérgicos de cadera y los talones mientras se mantienen fijas las puntas de los pies. A partir de la década de 1980, se difunden los estilos de baile asociados al hip hop y la música Disco. El break dance: es un estilo de baile callejero unido a la cultura del Hip hop, de interpretación realmente complicada y atlética que utiliza formas de movimiento específicas como el “locking”, que consiste en agitar bruscamente todo el cuerpo. El “breaking” girando sobre el suelo, el “body popping”, que simula movimientos de un robot y el “moon walk”, en el que el bailarín (llamado b-‐ boy) se desplaza hacia atrás como si estuviera caminando hacia el frente. El disco: bien definido más por el ambiente y la música que le es propia que por una forma de baile específica. Es e resultado de los juegos de luces y los poderosos equipos de sonido de las discotecas.
En la actualidad, la evolución de la música disco hacia el predominio absoluto del aspecto rítmico, con pulsos regulares y tremendamente potentes, ha dado lugar a una especie de “danza sin fin” en la que cada individuo crea sus propias formas de movimiento. Por otra parte, la difusión de los medios audiovisuales y la influencia de las multinacionales discográficas han favorecido una uniformidad de ritmos y tendencias en las que la cultura y los bailes de salón o la danza urbana parecen tener difícil cabida.
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