Revista KARPA 3.2 Journal of Theatricalities and Visual Culture California State University - Los Ángeles. ISSN: 1937-8572

“AY OMBE-BITÁCORAS. DIARIOS DEL PROCESO CREATIVO DE AY OMBE THEATRE/AUTOLOGÍA DEL PERFORMANCE© (PERFORMANCE AUTOLOGY)” (*) (This pdf version contains no images. For the original article go to http://www.calstatela.edu/misc/karpa/Karpa3.2/Site%20Folder/ayombe.html)

Andrea Lagos y Keyros Guillen (*) Desde su fundación en abril de 1986, Ay Ombe theatre es dirigido por Josefina Báez (La Romana, República Dominicana/New York). Báez es actriz, escritora, docente y creadora de la metodología Autología del Performance (Performance Autology©)

"UN BESO ES UN BESO ES UN BESO: PROCESO DE TRABAJO Y METODOLOGÍA" por Andrea Lagos (actor-autor)* *Andrea Lagos (Chile) actriz, docente, directora. Teatro NAOM. Fotos de Un beso es un beso es un beso por Damián Aravena Creación de material físico y de texto El proceso creativo de la obra Un beso es un beso es un beso, comienza en enero del 2005, un mes antes del II Retiro Internacional de Teatro Ayombe, que se realizó en Pirque, Chile. Como participante de este retiro, yo debía entregar a Josefina Báez, su directora, una propuesta de trabajo en relación a mi proyecto personal. Mi propuesta fue la de hacer un monólogo en relación al tema del Abandono. Este era el tema central que yo estaba trabajando en sesiones de Arte Terapia, así que decidí hacerlo parte del proceso creativo, ya que Josefina me había pedido que eligiera un tema personal. Comenzamos entonces a establecer un diálogo vía e-mail, a través del cuál ella me mandaba ejercicios con el fin de almacenar material físico y textual. Todos los ejercicios estaban dirigidos a estimular un estado de alerta creativa; de verdad intima;de conocimiento del estado interno. Digo alerta, porque lo vital era/es siempre estar presente, atento. Si se está corriendo un riesgo corporal por ejemplo, hay que estar ahí, presente, para poder sobrellevar el obstáculo/el reto y en ese sentido, para mí la metodología de trabajo Ayombe está enfocada a poner en riesgo (en alerta/en su verdad) al intérprete, tanto en lo físico como en lo textual. En lo físico, por los conflictos corporales que uno enfrenta como intérprete y en el texto, porque siempre se corre un riesgo cuando uno recurre a la autobiografía, está exponiendo lo más íntimo y no sabemos qué puede aparecer de ahí, al final uno se enfrenta con uno mismo. Y esto es un proceso complicado; es hacer un clic y mirar hacia adentro, uno no sabe lo que va a encontrar, solo una verdad íntima. Comencé entonces a realizar los ejercicios que Josefina me pedía. Una indicación importante fue que creara en forma totalmente independiente el texto de la fisicalidad. Por un lado tenía que crear secuencias físicas, dejándome llevar por la espontaneidad y desde las fuentes que investigo. Crear desde y con cuerpo, sin pensar ni tratar de darle ninguna intención al Lagos, Andrea y Keyros Guillen. “Ay Ombe-Bitácoras. Diarios del proceso creativo de Ay Ombe Theatre/Autología del Performance© (Performance Autology)” Karpa 3.2 (2010): n. pag. http://www.calstatela.edu/misc/karpa/Karpa3.2/Site%20Folder/ayombe.html

movimiento. La pieza aún no tenía nombre, o al menos yo no lo sabía, pero Josefina me pidió que compusiera una secuencia de diferentes formas de dar besos. Por otro lado creaba textualidad. El principio era el mismo. Pensamiento libre, dejarse llevar, no buscar nada, no pensar. Los principales eslabones que utilicé fueron: Cartas que Josefina me pidió que escribiera; Carta al héroe nacional, carta a Dios, carta a mi mejor amiga, carta a un amante, carta a la familia y una carta a elección, yo le escribí una carta a mi mente. El otro eslabón fueron poemas de Rumi, bibliografía obligatoria para asistir a los retiros. Y por último mi propia autobiografía. De esta manera cuando yo llegué al Retiro ya tenía bastante material. Le entregué los textos a Josefina y durante el retiro me dediqué a trabajar en la composición de la fisicalidad. Debo decir que para mí fue trascendental este primer retiro. Ahí descubrí no sólo una metodología de trabajo sino una metodología de vida. Todo el trabajo que uno hace, integra tanto el proceso de vida, el camino personal que uno está siguiendo, con el proceso artístico. No hay división entre el arte y la vida, tu vida es tu arte y tu arte es tu vida. Por eso en los retiros uno aprende a tener una disciplina de vida con la cual sustentar el trabajo creativo. Las piezas que se crean en Ayombe son, como ya dije, un desafío para los intérpretes, por eso es necesario tener una preparación constante, un entrenamiento integral que te permita tener las herramientas para ejecutar la pieza. En los retiros entonces uno aprende a crear éste entrenamiento, ya que para cada persona es distinto. Se comparten ciertas rutinas colectivas, como por ejemplo la meditación y los ritos tibetanos, que se recomienda practicar a todos los integrantes, pero se da tiempo también para el trabajo individual. Durante la práctica colectiva se realizan diversos tipos de entrenamiento, y cada persona puede luego seleccionar cuáles quiere que hagan parte de su entrenamiento personal, dependiendo de lo que necesite trabajar para su pieza. Una vez al día uno debe hacer una bitácora de todos los ejercicios que se realizaron durante el día. También se pueden aprovechar esos momentos para recopilar material, ya que siempre una práctica incluye momentos de improvisación y creación, al igual que material, generados por los otros participantes. Para mí ese primer retiro no fue sólo el comienzo de un proceso creativo, sino también el comienzo de un gran cambio en mi vida. Empecé a tener un entrenamiento personal diario y logré establecer los parámetros de trabajo para seguir creando material. Ya tenía una secuencia física que había creado y trabajado con Josefina durante esos 10 días y un vínculo con el trabajo que iba más allá de un proceso exclusivamente artístico, me estaba comprometiendo conmigo misma. Los siguientes 3 años seguimos trabajando . El año 2006 y 2007 asistí a los III y IV Retiro Internacional de Teatro Ayombe que se hicieron en Chile. Entre cada retiro se mantenía el diálogo por email. Gracias a esto me mantenía activa, creando, y durante los retiros se seleccionaba y editaba el material, además de acumular material nuevo. Así se fue creando un banco importante de secuencias. También tuve la oportunidad de trabajar con Josefina gracias a un proyecto titulado “The Chilean Project” en el que un grupo de artistas chilenos trabajamos durante un mes con Josefina, al final del cual realizamos una presentación en el Museo Nacional de Bellas Artes. En este encuentro se montaron los últimos 12 minutos de la pieza y se creó la compañía de teatro independiente Naom Teatro. Naom es la compañía que creamos con Josefina para darle el sello final al proyecto. Naom es la diosa de la tierra, la abundancia y la sabiduría en el mundo Maya y quise ponerle ese nombre para darle esa energía a la compañía. El proceso de recopilación del material fue el más largo pero también el más importante. No fue sólo crear material sino también generar un vínculo con Josefina y un cambio en mí, en mi forma de abordar el proceso creativo y el proceso de vida. Fueron 3 años de preparación, sin los cuáles no se hubiese podido hacer esta pieza. Si requirió tanta preparación de mi parte y tanta dedicación por parte de Josefina, fue precisamente por la particularidad de la Autología del Performance: se está trabajando con lo personal y eso implica un grado de apertura por parte del intérprete y de

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compromiso por parte del director que requieren de un proceso bastante intenso, tal vez eso puede tomar 3 meses en una persona, a mí me tomó 3 años. Montaje Una parte del montaje se hizo durante los retiros y el encuentro en The Chilean Project, pero el grueso del trabajo se llevó a cabo en Nueva York, en un período de 17 días en que yo viví en casa de Josefina, trabajando intensivamente en la pieza. Nuestra rutina diaria era similar a la experimentada en los retiros; meditación por la mañana y por la tarde, ensayos constantes, cada momento dedicado a la pieza. Lo primero que hicimos fue trabajar en el texto. Gracias a la experiencia que tuvimos con The Chilean Project, pudimos notar que las partituras físicas tenían un grado de profundidad y precisión superior a lo que se había logrado con el texto. Por este motivo durante los dos primeros días sólo trabajamos en eso, en lograr equiparar el juego que se estaba haciendo en el texto con el juego que se hacía en el cuerpo. Pasábamos el texto varias veces seguidas, buscábamos diferentes inflexiones, explorábamos en todas las posibilidades que el texto podía adquirir. Luego de esto siguió el proceso de montaje. Ensayábamos a primera hora de la mañana día a día. El objetivo era montar la pieza, y aunque más tarde nos confesamos que ninguna de las dos pensaba que lo íbamos a lograr en esa cantidad de tiempo, trabajamos arduamente para lograrlo y finalmente lo hicimos. El diálogo creativo se dio muy fluido. Avanzábamos rápidamente. Esto se debió a los tres años que ya llevábamos trabajando juntas y conociéndonos; aprendiendo mutuamente nuestros lenguajes. Josefina me daba una indicación y yo sabía a lo que se refería, porque ya me había hablado de eso antes, en los retiros, por email, en nuestras constantes conversaciones. Asimismo ella me conocía muy bien, sabía cómo era yo como actriz y como persona, sabía cuáles eran mis fortalezas y mis debilidades. Ella no me pedía que hiciera lo que sabía que me era fácil o cómodo, por el contrario, me llevaba siempre a explorar zonas que eran nuevas para mí, a salirme de los esquemas que como actriz usaba porque sabía que podía dominarlos. Llegué a Nueva York con un trabajo de 20 minutos lleno de cambios y con un exceso de información. Regresé con una pieza unipersonal de 50 minutos, precisa, con silencios, con pausas, con ritmo, con vida. Creo que lo que se hizo fue fundamentalmente eso: seleccionar el material que era verdaderamente un aporte y con eso trabajar. “Entrar en el momento especifico de la partitura” como dice ella, que para mí significa profundizar en ese tiempo, en ese espacio, en ese forma, indagar en todas sus posibilidades, definir los detalles, jugar. Muchas de las secuencias físicas que yo traía se eliminaron. Se quitaron movimientos para darle tiempo a los silencios, a las pausas. Esta también es una característica que particulariza a la metodología Ayombe: incluir el silencio y la pausa como parte del código de lenguaje. A través del silencio y de la pausa se entra en un espacio y tiempos extracotidianos, en donde el estatus del presente adquiere un valor trascendental, estamos aquí y ahora, no importa el antes ni el después, sino sólo este momento que podría ser eterno. Se buscó la economía en las acciones, el canalizar la energía. Para las transiciones se aplicó el mismo criterio. La idea era siempre buscar la forma más expedita de pasar de un movimiento a otro. Tiene que ver con el sentido de limpieza. Identificar cuáles son los verdaderos núcleos de las acciones. Reconocer lo accesorio, puntos por donde se escapa la energía y no se está transmitiendo el verdadero sentido de la escena, desde la perspectiva de la honestidad. Para mí fue un trabajo que como actriz requirió un aprendizaje. Me exigió dominar áreas que antes no conocía y encontrar la manera para hacerlo. Gracias a este proceso yo poseo nuevas herramientas en ese sentido. Además influyó en muchos aspectos de mi vida, al ser un proceso de tres años de alguna manera fue creciendo conmigo y yo fui creciendo con él. Implicó grandes cambios.

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Precisamente el período definitivo del montaje involucró un viaje de por medio. Eso también repercutió en mí, en mi creatividad. Hay momentos de la pieza que nacieron allá, a raíz de cosas que pasaron en ese momento. Fue positivo tener la apertura, la espontaneidad, para seguir constantemente nutriéndose de la vida y realizar cambios en la pieza. Hoy siento que el proceso de montaje aún no ha terminado. Si bien la pieza se ha mostrado en público (incluido el 1er Festival de Teatro Joven Latinoamericano, Venado Tuerto, Santa Fe, Argentina-Septiembre 2008), cada vez que nos reunimos con Josefina siguen habiendo cambios. Eso me mantiene en el estado de alerta necesario. También es grata la sensación de que siempre se puede seguir creciendo, seguir avanzando. Es un trabajo de no acabar, de vida. Es un proceso en eterno movimiento. Hoy éste proyecto se ha convertido en una obra de teatro. Específicamente un monólogo. "Se ha trabajado para convertir la autobiografía en una historia de todos" como dice Josefina. Puedo observar la factibilidad de ese trabajo en las diversas interpretaciones que la gente hace de la obra. Nadie la señala como una obra autobiográfica, no entienden que es mi vida la que se está contando ahí. Eso se debe al nivel de abstracción que tiene la obra, por medio de esa abstracción se logró hacer de la autobiografía la historia colectiva, las personas ven sus historias en escena, desde sus historias interpretan y crean sus sentidos particulares. Es entonces un trabajo que aborda lo personal en el lenguaje también. Es un lenguaje que desde la precisión y la honestidad del presente del actor, crea su discurso poético y fragmentado. La fragmentación es un recurso que está presente en todo: En la palabra, en las secuencias de movimientos, en la partitura emocional. La obra está estructurada en base a fragmentos y en ese sentido tiene elementos Brechtianos, porque en muchos momentos se enfrenta al público con dilemas reales, aunque no llega a ser dialéctica pero sí lúdica. No hay una intención de generar un sentido de causa y efecto, pero sí el sustento de la espontaneidad y el seguir un flujo que está más guiado por la intuición que por la razón; más por el corazón que la cabeza; mas por lo orgánico, sin descuidar ninguno de estos. Como intérprete todo mi trabajo está enfocado a crear el espacio en mí para generar ese vínculo con el presente. También para poder gozar ese momento. Un beso es un beso es un beso, se ha presentado a nivel local e internacional. Creo que la oportunidad de compartir este trabajo con públicos de diferentes contextos geográficos, sociales, culturales, nos disminuye el prejuicio de lo que es este trabajo y de lo que significa para otros, ya que en el fondo son esas miradas las que intentan definirlo. Como dije anteriormente, Un beso…es un camino abierto. En ser capaz de vivir a cada momento en ese presente y darle vida. La única forma de que la pieza no muera es mantener el riesgo, el desafío constante. Además siempre se puede seguir jugando con el material. El proceso creativo es tan exquisito y se aprende tanto, que se hace vital mantenerlo activo y permanecer abierto al cambio. Hoy con Naom Teatro, seguimos el camino que se inició en el 2005. A la compañía se ha sumado otra actriz, que se desempeña como regisseur e iluminadora. Naom Teatro se plantea como una compañía hija de Ayombe Teatro, es decir, sigue sus mismos principios: Trabajar con el cuerpo del actor como principal motor de la escena, crear desde la sobriedad, utilizar la biografía del actor - creador. Estamos indagando en cómo traducir éstos principios desde nuestro propio lenguaje como hijos creativos, por lo que de a poco nos estamos embarcando en nuevos proyectos, en un terreno que antes no habíamos explorado que es el del teatro infantil. Siempre nos situamos desde la perspectiva de la investigación: Un beso es un beso es un beso y nuevos proyectos. Es ese en realidad el único sentido que le damos al teatro: teatro como camino de búsqueda, teatro como terreno de cambio, de transformación, teatro lúdico; teatro en movimiento, hoy. La pieza se ha presentado en los siguientes lugares: Noviembre 2007: Museo Nacional de Bellas Artes (fragmento). Santiago. Chile

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Mayo 2008: Instituto de Ciencias Alejandro Lipzchuts. Santiago. Chile. Septiembre 2008: I Encuentro Latinoamericano de Teatro Joven, Venado Tuerto, Argentina. Enero 2009: Retiro Internacional Ay Ombe Theatre en el Centro de Residencias Artísticas Infinite Souls, Magadi Hills, Bangalore, India. Abril 2009: One Shanti Road Art Gallery, Bangalore, India. Noviembre 2009: Teatro La Madrugada, Milán, Italia. Noviembre 2009: IV Encuentro Internacional de Teatro Achupallas, Un cerro de Cultura, Viña del Mar. Chile. Julio 2010: Ciclo de Monólogos La Tertulia. Valparaíso. Chile Julio 2010: I Festival Internacional de Espectáculos Unipersonales, La Florida. Chile Próximo octubre 2010: IV Encuentro Intercultural de Teatro Iberoamericano. Villa Tunarí. Cochabamba. Bolivia ~ "YO, OY YO. METODOLOGÍA DE CREACIÓN" Por Keyros Guillen (actor-autor)* *Keyros Guillen (Chile/México) Actriz. Proyecto Aum Lila. Primera fase: Dramaturgia El proceso de creación de esta pieza se ha extendido a lo largo de 3 años, a través de los cuales se han expuesto, reflexionado y superado procesos de crecimiento artístico y personal. El punto de partida fue el deseo de aprender a trabajar en soledad, a partir de inquietudes personales que buscaban trascender el mero quehacer como actriz–instrumento que expone el universo de otros, y pasar a ser actriz-creadora del propio universo en la escena. El impulso inicial nació de la investigación en torno a la IRA en la vida cotidiana y en la propia historia: se rescataron textos en prosa elaborados con anterioridad, investigación desde el punto de vista psicológico y fisiológico, recopilación de refranes, dichos populares y denominaciones latinoamericanas, y práctica de meditaciones y asanas de kundalini yoga. Cada nuevo texto en prosa creado por la artista fue pulido y llevado a poesía, llegando a la dramaturgia final de la pieza. Segunda fase Creación Física y vocal La creación de la partitura física nació a partir de gestos y secuencias tomados de los entrenamientos realizados en los Retiros anuales, las asanas de kundalini yoga, gestos cotidianos y síntesis de las imágenes contenidas en el texto. Los gestos, movimientos y secuencias se deconstruyen a partir de ritmos, intensidades energéticas, reiteraciones y velocidades. La partitura inicial nació durante el Retiro – Taller realizado en 2005: la actriz creó una propuesta inicial uniendo su experiencia en Kundalini al training físico propuesto por la Autología de Performance. Esta partitura se ha ido enriqueciendo a lo largo del tiempo y por etapas que alternan épocas en que la actriz trabaja sola, y encuentros con la directora.

Lagos, Andrea y Keyros Guillen. “Ay Ombe-Bitácoras. Diarios del proceso creativo de Ay Ombe Theatre/Autología del Performance© (Performance Autology)” Karpa 3.2 (2010): n. pag. http://www.calstatela.edu/misc/karpa/Karpa3.2/Site%20Folder/ayombe.html

Asimismo, el trabajo vocal se basa en la exploración de matices tonales, ritmos y velocidades en la dicción, énfasis de las palabras y frases, concordancia rítmica con las acciones físicas y la búsqueda de elementos humorísticos que otorguen frescura a la emisión del texto. La primera y la primera parte de la segunda fase sucedieron de forma simultánea. Tercera fase Creación plástica, musical, audiovisual y ensamblaje final de la pieza (diciembre 2008). El trabajo se completá en el retiro internacional de Ay Ombe Theatre realizado en NY-Agosto 2009 ~ PRIMERA TEMPORADA EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES DESDE EL13 AL 22 DE NOVIEMBRE DE 2009 SEGUNDA TEMPORADA EN LA SALA JORGE DÍAZ DE LA UNIVERSIDAD FINIS TERRAE DESDE EL26 DE MARZO AL 17 DE ABRIL DE 2010

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