Alicia en el País de las Maravillas

En el 2010 Tim Burton decide adaptar los dos libros de Lewis Carroll, las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y a través del espejo y lo que Alicia encontró, logrando una obra con una estética intrigante. La película cuenta la historia de un mundo creado por la imaginación de Alicia, basado en el contexto real que la rodea y con el que no está conforme, exagerando entonces las situaciones cotidianas y plasmándolas distorsionadamente en su interior creando el país de las de las maravillas. Recurriendo a vanguardias artísticas como el expresionismo que fue un movimiento desarrollado en Alemania entre 1919-1926. Este movimiento se basaba en la distorsión y exageración de la realidad con un fin expresivo; en Alicia podemos observar como el mundo donde ella vive está totalmente adaptado dentro de los parámetros normales de la época que se ve representada. Sin embargo, al iniciar su viaje y entrar a este excéntrico mundo la perspectiva de la realidad cambia y se contrapone a los parámetros culturales de esa sociedad. Una de las características del expresionismo que se refleja en la película es el exceso en varios componentes tanto estéticos como interpretativos; personajes como la REINA ROJA Y EL SOMBRERERO LOCO son un claro ejemplo presentando actuaciones que incluyen movimientos espasmódicos, exagerados y elaborados maquillajes, que constituyen la extravagante personalidad de cada uno de los habitantes del país de las maravillas con una simbología particular: La Reina Roja con su desorbitante cabeza y exceso de rojo en su vestuario y maquillaje simboliza el enorme poder que ella ha tomado por cuenta propia convirtiéndola en una persona egoísta, egocéntrica y envidiosa; El Sombrerero Loco con desmedido maquillaje y sus resaltantes ojos, que transmiten compasión y ternura, que a su vez pueden llegar a mostrarse duros y desafiantes para expresar su enojo La Reina Blanca posee diferentes tonos de blancos que representa la paz y la pureza pero a su vez ocultando manipulación y conveniencia. La Sota De Corazones presenta un maquillaje muy rígido e inexpresivo que representa la poca sensibilidad, frivolidad y el desapego a una identidad propio con tal de estar al lado del poder. También se reflejan características del surrealismo como la negación de la razón lógica, ya que Alicia se opone a acatar las normas impuestas por la sociedad en la que vive, recreando así situaciones fantásticas que forman parte de sus sueños y que no son más que metáforas subjetivas de lo que ella cree correcto. Además el film hace una crítica a los estereotipos de la sociedad burguesa de la que Alicia hace parte escandalizándola, expresando la frivolidad y la superficialidad que la conforman. En la Infratierra que es el nombre que se le da en la película al país de las maravillas aparecen constantemente rupturas de la realidad que pasan a simbolizar diferentes elementos y/o conceptos como: El Conejo Blanco el cual siempre lleva un reloj en su mano y suele estar muy apurado, representando así la idea del tiempo y como corremos tras él, La Oruga que está bajo el efecto del narguile representando tranquilidad y sabiduría y quien al final la vemos transformada en una mariposa dando a entender que estamos en un constante proceso de cambio al cual no nos debemos ni oponer ni apresurar, El Gato Cheshire siempre con una gran sonrisa que simboliza

la astucia y el optimismo. Alicia quien a través de su vestuario que poco a poco va dejando atrás representa su paso de una chica que forma parte de la burguesía a una gran guerrera que lucha por lo que quiere. En cuanto a lo formal podemos encontrar en el espacio escenográfico un contraste entre el mundo real y la Infratierra, en el primero se encuentran imágenes muy cuadradas y muy apegadas a la realidad utilizando una escenografía realista y el color local donde no se altera ningún componente, con un equilibrio estático que se muestra uniforme, monocorde y simétrico. En el segundo al contrario del espacio escenográfico es mucho más curvo, con figuras grotescas, exageradas, llamativas y nunca lineales donde se modifican los colores naturales y se utiliza el color pictórico para simbolizar las fuerzas que se contraponen (el Rojo de la Reina Roja, el Blanco de la Reina Blanca y el Azul de la ingenuidad de Alicia), con un equilibrio mucho más dinámico donde se muestra asimetría, variedad y contraste haciendo parecer todo mucho más conflictivo. Teniendo en cuenta que fue una película que no utilizo muchos escenarios reales contiene una creación digital de espacios que aporta profundidad, utilizando de manera constante la superposición de objetos mostrando una textura táctil; en cuanto al estilo podemos observar un documentalismo escenográfico en el mundo real ya que los espacios fueron ambientados pare recrear un escenario con detalles históricos y propios de la época, mientras que en la Infratierra se observa el realismo simbólico en ocasiones sustituyendo elementos reales por algunos mucho más metafóricos. En cuanto a la armonía; en el mundo real cumple con los cánones de belleza clásicos al contrario de la Infratierra donde los personajes son más desproporcionados, como por ejemplo La Reina Roja. Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos

Un poco antes, en el 2004, se estrena el film Eterno Resplandor de Una Mente sin Recuerdos del director Francés Michel Gondry, y escrita por Charlie Kaufman, donde se narra una impactante historia de amor que rompe con todos los parámetros románticos generalmente vistos, cuando Gondry plantea la posibilidad de borrar tecnológicamente los recuerdos de personas antes amadas, decisión que toma Joel Barish quien es el protagonista de esta historia, cuando se da cuenta que tras dejar su relación con su novia Clementine, que ella decidió someterse al procedimiento, para poder continuar su vida sin tener que sufrir por su recuerdo, lo que convierte a este en un film surreal, que va directamente a la psiquis de este personaje, provocando en el un enfrentamiento, con su yo interno, ya que en el proceso se da cuenta que realmente no desea deshacerse del recuerdo de Clementine. Siendo una de las principales características del surrealismo y estando influido por la psicología freudiana este film que parece carecer de razón aparente se introduce tangiblemente en el inconciente de Joel, mostrando así su mundo interno; sin embargo al ir entrelazando escena por escena, de a poco parece ir cobrando sentido.

También podemos decir que el eterno resplandor de una mente sin recuerdos a pesar de no ser totalmente antinarrativo, posee una lógica y una narrativa poco convencional, ya que la historia no tiene un principio ni un fin cronológicamente hablando, si no que se va componiendo por escenas y recuerdos de la vida de los personajes de diferentes momentos y periodos temporales, perdiendo así las conexiones de los hechos, y confundiendo en muchos momentos al espectador, es decir carece de una lógica espacio-temporal. Dando la sensación de que todo ocurre en el sueño de Joel mientras le es aplicado el procedimiento para que olvide de Clementine.

En el film también podemos observar diferentes simbologías, como el cabello de Clementine que cambia de color marcando su personalidad, en el inicio de la película se la ve con el cabello azul, que es un color frío y que representa la frialdad de esa etapa que esta viviendo, pero a su vez es tranquilidad; la tranquilidad que le proporciona poder vivir sin el recuerdo de Joel, siendo este en realidad cronológicamente hablando el final de la trama, y mostrando como después de someterse al procedimiento se ha vuelto mas fría, dejando atrás el sentimentalismo que la hacia sufrir, luego se muestra con el color naranja, un color mas calido, que representa la sensación de alegria que le hace sentir la relación de afecto que mantiene con Joel, es decir, el hecho de sentirse enamorada, esto podría ubicarse en el centro de la trama estableciendo una temporalidad lógica, el ultimo color mostrado en su cabello es el verde, representando lo que seria su vida antes de conocer a Joel; el verde que es un color que representa la esperanza en la sociedad oriental en la que vivimos, nos muestra como ella es una chica alegre, y llena de optimismo antes de conocerlo. En cuanto a lo formal, sin ser tan marcado como en la película Alicia en el país de las maravillas, también se muestra un contraste entre el mundo real en el que se desenvuelven Joel y Clementine a el que se desarrolla en la mente de Joel durante el procedimiento, en el primero se muestra un color local que no altera los colores reales, la escenografía es realista, el equilibrio es estático, que no carece de lógica alguna, ni muestra ningún conflicto; En la mente de Joel, que en muchas ocasiones llega a parecer un tanto real, los colores se alteran en muchas ocasiones, pasando del color local en algunos casos a un color más pictórico y significativo, que da la sensación de sueño y de poca realidad de los acontecimientos, la escenografía varia constantemente en muchos momentos perdiendo la lógica de las situaciones. El color pigmento también es muy variable durante toda la película, al principio del film, se muestra un color, con un brillo y una luminosidad propias del mundo real, que sin embargo se altera en la mente de Joel mostrando en ocasiones imágenes mas saturadas, sombreados, y algunos valores entre los blancos y los negros, para crear la situación de ilusión, sueño y el conflicto interno del personaje, a su vez cuando muestran la vida de los personajes en el momento que se conocieron por primera vez hay una iluminación muy resaltante que da una

sensación de calidez, mostrando esperanza y alegría a los personajes, a pesar de que el personaje de Joel se encuentra en una etapa de su vida en la que no sabe bien que hacer, llega esta chica, Clementine a cambiarle el mundo y a entregarle un poco de esperanza, siendo así esto lo que ella representa simbólicamente para el. En cuanto a la armonía, podemos decir que esta dentro de los parámetros o canones de belleza establecidos, es decir, el de belleza clásico, con un rito interesante, probablemente mucho mas externo, los principales indicadores de profundidad, van dados por la superposición de los objetos, con una textura mas visual, ya que no es tan tangible, si no que va dada mas por la iluminación, en cuanto a la escenografía también posee dos estilos, el primero en la vida cotidiana de los personajes; la replica, ya que recrea el mundo real, y el segundo en la mente de Joel muchas veces se utiliza una escenografía mas simbólica, representando momentos de la vida de Joel, como la playa, su casa, u objetos que lo hacen ubicarse dentro de su vida con Clementine. Delicatessen

Película francesa dirigida por Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet, en el año 1991. Miljen Kreka Kljakovic, director artístico de Delicatessen, desarrolló un interesante trabajo en esta película al maxificar el efecto de su historia y las personalidades de sus personajes complementándolas con los escenarios, los colores y las formas que constituyen la parte estética del film. La producción cuenta con una historia compleja, que tiene lugar en una Francia políticamente complicada y las acciones de sus personajes no tienen nada de ligero tampoco. No se hubiera podido representar esa densidad que genera la película solo con la actuación y el guión, fue necesario el trabajo del departamento artístico tanto para ambientarnos como para hacernos sentir la historia de una manera más directa. En cuanto a la composición pictórica hay que aclarar que pese a que cada escena posee una gran cantidad de elementos, estos no afectan la percepción del espectador por el contrario una información más segura y precisa de lo que se quiere mostrar logrando una gradiente de textura, pues cada objeto está específicamente ubicado creando un equilibrio estático de las formas y los cuerpos con el fin de llevar la atención a un punto concreto de cada hecho utilizando elementos gramaticales en la estructura de la posada tanto en el interior como el exterior y el contraste entre los dos espacios dando forma, ritmo, orden y significado a cada objeto. Se puede notar que el lugar está completamente ambientado a una época determinada manejando así una escenografía realista de la réplica de algún lugar de Francia de los años cincuenta dándole gran credibilidad a la época y al contexto por el que transcurre esta historia, sin embargo en cuanto a las cloacas que es el lugar

donde habitan los vegetarianos la película representa minuciosamente un realismo simbólico muy apreciable y curioso exponiendo una idea muy interesante dentro de la película que es el contraste de dos estilos de vida en un mismo lugar. En cuanto al color, Kljakovic utiliza el color pictórico, modificando los colores naturales y dándoles un tono amarillo, naranja y ocre representando un ambiente pesado que perecen inundar todo el espacio dando a entender que están en una época de guerra insinuando los colores amarillo y naranja como el fuego y el ocre como la neblina y el humo de las explosiones. Además Extiende la sensación de los empolvados estilos de vida de los inquilinos que son presentados en el film. Algunos dirían que la película está presentada en sepia, sin embargo, el departamento de arte no utilizó esta técnica directamente y es en ese aspecto donde también se ve aplicada la modificación del color, creando la sensación ocre de la técnica fotográfica pero sin dejar de jugar con los tonos y las luces para darle realismo y volumen a las texturas que no solo son texturas táctiles pues delicatessen nos refleja una significativa textura visual de los ambientes, los cuales cambian dependiendo de la intensidad dramática de los planos y las escenas utilizando un matiz y saturación del naranja y el amarillo principalmente. El sonido es un aspecto muy importante en el film, pues cada residencia posee un sonido peculiar y secuencial formando un conjunto de diversos sonidos entre cada inquilino, desde el colchón del carnicero, los sonidos de los tubos por los que se logra saber o perturbar situaciones de los inquilinos, el instrumento que toca la hija del carnicero, las Máquinas de los hermanos entre otros, logran un tipo de sonido expresivo y secuencial llamado la rítmica.

Bibliografía • Gentile, Mónica Díaz, Rogelio, Ferrari, Pablo (2007) Escenografía Cinematográfica. Buenos Aires: La Crujía • Bordwell, David. Thompson, Kristin El Arte Cinematográfico. Ediciones Paidos. Barcelona, Buenos Aires, México.