ANÁLISIS DE LA OBRA: “NACIMIENTO DE VENUS"

INTRODUCCION El nacimiento de venus fue pintado en en 1482 para lorenzo di pierfrancesco de medici, como parte de un ciclo mitologico de pinturas para su villa de descanso, en sus pinturas expresa un complejo y elaborado pensamiento desarrollado en la academia platonica de florencia , la filosofia de los humanistas de esta corte giro en torno a los conceptos de paz, belleza y amor, la concepcion de estos eruditos concilia el mundo antiguo con el cristianismo. El nacimiento de venus fue pintado en en 1482 para Lorenzo di pierfrancesco de medici, como parte de un ciclo mitologico de pinturas para su villa de descanso, en sus pinturas expresa un complejo y elaborado pensamiento desarrollado en la academia platónica de florencia , la filosofia de los humanistas de esta corte giro en torno a los conceptos de paz, belleza y amor, la concepción de estos eruditos concilia el mundo antiguo con el cristianismo. El nacimiento de venus fue pintado en en 1482 para Lorenzo di pierfrancesco de medici, como parte de un ciclo mitológico de pinturas para su villa de descanso, en sus pinturas expresa un complejo y elaborado pensamiento desarrollado en la academia platonica de florencia , la filosofía de los humanistas de esta corte giro en torno a los conceptos de paz, belleza y amor, la concepción de estos eruditos concilia el mundo antiguo con el cristianismo.

ANÁLISIS ICONOLÓGICO

1.- NIVEL PRE-ICONOGRÁFICO

Se pueden observar 4 figuras, se desarrolla en un paisaje marítimo y el centro de atención es una concha sobre la cual emerge una mujer parcialmente desnuda con un largo cabello rojizo cubriendo su intimidad, la concha es empujada por las olas a la orilla de una playa, del lado superior izquierdo se muestran dos figuras una masculina y la otra femenina, por el contrario el lado derecho lo ocupa una mujer cargando una tunica esperando cubrir a la figura que llega a la orilla, ademas de unas cuantas flores que vuelan antes de caer al mar. 2.- NIVEL ICONOGRÁFICO

El navimiento de venus, basada en los conocimientos de la humanidad sobre la mitología romana donde venus es la diosa del amor, la fertilidad y la belleza. Conociendo la historia de su nacimiento que se debe a los genitales de Urano, que fueron cortados por su hijo menor cronos, que al caer al agua formaron espuma de icor dorado de los dioses creando a , la primer diosa despues de los titanes, venus. En la pintura se plasma la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla citera , venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos cubriendo su intimidad mientras que con el brazo derecho trata de cubrirse el pecho, mostrando a cefiro y aura los dioses del viento y brisa respectivamente. Por el otro lado vemos a primavera una de las diosas de las estaciones que espera impaciente su llegada para cubrirla con un manto. Por el otro lado vemos a primavera una de las diosas de las estaciones que espera impaciente su llegada para cubrirla con un manto.-

3.- NIVEL ICONOLÓGICO

El nacimiento de venus fue pintado en en 1482 para lorenzo di pierfrancesco de medici, como parte de un ciclo mitológico de pinturas para su villa de descanso, en sus pinturas expresa un complejo y elaborado pensamiento desarrollado en la academia platonica de florencia , la filosofia de los humanistas de esta corte giro en torno a los coneptos de paz, belleza y amor, la concepción de estos eruditos concilia el mundo antiguo con el cristianismo. El amor es el deseo de la belleza, semejante a una trayectoria de espiritual y cerrada que se desenvuelve en el universo y da origen a la materia, es decir, es la union del espiritu y la naturaleza. La expresion de esa dualidad se manifesto en la imagen de venus, a quien platon en el banquete ya habia podido imaginar de dos formas a venus celestial, y venus terrenal.

ANÁLISIS SEMIOLÓGICO

OBJETO REFERENTE ÍCONO: La pintura nos representa el Nacimiento de Venus, que retrata un mito clásico que nos transporta en un mundo de sueños y poesía. ÍNDICE: La posición de una de las horas indica su devoción a la deidad. SÍMBOLO: la pintura nos retrata a venus que apparece con sus largos cabellos rubios cubriendo sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas que arrancan del original de Praxíteles. SIGNIFICANTE CUALISIGNO: Es una obra con unas dimensiones algo grandes para la epoca de 184 x 285 cm, realizada sobre ,como corresponde a la pintura renacentista, es temple sobre lienzo, lo que le permite trabajar el detallismo, emplea una línea oscura que refuerza los contornos, como si se tratara de una escultura clásica. Muestra el interés por la belleza y presenta un desnudo (los primeros habían representando a Eva; al parecer la Venus “acaba” de nacer, aunque ya aparece con cuerpo de adulto) típico del Renacimiento. Utiliza colores claros y suaves. La luz es cenital y representativa, destaca la zona central del cuadro, donde se encuentra Venus, y podemos ver que la zona derecha de la escena está más oscura y llena de sombras. SINSIGNO: La figura deuna mujer desnuda cubriéndose con su brazo y cabello ademas de otros tres figurantes que son dioses del aire y una hora , diosa de la primavera,. La pintura es en tonos oscuros dando profundidad y contrastando los elementos. LEGISIGNO: Los personajes poseen grazia, sobre todo la Venus, y están perfectamente detallados. Botticelli crea unos modelados duros con esa línea oscura de contorno. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando cada uno de sus pliegues y detalles. Consigue como resultado unas pinturas frías e incluso primitivas.

Se trata de figuras idealizadas, de canon esbelto y la típica expresión melancólica del autor. SIGNIFICADO DICENT: La intención del autor con la pintura fue principalmente causar simpatia con su inusual foma de plasmar a venus y las figuras que la rodeban. REMA: Nos muestra personajes importantes y objetos poco usuales qué despiertan tu interes al autor.

ARGUMENTO:Esta obra refleja claramente las características del Renacimiento, aunque con algunas restantes de los primitivos (detallismo, sensación de profundidad dentro del cuadro, luz cenital, idealización de las figuras, etc.).la forma en que la hora espera la diosa para cubrirla muestra la devoción que se tenia y actualmente aun se escucha hacia la diosa Venus .

LECTURA DESCRIPTIVA La Venus de Botticelli está de pie sobre la concha, trata de taparse con sus ondeantes cabellos el sexo y se cubre el pecho con la mano derecha (Warburg); alargada, de formas redondeadas, en un contraposto que le da una inestabilidad como si se estuviera cayendo. La desnudez de Venus se convierte en pudor, una desnudez sacralizada, llenándola de magnificencia y un toque mágico celestial; es el compromiso de Botticelli con la fantasía antropomórfica y la comparación reflexiva (Warburg) (aquí se nota la influencia del texto de Poliziano, su mentor, y la influencia de los textos de Alberti que Botticelli leerá y plasmará); emerge sobre el mar impulsada por el viento de los dos mofletudos Céfiros (Warburg) hacia la arena, y la Hora de la Primavera (no tres como relata Poliziano) está esperando que caiga con un gran manto salpicado de flores multicolores(Warburg) para cubrir su desnudez.

Lectura interpretativa

La expresión de la obra es la encarnación de una fantástica narración alegórica de un evento griego, que tiene como raíz de inspiración a los poemas griegos Homéricos; es la apertura a la libre intromisión de elementos paganos (los rezagos de la edad media considera a todo elemento no cristiano como pagano), que se van transformando y sacralizando, que se dotan de divinidad a través de la representación de las formas blandas cautivantes, el constante movimiento y los sutiles volúmenes, que atrapan al espectador y lo sumerge en la contemplación donde lo sagrado y lo profano se desfiguran y se empiezan a entremezclar, esa ambigüedad hace del cuadro una pieza en sí misma, el cuadro empieza a hablar por si solo y cada elemento acentúa el concepto de narración.

ANÁLISIS FORMAL

La composición de este cuadro, a simple vista, es piramidal, los tres elementos del primer plano están dispuestos de tal forma que entre ellos se genera un triángulo visual (Alberti fundará esta definición: el cuadro es una intersección plana de la pirámide visual, E. Panosfky), los elementos de los extremos, generan una tensión hacia el punto central de la composición que también es el centro del espacio. Debería de percibirse una composición estática al tener un elemento en el centro del cuadro, sin embargo, la ligera inclinación de la forma hacia el lado izquierdo del cuadro, hace vacilar lo expuesto anteriormente, siendo el punto de inflexión que hace de este cuadro un espacio lleno de movimiento. Haciendo hincapié en la inclinación de ese “triangulo visual”, ese ligero desplazamiento, siendo más exhaustivos en la contemplación, se observa una división y distribución aurea del espacio, generándose el famoso espiral de Fibonacci, es gracias a este aporte matemático aplicado en la geometría oculta que el cuadro se dota de movimiento y dinamismo. Observando cada elemento, es de notar que cada forma individual está dotada de un dinamismo orgánico, donde la curva es el movimiento principal. Las formas contorneadas de los cuerpos en contraposto, los cabellos ondeantes, y el gran concierto de caprichosos pliegues indican la presencia constante del viento circundante. Las formas están firmemente remarcadas por la fuerte línea de contorno, dando la sensación visual de estar desintegradas del fondo, generándose así dos planos de lectura. La luz del cuadro es múltiple, sutilmente se puede notar que penetra del lado izquierdo del cuadro, y eso lo podemos divisar en el sutil modelado de las formas, claramente

se ve en la pierna de la mujer del centro, un exquisito esfumato que genera volumen a la forma. El fondo tiene una luz de ambiente, y los arboles tienen una luz superior El fondo, ya separado por la línea, insinúa una ligera perspectiva, tanto por la presencia de las olas del mar que se van reduciendo en tamaño, una línea en forma de “v” y mimetizando con el cielo, y también notar como la tierra, hacia el lado izquierdo del cuadro, va disminuyendo en tamaño y agrisándose hacia atrás. El lado derecho del temple se visualiza dos personajes, suspendidos sobre el mar, y hacia el extremo opuesto, el lado izquierdo del cuadro, se revela una mayor cantidad de elementos que condensan el espacio, lo vuelven más pesado. En la composición es notable como el elemento de la derecha inician un soplido que desequilibra al elemento ascendente del centro, que se desarticula para caer en los brazos del personaje de la izquierda del cuadro. La mujer del centro es la representación de la belleza absoluta, sus suaves y contorneadas formas le dan la dimensión de sacralidad. Su largo cuerpo sugiere una proporción exagerada del canon de la anatomía, es de notar como la mano derecha con el antebrazo es excesivamente largo si lo comparamos con el brazo. Todo este recorrido visual está acompañado del desprendimiento, a manera de lluvia de las rosas, que caen a manera de pluma. La sensación espacial de profundidad se logra a través de la línea, además de la división del espacio matemáticamente. Sobre el color, el tono general es policromático, es notable que el fondo goza de colores fríos y en primer plano, los colores cálidos y dorados, dándose un contraste por temperatura (frío y cálido) que a la vista se sienten armónicos y equilibrados. En esencia el cuadro es una imagen mística que atrapa y nos deja en un estado de contemplación

BIBLIOGRAFIA

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MILICUA, José; SUÁREZ, Alicia; VIDAL, Mercé (1994). «El arte como escenario del arte». Historia universal del arte. V. IX. Madrid, Editorial Planeta, S. A. ISBN 84320-6689-3.



MARTÍN PRADA, Juan . (2012). Otro tiempo para el arte. Cuestiones y comentarios sobre el arte actual. Sendemà, Valencia. ISBN: 978-84-939084-1-6.

ENLACES EXTERNOS

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