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Arte Romano En el 312 d.c con la llegada del emperador Constantino al poder, se realizan varias reformas, entre ellas trasladar la nueva capital del imperio Romano, a partir de ese momento surgen dos imperios: el de Oriente y el de Occidente. Esta división se hace oficial en el año 395 d.C. cuando los dos hijos del emperador Teodosio, se quedan con una parte del imperio cada uno. Constantino fue considerado el primer emperador cristiano, por permitir la libertad de culto para los cristianos, quienes para ese momento habían sido perseguidos y torturados por sus creencias. A pesar de que el cristianismo fue declarado legal, la figura del emperador no perdió importancia. En la época que Constantino ejercía el poder el arte tomó un nuevo giro, se enfocaba en el contenido de la maestría. Una muestra de esto es el ‘Arco de Constantino’, construido en Roma entre el 313 y 315 d.C, el cual conmemora el ascenso al poder de Constantino y el posterior Edicto. A pesar de la falta de técnica, la representación puesta en la obra tiene una gran carga de contenido. Las figuras de los emperadores que están plasmadas allí a parte de Constantino, eran Trajano, Adriano y Marco Aurelio, considerados como los emperadores “buenos” y Constantino quería ser asociado con ellos. En el año 380 el emperador Teodosio reconoce al cristianismo como la religión oficial del estado. De esta manera Roma pasa a ser gobernada por un monarca cristiano escogido por Dios. Cuando el cristianismo pasa a ser practicado libremente surge la necesidad de representar la

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figura de Cristo. Las técnicas que se usaron para esto fueron la de representación de dioses como Zeus o Jupiter, la cual también se aplicó para simbolizar la figura del emperador.

Arte Paleocristiano Antes de que Constantino legalizara la cristiandad, las imágenes del emperador era consideradas una traición; por esta razón los cristianos se vieron obligados a buscar lugares ocultos para practicar sus nuevas creencias monoteístas. Al comienzo la práctica cristiana se llevó a cabo en viviendas privadas, pero a medida que la nueva religión se iba extendiendo fueron buscando otros lugares. Uno de estos sitios eran las ‘Catacumbas’, en las mismas, un arte pictórico aporta nuevas bases estéticas e iconográficas, y supone la novedad de este primer arte cristiano. Aunque este arte es muy sencillo desde su apreciación formal y desde la técnica, es muy importante porque muestra como los primeros cristianos representaron escenas del antiguo y nuevo Testamento. Para expresar esta nueva fe, las representaciones en las catacumbas toman una representación sencilla, que se enfoque en la narración de las historias de la Biblia, con carácter educativo.

Arte Bizantino Constantinopla quería mantener viva el esplendor de las mejores épocas del imperio romano. El imperio de Oriente se transformó en otra sociedad diferente a la occidental.

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En la capital del imperio oriental las iglesias y las basílicas formaban parte del núcleo de Constantinopla. Fueron estos los que sirvieron para plasmar el arte del período Bizantino. La reproducción de imágenes de los emperadores y sus familiares aparecieron en espacios públicos. Honour & Fleming (1987) explican que Constantino mandó a levantar una estatua de su madre al lado del palacio Daphne. Durante la época del emperador Justiniano, el arte estaba destinado a resaltar el poder del emperador. Una muestra de esto es que la construcción de Santa Sofía, la cual contemplaba una columna que tenía una estatua de Justiniano sosteniendo la cruz.

Elección de la pintura del “Museo nacional de Bellas Artes”:

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Nombre: Floréal Autor: Louis Joseph Raphaël Collin Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 110 x 190cm Información de la obra Raphaël Collin expuso la primera versión de Floréal en el Salón de París de 1886. En ese contexto el argentino Aristóbulo del Valle tuvo ocasión de ver esta pintura que –según sus palabras– se convirtió en “una verdadera obsesión para mi espíritu” Al año siguiente, por intermedio de Eduardo Schiaffino, Del Valle entró en tratativas para poseer una obra del artista y ofreció a Collin 7.000 francos por una réplica de la obra entonces perteneciente al Museo del Luxemburgo (actualmente en el Musée des Beaux-Arts de Arras). Al enterarse por Miguel Cané de que un discípulo de Collin estaba prácticamente finalizando la reproducción, Del Valle indignado procuró emprender acciones legales contra el pintor. Sin embargo, la mediación de William Bouguereau, entonces presidente del jurado del Salón y de la Association des Artistes Peintres et Sculpteurs, frenó su intención al ratificar la validez de la intervención de terceros en la práctica en cuestión. Conforme, el coleccionista aceptó la pintura en Buenos Aires en 1889. Floréal es un cuadro moderno que conjuga elementos de varias tendencias entonces en boga. No recurre a asuntos mitológicos o históricos para justificar la exhibición del cuerpo desnudo; la pincelada utilizada para la resolución del paisaje es deudora de la factura de los impresionistas. A su vez, la languidez de la muchacha se relaciona con la estética simbolista de Pierre Puvis de Chavannes, el modelo de Collin para expandir la enseñanza

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académica que recibió de Bouguereau y Alexandre Cabanel en sus años formativos. De este modo, Floréal es ejemplar de los intercambios que muchos artistas practicaron a fines del siglo XIX para hacer perdurar la tradición académica, y en particular el desnudo de salón, género que muchos consideraban agotado y en crisis. Análisis de la obra: En la obra predomina una mujer acostada y desnuda en el césped ocupando la mitad del cuadro, y de lejos se puede visualizar un lago. El cuerpo de la mujer, como el paisaje de fondo tienen un aspecto en común, la paz, la tranquilidad y la ausencia de movimiento. El cuerpo de la mujer está reposando en una pose que transmite serenidad y quietud, ya q es natural y poco forzada; esto se refleja en la relajación de los músculos de la joven. La expresión del rostro es un aspecto que suma a lo dicho anteriormente de la obra, como también lo es la mano izquierda, la cual crea una sensación de comodidad. Las manos delgadas, el cuerpo, la textura de la piel y el color parejo en cada pliegue, demuestra la perfección e idealización del cuerpo. En esta obra no se mezclan los trazos de fondo. Al ser una escena en el exterior, parece que la luz de proviene del sol. El paisaje del fondo hace un contraste con el cuerpo de la modelo. El objeto diseñado es un traje de baño, ya que es una prenda fresca, para usar en ambientes naturales, esto se relaciona con el contexto de la obra, ya que se puede ver mucho césped, naturaleza, y un lago de fondo.

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Es un diseño agradable representando la posición cómoda, poco forzada, de la joven en la obra. Es una prenda que transmite tranquilidad, paz, ya que la mayoría de veces que se utiliza es para irse de vacaciones o en situaciones especiales, poco cotidianas. El estampado del mismo es una mezcla de los dos colores que predominan en la obra, el verde por la naturaleza, y el azul por el lago. Ya que el la mujer está simbolizada, por el hecho de que usa la prenda. Diseño:

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Conclusiones Realizar el trabajo me sirvió para poder interpretar las obras. Gracias al trabajo de campo que realizamos pude interiorizarme más con las pinturas, ya que es una manera poco habitual de tener una clase así.

Palabras Claves Imperio Romano – Emperador – Figura – Arte – Poder – Cristianos – técnicas