CARACTERÍSTICAS  DEL  TEATRO  COMO  GÉNERO   LITERARIO

 

      Según   el   DRAE,   la   dramática   es   el   “género   literario   al   que   pertenecen   las   obras   destinadas   a   la   representación   escénica,   cuyo   argumento   se   desarrolla   de   modo   exclusivo   mediante   la   acción   y   el   lenguaje   directo   de   los   personajes,   por   lo   común   dialogado”.  A   diferencia   de   la   narrativa,   el   teatro   tiene  que  contar  una  historia  en  un  lapso  no  demasiado  largo,  y   además   debe   hacerlo   manteniendo   vivo   el   interés   del   público.   Por   ello,   en   el   teatro   prima   sobre   todo   la   acción,   el   conClicto,   expresado  a  través  de  la  palabra  y  el  gesto  de  los  personajes.  El   drama  combina  palabra  y  elementos  espectaculares.       El   teatro   es,   pues,   una   manifestación   artística   compleja,   suma   de   texto   literario   y   elementos   escénicos.   Así,   aunque   el   teatro   pueda   ser   leído,   el   único   lugar   en   el   que   el   drama   existe   plenamente   es   en   el   escenario   teatral.   El   teatro   conjuga   texto   y   espectáculo,   y   ambas   facetas   son   estudiadas.   La   parte   literaria   suele   designarse   con   el   término   dramaturgia;   los   elementos   relativos   a   la   puesta   en   escena   se   engloban   bajo   el   concepto  de   esceniNicación.

LA  ACCIÓN  TEATRAL   La   acción   teatral   viene   determinada   por   tres   elementos   básicos:  la  palabra,  el  tiempo  y  los  personajes.        

La  palabra  

        En  el  teatro,  toda  la  acción  verbal  del  drama  es  dialéctica,  es   decir,   dialogada.   Presenta   un   conClicto,   una   tensión   entre   los   personajes  que  se  resuelve  con  las  limitaciones   del  espacio  y  del   derroche   del   diálogo,   redundando   en   una   mayor   intensidad   y   carga  signiCicativa.         Existen  varias   formas  de   organizar  y   presentar   la   palabra   en   la   escena.   La   más   habitual   es   el   diálogo   entre   dos   personajes.   Por   lo   general,   un   diálogo   de   intervenciones   breves   y   encadenadas   suscitará   en   el   espectador   mayor   sensación   de   dinamismo,  mientras  que   las  intervenciones  más  extensas  suelen   desacelerar  la  escena  y  aportan  mayor  información  y  reClexión.        Un  recurso  teatral  típico  es  el  monólogo,  el  parlamento  que  un   personaje   pronuncia   para   sí   mismo,   sin   más   testigos   que   el   público.  El  más  famoso  monólogo  teatral  es  el  de  Segismundo  en   La   vida   es  sueño  de  Calderón  de  la  Barca.  El  monólogo   resulta  un   modo   eCicaz   de  presentar  los   pensamientos   y  sentimientos   de  un   personaje   concreto,   una   forma   de   deCinir   con   rapidez   y   efectividad  su  caracterización.         Otro   recurso   dramático   de   gran   rendimiento   es   el   aparte,   es   decir,   las   palabras   que   un   personaje   dice   para   el   público   aparentando   que   otros   personajes   que   están   en   escena   no   lo   oyen.

El  tiempo  

        Una   diferencia   fundamental   entre   el   drama   y   la   narración   estriba   en   el   tratamiento   dado   al   tiempo.   El   tiempo   teatral   es   siempre   un   tiempo   concentrado   porque   la   representación  

transcurre  en  un  tiempo  real,  ante  los  ojos  del  espectador.         La   misma   compartimentación   de   la   obra   teatral   en   actos   (o   jornadas,   como  también   se  los   llamaba   en  el   Siglo  de  Oro)   es  una   forma  de  ordenar  y  facilitar  el  paso  del  tiempo.  Cada  acto  tiende   a  suceder  a  lo   largo   de  un  tiempo   lineal.   Entre  el  Cinal   de  un  acto   y  el  inicio  de  otro  suele  transcurrir  un  lapso  temporal;  ese  tiempo   que   no  se   representa  resulta  imprescindible  para   el  avance  de   la   acción.       El  número  de  actos  de  las  obras  teatrales  ha  variado  a  lo   largo   de   la   historia.   La   preceptiva   clásica   prefería   los   cinco   actos,   mientras   que   el   teatro   áureo   español   tendió   masivamente   a   las   tres   jornadas   que   repartían   la   acción   en:   presentación,   nudo   y   desenlace.       Este   elemento   nos   lleva   a   las   unidades   clásicas:   la   concentración  temporal  y   espacial  del  teatro,  el  hecho  de   que   la   obra   deba   transcurrir   ante   un   público,   en   un   aquí   y   ahora,   explica   la   importancia   histórica   del   llamado   modelo   de   las   tres   unidades  dramáticas.       Esta  caracterización   se  remonta   a  Aristóteles   y  consiste   en  una   serie   de   normas   muy   sencillas   para   evitar   la   dispersión   del   tiempo,   el   espacio   y   la   acción.   Los   hechos   presentados   en   el   drama   solo  pueden  desarrollarse   a  lo  largo   de  un  día   (unidad   de   tiempo),   en   un   mismo   espacio   (unidad   de   lugar)   y   no   pueden   disgregarse  en  episodios  secundarios  (unidad  de  acción).         La   observación   de   las   tres   unidades   dramáticas   es   una   apuesta  por  la  ilusión  de  realismo,  de  verosimilitud.     La   comedia   del   Siglo   de   Oro   no   tuvo   inconveniente   en   transgredir   los  preceptos   dramáticos  para   alcanzar   mayor   éxito   de   público.   Los   autores   neoclásicos,   en   cambio,   respetaron   escrupulosamente   las   tres   unidades   (El   sí   de   las   niñas,   de   Moratín).   El   Romanticismo   arrinconó   nuevamente   las   reglas   clásicas   (Don   Juan   Tenorio,   de   Zorrilla),   y   el   siglo   XX   ha   sido   testigo  de  todo  tipo  de  actitudes.

    (Los   actos   suelen   dividirse   en   escenas,   que   vienen   marcadas   por  la  entrada  o  salida  de  algún  personaje).

Los  personajes  

      La   condensación   característica   del   teatro   impide   profundizar   en   la   psicología   de   todos   los   personajes.   Los   secundarios   del   drama   no   suelen   tener   gran   densidad,   pues   apenas   hay   tiempo   para  caracterizarlos.  A  veces,  incluso  los  protagonistas  son  meros   representantes   de   un   modelo   de   comportamiento,   un   tipo   humano.       Si   el   personaje   no   está   individualizado,   puede   deCinirse   como   un   carácter   (por   ejemplo   la   mujer   sabelotodo,   presente   en   muchas   comedias   del   siglo   XVII),   como   un   rol   o   papel   convencional   (compañero   de   protagonista)   o   como   una   función   de   la   acción   (portador   de   noticias).   En   todos   estos   casos,   el   personaje  carece  de  facetas  individuales  y  se  comporta  según  lo   que  se  espera  del  estereotipo  que  representa.       Para   que   la   construcción   de   los   personajes   sea   verosímil,   es   preciso  que   exista  el   decoro,   de   manera   que   la   condición  social   de   los   personajes,   su   lenguaje   y   su   carácter   resulten   acordes   y   coherentes.       Entre   los  tipos   más   característicos   del   teatro   del   Siglo  de   Oro   se  encuentran  el  galán  y  la  dama,  el  padre  y  el  hermano  de  la   dama,   guardianes   de   su   reputación   en   los   dramas   de   honor.   Tanto   o   más   característicos   que   estos   es   el   gracioso,   de   baja   extracción   social,   ingenioso,   que   crea   un   interesante   contraste   con  la  acción  seria.       Hay   otros   tipos   menos   importantes:   el   soldado   fanfarrón,   el   criado  traidor,  el  rey...       Desde  el  Romanticismo  hasta  nuestros  días,  se  ha  considerado  

primordial  ahondar  en  el  carácter  de  los  personajes  y  presentar   en  escena  a  criaturas  que  evolucionan  en  profundidad,  como  los   personajes  atormentados  (teatro  de  Lorca).

COMPONENTES  ESCÉNICOS  

      Los   autores   dramáticos   no   suelen   limitarse   a   escribir   el   texto   que  los  actores  deben  pronunciar.  Por  lo  general  añaden  ciertas   indicaciones  sobre  el  modo  en  que  debería  llevarse  la  obra  a  las   tablas.   Esas   indicaciones,   llamadas   acotaciones,   contienen   información   sobre   la   entrada   y   salida   de   personajes,   indumentaria,  acciones  que  realizan,  etc.         Junto   a   las   acotaciones   también   facilitan   información   importante  los  apartes.

        En  cuanto  a   la  escenograCía,  cabe   recordar  que   los  elementos   de  decorado  utilizados   en  el  teatro   español  han  ido   variando  con   el   tiempo.   En   el   siglo   XVII,   el   espacio   de   representación   más   habitual   es   el   corral   de   comedias,   un   teatro   con   una   distribución   escénica   bastante   sencilla:   un   tablado   donde   interpretan  los  actores,  dos  puertas  al  fondo  para  las  entradas  y   salidas,  y  un  piso  superior  con  ventanas  y  un  balcón.         La  mayor  parte  del  presupuesto  de  las  compañías   teatrales  se   invertía  en  el  vestuario.       En   el   Romanticismo   alcanzaron   un   enorme   éxito   las   llamadas   comedias   de   magia,   que   versaban   sobre   historias   fantásticas,   a  

menudo   inverosímiles;   su   popularidad   dependió   en   gran   parte   del  uso  y  abuso  de   la  escenograCía  y  los  efectos  visuales.  El  teatro   moderno   cuenta   con   los   medios   necesarios   para   realizar   los   montajes   más   complejos.   Hoy   en   día,   el   exceso   o   la   ausencia   de   escenograCía   dependen   de  las   decisiones   del   director   de   escena   antes  que  de  limitaciones  técnicas.

LOS  SUBGÉNEROS  DRAMÁTICOS           Desde   la   Antigüedad   griega,   los   dos   principales   géneros   teatrales   han   sido   la   tragedia   y   la   comedia,   que   se   diferencian   sobre   todo   por   su   Cinal   y   por   las   características   de   sus   personajes.       La   tragedia   concluye   siempre   con   la   muerte   de   uno   o   varios   personajes.   Los   personajes   trágicos   no   son   gente   común,   sino   reyes,   nobles   o   héroes:   son   seres  superiores  a  nosotros,  pero   no   tan   distintos   como   para   que   no   sintamos   simpatía   por   ellos   y   lamentemos   su   triste   Cinal.   Es   habitual   en   las   tragedias   que   el   destino   (‘fatum’)   desempeñe   un   papel   destacado:   los   protagonistas   tratan   de   luchar   contra   la   fatalidad   que   los   persigue.   Los   máximos   representantes   de   la   tragedia   griega   fueron   Esquilo   (La   Orestíada),   Sófocles   (Edipo   rey)   y   Eurípides   (Medea).  De  la  tragedia  romana,  Séneca  (Edipo).       No  abunda  la  tragedia  pura  en  el  teatro  clásico  del  Siglo  de  Oro;   entre  las  más  conocidas  destaca  La  Numancia,  de  Cervantes.       Cuando   los   personajes   son   seres   normales   y   no   dioses   o  

héroes,   la   obra   suele   recibir   el   nombre   genérico   de   drama   (La   casa  de  Bernarda  Alba).  El  DRAE  deCine  el  drama  como  “obra  de   teatro  o  de  cine  en  que  prevalecen  acciones  y  situaciones  tensas   y  pasiones  conClictivas”.       La   comedia   representa   el   polo   opuesto   a   la   tragedia:   suele   tener   un   comienzo   conClictivo,   caracterizado   por   la   aparición   de   un   problema   que   se   supera   a   lo   largo   de   la   obra   para   alcanzar   un  Cinal  feliz.  Los  personajes  de  la  comedia  suelen  ser  gente  del   pueblo,   personajes   cotidianos   no   muy   distintos   de   nosotros.   La   comedia   busca   nuestra   complicidad   a   través   de   la   risa.   Una   espléndida  comedia  de  Lope  de  Vega  es  El  perro  del  hortelano.       Existe   un   tercer   subgénero,   la   tragicomedia,   que   se   caracteriza   por   hallarse   a   medio   camino   entre   la   comedia   y   la   tragedia.   Suelen   ser   tragicomedias   aquellas   obras   de   Cinal   desafortunado   en   las   que   aparecen   elementos   cómicos   y   personajes   de   distinta   extracción   social   (La   Celestina   o   Tragicomedia   de   Calisto   y   Melibea,   como   la   llamó   Fernando   de   Rojas).       Junto   a   las   obras   teatrales   de   gran   extensión   ha   existido   siempre  un  teatro  menor,  de  corta  duración,  cómico  y  a  menudo   costumbrista.   Estas   piezas   breves   solían   representarse   en   los   entreactos   de  las  comedias,   como   distracción   para  el  público   que   esperaba  la  reanudación  de  la  obra  principal.      Destacan: -­‐El   paso,  pieza  breve  y  cómica,  popularizado   por  Lope  de  Rueda   (Las  aceitunas). -­‐El   entremés,   pieza   en   un   solo   acto,   cómica   y   con   personajes   populares,   siempre   magistral   en   manos   de   Cervantes   (El   viejo   celoso).   Famosos   son   también   los   de   los   hermanos   Álvarez   Quintero  (Ganas  de  reñir). -­‐El  sainete,  obra  popular  independiente,  en   uno  o  más  actos,  que   alcanza   sus   mejores   momentos   con   Ramón   de   la   Cruz   (Manolo,   tragedia   para   reír   y   sainete   para   llorar)   y   Carlos   Arniches   (Don  

Quintín  el  amargao). -­‐El   auto  sacramental,   obra  de  tema   religioso   que  cuenta   con   un   solo   acto   en   verso.   Los   personajes   son   alegóricos   (la   Muerte,   el   Pobre,   el   Rico,   la   Hermosura,   el   Mundo...).   Este   género   vive   su   apogeo  durante  el  siglo  XVII,  gracias,  sobre  todo,  a   Calderón  de  la   Barca  (El  gran  teatro  del  mundo).  Se  solían  representar  durante   el  día  del  Corpus.  En  el  siglo  XX  algunos  autores  han  escrito  autos   sacramentales   desacralizados,   como   Alberti   (El   hombre   deshabitado)  y  Miguel  Hernández  (Quién  te  ha  visto  y  quién  te  ve  y   sombra  de  lo  que  eras). -­‐La  farsa,   obra  cómica,  breve,  y  sin  otra  Cinalidad  que  la  de  hacer   reír.   Suele   tener   un   marcado   carácter   satírico   y   se   caracteriza   por   la   exageración   de   las   situaciones   (por   ejemplo,   La   zapatera   prodigiosa,  de  García  Lorca).