EL BARROCO. ESCULTURA

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10.5.- LA IMAGINERÍA BARROCA ESPAÑOLA: ESCUELAS Y PRINCIPALES ARTISTAS.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA BARROCA:

LA ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA En España el Barroco coincide con el período cultural que se ha denominado el Siglo de Oro. Es un período de máximo desarrollo de las letras y las artes, que contrasta con la profunda y compleja crisis política, social y económica que se vive en España, lo que casi anula los encargos de la burguesía y de la aristocracia, que se conforma con las grandes decoraciones barrocas de pintura. Por tanto es la iglesia el principal cliente y las ideas de la contrarreforma las que en la escultura se van a manifestar. A.- CARACTERÍSTICAS GENERALES 1.- La situación política que atraviesa España [ crisis política, social y Económica ] van a condicionar la escultura y la imaginería barroca. La temática religiosa y la madera policromada serán fundamentales. 2.- La escultura se verá muy influida por las ideas Contrarreformistas: representar la realidad religiosa como hechos cotidianos para mover al espectador hacia la piedad y hacia la religión. Lo sobrenatural como algo cotidiano. La TEMÁTICA será religiosa INMACULADAS santos recientes: Santa Teresa, San Ignacio de Loyola, San Francisco Javier, fundadores de órdenes religiosas como San Bruno , San Bernardo, San Francisco etc. 3.- Los materiales: más abundantes serán MADERA POLICROMADA, pocas veces el mármol y el bronce para las esculturas ecuestres del foco de la corte. Se abandona poco a poco el ESTOFADO renacentista y se le va sustituir por colores enteros en las vestiduras. 4.- La pintura de imágenes se convierte en especialidad y estuvo en manos de pintores renombrados como sucede con Francisco Pacheco y las esculturas de Martínez Montañés. EL BARROCO: IMAGINERIA BARROCA ESPAÑOLA. |

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5.- Importancia de los PASOS PROCESIONALES tanto a nivel individual ( Cristo vírgenes, santos ) o bien en grupos que narran una secuencia la Pasión y Muerte de Cristo. Se crea una muestra de gran espectacularidad: las imágenes paseando calles, las saetas, los pasos que salen al amanecer o al atardecer creando unos espectáculos festivo religiosos como sucede en Andalucía

6.- Los principales MECENAS será la IGLESIA a través de COFRADÍAS Y HERMANDADES, en menor importancia la CORTE debido a la situación de pobreza que vivía el país 7.- EL REALISMO y esto les llevó a la introducción de los postizos en las esculturas ( uñas de cuerno, dientes de pasta, ojos de cristal, pestañas y cabellos naturales etc ) 8.- TIPOS: IMÁGENES DE VESTIR solo tienen las manos y la cara talladas, el resto es una estructura de alambre. Posteriormente se realizarán las llamadas IMÁGENES DE URNA , pequeñas imágenes transportables. 9.- Ausencia de la teatralidad y del dinamismo de la italiana de Bernini. Continua la tradición de Juan de Juni y Alonso Berruguete. Posteriormente evolucionará hacia el naturalismo; las figuras en escorzo, las diagonales y la abertura hacia afuera en las líneas compositivas, la abundancia de plegados en los vestidos y las preocupaciones lumínicas; y entre las características meramente españolas el fuerte realismo y la extremada expresividad de las figuras humanas. 10.- A mitad de siglo llega la influencia de Bernini a la Corte e influirá en los maestros de la 2 ½ del siglo de las escuelas Andaluza y Levantina. Esta influencia se prolongará en el s. XVIII con SALZILLO. 11.- Aparte de los focos Castellano y Andalucía el FOCO CORTESANO se compone de artistas italianos que trabajan en las esculturas ecuestres de los reyes o en fuentes monumentales que se han perdido ( Fuente de la Puerta del Sol, Fuente del Humilladero de San Francisco )

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B.- PRINCIPALES ESCUELAS Y ARTISTAS. 1.- ESCUELA CASTELLANA GREGORIO FERNÁNDEZ [ 1576 / 1635] Figura clave en la creación de imágenes religiosas. Tuvo importantes encargos de otras partes de la zona norte con lo cual se difunde su influencia: Oviedo, Vitoria, Madrid, Oporto ) Se inicia en el taller de su padre como RETABLISTA E IMAGINERO. Su actividad se enmarca en LA PIEDAD de la sociedad castellana y en el periodo donde la capital de la Corte estuvo en Valladolid. Su CLIENTELA (la nobleza ) que le realizaron importantes encargos . Su ciudad: VALLADOLID: importancia : aquí se daba el comercio más lujoso y contaba con instituciones como la Universidad, la Audiencia y la Chancillería . Artísticamente EVOLUCIONARÁ desde la influencias manieristas de Juan de Juni [ conocía la obra cuando trabaja en Valladolid ] hasta conseguir gran naturalismo a través del tratamiento anatómico de las figuras. Como RASGOS de sus esculturas son: los ojos entre abiertos, boca entreabierta, manos crispadas. Posteriormente, en sus últimas obras ya se ven influencias de Bernini en su preocupación por buscar los efectos de teatralidad, contrastes de luz y sombras etc. POPULIZARÁ imágenes de Cristos crucificados, yacentes, imágenes de San Isidro Labrador, Santa Teresa. Como MATERIALES: trabajará será LA MADERA, nogal y cedro, con técnica de talla. La madera se policromará utilizando el temple. Abandona el dorado renacentista y prefiere encarnaciones mate sin brillo, se acercaban más a la realidad. EL TRATAMIENTO DE LOS PAÑOS: los tallaba como si fuera cartón provocando pliegues con aristas lo que permite el juego de luces y sombras. Destaca también el gran VIRTUOSISMO en el tratamiento del desnudo, de la anatomía marcando heridas, sangre, coágulos y destrozos de la piel. SU ESCULTURA SE PUEDE AGRUPAR COMO: A.- PASOS PROCESIONALES: Fueron encargos de cofradías, cabildos y órdenes religiosas para adornar capillas y monasterios.  El descendimiento  Cristo con la Cruz a cuestas.  CRISTO ATADO A LA COLUMNA  La Coronación de espinas EL DESCENDIMIENTO IDENTIFICACIÓN Autor: Gregorio Fernández Fecha: 1623. Estilo escultura barroca. Escuela castellana Tipo: escultura religiosa / paso procesional ANALISIS FORMAL Resultado de encargos de COFRADÍAS Y HERMANDADES. Renueva los pasos a partir de la construcción de los mismo en Madera policromada. Los construye como escenas vivientes, con muchas figuras. Enorme complejidad técnica ya que todas las figuras están diseñadas de tamaño natural. Teatralidad, efectismo, barroquismo, gesticulación. Naturalismo: tratamiento de telas y gestos. Anatomía detallada, tratamiento de telas acartonadas ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO Imágenes en procesión contacto con el creyente / acercamiento a la piedad popular. Las imágenes reflejan dos mundos: los buenos ricas indumentarias (la virgen, personajes bíblicos ) los malos: feos, groseros, toscos , embrutecidos ( sayones, soldados y torturadores ). Los primeros el sufrimiento les ennoblece, los segundos el aplicar el dolor, los embrutece y los hace bestias

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CRISTO ATADO A LA COLUMNA IDENTIFICACIÓN Autor: Gregorio Fernández Fecha: 1615. Estilo escultura barroca. Escuela castellana Tipo: escultura religiosa / paso procesional ANALISIS FORMAL DESCRIPCIÓN: solo se conserva la imagen principal. Iba acompañada de dos sayones. Se daba culto el resto del año y se sacaba en Semana Santa. COMPOSICIÓN: Cristo en el momento de recibir los azotes. Figura ligeramente inclinada hacia adelante y hacia u lado resultado del dolor del sufrimiento. Se observan aspectos manieristas en: frialdad de la imagen elegancia dentro del dolor, cierto interés por la línea curva. Hay un giro y un movimiento muy medido: piernas y brazos se sitúan en direcciones contrarias. POLICROMÍA: realista, consigue la sensación de dramatismo. Se marcan las distintas heridas / se utilizan elementos postizos ( ojos ) para causar sensación de realismo. Paño de pureza acartonado y anguloso. Claroscuro. Patetismo contenido ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO Imagen que trata de revivir la Pasión y mostrar una lección al creyente. Aquí se mezcla realismo / teatralidad efectos escénicos puestos al servicio de la difusión de una idea: servir al CATOLICISMO

B.- VIDA DE CRISTO Cristo Yacente del Museo nacional de escultura La Flagelación Cristo de la Luz, Cristo de la piedad La piedad. En todas estas figuras lo fundamental EL REALISMO, el estudio anatómico, el tratamiento de las heridas o de la sangre: usa la resina y el corcho para fingir los coágulos de sangre. Concibe las obras con uno o con varios puntos de vista dependiendo el lugar donde va a ser dispuesto. Las obras como la piedad predomina el punto de vista frontal. Los pasos procesionales tienen mayor puntos de vista. COMPOSICIÓN: los grupos siguiendo diagonales bruscos, escorzos y ropajes muy plegados que se traducen en juegos de luces y sombras. CRISTO YACENTE IDENTIFICACIÓN Autor: Gregorio Fernández Fecha: 1614. Dimensiones 1,90 x 73 cm Estilo escultura barroca. Escuela castellana Tipo: escultura religiosa Técnica: Talla: ANALISIS FORMAL DESCRIPCIÓN: Cristo acaba de morir. Todavía se ven el sufrimiento y las heridas entreabiertas COMPOSICIÓN: el cadáver aparece desnudo, tendido y con la cabeza ladeada encima de una almohada Los signos del sufrimiento se ven: la herida en un costado, la sangre que brota de ella, de las rodillas, los ojos medio cerrados los cabellos rizados , la boca todavía abierta. El cuerpo: modelado suavemente, estudio anatómico, detalles naturalistas: costillas o la elevación del esternón, los pliegues de la sábana. EL BARROCO: IMAGINERIA BARROCA ESPAÑOLA. |

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POLICROMÍA: realista, consigue la sensación de dramatismo la sangre, los moratones de los pies y del costado, las rodillas ensangrentadas ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO Imagen de nueva creación solía estar delante del altar mayor en las iglesias de Viernes Santo. El objetivo promover el fervor religioso de los fieles. Se busca el efectismo, la treatralidad con tal que el mensaje llegue mejor al fiel. Imágenes sencillas para un público sencillo. Aquí se mezcla realismo / teatralidad al servicio de la difusión de una idea: servir al CATOLICISMO.

C.- LAS INMACULADAS Una forma de difundir los planteamientos religiosos de la Contrarreforma. Fija el tipo iconográfico de MARÍA INMACULADA , muy atacada por el protestantismo a la que negaban su papel en el proceso de redención. Creará la imagen: Niña envuelta sobre una nube, con una túnica blanca, con las manos cruzadas en el pecho y un manto azul celeste cayendo sobre los hombros y una serpiente a sus pies en lugar del dragón del que hablan las Escrituras. Se difunde la imagen de las PIEDAD de edad avanzada que sostiene en su regazo el cuerpo de Cristo. En estas imágenes se acentúa la teatralidad y el patetismo invitando a los fieles a participar en el dolor y muerte de Cristo.

LA PIEDAD IDENTIFICACIÓN Autor: Gregorio Fernández Fecha: 1616. Dimensiones 1,75 cm Estilo escultura barroca. Escuela castellana Tipo: escultura religiosa Técnica: Talla: ANALISIS FORMAL

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DESCRIPCIÓN: Cristo en el regazo de su madre unas horas después de haber muerto. COMPOSICIÓN: se trata de un grupo escultórico compuesto por varias figuras San Juan, la Magdalena y los dos ladrones, y la Virgen con el Cristo muerto. La virgen soporta el cuerpo que parece deslizarse, resbalarse por el peso, rompiendo con ello la estructura piramidal y buscar las líneas diagonales y la asimetría tan propias del barroco. Teatralidad gestual y patetismo. POLICROMÍA: realista, contrastada entre el cuerpo marmóreo con detalles de Cristo y los colores de la túnica de la Virgen. Los paños acartonados consiguen introducir la luz en la escultura ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO España fue la principal abanderada de la Contrarreforma y por ello los principales encargos fueron de la Iglesia a través de las Cofradías y Gremios. Hay que expresar una religión de puertas a fuera, de manera pública contraria a las reformas protestantes más intimista. Para ello habría que utilizar todos los medios posibles: madera policromada, objetos realistas etc.

D.- SANTOS Difundirá tipos y santos de reciente creación, canonizados en ese siglo o en el anterior, como: santa teresa de Jesús, San Ignacio de Loyola u otros vinculados a la piedad popular como San Isidro. Santa Teresa de Jesús: Se le representa con sus hábitos y libro con pluma buscando inspiración divina. Estática, con la pluma y la mente en espera de la comunicación divina. San Ignacio de Loyola San Isidro.

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B.- PRINCIPALES ESCUELAS Y ARTISTAS. 2.- LA CORTE Madrid sede de la corte fue un foco básico de la escultura. Los encargos de la Corona hizo que coincidieran aquí escultores Italianos y nacionales. Serán un grupo de escultores extranjeros al servicio de la Monarquía: Juan de Bolonia Pietro Taca que realizarán las esculturas de Felipe III y Felipe IV MANUEL PEREIRA Portugués afincado en Madrid. Realizará muchas obras en PIEDRA destinadas a ornamentar el exterior de los edificios. También trabajará la madera y el alabastro. Sus rasgos: Estilo sereno, elegante, sobrio. Figuras esbeltas y llenas de sentimiento místico. Realismo intenso

La estatuaria oficial apenas existe, los mayores clientes de los escultores barrocos son las iglesias y conventos, sólo cabe citar: Estatua Ecuestre de Felipe III en la Plaza Mayor de Madrid: Regalada al monarca español por el gran duque de Florencia, Cosme de Médicis, está situada en el centro de la plaza, fue realizada en Florencia por los escultores Juan de Bolonia, que hizo el vaciado en bronce, y Pietro Tacca, que remató la obra.

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Estatua ecuestre de Felipe IV en la Plaza de Oriente: Una de las más importantes estatuas ecuestres de la historia, fue diseñada por Velázquez, fundida en bronce por Pietro Tacca en Italia y se supone que Galileo hizo los cálculos para que pudiera sujetarse en un difícil equilibrio, en corbeta y sostenido con las patas traseras y la cola.

3.- LA ESCUELA ANDALUZA: SEVILLA MARTÍNEZ MONTAÑEZ Tiene enorme importancia en al escuela andaluza: maestro, inspirador, gran taller de gran influencia. Su personalidad evolucionará desde: Torrigiano y Miguel Ángel hasta conseguir su propio estilo. Tiene un REALISMO DE CARÁCTER DIDÁCTICO con los encargos de los Jesuitas y un profundo conocimiento de la anatomía. Sus proporciones son clásicas y en sus obras a veces se aparta del patetismo y del dramatismo. Predominan LO MELANCÓLICO Y LO MÍSTICO alejándose del patetismo de le Escuela castellana. Le interesa LA BELLEZA SERENA, REAL. Creará esculturas que perdurarán en la iconografía española como San Ignacio, San Bruno etc. En su tiempo considerado “ un dios de la escultura “ Intervendrá en muchos retablos que también era tracista y ensamblador. Sus obras más destacadas son: LAS INMACULADAS: Tema muy solicitado por cofradías y órdenes religiosas. Sus imágenes aparecen con el manto terciado y en actitud ascendente, como trasportada por los ángeles al cielo. INMACULADA LOS CRISTOS CRUCIFICADOS. CRISTO DE LA CREMENCIA SAN JERÓNIMO DE MARTINES MONTAÑES

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MARTINEZ MONTAÑES. SEVILLA IDENTIFICACIÓN: CRISTO DE LA CLEMENCIA Autor: Martínez Montañés Fecha: Estilo escultura barroca. Escuela andaluza Tipo: escultura religiosa Técnica: Talla: ANALISIS FORMAL DESCRIPCIÓN: Cristo en el momento de morir- Uno de los crucifijos más expresivos de todos los pasos de Semana Santa. COMPOSICIÓN: Serenidad y amabilidad en esta escultura es resultado del contrato y los términos del mismos.“ el Cristo ha de estar vivo antes de haber expirado, con la cabeza inclinada hacia el lado derecho mirando a cualquier persona que estuviera orando al pie como que le esta hablando el mismo Cristo y como quejándose que aquello que padece es por el que está orando” Anatomía muy estudiada como en los clásicos. Paño de pureza complejo con plegado menudo y múltiple donde nos expresa la habilidad del escultor como tallista. POLICROMÍA: fue policromado por Francisco Pacheco. ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO España fue la principal abanderada de la Contrarreforma.

JUAN DE MESA Discípulo de Martínez Montañés Añade al anterior mayor dramatismo y violencia expresiva muy especialmente en sus crucifijos. La diferencia con Martínez Montañés radica en el tratamiento del cuerpo, el abuso de sangre y heridas, el plegado complejo y mas hinchado.

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PEDRO ROLDÁN Es el escultor el dramatismo a su máxima expresión. Realiza complejas escenografías integrados dentro de retablos como EL RETABLO MAYOR DE LA IGLESIA DEL HOSPITAL DE LA CARIDAD DE SEVILLA. Una obra concebida como una representación teatral con lo cual los personajes son tallados con gran realismo, resaltando los efectos de luz y sombra. De fondo colocará un paisaje pintado con el Gólgota y las tres cruces.

3.- LA ESCUELA ANDALUZA: GRANADA ALONSO CANO Era escultor arquitecto, pintor. Primer escultor andaluz que no utiliza ni el oro ni el estofado, por lo que emplea colores puros en la policromía de sus esculturas, aumentando así su valor expresivo. También se caracteriza por una mayor expresividad en rostros y actitudes, por un mayor dinamismo y por la búsqueda de la perfección, del equilibrio y la idealización de los modelos. Su escultura se ve influencia por Martínez Montañés en aspectos como: Contención expresiva y el clasicismo. Del renacimiento el gusto por la estilización y lo delicado y menudo. Creará modelos iconográficos que perdurarán en el tiempo . Su traslado a la corte gracias al Conde Duque de Olivares, su protector, como pintor, le influirá Velázquez. IDENTIFICACIÓN: Nombre: INMACULADA DEL FACISTOL Fecha: 1655, Técnica: Talla . Material: madera Policromada. Dimensiones: 55 cms Iba destinada al atril o facistol del coro de la catedral de Granada, por ello con diversos puntos de vista que se recogen en la escultura. COMPOSICIÓN: de aspecto fusiforme la esculpe girando la cabeza y disponiendo las manos en dirección contraria con lo que rompe la visión frontal y le da otros puntos de vista. De pequeño tamaño esta inmaculada se apoya en una nube de ángeles y querubines. Muestra a la virgen niña muy dulce, de rostro sencillo y concentrado. Las manos están talladas con finura y delicadeza. POLICROMIA: muy cuidada, se nota aquí sus conocimientos como pintor.

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Virgen de la Oliva del Retablo de la Iglesia de Lebrija: Cano se hizo cargo de la parte arquitectónica y escultórica, representando una revolución barroca en el diseño arquitectónico, siendo su rasgo principal el orden colosal a gran escala. Aparece la Virgen, enormemente clásica, en actitud contemplativa y con una gran dignidad. Se aleja de sus contemporáneos en dos rasgos iconográficos: la desnudez del cuerpo del Niño y la cabeza cubierta de la Virgen, dos rasgos renacentistas que Cano conserva, junto con la pervivencia del estofado.

PEDRO DE MENA El verdadero fundador de la Escuela de Granada. Discípulo de Alonso Cano, aunque muy distinto a él, es más realista que su maestro e intenta representar en sus obras incluso los estados de ánimo de los protagonistas, manifestando también la emoción contenida y la tensión dramática de los temas, pero siempre con la mesura y sensibilidad andaluza. Difundirá tipos iconográficos como las esculturas de busto de Dolorosas, Ecce Homos. En los rostros sabía muy bien reflejar el misticismo, el dolor. Se recrea en el patetismo Conectó muy bien con la sensibilidad de su época: comunicaba al fiel un tipo de religiosidad exteriorizada y para ello no dudó en utilizar recursos como postizos muy naturalistas y propios de su época. Un tema muy trabajado por él será las imágenes de San francisco copiadas a partir de la momia del Santo y en las imágenes de la Inmaculada penitente siempre muy teatrales, mucho dramatismo en el rostro y detalles en el vestido de estameña. Obras:  Busto de la Dolorosa  San Francisco  Magdalena Penitente

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IDENTIFICACION Nombre: La Magdalena Penitente Fecha: 1664 Técnica: Talla Material: madera policromada Dimensión , 1,65 ANÁLISIS FORMAL TEMA: imagen de una mujer pecadora arrepentida por su pasado, que mira la cruz en señal de arrepentimiento y redención. COMPOSICIÓN: figura de tamaño natural exquisitamente labrada. Refleja el fervor religioso mediante gestos muy teatrales : mano derecha de dedos finos, reposa sobre el pecho; el izquierdo sostiene con fuerza el crucifijo, el cuerpo ligeramente inclinado hacia adelante. El rostro muy detallado: boca entreabierta, ojos enrojecidos, mejillas rígidas del llanto y frente arrugada. La túnica de palma oculta las formas femeninas hasta el punto que ni siquiera se insinúan. Imagen llena de sensibilidad, emoción y realismo, aunque no tanto como las castellanas; el punto de mayor expresividad es el bello rostro, donde refleja la pena y la angustia sentidas por la santa, magníficamente reflejado en la emotiva mirada dirigida al crucifijo que sostiene con una de sus manos, destaca el virtuosismo de la talla, con el que consigue magníficos efectos realistas en el tratamiento de las calidades. ANÁLISIS NO FORMAL La escultura cumplía muy bien su función: la penitencia, el arrepentimiento reflejado en los pies descalzos y el cinturón de cuerda. Pedro de mena no esculpía cuerpos, reflejaba estados del alma. Solía firmar sus obras ya que sus encargos provenían de diferentes lugares.

San Francisco: El estilo maduro de Mena se caracteriza por un vigoroso naturalismo y un interés por el patetismo que le alejan de la sensibilidad de Alonso Cano, su maestro. EL BARROCO: IMAGINERIA BARROCA ESPAÑOLA. |

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4.- LEVANTE: EL FOCO DE MURCIA FRANCISCO SALZILLO. Se desarrollo durante el s. XVIII. Hay una serie de autores que entran en contacto con Italia, con Génova y Nápoles y van a unir en las esculturas: la sensibilidad del Barroco y su espiritualidad con el gusto por las imágenes frágiles y delicadas. La obra de Salzillo coincide con un periodo próspero de Murcia, de la explotación de la Huerta, la construcción de la Catedral y de la comercialización de la seda. Continuación de la tradición barroca pero inclinado a figuras finas y delicadas, con un tratamiento especial de la pintura, casi porcelana, muy entusiasta del color. Tenía unas enormes capacidades creativas muy especialmente para los Belenes y pasos. Sus encargos provenían de la burguesía enriquecida con el comercio. Es autor de muchos belenes donde la expresividad y el realismo es más libre y sobretodo de muchos pasos de Semana Santa. Autor principalmente de pasos de Semana Santa, grupos complejos más que figuras aisladas, que a modo de secuencia van narrando la Pasión de Cristo a los fieles. En su obra se aprecian claras influencias italianas, sobre todo por su equilibrio clásico, y se hace evidente el encanto rococó de moda en la Europa del siglo XVIII. Obras:  La oración en el huerto  El prendimiento  Imágenes de Belenes. La Oración en el huerto: su obra más importante, es un grupo en madera policromada perteneciente a las escenas de la Pasión y destinado a ser paseado por las calles en Semana Santa; por sus características plásticas se sitúa en la transición entre el barroco y el refinamiento y delicadeza del rococó, destacando el canon neoclásico en el desnudo del ángel.

El Prendimiento: Destacan el contraste entre los rostros de Jesús y Judas, la belleza y bondad frente a la fealdad y maldad, y el realismo del brazo que porta la espada de San Pedro.

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FRANCISCO SALZILLO IDENTIFICACION Nombre: Belén Fecha: 1776 Técnica: Talla Material: cerámica policromada ANÁLISIS FORMAL TEMA: la representación de el Nacimiento de Jesús de larga tradición napolitana introducida aquí por los contactos económicos que tenía levante con Nápoles. COMPOSICIÓN: figura de pequeño tamaño, donde se refleja el realismo y espontaneidad del autor. Además de realizar los temas tradicionales Natividad, Adoración de los Reyes Magos, Huida de Egipto etc, introdujo escenas populares desde pastores, mendigos, hombres desollando a un animal etc. Tratamiento de las figuras es de frescura y naturalidad, expresividad natural sin maquillajes. Imita ropas vulgares , objetos caseros etc. ANÁLISIS NO FORMAL La tradición viene de Italia donde las familias nobles rivalizaban por poseer el belén más detallado y cuidado. Se trataba de escenas de la vida cotidiana tanto urbana como rural donde se representaban a escala reducida los aconteceres de la vida.

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