Crónicas de cine trashumantes Ángel Rafael Lombardi Boscán Maracaibo, Noviembre 2011 Me confieso un cinéfilo sin oficio ni arte, es más, lo poco que sé de cine es porque sencillamente he procurado ver mucho cine y algo he aprendido en distinguir lo excelso de lo mundano, pero sin pretensiones de ningún tipo. Vaya ésta advertencia a todos los lectores de éstas breves crónicas. En ellas no se encontraran artilugios semióticos ni eruditas explicaciones. Trato de situarme desde la perspectiva del espectador curioso y espontáneo que trata de plasmar sus impresiones sin que medie ninguna técnica discursiva “profesional” definida. Mi inquietud me ha llevado a no ser indiferente a ninguna cinematografía nacional y procuro ver sólo aquello que merece la pena, sin prejuicio y sin repudio de nada o nadie. Es por ello lo de “trashumante”: aquí hay reseñas de cine turco, chino, japonés, francés, israelí, inglés, estadounidense, venezolano, holandés, danés, griego, canadiense, sueco y hasta mongol. Todas, o casi todas, son producciones recientes. El árbol de la vida Título original: The Tree of Life Año: 2011 País: USA Director: Terrence Malick Las penurias de Job en clave al estilo Malick “El Árbol de la Vida” de Malick se parece más a un documental con reminiscencias oníricas en torno a la creación de Dios y el frágil destino humano que a una película con argumento definido. La historia de una familia bastante convencional y clase media en los Estados Unidos de la década de los 60 le sirve a Malick para auto interrogarse acerca del bien y el mal, el destino humano, las bendiciones de la vida y sus horrores, todo un filosofar acerca del silencio de Dios y lo que representa como fundamental misterio. Las imágenes de la naturaleza son de extrema belleza y tratan de

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establecer un paralelismo entre la grandiosidad de la creación y la vulnerabilidad que existe entre los hombres y su muy corto destino. Yo la verdad es que me aburrí bastante, porque la película no solo es lenta sino que su historia me lució un tanto forzada y sin la contundencia que uno pudiera agradecer. En Malick se hace presente el extraño caso de un “genio” cuya obra experimental y confusa es percibida como algo fuera de lo común dentro de la cinematografía actual, quizás por ello logró llevarse el máximo reconocimiento en Cannes.

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La mejor historia de amor y amistad “Lost in Translation” con toda justicia es una película de culto. Mi entusiasmo hacia ella fue por etapas, al comienzo sólo me llamó algo de atención; luego al volverla a ver le encontré profundos significados en torno a la amistad, la soledad, el fracaso profesional, el amor, el miedo al porvenir, el hastío vital y la incomprensión intercultural entre otros atributos. Y ahora que la he vuelto a disfrutar, en un metraje completo con escenas inéditas que no pude apreciar antes, me quedo rendido a sus pies. Para empezar la actuación de Murray es única, excepcional, toda una obra de arte. Su personaje de galán otoñal venido a menos reboza de una autenticidad pocas veces vista en la pantalla. Como perfecto complemento tenemos a una muy jovencísima y preciosa Scarlett Johansson. La química entre ambos es casi perfecta y sus historias entrecruzadas en un Japón futurista como inhóspito algo deslumbrante. La dicha irrumpe casi siempre de la forma más misteriosa como inesperada, y de la tristeza pasamos a la esperanza y el consuelo. “Lost in Translation” es quizás, de acuerdo a nuestro humilde criterio, una de las más grandes historia de amor en toda la historia del cine. De un amor fundamentado más en la comprensión por el otro y el

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Perdidos en Tokio Título original: Lost in Translation Año: 2003 País: USA Director: Sofía Coppola

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redescubrimiento interior acerca de nuestros miedos, anhelos y fracasos, que la de una pasión sexual desaforada. El amor como amistad y compañía, sin las usuales exigencias de por medio, sin condiciones ni reproches, algo que rara vez llega darse en un plano cotidiano, y que si se da, es algo tan efímero que cae bajo el manto del olvido. Esta relación desigual por la edad e imposible por las circunstancias de ambos con sus respectivas parejas, deviene en sinfonía aunque sin final feliz, algo mucho más coherente con la vida real que las salidas embellecidas muy comunes dentro del género romántico. Y esto se agradece. En “Flores Rotas” de Jarmush hay otra interpretación de Murray con éste estilo pausado y desganado, que al comienzo desconcierta, mas luego te engancha. Y es que Murray, el mismo de los “caza fantasmas”, es un outsider de Hollywood de los más grandes, un actor de altos vuelos inmortalizado en una de las mejores películas que he podido disfrutar en mi vida.

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Dignidad y autenticidad dentro del absurdo humano ¡La gente de “dogma” se la pasa bien en ésta comedia rara al estilo danés! Los nórdicos son una especie un tanto intrigante, aunque simpática entre los humanos y sus culturas. En la película ellos mismos se auto inmolan sin rubor ni complejos de culpa. A su vez se saben dignos y sabios, algo poco común a la idiosincrasia esquizofrénica y arrogante de la mayoría de las naciones con sus cultos y mitos de grandeza. Estos daneses son gente sencilla que da la impresión que pasan por la vida tratando de hacer sólo aquello que les gusta, o sencillamente, lo que les ha tocado cumplir. La actuación del falso jefe es toda una gozadora esplendida. El parlamento deviene en un soliloquio genial, absurdo, como lo que muchas veces termina siendo la

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El jefe de todo esto Título original: Direktøren for det hele (The Boss of It All) Año: 2006 País: Dinamarca Director: Lars von Trier

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vida misma entre los hombres. Esta gente de “dogma” se las trae y su propuesta provocadora es un halito fresco dentro de un cine mundial cuya imaginación se encuentra atrofiada.

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La carga de un destino Siempre me han gustado las películas de samuráis porque expresan la nobleza extrema de unos códigos de conducta donde la coherencia lo es todo, incluso hasta llevarlo hasta su más alto costo: la misma muerte. En la película estamos en presencia de una misión a favor de la justicia, de un deber cívico y social por encima de las lealtades personales, algo que de por sí entra en flagrante contradicción con los antiguos códigos samuráis. No obstante, hay que señalar que el mundo samurái ha sido idealizado por el cine nipón y pocas veces se detiene en presentarnos toda la barbarie que hubo a su alrededor, las miserias humanas por encima de la heroicidad. En “13 Asesinos” hay claras reminiscencias a los “Siete Samuráis” de Kurosawa, el verdadero referente aún insuperable. En “13 Asesinos” hay pocas sorpresas, e incluso, hay momentos en que los combates se vuelven repetitivos y monótonos. Las actuaciones son un tanto arquetípicas y sin los matices artísticos que nos permitan encontrarnos con algo novedoso o sorpresivo, aún así “13 Asesinos” es una película correcta y que se disfruta con todo y su larga duración. Al final nos deja la interesante reflexión, mantenida por un desencantado y victorioso comandante, quién señala que: “la carga de un samurái” es algo tan pesado que no vale la pena asumirla. Que llega un momento en que esa tremenda responsabilidad es algo tan insoportable que niega a la vida misma y sus posibilidades de ser feliz.

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13 asesinos Título original: Jûsan-nin no shikaku (13-nin no shikaku) (13 assassins) Año: 2010 País: Japón Director: Takashi Miike

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Canino Título original: Kynodontas (Dogtooth) Año: 2009 País: Grecia Director: Giorgos Lanthimos La maldad está en los padres “Canino” es la maldad de unos padres enajenados y miserables que castigan con sus propios miedos la inocencia de sus hijos llevándoles a la perdición bajo la apuesta del engaño más pavoroso y mezquino. Más que una película de ciencia ficción, es una película de terror psicológico en torno a la educación, la cultura y la pedagogía, pero sobretodo, tiene que ver con las relaciones familiares y la responsabilidad de los padres en la crianza de los hijos. Hacía mucho tiempo que no veía una película que me haya sorprendido e impactado con tanta fuerza como esta “Canino”. Samurai Rebellion Título original: Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu (Samurai Rebellion) Año: 1967 País: Japón Director: Masaki Kobayashi

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Cine con maestría Masaki Kobayashi es un excelente director japonés, su cine bebe en la misma fuente de casi todos sus predecesores y maestros. Aquí, junto a Toshiro Mifune, nos cuenta una sobria historia de amor mundano que es capaz de poner en entredicho toda la marcialidad de los códigos sociales samuráis, que de paso, son denunciados como hipócritas en manos de jefes inescrupulosos como poco honorables. Cine de alta factura desde una sencillez pasmosa.

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Senna Título original: Senna (AKA Ayrton Senna: Beyond the Speed of Sound) Año: 2010 País: Inglaterra Director: Asif Kapadia Destino fatídico Me gustó el documental sobre Senna en términos redondos, si bien es una apología del valiente y ultra competitivo piloto brasileño. Lo que más me llamó la atención fue su “casamiento” con los bólidos de la Fórmula 1, ese apasionamiento rayando hasta el fanatismo más infantil por algo que el mismo Senna y su entorno sospechaban: la ineludible fatalidad, la trágica muerte en las pistas. Morir de otra forma distinta sería atentar en contra de esa pasión suicida por la cual Senna optó. Hombres más racionales, como Prost por ejemplo, pudieron retirarse a tiempo para evitar ese destino fatídico.

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Maldad “Incendies” es el horror humano; la tragedia griega traída al mundo contemporáneo pero de una forma exponencial y aún más cruel. La naturaleza humana está hecha de mierda y maldad en su forma mas canibalesca y despreciable; y la denuncia y justo castigo de esa maldad, merece algún tipo de reparación y justicia. Y es que la violencia que te toca y humilla se queda en uno, y no se decanta precisamente en el perdón o la reconciliación, sino todo lo contrario, sirve para anidar el odio y el resentimiento, y finalmente la venganza. El poder reconciliar tanta necedad y nausea a través de un sincero perdón es algo necesario aunque

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Incendies Título original: Incendies Año: 2010 País: Canadá Director: Denis Villeneuve

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no todos seamos aptos para ello. Países con pasados tan dolorosos y traumáticos como Israel y el Líbano no pueden darse como opción el olvido. “Incendies”, con todo, termina siendo un testimonio positivo y optimista cuyo mensaje pudiera ser: para caminar en el futuro con esperanza hay que unir las piezas de un pasado de oprobio, y ser capaz, de asumirlo, y mirarle cara a cara. Película fascinante. An Empress and the Warriors Título original: Jiang shan mei ren (An Empress and the Warriors) Año: 2008 País: Hong Kong Director: Siu-Tung Ching

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Cine para disfrutar Como disfruté de ésta “An Empress and the Warriors” del año 2008. Es que las películas chinas combinan a las mil maravilla la acción bélica (tienen debilidad por el arte marcial), la tensión dramática y un romanticismo ingenuo cercano a la pureza. Los chinos a diferencia de los japoneses son mucho menos formales, yo diría que son los “latinoamericanos” del Asia, y esa vivacidad uno de vez en cuando la agradece. Además, el cine chino ha progresado años luz en ofrecer propuestas técnicas impecables, sobretodo en el rubro de la fotografía lo cual les permite exhibir la grandilocuencia de escenarios naturales muy bellos los cuales les gusta destacar. Esta película, inesperadamente bien hecha, te mantiene en expectación hasta el mismo final, y lo que es más importante, te la pasas bien. Cine de entretenimiento de gran factura.

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Winter in Wartime Título original: Oorlogswinter (Winter in Wartime) Año: 2008 País: Holanda Director: Martin Koolhoven

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Holanda y la segunda guerra mundial Es bastante raro encontrar películas europeas sobre la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y descubrir que impresiones tienen acerca de esa gran tragedia. Menos aún que la propuesta provenga de países pequeños como Holanda. Mi admirada Holanda sufrió la ocupación alemana y ésta película quiere presentarse como testimonio de ese hecho. Con mesura y un tono algo gélido para hacerle honor al ambiente invernal en que se desenvuelve la película, nos adentramos a las aciagas tensiones que se producen entre los miembros de la Resistencia, las fuerzas militares de ocupación alemana y los colaboracionistas. Me interesa sobre todo destacar esto último. Ya que el colaboracionismo no necesariamente significó el actuar como soplones o adoptar la esvástica nazi con sincero entusiasmo, hablo más bien de las miles de personas que siendo patriotas y repudiando la injerencia de una potencia extranjera en las narices de sus casas, tienen que aprender a sobrevivir sin dejarse arrebatar su dignidad. Figura paradigmática en la película es el heroísmo del Alcalde del pueblo, cuyo civismo y dotes humanas son puestos a prueba en unas circunstancias extremas que terminan por aplastarlo. Otro aspecto digno a resaltar es la no demonización del ocupante alemán, evitando con ello los desvaríos usuales en que éste tipo de película incurre. Lo cierto del caso, es que estamos en presencia de una película modesta pero bien contada acerca del recurrente tema de la guerra como expresión de la estupidez del hombre.

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El discurso del Rey Título original: The King's Speech Año: 2010 País: Inglaterra Director: Tom Hooper

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Extraordinario vehículo de propaganda de la monarquía inglesa “El discurso del Rey” es una película correcta, pero hasta ahí. Llevarla a la cumbre bajo el otorgamiento de la estatuilla mayor me parece una autentica sobrevaloración de sus capacidades. De hecho es una película que exalta sin rubor el gentilicio inglés a unos niveles nada pudorosos. Colin Firth está bien, pero tampoco es para tanto, de hecho, su actuación nos pareció afectada y sin los matices a que los grandes actores son capaces de llegar. Del mismo contagio, aunque con un registro más ponderado, tenemos a nuestro muy querido Geoffrey Rush, auténtico actorazo. Que toda la película haya girado en torno al tartamudeo del Rey Jorge VI y sus afanes patrióticos para unir a su pueblo en torno a la guerra, es una situación que no terminó de impresionarnos, y quizás sea por nuestra condición de no ingleses y el natural desconocimiento a lo que la Monarquía les ha significado en su historia. Aún así, lo que hace enganchar al gran público es la inusual relación de amistad que hace romper las barreras sociales entre el más encumbrado miembro de la realeza con un súbdito del pueblo llano, y que sea éste último, y de la forma más inesperada, el que le permita lograr su liberación humana y cumplirle noblemente a su pueblo. Como inglés, que no lo soy, ésta película me hubiese hecho sentir muy orgulloso.

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The Fighter Título original: The Fighter Año: 2010 País: USA Director: David O. Russell La grandeza del amor filial Esta The Fighter fue la película que más me gustó de las diez nominadas al Oscar, sobre todo por la soberbia actuación de Christian Bale, y por la forma en que su Director David O. Russell, encauzó la historia. Y no hay duda que en el cine una buena historia sólo se puede contar de la mano de buenos actores, y esto es lo que sobra en esta película acerca del mundo del boxeo y las relaciones filiales entre hermanos. Mark Wahlberg es el perfecto complemento al desarreglado Bale, y juntos construyen una historia de superación y heroísmo desde el barro en que han caído, superponiendo los hechos a un mismo nivel que las ilusiones. Héroes de la cotidianidad que rozan la gloria en momentos especiales e irrepetibles. Una película que emociona y se disfruta desde su sencillez.

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Conspiración del silencio El misterio supremo: la muerte, ha sido el tema de Clint Eastwood en su última película: “Mas Allá de la Vida” (Hereafter). No es un tema fácil porque son más las preguntas que las respuestas, y porque en esencia nadie ha regresado del mas allá para decirnos como es eso de los paraísos e infiernos. En realidad lo de la muerte es un asunto de fe y escepticismo. Para muchos el consuelo religioso permite encarar el final con algo de esperanza, mientras que otros, ateos fervientes, aunque

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Más allá de la vida Título original: Hereafter Año: 2010 País: USA Director: Clint Eastwood

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igualmente urgidos de creer en algo, piensan en el cosmos o la fuerza de una energía mayor y trascendente. Lo cierto del caso es que muy pocos aceptamos resignadamente que al final todo sea la nada, que las luces se apaguen y el polvo en que nos convertimos sea un aliento fantasmal que se disipa. Desde muy antiguo el hombre ha intuido que la muerte es un viaje hacia otra comarca, hacia otros mundos, y mejores que el terrenal. Toda la civilización egipcia orientó sus preceptos filosóficos y ontológicos respecto al más allá. La precariedad de la existencia era un hecho insoportable, mientras que el sentido de inmortalidad representaba una autentica salvación. Las majestuosas Pirámides egipcias no son otra cosa que tumbas mágicas en la inmensidad del desierto con la función de preservar la integridad del cuerpo del difunto a lo largo del viaje hacia el confín de los Dioses. Clint Eastwood, que se nos ha revelado como un extraordinario Director, y que hoy ya ronda los 80 años, no escapa a la angustia natural en torno a la muerte, y a su propia muerte. Y en su película la respuesta que nos logra brindar desde su particular óptica de hombre sabio es reconfortante y optimista. "Más Allá de la Vida" le ofrece al espectador tres historias bien hilvanadas que confluyen en un desenlace signado por la convicción de que hay algo después de la muerte, que nuestras vidas no pasan en vano, y quizás, lo más impactante, que somos responsables de nuestras acciones y estas trascienden con sus consecuencias, ya sean buenas o malas, a la misma existencia. Según Eastwood, la dimensión moral y ética humana pasa a ser el centro de la salvación a través del amor, la solidaridad, y la integridad.

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Cisne negro Darren Aronofsky me conmovió con su “Luchador” y me decepcionó por completo con “La Fuente de la Vida”. No hay duda que es un director no convencional y con una propuesta que no deja indiferente a nadie. Con ésta “Cisne Negro” se anota un punto a su favor, por lo menos en mi caso, como modesto espectador. Natalie Portman monopoliza toda la película y tiene la dulzura de no sobreactuar ni de transfigurarse en una mala acartonada y poco creíble. Todo lo contario, su registro es de muy alto nivel, pocas veces visto hasta ahora y con una naturalidad que confirma la existencia de talento. Por otro lado, la historia de ésta bailarina de alto nivel que se autodestruye por alcanzar la perfección dentro de su arte, es no solamente triste y trágica, sino hasta heroica. Desdoblarse en otro u otra, transgredir su naturaleza tímida e introvertida, le lleva a un proceso de locura sin remisión. La música de Tchaikovski en “El Lago de los Cisnes” contribuye junto a toda la partitura independiente de la película, a remarcar los cambiantes estados de ánimo y toda la angustia de ésta excelsa bailarina atrapada dentro de una psique frágil e insegura. El final es consecuente con toda la historia. Y en esto Aronofsky no escapa al mismo final que le impuso a Rourke en “El Luchador”. La autenticidad puesta a prueba a límites insondables; la entrega absoluta a un compromiso sin distracciones cuya meta no acepta ni la derrota, ni el fracaso, ni la mediocridad; en suma: el sacrificio y la inmolación, de una forma consiente en el caso de Rourke y paranoica en el de Portman. La perfección puede significar también algo de espontaneidad, de relajamiento, de tomar las cosas con más calma, pero que va, eso le es extraño a los martirizados protagonistas de Aronofsky. Con todo, es una genial película, aunque debo reconocer que mientras en “El Luchador” obtuve

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Cisne negro Título original: Black Swan Año: 2010 País: USA Director: Darren Aronofsky

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emoción en ésta “Cisne Negro” me invadió más bien una tristeza un tanto desconcertante. Once Fallen Título original: Once Fallen Año: 2010 País: USA Director: Ash Adams Ed Harris es toda la película Once Fallen es una película triste, muy triste. Es la historia de seres caídos que buscan afecto y compañía y éstas les son completamente esquivas. Si no fuera por la poderosa interpretación de un Ed Harris soberbio, sobrio y conmovedor, ésta película no me hubiese interesado en lo más mínimo. El amor filial puesto a prueba en las más difíciles circunstancias; la lealtad y la decencia a costa del más alto de los sacrificios, y todo desde un ambiente lúgubre y malsano. Pequeña y extraña película, muy al estilo del cine independiente, pero que goza de muchos momentos rescatables.

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Cuando el cine se hace relevante La vida es ruido y furia y puede que esto no signifique nada. Tanto dolor, tantas caídas, tantas inconsecuencias, tantas frustraciones que se acumulan. Todo lo humano pareciera caer en una especie de desasosiego vital alrededor de la familia, el amor, la salud, la compañía, el dinero y el trabajo. ¿Cuál es nuestro papel en éste viaje y camino que nombramos vida? ¿Seremos un actor secundario

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Conocerás al hombre de tus sueños Título original: You Will Meet a Tall Dark Stranger Año: 2010 País: Inglaterra Director: Woody Allen

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o relevante? ¿Qué significados tiene y a cuales de tantos estos terminan por marcar cada particular existencia? La vida humana pareciera transcurrir como la del Minotauro perdido en el laberinto. Razón vs. Magia. Ilusión vs. Ciencia. Certezas que se derrumban ante lo misterioso de cada nueva experiencia. Y el gran director Woody Allen, explorando sobre la desconcertante, y a la vez, maravillosa condición humana a través de una fina ironía y una gran inteligencia sin poses intelectuales excesivas. Los adultos que pueblan las películas de Allen son pecadores furibundos, en realidad victimas de sus propias faltas y debilidades. Son muy pocos los que enfrentan la existencia con algún sentido moral consistente. La sabiduría humana según Woody Allen es un mito que se destroza ante la confusión de las finalidades. No hay racionalidad que valga ante el escabroso misterio de la vida, y con todo, siempre hay posibilidades a la felicidad, pequeña o grande, y en cualquier circunstancia, lo importante es que mientras dure hay que exprimir el momento al máximo, convertir el instante en eternidad, y saber, que acabará de un momento a otro, para dar paso a nuevas existencias y aventuras. Nada está escrito y todo es posible. Es difícil hoy en día encontrar una propuesta cinematográfica con la solvencia y maestría de Woody Allen, un auténtico genio que se reafirma, una y otra vez, en cada película, y con un anhelo vitalista fuera de lo común.

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Gengis Khan, entre el mito y la historia Una grata sorpresa me produjo ésta película del desconocido cine de Mongolia. Además, aborda la historia de uno de los guerreros más feroces y míticos que la humanidad ha producido. Las hordas mongolas capitaneadas por Gengis Khan prácticamente conquistaron toda el Asia y la Europa

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Mongol Título original: Mongol AÑO: 2007 País: Mongolia Director: Sergei Bodrov

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Oriental en el siglo XIII. Fue según los entendidos uno de los imperios más extensos que la Historia ha producido, aunque luego de su muerte, éste fue efímero al disolverse como consecuencia de la disputa entre sus numerosos herederos. Llama la atención del espectador como la figura de Gengis Khan es presentada de una manera humana y noble, libre de la barbarie que supuestamente representó de acuerdo a los moldes occidentales que se le han impuesto para comprender sus hazañas militares. De igual forma sorprende el papel desmesurado y protagónico de la mujer mongola, de ese entonces, de la mano de una esposa abnegada y amantísima, cuando lo que uno supone sin ser ducho en la materia, que éstas estaban en una situación de minoridad respecto al género masculino. Tampoco encaja bien la escena del perdón ante el temible adversario luego que éste es derrotado en la batalla crucial para obtener la unificación de todas las tribus que posteriormente se convertirían en la columna vertebral del poderosísimo ejército mongol. Las escenas de batalla, no tienen el perfeccionismo de las películas estadounidenses, pero no desmerecen en su sentido épico y espectacular. Y la grandiosidad de los paisajes con sus grandes estepas y llanuras, hábitat de los mongoles, son presentados con toda la magnificencia del caso. Aunque lo más impresionante de la película de acuerdo a nuestro criterio, es el porte de grandeza e hidalguía del actor que encarna a Gengis Khan, lo cual parece un auténtico mimetismo de acuerdo a la imagen que tenemos creada sobre ésta figura histórica. Una película “patriótica” que busca exaltar el mito y la leyenda de “grandeza” de un país inmenso con apenas 3 millones de habitantes y que se quedó estancado sin avanzar.

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Taita Boves Título original: Taita Boves Año: 2010 País: Venezuela Director: Luis Alberto Lamata

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través de la vindicta. En un tiempo de furiosas jerarquías sociales, donde el sector social blanco construyó todo un mundo de acuerdo a la maximización de sus privilegios, la figura vengativa y fugaz de Boves, se torna de una extrañeza atractiva para todos aquellos que andan a la caza de los grandes redentores históricos, sin reparar muchas veces que criminales de la talla de un Hitler y un Stalin, para solo nombrar a dos, explotaron el resentimiento social, como una poderosa arma para acaudillar a sus respectivos pueblos a una inmolación sin precedentes. Según Lamata, y estos nuevos “sociólogos” de nuestra Independencia, Boves convirtió en “gente” a quienes eran en ese entonces invisibles ante la ley y el orden imperante. Boves es transfigurado en redentor de las castas coloniales, y su orgia de sangre y terrorismo sobre el estamento blanco, es reivindicada como una especie de acierto desde el punto de vista social. Algo que encuentra no pocas similitudes con la actual cruzada “bolivariana” sobre traidores, contrarrevolucionarios, escuálidos y apátridas de todas las especies. Una vez más, el cine, financiado por entes gubernamentales, sirve de propaganda justificadora de los poderes prevalecientes, y en esto, no hay ninguna sorpresa. Donde sí la hay es en una recuperación positiva de nuestro pasado común atreviéndose Lamata a desmitificar versiones al uso, incluso de carácter teleológico, cuando se atreve a presentar los indecorosos móviles de nuestros próceres para ir a la guerra. Una guerra de significados tan confusos que los bandos en disputa se intercambiaba de bandera y “patria” de acuerdo a las oportunidades de enriquecimiento que les

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Taita Boves, de Asturias a Venezuela de la mano del terror Lamata, se hace eco, de Juan Vicente González, y reafirma la tesis muy del gusto de los actuales partidarios del Presidente, de un Boves fundador de la “democracia social” en Venezuela a

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podría producir la contienda. La guerra fue un lucrativo negocio, y a la vez, el mejor escenario para obtener mediante el saqueo, la rapiña y la destrucción, la tan ansiada igualación social. El legado de Boves es prácticamente nulo y su memoria está asociada al horror. Algo que Lamata intenta recoger de un modo algo ambiguo y caótico, y quizás en esto último, estribe su principal acierto fílmico, ya que nuestra Independencia fue un mar de contradicciones y esperanzas truncadas.

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Un drama de la vida cotidiana ¿Cuántas tragedias y miserias escondemos bajo nuestra piel? ¿Cuánto olvido puede acabar con una memoria bajo la impronta del dolor, la humillación y la vergüenza? ¿La existencia se nutre del desasosiego, la mentira y la soledad? No hay duda que el infierno, más frecuente de lo que uno cree, está instalado entre nosotros, a ojos vista. Esta película turca empieza de una manera muy lenta, disipando la atención en posibles giros argumentales, hasta que finalmente, y en apenas diez minutos, se decanta por una historia "familiar" de tintes dramáticos, cobrando sentido, todo lo anterior. Llama la atención la “rebelión” silenciosa al final, pero rebelión al fin y al cabo, de la vieja aristócrata venida a menos, en contra de la hipocresía y falta de amor de sus propios familiares, que antes prefirieron mantener las convenciones sociales, a cobijarla y protegerla del horror. Y luego está el hijo sobreprotegido y único que termina de valorar una relación difícil, aunque auténtica, con su propia madre. Dramas cotidianos dentro del laberinto de la existencia, que no repara en grupos étnicos, identidades nacionales o religiones distintas. El hombre, en su naturaleza, es básicamente el mismo. En consecuencia la Historia humana

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In Darkness Título original: Karanliktakiler (In Darkness) Año: 2009 País: Turquía Director: Çagan Irmak

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se repite bajo las mismas tendencias primarias de dolor y satisfacción; de plenitud y carencias. En el fondo: el misterio. Shrek, felices para siempre (Shrek 4) Título original: Shrek Forever After (Shrek 4) Año: 2010 País: USA Director: Mike Mitchell Sobre el ogro iconoclasta que terminó domesticado Lo que más nos gustó de la saga Shrek fue la irreverencia de sus creadores. La voladura en mil pedazos de las convenciones dentro del género de animación. Este afán desmitificador se fue diluyendo en la medida que la historia entró en la fase de las secuelas, y ya en ésta última, prácticamente podemos decir que el Shrek, heterodoxo y provocador, terminó domesticado. Lamentable final para un icono de la rebeldía anti-sistema y de la contracultura.

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Alegato anti-belicista Sorprende ésta película hebrea sobre la intervención militar israelí en el Líbano durante el año 1982. Y decimos esto porque es poco usual referirse a la guerra como un acto de barbarie e infamia. Y además, que el glorioso y super entrenado ejército israelí tenga entre su tropa gente capaz de tener miedo y de equivocarse matando civiles inocentes en vez del enemigo, ya es algo para quitarse el sombrero. La guerra es un homicidio en masa, un mal cuya recurrencia nos hace palidecer sembrando dudas sobre las

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Líbano Título original: Lebanon Año: 2009 País: Israel Director: Samuel Maoz

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bondades de la naturaleza humana. Bravo por el cine israelí, en ser capaz de producir semejante y valiente denuncia. La mejor guerra posible, es aquella que siempre puede evitarse. Mamut Título original: Mammoth (Mammut) Año: 2009 País: Suecia Director: Lukas Moodysson

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Ángel Rafael Lombardi Boscán. Historiador. Premio Nacional de Historia “Francisco González Guinán” por la Academia Nacional de la Historia de Venezuela. Doctorado en Historia por la Universidad Complutense de Madrid (España). Magister en Ciencias Políticas por la Universidad del Zulia. Licenciado en Educación Mención Cs. Sociales, Área: Historia por la Universidad del Zulia. Mención “Summa Cum Laude”. Director del Centro de Estudios Históricos de la Universidad del Zulia (2004-2011). Director de la Revista “Historia” del

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El laberinto humano “Mamut” tiene mucho de “Babel”. De hecho las historias que se entrelazan están cortadas prácticamente con el mismo molde. La infelicidad es el signo dominante, ya sea en el mundo rico como en el mundo pobre. A los primeros les falta tiempo optimo y equilibrio espiritual con todo y estar rodeados de la abundancia material, mientras que a los segundos, la pobreza les envilece. Solos pero acompañados; unos más que otros. A la larga el hastío vital y las contradicciones de la existencia. Todo desde una cotidianidad a ritmo lento con horas vacías y bajo el desencuentro. Los que unos tienen a los otros les falta; la paradoja junto al misterio. Dios desde su silencio viendo estupefacto la deriva humana.

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En País Portátil  Crónica de cine: Guerras y antibelicismo http://paisportatil.com/2011/04/02/cronica-de-cineguerras-y-antibelicismo/  El reverso del Bicentenario http://paisportatil.com/2010/09/30/el-reverso-delbicentenario/

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Centro de Estudios Históricos de la Universidad del Zulia, 2008. Profesor Invitado de las universidades Complutense de Madrid, Carlos III en Madrid y Universidad Católica Cecilio Acosta (Maracaibo). Profesor de Postgrado de la Universidad del Zulia, Universidad Católica Cecilio Acosta y Universidad Rafael Belloso Chacín. Miembro Correspondiente de la Academia de Historia del Estado Zulia. Condecoración “Lago de Maracaibo” en su Primera Clase, 2008, Gobernación del Estado Zulia. Miembro del Programa de Promoción del Investigador (P.P.I.) de la ONCTI en la categoría nivel II. Representante Profesoral ante el Consejo Universitario de la Universidad del Zulia (2009-2011). Miembro de la Asociación Académica para la Conmemoración del Bicentenario de la Independencia de Venezuela a nivel nacional bajo los auspicios de la Academia Nacional de la Historia, Fundación Polar y otras instituciones educativas universitarias. Articulista en la prensa regional y nacional. Autor, de “Banderas del Rey” (2006), obra que fue galardonada con el Premio Nacional de Historia (2007) por parte de la Academia Nacional de la Historia y Mención Honorífica en el Premio Alternativo de las Ciencias Sociales a nivel nacional convocado por la ASOVAC en el 2009. Autor, de “Conspiración de Maracaibo, 1799” (2009), Universidad Católica Cecilio Acosta. Autor de: “Prolegómenos de la Independencia” en la obra colectiva: Tierra Nuestra: 14982009 (2009) de la Fundación Venezuela Positiva. Autor, “Consideraciones Históricas a Propósito de la Conmemoración del Bicentenario del 19 de Abril de 1810”, Universidad de los Andes, 2010. Orador de Orden en la Universidad de los Andes en la Conmemoración de los 200 años del 19 de Abril de 1810, Paraninfo, 2010.

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