INTRODUCCION

El Barroco es un período en el cual se rompe con el concepto clásico del Renacimiento. Fue un período en el cual la influyente Iglesia Católica en Europa, tuvo que reaccionar contra varios movimientos revolucionarios culturales que se produjeron y formaron una nueva ciencia y religión: La Reforma Protestante.

Para ello, se plantea una Contrarreforma, la cual

buscaba realizar cambios para volver a ganar adeptos y esto se vio manifestado

en

el

arte

y

la

arquitectura,

los

cuales

se

vuelven

propagandísticos, apuntando a la comunicación y la demagogia. Se intenta generar una emoción en el espectador, y para esto, se concentra en el hombre individual tratando de generar esa emoción, embriaguez, éxtasis y atracción. Utiliza líneas diagonales y curvas, además de fuertes claroscuros, tratando de resaltar a los personajes de las obras. Las representaciones en la pintura cambian y la composición se torna abierta y se destaca la individualidad del artista. Priman las representaciones religiosas, mitológicas y de la vida cotidiana. Se representa el momento más teatral y dramático, buscando representar el instante. El Rococó a diferencia del Barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del período anterior. En este momento, la atención estaba puesta en lo mundano y terrenal, dejando de lado las influencias religiosas, tan marcadas y predominantes que se veían en el período barroco. Predominan las representaciones de la naturaleza, la mitología, la bellaza del cuerpo desnudo, el arte oriental y los temas relacionados a lo amoroso y aristocrático. Busca representar la vida diaria y las relaciones humanas por medio de imágenes agradables, refinadas y que generen cierto ambiente exótico y sensual. A lo largo de este trabajo, se nombrarán las características principales de cada período, haciendo hincapié en la arquitectura y pintura, nombrando los artistas más representativos y sus obras.

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DESARROLLO

Barroco Este fue un período que mostró desarrollo en varios campos como el de la literatura,

escultura,

pintura,

arquitectura,

danza

y

música.

Se

dio

aproximadamente entre el 1600 hasta el 1750 y nació en Italia, luego expandiéndose al resto de Europa. Fue un período donde la influencia de la Iglesia Católica fue dominante y reactiva, buscando recuperar los fieles perdidos a causa del surgimiento de la Reforma Protestante. La Contrarreforma de la Iglesia Católica nació desde el papado y buscó un cambio en toda Roma, cambiando la estructura de los edificios y calles, tratando de convertirlo en el próximo centro de peregrinaje. Las manifestaciones estuvieron puestas en la fantasía y evocar la imaginación del espectador, lector u oyente. Por ello, se dio gran importancia al individuo y la relación entre éste y el artista, provocando que la brecha entre ellos sea menos distante. Se buscaba provocar emociones en el espectador, hacerlo participe, apelando a los sentimientos, deseos y admiración, trabajando lo teatral, escenográfico, dramático e instantáneo. A

continuación,

se

hablará

sobre

las

características

del

período

específicamente en el área de la pintura y la arquitectura.

Arquitectura El Barroco, como se ha mencionado anteriormente, fue un movimiento que rompió con el concepto clásico del Renacimiento y que en todas sus manifestaciones artísticas se ve esta intención de captar al espectador y conmoverlo, provocarle algún tipo de emoción o admiración, embriaguez. Esto se vio aplicado también el la arquitectura, con construcciones cargadas de detalles que aplican líneas curvas y diversas técnicas ingeniosas para captar la luz y perspectiva pero sin dejar de lado la arquitectura clásica (la readaptan, no la abandonan). Algunas de las características generales son las siguientes: •

La arquitectura no abandona las formas clásicas, sino que las readapta de una manera fantasiosa cargándolas de detalles y haciéndolas más complejas en su diseño. Se adoptan las formas curvas, contra curvas y espirales en los entablamentos y frontones.

•

Grandes decoraciones en los interiores y exteriores de las edificaciones. 3

•

Adopción de las formas ovales y elípticas, se lo puede observar en las paredes cóncavas y convexas y ventanas ovaladas. Se deja de lado la línea recta y las superficies planas.

•

Se ve gran desarrollo de determinadas tipologías como palacios, jardines, galerías y edificaciones tanto religiosas como urbanísticas. Sin embargo, prima el impulso del desarrollo de la arquitectura religiosa a causa de la Contrarreforma Católica, que realiza conjuntos de palacios con grandes jardines para mostrar el poder político y el aristocrático que poseían algunas familias.

•

Aparece una nueva forma de planta oblicua que da la sensación de movimiento y dinamismo. En estos espacios se suele emplear el uso de varios espejos para crear sensación de infinito. La planta suele ser una sola, de forma elíptica y coronada por una cúpula (elemento que agrega más curvas en la composición).

•

Los tipos de palacios que se vana a realizar son de tipo rural y urbano. Los más importantes se construyeron en Francia.

•

Utilización de los juegos de luz para crear diversas perspectivas. Se le da mucha importancia a este aspecto en esto de crear efectos y claroscuro. Además crea cierto ambiente con carga dramática, escenográfica (está pensado detenidamente en cada aspecto que lo compone) y teatral.

•

Hay desarrollo del urbanismo, concibiendo a la ciudad como un conjunto de edificios que dan prestigio a los monarcas y el papado, además de ser funcionales y propicien la buena comunicación. Por ello, se busca mostrar la exuberancia política y económica creando programas urbanísticos. Se busca la simetría, perspectiva. Se crean grandes avenidas con fuentes, plazas y obeliscos, creando un escenario arquitectónico.

•

Importancia y aparición de las fuentes decorativas.

•

Los materiales utilizados para realizar estas construcciones son de tipo noble, como es el caso de la piedra. No es el caso de España, donde la crisis llevó a que la decoración se concentre en las ventanas y puertas,

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reservando la piedra para estos lugares y el ladrillo, escayola o estuco para el resto de la construcción.

El foco principal donde se desarrolló este movimiento fue Italia, pero luego se expandió por el resto de Europa. A causa de esto, las características difieren en cada zona donde se ha desarrollado, estando embebida del contexto y los aportes propios de cada país. Algunas de las herencias españolas fueron las plazas mayores, que aparecen en todas las ciudades importantes, los transparentes, que mezclan arquitectura, pintura y escultura para crear un ambiente teatral con la ayuda de efectos de luz, y, por último, el camerín, una sala casi siempre revestida de oro que se ubicaba en las iglesias donde se guardaban los tesoros. Habiendo repasado las características principales de la arquitectura, ahora pasaremos a nombrar algunos de los arquitectos más importantes del período, destacando obras principales. Primero comenzaremos nombrando a Bernini, que fue un escultor, arquitecto y pintor italiano. Algunas de sus obras fueron: el baldaquino de San Pedro, la plaza de San Pedro, la fuente de los 4 ríos, la Iglesia de Sant’ Andrea en el Quirinal, Capilla del Marqués Raymondi en San Pietro, entre otros. Para analizar tomaremos la plaza de San Pedro:

Plaza de San Pedro, en el Vaticano. Dibujo

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Plaza de San Pedro, en el Vaticano, vista desde arriba.

La plaza de San Pedro se encuentra en de la ciudad del Vaticano, en Roma, y precede a la Basílica de San Pedro. Ésta fue diseñada y planificada por Bernini entre 1656 y 1657. La plaza tiene una forma elíptica y está rodeada por una sucesión de columnas. Estas columnas tienen una disposición que por fuera no permite ver por completo el interior, ya que al poseer tantas, se crea una especie de situación óptica en la que siempre una columna tapa la vista y no permite ver por completo lo que hay detrás. Esta estrategia de seducción fue ideada para captar el interés y la curiosidad de los transeúntes que pasaban cerca de allí. Es por ello, que se dice que la serie de columnas simbolizan los brazos que acogen a los peregrinos. La plaza se remata con un entablamento y con una balaustrada sobre la que se asientan las figuras de cientos de santos de diferentes épocas, momentos y lugares. Además se complementa con un obelisco (traído de Egipto) en el centro, con dos fuentes hacia sus costados. En la plaza, se celebraban algunas liturgias y otros encuentros, aprovechando su gran espacio para convocar multitudes y ganar adeptos. Hoy día se siguen celebrando reuniones y está abierta al público para visitas. Otro arquitecto fue Borromini, el cual basaba sus trabajos en la búsqueda de generar sensación de movimiento por medio de la utilización de una estética con líneas onduladas en entablamentos y cornisas, provocando que los muros

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se destaquen y sobresalgan. También emplea los arcos con líneas curvas o contra curvas, entre otras líneas, y bóvedas nervadas. Para planificar sus obras tenía en cuenta el papel de la luz para tratar de generar el claroscuro, incorporaba materiales simple y económicos, esculturas y buscaba dinamismo en el espacio. Su gran mecenas fue el Papa Inocencio X. Algunas de sus obras más importantes fueron: San Carlo alle Quattro Fontane, Sant'Agnese en Agone, Sant' Ivo alla Sapienza y el Oratorio de San Felipe Neri (Oratorio dei Fillipini).

Sant'Ivo alla Sapienza, acceso y fachada.

Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane.

Dentro de los arquitectos urbanistas, se puede mencionar a Fontana, al cual se lo conoce por la construcción de plazas y obeliscos. Dentro de sus obras más importantes se puede mencionar: la Villa Montalto - Massimo, llamada también Villa Perretti (1570), la Fuente dell'Acqua Felice o de Moisés (1587), los palacios papales en el Vaticano (1587), los obeliscos de: Plaza de San Pedro, Plaza del Pueblo, Plaza de San Juan y Plazoleta Esquilino y construcción de la Via Felice con el cruce de las Quattro Fontane.

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Otra obra que se destacan de este período es la Fontana de Trevi, que es la más grande (con 25,9 m de alto y 19,8 de ancho) y más ambiciosa de las fuentes barrocas de Roma. Está decorada con esculturas, columnas, arcos y bajorrelieves que recuerdan a la época griega y romana.

La Fontana de Trevi en la actualidad

Por otro lado, en Francia, el barroco se desarrollaba de una manera más sobria y la mayor preocupación estaba puesta en las residencias de palacios, haciendo gran hincapié en los diseños de jardines y fuentes. Es por ello, que los palacios que se encontraban a las afueras de la ciudad, se organizaban en torno a un patio. Las plantas de los mismos son menos complicadas, las fachadas son más severas y hay un mayor cuidado en lo referente al efecto teatral, volviéndose menos violento y chocante. Se transforma en un arte al servicio de la monarquía. La obra más importante y representativa es la del Palacio de Versalles, que se construyó en tres etapas. Este palacio consta de un pabellón de caza y su construcción fue ordenada por Luis XIII, y luego es remodelado por su predecesor Luis XIV, cambiando sus dimensiones a unas mayores, donde sobresalen dos espacios: la capilla (de Mansart) y la galería de los espejos donde se recoge toda la decoración aportada en el período siguiente: el Rococó.

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Uno de los jardines del Palacio de Versalles

Por último, en España la arquitectura va a estar gobernada por la sobriedad (como en Francia) y la falta de ornamentación. Se va a adoptar un estilo herreriano, de estilo clásico y mesurado, esto a causa de la falta de materiales provocado por las condiciones socio-políticas que había en el país. Es fundamentalmente religiosa y se emplean las plantas simples, cúpulas fingidas o encamonadas (generan volumen por medio de ilusión óptica), sostenidas por una armazón de madera. Los exteriores son sencillos, y la escasa decoración se centra en los vanos y en el interior donde se utilizan frontones rotos, columnas salomónicas, estípites, entre otros recursos.

Catedral de la Asunción de Valladolid en España.

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La Catedral de Valladolid, fue erigida durante el siglo XVI y diseñada por el arquitecto Juan de Herrera, es un edificio de estilo herreriano con añadidos barrocos. Situada en el centro de la ciudad, en una zona ligeramente elevada, se encuentra cerca de la Iglesia de Santa María La Antigua y fue construida junto a la Colegiata de Santa María, anterior iglesia colegial de Valladolid, algunos de cuyos espacios fueron destruidos para continuar con las nuevas obras.

Pintura El centro donde se va a desarrollar la pintura también va a ser en Italia. Al igual que en la arquitectura, los temas van a ser religiosos pero, a su vez, resurge y cobra protagonismo el desarrollo de la pintura mitológica, y ésta se la puede observar en frescos realizados con óleo. Las características principales son las siguientes: •

Importancia de la luz. Ésta cobra importancia y cuyo papel principal era llegar a generar contrastes por medio de claroscuros. La luz dibuja los contornos y los difumina, definiendo así el ambiente, la atmosfera del cuadro y el matiz de los colores.

•

Dominio absoluto de la técnica. Esto se ve tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como al fresco.

•

Las pinturas cobras gran realismo en este período. Se imita la realidad según los cánones renacentistas, pero sin su idealización y concepción. Son representaciones más libres.

•

Las composiciones están dotadas de gran movimiento, perspectivas insólitas y distribución asimétrica de los volúmenes.

•

Los contornos no se definen por medio de líneas, sino que predomina el color, provocando efectos de profundidad, perspectiva y volumen gracias al uso del claroscuro. Los fondos suelen ser oscuros y las figuras/personajes son eliminados, llevándolos a primer plano y con los contornos definidos.

•

Se busca representar la teatralidad, el instante y lo dramático con la ayuda de herramientas como el claroscuro y las composiciones con movimiento y de carácter realista.

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En Italia, se intenta romper con las líneas manieristas, que aún se veía. Uno de los pintores más destacados fue Caravaggio, el cual reflejó y pintó lo popular y real. Algunas de sus obras causaron gran rechazo, pero luego se lo ha considerado como a uno de los pintores más grandes de la historia. Sus obras más importantes fueron: La crucifixión de San Pedro (1601), Niño con un cesto de frutas (1593), Judith y Holofernes (1598-1599), La vocación de San Mateo (1599-1600), Los discípulos de Emaús (1601), El entierro de Cristo (16021603).

La crucifixión de San Pedro, 1601. Capella Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma.

La vocación de San Mateo. Óleo sobre lienzo, 1599-1600. Capilla Contarelli, San Luis de los Franceses, Roma.

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En Francia, el Barroco fue más una influencia que un movimiento en sí. La pintura es de tipo clasicista y se utiliza para el decorado de palacios que buscan un estilo clásico, sobrio y equilibrado. Los temas que se representan son los mitológicos y también se realizan retratos. Uno de los autores más destacados fue Nicolás Poussin, que recibió influencia de Italia y buscó inspiración en la mitología. Algunas de sus obras fueron: La inspiración del poeta, (1624-1633), Eco y Narciso (hacia 1627-1628), Midas ante Baco (hacia 1630), Bacanal (1634-1635), entre otras. Otros artistas fueron Georges de La Tour y Felipe de Champaign.

Bacanal (1634-1635). National Gallery (Londres)

Por otro lado, en Flandes y Holanda, el representante más importante en el primero fue Rubens, el cual desarrolló una pintura de tipo aristocrática y religiosa, mientras que en el segundo, fue Rembrandt, el cual se dedicó a realizar obras burguesas, en las cuales dominaban los temas de paisajes, retratos y momentos de la vida cotidiana. Algunas de las obras principales de Rubens fueron: Retrato de María de Médicis (1622), La Adoración de los Magos (1624), Los filósofos, El tocador de Venus, entre otras.

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La Adoración de los Magos, pintado en 1624 (Museo Real de Bellas Artes de Amberes)

Algunas de las obras más representativas de Rembrandt fueron: La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, (1632), La ronda de noche (1642), Mujer bañándose (1654), La novía judía (1666), El regreso del hijo pródigo (1669), entre otras.

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, 1632, óleo sobre lienzo, 169,5 x 216,5 cm, (Mauritshuis, La Haya)

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Por último, en España el Barroco se ve en el trabajo de artistas como Velazquez, Ribera, Murillo o Zurbarán. La inspiración la encontraron en los artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo, como también hay influencia de la pintura flamenca con la legada de Rubens al país. Los temas representados eran de tipo religioso, ya que España era católica y monárquica. La mitología y los temas clásicos también serán una constante, pero se repite con más frecuencia la representación de escenas religiosas. El realismo de las obras se usará para transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el barroco fue un arma para la iglesia. Los colores son vivos, con efectos de múltiples focos de luz que crean otras tantas zonas de sombras, provocando que el tenebrismo italiano se dejará sentir en todos los pintores españoles. Las figuras no suelen posar, son captadas con un movimiento exagerado para darle fuerza a la escena. Los cuadros al óleo son grandes y habitualmente complejos, con varias figuras y de gestos expresivos. Tomando como ejemplo a Velazquez, algunas de sus obras principales fueron: Vieja friendo huevos (1618), El aguador de Sevilla (1620), El triunfo de Baco, popularmente conocida como los borrachos (1628-29), Venus del espejo (1650), Las Meninas, entre otras.

Las Meninas, nombre con el que es conocido popularmente este cuadro desde el siglo XIX, es considerada la obra más importante del pintor.

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Rococó El Rococó fue un período que se desarrolló y nació en Francia durante los años 1730 y 1760 durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Se definió por ser un movimiento regido por el gusto de los colores luminosos, suaves y claros. En las obras predominan las formas naturales y referentes a la naturaleza, los temas del tipo mitológicos, la belleza del cuerpo retratado al desnudo, la influencia del arte oriental y, por excelencia, la presencia de la temática romántica y amorosa, además de galante. Se desarrolla un arte del tipo mundano (vida de mundo real, terrenal y cotidiano), que no se ve influenciado por la religión, y que retrata temas de la vida diaria y de relaciones humanas. Buscaba reflejar un aire agradable, con cierta refinación, sensualidad y excentricidad. Es por esto, que se dice que a diferencia del Barroco, que se consideraba estar para el servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder y trabaja con más libertad y se inicia el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida, y la arquitectura se transforma y se modifica la forma de vivir. Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas. Al igual que el Barroco, el Rococó se desarrolla en varios países de manera diferente. A continuación se hablará sobre las características del período específicamente en el área de la pintura y la arquitectura, para comparar y señalar los cambios con respecto al período anterior.

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Arquitectura El Rococó se diferencia del Barroco en que fue un movimiento que se basó en demostrar la vida, los placeres, la distracción, los intereses, lo íntimo, al goce, el momento de ocio y todo lo referente a la vida mundana. Por ello, en el caso de a arquitectura, se produce una diferencia entre exteriores e interiores de las construcciones. Por un lado, el interior se lo dedica para representar un lugar de fantasía y colorido, mientras que por el otro, el exterior o fachada, se caracteriza por la sencillez y la simplicidad. Algunas de las características generales son las siguientes: •

Abandono de los órdenes clásicos, distinguiendo fachadas de edificios de características lisas, con alguna que otra moldura para la separación entre planta y planta o enmarcar puertas y/o ventanas.

•

La forma elegida para las construcciones es la circular: un pabellón central, por lo general entre dos alas bajas y curvas y, casi siempre, rodeado de un jardín o un inmenso parque natural.

•

Aumento del tamaño de las ventanas. Éstas aumentan de medida hasta la puerta-ventana o “ventana francesa”, obteniendo de esa manera, una interrelación entre el interior y el exterior, consiguiendo fusionar la naturaleza con el paisaje y el entorno.

•

Adopción de ventanas arqueadas. Hay abandono de los marcos de ángulos rectos o rígidos.

•

Las esculturas quedan relegadas a sólo como ornamentación para jardines, eliminando por completo o reduciendo la aparición de esculturas monumentales.

•

Importancia en la distribución de los interiores de los edificios. Éstos debían ser especializados según su función y con una distribución cómoda. Esto se combina con la elección de colores y mobiliario.

•

Hubo poca repercusión en las construcciones de tipo oficial o eclesiástico.

•

Este estilo se aplico para el desarrollo de residencias para nobles y de a alta burguesía, ya que eran los más ansiosos en cambiar y los más dotados de capital.

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•

Los materiales que se solían emplear para las construcciones fueron la madera tallada, el hierro y el bronce. Estos se usaban principalmente para la realización de balaustradas y portales.

•

Utilización de terminaciones en dorado que cubren los materiales metálicos como elemento distintivo.

En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra con mucha fuerza y supera las fórmulas barrocas. Destaca, a diferencia de Francia, la capacidad de adecuar el estilo a construcciones religiosas. Entre los autores de las obras más destacadas encontramos a artistas franceses y alemanes como François de

Cuvilliés,

Johann

Balthasar

Neumann

y

Georg Wenzeslaus

von

Knobelsdorff, que realizaron la preparación de Amalienburg cerca de Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam, Charlottenburg en Berlín, los palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl (Westfalia), Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y Schönbrunn en Viena.

Residencia de Wurzburgo (vista del jardín)

En Francia, por otro lado, las construcciones típicas fueron la de palacios y casas alejadas del centro de la ciudad o situadas en el campo. En residencias urbanas, el «hôtel» o mansión en la ciudad, la planta se divide en unidades espaciales relativamente pequeñas con lo cual se obtienen ámbitos especializados, de diferente medida según su función: salón, comedor, cuarto, antecámara, galería, gabinete, que, como se ha dicho, era una de las cualidades más destacadas de este período: la habitación adecuada a la función. De esta forma apareció una distribución más práctica que el anterior de «enfilade», con habitaciones independientes y con acceso individual. Se 17

cortaron oblicuamente las esquinas de las mismas para colocar escaleras secundarias en aquellos espacios y estos se comunicaron entre sí mediante pasillos, corredores y galerías. Algunos de los arquitectos más destacados fueron: Jean Courtonne y Robert de Cotte. La obra más representativa de Courtonne fue la remodelación del Hôtel Matignon (1720) y algunas de las obras de Cotte fueron: Hôtel d'Estrées, en París (1710), Hôtel de Bourbon (1717), Castillo de Bonn, Palacio episcopal de Châlons-en-Champagne (1719 1720), Palacio episcopal de Estrasburgo, entre otras.

Palais de Rohan, Estrasburgo, para Armand Gaston Maximilien, príncipe de Rohan, obispo de Estrasburgo (170923). Hecho por Cotte.

Palais de Rohan, vista interior (1709-23). Hecho por Cotte.

En Italia, los mayores representantes de este estilo fueron: Guarino Guarini, muy activo en el Piamonte y en Mesina, y Filippo Juvarra que trabaja mucho en Turín como arquitecto de la casa de Saboya. Algunas de las obras más 18

importantes de Guarini fueron: la iglesia de San Filippo, la iglesia de los Padres Somaschi y la casa de los padres teatinos, todas en Mesina, la capilla del Santo Sudario en Turín y el palacio Carignano también en Turín. Por otro lado, retomando el caso de Juvarra, se puede decir que las obras más importantes fueron: la cúpula de la Basílica de Santa Andrea en Mantua, la cúpula de la catedral de Como, el campanario de la catedral de Belluno, la basílica de Superga cerca de Turín, el castillo de Rívoli, el palacete de caza a Stupinigi, el Palacio Real de Venaria Reale y el palacio Madama en Turín.

Salón central de Stupinigi. Arquitecto Juvarra

El palacio de Stupinigi visto por fuera. Arquitecto Juvarra

.

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La fachada posterior del siglo XIX del Palacio Carignano que da a la plaza de Carlos Alberto. Arquitecto Guarini

En España, el estilo Rococó , plasmado sobre todo en la arquitectura y en los retablos, no fue exclusivamente de la familia Churriguera, sino que también destacaron otros artistas, como Pedro de Ribera, que trabajó en Madrid construyendo el antiguo hospicio de San Fernando (1722–1729, hoy Museo Municipal), el cuartel del Conde Duque (1720) y el puente de Toledo (1723– 1724). En Toledo trabajó Narciso Tomé y en Sevilla Leonardo de Figueroa, un arquitecto y decorador muy diestro que hizo la portada del palacio de San Telmo (1724–1734). Francisco Hurtado Izquierdo realizó los sagrarios de la catedral de Granada (1704) y de la cartuja de El Paular (Madrid, 1718). En la comunidad Valenciana destaca el palacio del Marqués de Dos Aguas (1740– 1744) de Valencia, remodelado por Hipólito Rovira, y en la región de Murdia la fachada de la catedral de Murcia (1741–1792), del valenciano Jaime Bort. En Galicia hay que citar la gran fachada del Obradoiro (1738–1749), de Fernando Casas y Novoa. Coexistiendo con este posbarroco autóctono, el Rococó francés llegó a la corte de Felipe V a través de sus esposas. No llegó a difundirse demasiado, por ser un estilo elitista y estar alejado de los temas religiosos. En arquitectura, un ejemplo característico del Rococó en este país es la Catedral de Cádiz.

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La fachada de la catedral nueva de Cádiz, España.

Con respecto a la arquitectura aplicada a edificaciones del tipo religiosas, el Rococó era visto por la Iglesia como un símil a la música profana, que se contraponía a la música sacra. Por ello, consideraban que la carencia de simplicidad, la exterioridad y la frivolidad tenían el efecto de distraer del recogimiento y de la plegaria. Sin embargo, eliminada su exterioridad más explícita, el resultado pudo ser aceptado como en consonancia con un ambiente dedicado al culto. En el desarrollo del Rococó, se puede encontrar una decoración compatible con el aspecto sagrado de las iglesias. En el interior de las iglesias, el Rococó pudo ser tolerado, dado que los objetos eran pequeños como un vaso, una mesita de un corazón, una luz, una barandilla o una balaustrada y no eran demasiado evidentes. Resulta estar más en consonancia en la sacristía y en ambientes no propiamente de culto, más que en la iglesia propiamente dicha. Pero no pudo adaptarse al oficio solemne de la función religiosa, con el tabernáculo, el altar o el púlpito. Algunos ejemplos de construcciones de este tipo son:

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La basílica de Superga

Capitel rococó en Steinhausen.

Pintura El centro donde nace la pintura rococó fue Francia. Se originó a finales del siglo XVII, en las postrimerías del reinado de Luis XIV, cobrando auge en el ambiente refinado y frívolo de la Regencia del Duque de Orleáns. Se mantuvo a lo largo del reinado de Luis XV, para agotarse en torno a los años 1760-1770. A la fase final del rococó francés se le conoce con el nombre de estilo Pompadour, por reflejar el gusto de la favorita del rey, Madame de Pompadour. Los años de auge fueron entre 1730 y 1760. En 1780 lo Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo Neoclásico impulsado por Jacques-Louis David. El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del gobierno napoleónico. En Francia, sólo artistas importantes cómo Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia redescubren el valor de la gracia y de la ligereza aplicada al arte y al diseño.

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Las características más importantes que se desarrollaron en el área de la pintura fueron: •

La pintura pasa a ser ante todo decorativa. Se utilizaba para adornar paredes y techos por medio de la técnica del fresco.

•

Utilización de la pintura al óleo y popularización de la pintura al pastel como medio de expresión. Esta técnica constaba del dibujo en color sobre una hoja de papel, con pinceladas finas que a simple vista no puede apreciarse.

•

El tema del color estará determinado por paletas vivas, luminosas, suaves y claras. Es una pintura colorida y animada.

•

Se tratan de evitar las sombras, optando por representaciones con la mayor cantidad de luz posible.

•

Predominio de las formas curvilíneas, inspiradas por las formas de la naturaleza, en la mitología, en la belleza del cuerpo desnudo y por los temas relacionados al amor y lo galante.

•

Predominan las representaciones de figuras jóvenes, idealizadas y graciosas.

•

Los temas tratados van a ser básicamente mundanos, evitando cualquier influencia religiosa. Se ven temas maliciosos o frívolos y trata sobre la vida diaria y las relaciones humanas.

•

Hay inspiración encontrada por influencias orientales. Esto forma un papel principal en las composiciones.

•

Se puede ver en la representación de comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas como consecuencia de la aparición del género pastoril o de galantería. En ellas, se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.

•

Se incorporan paisajes urbanos donde se incluyen panoramas que dan lugar al “paisaje con figuras”.

•

Hay cultivo del retrato, del tipo cotidiano y sencillo, no idealizado. Los comitentes ya no eran sólo los miembros de la corte, sino también la burguesía.

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•

Las representaciones de retratos se dan con elegancia y muestran un vida artificial en el palacio y ambientes de los cortesanos, reflejando una imagen sobre la transformación de la sociedad.

•

Importancia y cuidado en la representación de los ropajes. Éstas debían estar a la moda y reflejarla, por lo que los tejidos se realizaban con un trabajo minucioso cuidando trasmitir con precisión sus cualidades táctiles y de textura, en el caso de los ornamentos (cintas, bordados, flores, lazos, plumas, etc.).

En Francia, se utiliza la pintura de caballete que refleja ambientes galantes, refinados y sensuales. Los temas favoritos eran la corte o la mitología, casi siempre con una carga erótica nada disimulada. El pintor francés por excelencia de este período fue Jean-Antoine Watteau (1684-1721), que creó todo un género propio: las fiestas galantes (fêtes galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años tuvo una gran influencia en sus sucesores.

Embarque para Citera de JeanAntoine Watteau (1721, versión de Charlottenburg)

Después de él, Jean-Marc Nattier el Joven (1685-1766) se distinguió como retratista, especialmente de damas y de la nobleza. El reinado de Luis XV estuvo dominado por la obra de François Boucher, pintor de la sensualidad femenina. Boucher y Quentin La Tour asesoraban en temas artísticos a Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del

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rey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François Boucher o por Quentin de La Tour. Más jóvenes fueron Fragonard y Greuze, que anticiparon el romanticismo. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) realizó pinturas galantes, escenas frescas y ligeras, para adinerados mecenas. Pero simultaneó este tipo de cuadros con otros de carácter más sentimental y narrativo y se destaca por su lirismo. Al gran retratista Nattier le siguieron otros, que captaron ya no sólo la artificiosidad de la vida palaciega, sino también la transformación social que estaba sufriendo el país, con el ascenso de la burguesía. Estos retratistas de mediados de siglo prefirieron optar por la pintura al pastel.

El columpio, obra maestra de Fragonard, donde se recoge el espíritu refinado, exótico y sensual propio del Rococó.

El baño de Diana, de Boucher (1750, Museo del Louvre, París). El género mitológico se vuelve delicado y sensual

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En Italia, el artista precursor fue Gregorio de Ferrari (1647-1726), situado en Génova. Más adelante, nos encontramos con el artista

Giovanni Battista

Crosato (1652-1725), el cual se formó en Venecia y fue el representante de este movimiento en la corte de Turín (Saboya). Contemporáneo suyo fue Giacomo Del Po (1652-1725), cuyo original rococó se desarrolló esencialmente en Nápoles. Ante todo, se desarrolló en Venecia, convirtiéndose en el centro de este movimiento. Destaca sobre todo un genio de la decoración, Giambattista Tiepolo (1696-1770). Este pintor veneciano resucita el estilo y colorido de El Veronés, reinterpretándolo en clave rococó. Tiépolo usa la luz y el colorido típicos de la escuela veneciana. De Tiépolo destaca el Retrato de Antonio Riccobono, San Rocco y Hércules sofoca Anteo. En Venecia es donde se desarrolla la pintura vedute, es decir, pinturas de grandes paisajes urbanos en los que se describe la ciudad y sus principales espacios: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal. Estas vistas estaban en gran medida pensadas para los visitantes extranjeros, que se las llevaban a sus países de origen como recuerdo. En este género destacó Giovanni Antonio Canal, llamado Canaletto (1697-1768), que realizó, entre otras obras: Plaza de San Marcos, San Cristobal, San Miguel y Murano, Los caballos de San Marcos en la plaza, El campo de Rialto en Venecia y Paseo fluvial con columna y arco de triunfo. El vedutismo fue asimismo cultivado por Pietro

Longhi

(1702-1785)

y

Francesco

Guardi

(1712-1785).

Longhi

representaba los sencillos placeres del pueblo, en el circo y en la calle. Guardi, por su parte, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados y oscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras entre las cuales destacan Milagro de un santo dominico, Concierto en el Casino de los Filarmonici y La Caridad. Pinta fiestas y bailes de máscaras.

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El Gran Canal y la Iglesia de la Salute (1730), Houston, Museum of Fine Arts.

El maestro de baile, obra de Pietro Longhi, hacia 1741

En Alemania, Bohemia y Austria, el Rococó se fusiona con el Barroco germánico. En estos países, predomina la pintura de bóvedas. Se destaca la presencia del italiano Carlo Innocenzo Carloni (1686-1775), el cual trabajó en Austria y Alemania entre 1710 y 1735, creando unos imponentes decorados en los que estaban presentes las ligeras formas decorativas de la tendencia rococó.

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Entre los decoradores alemanes más destacados nos encontramos a Johann Baptist Zimmermann (1680-1758), hermano del arquitecto Dominicus y Cosmas Damian Asam (1686-1739), hermano del escultor Egidio Quirino. La escuela veneciana influyó en el austriaco Paul Troger (1698-1762), quien durante mucho tiempo residió en Italia y posteriormente dio clases en la Academia de Viena. En sus muchos frescos se observan figuras más ligeras y las formas cada vez más libres. Por último, se encuentra el bávaro Matthäus Günther (1705-1788) y Johann Evangelist Holzer (1709-1770), quienes imprimieron a sus frescos un sentimiento vigoroso y potente. En Viena destaca la figura de Franz Anton Maulbertsch (1724-1796), autor de importantes frescos en Austria, Hungría y Checoslovaquia. Combina curvas encadenadas, escorzos vertiginosos y un colorido exquisito y variado.

Fresco en el Palacio de Nymphenburg realizado por Johann Baptist Zimmermann

En Inglaterra, los exponentes más importantes que introdujeron el estilo fueron el francés Philippe Mercier (1689-1760) y Bartholomew Dandridge (16911754), quienes estaban muy influenciados por Watteau. Como artistas británicos tenemos de referente a William Hogarth (1697-1764), quien contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra Análisis de la belleza (1753) que la curva en S presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza. Hogarth destacó por sus ciclos de pinturas satíricas con crítica social y política. Watteau le inspiró las pequeñas conversation pieces.

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Otro artista de renombre fue Thomas Gainsborough, el cual dotaba a sus obras de toques delicados y sensibles, reflejando el espíritu rococó. Sus retratos se ambientan con frecuencia en paisajes.

Primeras horas de la señora de la casa», una de las escenas del ciclo satírico El matrimonio a la moda, de Hogarth (1744, National Gallery de Londres)

El paseo matinal, de Gainsborough (1785, National Gallery, Londres

Por último, queda ver cómo se vio este movimiento reflejado en el arte de España. Al igual que en Inglaterra, el movimiento fue introducido por artistas del extranjero atraídos por la corte de los primeros borbones. Este fue el caso de Miguel Ángel Houasse pintor de Felipe V y autor de pequeños cuadros de costumbres de refinada gracia rococó; y de Corrado Giaquinto († 1765) que

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decoró con bellos frescos de un delicado rococó parte del Palacio Real. También es el caso de Tiepolo y Mengs, que trabajaron en España. Como pintores del Rococó españoles destacan Luis Meléndez y Luis Paret y Alcázar. El primero, Luis Eugenio Meléndez (1716-1780) realizó retratos, especializándose posteriormente en bodegones. Por el otro lado, Luis Paret (1746-1799) es la más importante aportación española al estilo. Pinta paisajes con figuras y escenas de género. Dentro de los trabajos realizados por el artista Goya (1746-1828) sólo un par pueden decirse que se tratan sobre este período, dada la amplitud de categorías que poseen sus trabajos. Los cartones para tapices que realizó y muchos de sus retratos se enmarcan en la estética de este movimiento. Esto se ve a partir de 1775, empezó a pintar cartones para la Real Fábrica de tapices en los que, siguiendo el gusto de la época, reflejó una temática costumbrista y popular. Del mismo modo, en sus retratos no idealiza los modelos, debiendo recordar que el retrato de la época se caracteriza precisamente por la reflexión indirecta e irónica, con una observación exacta del modelo y carente de juicio de valor, como puede verse en el autorretrato de William Hogarth, con el evidente paralelismo entre el autor y su perro, los autorretratos de Quentin de La Tour o la escultura de Voltaire de Jean-Antoine Houdon, en la que el filósofo aparece marchito, cínico y calvo.

La pradera de San Isidro, 1788. Pintado por Goya

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CONCLUSIÓN A lo largo de este trabajo, hemos podido señalar todas las características de tanto el Barroco como el Rococó, especialmente en el área de la arquitectura y pintura, como también se han encontrado y mencionado diferencias entre las mismas. Estas diferencias son las siguientes: En la arquitectura: •

El Barroco busca provocar sentimientos y reacciones en el público, de tipo propagandístico, embriagante, estimulante y sensual por medio de la teatralidad y el instante. Para esto, las construcciones se ven cargadas de detalles que aplican líneas curvas

y diversas técnicas

ingeniosas para captar la luz y perspectiva pero sin dejar de lado la arquitectura clásica que readaptan. El Rococó se diferencia del Barroco en que fue un movimiento que se basó en demostrar la vida, los placeres, la distracción, los intereses, lo íntimo, al goce, el momento de ocio y todo lo referente a la vida mundana. Esto se traduce a la arquitectura con una diferenciación entre exteriores e interiores de las construcciones. Por un lado, el interior se lo dedica para representar un lugar de fantasía y colorido, mientras que por el otro, el exterior o fachada, se caracteriza por la sencillez y la simplicidad. •

La arquitectura barroca no abandona las formas clásicas, sino que las readapta de una manera fantasiosa cargándolas de detalles y haciéndolas más complejas en su diseño. Se adoptan las formas curvas, contra curvas y espirales en los entablamentos y frontones. Por el otro lado, el Rococó abandona de los órdenes clásicos, distinguiendo fachadas de edificios de características lisas, con alguna que otra moldura para la separación entre planta y planta o enmarcar puertas y/o ventanas.

•

El Barroco busca la adopción de las formas ovales y elípticas, se lo puede observar en las paredes cóncavas y convexas y ventanas ovaladas. Se deja de lado la línea recta y las superficies planas. Esto es algo que tiene en común co el Rococó, ya que éste también busca líneas curvas. Se puede ver en la adopción de ventanas arqueadas. Hay abandono de los marcos de ángulos rectos o rígidos.

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•

En el Barroco se ve gran desarrollo de determinadas tipologías como palacios, jardines, galerías y edificaciones tanto religiosas como urbanísticas. Sin embargo, prima el impulso del desarrollo de la arquitectura religiosa a causa de la Contrarreforma Católica, que realiza conjuntos de palacios con grandes jardines para mostrar el poder político y el aristocrático que poseían algunas familias. En cambio, en el Rococó, la forma elegida para las construcciones es la circular: un pabellón central, por lo general entre dos alas bajas y curvas y, casi siempre, rodeado de un jardín o un inmenso parque natural. Este estilo se aplico para el desarrollo de residencias para nobles y de a alta burguesía, ya que eran los más ansiosos en cambiar y los más dotados de capital. Hubo poca repercusión en las construcciones de tipo oficial o eclesiástico.

•

Los materiales utilizados para realizar las construcciones barrocas son de tipo noble, como es el caso de la piedra, mientras que en el Rococó se emplea además, madera tallada, el hierro y el bronce. Estos se usaban principalmente para la realización de balaustradas y portales.

•

En el Rococó se le comienza a dar importancia en la distribución de los interiores de los edificios, esto no ocurría en el Barroco. Éstos debían ser especializados según su función y con una distribución cómoda. Esto se combina con la elección de colores y mobiliario.

•

En el Barroco, está la planta oblicua que da la sensación de movimiento y dinamismo. En estos espacios se suele emplear el uso de varios espejos para crear sensación de infinito. En el Rococó, el dinamismo estaba dado por medio del aumento del tamaño de las ventanas. Éstas provocaban una interrelación entre el interior y el exterior, consiguiendo fusionar la naturaleza con el paisaje y el entorno.

•

En el Barroco hay gran atención en lo referente a la luz y cómo captarla y utilizarla para causar efecto. En el Rococó, no se utiliza el contraste para llamar la atención.

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En la pintura: •

En el Barroco, la importancia de la luz. Ésta cobra importancia y cuyo papel principal era llegar a generar contrastes por medio de claroscuros. La luz dibuja los contornos y los difumina, definiendo así el ambiente, la atmosfera del cuadro y el matiz de los colores. En el Rococó, por otra parte, pone gran atención y cuidado en la representación de los ropajes. Éstas debían estar a la moda y reflejarla, por lo que los tejidos se realizaban con un trabajo minucioso cuidando trasmitir con precisión sus cualidades táctiles y de textura, en el caso de los ornamentos (cintas, bordados, flores, lazos, plumas, etc.).

•

El Barroco posee gran dominio de la técnica. Esto se ve tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como al fresco. En el Rococó, hay utilización de la pintura al óleo, pero se populariza la pintura al pastel como medio de expresión. Esta técnica constaba del dibujo en color sobre una hoja de papel, con pinceladas finas que a simple vista no puede apreciarse.

•

Por un lado, en el Barroco, las pinturas cobras gran realismo en este período. Se imita la realidad según los cánones renacentistas, pero sin su idealización y concepción. Son representaciones más libres. Y por el otro, en el Rococó se ve el predominio de las formas curvilíneas, inspiradas por las formas de la naturaleza, en la mitología, en la belleza del cuerpo desnudo y por los temas relacionados al amor y lo galante, siendo, en cierta manera, similar en ese sentido al período anterior: ambos buscaban la naturalidad, aunque por diferentes propósitos.

•

En el Rococó hay cultivo del retrato, del tipo cotidiano y sencillo, no idealizado. Los comitentes ya no eran sólo los miembros de la corte, sino también la burguesía. A diferencia del Barroco, donde la burguesía no tenía acceso a esto.

•

En el Barroco priman las composiciones dotadas de gran movimiento, perspectivas insólitas y distribución asimétrica de los volúmenes, mientras que en el Rococó se puede ver representaciones de comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas como consecuencia de la aparición del género pastoril o de galantería. En ellas, se recuperaron personajes mitológicos que se

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entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura. Se puede decir que el Barroco apela al movimiento, mientras que el Rococó a lo estático. •

En el Barroco, los contornos no se definen por medio de líneas, sino que predomina el color, provocando efectos de profundidad, perspectiva y volumen gracias al uso del claroscuro. Los fondos suelen ser oscuros y las figuras/personajes son eliminados, llevándolos a primer plano y con los contornos definidos. A diferencia del Barroco, en el Rococó tema del color estará determinado por paletas vivas, luminosas, suaves y claras. Es una pintura colorida y animada, muy contraria a la buscada en el período anterior. Por ello, se tratan de evitar las sombras, optando por representaciones con la mayor cantidad de luz posible.

•

En el Barroco, se busca representar la teatralidad, el instante y lo dramático con la ayuda de herramientas como el claroscuro y las composiciones con movimiento y de carácter realista. En el Rococó, se representa un momento de ocio y de la vida humana, en donde no se abusa del contraste sino al contrario, se buscan colores lo más claros posibles, para crear ese ambiente de fantasía, con carga sensual y romántica.

•

En el Barroco, los temas van a ser religiosos pero, a su vez, resurge y cobra protagonismo el desarrollo de la pintura mitológica, y ésta se la puede observar en frescos realizados con óleo. En cambio, en el Rococó, los temas tratados van a ser básicamente mundanos, evitando cualquier influencia religiosa. Se ven temas maliciosos o frívolos y trata sobre la vida diaria y las relaciones humanas. También hay inspiración encontrada por influencias orientales. Esto forma un papel principal en las composiciones.

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Diseño

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