Trabajo Practico Numero dos El cine clásico de Hollywood Bordwell, Staiger, Thompson 1- Explique los cambios técnicos y productivos que implico la incorporación del sonido en el cine ¿De qué manera influyo en el estilo clásico de Hollywood? 2- ¿Cuáles eran las características del sistema de “Equipo de productor” y que relación socioeconómica tenia dentro del contexto histórico? ¿Cómo surge el sistema de “Equipo de Conjunto”? Explique la transición de uno a otro. 3- En relación al estilo de profundidad, explicar la contradicción entre “estandarización/diferenciación” que se daba en los directores de fotografía. 4- A tu criterio, cuáles eran las características que persisten hoy en día en Hollywood en cuanto a sistemas de producción y estilo ¿Cómo evoluciono el par de opuestos “estandarización/diferenciación”?

1. El desarrollo del sonido existía previamente a su incorporación en el cine, en la radio, la fonografía y la telefonía. Su introducción en el cine significo un impacto y una aceptación en el público tales que ya no había vuelta atrás; el espectador comienza a demandar el sonido. El sonido significo un cambio en, por ejemplo, el montaje, el movimiento de cámara, la iluminación. También se modificaron cuestiones de producción, ya que de ahora en adelante los estudios debían adquirir equipos que eran costosos y sofisticados. Bordwell afirma que “el sonido puso en marcha un patrón de expansión y cooperación en toda la industria” (pag. 331) El montaje pasó a ser más elaborado, se paso de un trabajo con tijeras, pegamento y rebobinadoras, a otro por ejemplo, con aparatos para enumerar los fotogramas sonoros. 1

Se debió trabajar con fabricantes y grupos profesionales para resolver problemas que antes no se tenían en cuenta, por el simple hecho de que, al no haber sonido no eran problemas, entre ellos, se debió silenciar la lámpara de arco voltaico y la cámara, además de construir material para insonorizar los platos. El tema de la lámpara de arco voltaico era un gran problema. Las bombillas Mazda, que se suponían sustituirlas, no tenían la potencia de las de arco voltaico, además producían mucho calor. Las lámparas de arco voltaico daban como resultado mejor calidad fotográfica, pero producían un ruido que era captado fácilmente por los micrófonos. Sin embargo su eliminación suponía una gran pérdida de dinero. La solución fue una bobina de impedancia protectora. Según el autor del texto las necesidades del estilo clásico no permitían bajo ninguna circunstancia que se escuche el ruido de la cámara: el espectador no podía ver la cámara, entonces tampoco debería escucharla. Para solucionar el problema, utilizaron una coraza que envolvía la cámara, pero aquello dio como resultado un peso excesivo que no resultaba eficiente en los rodajes. Los estudios debieron contactarse con los fabricantes para intentar silenciar las cámaras en primer lugar. A favor del estilo clásico se buscaba la unidad entre imagen y sonido. La idea era trabajar como si la cámara fuera el ojo de un humano que observaba la acción, y el micrófono era el oído. Se esperaba la centralidad de los diálogos, es decir se buscaba su claridad, se intentaba grabarlos en directo a favor a la fidelidad, ya que la voz individualiza y da carácter e identidad a un personaje. Para todo aquello se utilizaban micrófonos unidireccionales. La claridad de la voz debía ser por encima de la música, aun en las canciones: se grababan por separado los instrumentos y la voz era la que se destacaba en primer lugar. También se limito a los compositores, ya que una película con diálogos requiere menos música. De igual manera se insistió en que los personajes principales tuvieran temas musicales para ayudar al público a clasificarlos.

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También hubo modificaciones en la actuación. En las películas mudas los actores eran muy gestuales, lo que hace el sonido es permitir que los sentimientos se transmitan utilizando los diálogos. En base al texto, se modificaron los recursos estilísticos tales como la voz, duración de planos, movilidad de la cámara, pero a su vez se mantuvo la coherencia de causalidad, espacio y tiempo.

Había más planos, mas movimientos de cámara, mas encuadres, centralidad de personajes, al mismo tiempo que se busca alargar los planos buscando incorporar los diálogos. Si bien gracias a la tecnología, las tomas podrían haber sido mucho más largas, es decir la prolongación drástica de un plano, Hollywood continúo fiel al cine de montaje. También se desarrollo el modelo de múltiples cámaras, ya que las tomas no se podían cortar, para no interrumpir el registro de sonido, puesto que se grababa en discos. Esto significo un gasto sumamente grande, ya que se gastaba mucho en películas. La mayor parte de la película utilizada terminaba en la basura, ya que solo se utilizaba una pequeña parte de lo filmado, utilizado para montar la escena. También significo que las primeras películas sonoras fueran repetitivas en cuanto a la forma de dividir los espacios, aunque con la variedad de posiciones de cámara se hacia un gran esfuerzo por imitar el espacio en el cine mudo, aunque no se llega a “recuperar por completo la sensación de penetrar en la escena” (p. 340) Los movimientos de cámara eran excesivos según algunos de los operadores. También se hizo presente el plano master, un plano general con punto de referencia continuo. A pesar de la incorporación del sonido, el estilo clásico de mantuvo. Por ejemplo, el montaje de continuidad seguía siendo el mejor medio para la manipulación del tiempo y el espacio.

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2. Anterior a 1931 existía el sistema de productor central, (una sola persona controlaba la producción de las películas de una empresa, siendo un gran número de películas por año a cargo de una sola figura). En 1926, la asistencia a las salas disminuyo, y algunas empresas creyeron que se debía a que el cine se había estereotipado, gracias a que una sola persona se encargaba de la producción de todas las películas. También establecían que se privaba al director de individualismo y que ello era dañino para la calidad del producto final. También la depresión de 1929 comenzó a derivar en problemas económicos para los estudios: las empresas limitaron los presupuestos, se eliminaron trabajadores caros y poco productivos. Se redujeron sueldos. En 1931 se estableció el sistema de producción por unidades: el sistema de equipo de productor. Según Chion, existían los executives que se encargaban de un departamento y tenían a su cargo a los producers encargados de una película en particular. Los productores supervisaran el filme asignado hasta el final. Se supone un cine de mejor calidad, ya que un productor central no podía seguir tan de cerca tantas películas, como estos productores encargados de dos o tres películas. Se producen menos películas pero de mayor calidad. Según Lewis esto significo una descentralización de la producción, pero el resultado final no es una descentralización ya que los estudios “conservaron unas instalaciones físicas y una fuerza de trabajo centralizadas”. La eliminación de este productor central significo eliminar una de las figuras de mayor autoridad. Se incrementaron las actividades laborales, por ende hubo una mayor especialización: adquisición de historias, redacción de guiones, documentación, selección de reparto, fotografía, producción anterior al rodaje, maquillaje, etc. Algunas agencia vendían los talentos en bloque, también ofrecían espectáculos en paquetes. El departamento de producción incorporo un jefe de equipo para cada película, el departamento artístico un director artístico supervisor. También se preocuparon por la seguridad de los decorados. Pero a pesar de algunas diferencias, los 4

estudios producían películas parecidas. Además no solo se ocupaban de hacer las películas, sino que también las distribuían y las exhibían, ya que tenían sus propias salas distribuidas en varias ciudades. En 1938 el Departamento de Justicia norteamericano considero esa actividad como un oligopolio y se opuso a esas industrias, y decreto lo que se conoce como La Sentencia Paramount (100 años de Cine, La Sentencia Paramount, Claudio España). Luego de decretada esta sentencia, las grandes empresas deciden ocuparse de la distribución y de exhibición, y la producción queda a cargo de cineastas independientes. Comienza el sistema de equipo de conjunto: un productor organizaba un proyecto y conseguía la financiación, al mismo tiempo que organizaba a los trabajadores así como los medios de producción. Se trataba de un acuerdo a corto plazo, se establecía película por película. Aunque tal vez trabajaban las mismas personas en varias películas, los contratos eran basados en la película y no en una empresa. El equipo de producción alquilaba lo necesario en otras empresas: desde cámaras e iluminación hasta vestuario. Aun así el sistema se basaba en la división especializada del trabajo, y una jerarquía directiva. En vez de la producción en serie de películas en manos de empresas, dominaban pocas producciones de buena calidad en mano de independientes. Otras razones para alejarse de la producción en serie fueron: reducción de asistencia al cine, restricciones a los ingresos, cambios en la población, entre otros, en especial la competencia de la televisión. Se incrementaron entonces las necesidades de diferenciar los productos según innovaciones, directores y estrellas. Según los nombres que aparecían en los créditos, según el tipo de público. Los rodajes en exteriores modificaron algunos aspectos de la producción, por ejemplo la mano de obra en exteriores era más barata. Los equipos en el exterior

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se formaban con una mezcla de nacionalidades, pero solo en el exterior, el modo de trabajo en Hollywood se mantuvo. Para algunos trabajadores resulto dificultoso acceder a un puesto de trabajo. La subdivisión de trabajo fue muy grande. Los actores y directores alcanzaron la cumbre. Las fechas de estreno no tenían el peso de los años anteriores. Actores y actrices eran manipulados por la publicidad. Se criticaba la calidad estética de las películas. A pesar de todo permanece la ideología de lo clásico. Este sistema de trabajo perdió estabilidad a largo plazo cuando algunos directivos adquirieron mucho peso. Al tener tanta libertad, el director de este sistema pasaba más tiempo negociando que en la realización cinematográfica. Este sistema permitió la colectividad, pero también se dividió el trabajo y se establecieron jerarquías, y no todos los trabajadores tenían las mismas oportunidades. Según Bordwell cualquier sistema o modo de producción tiene sus contradicciones. 3. Existen varias formas de lograr la profundidad espacial en una imagen, utilizando la puesta en escena y la fotografía. Se puede lograr gracias a composición, encuadre, luz y sombras, pero también gracias a la utilización de distintos lentes, cantidad de luz, apertura del diafragma, etc. Jean Renoir, por ejemplo, se destaco por utilizar puertas y ventanas para enmarcar la acción. En cuanto a estos surgieron contradicciones en cuanto a la estandarización y la diferenciación. La estandarización significaba hacer películas de calidad, controlando los costos, utilizando misma forma de trabajo. En cambio la diferenciación significaba cubrir la necesidad de la demanda de películas diferentes, distintas a lo que se veía hasta el momento. Esto significa una contradicción, ya que al innovar en la mayoría de los casos se gastaba más de lo presupuestado y se corría el riesgo de caer en la exageración.

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La estandarización incluía por ejemplo, la regla de que los actores principales solo actuaban en uno o dos planos. También el desarrollo mecánico, tendía a que exista un alto grado de contraste en todos los planos. Los operadores de cámara se quejaban, porque la industria exigía que las imágenes sean nítidas y según ellos la fotografía nítida era lo contrario a la fotografía artística. Acá encontramos otra contradicción entre estos dos conceptos. La mayoría de los operadores buscaban el equilibrio entre la innovación tecnológica y la demanda artística. Estas contradicciones estaban generando tensión en los sectores de producción a escala general. Algunos directores comenzaron una profundidad más ambiciosa en cuanto a la fotografía en profundidad. Tomemos como ejemplo Ciudadano Kane, según al autor del texto, por su profundidad grotesca. Antes de este film, la puesta en escena y la profundidad pasaban desapercibidos porque encajaban perfecto en base al estilo clásico. Gregg Toland, director de fotografía en Ciudadano Kane, utilizó las diversas innovaciones de esa época, todo gracias a su deseo por experimentar. Nos encontramos ante un claro ejemplo de diferenciación. A su vez la diferenciación establecía que el operador de cámara debía ser un artista, que su trabajo debía tener un toque distintivo, innovaciones individuales y virtuosismo, pero todo ello con discreción en función de realzar la historia que se está contando. La profundidad era crucial para lograr una construcción del espacio, que sea de buena calidad. Toland presta atención a la hora de encuadrar y sus composiciones son organizadas. Aunque los rasgos estilísticos en esta película sorprenden, ya se habían visto en otros de sus films, aunque de forma fragmentaria. Esta película contradice los términos estandarización/diferenciación. En cuanto a diferenciación los espacios son enormes, tanto en altura como en decorados, 7

aunque los ángulos siguen funcionando según el plano/contraplano, o los planos de situación. También se destaca por tomas largas, pero inmóviles. Según Toland, eran a favor de la simplificación, así que podríamos decir que intenta adecuarse con eso a la estandarización y a reducir gastos, también en función del realismo de este director de fotografía. Según el texto, los operadores de cámara como Toland, preocupados por el estilo, no llegaron muy lejos. El estilo de esta película fue tomado como exagerado, y La Academia, encontró una forma de dejar en claro que este estilo no era el que buscaban, y lo hizo al no entregar el premio a la mejor fotografía ese año, 1941. Un claro ejemplo de estas contradicciones: una película debe diferenciarse pero no de una forma excéntrica, según el estilo clásico de Hollywood, aunque luego de que el Ciudadano Kane saliera a la luz, el operador de cámara o director de fotografía, comenzó a considerarse un artista creativo.

4. En carácter de opinión personal puedo decir que a mi criterio en la actualidad existen algunas características que continúan hoy en día en cuanto al cine de Hollywood. En cuanto a la producción considero que las tareas en cuanto a trabajos diferentes están divididas. Existen diferentes departamentos que trabajan en un film, por ejemplo departamentos que se ocupan del arte, incluyendo por ejemplo vestuario, utilería, grafica, escenografía, etc. En cuanto a la producción considero que hoy en día los productores se ocupan de elaborar presupuestos y ocuparse de conseguir todos los elementos necesarios para la realización de una película. El productor se reúne con el guionista para hablar acerca de la historia que va a realizarse. Se ocupa de la organización y aspectos técnicos. Elabora plan de rodaje, desglose de producción, se ocupa de contrataciones. El productor debe ocuparse de que todo funcione correctamente para lograr un rodaje exitoso. En la actualidad el productor ejecutivo es aquel que representa la empresa y el

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productor de la película es aquel profesional que se encarga de cerca de la producción de la película. Las grandes compañías se encargan de la distribución. En cuanto a estilo, podemos diferenciar varios de ellos, gracias a por ejemplo los géneros. Es este tiempo también es muy importante el nombre del director, como las estrellas que actúen en el film, ya que contribuye a aumentar en gran manera el número de espectadores. En cuanto a estandarización y diferenciación, creo que es muy importante hoy en día mantener un nivel estándar de calidad, ya que la tecnología avanza a grandes rasgos y la capacidad de sorpresa en el espectador es cada vez más difícil de lograr. Las películas que no se actualizan en cuanto a calidad, corren un gran riesgo de quedarse atrás. También se busca la diferenciación, aunque lo que veo demasiado hoy en día son películas con temáticas similares, que se estrenan en simultáneo y en gran cantidad. Ejemplo, en una época salen varias películas de adaptaciones para adolescentes de cuentos infantiles, y salen una tras otra. Aunque pretenden diferenciarse terminan siendo parecidas y el espectador tiende a comparar, o a aburrirse. También noto que se estrenan mucho más películas al mes que en años anteriores, a pesar del avance de la televisión e internet, la gente sigue asistiendo al cine. El par de opuestos evoluciona en simultáneo a mi parecer, y las productoras hacen un considerable esfuerzo por mantener las altas exigencias de calidad, diferenciación, innovación y varios estrenos al año.

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