LAS VIDAS DE LA PINTURA CEMJ “El Lavadero” ABRIL, MAYO, JUNIO 2014 Catálogo de obras expuestas

LAS VIDAS DE LA PINTURA Desde la Fundación respuesta Social Siglo XXI y el Centro El Lavadero, damos la bienvenida a todos los visitantes a la exposición “Las vidas de la pintura” que se exhibirá en los meses de abril, mayo y junio de 2014. Esta exposición ha sido realizada por los menores y jóvenes del centro El Lavadero dentro del taller educativo de Artes Plásticas. El propósito de esta exposición es estimular las habilidades e inteligencia artística de los menores y jóvenes, tanto a través de reproducciones de los principales logros pictóricos en la historia del arte como de creaciones pictóricas originales. Las obras y autores que se han reunido para esta exposición guiarán a quienes la visiten por un recorrido de la historia de la pintura, presentando obras de diversos maestros de la pintura con un recorrido diacrónico que abarca desde la prehistoria hasta la época actual. Asimismo se ofrecen varios dibujos y obras de creación libre, siendo el presente catálogo una muestra representativa del total de reproducciones expuestas. Deseamos que la exposición sea de su agrado, quedando todos los profesionales del centro a su entera disposición para hacer de su visita una grata y satisfactoria experiencia.

La Dirección del CEMJ “El Lavadero”.

LAS VIDAS DE LA PINTURA

PALEOLÍTICO Pinturas de la Cueva de Altamira, Santander. Paleolítico Superior, 15.000 años. Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad. El estilo de gran parte de sus obras se enmarca en la denominada “escuela francocantábrica”, caracterizada por el realismo de las figuras representadas. El animal más representado es el bisonte. Estas representaciones artísticas están relacionadas con prácticas de carácter mágicoreligioso para propiciar la caza. Pinturas de la Cueva de las manos, en Santa Cruz, Argentina, 7350 a.c. Se trata de una de las expresiones artísticas más antiguas de los pueblos suramericanos. De todas estas pinturas las más antiguas son las siluetas en positivo y en negativo de las manos. Asimismo, se pueden observar siluetas de animales (principalmente guanacos y choiques); la representación humana se encuentra aunque en menor frecuencia y con formas lineales. Son más comunes los motivos geométricos (espirales).

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EGIPTO

Pinturas de la tumba de Nefertari, Valle de las Reinas, Egipto. Hacia el 1255 a.c. Nefertari fue una reina egipcia de la dinastía XIX, la Gran Esposa Real de Ramsés II el Grande, uno de los faraones más poderosos. La reina aparece representada siguiendo los cánones de la pintura egipcia: con el rostro, brazos de perfil, mientras que el tronco y el ojo están dispuestos de frente.

hieratismo imitado de los egipcios.

Príncipe de los Lirios Palacio de Cnossos, Creta. 1.400 a.c. Fresco en relieve de estuco, que representa a un joven, ataviado con galas que delatan su importancia en la jerarquía social y que avanza entre un campo de lirios. Destaca la línea, muy marcada, que le otorga claridad compositiva. Se nos muestra a la figura con el cuerpo de frente y las extremidades de perfil,

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GRECIA

Aquiles y Áyax jugando a los dados. Obra de Exequias. Siglo V a.c. Técnica de pinturas negras sobre cerámica. La escena muestra a Aquiles y Áyax en un momento de concentración, jugando a los dados, en medio de una batalla. Las posturas de los guerreros muestran que no están relajados pero están pendientes del resultado del juego. Destaca la claridad lineal y la perfección del dibujo.

Discóbolo de Mirón, escultura. Mediados del s. V a.c. Conocedores de la importancia de la escultura dentro del arte griego, presentamos El Discóbolo. Representa a un atleta en un instante anterior al lanzamiento del disco. Con Mirón entramos en el periodo clásico de la escultura griega. En el Discóbolo triunfa el estudio de la anatomía en acción y en el que, conforme a los principios de la inmutabilidad clásica, el esfuerzo físico no afecta a la serenidad expresiva del rostro.

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ROMA

Máscaras Pintura pompeyana, segundo estilo. Siglo I a.c. Se desarrolla durante el siglo I a. c. en la época de César. El estilo arquitectónico incluye las denominadas arquitecturas pintadas, buscando profundidad y perspectiva. Se dan frecuentemente las ventanas, tras las que se puede ver un paisaje imaginario. Entre estas arquitecturas aparecen los “cuadros”, en los que predominan los temas mitológicos.

Flora o La Primavera. Pintura pompeyana, tercer estilo. Siglo I d.c. Coincide con la primera mitad del siglo I d. c. durante la época de Augusto y sus sucesores. En esta fase desaparecen los efectos espaciales arquitectónicos y se representan elementos ornamentales muy ligeros. La decoración sigue enmarcando cuadros con figuras o paisajes. Hay que destacar en esta obra su cromatismo, el trazo y su ritmo curvilíneo, y la originalidad y sencillez de la composición.

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ROMÁNICO Pantocrator de la iglesia de San Clemente de Tahull, Cataluña 1123, año de consagración de la iglesia.

Corte de Justiniano, (mosaico), San Vital de Ravena, Italia, 547, año de su consagración. Retrato de Justiniano y su séquito, ubicado en uno de los laterales del ábside de la iglesia. El emperador lleva como ofrenda una gran patena de oro y aparece tocado con la corona imperial, símbolo del poder terrenal, a la vez que su cabeza aparece rodeada por un nimbo, símbolo del poder celestial. Todos los personajes aparecen representados de frente y denotan un marcado hieratismo y rigidez. La perspectiva no existe.

Se trata de una pintura mural al fresco que decora la bóveda de cuarto de esfera del ábside central del templo de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí (Lérida). En la Bóveda se representa ocupando casi la totalidad de la misma a Cristo en Majestad sentado y encerrado en una mandorla. Con su mano derecha alzada en señal de bendición. En esta obra no hay interés por el espacio tridimensional, ni perspectiva ni contexto espacial. Presenta un colorido amplio de tonalidades y unas líneas con color negro que configuran los contornos de la imagen representada.

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GÓTICO

Roger van der Weyden El Descendimiento, 1436. Este cuadro es la sección central de un triplico pintado por Roger van der Weyden como encargo de la guilda o cofradía de los ballesteros de Lovaina. El tema es religioso, típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Las figuras recrean un grupo escultórico y resaltan sobre el fondo liso. Todas las figuras se distribuyen en un primer plano, yuxtapuestas pero procurando que ninguna oculte la las demás. Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Fray Angelico La Anunciación, 1426. Se trata de una obra realizada en un momento de transición entre la pintura gótica y el renacimiento. Esta pintada en oro y temple sobre tabla. La iconografía de la Anunciación es la característica de la época: el arcángel que desciende a la presencia de María, quien le recibe temerosa pero con sumisión al mandato divino. En una escena secundaria se muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso.

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RENACIMIENTO Leonardo da Vinci El Hombre de Vitruvio, 1490. Este dibujo recoge varias de las ideas claves del pensamiento renacentista: el hombre como centro del Universo, el hombre medida de todas las cosas. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma,, del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas.Diego Velázquez

Miguel Ángel Juicio Final. Capilla Sixtina. (Detalle de Jesús y María) 1535. El Juicio Final es un enorme conjunto pictórico al fresco ubicado en la pared del altar de la Capilla Sixtina. En este conjunto trabajó durante cuatro años, es una composición colosal en la que Michelangelo crea un universo de titanes vigorosos, formados por volúmenes casi escultóricos. Cristo es el epicentro de la obra. Con un enérgico y aterrador movimiento se para a los justos de los pecadores. Junto a Cristo está María. Temerosa, se esconde junto a su hijo asustada por el movimiento violento que hace.

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BARROCO

Diego Velázquez La infanta Margarita en azul, 1659. La infanta Margarita era la primogénita del rey Felipe IV de España y su segunda esposa Mariana de Austria. La infanta Margarita a parece en numerosos retratos realizados por Velázquez: es ella precisamente el personaje principal del cuadro de Las Meninas (1656). En esta ocasión la niña aparece a los ocho años, con el rostro serio, tal vez por timidez. Destacan sobre todo en esta obra: la luz, que restalla en toda la figura de la infanta oscureciendo el fondo del cuadro, y el color, poderoso, de un azul eléctrico lleno de intensidad y de brillo.

Doménikos Theotocópoulos, El Greco Martirio de San Sebastián, 1610-14. La obra original fue cortada en dos. El cuerpo de San Sebastián aparece sumamente estilizado, atado a un árbol y recibiendo las saetas que llegan de diferentes direcciones con gesto de consentimiento y ternura. Eleva su mirada hacia Dios, asumiendo su martirio. La obra está construida a base de sutiles pinceladas, que permiten hacer una perfecta transición de la luz a sombra. El fuerte foco de luz incide con tanta fuerza en el santo que casi se suprime el color de la carnación, convirtiéndose en blanco.

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NEOCLASICISMO Francisco de Goya El Parasol, 1777. El quitasol forma parte de la serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, para la serie destinada a la decoración del comedor del infante Carlos, entonces, Príncipe de Asturias. La originalidad de Goya hay que buscarla en la espontaneidad, realismo y naturalidad. El color al igual que el de todos los cartones para tapices, es luminoso y contrastado de vivos tonos. Su composición es academicista, neoclásica. Francisco Pradilla Doña Juana La Loca, 1878. (Detalle) Cuadro por excelencia del género histórico en España. Se trata de la evocación del viaje que hace doña Juana desde la Cartuja de Miraflores a Granada acompañando el cadáver de su esposo Felipe el Hermoso. En una de las jornadas la reina ordenó detener a toda la comitiva y velar a la intemperie el cadáver, sufriendo el riguroso frío de la estación. El tratamiento pictórico es muy realista.

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IMPRESIONISMO Claude Manet Argenteuil, 1874. Se trata, dentro de la historia del arte de una de las primeras obras que merecen plenamente el calificativo de impresionista, tanto por razón del tema naturalista como por su factura audaz, con una pincelada rápida, con toques cortos y precisos, dando la sensación de que se elimina el dibujo. Su colorido es muy variado, destacando el azul chillón del río. Ambas figuras se sitúan sobre una barca, gajo la luz del sol veraniego, luz del atardecer de un momento determinado.

Nenufares, 1921.

Monet se instaló en Giverny en 1883, donde construyó un impresionante jardín, en él que cultivó exóticos nenúfares importados de Japón. Desde entonces y hasta el final de su vida pintó una y otra vez estas plantas acuáticas. La disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para el artista, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo.

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POSTIMPRESIONISMO Vicent van Gogh La Habitación del artista, 1889

Paul Gaugin Mujeres de Tahití (en la playa), 1891.

El dormitorio en Arlés es el título que reciben tres cuadros similares, que se distinguen con facilidad entre ellas por los cuadros que hay a la derecha de la pintura. Es un alojamiento modesto. A pesar de la intención de Van Gogh de transmitir la idea de descanso y sueño, el resultado es más bien un sentimiento de angustia debido a la gruesa línea que rodea los objetos, los colores puros y privados de sombras, y las paredes inclinadas, reforzando la extraña perspectiva.

Este cuadro fue realizado por Gauguin durante su primera estancia en la isla de Tahití. Allí descubrió un tipo femenino distinto al de las mujeres europeas, que reflejó en numerosos cuadros. Está pintado con la técnica conocida como “cloisonismo”: encierra con trazos negros o azul los colores planos. Destaca la monumentalidad del cuerpo humano, así como la perspectiva, forzada, que deforma los cuerpos.

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FAUVISMO Henri Toulouse Lautrec Aristide Brunat en su cabaret. Cartel publicitario, 1893 Aristide Brunat, cantante de cabaret francés, fue uno de los personajes más emblemáticos de Montmartre, especialmente desde su local llamado “Le Mirliton”, donde se recogían los acontecimientos más importantes del barrio. Este cartel sirve para anunciar su publicación. Brunat aparece de perfil, destacando la planitud de los colores, siguiendo a la estampa japonesa, y la sinuosidad de la línea, anticipando el modernismo.

Henri Matisse La Danza II, 1910.

Hay dos versiones de esta obra. En la primera usa colores más pálidos y menos detalles. En esta segunda versión fue creada junto a la pintura de La Música para la mansión moscovita del empresario ruso y coleccionista de arte Serguéi Schukin. Usa una paleta cromática fauvista. A este colorido se le ha dado una interpretación simbólica: los cuerpos se pintan de rojo y representan la vida, el azul es obviamente el cielo y el verde la naturaleza.

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EXPRESIONISMO Edvard Munch El Grito, 1893

Este cuadro es lo más expresivo de toda la pintura contemporánea. El sentimiento terrorífico de la soledad, la amargura del dolor y la tristeza, asoman en el lienzo. La angustiada voz retumba en la naturaleza, provocando oleadas de pesimismo.

Kandisky Yellow, red and blue, 1925

El círculo es un elemento dominante que parece actuar como foco o como centro de gravitación dentro de una cuidada estructuración del espacio que ha sustituido aquella espontaneidad romántica del período anterior del artista. Esta pintura constituye un ejemplo de abstracción constructiva de las que el pintor realizó a partir de 1921 y llamó “Composición. Son el antecedente directo del expresionismo abstracto o pintura informal que se desarrolló posteriormente, a partir de 1945.

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CUBISMO

Pablo Ruiz Picasso Señoritas de Avignon, 1907. En 1907, Picasso sorprende con este cuadro que rompía con toda la tradición pictórica anterior. Aun cuando la obra no se puede considerar cubista, Picasso desplegó en ella muchos de los aspectos que formarían la base de este nuevo movimiento, como por ejemplo: la descomposición del espacio y las formas pictóricas, la inspiración en el arte primitivo y la combinación de diferentes puntos de vista en una sola figura.

Juan Gris La guitarra, 1918 En esta obra el tema es guitarra, la cual podemos observar en el centro de la obra como figuras geométricas como son romboides, rectángulos, círculos, en su conjunto forman la forma de la guitarra. Al entrar en armonía todos los elementos vecinos, se logra componer una guitarra, junto hay unas hojas de papel escritas. La gama cromática nos da la sensación de tranquilidad, de silencio, de ausencia.

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SURREALISMO Salvador Dalí Relojes Blandos o la persistencia de la memoria, 1931.

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligar al amanecer. El paisaje es simple, aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. La obra representa un paisaje onírico, de grandes espacios dilatados, en el que los elementos se asocian de forma insólita. Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo.

Joan Miró El jardín, 1928. Contiene imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. La composición se organiza sobre un fondo plano y el artista usa una gama limitada de colores brillantes, en especial azul, rojo, amarillo, verde y negro.

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POP ART

Roy Lichtenstein Woman in Bath, 1963 Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero a partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, lo que contribuía la restricción de colores, perfilados por gruesas líneas negras.

Andy Warhol Venus de Botticelli, (serigrafía) 1984

Warhol comenzó a involucrarse en el Pop Art realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli o Uccello.

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EJEMPLOS DE TRABAJOS EN ACUARELA

LAS VIDAS DE LA PINTURA

EJEMPLOS DE TRABAJOS EN ACUARELA

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EJEMPLOS DE TRABAJOS DE DIBUJO

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