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HISTORIA DE LA MÚSICA Y DE LA DANZA OPCIÓN A 1. Comentario y análisis de una obra o fragmento musical con la ayuda de audición y partitura. Las audiciones se reproducirán dos veces según se indica en las instrucciones. Las dos veces, la audición de OPCIÓN A se escuchará en primer lugar. Asimismo, utilice la partitura identificada como OPCIÓN A. 1.a. Descripción de los siguientes elementos musicales utilizando terminología específica: Ritmo: a. Tipo de ritmo: ritmo binario claramente marcado en la audición. b. Compás: la transcripción indica 4/4, o compasillo (se necesitan 4 negras para completar un compás), aunque en la audición se escucha perfectamente el pulso binario. c. Tempo: rápido. d. Otras observaciones de interés: Este fragmento es una trascripción a la notación ortocrónica actual de la grafía original llamada notación mensural, que podemos observar puesto que las figuras utilizadas en el manuscrito original se han mantenido situadas encima del pentagrama de esta partitura. Melodía: a. Tipo de melodía: Melodía modal, escrita en modo dórico. b. Otras observaciones de interés: La colocación del texto es silábica. La melodía se compone de una serie de preguntas y respuestas similar al de las canciones populares, con una tonadilla sencilla que se mueve casi siempre por grados conjuntos.

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Textura: a. Tipo de textura: monodia, b. Otras observaciones de interés: esta partitura está compuesta por una melodía cantada al unísono que puede ser acompañada por uno o varios instrumentos que repiten la melodía, como se escucha en la versión de la audición que se adjunta.

Timbre: a. Tipo: el tipo de timbre no queda escrito en la partitura, si bien, hay que señalar que por las miniaturas dibujadas en las partituras de las Cantigas, con toda seguridad se utilizaban los diferentes instrumentos existentes en la época en la que se compusieron. b. Otras observaciones de interés: se alternan la interpretación de la melodía entre voces masculinas y femeninas acompañada por los instrumentos.

1.b. Forma, género musical, período artístico y cronología, autor y título de la obra. Forma: a. Forma: Las Cantigas son un recopilatorio de unas 400 canciones escritas en gallego-portugués que tratan sobre milagros y alabanzas a la Virgen

María,

usando

el

estilo

de

las

canciones

amorosas,

concretamente esta tiene forma de Zejél. b. Otras observaciones de interés: La Cantiga se basa en la repetición de un estribillo de cuatro versos que se alterna con diversas estrofas. En éstas, los cuatro primeros versos riman entre sí y los cuatro últimos lo hacen con el estribillo.

Género/s: Música trovadoresca. Aunque su tema es religioso, y aunque fuesen interpretadas en las fiestas de Santa María, las Cantigas están

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totalmente desvinculadas de la liturgia. Cómo aparece escrito en la partitura, pertenece al grupo de las denominadas de loor, término con el que se agrupan aquellas piezas dedicadas sólo a la alabanza, por oposición a las de milagro, más numerosas, que narran alguna intervención milagrosa de la Virgen. Periodo artístico: Música Medieval. Cronología: Segunda mitad del siglo XIII. Título: Cantiga de Santa María número 100. Santa María, strella do dia. Autor: Esta Cantiga pudo ser compuesta por el rey Alfonso X el Sabio o por alguno de los trovadores que estuvieron a su servicio, entre ellos, el famoso provenzal Guiraut Riquier o los gallegos Pero da Ponte y Pero Mafaldo.

2. Desarrollo de un tema teórico Tema: La música en el Clasicismo. Música sinfónica y música de cámara: la sinfonía clásica, la forma sonata, el cuarteto de cuerda. 2.a. Situación del tema en su contexto histórico y social Entre 1750 y 1810, aproximadamente, aparece en la Historia de la Música la etapa conocida como Clasicismo, cuyo apelativo Clásico vinculado al ámbito musical ha pasado a definir hoy casi cualquier música sinónima de música culta. En el Clasicismo se ubica la Ilustración, que refleja al hombre como un ser armónico y a la humanidad como una sociedad ideal y sin problemas. Esta corriente intelectual presenta como principal característica su defensa de la idea de perfección de la realidad, es decir, se observa el mundo como una organización bella y perfecta. No obstante, la cultura y el arte, que hasta este momento se había subyugado al mecenazgo de la iglesia y la nobleza, cambian de rumbo para ocupar un lugar cada vez mayor en la sociedad burguesa, que traslada sus lugares de ocio a las viviendas privadas y los cafés. Se asiste por primera vez en la historia de la música a la independencia del artista de la alta aristocracia y al nacimiento del concierto público (Cremades, Lorenzo y Herrera, 2009).

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2.b. Características musicales El Clasicismo, en oposición al Barroco, representa la sencillez, proporción y armonía. El músico toma como principios armónicos medida, número y orden, tendiendo a la objetividad y el equilibrio en sus obras, así, el compositor antes de escribir crea una visión global de la obra en torno a unas formas musicales preexistentes y cambiantes, pues mientras van quedando en desuso la Suite Coral, el Preludio, el Concerto Grosso, la Fantasía o la Tocatta y la Fuga, aparecen, por ejemplo, la Sonata y la Sinfonía. Las nuevas técnicas compositivas abandonan el bajo continuo y la armonía compleja. Ahora el estilo es homófono o vertical, la melodía es clara y sencilla y los ritmos no buscan el contraste, sino que son regulares y unitarios. Hay un claro predominio de la música instrumental, que alcanza su máximo esplendor en esta etapa (Pestelli, 1986). El Clasicismo aportó al estilo musical una de las más importantes formas musicales, la sonata, que desarrolló plenamente la música instrumental, engrandeciendo y equilibrando la orquesta, y abandonó las complicaciones armónicas del estilo anterior adoptando una nueva forma más sencilla y comprensible de escribir, lo que desencadenó que por primera vez la música culta no tuviera una finalidad principalmente elitista, sino que fuese accesible a todos los sectores sociales.

2.c. Cita y comentario de autores y obras Los compositores más célebres en esta etapa de la Historia de la Música fueron el inglés F. J. Haydn, W. A. Mozart y L.V. Beethoven. Franz Joseph Haydn nació en Rohrau, Austria. Recibió sus primeras enseñanzas musicales de su tío con quien fue a vivir cuando tenía seis años. Dos años después accedió como niño cantor al coro de la catedral de San Esteban, en Viena, donde se formó musicalmente hasta que en 1761 entró a trabajar al servicio del príncipe Eszterházy, cabeza de una de las familias más acaudaladas de la nobleza húngara, al que le gustaba la música y las artes, en general. Bajo el mecenazgo del príncipe el compositor escribió 108 Sinfonías,

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68 Cuartetos de Cuerdas, Oberturas, Óperas, Conciertos, Tríos para cuerdas, Sonatas para piano, y un largo etcétera, de las que destacan sus Sinfonías y Cuartetos, puesto que Haydn era más bien un compositor instrumental.

Wolfang Amadeus Mozart nació en Salzburgo, Austria. Su padre, Leopold, compositor, observó que desde la infancia el pequeño tenía unas enormes habilidades musicales, de forma que se dedicó en cuerpo y alma a la educación musical de su hijo. Mozart comenzó a escribir sus primeras composiciones a la edad de 4 años y rápidamente fue incrementando el número de sus obras. La mayor parte de su música fue compuesta por encargo o para alguna ocasión especial. Destacó en la composición de Sonatas para diversos instrumentos. También compuso un destacado número de Serenatas y Divertimentos para ser interpretadas en veladas musicales en espacios abiertos, conciertos domésticos destinados a sus amigos o mecenas. La más famosa es Eine keline Nachtmusik (Pequeña música nocturna). Por otra parte destaca su producción de Conciertos para instrumentos solistas, Sinfonías y Óperas. La mayor parte de las obras más importantes de Mozart fueron compuestas durante los últimos diez años de su vida, en Viena, como fueron la ópera La flauta mágica y su Réquiem. Como nexo de unión entre el Clasicismo y el Romanticismo podemos situar la obra de L.V. Beethoven. Natural de Bonn, Alemania, es quizás uno de los más célebres e importantes compositores en la Historia de la Música. Su producción fue más bien escasa pero destaca el renovado aire que dio a la Música de Cámara, la excelencia a la que llegó en su 9ª Sinfonía (sólo compuso 9 Sinfonías), o su única Ópera, Fidelio, una de las más bellas compuestas jamás (Pérez, 2000).

3. Definición de algunos términos musicales Calderón: Signo que colocado sobre una nota o un silencio prolonga su duración a voluntad del intérprete.

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Consonancia: La consonancia es la estabilidad percibida entre dos o más sonidos, es el indicador de los modos en los que se elaboran los intervalos y acordes en la música occidental. Además, los intervalos consonantes se tratan de forma estable, puesto que no requieren de resolución. Hasta los siglos XII y XIII sólo se consideraban consonantes los intervalos de octava, quinta y cuarta; luego lo serán también las terceras y las sextas.

Lied: La palabra alemana “Lied” significa canción, tonada o aria. El lied alcanzó su máxima difusión en el Romanticismo. Es una canción para voz solista con acompañamiento, habitualmente de piano, de características sencillas, sin efectos virtuosísticos, pero de un estilo delicado y elegante cuya principal particularidad es la estrecha relación de poesía y música.

Motete: Género de la música polifónica que surgió en el medievo. Este término proviene del francés mot, que significa palabra, y hace referencia al hecho de añadir texto. En concreto al texto añadido a los melismas de los organa (claúsulas). A partir del Renacimiento, motete viene a significar simplemente obra de polifonía religiosa.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Cremades, R., Lorenzo, O., & Herrera, L. (2009). Estilo musical y currículum en la

Educación

Secundaria

Obligatoria.

Alicante:

Editorial

Club

Universitario (ECU). De Benito, L. A., y Artaza, J. (2004). Aplicación Metodológica del Análisis Musical. Murcia: Master ediciones. Pérez, M. (2000). El Universo de la Música. Madrid: Musicalis. Pestelli, G. (1986). Historia de la Música, 7. La época de Mozart y Beethoven. Madrid: Turner.

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Randel, D. M. (1997). Diccionario Harvard de Música. Madrid: Alianza Editorial. Ulrich, M. (2003). Atlas de Música, I. Madrid: Alianza Editorial.

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