Museo  Nacional  de  Bellas  Artes  (Buenos  Aires,  Argentina)   Sala  10.  Pintura  y  escultura  francesa  del  siglo  XIX   Floréal,  1888   Louis  Joseph  Raphaël  Collin   Óleo  sobre  tela   110  x  190cm       Obra  de  arte  creada  por  el  pintor  Raphaël  Collin  aproximadamente  en  1888.  Está   enmarcada  en  una  colección  de  creaciones  de  artistas  franceses  que  fueron   presentadas  en  Buenos  Aires  a  comienzos  del  siglo  XX  y  que  luego  pasaron  a   manos  del  MNBA.  Las  obras  realizadas  por  este  artista  francés  vinculan,   generalmente,  temas  renacentistas  y  orientales  que  se  expresan  a  través  de   técnicas  propias  de  la  academia  francesa  y  del  impresionismo.  La  ubicación  de   Floréal  en  el  museo  está  determinada  por  ese  carácter  especial  que  tienen  las   obras  de  Collin.  La  sala  número  diez  es  una  bisagra  que  une  al  romanticismo,  al   barroco,  a  la  pintura  de  la  academia  y  al  romanticismo  de  Goya,  con  las  pinturas   pre-­‐impresionistas  e  impresionistas  que  están  presentes  en  las  salas  consiguientes.   Podría  decir  que  la  ubicación  de  esta  obra  es  fundamental  para  poder  comprender   el  proceso  en  el  que  se  ha  visto  involucrado  el  arte.    Cabe  resaltar  que  no  es   aleatoria  la  ubicación  de  la  sala  dónde  se  encuentra  esta  obra:  la  sala  diez  es  la   central  y  el  paso  por  ella  es  obligatorio.  La  obra  y  la  sala  donde  ella  está  incluida   coinciden  en  el  término  “bisagra”  que  se  había  usado  previamente.        

Una  mujer  acostada  y  desnuda  en  el  césped  ocupando  la  mitad  del  cuadro,  y  un   paisaje  que  incluye,  al  parecer,  un  lago,  es  todo  lo  que  se  puede  percibir   formalmente  en  esta  obra  de  Collin.    Para  hacer  el  análisis  de  la  obra  de  modo  más   claro  he  decidido  “dividir”  la  creación  del  artista  en  los  dos  aspectos  que   predominan:  el  cuerpo  y  la  naturaleza.  (Vale  la  pena  resaltar  que  todas  las  obras  de   la  sala  donde  ésta  obra  se  encuentran  están  también  compuestas  por  cuerpos   humanos  desnudos  en  fuerte  vínculo  con  la  naturaleza).     En  primer  lugar,  tanto  el  cuerpo  de  la  mujer  como  el  paisaje  de  fondo  tienen  un   aspecto  en  común:  la  paz,  la  tranquilidad  y  la  ausencia  de  movimiento  hacen  que  la   composición  describa  un  lugar  y  una  situación  aquietada  esperando  la   reproducción  de  ella  (esa  que  finalmente  hace  el  artista).  Que  el  cuerpo  de  la  mujer   esté  reposando  y  que  esté  ubicado  paralelamente  al  eje  horizontal  del  cuadro   colaboran  a  la  ilusión  de  serenidad  y  quietud.  La  pose  que  tiene  el  cuerpo  parece   muy  natural  y  poco  forzada  ya  que  la  relajación  en  los  músculos  se  hace  evidente.   El  brazo  derecho  de  la  mujer  está  flexionado  de  un  modo  que,  con  el  paso  del   tiempo,  resultaría  incómodo.  Aún  así,  el  modo  en  que  ese  brazo  sostiene  la  rama   que  la  modelo  tiene  en  la  boca  transmite  una  sensación  de  comodidad,  por  lo  que   el  aspecto  anteriormente  mencionado  no  tiene  presencia  directa.    La  expresión  del   rostro  es  un  aspecto  que  suma  a  lo  que  transmite  la  obra:  la  relajación  de  los   músculos  faciales  y  la  neutralidad  que  esto  causa  colabora  a  la  sensación  de   tranquilidad.  La  mano  izquierda  colabora  también  a  la  creación  de  una  sensación   de  comodidad  presente  en  todo  el  cuadro.     Hay  un  aspecto  muy  importante  referido  al  cuerpo  que  se  hace  muy  evidente.  Para   ejemplificarlo  haré  referencia  a  la  mano  izquierda  de  la  modelo:  los  dedos  finos,  la   mano  delgada  y  perfectamente  proporcional  al  cuerpo,    la  textura  perlada  de  la  piel   y  el  color  parejo  en  cada  pliegue,  conjugan  y  demuestran  la  perfección  e   idealización  del  cuerpo.  Para  la  que  la  pintura  de  la  academia  pudiera  aceptar   desnudos  era  necesario  que  ellos  presentaran  una  figura  perfecta  e  idealizada  que   evitara  defectos  y  partes  “grotescas”  del  cuerpo  como  eran  los  genitales.  Ya  que  la   figura  femenina  de  Floréal  se  apega  directamente  al  canon  de  la  pintura  de  la   academia  podría  enmarcarse  en  ese  movimiento  artístico.  Otro  aspectos  que  hace   este  marco  más  evidente  es  la  técnica  pictórica  que  presenta  el  cuerpo:  la  figura   está  perfectamente  delineada  sin  mezclarse  con  trazos  del  fondo  además  de  que   los  trazos  con  los  que  se  compuso  la  piel  no  son  evidentes.         La  luz  que  ilumina  la  escena  parece  provenir  de  una  fuente  única  de  gran  tamaño.   Que  sea  una  escena  en  el  exterior  señalaría  que  la  luz  proviene  del  sol.  A  partir  de   esto,  y  de  la  sombra  con  poco  ángulo  presente  bajo  las  piernas  de  la  mujer,   demostraría  que  la  escena  pasaría  en  las  horas  cercanas  al  mediodía.  La  sombra  es   un  punto  muy  importante  que  vale  la  pena  resaltar  ya  que  la  técnica  con  la  que  se  

ha  creado  es  con  el  claro-­‐oscuro.  El  modo  cómo  esta  sombra  fue  creada  contrasta   con  el  modo  con  la  que  las  zonas  oscuras  del  paisaje  fueron  pintadas.           El  único  punto  del  cuerpo  que  difiere  con  todo  lo  anteriormente  explicitado  y  que   se  asemeja  en  varios  aspectos  al  paisaje  de  fondo  es  el  cabello  de  la  mujer.  En  este   apartado  las  pinceladas  se  hacen  notorias,  las  zonas  oscuras  se  crean  gracias  al   contraste  del  color  y  el  borde  no  es  evidente  sino  que  los  cabellos  y  sus  trazos  se   funden  con  los  trazos  que  crean  el  césped:  estos  aspectos  describen  características   del  impresionismo.       El  paisaje  de  fondo  se  enmarca,  por  su  lado,  con  el  impresionismo,  por  lo  que  hace   un  claro  contraste  con  el  cuerpo  de  la  modelo.  Un  aspecto  importante  es  que,   aunque  la  modelo  esté  en  primer  plano  por  lo  que  su  figura  llama  más  la  atención,   el  espacio  para  el  fondo  corresponde  casi  a  la  mitad  de  toda  la  composición.  Los   aspectos  que  acercan  el  paisaje  al  impresionismo  son  los  mismos  que  se  le  han   atribuido  al  cabello  de  la  mujer:  se  hacen  muy  notorios  los  trazos  del  elemento  con   el  que  se  aplicó  la  pintura,  los  bordes  no  están  definidos  en  ningún  punto  (ni  en  el   lago,  ni  en  los  árboles),  las  sombras  y  zonas  oscuras  se  crean  gracias  al  color  (la   sombra  presente  en  el  lago  es  creada  de  este  modo)  y  la  sensación  de  realidad,   tridimensionalidad  y  profundidad  es  menos  fiel  en  comparación  al  otro  elemento   del  cuadro.       El  tema  de  la  obra  me  resulta  difícil  de  dilucidar.  La  perfección  del  cuerpo  y  el   ambiente  natural  me  llevan  a  un  lugar  mágico  o  mítico.  El  contraste  entre  la   idealización  de  la  realidad  evidente  en  la  mujer,  y  la  sensación  de  poco  realismo   que  transmite  el  fondo  -­‐en  función  del  cuerpo-­‐  hacen  que  la  coexistencia  de  dos   mundos  sea  un  punto  álgido  que  puede  determinar  el  tema:  lo  mágico  y  mítico  se   representan  a  través  de  la  idealización  de  la  realidad.  La  desfiguración  de  la   realidad  es  el  punto  en  el  que  conviven  el  fondo  surrealista  y  el  cuerpo  idealizado.   Vale  la  pena  aclarar  que  no  veo  la  modificación  de  la  realidad  como  un  intento  de   alejarse  de  ella  sino  como  una  tentativa  de  crear  la  ilusión  de  ella.       Parte  2   Proyecto  escénico  basado  en  “Hernani”  de  Víctor  Hugo     Víctor  Hugo  fue  el  más  importante  representante  del  Romanticismo  francés  en  el   campo  de  la  literatura  dramática.  El  Prefacio  a  Cromwell  es  considerado  como  el   manifiesto  romántico  en  el  que  las  “reglas”  del  nuevo  drama  son  expuestas.    Las   comillas  las  he  usado  porque  lo  que  explicita  Víctor  Hugo  no  se  considera  como  ley   incorruptible  sino  que  representa  más  una  descripción  de  sus  obras;  ésta   descripción  es  considerada  a  posteriori  como  un  lugar  que  expone  las   características  del  teatro  romántico  en  general  pues  muchas  de  las  obras  de  

variados  autores  de  la  época  se  corresponden  con  la  conceptualización  de  drama   romántico  de  Víctor  Hugo.     A  grandes  rasgos,  una  creación  teatral  que,  además  de  romper  con  las  reglas   impuestas  por  la  academia,  prioriza  la  expresión  de  la  subjetividad  del  autor  es  lo   que  Víctor  Hugo  conceptualiza  como  nuevo  drama  o  drama  romántico.  La   exacerbación  de  sentimientos,  la  nostalgia,  lo  sobrenatural  y  fantasioso  como   añoranza  al  contacto  perdido  que  tenía  el  humano  con  la  naturaleza  y  lo  místico,  la   falta  de  definición  de  situaciones  y  personajes  que  se  ocultan  y  no  se  presentan   nunca  cómo  realmente  son,  componen  los  temas  recurrentes  del  drama  romántico.   La  academia  exigía  que  el  teatro  debía  cumplir  con  cuatro  reglas  fundamentales   provenientes  del  teatro  griego  clásico:  unidad  de  acción,  unidad  de  tiempo,  unidad   de  lugar  y  diferenciación  de  géneros.  El  teatro  debía  tener  una  línea  de  acción  clara   y  coherente  que  se  exponía  en  un  tiempo  determinado  y  en  un  lugar  específico  que   no  era  mutable.  Lo  trágico  solo  podía  ser  trágico  y  lo  cómico,  cómico:  no  había   espacio  para  la  mezcla  de  temáticas  ni  géneros.  Víctor  Hugo  afirma  que  es   necesario  romper  con  la  mayoría  de  estas  reglas  para  poder  retratar  la  realidad   como  realmente  es  vista  por  el  individuo  creador:  la  vida  es  cómica  y  trágica  a  la   vez,  estamos  mutando  constantemente  de  lugar  y  el  tiempo  es  flexible   dependiendo  de  la  circunstancia  en  que  se  esté  involucrado.  De  este  modo,  el   teatro  romántico  rompe  con  las  leyes  de  la  academia  para  poder  exponer  los  temas   que  desea  del  modo  cómo  el  autor  los  concibe  en  su  subjetividad.  La  obra   romántica,  por  tanto,  rompe  con  las  reglas  de  la  academia  que  idealizan  la  obra  de   arte:  el  romanticismo  de  Víctor  Hugo  contrastaría  con  el  cuerpo  de  Floréal  de   Collin  el  cual  se  apega  a  las  reglas  del  romanticismo.       Se  podría  decir  que  la  obra  de  Collin  tiene  un  punto  de  contacto  fuerte  con  el   romanticismo  en  el  tema  referido  a  la  añoranza  a  la  naturaleza  y  en  la  presentación   de  un  espacio  mítico.  Aun  así,  la  contradicción  entre  ellas  aparece  en  la  técnica  que   se  ha  usado  para  la  materialización  de  ese  tema:  una  aboga  por  la  “objetividad”  de   las  leyes  de  perfección  e  idealización  de  la  academia,  mientras  la  otra  aboga  por  la   mirada  subjetiva  que  tinta  toda  la  creación.       La  obra  elegida,  Hernani,  cumple  con  toda  la  conceptualización  anteriormente   hecha:  La  obra  pasa  en  1510,  un  tiempo  muy  alejado  de  la  realidad;  en  una  hora  de   representación  se  cuentan  situaciones  de  varios  días  (se  rompe  la  unidad  de   tiempo),  los  personajes  se  esconden,  encubren  y  disfrazan  constantemente,   situaciones  cómicas  y  trágicas  tienen  varios  contrapuntos  (se  rompe  regla  de   separación  de  géneros),  el  número  de  locaciones  donde  la  acción  escénica  acontece   es  variado  (rompe  unidad  de  espacio)  y  las  resoluciones  dramáticas  suelen  ser   mágicas  o  poco  coherentes  (se  varía  la  unidad  de  acción).    

La  historia  que  se  cuenta  en  Hernani  es  la  de  tres  hombres  que  se  pelean  por  el   amor  de  una  mujer:  Doña  Sol.  Hernani,  el  tío  de  ella  y  el  Rey  Don  Carlos  se  debaten   por  hacer  valer  su  honor  y  por  honrar  a  la  amada  que  comparten.  El  único   afortunado  cuyo  amor  corresponde  con  el  de  Sol  es  Hernani,  pero  ya  que  Sol  está   prometida  con  su  tío  debe  verse  con  su  amado  sólo  a  escondidas.  El  rey,  por  otro   lado,  quiere  encontrar  a  Hernani  pues  está  haciendo  revueltas  que  desestabilizan   el  poder  político;  pero  cuando  lo  encuentra  con  Doña  Sol,  se  enamora  de  ella  por  lo   que  ahora  es  necesario  deshacerse  de  Hernani  para  mantener  la  hegemonía  y  para   quedarse  con  Sol.  Después  de  varios  episodios  en  variadas  locaciones  el  Rey  se   convierte  en  emperador.  El  poder  lo  corrompe  de  un  modo  extraño  pues  trata  de   arreglar  sus  diferencias  con  todos,  por  lo  que  su  persecución  a  Hernani  expira.   Después  de  esto  se  presenta  la  boda  de  Hernani  con  Doña  Sol  pues  el  mismo  rey  ha   autorizado  la  unión  y  el  anterior  prometido  cedió  ante  la  decisión  de  Don  Carlos.   Aún  así  hay  un  final  trágico:  en  una  de  las  peleas  entre  Hernani  y  Don  Carlos,  el  tío   de  doña  Sol  salva  la  vida  de  Hernani  por  lo  que  éste  le  ofrece  su  vida.  El  anterior   prometido,  en  la  misma  noche  de  bodas,  no  puede  soportar  ver  a  su  anterior  novia   con  el  nuevo  pretendiente,  por  lo  que  decide  que  es  momento  que  él  muera  para   poderse  quedar  con  Sol.  Hernani,  para  mantener  su  honor,  se  suicida  frente  a  Sol,  y   ella,  por  su  infinito  amor,  decide  morir  con  él  ya  que  el  lazo  nupcial  que  los  une  es   tan  fuerte  que  hasta  en  la  muerte  el  amor  los  mantiene  unidos.       El  héroe  de  la  historia  es  Hernani  pues,  aunque  presente  un  personaje  bajo,  que  se   esconde  y  se  arrepiente,  termina  muriendo  después  de  haber  resuelto  el  conflicto.   Doña  Sol,  por  otro  lado,  representa  a  la  típica  heroína  romántica  que  es  capaz  de   dar  su  vida  por  el  amor  de  un  hombre.  La  idea  de  trascendencia  se  presenta  en   ambos:  en  la  muerte,  es  decir,  más  allá  de  lo  conocido,  se  considera  que  el  amor   persistirá  por  siempre.         La  historia  aunque  no  parezca  mágica  sino  más  bien  cercana  a  la  realidad  está   escrita  con  varios  procedimientos  románticos  que  no  permiten  representarla  a   través  de  una  puesta  teatral  realista.  Esos  procedimientos  románticos  son  los  que   contrastan  con  la  obra  de  Collin  pues  la  incoherencia  de  saltos  inmensos  de  tiempo   o  saltos  de  locaciones  destruyen  la  ilusión  de  realidad  que  crea  el  cuadro.  La   propuesta  escénica  que  realizaré  se  aleja  aún  más  de  las  características  del   idealismo  de  la  academia  pues  me  basaré  en  la  idea  del  teatro  absurdo  para   representar  toda  la  obra.       El  teatro  absurdo  nace  aproximadamente  en  los  años  cincuentas  y  es  un  intento   por  alejarse  radicalmente  del  teatro  realista  y  naturalista  ya  que  aboga  por   situaciones  incoherentes  en  un  único  espacio  escénico  que  se  puede  transformar   con  la  actuación  o  con  la  aparición/modificación  de  un  elemento  escénico.  Este   teatro  nunca  intenta  crear  una  ilusión  de  realidad  ni  mucho  menos  desea  que  lo   que  el  espectador  vea  sea  un  reflejo  de  su  existencia;  por  el  contrario,  el  teatro  del  

absurdo  quiere  mostrar  algo  que  sea  ajeno  al  espectador  por  su  irrealidad:  nunca   se  presentarán  las  cosas  como  son  (un  castillo,  por  ejemplo,  nunca  se  representará   con  un  castillo).     El  concepto  que  usaré  principalmente  es  el  de  la  mutabilidad.  En  escena  debe   haber  algo  que  en  sí  mismo,  y  en  función  de  su  ubicación  en  el  espacio,  sea   mutable.  La  idea  de  la  mutabilidad,  además  de  sumarse  al  absurdo,  pues  un  objeto   neutro  y  ajeno  se  podrá  convertir  en  muchos  elementos  (cosa  que  no  es  cercano  a   nuestra  realidad  fáctica),  me  permite  crear  todas  las  locaciones  de  la  obra.  En  el   escenario  habrá  un  cubo  de  15,625  m3  (2,5m  x  2,5m  x  2,5m)  el  cual  será  rebatible  y   se  podrá  presentar  con  varias  pestañas  abiertas  o  cerradas  dependiendo  de  la   situación.       El  cubo  estará  hecho  en  madera  y  es  necesario  que  tenga  bisagras  y  seguros  para   permitir  el  armado  simple  y  para  poder  dejar  pestañas  abiertas.  El  color  de  la   madera  será  el  más  claro  posible,  sin  llegar  al  blanco  total,  para  que  ayude  a  la   refracción  de  la  luz.  Escenográficamente  no  habrá  ningún  otro  elemento:  los   actores  serán  los  encargados  de  abrir,  cerrar  y  rotar  el  cubo  durante  su  actuación  y   son  ellos  los  encargados  de  que  con  su  modo  de  actuar  el  espectador  entienda  en   qué  lugar  se  ubicó  cada  escena.       La  inspiración  del  color  y  la  textura  del  cubo  reside  en  la  escenografía  de  Kalígula   dirigida  por  Tomaz  Pandur.          

   

En  cuanto  al  código  de  actuación  vale  la  pena  resaltar  que  se  alejará  de  todo   realismo  pues  tres  actores,  vestidos  del  mismo  modo,  encarnarán  a  todos  los   personajes.  Los  actores  en  ningún  momento  saldrán  de  escena  pues  están   encargados  de  mover  la  escenografía,  de  hacer  los  personajes  y  tienen  también  el   objetivo  de  mostrarle  al  espectador  que  no  son  personajes  sino  que  primeramente   son  actores.  Este  último  hecho  hace  que  se  rompa  la  ficción  y  la  idea  de  que  lo  que   se  presenta  en  la  escena  es  la  realidad  misma.       En  escena  no  habrá  música  pues  para  mantener  la  tensión  en  la  escena  hay  que   evitar  elementos  que  distraigan  al  espectador.  El  proyecto,  a  este  punto,  no  tiene   nada  más  por  especificar.  Se  recomienda,  para  comprender  la  escenografía,  ver  el   Anexo.       Bibliografía     Hugo,  Víctor.  (1977)  Cromwell.  Drama  en  cinco  actos.  Ciudad  de  México:  Editores   Mexicanos  Unidos     Hugo,  Víctor  (2012)  Hernani.  [Kindle  Touch  version].  Retrieved  from   www.teatro.ebooks.artesuniversales.com/?p=481