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Alejandro Tous y Ruth Núñez serán “Romeo Alejandro Tous y Ruth Núñez, conocidos por su trabajo en la serie de televisión “Yo soy Bea”, se embarcan en un nuevo y desafiante proyecto, “Romeo y Julieta”. Sin embargo, el tratamiento de una de las obras más conocidas del dramaturgo inglés William Shakespeare esconde novedades que aportan una nueva visión del clásico. Con un montaje tratado desde el trabajo actoral y un vestuario de estética atemporal, “Romeo y Julieta” parte de una sala de autopsias de un hospital. En ella el Corifeo, forense y maestro de ceremonias a la vez, nos anuncia la muerte de dos amantes “de mala estrella”. A partir de ahí los hechos serán reconstruidos para conocer el porqué de la muerte de los jóvenes esposos. El amor de Romeo, perteneciente a la familia de los Montesco, por Julieta, de la familia de los Capuleto, eternos rivales, deparará un cúmulo de desgraciados acontecimientos que llevarán

a ambas familias a conocer la magnitud de su odio. En esta nueva versión de “Romeo y Julieta”, adaptada para la ocasión por María Fernández Ache, el ambiente feliz de algunas escenas derivará, en ocasiones, en una atmósfera surrealista y sofocante que será apoyada por un inquietante pasaje sonoro que recree el claustrofóbico mundo de los sueños.

y Julieta”

Producciones Teatrales Ditu y la empresa Idiot International son los encargados de producir una obra dirigida por Will Keen, todo un especialista en William Shakespeare,. Acompañando a Ruth Núñez y Alejandro Tous están Sonia Almarcha, Dritan Biba, Francisco Olmo, Mabel Rivera, Manuel Solo y Pau Roca. La obra, que fue estrenada el pasado 30 de enero en el teatro Principal de Alicante, recorrerá el territorio nacional dentro de una intensa gira que continuará el próximo 8 de febrero en la clausura de la Mostra de Teatro Clásico de Lugo. Posteriormente “Romeo y Julieta” será representado en el Puerto de Santa María (Cádiz) el día 21 del mismo mes, y el día 28 lo hará en Huelva. El Ejido (Almería), Fuenlabrada (Madrid), Villena (Alicante) y Zaragoza serán los próximos destinos de una obra clásica que nunca ha perdido actualidad.

“El cuerdo loco”, obra poco conocida de Lope de Vega La compañía de teatro independiente creada por Carlos y Federico Aladro, Teatro en Tránsito, rescata uno de los textos más desconocidos de la ingente producción teatral del dramaturgo madrileño Lope de Vega: “El cuerdo loco”, escrita a comienzos del siglo XVII. Comedia novelesca llena de mensajes y situaciones tan cercanas como reales, la obra supone todo un desafío artístico para los actores. La trama transcurre en la ficticia corte de Albania, en la que recientemente ha muerto el Rey Filipo. El príncipe Antonio, su hijo, corteja a Lucinda, hermana de su amigo el Conde Próspero, quien los sorprende en su casa al regresar de madrugada. El príncipe, ofendido, envía a Próspero como General de los Ejércitos a enfrentarse con el Bajá Otomano. Sin embargo, esta acción enfadará al Duque Dinardo, anterior General y pretendiente de Rosania, madrastra del príncipe. Para deshacerse de Antonio, Rosania y el Duque deciden darle un veneno que le vuelva loco, pero no cuentan con que el cocinero encargado de preparar la pócima desvelará sus intenciones. Por ello, el príncipe deberá fingir su locura para desenmascarar a los traidores. Dirigido por Carlos Aladro, que también se ha ocupado de la versión junto a Azucena López Cobo, “El cuerdo loco” será interpretado por Israel Elejalde, que junto a Chema Ruiz, Beatriz Segura, Manuela Paso, Quique Fernández, Emilio Gómez, Toni Márquez y Alex García completan el reparto de esta obra que, pese a ser un clásico, no pierde su vigencia. Tras actuar del 4 al 8 de febrero en el teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, el próximo 13 de febrero Teatro en Tránsito llegará a la localidad asturiana de Avilés. El día 15 de febrero regresará a Madrid, esta vez para actuar en la localidad de San Sebastián de los Reyes.

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“Tantas voces...”,

“Los cuernos de don Friolera”recorren toda España

Luigi Pirandello fue uno de los mejores escritores de la Italia de comienzos del siglo XX, y buena muestra de ello es el Premio Nobel que recibió en 1934, dos años antes de su muerte. Fiel retratista de la sociedad italiana de la época, las obras de Pirandello siempre han destacado por sus personajes de clase media-baja que mantienen un serio conflicto con los instintos y la razón. Producciones Andrea D´Odorico se acerca ahora a la obra del escritor siciliano con el montaje “Tantas voces...”. Escrita por Juan C. Plaza Asperilla y dirigida por Natalia Menéndez, esta obra es un compendio de diferentes tramas recogidas en cuentos como “La casa de Granella”, “Limones de Sicilia”, “El certificado” o “Alguien ha muerto en el hotel”, todos del escritor italiano. Sus personajes, las vidas nacidas de los cuentos de Pirandello, toman forma en este novedoso montaje en el que tienen cabida una familia provinciana, un abogado, un juez o un campesino. Fidel Almansa, Jorge Calvo, Lola Casamayor, Lara Grube, José Luis Patiño, Juan Ribó y Antonio Zabalburu son los encargados de dar vida a casi una treintena de diferentes personalidades que transportan al espectador al ambiente de las novelas de Pirandello. Distribuida por Producciones Faraute, “Tantas voces...” fue estrenada el pasado mes de diciembre en la sala Tarambana de Madrid. La obra llegará a Valencia el próximo 24 de marzo, donde permanecerá hasta el día 29. Ya en abril, “Tantas voces...” regresará a Madrid, donde realizará temporada en el recinto escénico del Matadero.

“El caso de la mujer asesinadita” regresa a Madrid Entre el 26 de febrero y el 20 de marzo regresará a Madrid, en concreto al teatro Fernán Gómez y a petición del público, la hilarante obra de Miguel Mihura “El caso de la mujer asesinadita”, producción de Teatro de la Danza y Entrecajas Producciones –que gestiona también su distribución- que se estrenó en 2007. Isabel Ordaz sigue encarnando el papel de Mercedes, la protagonista, con el abrigo de los otros intérpretes del montaje, que son Ismael Martínez, Fracesc Albiol, Lola Baldrich, Santiago Nogués, Sandra Ferrús y Mamen Godoy. Todos ellos siguen las directrices de Amelia Ochandiano. El texto consta de tres actos de los que, para no arruinar el desarrollo de la obra a sus espectadores, solo desvelaremos el argumento del primero. Mercedes es una mujer casada de mediana edad que para no aburrirse demasiado en su matrimonio lee novelas de aventuras. Una noche, y mientras disfruta de un libro, se queda dormida y tiene un sueño con absoluta apariencia de realidad. En este sueño, disparatado y sorprendente, Lorenzo, su marido, se había enamorado de una secretaria joven y huérfana, y para poder vivir ese amor habían decidido envenenar a Mercedes, ya que en la España de los años 40 no existía el divorcio. En el sueño también aparece un misterioso personaje: un indio americano que conecta muy bien con Mercedes.

Fotos: Ros Ribas.

retrato de la Italia de Pirandello

Tras doce intentos anteriores de llevarla a escena, finalmente el director y dramaturgo Ángel Facio ha podido ver sobre los escenarios su particular visión de la obra de ValleInclán “Los cuernos de don Friolera”, en una producción del Teatro Español, que en gira es llevada a cabo por José Ángel García y Juanjo Seoane, quien también se encarga de su distribución. Durante el mes de febrero este montaje se podrá ver en Vigo el día 8, en Burgos los días 14 y 15, en Salamanca los días 20 y 21, y en Miranda del Ebro (Burgos) el día 27, mientras que ya en marzo se representará en Zamora los días 5 y 6, en las localidades asturianas de Gijón y Avilés los días 13 y 14 respectivamente, en Santander los días 20 y 21, y en La Coruña los días 27 y 28. La obra narra una truculenta historia que desvela los funestos avatares de don Friolera, casado con Loreta y único en todo el pueblo que desconoce su engaño. Por ese motivo, un grupo de oficiales le exige el retiro para velar por el decoro de la familia militar. Esta trama está enmarcada por un prólogo y un epílogo. En esa primera parte dos personajes discuten sobre estética. De manera velada aparece la propia figura de Valle Inclán en el personaje de don Estrafalario, quien define y defiende el Esperpento. Por otra parte la pieza se cierra con un epílogo en forma de romance narrado por un ciego, episodio que sirve a don Estrafalario para arremeter contra la literatura y la historia sacralizada de España. Facio dirige un elenco de diecisiete intérpretes encabezado por Rafael Núñez, Alfonso Delgado, Teté Delgado y Nancho Novo. Su versión muestra claramente el lenguaje esperpéntico del que el dramaturgo hacía gala en sus textos. La obra, que supone una crítica severa a la sociedad de aquel momento, lleva la tragedia al extremo para convertirla en algo grotesco, y lo hace a través de tres versiones de un mismo suceso que lleva a los personajes a situaciones ridículas e inverosímiles.

Después de constatar que solo había sido un sueño, Mercedes intenta tranquilizarse, pero en ese momento regresa su marido de una interminable sesión laboral y le comunica que para terminar un “memorando” que le han encargado necesita contratar a Raquel, una joven secretaria muy lista y muy aplicada a la que además le viene muy bien el trabajo porque... ¡es huérfana y tiene que mantener a sus hermanos pequeños! Mercedes, aterrada, sube corriendo a su cuarto sin dejar que su marido se acerque a ella... Además de al texto, un claro ejemplo del humor negro de Mihura y toda una crítica a las convenciones burguesas y a la moral establecida, Amelia Ochandiano ha querido dar importancia a otros aspectos del montaje como el decorado, ya que toda la trama se desarrolla en un chalet a las afueras de una gran ciudad al que se hace alusión en diversos momentos de la obra, y que supone el reflejo de la personalidad y quizá del aburrimiento de Mercedes. La música, que también cuenta con un papel especial, está formada por canciones de Cole Porter como “I love Paris”, “Night and day” o “So in love”. Respecto al vestuario, se ha querido plasmar la evolución del personaje de Mercedes a lo largo de la pieza con un pequeño guiño simbolizado en la evolución de su ropa. Y ante las posibilidades que ofrecen varios fragmentos del texto, la danza también es uno de los elementos más sobresalientes de este montaje.

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“Reencuentros”, cuatro historias, ocho personajes y un rumbo inesperado La compañía de teatro valenciana Bramant Teatre estrenó, el pasado 25 de enero, “Reencuentros”, su nuevo montaje. Escrito y dirigido por Jerónimo Cornelles, este texto, que sigue la estela de la exitosa obra “Construyendo a Verónica”, cuenta la historia de cuatro antiguas parejas. Ocho vidas que se desarrollan en una ciudad sin nombre y que tomarán un rumbo desconocido en el momento más inesperado. Amor, odio y muerte se suceden sin dar un respiro al espectador, que se debatirá entre la comedia y el drama. Con “Reencuentros”, la compañía de Torrent (Valencia), que este año celebra una década sobre las tablas, quiere continuar investigando en el universo del teatro. En esta ocasión lo hace incluyendo en el montaje primero planos de los actores proyectados sobre una gran pantalla, en un intento de convertir la cámara en un protagonista más de la obra a la vez que aporta mayor realismo a la historia. Rafa Alarcón, Vicente Arlandis, Jerónimo Cornelles y Teresa Crespo son algunos de los actores que dan vida a las ocho personas protagonistas del argumento. Producido por Bramant Teatre, el espectáculo ya se estrenó durante el pasado mes de enero en Barcelona y tiene previsto salir de gira por todo el país. La compañía cuenta además con la candidatura en la categoría de Mejor Espectáculo Revelación de la Comunidad Valenciana dentro de la duodécima edición de los Premios Max de las Artes Escénicas.

Estreno nacional de “Huir, huir”, la nueva obra de Alfonso Pindado “Huir, huir” es la nueva obra de la compañía de teatro madrileña Alfonso Pindado Producciones, que se estrenará el próximo 12 de febrero dentro de la vigésimo primera edición del Festival Alternativo de Teatro, Música y Danza de Madrid “La Alternativa”. Escrita por el fundador de la compañía, el montaje se representará durante cuatro días consecutivos. “Huir, huir” traslada la historia de dos parejas a las tablas de la sala Triángulo. Los amantes, a modo de fragmentos de vidas pasadas, se encuentran y desencuentran, reflexionan sobre sí mismos y sus carencias emocionales, planteándose si la huida es un abandono o una aproximación hacia algo mejor. El miedo al amor, a vivir en el mundo actual o a conocerse a uno mismo son las dudas que Pindado plantea en un montaje en el que la escenografía, cargada de un mensaje poético, tiene una gran importancia. Paola Iozzy, Israel Martín Arroyo, Gabriel Medialdea y Natalia Moreno dan vida a las historias de estas dos parejas en las que la incomunicación y el individualismo hacen del entendimiento mutuo un imposible. “Huir, huir” regresará, después de la última función de La Alternativa el día 15 de febrero, a la madrileña sala Triángulo el próximo mes de marzo.

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María Valverde, Víctor Clavijo y Toni Cantó protagonizan “Llueve en Barcelona” Lali, una prostituta que hace la calle, busca salir de la medianía de su vida junto a Carlos, su chulo y pareja. David, el melancólico librero cliente de Lali, busca superar con ella la soledad y la inminente muerte de su esposa. Estos son los tres personajes que protagonizan “Llueve en Barcelona”, la obra de Pau Miró que entre el 22 de enero y el 8 de marzo se representará en el teatro Valle-Inclán de Madrid. De su producción se ha encargado el Centro Dramático Nacional, mientras que su dirección corresponde a Francesco Saponaro. Esta es la segunda vez que este director, autor y videoartista napolitano se enfrenta a este texto, del que asegura que le seduce “su sencillez y su fuerza plebeya”. La primera fue “Chiòve”, una versión italiana de “Llueve en Barcelona”, traducida por Enrico Ianniello, que estaba ambientada en un piso de un barrio de Nápoles llamado Quartieri Spagnoli (Barriadas Españolas) en vez de en El Raval barcelonés. Y es que, además de en italiano, la obra cuenta con una versión original en catalán estrenada en 2004 que obtuvo cinco candidaturas a los premios Butaca, y ha sido traducida también al francés, al portugués, al polaco y al inglés. Incluso una adaptación al castellano se estrenó en 2006 en el Festival de Otoño de Madrid con el título de “Lluvia en el Raval”, a cargo de la compañía Segundo Viento en la sala Cuarta Pared. En esta ocasión son los actores María Valverde, Víctor Clavijo y Toni Cantó los encargados de dar vida a este triángulo frágil y oscuro formado por una prostituta interesada en Dante y que busca clientes en los museos, un proxeneta que come sin parar hamburguesas y bombones, y un cliente que todas las noches desea que su mujer se muera. Fotos: Alberto Nevado.

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La verdad y la locura se confunden en

“La muerte y la doncella”

“La muerte y la doncella”, de Ariel Dorfman, es la obra latinoamericana más representada de todos los tiempos. Incluso cuenta con una versión cinematográfica de la mano de Roman Polanski, en la que los papeles principales están encarnados por Sigourney Weaver y Ben Kingsley. Desde el 7 de enero, cuando se estrenó en el teatro Talía de Valencia, dispone además de una versión teatral española producida por Saga Producciones en asociación con Forum Theatre y la Agencia Pinkerton. En el recinto valenciano estuvo hasta el 1 de febrero, y posteriormente se representó el día 6 del mismo mes en Paterna (Valencia), el día7 en Villena (Alicante), y el día 8 en Alicante. Ariel Dorfman escribió esta obra en 1990 en Chile, durante la transición de este país a la democracia. En ella cuenta la historia de Paulina Salas, una mujer que secuestra al individuo que le había torturado veinte años antes. En palabra de su director, Eduard Costa, “’La muerte y la doncella’ es un retra-

to atroz de las barbaridades que puede llegar a cometer el hombre cuando este cuenta con un poder absoluto e irracional”. En este caso Luisa Martín interpreta a Paulina Salas, Emilio Gutiérrez Caba a Roberto Miranda, el presunto torturador, y José Sáiz a Gerardo Escobar, marido de Paulina. El autor nos presenta a los tres protagonistas. Paulina es una mujer que durante su etapa universitaria fue secuestrada y torturada. Gerardo es un prestigioso jurista afín al nuevo gobierno, que es nombrado presidente de la comisión gubernamental que debe investigar los crímenes cometidos durante la dictadura. Y Roberto Miranda es un médico que supuestamente participó en las sesiones de tortura infringidas a Paulina. Cada uno de ellos se enfrenta al pasado desde posiciones diferentes. Paulina, que nunca pudo ver a sus torturadores por tener el rostro cubierto durante su cautiverio, cree reconocer al doctor Miranda como uno de ellos, y mediante la coacción y la violencia le arranca una confe-

sión sobre su participación. Gerardo, ante la situación creada por su mujer, intenta salvar su nuevo estatus social y se ve sumido en la duda sobre la cordura de su esposa. Y por último, el doctor Miranda, que se defenderá de las acusaciones de Paulina poniendo al descubierto la fragilidad de sus pruebas. “La muerte y la doncella”, que recibe su título por el cuarteto de Schubert que Paulina escuchaba durante sus torturas, es una historia que puede suceder y sucede en cualquier país que haya sufrido una dictadura impuesta por las armas y el terror, y que después haya pasado a la incertidumbre de una transición, por lo que su vigencia aún perdura. Escrita de una manera directa y sencilla, con una fuerte carga dramática que nos permite reflexionar acerca de la crueldad, sus tres personajes emprenden una búsqueda de la verdad, una verdad que se difumina por la ambigüedad de la propia fábula y que raya en determinados momentos con la locura.

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Tarambana homenajea a la mujer en “No lo sé, pero corre” Después del éxito que cosechó la compañía Tarambana con la obra “Princesas busconas”, la formación regresa con una nueva producción escrita también por las tres actrices que protagonizaron el anterior montaje. A este nuevo proyecto lo han titulado “No lo sé, pero corre”, y en él pretenden seguir profundizando en la situación de la mujer en la sociedad actual. Eva Bedmar, Sara Párbole y Susana Rubio interpretan una comedia escrita por ellas mismas junto a Ana Morgade, que habla sobre los miedos de las mujeres, la soledad, las diferencias existentes con sus madres y abuelas, los sueños, la envidia y la competitividad con otras mujeres, el paso inexorable del tiempo, la sexualidad, los hombres, y sobre la búsqueda de la felicidad, de sentirse realizada. En sus setenta y cinco minutos de duración se recorren las diferentes etapas vitales por las que pasa una mujer, desde la infancia y la juventud a la madurez, para finalmente descubrir que no se ha cumplido nada de lo que esperaba y que parece que ya no se va a cumplir, que a pesar de hacerse mayor sigue teniendo miedo, por lo que no queda más remedio que tapar ese dolor con lo que sea.

“Un buen día”, una

comprometedora historia familiar Eddie es un feliz padre de familia que vive, con su esposa y sus dos hijos, en una urbanización a las afueras de la ciudad. Es una persona que siempre ha creído en la honestidad y la franqueza a la hora de hablar con sus hijos, incluso cuando se trate de un tema tan complejo como el sexo. Un día, su hija pequeña Katie entra en el dormitorio conyugal mientras los padres están haciendo el amor. Este episodio no genera problemas hasta que Katie decide contarlo en clase con todo lujo de detalles y es escuchada por los profesores. La situación se enreda tanto que Eddie es investigado por los servicios sociales sospechoso de abusos a menores. Con este argumento la compañía navarra Tíocíteatro presenta el montaje “Un buen día”, del británico Dennis Lumborg. Interpretado por Bruno Ciorda, este novedoso montaje con forma de monólogo se acerca a un tema tan espinoso como es el abuso de menores. Traducido por Ainara Campo y dirigido por Mariano de Paco Serrano, la obra es, a pesar de su dureza temática, una comedia comprometida que habla a los espectadores de un problema que también ellos podrían tener. Estrenada en 2007 “Un buen día” ha pasado ya por teatros de Navarra y Madrid y es una verdadera muestra del teatro sencillo y comprometido en la que se plantean serias dudas acerca de la sociedad y los valores que la rigen.

Esta obra, que se ofrecerá en la sala Tarambana los días 7 y 8 de marzo, se integra dentro del V Ciclo de la Mujer en Tarambana, que con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer pretende denunciar, a través de diferentes espectáculo, la situación que estas viven en la sociedad actual. Dentro de esta serie la sala exhi-

birá también “En compañía de hombres”, un drama de Neil Labute, los días 3 y 4 de marzo; y “La naranja completa”, comedia escrita por Luis Felipe Blasco Vilches, el día 5 del mismo mes. Además incluirá una actuación musical titulada “Amor y golpes bajos” a cargo de Solange Freyre, Corchete y Rodolfo Escoto el día 6.

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“Me llamo Rachel Corrie”, una reflexión sobre nuestro concepto de solidaridad

Rachel Corrie, una norteamericana que había acudido a Palestina como escudo humano internacional, murió en 2003 arrollada por una excavadora del ejercito israelí. ¿Quién era realmente esa joven que los palestino consideraban una martir, los israelíes una bienintencionada equivocada y algunos estadounidenses una traidora? Esa es la pregunta que platea “Me llamo Rachel Corrie”, la nueva producción de Traspasos Kultur que la compañía vitoriana estrenó en el teatro Principal de su ciudad el 6 de febrero. Para hacer frente a este texto basado en los escritos de su propia protagonista, traducidos por Borja Ortiz de Gondra, se ha contado con la actriz Marta Marco. Mikel Gómez de Segura, director de este montaje y máximo responsable de la compañía, nos explica qué rasgos destacan en esta intérprete: “Son cualidades muy claras de decir pero muy difíciles de encontrar: es una persona con mucha experiencia a pesar de ser muy joven, que sabe mucho pero que se deja dirigir. Conseguimos descubrir que puede llegar a sitios que ni nos imaginábamos. Creo que tiene la humildad de los genios y la capacidad de las buenas trabajadoras. Para mí ha sido un viaje dificilísimo en su comienzo, pienso que es el espectáculo más complicado que me he planteado hacer, pero ha sido también la trayectoria más cómoda gracias a su confianza y a su capacidad. Este espectáculo supondrá

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un antes y un después en su trabajo actoral”. Mikel Gómez de Segura nos contó también cómo nació su interés por este texto: “Surgió cuando leímos la noticia en la prensa en el año 2003, el tema primero nos preocupó y luego nos interesó. En 2005 leímos en el diario El País que este espectáculo se había llevado a escena en el Royal Court Theatre, lo que ya nos motivó a remover Roma con Santiago para conseguir los derechos. Desde finales del 2005 hasta ahora hemos vivido una odisea larguísima para conseguir hacer esta producción”. Para llevarla a cabo era imprescindible encontrar un traductor: “Coincidimos con Borja, quien también estaba muy interesado en este proyecto, y entonces hizo la traducción del texto, aunque, por cuestiones culturales, también tuvimos que hacer una adaptación, aunque siempre respetando totalmente el texto original, que no es un texto teatral sino que se basa en los escritos que creó esta mujer antes de morir, en sus diarios y en sus correos electrónicos”. En opinión del director del montaje, “no es un texto político, no es panfletario. Es un texto que hizo una niña de 23 años con la madurez de una persona adulta con conflictos interiores, y creo que es un grito desde el corazón, para el corazón, pero sobretodo para el cerebro. Es un espectáculo que sobre todo nos conmueve porque nos hace reflexionar sobre

qué hacemos y qué somos en esta tierra. Tiene frases tan terribles como cuando le dice a la madre: ‘¿Sabes cuál es la diferencia entre vuestro mundo y este? Es muy pequeña, es ínfima, simplemente es un encogimiento de hombros’. Pienso que con frases como esta nos posiciona a todos en un análisis muy profundo de nuestra propia conciencia y de nuestra propia solidaridad”. Para la escenografía Mikel Gómez de Segura pensó en “un jardín japonés anti-stress, de esos pequeñitos, pero en un cuatro por cuatro, en el que en lugar de arena ponemos una playa de jerseys usados de lana, que tienen muchas lecturas. Al espectador, cuando lo vea, le va a interesar mucho esta propuesta, y se preguntará qué hace un cuadrado lleno de jerseys y qué significa, porque se cargan de sentido y de sentimiento. Y al fondo hay una proyección, ralentizada durante setenta minutos, que muestra una sola imagen pero que también funciona muy bien”. Tras su estancia en Vitoria los días 6 y 7 de febrero, la obra, que cuenta en su banda sonora con una canción cedida por la cantante Bebe titulada “Cuidándote”, se trasladará a Gijón. Además hay varias ferias interesadas en programarla en sus próximas ediciones. Para el año que viene también está previsto llevarla a escena en catalán, con un texto traducido por la propia Marta Marco.

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“Búfals” da comienzo a una trilogía del autor catalán Pau Miró El dramaturgo y director barcelonés Pau Miró estrenó, el pasado 28 de enero en el Versus Teatre de la Ciudad Condal, la primera obra de su nueva trilogía “Búfals, Lleons, Girafes”. “Búfals” presenta a cinco hermanos que trabajan juntos en una lavandería de un barrio difícil. Anna Alarcón, Albert Ausellé, Helena Font, Bernat Quintana y Óscar Muñóz componen el quinteto actoral que nos trasladará al ambiente familiar que se vive en un hogar barcelonés donde hace años desapareció uno de los hermanos. Los progenitores contaron entonces a los pequeños que la desaparición se debía a que un león se lo había llevado. La familia intenta rehacer su vida, pero aún así, las heridas tardan en cicatrizar y las relaciones personales se resienten. Años más tarde es la madre quién, incapaz de soportarlo, desaparece, tal y como hará posteriormente el padre. Sin embargo, los hermanos continúan echándole la culpa a los leones. Hasta que pasa el tiempo y hay quién se plantea que la historia de los leones quizá no sea real. Producciones La Fantástica y Temporada Alta Festival de Tardor producen esta narración familiar en la que canto y baile ponen el contrapunto a una historia que en muchas ocasiones se convierte en un melodrama. Hasta el 15 de febrero los espectadores del Versus Teatre podrán disfrutar de esta función que tendrá su continuidad en las obras “Lleons” y “Girafes”, cuyo estreno está previsto que se produzca próximamente.

El conflicto entre Israel y Palestina se traslada a la escena en “So happy together” “So happy together” es un montaje escrito y dirigido por cuatro autores diferentes que sigue la estela de muchas de las obras de la compañía madrileña Apata Teatro: un teatro comprometido que indaga en las nuevas dramaturgias y los renovados lenguajes escénicos. Escrita por Yolanda Pallín, José Ramón Fernández, Laila Ripoll y Jesús Laiz, “So happy together” es una ficción basada en hechos reales en la que las traman se entrecruzan para dibujar el drama humano que judíos y musulmanes viven en el permanente conflicto entre Israel y Palestina. Bajo la dirección de José Bornás, los actores Delia Vime, Eduardo Velasco, Elena Octavia y Alejandro Sánchez Sigüenza recrean, entre otros aspectos, la dureza de la vida en la Franja de Gaza o en Tel Aviv, donde soldados, voluntarios de la Media Luna Roja, mujeres y hombres, padres e hijos conviven con el miedo, las amenazas y la muerte casi a diario. Tras estrenarse en la Comunidad de Madrid el pasado mes de noviembre, los espectadores madrileños podrán volver a ver esta obra a partir el próximo 19 de febrero en la sala Mirador del Centro de Nuevos Creadores de la capital, espacio donde permanecerá hasta el 8 de marzo.

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Veronica Forqué es “La abeja reina” de una colmena de personajes Producciones Faraute prepara un nuevo estreno para este año. Se trata de “La abeja reina”, un texto de la dramaturga y actriz inglesa Charlotte Jones traducido por Verónica Forqué, quien además encabeza un reparto en el que también participan Miguel Rellán, Marta Fernández Muro, Juan Díaz y María Vázquez. Todos ellos siguen las directrices de Miguel Narros. La trama se centra en Félix Humble, un profesor de la Universidad de Cambridge. Tiene unos treinta años, no se ha casado, no ha tenido éxito en nada, y vuelve al hogar familiar para el funeral de su padre. En el plano académico investiga sobre la Teoría de las Cuerdas, una teoría sobre el Todo que trata de unir la Teoría de la Relatividad de Einstein con la Física Cuántica. El padre de Félix era profesor de Biología y un entomólogo entusiasta, botánico y criador de abejas. Félix no ha sido capaz de hacer lo que se esperaba de él, decir unas palabras en el funeral de su padre: ha salido huyendo de la iglesia. Su madre, Flora Humble, está liada con Luis Manero, propietario de una línea de autocares, que

está deseando casarse con ella. Flora acaba de operarse la nariz y ha perdido completamente el sentido del olfato. Rosie, la hija de Luis Manero, enfermera y madre soltera, tuvo un romance con Félix, que la abandonó. Luis Manero odia a Félix. Félix odia a Luis Manero. Angela es una mujer soltera amiga de Flora, aunque parezca la criada. Y el jardinero sólo habla con Félix, excepto en la escena final. Tal y como escribió la cronista Lizzie Loveridge el 6 de febrero de 2002 con motivo del reestreno de esta obra en el Gielgud Theatre, “son muchos los temas que toca ‘La abeja reina’. Sin embargo, es una obra que volvería a ver para apreciar sus muchos niveles. La historia de una madre y su hijo, que viven en la localidad inventada de ‘Moreton in the Mold’, en Cotswold, tiene un paralelismo evidente con el ‘Hamlet’ de Shakespeare. La obra trata sobre familias disfuncionales, sobre la cría de abejas, sobre astrofísica teórica y sobre la distancia entre la realidad y lo que percibimos de ella. Y aunque esto puede sonar a aburrido, es, sin embargo, todo lo contrario, porque la obra es muy divertida y el diálogo ingenioso, inteligente y las interpretaciones fantásticas”. Y añadió: “La obra de Jones está llena de metáforas. Hay referencias a ‘Hamlet’ y una cierta similitud de los personajes con la sociedad de las abejas. Flora es, evidentemente, la abeja reina. En su primera aparición, con un precioso vestido azul marino y unas grandes gafas de sol, parece un insecto de ojos enormes. Otros personajes hacen el papel de zánganos o de abejas obreras”.

“Fins que la mort ens separi”, una obra sobre el miedo a ser adulto Un hombre se reencuentra con su madre con motivo de la muerte de su abuela. Después de años sin verse las cosas no son fáciles para los dos, y todo empeora cuando él vuelve a ver al amor de su juventud, a quien no ha podido olvidar. Esta es la trama de “Fins que la mort ens separi”, una obra escrita por el dramaturgo francés Rémi de Vos, estrenada en el país galo en el año 2006. Traducida al catalán por Jordi Galcerán, este montaje es una producción propia del Teatre Tantarantana de Barcelona, donde puede verse desde el pasado 29 de enero hasta el próximo 15 de marzo. Antonio Simón dirige esta obra protagonizada por Roger Pera, Teresa Urroz y Alicia González Laá, y que trata de explorar la inmadurez y el miedo a llegar a la vida adulta adulto del ser humano. Avalada por su éxito en Francia y por la acogida del público catalán en el Festival Temporada Alta de Salt (Girona), “Fins que la mort ens separi” es una comedia humana en la que los espectadores descubrirán los vicios de la sociedad sin perder la sonrisa.

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“Monopatins (Skaters)”, una invitación a conocer el ambiente de los institutos “Monopatins (Skaters)”, de Manuel Molins, la obra que Zircó Producciones estrenó el 7 de febrero en el Teatre Auditori de Villajoyosa (Alicante), aborda algunos aspectos esenciales de la realidad de la enseñanza secundaria. La obra se inspira en casos reales del ambiente que se vive en los institutos, y parte de un conocimiento de primera mano, contrastado con aportaciones de profesores y alumnos. Los dos personajes, Sara y David, son dos seres a la deriva que se encuentran por necesidad, que se atraen irremediablemente porque ambos se sienten perdidos en un mundo hostil. David es un adolescente impulsivo, a veces agresivo, que se aleja de la realidad que le rodea con la magia de los skaters. Sara es su profesora-tutora, a la que los problemas del aula conducirán a que se replantee muchas cosas sobre el sistema educativo. La acción comienza cuando David, que ha amenazado a un compañero, se ve obligado a ir al despacho de la tutora. A partir de ahí vivirán un proceso en el que irán abriéndose y encontrándose como personas, y en el que se acercarán a

las causas que provocan la violencia con los más débiles, la baja autoestima de los estudiantes o el negativismo hacia los profesores. Esta obra de setenta minutos de duración, dirigida a todos los públicos, que se ofrece tanto en valenciano como en castellano, y

que está interpretada por Anna Cediel y Carlos Pérez, supone una invitación a conocer el sorprendente mundo interior de los jóvenes, y el esfuerzo cotidiano y las tensiones personales de los adultos que se consagran a la pedagogía.

Confidencias íntimas en

“Lo que ellos ignoran de ellas (Good sex, good day)” La joven productora vasca Erre Produkzioak debutará, el próximo 6 de marzo en el teatro Barakaldo de dicha localidad vizcaína, donde permanecerá los dos días siguientes, con una obra que ya ha sido estrenada en el circuito off Broadway: “Lo que ellos ignoran de ellas (Good sex, good day)”. La empresa bilbaína reúne a profesionales de las artes escénicas que han desarrollado su trayectoria en las principales compañías vascas (Maskarada, Txalo, Campingaga, Gluglu, Tarima o Teatro Paraíso, por mencional algunas). Escrito y dirigido por la prestigiosa guionista y directora española Yolanda García Serrano, quien ha firmado los textos de éxitos de taquilla como “Salsa rosa”, “¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?” o “Todos los hombres sois iguales” –película que recibió el premio Goya al Mejor Guión Original-, este novedoso montaje teatral nos presenta a una mujer que hace por primera vez el amor y las repercusiones que esto conlleva para sus dos mejores amigas. Estas tres mujeres entablarán una larga conversación en la que descubrirán qué les gusta de los hombres, cómo les va con sus respectivas parejas o cómo se practica bien el sexo. “Lo que ellos ignoran de ellas (Good sex, good day)” es la primera obra estrenada por una

Yolanda García Serrano, en el centro, con las actrices del montaje.

autora española en Estados Unidos. En el IATI neoyorquino fueron tres actrices de origen hispano las que dieron vida a estas tres mujeres deslenguadas y gamberras: Carla Gil, Noelle Mauri y Liana Velásquez. En nuestro país la obra será representada por Susana Soleto, Itziar Urretabizkaia e Idoia Merodio, actrices con amplia experiencia teatral y televisiva. Este novedoso montaje, de cuya distribución también se encarga Erre Produkzioak, y en el que, una vez más, las mujeres tratan de comprender a los hombres, supone la décimo tercera creación teatral de su autora.

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“Clasicorro lo serás tú”, la primera obra para adultos distribuida por Ribalta Tras el éxito cosechado con sus espectáculos infantiles “La bicharanga” y “La fábrica Fontaine”, la empresa Ribalta se lanza ahora a la distribución de una obra para adultos. Se trata de “Clasicorro lo serás tú”, dirigida por Pedro Forero, el responsable de la polémica “Me cago en Dios”, de “Bartleby, el escribiente” o de “Pellejos al viento” -sobre textos de Secun de la Rosa-, que en esta ocasión se hace cargo de este montaje joven y descarado que rompe con los esquemas convencionales del teatro clásico español. Las compañía Teatro del Ser, que también firma la dramaturgia junto a Forero, ha llevado a los escenarios esta revisión de Tirso de Molina, Calderón de la Barca y Lope de Vega, de sus textos más representativos y de su época, todo ello visto desde situaciones absurdas y sorprendentes y a través de diálogos ocurrentes y divertidos. Tres actores –Damián Alcolea, Nieves Castells y Silvia Navarro- darán vida a casi cuarenta personajes en esta obra de ritmo

Regresa a Madrid “Arte”, la historia de tres hombres y un cuadro El próximo 12 de febrero vuelve, al Teatro Alcázar de Madrid, una de las obras más representadas en los escenarios de todo el mundo: “Arte”. El conocido libreto de Yasmina Reza regresa en esta ocasión de la mano del director Eduardo Recabarren, y contará en el reparto con los actores españoles Luis Merlo, Alex O´Dogherty e Iñaki Miramón, un trío de intérpretes cómicos que vienen avalados por su amplia experiencia profesional. El argumento de esta conocida obra nos presenta a tres amigos, Sergio, Marcos e Iván, que en cuestión de una semana ven como su larga relación de quince años se rompe por culpa de un cuadro. Marcos no soporta que Sergio deje de ser su discípulo, Sergio no soporta que Marcos insista en ser su maestro, y ninguno de los dos toleran la neutralidad de Iván. Con todo ello, sobre las tablas del Alcázar se dibujará un vivo retrato de la incapacidad humana para entender y amar a las personas por encima de nuestros propios prejuicios. Con Trasgo Producciones y Carlos J. Larrañaga a cargo de la producción, esta versión de F. Masllorens y F. González del Pino trae de nuevo al teatro Alcázar de Madrid una obra de Yasmina Reza, meses después del reciente estreno de “Un dios salvaje”. Tras su paso por Madrid, “Arte” continuará de gira por nuestro país representándose en Pamplona, San Sebastián o Valencia entre otras ciudades.

trepidante que no dará tregua a las risas del espectador. Su escenografía y vestuario ha sido diseñado por Joan Miquel Reig, premio Max 2006 como Mejor Figurinista. La gira de este montaje, incluido en la campaña de promoción del teatro de la empresa pública regional Murcia Cultura, en cuyo circuito está inscrito, se inició el 7 de febrero en la localidad murciana de Cabezo de Torres.

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“La Duquesa al hoyo... y la viuda al bollo”, una ácida visión de la alta sociedad

La productora madrileña La Pica en Flandes presentó, el pasado 22 de enero en el teatro Muñoz Seca de Madrid, una de las comedias más incorrectas de la temporada teatral, “La duquesa al hoyo... y la viuda al bollo”. La obra, escrita por Iñigo Ramírez de Haro, supone el regreso de la actriz Terele Pávez a los escenarios más de diez años después de su última función teatral, “Madre Caballo”. “La Duquesa al hoyo... y la viuda al bollo” es

un particular análisis de la aristocracia andaluza y, muy especialmente, de los problemas familiares que envuelven la vida de la duquesa de Medina Sidonia, más conocida como “la duquesa roja”. Dirigida por José Luis Sáiz, el reparto lo completan Fernando Albizu, Mona Martínez, Carmen Navarro, Ángela Boix e Iván Luis, la obra promete no dejar a nadie indiferente y la diversión está garantizada. El libreto está

basado en el libro del mismo autor titulado “El caso de Medina Sidonia”, donde analizaba la relación de Luisa Isabel Álvarez de Toledo con su hijos, su ex-marido y los problemas que su polémica herencia generó entre ellos. “La Duquesa al hoyo... y la viuda al bollo” permanecerá en el teatro Muñoz Seca de Madrid durante seis semanas y posteriormente comenzará una intensa gira que le llevará a recorrer numerosas ciudades españolas.

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Apariencias y dudas entre padres e hijos en “De cerca nadie

es normal”

Una familia, en apariencia, “normal”, una hija “normal” con preocupaciones “normales” y un novio con problemas de reinserción son los protagonistas de una nueva comedia de humor negro, “De cerca nadie es normal”. Producida por la Fundación Feima y Bitango Ocio, Marta Álvarez dirige esta obra escrita por Aitana Galán y Luis García-Araus. “De cerca nadie es normal” describe el mundo de apariencias y dudas en el que se ve envuelta una familia en la que nadie es lo que parece ser. El reparto de esta comedia tan actual lo forman conocidos actores de la televisión, como Silvia Espigado en el papel de madre bipolar, Francisco Maestre como padre, Virginia Méndez en el papel de Clara, Adam Jezierski como Pablo y Fede Rey en el papel de Robert. Todos ellos cuentan además con una amplia experiencia en diferentes montajes teatrales y hacen de esta obra un interesante y fresco montaje en el que muchas familias se verán fielmente reflejadas, y que se podrá ver en el teatro Amaya de Madrid a partir del 11 de marzo.

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Enrique San Francisco da vida a

“El enfermo imaginario” El mítico personaje del dramaturgo francés Moliére, “El enfermo imaginario”, llegará el próximo 6 de febrero al madrileño teatro Fígaro-Adolfo Marsillach. Y será el cómico Enrique San Francisco quién, tras “Misterioso asesinato en Manhattan”, regrese a los escenarios de la capital encarnando al protagonista de esta historia. Ana Graciani y Gabriel Olivares, que también se ocupa de la dirección, han sido los encargados de versionar la última pieza del escritor francés, dotándola de una modernidad que la acerca a nuestro tiempo. Y es que el protagonista Argán es la muestra viva de un hombre esclavo de sus supuestas enfermedades y de una medicina convertida en negocio. Ambientada en la actualidad, en una de las muchas clínicas públicas de gestión privada, el enfermo trata de casar a su única hija con el director del centro médico, en un intento de asegurar su tratamiento de por vida de manera gratuita. Su esposa, ansiosa de que Argán

“Yo me subí a un piano verde”, un monólogo autobiográfico de Millán Salcedo Uno de los mejores humoristas de nuestro país, Millán Salcedo, representa, desde el pasado 4 de febrero en el Club Capitol de Barcelona, su monólogo autobiográfico “Yo me subí a un piano verde”. Tras pasar por el teatro Alfil de Madrid o el Palacio Euskalduna de Bilbao, entre otros lugares, el ex componente del dúo humorístico Martes y Trece llega a la Ciudad Condal con la intención de repasar su dilatada carrera artística. Acompañado al piano por Marcos Cruz, “Yo me subí a un piano verde” es, en palabras del propio Millán Salcedo, “un divertimento humorísticocantábile”. Canciones, chistes, imitaciones y grandes dosis de humor se dan cita en un mismo escenario para repasar, junto a los espectadores, las actuaciones más conocidas del humorista ciudadrealeño. Distribuida por Vania Producciones, la obra permanecerá en el Club Capitol de Barcelona hasta el 1 de marzo. “Yo me subí a un piano verde” esta dirigida por Joan Gracia y Paco Mir, componentes de Tricicle.

muera y así poder heredar, y su asistenta, que desenmascarará los verdaderos sentimientos de los personajes, completan el reparto de esta divertida y por momentos absurda historia. Acompañando a Enrique San Francisco estarán sobre el escenario Beatriz Santana, Guillermo Romero, Alex Barahona, Julia Trujillo y Mar del Hoyo. Esta nueva versión de un clásico que nunca ha perdido su contemporaneidad corresponde a Vorágine Producciones.

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Un encierro laboral en clave de musical en “Por culpa de Yoko” El teatro Talía de Valencia acoge, desde el 4 de febrero y hasta el día 15 del mismo mes, “Por culpa de Yoko”, la nueva comedia musical interpretada en directo de Jácara Teatro. Esta obra llega justo después de que la compañía alicantina dirigida por José Luis Mira conmemorara su vigésimo quinto aniversario con “Duty free”, nominada el año pasado a los premios Max en la categoría de Mejor Comedia Musical. Como viene siendo habitual en su trayectoria, la dirección del montaje se ha cedido a un profesional ajeno a la compañía, Marcé Vila Godoy. Del mismo modo que Yoko Ono remite al fin de la banda pop más importante del siglo XX, la nueva obra de Jácara Teatro ahonda en la despedida de la infancia de unos personajes que toman conciencia de su clase y del determinismo social en el que viven. En ella, cuatro mujeres deciden enfrentarse a todo y se encierran en la fábrica donde trabajan hasta que les paguen o les echen. En esta protesta, los personajes interpretados por Gloria Sirvent, Inma Ortega, Mila García y Dolores Faraco descubren al espectador su visión de la vida, su pasado y sus secretos con canciones interpretadas en directo. La obra, que viene firmada por uno de los fundadores de la formación de Alicante, Paco Sanguino, trasciende lo coyuntural, ya que se comenzó a escribir antes de la actual crisis económica. “Por culpa de Yoko” no trata de reflejar problemas laborales, sino que emplea el encierro como nodo para proyectar existencias particulares marcadas por un empleo mal pagado. El argumento es una excusa para retratar cómo viven cuatro mujeres de entre

30 y 40 años. La pieza cuenta quién es cada una de las protagonistas y qué ha pasado en sus vidas hasta culminar en una situación tan crítica. “Por culpa de Yoko” se ha formulado como un musical, pero no de corte anglosajón, sino que las canciones son un elemento semiótico más de la puesta en escena. “La intención es que los temas no estén al servicio del argumento, supeditados a la típica suspensión de la credibilidad del musical, sino que se emplean para

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Llega a la Gran Vía madrileña la

“Fiebre del sábado noche”

matizar situaciones, caracterizar personajes y contextualizar al espectador en más de un sentido: la música pertenece no solo a un acervo cultural individual, sino también al emocional”, aclara su autor. El componente melódico es una seña de identidad de Jácara Teatro, que suma más de un cuarto de siglo produciendo musicales de medio formato en los que se cuida al máximo la factura musical y los texto siempre aportan información. El próximo 20 de febrero la Gran Vía madrileña se sumergirá en los años 70 de la mano de Tony Manero. Y es que ese día se estrenará en el teatro Coliseum de Madrid “Fiebre del sábado noche”, el musical basado en la exitosa película protagonizada por John Travolta y que ha arrasado en teatros de todo el mundo. En nuestro país Juan Pablo Di Pace será el encargado de dar vida al joven Tony Manero, dependiente en una tienda de día, el rey de la pista de las fiestas de la discoteca Odyssey 2001 por la noche. Entre sus admiradoras se encuentra Stephanie Mangano, una bella joven que trabaja en una discográfica, interpretada por Beatriz Ros. Tan importante como sus intérpretes es la banda sonora de este musical, compuesta por exitosos temas de los británicos Bee Gees como “Stayin´alive”, “Night Fever” o “You should be dancing”, que, junto a otras canciones de otros artistas como “Open Sesame” o “Disco inferno”, aseguran a los espectadores de “Fiebre del sábado noche” diversión y baile a raudales, tras transportarles, durante las dos horas y media que dura el espectáculo, al los suburbios de Brooklyn y a la movida neoyorquina de los años 70. Producido por Stage Entertainement, responsable de éxitos como “Mamma Mía!” o “Cabaret” este apasionante musical, que promete ser uno de los espectáculos del año 2009, tiene previsto permanecer en el teatro Coliseum de la capital madrileña hasta el próximo mes de abril.

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“¡Vaca!”, una reflexión sobre la imagen del individuo en el mundo actual

La compañía de teatro vallisoletana La Pecera P.T llegó, el pasado 6 de febrero, a la sala Triángulo de Madrid, donde representó “¡Vaca!”, un espectáculo individual escrito, dirigido e interpretado por Alberto Velasco. La obra se ofreció, durante tres jornadas consecutivas, dentro de la programación correspondiente a la vigésimo primera edición del Festival de Teatro La Alternativa. Su contratación se mantiene abierta. Con “¡Vaca!” esta joven compañía pretende mostrar a un público mayor de doce años la influencia de la sociedad en el ser humano y los límites de la realidad y la teatralidad. Para ello, Alberto Velasco propone un montaje en el que la comedia y el drama van de la mano, dejando que la emoción lleve a los espectadores a verse reflejados en este singular personaje gordo y feo cuya máxima aspiración es poder encontrar un sitio en el que ser aceptado, y así poder sentir, amar y reír por sí mismo. La música, la poesía, la expresión corporal y una cuidada estética contribuyen a afianzar la dramaturgia de este espectáculo que se divide en cantos, a modo de reflexiones individuales, y que se entrelazan a través de un hilo conductor manifiesto. “¡Vaca!”, que ya ha sido representada en multitud de salas y ferias teatrales de nuestro país, fue galardonado con el Premio Artista Emergente, concedido por la Junta de Castilla y León, el pasado año 2008.

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performance y cabaret

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Peluquería y escultura sobre el escenario en “Sienta la cabeza”

Fafá Franco y Cécile Ribas son los encargados de combinar el arte de la peluquería y la técnica de la escultura en un espectáculo en el que la creación, la fantasía visual y la música no tiene límites: “Sienta la cabeza”. La compañía del mismo nombre presenta un novedoso y divertido espectáculo en el que los objetos cotidianos se reciclan y transforman para recrear, junto a la música, un universo de paisajes, escenas y desvaríos producidos por la imaginación. Acompañados del Dj escocés Nick Prescott, la peluquera brasileña Fafá Franco y la escultora ibicenca Cécile Ribas han creado una compañía teatral que innova y sorprende en cada uno de sus espectáculos. Los espectadores son los protagonistas de “Sienta la cabeza”. Son ellos

quienes quedan en manos de ambas artistas, que se mueven al ritmo que marca el Dj, mientras combinan colores y fantasía, ideando increíbles personajes. Como resultado, creaciones sorprendentes y divertidas que provocan el aplauso y la sonrisa del público. “Sienta la cabeza” se estrenó en la vigésimo primera edición de la Fira Tàrrega, y desde entonces no ha dejado de recorrer España y buena parte del mundo, creando los peinados más estrafalarios hasta ahora vistos en países como El Salvador, México, Brasil o Estados Unidos. Después de participar en la Feria Artística EXTRAiaNEI de Roma, este mes de febrero estarán en la 125ª edición del Carnaval de Niza (Francia) realizando nueve representaciones en un carnaval emblemático conocido en toda Europa.

Pepa Rus se incorpora a

“Las Chirigóticas”

“Las Chirigóticas” cuentan con una notable incorporación en su reparto: la de Pepa Rus, actriz gaditana conocida por su papel en la famosa serie de televisión “Aída”. El espectáculo escrito y dirigido por Antonio Álamo ha realizado esta incorporación antes del comienzo de la gira 2009, ante la marcha de Arantzazu Garrastázul. En “Las Chirigóticas” se desgranan tres historias independientes- “La tele lo vale”, “Las emigrantes” y “Cambio de estado”-, basadas en tres historias del repertorio “La chirigota de las niñas”. La primera se sitúa en el mercado del Piojito, en el que cuatro mujeres gitanas venden el género a amas de casa en busca de oportunidades. La segunda es una adaptación del romancero gaditano en el que descubrimos un viaje de supervivencia narrado por cuatro emigrantes de Cádiz. Y en la tercera un grupo de amigas celebran la despedida de soltera de una de ellas. Ana López, que también se ha encargado de la letra de las músicas, Alejandra López y Teresa Quintero son las tres actrices que acompañan en el escenario a Pepa Rus, y que se encuentran de gira con este interesante y divertido espectáculo que lleva dos años recorriendo nuestro país. El próximo 6 de febrero “Las Chirigóticas” actuarán en la localidad sevillana de Utrera, el día 7 en el municipio de nacimiento de Pepa Rus, Chiclana de la Frontera (Cádiz), y en marzo, llegarán al Teatro Alfil de Madrid, donde ya actuaron en el pasado mes de agosto. Producido por Verónica Sosa y Matilde Rubio, y distribuido por Manuel Álvarez Producciones, el espectáculo “Las Chirigóticas” lleva prácticamente tres años representándose en los teatros de nuestro país, cosechando excelentes críticas y divertidos momentos para con su satisfecho público.

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zarzuela

Zarzuela, ópera y teatro se entremezclan en “El dúo de la Africana”

Hasta el próximo 15 de febrero se podrá ver en el madrileño teatro María Guerrero “El dúo de la Africana”, una producción del Teatre Lliure ideada por Xavier Albertí y Lluïsa Cunillé a partir de una zarzuela de Manuel Fernández Caballero y Miguel Echagaray. El espectáculo es una reflexión pirandelliana sobre la teatralidad musical a partir de la famosa pieza de 1893, una recreación de cómo podría haber llegado a ser la zarzuela hoy, en España, si hubiera continuado la evolución artística que se vio interrumpida por el largo paréntesis de la Guerra Civil y los 40 años de franquismo. La zarzuela original “El dúo de la Africana” es un sainete que retoma el viejo tópico del teatro dentro del teatro o, en este caso, de la ópera dentro de la zarzuela. Se estrenó en el teatro Apolo de Madrid el 13 de mayo de 1893, donde estuvo en cartel durante tres temporadas seguidas. De ella es especialmente famosa la jota “ No cantes más la Africana”, un ejemplo magnífico de dúo de zarzuela. El argumento es sencillo, y las situaciones graciosas se fundamentan en el equívoco. La compañía de ópera de Querubini, un empresario de tercera grotesco y avaricioso, quiere representar “La Africana” de Giacomo

Meyerbeer, una ópera con el libreto de Eugène Scribe estrenada en la Gran Opera de París el 28 de abril de 1865. Los intentos para materializar la obra chocan con diversas tramas paralelas, como el amor platónico del tenor hacia la soprano, que es la mujer de Querubini, o el amor de la hija del empresario por el tenor Giuseppini mientras la persigue el bajo de la compañía. Una tempestad de equívocos y de pasiones enfrentadas que llevan a un final sorprendente e hilarante. Xavier Albertí y Lluïsa Cunillé vuelven a trabajar juntos en la dramaturgia de un espectáculo que dirige el primero. Se trata de una origi-

nal, divertida y meritoria obra en la que se mezclan música (ópera y zarzuela), canto, coreografía, texto y un colorista vestuario de María Araujo. Las fuentes de los textos utilizados son: Miguel Echagaray, Valle-Inclán, Miguel Mihura, Gómez de la Serna y Tórtola Valencia. Albertí, alma del proyecto, juega con el caos escénico que él crea, pero sin perder el control de lo que pasa en el escenario, y traslada la trama a un república bananera. El elenco artístico está encabezado por Chantal Aimée, Pere Arquillué y el propio Xavier Albertí, y cuenta con la participación del coro Fòrum Vocal.

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danza

La Compañía Nacional de Danza 2 celebra su décimo aniversario

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Estreno de la compañía estable del teatro Arenal con

“De entre la luna “Flamenco con arte” y los hombres”, un espectáculo de mujeres

En 1999 arrancó uno de los proyectos más gratificantes de Nacho Duato. Con la Compañía Nacional de Danza ya afianzada en el panorama artístico nacional e internacional, su siguiente paso fue la creación de otra compañía paralela cuyo objetivo era formar y preparar a bailarines para la vida profesional. Así nació la Compañía Nacional de Danza 2, al frente de la cual puso a un antiguo bailarín de la CND, Tony Fabre, quien sigue llevando sus riendas como adjunto de Duato. Actualmente la CND2 supone un nexo de unión entre los conservatorios y escuelas de ballet y las compañías profesionales como la CND. Su repertorio está formado predominantemente por obras de Nacho Duato, pero también se la han ido incorporando trabajos de coreógrafos jóvenes y prometedores. Esto ha proporcionado a los bailarines la oportunidad de seguir muy de cerca las nuevas tendencias y de incorporar esos elementos a nuevos montajes. A lo largo de estos 10 años han pasado por la CND2 un total de 68 bailarines de diferentes nacionalidades que ahora están trabajando en compañías destacadas de todo el mundo como son la Nederlands Dans Theater, Basler Ballet o Ballet de L’Opéra de Lyon, por mencionar solo algunas. Durante esta década han sido muchos también los estrenos y las giras, que le han llevado a recibir una gran aceptación tanto por parte del público como de la crítica. Para conmemorar este décimo aniversario, la CND2 presentó, entre los pasados días 22 de enero y 1 de febrero en el Teatro de Madrid de la capital, un programa integrado por las coreografías “Duende”, “Erase una vez...”,

Diversas imágenes de los ensayos de “Kol nidre”, la más reciente coreografía de Nacho Duato para la CND2.

“Cor perdut” y “Kol nidre”, la nueva creación de Nacho Duato que se ofreció por primera vez. Su título responde al nombre de la declaración recitada en las sinagogas previa al comienzo del servicio vespertino del Yom Kipur, y que marca un momento dedicado a reflexionar y perdonar. Sobre esta base Duato ha construido para la CND2 un trabajo introspectivo y espiritual que reflexiona sobre la situación de los más jóvenes en los conflictos bélicos, los llamados “niños de la guerra”. “Duende” también es una pieza ideada por

Nacho Duato, esta vez sobre música de Claude Debussy, única fuente de inspiración para este ballet y de la que el coreógrafo se enamoró por la manera en la que el compositor convirtió el sonido de la naturaleza en melodías. Por su parte, Yoko Taira es la autora de “Erase una vez...”, basada en una composición tradicional japonesa y que presenta en escena un mundo de sueños en el que se reflejan sus raíces exóticas. Por último, Nacho Duato firma también “Col perdut”, un paso a dos inspirado en la versión catalana que María del Mar Bonet elaboró a partir de “Bir demet yasemen”, un tema de matices tradicionales del armenio M.J. Berberian. Tras su estancia en Madrid, este mismo programa se podrá disfrutar de nuevo en Manresa (Barcelona) el próximo 14 de febrero, y en Pozuelo de Alarcón (Madrid) el día 21 del mismo mes.

El madrileño teatro Arenal continúa apostando por el trabajo a favor del arte y para ello ha formado la primera compañía estable de danza española en un teatro privado. “Flamenco con arte” será el primer montaje de la joven compañía flamenca El Arenal, que está dirigida por José Huertas. “Flamenco con arte” es una muestra de los diversos palos del baile flamenco, enriquecida por la moderna visión de sus autores. La veteranía en el arte flamenco del director de la compañía sirve para que los bailarines transmitan la colorida experiencia de un arte que, con su lenguaje y sus movimientos, transmite profundos sentimientos a todo tipo de público. Tanguillo, soleá, zapateado, seguiriya, cante y jaleo son los seis palos flamencos que el público del Teatro Arenal podrá disfrutar hasta el 1 de marzo en un espectáculo de setenta intensos minutos. Gala Vivancos, Tamara González, Sara Martín, Tamara Infantes y Rosana Romero componen, junto a Fernando Alfaro y Miguel Valles, el cuerpo de baile de El Arenal. José Arenas a la guitarra, David Moreiras al violín y Morito en la percusión acompañan sobre el escenario a Luisa Carmona y Yeyé de Cádiz, que se ocupan de poner la voz y el sentimiento a esta interesante “suite flamenca”.

Fuensanta “La Moneta”, bailaora granadina que lleva el flamenco en las venas, llevará el próximo 11 de marzo el mejor arte andaluz al madrileño Teatro de la Zarzuela, de la mano de su primer proyecto coreográfico, titulado “De entre la luna y los hombres”. En este espectáculo, dividido en siete temas, “La Moneta” toma prestadas diversas creaciones de las poetisas de su tierra Ángeles Mora y Teresa Gómez, con las que desarrolla una serie de escenas que sirven para explicar las diversas circunstancias por las que pasa la vida de una mujer. Para ello, la creadora granadina emplea la malagueña, la farruca o la taranta, sin olvidarse de las soleás o las bulerías, para finalizar con la seguiriya que lleva por título “Reencuentro”. Estrenado en el Festival Málaga en Flamenco 2007, Fuensanta “La Moneta” cuenta sobre el escenario con el acompañamiento de Eva Durán al cante, Miguel y Paco Iglesias a la guitarra, José Carrasco a la percusión y “El Eléctrico” y “El Torombo” al compás. Dirigidos por Hansel Cereza, la propia Fuensanta se ha ocupado de toda la coreografía, mientras que Raúl Comba hacía lo propio con el guión. La música que se escucha a lo largo de todo el montaje es obra de Miguel Iglesias. “De entre la luna y los hombres” es un espectáculo de cante, baile, fuerza y arte que encadena diferentes palos flamencos sin abandonar la fuerza y la garra que inundan el espectáculo. Esta producción del Teatro de la Zambra permanecerá en Madrid entre el 11 y el 15 de marzo.

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“Sense fi” y “Conquassabit”, las nuevas coreografías de Gelabert Azzopardi

Fotos: Outumuro.

Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi.

La compañía de danza Gelabert Azzopardi estrenará, el próximo mes de abril, dos nuevas coreografías de Cesc Gelabert. Se trata de “Sense fi” y “Conquassabit”, que entre los días 16 y 26 del cuarto mes del año se podrán disfrutar en la sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure de Barcelona, recinto donde la compañía es residente. Ambas piezas están creadas para diez intérpretes, cuatro bailarinas y seis bailarines -entre los que está el propio Gelabert-, lo que supone un reparto más amplio de lo habitual. Además en las dos el espacio escénico ha sido construido por Llorenç Corbella, el vestuario lo ha creado Lydia Azzopardi, y el diseño de luces corresponde a Miguel Muñoz. “Sense fi”, coreografía que cuenta con música creada ex profeso para esta obra por Pascal Comelade, quien ya ha colaborado en diversos espectáculos de la compañía, aparece como la inmersión en el laberinto de necesidades y anhelos de un personaje, representado colectiva-

mente, con su propia expresión y su mundo original. Para su creador, supone un “viaje interior” que se corresponde estéticamente al Primitivismo del Comelade. Si esta corriente señala un origen común de la música popular y culta, la inmersión endógena de Gelabert indica un mismo origen de toda la danza. La segunda coreografía, “Conquassabit”, se basa en música de Haendel. Es una pieza sobre la aceleración y la quietud que no recoge obras íntegras del músico alemán, sino que mezcla piezas vocales e instrumentales, a las que somete al imperativo rítmico de un pulso creciente, de un acelerando rítmico. De hecho, el sentido original del verbo latino “conquassabit” es “convulsión”, “agitada y aceleración”, pero con el paso del tiempo solo significará “hacer trozos”, que es como lo recoge Haendel de los Salmos de la Biblia: “Conquassabit capita in terra multurum” (“hará trozos las cabezas sobre las vastas tierras”).

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El Centro Párraga acogerá el estreno nacional de “Blowin”, de Catherine Diverrés El Centro Párraga de Murcia ya tiene confirmados varios de los estrenos que se producirán en su espacio para las artes escénicas durante el primer trimestre de este año, y uno de esos montajes será “Blowin”, de la prestigiosa bailarina francesa Catherine Diverrés. Será los próximos días 13 y 14 de marzo cuando los espectadores del Centro Párraga podrán asistir al estreno nacional de este moderno espectáculo cuya destacada novedad es la elección, por parte de los asistentes al montaje, del orden de las ocho piezas a ejecutar. A partir de aquí cada función se convierte en algo único e irrepetible, en la que las técnicas de la danza clásica y las ocurrencias de la danza contemporánea se suceden sin descanso. Esta producción francesa creada por la propia Catherine Diverrés presenta a ocho bailarines sobre el escenario que, acompañados de un percusionista y un saxofón, tratarán de enfrentarse a la diversidad de maneras que el ser humano puede afrontar movimientos ya predeterminados. La exploración de las relaciones libres y directas de la danza y la música y la importancia del momento, cuando de lo que se trata es de improvisar, son algunas de las premisas de una de las creaciones más originales de la coreógrafa gala.

“Con los pies en la tierra (y sólo con los pies)”, un nuevo lenguaje para la danza La compañía gallega de artes escénicas D2 ofreció, el pasado 24 de enero, su más reciente espectáculo, “Con los pies en la tierra (y sólo con los pies)”, en la Santart de Santiago de Compostela. La obra, dirigida por Manu Lago e interpretada por Begoña Cuquejo y Fran Rivero, estuvo programada en el XXII Certamen Coreográfico de Madrid el pasado mes de diciembre. Bajo la premisa de investigar el lenguaje, “Con los pies en la tierra (y sólo con los pies)” utiliza las imágenes, la luz y el dibujo para contextualizar el encuentro diario de dos personas que no llegan a mirarse. El espectáculo se convierte entonces en una fantasía en movimiento que en clave de humor trata de romper la monotonía. La música, que también cuenta con un importante papel dentro de este novedoso montaje, ha sido creada por Estevo Creus. La compañía gallega tiene previsto crear una versión infantil del espectáculo, que se estrenará el próximo 4 de abril en la sala The Star de A Coruña. Hasta ese momento “Con los pies en la tierra (y sólo con los pies)” estará de gira por nuestro país, comenzando el próximo 5 de marzo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, dentro de la Muestra de las Autonomías. Posteriormente, el 14 de marzo, estará en Burgos, y ya en abril se representará en el Centro Torrente Ballester de Ferrol.

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compañías circo y magia

infantil

Fragmentos de nuestra memoria infantil en

Enric Magoo regresa a Barcelona

Foto: Valérie Rmise

“Rain, como lluvia en tus ojos”

La magia de

Desde el pasado 29 de enero se encuentra en nuestro país la compañía canadiense Cirque Éloize para recorrer quince ciudades españolas dentro de la gira mundial que está llevando a cabo con su espectáculo “Rain, como lluvia en tus ojos”. La agrupación circense, fundada en 1993 y caracterizada por sus proyectos artísticos repletos de emoción y poesía que conjugan de forma inédita y original el circo con la música, la danza y el teatro, recibió por este montaje el premio Theatre Award a la Mejor Producción en Gira en Gran Bretaña. La idea y la dirección de “Rain, como lluvia en tus ojos” corresponde a Daniele Finzi Pasca, autor y director teatral de gran prestigio nacido en Suiza que en 1983 fundó Teatro Sunil, su propia compañía, que todavía dirige de forma combinada con sus colaboraciones con agrupaciones de teatro y circo de todo el mundo, entre las que están Cirque du Soleil y Cirque Éloize. Este espectáculo, que se representa en castellano y que ha emocionado a la crítica y el público de todo el mundo, es una creación sobre la memoria infantil que combina acrobacias con poesía. La historia tiene lugar en un teatro donde un espectáculo de circo se está ensayando, y en el que lo teatral y la realidad se mezclan hasta el punto de no poder decir donde empieza uno y donde acaba otra. El resultado es una obra llena de esperanza, alegría y una dulce añoranza que su máximo responsable dedica a todos aquellos que aún aman sentir la lluvia caer sobre ellos. Cirque Éloize inició su periplo por España el 29 de enero en el teatro Cervantes de Málaga, donde permaneció hasta el 1 de febrero. En Zaragoza estuvo entre los días 6 y 8 de febrero en el teatro Principal, para posteriormente trasladarse al teatro Compac Gran Vía de Madrid, donde se representará entre los días 11 de febrero y 1 de marzo. La siguiente escala será en Oviedo, ciudad a la que seguirán otras muchas como Valladolid, San Sebastián, Las Palmas de Gran Canaria o Córdoba, por mencionar solo algunas, hasta el próximo mes de junio, cuando pondrá el broche de oro a su recorrido por España en La Coruña. Todos estos lugares se unirán así a las 300 ciudades de 30 países diferentes que han acogido, hasta el momento, alguna de sus más de 3.000 representaciones.

Desde el pasado 1 de febrero, y hasta el día 22, la magia y el ilusionismo se instalarán todos los domingos en el Teatre Poliorama de Barcelona, dentro del ciclo familiar Viu. Será el gran mago Enric Magoo el encargado de enseñar y divertir con un nuevo espectáculo, “L’inventor d’il·lusions”, destinado a niños a partir de cuatro años. Este nuevo montaje del aclamado ilusionista acercará al público joven y familiar los secretos de la magia a partir de una historia que se inicia en el taller del Professor Gargot. Él es un mago jubilado que se dedica a crear nuevos trucos y aparatos de magia y que durante el espectáculo enseñará a los espectadores los grandes secretos del misterioso arte de la magia. Aunque la magia sólo la pueden hacer los verdaderos magos… Galardonado en dos ocasiones con el Gran Premio Nacional en el Congreso Español de la F.I.S.M y con la Vareta de Plata de la novena edición de los Premios de Magia de Montecarlo, Enric Magoo es un veterano profesional del ilusionismo que compagina magia y humor en cada espectáculo.

“Caballos de Menorca”,

un innovador y original espectáculo de calle

La empresa balear Tutatis Producciones Teatrales presenta su más reciente creación artística, “Caballos de Menorca”. Concebido y dirigido por Luis Rovira, este espectáculo al aire libre cuenta con unos curiosos protagonistas: títeres gigantes de diferentes razas de caballos. “Caballos de Menorca” trata de recrear las fiestas folclóricas equinas de la isla de Menorca, tan tradicionales de zonas como Ciutadella o Mahón. Y todo ello destinado a los más pequeños de la casa. Tutatis Producciones, con una trayectoria de más de 20 años, ha contado con una banda sonora compuesta por Beto Bedoya, percusionista de Macaco, y el diseño plástico de Ramón de las Heras, elementos que confirman a este montaje como una novedosa y cuidada propuesta escénica. El resultado se podrá ver los días 3 y 4 de marzo dentro de la programación de FETEN. Posteriormente, el 18 de marzo, se llevará a cabo en las fiestas de Castellón.

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Willy Fog da la vuelta al mundo en un musical

Desde el pasado mes de octubre los espectadores del teatro Häagen-Dazs Calderón de Madrid pueden disfrutar con las aventuras de uno de los personajes más entrañables de los dibujos animados de nuestro país, Willy Fog. Precisamente durante el pasado 2008 este carismático personaje de la década de los ochenta conmemoró su 25 aniversario. “La vuelta al mundo de Willy Fog. El musical”, producido por BRB Internacional, cuenta las aventuras de Fog y los suyos, los leales Tico y Rigodón y la bella Romy. Todos ellos deberán escapar de las fauces del malvado Transfer, que tiene como único propósito arruinar los planes de Fog. Éste, durante una reunión en el Reform Club de Londres, apostó toda su fortuna a que era capaz de dar la vuelta al mundo en ochenta días. Dirigidos por Víctor Conde, Álvaro Puertas interpreta a Willy Fog, mientras Toni Saurina hace lo propio con Rigodón y de dar vida a su inseparable Tico se ocupa Celia Vioque. Además Laura Toledo encarna a la bella Romy y Daniel Araceli es el malvado Transfer. De la dirección musical de la obra se ha encargado Marc Álvarez, mientras que Rakel de la Vega es la responsable de sus coreografías. Con más de cuarenta mil espectadores en más de ochenta funciones, Willy Fog y los suyos continuarán viajando en el Teatro Häagen-Dazs Calderón a la espera de iniciar una intensa gira que les lleve a recorrer todo nuestro país.

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“Mi amigo Bart” muestra la diferencia entre lo original y la copia

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compañías

infantil

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“Ahora yo era” o la posibilidad de ser lo que uno quiere ser

La actriz y cantante herculana Gloria Sirvent debuta a los mandos de una obra destinada a un público infantil con “Mi amigo Bart”, la más reciente creación para niños de la compañía Jácara Teatro. “Mi amigo Bart” cuenta la historia de una niña que trata de dibujar, una y otra vez, su personaje de ficción favorito, Bart Simpson. Sin embargo, la pequeña no consigue retratar al travieso niño como lo ve en pantalla y este cobra vida para enseñarle lo importante que es ser uno mismo, el valor del original frente a la copia. Escrita por Juan Luis Mira, sobre el escenario tratan de divertir a los niños de seis a diez años Mila García, Inma Ortega y José Antonio García. “Mi amigo Bart” fue estrenada en el teatro Principal de Alicante, y fue creada con la intención de educar a los niños en la importancia de la amistad y de aceptarse a uno mismo. Jácara Teatro, compañía especialista en el entretenimiento de los más jóvenes, ha creado un espectáculo divertido en el que el rap y las coreografías son el medio para enseñar y disfrutar en el teatro. “Mi amigo Bart” estará del 9 al 15 de febrero en la localidad valenciana de L´Horta, aunque no habrá función el día 14. Ya en el mes de mayo la compañía realizará una función el día 16 en Alcoy (Alicante), aunque en esta ocasión la obra será representada en valenciano.

La Companhia do Chapito, procedente de Lisboa (Portugal), presenta su nuevo espectáculo, titulado “Ahora yo era”, un montaje destinado a los más pequeños de la casa. La joven compañía lusitana, que debutó hace cinco años, se define como un grupo teatral destinado a enriquecer y desarrollar un lenguaje que valora la cultura e inteligencia del público infantil. En “Ahora yo era” tres personajes y un baúl se presentan sobre las tablas acompañados de un contrabajo que se transforma en puerta y un timbre que toca. Bajo esta premisa la obra se convierte en un espectáculo de teatro musical y visual destinado a todos los niños que tengan más de cuatro años. Bajo la dirección del compositor y profesor Rui Rebelo, cofundador de la compañía, los tres personajes están interpretados por Joao Madeira, Leonor Cabral y Patricia Adao Marques. La compañía lusitana ha realizado varias funciones durante la última semana de enero en el teatro Campo Alegre de Oporto (Portugal), y mantiene abierta su contratación para llevar a cabo una gira que les lleve por toda España, con la que poder mostrar sus nuevas e interesantes propuestas de teatro infantil.

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Caleidoscopio Teatro nos acerca la magia de la noche en

“Cuando sueñas”

“Cuando sueñas” es el título de la nueva propuesta escénica de la compañía zaragozana Caleidoscopio Teatro. Inspirado en el cuento “La luna” de Anne Herbauts, el autor Roberto Barra y los miembros de la compañía proponen un montaje sencillo y poético que acerque a los más pequeños la magia que esconde lo cotidiano. “Cuando sueñas” plantea una interesante pregunta: ¿qué hace la Luna por la noche, cuando se despierta mientras los demás dormimos? Ante este interrogante Caleidoscopio Teatro nos desvela qué esconde la naturaleza en su fase nocturna, con su cielo cuajado de estrellas, la niebla que se extiende misteriosamente o las imágenes que cobran vida. La compañía zaragozana que este mismo año celebra sus bodas de plata sobre los escenarios apuesta con “Cuando sueñas” por un montaje en el que máscaras, objetos, elementos hinchables, títeres y muñecos conforman una historia de teatro visual que a través de hermosas imágenes trata de cautivar a los más pequeños de la casa. Tras encandilar a los niños de Valencia, Zaragoza, Oviedo y Zamora, Caleidoscopio Teatro estará, durante el mes de febrero, en las localidades madrileñas de Griñón, los días 4, 5 y 6, y Collado Villalba los días 18, 19 y 20. Los días 25 y 26 de febrero “Cuando sueñas” se podrá disfrutar en el Auditori de Torrent (Valencia).

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“Titirifauna”,

“Peneque El Valiente” continúa celebrando

los animales de los cuentos a escena

su cincuenta cumpleaños

Galardonado con el premio al Mejor Espectáculo de Pequeño Formato en Fetén 2002, la compañía vallisoletana Calamar Teatro continúa enseñando y divirtiendo con su obra “Titirifauna”, destinada a niños con edad comprendida entre tres y nueve años. Con “Titirifauna”, la obra creada y dirigida por Natalia Wirton, la compañía pretende instruir a los más jóvenes a través de gorros y zapatillas con los que, a modo de títeres, dará forma a multitud de animales. La obra, que repasa los cuentos tradicionales de Perrault, Grimm o Alfonso X El Sabio con piezas de Bach, Mozart y Brahms, recorre así el mundo animal con los objetos más insospechados. Ana Silva es la actriz que se ocupa de este interesante recorrido que cuenta con Miguel Molina Cabrera a cargo del violín, en una importante labor dentro de esta divertida obra. Calamar Teatro tiene previsto realizar dos representaciones en la ciudad que les vio nacer. Será en el teatro Principal de la capital pucelana donde los más pequeños tendrán la oportunidad de asistir a estas funciones los días 27 y 28 de este mes de febrero.

La compañía malagueña de teatro infantil de Miguel Pino sigue de celebración. Y es que una de sus creaciones más importantes cumplió años, y nada menos que cincuenta. Se trata de “Peneque el valiente”, que para celebrar este aniversario ha decidido hacer lo que mejor sabe: seguir haciendo felices a los más pequeños subido a un escenario. Será el 1 de marzo cuando Producciones Infantiles Miguel Pino ofrezca dos actuaciones consecutivas en la sala Albéniz, dentro de la programación del teatro Cervantes de Málaga. Ofrecidas por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Málaga, esta celebración tiene como objeto homenajear al creador del simpático Peneque, Miguel Pino, y

a sus hijos, que han continuado con la incansable labor de su padre. Creado en 1959, la marioneta de guante “Peneque el Valiente” lleva cincuenta años recorriendo nuestro país, trabajando por llevar la ilusión y la sonrisa a los más pequeños. En todo este tiempo, “Peneque El Valiente” se ha rodeado de personajes muy queridos por los niños, como Tina Bailarina, la Bruja Pelos Blancos o Bolo el Sabio. Un repertorio de 26 obras y los aplausos de su público, que no faltan en cada una de sus funciones, son el mejor aval de Peneque y sus amigos. De la mano de Producciones Infantiles Miguel Pino, los niños tienen garantizado el entretenimiento y las aventuras más divertidas de la mano del veterano y valiente Peneque.

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Imaginación y realidad se mezclan en “Princesas, olvidadas

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compañías

infantil

Próximo estreno de

o desconocidas”

“Sueños de un metro” en castellano

La compañía Karlik Danza Teatro presenta, tras la exitosa “Niña Frida”, una nueva obra teatral que nos acerca a cuatro mujeres adultas que reviven sus sueños de niñez. Escrita por Itziar Pascual y Cristina D. Silveira, quien también se ocupa de la dirección, “Princesas...” nos presenta la historia de Candela, Remedios, Alba y Consuelo, cuatro amigas que compartieron sus sueños durante la niñez y que una noche de cumpleaños hacen un cariñoso a lo que soñaron ser y lo que son, a las princesas en las que anhelaron convertirse. Elena Sánchez, Cristina Pérez, Marina Rubio y Andrea Isasi son las cuatro mujeres que dan vida a este cuarteto de amigas que, junto a Roberto Calle, ponen sobre el escenario las dudas, los sinsabores y los proyectos que, con el paso de los años, se transforman sin prácticamente quererlo. Producida junto a Producciones Javier Leoni y distribuida por Al Suroeste, la obra ha sido seleccionada para la próxima edición de FETEN, que se celebrará en Gijón en marzo. La compañía representó este nuevo montaje en Cáceres el 1 de febrero, y continuará el día 20 en Miajadas (Cáceres) y el día 21 en Berlanga (Badajoz). Un día después “Princesas olvidadas o desconocidas” se representará en la localidad madrileña de Velilla de San Antonio, y el 1 de marzo ocurrirá lo mismo en Móstoles (Madrid).

El próximo 4 de marzo se estrenará en Gijón, dentro de la programación de la Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas, FETEN, la versión en castellano de “Sueños de un metro”. La obra de la compañía bilbaína Hortzmuga Teatroa fue estrenada el pasado 2 de enero dentro del programa navideño “Gabonak”, promovido por la Diputación de Vizcaya, y fue recibido con gran entusiasmo por los niños y jóvenes que abarrotaban el Palacio Euskalduna de Bilbao. “Sueños de un metro” cuenta la historia de Nadia, una niña rumana que viaja en metro y que, entre parada y parada, sueña con convertirse en la gimnasta rumana Nadia Comaneci, y así poder ayudar a su padre, a sus amigos o, aunque sea por un breve momento, a sus compatriotas, que se enfrentan a la difícil situación que vive su país. Con esta obra, la compañía vasca plantea a los más jóvenes las complicadas circunstancias a las que se enfrentan día a día los inmigrantes en nuestro país, cuando han tenido que dejar atrás sus sueños y su gente y se ven obligados a vivir en un sitio diferente y alejado de los suyos.