ESTÉTICA Y DISEÑO INDUSTRIAL Temas del 10 al 19

Alberto Cantero Guillot

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Tema 10 A la hora de examinar una obra destacamos otros aspectos a tener en cuenta, el qué cuenta y el cómo lo cuenta. Se considera que la obra de arte tiene una composición dual, en cuanto a forma y contenido, el contenido o significados corresponden al qué cuentan (contenidos) y el cómo a la forma. Metodología Formalista. Se centra en el estudio del arte exclusivamente como forma, se le llama puro visual y el primer teórico que lo plantea es Henry Wölflin, en 1918 publica un libro, austriaco que trabaja en la escuela de Viena que se llama “renacimiento y barroco” corresponde a los movimientos artísticos de la edad moderna desde el siglo XV al siglo XVIII. Hasta Wölflin se había entendido que esa evolución, el tiempo y la calidad, tenía una representación de esta manera, en el siglo XV (primer renacimiento) corresponde al nacimiento de ese estilo, en el periodo central del S. XVI renacimiento pleno-madurez y calidad, en el S. XVII con el Barroco tiene lugar el declive y en el S. XVIII el barrococo, período de menor calidad –degeneración-, visión continuista; esto era la visión anterior a Wölflin, que cuando estudia el renacimiento y el barroco dice que esto es falso, no es el declive, son cosas distintas e incomparables, el barroco no es ni evolución ni declive del renacimiento y lo demuestra utilizando una comparación puramente formal. Elige dos obras, una de Rafael (S. XVI) y una de Rubens (S. XVII). Rafael corresponde al renacimiento y Rubens al barroco, los compara teniendo un tema en común, elige el mito de las tres gracias, es lo que llamaremos constante iconográfica (temas repetidos a lo largo de la historia), corresponde a la mitología griega, son tres diosas identificadas con la virtud, es el ideal griego de la belleza y la verdad. Ese mito se representa de esa manera, Rubens hace algo parecido. Se nota claramente la diferencia entre barroco y renacimiento. Rafael (1504) Hay incomunicación, las figuras están ensimismadas, cada una mira su manzana y son independientes entre si. Rubens representa unas figuritas que se comunican entre ellas, más físicas, aparte de la comunicación gestual hay contacto, en la obra de Rafael apenas hay contacto, el punto de vista está bajo, punto de vista del gusano, aparece una cierta convergencia, la figuras están apoyadas unas con otras, si quitamos una la composición se queda coja, inestable, la unidad es mayor, las figuras están subordinadas una a la otra, en cambio, en el caso de Rafael las tres figuras son equivalentes, el punto de vista está más alto, figuras más planas y equilibrio más simétrico, aparece una yuxtaposición una junto a la otra. Hay claroscuro pero prácticamente no hay sombras arrojadas aunque si hay sombras propias, hay una luz difusa, indeterminada, que no crea sombra, perfiles con dibujo, silueteados, sirve para separar las tres figuras del fondo. En la de Rubens el planteamiento es diferente, claroscuro más claramente diferenciado, importantes sombras arrojadas, claramente se ve la dirección de la luz, se difumina la figura con el fondo, que predomine el color sobre el dibujo. Unidad indivisible, crean conjunto con el fondo. En cuanto a la composición tienen una convergencia, especie de composición triangular asentada en el suelo y en equilibrio, los brazos siguen una diagonal de la figura central y en el acto de girar, intenta captar el dinamismo del movimiento. En cambio la de Rafael es

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mucho más estable, los brazos tienen una componente horizontal, manzanas prácticamente alineadas, sobre esa componente vertical y horizontal marca una composición simétrica. Categorías fundamentales para la historia del arte Establece cinco categorías complementarias que representan esa doble característica sobre el arte.

1.

Clásico

Barroco

(países del sur de Europa)

(países del sur de Europa)

Lineal (Táctil, predominio del dibujo y

1. Pictórico (visual, predominio del color,

silueta)

luz)

2. Evolución de lo plano

2. A lo profundo

3. Composición cerrada

3. Composición abierta

4. Autonomía (líneas independientes,

4.

equilibrio en la suma de las partes)

5. Claridad absoluta

Subordinación o dependencia (el equilibrio está en todo)

5. Claridad relativa

Significados o contenidos de la obra de arte El teórico fundamental es E. Panofsky que en 1923 publica el significado de las artes visuales. En el ejemplo de las 3 gracias a Panofsky no hubiese hecho una interpretación pura visual, le interesaría el mito y el porque de la importancia en la actualidad y el planteamiento variable de los tipos para distintos autores, la variación de los modelos. En el renacimiento, recuperación del mundo clásico, se representa el ideal de la belleza. Las tres gracias como manifestación de la eterna juventud. En la otra obra, barroco, hay una correlación entre gracias y flores, figuras mucho más naturalistas. Hay que establecer gradaciones entre significados, los dos primeros son los más comunes: 1. Significado primario (fáctico y expresivo). Lo primero que se hace es identificar los hechos y expresiones. Se percibe por medio de los sentidos, lo único que se hace es contemplar. Es puramente descriptivo, es una descripción pre-iconográfica. 2. Significado secundario (convencional/social). No intervienen los sentidos sino lo que se conoce. Es lo que llama análisis o conocimiento iconográfico, es como mirar el archivo de todo lo que conozco. 3. Significado tercero (intrínseco). De lo que se deduce, del raciocinio. Es para especialistas, es lo que llama síntesis iconológica, hablamos de la ciencia de las imágenes, se descubren símbolos o tendencias culturales. Estudio de los significados: La pietà del Vaticano (1500)

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Desde el punto de vista de Wölflin, Miguel Angel resulta claramente clásico. Primero identificamos hechos, aparece una figura femenina (triste) y otra masculina (desnuda sin vida aparente), corresponde a la descripción primaria, lo identificamos con la Virgen y Cristo. La piedad sería el significado segundo, interviene lo que sabemos, la historia sagrada, es una constante iconográfica. Esculpida a principios del S. XVI. Otra muestra es la Pietà de Florencia en 1540, y más tarde esculpe la Pietà de Palestrina en 1555 y otra versión interrumpida es la Pietà Rondamin al final de su vida. En la tercera nos preguntaríamos cómo cambia el pensamiento de Miguel Ángel y su preocupación por la piedad y nos preguntamos sobre la variación de su obra. Pensamiento de su cultura y su espacio o tiempo, a través de la reflexión de Miguel Ángel podemos deducir aspectos de la Italia del S. XVI. Piedad Vaticano Muestra a la Virgen con su mejor belleza e idealidad, con un cuerpo desnudo muerto sobre las piernas, estaría rendida y mostraría rasgos de esfuerzo, es una representación idealizada. Lo hace como presentación ante la corte del Papa. Hay una voluntad de acabado perfecto, una de las obras firmadas por Miguel Ángel (firma y fecha).

Piedad Florencia Ya no aparece sólo la Virgen y Cristo, sino que aparecen más personajes, el cuerpo en este caso pesa, no es una frágil adolescente la que sujeta el cuerpo, esta vez son tres personas (en el descenso de Cristo participan varias personas). En cuanto a su caracterización hay una mayor fidelidad a lo que cuentan, los personajes se adecuan más a la descripción, hay un mayor naturalismo. ¿qué ocurre desde 1540 hasta 1555? Aparece el Concilio de Trento, la contra reforma, el objetivo del arte es que sea didáctico, se utiliza para enseñar al que no sabe. La imagen de la piedad se adecua a esa contra reforma, es más fiel a la que cuentan los sacerdotes a los fieles. Piedad Palestrina Aparece la idea del non finito, hay zonas perfectamente acabadas junto con zonas que están simplemente abocetadas, Miguel Ángel preludia lo que será el barroco, está exigiendo al contemplar que finalice la composición. Miguel Ángel vive 90 años y se interesa por el tema de la muerte, de la piedad.

Hay cosas en la historia del arte en la que las formas son las mismas y los significados son los mismos, sin embargo hay grandes diferencias entre ellos. Por ejemplo, en el Barroco, Rubens y Rembrandt. Desde el punto de vista de Panofsky los dos tratan los mismos temas, significados, las pinturas son muy diferentes entre si, es lo que se pregunta A. Hauser.

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Rembrandt se pinta como un pintor con el pincel y la paleta mientras que Rubens se dibuja como un caballero. Retratos. Elevación de la Cruz: Rubens: Predomina el claroscuro, manchas, sombras, composición diagonal, claridad relativa, subordinación de las partes. Abigarramiento de esfuerzos. Rembrandt: Claroscuro, profundidad, inestable, dinámico, en este caso la composición es más austera, menos representada, sobrios. El descendimiento: Rembrandt: Mucho más austero, tenebrismo de fondo, figura de la virgen. Rubens: Rojo en primer plano, esclavos ayudando a bajar el cuerpo. Retrato de familia: Rembrandt: Utiliza una representación mucho más familiar, menos austera, más modesta. Rubens: Es la segunda mujer de Rubens con sus hijos, el retrato es mucho más cortesano, muy preparado, con sus mejores vestidos en representación de celebración.

Arnold Hauser es el autor de una de la más conocida historia del arte, reconocido como obra estética cuyo objetivo principal es el placer estético, pero además tiene un segundo aspecto, es el de documento histórico cuyo análisis nos habla de un tiempo y un lugar en el que se produce. Cuando Hauser habla de un enfoque social del arte habla fundamentalmente del contexto social y en las circunstancias en las que se produce. La obra de arte está condicionada por los agentes que intervienen en su producción como objeto, esos agentes son: ‘el autor’ y ‘el taller’ como la creación y ‘el público directo’ (cliente) y ‘público indirecto’ (crítico) como observadores del arte. El contexto social de Rubens y Rembrant son muy diferentes, por lo que su producción artística también es diferente.

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1. El arte es independiente de la causalidad social según Hauser. 2. Una sociedad mejor no tiene por que producir un arte mejor, lo que si que se asegura es que los cambios de cliente si que supone un cambio de estilo del gusto por el arte.

3. La obra de arte como documento, la obra de arte es también un documento que nos habla de tiempo y de lugar. Tenemos una doble relación. Cuando miramos la obra de arte hay que intentar verla con los ojos de alguien de la época. ‘Cualquier obra que contemplamos la hacemos contemporánea’, ‘El ser humano tiende a rechazar lo nuevo, tiende a ir a lo fácil y tranquilizador’. 4. La idea de progreso en arte es distinta de la idea de progreso en ciencia. Existe progreso, sobre Newton en ciencia el progreso es posible, en arte no, es diferente. 5. Juicios estéticos a diferencia de los científicos. Hablamos de la verdad, sino no es ciencia, en el arte no son vinculantes puesto que hablan de la belleza. Después del S. XVIII la belleza era algo subjetivo. Hauser lo que hace es hablar de ideología, extiende el concepto de neurosis (Freud), es un concepto psicológico. 1. Formal

Arte=Forma

Visual

H. Wolflin

2. Iconológico

Arte=Imágenes

Significados

E. Panosky

3. Sociológico

Arte=Producto histórico

Ideología

A. Hauser

Arte=Signo

Icono

Charles Morris

4. Semiología/Semiótica

Semiótica. Es la ciencia de carácter superior que estudia el signo en general. Habrá una rama que estudiará la estética semiótica (se ocupa del signo artístico). Significante: Vehículo de signo Signo Significado: Denotado y connotado Significado estricto (lo que se dice)

Significante

Intérprete

Siempre existe

Temas que sugiere (qué es lo que quiere decir)

Significado Ausente/presente

Tipos de signos (Rubert de Ventós): 1. Señal

Contigüidad

Conduce a la conducta

Nº Significantes>>>Nº Significados

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2. Síntomas

3. Símbolos

Salen Significados

Medicina/Diagnósticos

Relaciones

Humo

Designado

Idea, concepto, ente abstracta

Código norma

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Intérprete

Habla uso del código

Neoplasticismo Piet Mondrian Parte del código tradicional, en el ‘árbol rojo’ vemos un árbol, imita una figura, la refiere, no es exactamente el código tradicional, se empieza a desquebrajar a partir del post-impresionismo. El código empieza a cuestionarse, hay otros códigos. Mondrian empieza a utilizar el código forzándolo para ver hasta donde puede llegar, ‘el árbol gris’ aún siendo monocromo seguimos reconociendo el árbol.

Código nuevo, define unas normas y a partir de ellas trabaja. El cuadro es un objeto plano en dos dimensiones, la tercera es mentira, es un objeto plano. ¿Cómo se componen los objetos planos? Dibuja según el esquema cartesiano eje X e Y (abcisas y ordenadas), los reticuliza y colorea con un blanco no puro teñido con poco azul, representa las gradaciones de la luz. Quedan dos variantes, la dimensión del rectángulo y la variación cromática. Composición en rojo, negro, azul, amarillo y gris. La relación entre la física y las matemáticas es análoga a la de la abstracción y la figuración.

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Tema 11 La época de las Vanguardias: experimentalismo y utopía Definición: Lo que acaba en –ismo se entiende como vanguardismo. Son un fenómeno europeo, se habla de vanguardia para referirse al arte europeo hasta 1905-1939 (inicio de la 2ª Guerra Mundial). Viene de la terminología militar, la primera línea del ejército. Pasa de la terminología militar a la artística, el primero en utilizarla es Bandelaire (S. XIX), a partir de mediados del S. XIX empieza a escribir comentarios de arte, utiliza el término de vanguardia aplicado al arte. El código académico ha ido fracturándose, empieza a estar pasado, es el tema de una cultura vieja y hay que derribarlo, hace esa especie de símil, habla de pintores de vanguardia que abren paso a esa nueva ola, a los que están en la avanzadilla. El objetivo es romper el código académico y normas caducas y abrir paso a la modernidad. Todas las vanguardias tienen una doble faceta, necesariamente, el propósito es fracturar la cultura tradicional, pues tendrían una primera faceta destructiva, y una segunda contractiva. No necesariamente es al cincuenta por ciento, todos participan de esa doble tendencia, pero hay algunas en las que predomina más de unos que de otros, las del principio, en general, son más destructivos por tener mayor oposición. En los que predominan los aspectos destructivos se encuentra Dadá, futurismo, y en los constructivos el neoplasticismo y constructivismos. En el año 1905 se fundan las primeras vanguardias.

Expresionismo

Fauvismo Die Beucre ‘El puente’

Características generales 1. experimentación -

En todos los niveles, propósito de disolver las fronteras de las artes. Hay obras en las que las fronteras empiezan a no estar claras.

-

Se produce la re-unión de artes mayores (el artista además de ser hábil con las manos ha de hacer un proyecto) y artes menores (forja, ebanistería, vidrio, etc. Puramente manuales). A partir del Renacimiento, S. XV, se produce esa división que más tarde con las vanguardias se volverá a reunir (las vanguardias del S. XX la hacen desaparecer). A partir de la revolución industrial y de la producción en serie necesitan un proyecto para trabajar industrialmente, reunión de artes mayores y menores, ya no hay fronteras.

-

Empiezan a aparecer nuevas artes, nuevas técnicas, fotografía, fotomontaje, cine, publicidad.

2. Utopia (no lugar) Se plantea lo imposible como meta, es el compromiso social.

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3. Compromiso social El artista no puede ser indiferente, tiene que trabajar con la sociedad con la que vive, la función de este es la mejora de las condiciones de vida, a través del arte. Eso implica tres temas fundamentales, objeto de la mayoría de artistas, el tema del diseño industrial. Lo que hace es mejorar los contenidos (cultura material, objetos de uso), vivienda (barata, social, proletaria) y en tercer lugar la ciudad (mejora de las condiciones urbanas, espacios públicos, zonas verdes). 4. Diversidad/Polémica/Enfrentamiento En torno a la expresión, abstracción y fantasía. No son compartimientos estancos, hay relaciones entre ellos, el centro de la vanguardia será Paris, de modo que antes o después pasarán por Paris. Las bases de la cultura occidental en el S. XV será el claroscuro y la perspectiva, el Fauvismo romperá con el claroscuro en 1905 y el cubismo romperá con la perspectiva en 1907. Moderno ≠ Vanguardia

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Tema 12 1. Definición Nos basamos en algo ya visto, que es la contraposición entre impresionismo y expresionismo. El impresionismo pretende ser objetivo, ¿cómo vemos?, el objetivo es el conocimiento a través de imágenes, diferente a la ciencia, también se basaba en la sensibilidad, la visión, los sentidos. Por contraposición el expresionismo pretende ser subjetivo, el sujeto se imprime en el objeto. Resalta la actitud de Van Gogh como precedente. ¿Cómo sufrimos en realidad? El objetivo es la acción, actuar sobre la realidad a través de los sentimientos. En esa dialéctica del S. XIX entre lo clásico y lo romántico hay una reformulación que los valores clásicos trasfieren al impresionismo y los valores románticos al expresionismo. 2. Ámbitos Cronológicos y Geográficos El expresionismo no es un estilo, es una actitud que a lo largo del S. XX irá surgiendo de forma intermitente. Aparecerán diferentes generaciones, momentos en los que predomina esa tendencia impresionista. Respecto al ámbito geográfico, no hay centro impresionista diferenciado, hay varios focos. El principal centro impresionista será Alemania, otros serán París, Viena, Nueva York después de la segunda guerra mundial. 3. Diversidad Diversidad de fechas, espacios, artística (dualidad entre figuración y abstracción), también habrá diversidad cromática. En general serán temas sociales pero no únicamente, por último habrá una diversidad ideológica. En general tiene una ideología progresista, de compromiso social, pero no todos 4. Variantes Como precedentes la pintura de Van Gogh - Finales S. XIX (proto-impresionismo) antecedentes del expresionismo, es contemporáneo con el cambio de fin de siglo. Anterior a los grupos de vanguardias (grupos organizados). Principales autores: Eduard Munch y Ensor. En 1905 (anterior a la primera guerra mundial en 1914), aparecen las primeras vanguardias en Paris (Fauvismo, ‘faure’ es fiera) y en Alemania (Die Brücke, el puente). Aspectos que terminan en la primera guerra mundial. El grupo Alemán se bifurca en dos grupos diferentes, ‘nueva objetividad’ (carácter figurativo) y ‘der blaue reiter’ el jinete azul (carácter abstracto). 5. Características generales -

Liberación del color. El color no será imitativo, reproducción del color natural, será creativo, se aplica con criterios subjetivos, a veces incluso arbitrarios. Además se rompe con uno de esos pilares fundamentales de la cultura occidental desde el S. XV, el claroscuro, se prefieren colores planos.

-

El ritmo, gesto, acción. En las obras expresionistas normalmente está presente el ritmo de las pinceladas. El ritmo se hace para reflejar el gesto, la acción del pintor, en oposición al trabajo industrial, se trasparenta la obra del autor.

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Aparece como una construcción a través del color, el color construye

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Importancia de la línea. No es constructiva, pretende subrayar, enfatizar, destacar aquellos rangos del pintor, los más interesantes.

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Hay una cierta deformación relacionado con las caricaturas, no pretende ser subjetiva, sino objetiva. La realidad parece ser vista a través de un espejo cóncavo/convexo.

6. Antecedentes (protoexpresionismos) Cronológicamente son los primeros, principios de siglo, pero escaparán del fin de siglo y participan de estas características sin ser grupos diferenciados. Munch es noruego pero trabaja en París durante el cambio de siglo. La obra fundamental de Munch es ‘el grito’ (1892/93), el caso de Munch es un precedente, es el primero en pintar. Es la obra más destacada, hace varias versiones. El grito (Munch) Morfología ¿cómo es? Si seguimos el esquema de características lo cumple todo. Liberación del color, no utiliza colores naturalistas (cielo verde y rojo), horizonte no diferenciado, línea sinuosa. Perspectiva deformante muy fuerte, líneas de composición deformantes. Aparece la diagonal del horizonte y del puente. Aparecen líneas circulares en forma de ondas, traduce con medios pictóricos la onda del grito. En la figura principal se ve como está ondulada, la cara es prácticamente una calavera, no pretende ser naturalista, destacan los rasgos expresivos. Iconografía ¿por qué? Es un grito angustiado, el cambio de siglo son cambios traumáticos, despliegue de la producción industrial, la gente pierde la raíz, la transformación de una sociedad rural y artesana se está transformando en urbana y proletaria, implica desarraigo (pérdida de raíces), se representa en el cuadro. Aparecen distintas versiones: Xilografía, grabado en madera. Pubertad (Munch) Iconografía. Habla de la pubertad, crisis, época de cambio, vuelve a insistir en el tema de la crisis, en este caso la crisis es personal, cada persona individualmente, pasa por la pubertad. La figura que aparece está en proceso de transición, elige una figura femenina, en ella se ve más claro el cambio, es más evidente en la mujer. Vincula a la mujer a la tierra, a la naturaleza es más traumática en la mujer que en el hombre. Munch es noruego, es la primera cultura feminista, inserción social de la mujer. Munch participa de esa cultura nórdica, tiene esa especie de vínculo con lo femenino. Morfología. No hay esquema constructivo, aparecen las tres bandas, primer plano (parte horizontal de la cama, el segundo plano horizontal el lecho) y en tercer plano la pared. Aparece la figura femenina en vertical en el centro. Diagonal, esa sombra es naturalista. Habla de lo que espera, la indeterminación del futuro, se libera de la protección paterna. Hay una representación fálica de la amenaza

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del hombre. Está en posición de protección, se siente desprotegido y vulnerable. La expresión, brazos en cruz, el rostro con la manifestación de ese miedo, cautela, sorpresa. Entrada de Cristo en Bruselas (Ensor) Se trata de una fiesta de disfraces, carnaval, representa la apariencia, la falsedad, lo que parecemos y no somos. Desfile. Aparecen Cristo montado en burro como en Jerusalén, fue a sufrir el sacrificio, la crucifixión, Cristo entró en Jerusalén a lomos de un burro, lo están esperando en una tarima, donde están las fuerzas vivas, el alcalde. Aparecen las pancartas ‘viva lo social’ y ‘viva Jesús’, es una fiesta, es un engaño, es una apariencia, sabemos como acabará la historia, tiene una doble moral, ‘viva Jesús’ y beneficio del capital, explotación del proletariado, las apariencias. Morfología. Perspectiva en forma de pirámide, con un río de gente que se nos viene encima, sin embargo los colores destacan en el cuadro, relacionado con el carnaval, luces y color, rojos, verdes y amarillos. Influencia de los colores complementarios, no hay una dirección de la luz, no juega con eso, juega a que los colores construyen la luz, la caricatura fundamental, la máscara, oculta la identidad. Los colores planos, la autoridad con la banda, lo asesora alguien que parece un payaso. Fauvismo (Paris, 1905) Viene de Fauve, fiera, porque una fiera es una animal salvaje, las críticas dicen que los fauvistas hacen un uso salvaje del color, que no se somete a la imitación de la realidad ni al claroscuro, no es un color domesticado, es libre. La raya verde (H. Matisse, 1905) Es un retrato que hace de su mujer, tiene una raya verde que le divide la cara en dos. Pinta cuadros utilizando los colores que quiere, no se trata de imitar, ni de crear una obra nueva, pinta una autonomía plástica, está construyendo el cuadro a partir del color, diferencia la parte de luz y la parte de sombra. Además la tradición de la pintura francesa, teoría del color, inferior plano, aparece la luz como contraste de colores complementarios, se aprende la teoría científica, se utiliza para construir el cuadro independientemente de la realidad, ese camino va conduciendo a la realidad, se prescinde de la referencia de la naturaleza hasta llegar a una autonomía. Los colores utilizados son planos, aparece la construcción plástica del cuadro. Característica principal del Fauvismo, liberación del color.

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A partir de 1907 se interrumpe esa vanguardia porque Picasso de inicio al cubismo. Es cuando la línea expresionista se rompe y de todos los autores sólo quedará Matisse como único representante del Fauvismo con una ligera evolución. Aspecto burgués de principios de siglo, pelo recogido. Mujer en camisón (André Derain) No pretende una descripción de la figura femenina, no hay que preguntarse que cuenta, sino qué opina de la realidad. Mujer en camisón, carga sensual, destaca el artificio, maquillada, expresiva, es todo ojos, manos. Colores sucios, predominan los complementarios en el fondo, rojo, verde, azul, violeta, amarillo, para crear el contraste, la luz, no son especialmente limpios, el amarillo se mancha con el verde. La línea nos está dando la separación entre los dedos. La composición en ‘X’, el triángulo del torso y de las piernas, incluso el del brazo que divide el triángulo superior e inferior, composición mediante triángulos, contrasta con las dominantes curvas de lo femenino. Desnudo en el estudio (Matisse) Asimila la tradición de la pintura francesa, el puntillismo, aprende el uso del color de Seurat o Signac, el paisaje de raíz impresionista pero transformada, árboles naturalistas, cielo rojo, hojas de árboles naranjas, lo importante es el cielo, no la visión. La danza (Matisse, 1910) Es un mural de gran formato, es la contestación a las ‘señoritas de Avignon de Picasso’, relación constante entre Matisse y Picasso, son amigos, se respetan, son los únicos adversarios en la pintura europea del S. XX. Se regalan obras, hay una competición. Picasso es multiforme, cambia continuamente, pasa por muchos estilos, en cambio Matisse sigue una línea. Tienen una obra de alta calidad, Matisse permanece fiel al fauvismo, aunque tiene variaciones desde 1905-1950. El expresionismo de Matisse participa de todas las características citadas, colores planos en la carne naranja, no hay claroscuro, colores subjetivos, ritmo como componente fundamental de la danza, el ritmo viene de la propia composición, línea que sirve para dibujar los músculos, partes del cuerpo, rasgos de la cara. La diferencia con el resto del impresionismo, la primera es que la pintura es optimista, lúdica, festiva, que trasmite alegría de vivir, no es el desarraigo, no son temas narrativos de Munch, es alegre, optimista. Vinculación con los temas del desnudo. Iconografía: Es una danza en donde aparece el vínculo, personajes entrelazados, tres colores: verde, azul y naranja. Verde la naturaleza, azul el cielo, y naranja los cuerpos. Forma: no hay horizonte, perfil curvo, perfil terrestre sobre fondo cósmico del universo. Cinco personajes que representan los cinco continentes, las figuras se entrelazan. La danza es una de las bellas artes. Artes del espacio y del tiempo. Es un arte visual y musical. Habla del lenguaje universal del arte, habla de la fusión entre artes, como característica de las vanguardias, pretende ser una obra de arte total que verifica las diferentes culturas, razas y géneros. Mensaje optimista y pasivo característico de Matisse.

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La música (Matisse, 1909) Va conjunto con el anterior, relación común, aparecen los cinco personajes con los tres colores, temas comunes.

El desierto rojo/Armonía en rojo (Matisse, 1908) Se confunde la perspectiva, el plano horizontal de la mesa con el plano vertical de la pared, rojo contrastado con verde. La silla tiene una perspectiva clara, sin la silla no tendríamos esa composición piramidal, decoración mediante golpe de látigo y arabescos. Armonía colorística, es un tratado sobre la virtuosidad de la pintura. Aparece una ventana o un cuadro, cuadro sobre cuadro, tema de la ambigüedad, está perfectamente construida a partir de ese fluido de líneas y arabescos, mismo motivo decorativo en la pared y en el mantel. Matisse mantiene que la pintura sirve para decorar. El tema es intrascendente, no hay especial crítica social, crítica o juicio. Desnudo rosa echado (Matisse, 1935) La constante iconográfica: el cuerpo humano como tema, raíz greco-romana, lo que hace es traducir e interpretar ese tema en clave Fauvista. Desproporcionado interesadamente, tiene una de las líneas más elegantes, potencia la sensualidad del desnudo, líneas suaves, sinuosas, componente horizontal, sobre ella aparecen las curvas de caderas, senos, etc. Si algo se quiere contrastar se coloca en el fondo complementario. Resalta sobre el fondo azul. Contraste de color y formas. Ícaro (Matisse, 1944-47) Técnica diferente, no es una pintura, no está hecho con pincel, está hecho a partir de recortables, utiliza papel charol, trabajo de recortables con tijeras, cortando y pegando. En este momento los medios son muy limitados, no hay claroscuro, colores totalmente planos, no hay ningún tipo de variación. La silueta es recortar, la precisión de unas tijeras es diferente a la punta de un pincel. Aún así es totalmente expresiva. Trata de un personaje de la mitología griega. En Greta está el mito del minotauro, se le encierra en un laberinto, construye unas alas de cera para escapar del laberinto, pero cuando se eleva y se acerca al sol éstas se derriten, cae y muere, es el motivo. Lo interesante es como cuenta la historia, cómo dibuja la caída, lo refleja con el azul y el cielo estrellado. Punto rojo sobre el corazón, marca la vulnerabilidad, la muerte.

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Capilla del Rosario (Vence) Participa de la decoración interior. A Matisse le encargan la decoración. Es una obra mixta. Obra innovadora, separación entre color y dibujo, las paredes a base de azulejos blancos, es casi un espejo, se queda como un mosaico. El color proviene de la luz de las vidrieras abstractas, no hay dibujo, rojas amarillas, azules, tienen el objetivo de teñir la luz, aparece el color sobre el dibujo, tiñe también las paredes y los suelos. Como el color depende de la luz y la luz es cambiante con el movimiento del Sol, nunca será igual, siempre es distinto. Dibujo muy sencillo de líneas. Iconografía religiosa, de línea muy simple, aparece la decoración de todos los elementos, ornamentos religiosos. Die Brucke, El puente (Alemania 1905) Diferencias: -

Es un grupo más uniforme, más duradero, permanece hasta el año 1914

-

Es un grupo más negativo, en Alemania no existe la tradición greco-romana, es centro europeo, cultura germánica, de orígenes medievales. No está presente en menor peso, la tradición greco-romana es una mirada más agresiva, con más crítica. Es contemporánea a la revolución industrial en Alemania, empieza a industrializarse en el año 1905 con el tema Werkbund, estos pintores manifiestan de manera clara esa transformación social, tiene un compromiso social, se identifica el arte como último producto de lo manual, único, creativo, individual por oposición a la industria que es mecánica, colectiva, seriada y repetitiva.

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Técnica utilizada: la Xilografía, grabado en madera. Ancestral, muy antigua, se aparte de una plancha de madera y con un punzón se van marcando los dibujo, quitando la superficie, lo que mancha es en donde hay madera, luego se tinta. Con un punzón vamos rebajando la madera, además la técnica condiciona el resultado porque se trata de obras monocromas, en donde además hay que simplificar, si se rebaja la madera no se puede afinar igual que con un pincel, aparece una gramática angulosa, sucia. Será la gramática que trasladen a la pintura. Crearán óleos con apariencia de Xilografías. Temas en general que tienen mirada negativa, representa la estética de lo feo, grotesco, lo deforme, lo enfermizo, con una componente de crítica social importante. Protagonistas Kirchner, E. Nolde, Schmit Rotluff.

Marcella (Kirchner, 1910) Retrato de una figura femenina, desnuda o semidesnuda, voluntad no descriptiva, emitía un juicio, diferencia con ‘la mujer en camisón’, las características son similares aunque más radicales en el caso de Kirchner, mucho más pesimista, hay como una mirada más amarga, colores planos, además colores sucios, tono uniforme, sino fuera por la línea oscura no diferenciaríamos los rasgos anatómicos. Mancha en donde se aprecia la dirección de las pinceladas, el gesto. Reconocimiento de la lección impresionista, rojo y verde, no son colores limpios. Los rasgos son todo ojos, todo boca, partes más expresivas, líneas angulosas.

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Bailarinas (Kirchner, 1914) Comparte con lo anterior, composición en zigzag, como manifestación del dinamismo, contraste de la composición en zigzag con la vertical del cinturón, los abanicos de diagonales como palmeras, la huella del pintor, el trazo sobre el suelo, colores planos rojo y amarillo. Temas, se trata de dos figuras contemporáneas, pelo cortado estilo cleopatra, pantalones de los años 20, el nuevo tipo femenino de los tipos contemporáneos, mujer sofisticada, que se desinhibe. Opinión sobre el mundo contemporáneo.

En la primera guerra mundial aparecen dos grandes bloques Francia y Alemania, se está solucionando quien tiene la primacía industrial, quien va a ser el país más poderoso, ese primer conflicto de gran envergadura. El número de víctimas civiles superan al número de víctimas militares, se prueba con las nuevas armas químicas. Se termina con la derrota de Alemania, queda sin delimitar las fronteras ni los países dominantes. Alemania sale de la guerra con unas condiciones de derrota y de hundimiento económico. Se produce unos movimientos de hundimiento industrial. Casi Alemania tiene que partir de cero. En esas condiciones surgen nuevos grupos de características opuestas, dos opciones contrapuestas: 1. Lo importante son los temas. Objetividad, figurativo, temas de la guerra (desastres, corrupción, violencia), compromiso y crítica social. Lo harán desde un punto de vista figurativo. Fauvismo en Francia con Matisse. 2. Lo importante son la técnica y aspectos morfológicos. No hay figura abstracta, se puede hablar de arte con el arte, arte sin figura, sin referencia a la realidad. Die Brucke en Alemania (Nueva objetividad, figurativo con Grosz, Beckman Dix, y der blaue reiter, abstracto con Kandinsky y Klee). Funcionario de estado para los mutilados de la guerra (G. Grosz) Imitación de la naturaleza, el título nos da datos, funcionario de estado y referencia a la guerra, consecuencias de la primera guerra mundial, desde el punto de vista de la morfología utiliza los elementos del expresionismo, ese cierto dibujo caricaturesco para remarcar el mensaje, lo que nos quiere contar. Aparecen tres figuras masculinas con sus atributos, marcando quien es el personaje con la pala al fondo, trabajadores, figura central con uniforme militar, mutilado. En primer plano esa figura cortada con el traje el bastón como nota de distinción, de poder.

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El entorno es urbano, es en donde aparecen las ruinas, destrozos de la guerra y en el fondo las chimeneas, nos remiten de nuevo a la industria, los mutilados de la guerra que no pueden incorporarse a la vida civil. El funcionario del estado es la figura maltratada, ojos torcidos, cara de pan, se le asocia, o contrapone, al mutilado y al trabajador, es como una tercera clase, un tercer tipo. Dibujo efectivo, quiere comunicar el mensaje, son colores bastante planos, perspectiva casi axonométrica, la profundidad viene dada por los distintos planos, personajes y fondo. Lo interesante es el mensaje más que la formalización. La noche (Max Beckmann) Pintor figurativo, herido durante la guerra, tiene un trauma psicológico. Aparecen la influencia del cubismo. Más que la formalización lo importante es el tema, la noche tiene que ver con la violencia, parece un asalto a una familia a la que están horcando, una figura femenina a la que le clava una espada, una niña a la que están ejecutando. El entorno es un interior, suponemos doméstico, asalto a una vivienda de una familia civil. Los asaltantes tienen atuendos de personas urbanas, burgueses y el de la izquierda con las vestiduras de Lenin. En cuanto a las víctimas, no se trata sólo de un asesinato, hay alevosía, tortura, refleja el máximo de agresividad y tortura hay un cierto gusto con el detalle. La guerra (Otto Dix) Lo singular de este cuadro es que aparece una representación dual, se divide en dos, la parte superior representa las trincheras, bombardeos, desolación, nada vivo, figura fantasmal del soldado, ramas secas, ruinas, y en la parte inferior aparecen una especie de sarcófago, en un muerto, cadáver, establece un paralelismo, el frente (Francia y Alemania) permanecía fijo durante prácticamente 4 años, fuerte de trincheras en las que murieron soldados, trincheras como cementerio de una y otra banda, tanto para Beckman como Otto Dix lo importante es el mensaje, no hay vencedores ni vencidos.

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Der Blaue Reiter. Se centra en el arte por el arte, lo importante no son los temas, sino la técnica, morfología, como se ponen los signos sintácticos. Los autores más importantes son W. Kandinsky y P. Klee, siguen una investigación paralela. El grupo empieza a principios de 1911. Empieza desde la premisa del expresionismo hasta la abstracción, se pierde la figura. La abstracción era como las matemáticas para la física, es la abstracción que aparece a partir de 1910, aparece simultáneamente desde la abstracción, surrealismo y la fantasía, a la abstracción se llega desde todos los caminos, implica hacer pintura sin figura. Lo importante no es la semántica, ante una pintura abstracta no se puede hablar de referencias a la realidad, no hay imitación, lo importante será la morfología, con qué elementos trabaja el pintor, formas con las que trabaja y cómo las combina, cómo las pone juntas y porqué. De lo que se dan cuenta estos autores, es que el conjunto de significantes es mucho mayor que el conjunto de significados, por lo que únicamente trabajarán con lo signos. Primera acuarela abstracta (Kandinsky) En la oscuridad de la noche encendió una pequeña vela y reflejó una obra suya que no supuso que lo fuera, y se preguntó cómo llegó hasta allí, era el lienzo al revés del que estaba trabajando. Percibía las tensiones, juegos y formas sin ver la representación, lo cuenta como origen de la abstracción, intenta retrocaerse, empieza a reducir elementos, lenguaje infantil, como se aprende a pintar, a expresarse, a comunicar. Hay una premisa importante, arte como comunicación, mediante signos, son signos convencionales, el mismo objetivo dice Kandinsky, mediante signos plásticos y artísticos y que son convencionales y dependen de la técnica, para pintar hay que tener un soporte, un plano, además hay dos tipos de elementos, una punta con la que hacer líneas y un pincel con el que hacer manchas. Un niño todavía no ha aprendido los conceptos, es una realidad externa a si mismo, todavía no tiene los conceptos de lo que es cada cosa, sin embargo, él defiende que aún sin conocer los conceptos e ideas de su entorno (una cama, una silla...) Lo único que puede comunicar un niño serían manchas de color e impulsos motores, movimientos. Hay dos tipos de líneas y dos tipos de manchas diferentes, las líneas en principio o bien son filiformes, implican dirección, movimiento, líneas unidas a manchas densas de color. En cuanto a las manchas las hay trasparentes, diluidas, o bien concentradas, normalmente formadas por dos colores, uno frío y otro cálido, con esos cuatro elementos se está haciendo una composición ilimitada, el borde del papel parece aleatorio, se escapa del papel. Las manchas diluidas significan espacio, nos da una vaga idea de profundidad, de lo que hay delante y detrás, medio fluido, en ese espacio encontramos formas que se mueven, elementos, formas que se mueven en el espacio, el equivalente a las figuras. El cuadro se ha convertido en un campo de fuerzas en el que están en equilibrio los elementos, los signos entendidos como fuerzas.

Estética y diseño industrial Primeras acuarelas

1910

Impresiones

1914

Improvisaciones

1914-21

Composiciones

1921

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Lírica (Kandinsky) Líneas, manchas más o menos diluidas y concentradas. El título nos remite a la música o a la poesía. Fondo, manchas que combinan color frío y cálido, tensión y distensión. Formas que se mueven con la misma dirección, no hay perspectiva ni claroscuro, ni naturalidad entre colores. Improvisación nº 26 (Kandinsky) Lírica muy inmediata, los elementos siguen siendo los mismos, aparece una línea que marca un cierto horizonte. El formato cuadrado lo divide en dos, sobre el horizonte aparece una serie de líneas curvas más o menos antropomórficas, grupo de diagonales que conducen al centro. Hay una especie de estructura de armazón.

Composición nº 4 (Kandinsky) Representa el grado máximo de complicidad, ya se conocen las herramientas del lenguaje, podemos hablar de la semántica de lo que significa el lenguaje plástico, son líneas y manchas, formas elementales, significados intrínsecos, significados independientes de la naturaleza y de la realidad. Escribe dos textos: -

En 1910, ‘Lo espiritual es el arte’. El arte es una tarea espiritual, es una actividad estética)

-

En 1925, ‘Punto y línea sobre plano’. Recoge la docencia que importa en la bauhaus y en donde argumenta ese lenguaje plástico con sus características.

Variantes de la línea que incluye en la composición nº 4, líneas diagonales, horizontales, enfáticas, quebradas... induce al movimiento, equilibrio, situaciones de estaticidad, dinamismo, aparece un despliegue, abanico, de líneas alrededor. Colores de distinta naturaleza, juega con los degradados, marca un paisaje, elementos como que se mueven, interpretan una especia de colores y arco iris, es una representación subjetiva y personal.

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Simple (Kandinsky) El color y la forma se refuerza, el círculo es azul, el tema no es el mismo, especie de aura, imágenes de la luna o astro, cuadrado de fondo rojo y triángulo amarillo en posición inestable, frente a la inestabilidad del cuadrado aparece ese desequilibrio. Klee Profesor junto a Kandinsky en la Bauhaus, estudia la teoría de la forma y de la figuración. El planteamiento es parecido al de Kandinsky, está reduciendo elementos, hace una especie de tejido de líneas horizontales y verticales. Marca tres posibles situaciones, a, b, y c. Y jugando con los mismos elementos estamos identificando figuras diferentes, en los tres casos hay lo mismo, la misma trama, línea horizontal a-superior, b-intermedia y c-inferior. Se construye la trama hacia arriba-c, abajo-a, y en dos direcciones-b, dependiendo de la posición evoca una u otra forma. c-Silueta urbana a-Remite a cosas que cuelgan del techo b-Reflejos en el mar Calle principal y calles laterales (Klee) Calles que fugan hacia un horizonte, línea horizontal, dirección convergente más ancha posteriormente, está construyendo una pirámide visual, un esquema perspectivo. El horizonte está muy alto, es una vista de pájaro, punto de vista muy elevado. Trama de horizontales y diagonales que forman un mosaico, parcelación. Colores principales naranjas y azules, fríos y cálidos. Puerta de jardín M (Klee) La ‘M’ representa una puerta de doble hoja, da a un jardín, serpientes, árboles, pájaros, etc. Árboles representados mediante rascaduras, introduce la textura, se incluye una capa aglomerante en la que después se raya, nos recuerda a una tapia, si hay una puerta es por que hay una tapia que define el jardín. Evoca elementos de un jardín sin representar el jardín, mediante signos, evocaciones, estrellas, animales, puertas... Un cuentecito de un enanito (Kleer) Abertura a la fantasía, doble formato, rectangular fijo y ojo de apertura a la fantasía.

Pablo Picasso (1881/1973) Vive prácticamente todo el S. XX. En 1920 se encuentra en París haciendo obras maestras. Muere en 1973, tiene 70 años de producción, a diferencia de Matisse es una especie de camaleón, investigando y cambiando. Etapa Azul

1903

Etapa Rosa

1905

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Es prácticamente Dios, es la figura representativa del S. XX, en el arte moderno siempre está Picasso de referencia desde 1907. Entre 1903-1907 tiene una época expresionista dividida en dos partes, la etapa azul y la rosa, usa colores dominantes. Periodo expresionista por la técnica, color azul, frío, triste, temas de miseria, desgracia, etc. Picasso intenta abrirse camino en Paris, aunque no es su mejor etapa. Pobres a la orilla del mar (Picasso)

La vida (Picasso) Trata el suicidio de su amigo, trata el tema de las edades (niño, adulto y anciana). A partir de 1905 empieza a cambiar la tonalidad.

Los saltimbanquis (Picasso) Tonos dominantes más cálidos, aparecen los rosas como tonos dominantes, también caben los temas del circo, se inicia una etapa más optimista, ya conoce el idioma, conoce a pintores, además tiene pareja, tiene la decisión de quedarse. En ese contexto los circenses aparecen como el modelo de artista ideal, aparecen como el ejemplo a seguir, lleva una vida libre sin ataduras, bohemio, todo gira alrededor de su trabajo.

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Tema 13 Cubismo Tiene sus raíces en la pintura de Cezanne y en el neoimpresionismo. Dentro de esa abstracción se tratan los dos movimientos de la primera guerra mundial (1907-1914). Cubismo y futurismo son movimientos entorno a la abstracción. Los fundamentos surgen de: 1. La pintura de P. Cezanne, iba reduciendo la perspectiva, se quedaba con la estructura y los elementos mínimos. En 1907 se hace una exposición de Cezanne, la cual admirará Picasso. 2. La pintura de Rosseau ‘el aduanero’, era el inventor de la pintura ‘naif’. No tiene formación como pintor, no conoce las reglas de las perspectivas, demuestra que se puede partir de cero. 3. Arte negro, la escultura, es un gran coleccionista de esculturas africanas. Características del cubismo: 1. Dos dimensiones. Pasa de la tercera a la segunda dimensión mediante perspectivas, se basa en el sistema diédrico. 2. Identidad entre figura y fondo, se trata igual, figuras descompuestas de forma plana, descomposición del volumen en planos, la apariencia es de espejo roto. 3. Podemos hablar de cuarta dimensión, el tiempo. Se está representando el movimiento. Hay simultaneidad de vistas, se está representando a la vez el alzado y la planta. 4. La luz se identifica con planos cromáticos. 5. Aparecen nuevas técnicas, para resaltar la textura, ‘el collage’. La textura se consigue mezclando arena y serrín con color. No es una textura lisa, tiene caracteres táctiles, textura como valor nuevo. El collage consiste en introducir elementos planos en el cuadro. ‘Collage’, cualquier material plano puede formar parte del cuadro, enfatizar el carácter plano. El tema no es lo importante, son temas banales, naturalezas muertas, es una constante iconográfica. Se aplica el nuevo código a los temas ya conocidos, es una traducción. Picasso se inventa un nuevo idioma, los temas conocidos los traduce a un nuevo idioma. Lo importante no es el tema, sino la técnica, cómo funciona, hablamos de construcción, se equipara el cuadro a una máquina. Las señoritas de Aviñón (Picasso, 1907) No tiene perspectiva, la idea fundamental del cubismo: liberación de la forma. No hay perspectiva cónica, cuadro bidimensional (alto y ancho), si el cuadro no tiene tercera dimensión (profundidad visual) de lo que se trata es de hacer una construcción plástica bidimensional. En el cuadro la excusa no son las señoritas de la calle de Aviñón, el tema principal es el desnudo con constante iconográfica, en la arte inferior vemos un bodegón, otra constante iconográfica. Una señorita lleva una máscara que nos recuerda al arte africano. Fondo llenando los espacios entre figuras mediante la descomposición en planos, planos de un color homogéneo.

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A partir de 1907 el cubismo se convierte en el lenguaje de arte moderno del mundo entero, en mayor o menor medida y con varantes, va evolucionando, se distinguen cuatro variantes del cubismo. Cubismo analítico

Desarrollado fundamentalmente por P. Picasso y G. Braque

Cubismo sintético

Desarrollado por J. Gris

Críticas del cubismo

Crítica de Marcel Duchamp Crítica de Robert Delaunay

Cubismo iconográfico Principal representante F. Leger

Cubismo analítico Naturaleza muerta española (Picasso, 1912) El tema es lo de menos, distintivo la representación de la bandera española. Naturaleza muerta, objetos comunes fácilmente identificables, el tema es puro pretexto. Representado sin perspectiva, representa la capa en alzado y a la vez en planta, cuarta dimensión (tiempo), lo importante no es como vemos. Figura y fondo tratados del mismo modo, se descompone la realidad para conocerla, afecta tanto a las figuras como al fondo.

Mujer en camisón (Picasso, 1913) Figura humana, otro gran tema, el desnudo. Señorita con camisón sentada en un sillón. Signos-abstracción, el pelo, el pecho, la camisa, la axila, el sillón y flecos, el periódico. Picasso nos da los datos, tenemos que hacer la operación inversa, ir buscando, formamos una imagen mental de lo que representa.

Naturaleza muerta con eje de flores (G. Braque, 1911) Se pasa del fauvismo al cubismo, mucho más revolucionario que el fauvismo, a partir de 1908 se une a Picasso en la fase del cubismo analítico. Objetos encima de una mesa, uvas, naipes, chistera, flores, letras. La mesa es redonda, ovalada, de madera lo apreciamos porque aparece la textura. Está representada de frente y en planta. Argant: Braque pone mayor énfasis en la descomposición de los aspectos cromáticos, en cambio Picasso tiene la prioridad de descomposición del volumen.

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Cubismo sintético Naturaleza muerta con frutero y botella de agua (J. Gris) Hablamos de recomposición, empezamos a ver las piezas más unidas, elementos más reconocibles, con frutero y botella de agua. Novedades, el collage, recorte de periódico que se pega, parece ser un recorte del periódico ‘le monde’. Las naturalezas muertas sintéticas suelen estar sobre el suelo, no sobre una mesa, lo importante suele ser la síntesis normalmente con reglas proporcionales. Hay relaciones proporcionales métricas. Suelo de ladrillos blancos y negros, línea de horizonte que separa, baldosas giradas, el objetivo es la construcción plática. El plato de porcelana representa un trozo, la parte de detrás es de piedra, la parte superior del frutero es circular, en proyección paralela no como un óvalo. Retrato de P. Picasso (J. Gris) Predomina la síntesis, figura y fondo tratados de la misma manera, descomposición en planos. Se le está dibujando con la paleta de pintor, lo que le define. Además aparece ese movimiento, imagen rota.

Cubismo crítico Desnudo descendiendo de una escalera nº 2 (Marcel Duchamp, 1912-1916) Cubismo muy estático sobre una sociedad muy moderna, muy dinámica y en movimiento. Se ve una secuencia, el cine, reconocemos la descomposición en planos, técnica bidimensional, además hay una figura desnuda en la que se reconoce las rodillas, caderas, hombros, cabeza, la secuencia del movmiento. La influencia del cine, empiezan a difundirse las primeras películas. Se pone el énfasis en las rótulas, rodillas, hombros, allí en donde hay movimiento de giro. Analogía maquinista, puntos en donde se articulan movimientos. Saint-Séverin (Delaunay, 1909) Critica la inestabilidad del cubismo, pero el movimiento que le interesa no es el dinamismo de la figura, le interesa el dinamismo de la luz, es algo continuamente dinámico, que cambia, será fructífero porque tiene consecuencias de dos tipos: -

Delaunay hace series, representa el cambio de luz. Llega a la abstracción a partir del cubismo y del expresionismo

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Para ello realiza tres series: 1. Saint Séverin (Delaunay). Ya no utiliza la técnica impresionista, utiliza la técnica cubista, es una arquitectura.

2. Torre Eiffel (Delaunay). Figura y fondo, identidad interior-exterior (pintura), vacíolleno (escultura). Aparece como novedad el dinamismo de la luz. La torre nos da los datos, no es una descripción de la torre, no nos describe la catedral lo suficiente como para reconocerla. La torre se asienta en la ciudad, el motivo es hacer creer que la torre está rodeada de casas, se confunde el interior del exterior, está fundida con las nubes.

3. Una ventana (Delaunay, 1912). Planos cromáticos, desaparece la figura, queda única, juego de luz, la estructura del cuadro son planos cromáticos. No hay figura y fondo sino que es todo igual.

4. Discos solares (Delaunay, 1912). Círculos solares, el soporte es circular, se utilizan geometrías circulares. Descomposición del plano a partir de la composición del color. Fuente de luz muy intensa rodeada de aros que contrasta con el frío del fondo a partir de una composición diagonal, juego compositivo.

Cubismo iconográfico El representante más claro es F. Leger, es un emocionado de la máquina Elementos mecánicos (Leger, 1918) A partir de la revolución industrial lo importante es como funciona, mecaniza a las máquinas, las toma como modelo, sus imágenes son como de máquinas, como una especie de fiesta, de celebración, muy moderno, de confianza en la máquina. Aparecen engranajes, tornillos, bielas, ruedas, etc. Elementos mecánicos. Lenguaje cubista mucho más geométrico y plano, aparecen esas geometrías mecánicas.

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Ensamblaje violín (Picasso) Collage tridimensional, es una técnica totalmente innovadora, se trabaja por sustracción, por adición se va sumando formando un volumen. Se construye a partir de elementos como tela, madera, lata y carbón.

Mujer peinándose ante un espejo (González) Marca la evolución a través de la figura, como se llega a la abstracción, llega a reducir la figura a símbolos, a escribir en el espacio mediante formas de hierro. La cara es un circulo, el cabello son líneas de peine, se juega a la proporción para reconstruir uno mismo. Introduce el movimiento.

La Montserrat (González) Obra más importante, es hierro, se trabaja con forja, chapa de hierro plegada formando el volumen, no vaciado, escultura importante, se hace en 1937 para el mismo sitio que el Guernica. Representación de una campesina, es el tipo del campesino español que se levanta contra, el atuendo, la oz, el escudo, atributos del campesino transformados en arma militar.

Guernica (Picasso) Mural que se pinta para la exposición universal de París, mide 8 por 3 metros. Existe en España un gobierno democrático, hay una revelación en la que se impone la segunda república, ese gobierno legítimo sufre en 1936 un golpe de estado militar, representa un totalitarismo desde 1939 hasta 1975. El cuadro de Guernica se hace en 1937, iniciada la guerra civil. La obra más importante es Guernica, se hace para la exposición universal del año 1937, el gobierno de la república reúne a los principales artistas modernos.

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El arte moderno se identifica con democracia, libertad. Reúne a Pablo Picasso, Julio González, Joan Miró, J. Luis Sert, etc. Todos ellos participan en la exposición del 37, pretenden ser un manifiesto a favor de la democracia. Picasso toma como motivo, tema, el bombardeo de las fuerzas alemanas sobre la ciudad de Guernica, Franco fue apoyado por el resto de dictadores (Hitler y Mussolini), en 1937 se produce el bombardeo. Guernica es una ciudad civil, sin objetivos militares, la ciudad fue arrasada, poquísimos supervivientes, inventa el compromiso del artista, el arte debe ser un intelectual comprometido ante el abuso de los intelectuales tienen que expresar su opinión, ser la voz de los débiles. En este caso el tema del cuadro es fundamental, bélico, el horror de bombardeo, pone en crisis el cubismo, es una especie de advertencia de los gobiernos europeos, Francia, Gran Bretaña, EE.UU. por miedo a Hitler y lo que pasará después. La guerra española es el preludio de la Guerra Mundial. Es una declaración, los totalitarismos conducen a ello. El lenguaje es cubista. Descomposición en planos, frente y perfil, planos cromáticos de luz, también es un cuadro clásico, hay una cierta construcción perspectiva, interior de una habitación, a la derecha sin embargo vemos la parte exterior, una ventana ardiendo. Composición claramente piramidal. Aparece el claroscuro. Se están combinando los códigos clásicos con los modernos, en cualquier idioma es un horror, madre e hijo en brazos muero, cuerpos desmembrados, incendio, ojo, luz, candil.

Futurismo Abstracción/Racionalidad, Antes de la 1ª Guerra Mundial 1909-1914, Italia Italia es un País atrasado económicamente, la revolución industrial está pendiente, es más un deseo que una realidad, Italia tiene el patrimonio artístico más importante del mundo. Pone los fundamentos del arte occidental, perspectiva, claroscuro, etc. Implica que a ese doble carácter, la vanguardia del futurismo tiene un mercado acento de ruptura, es necesario ser muy violento para luchar en contra de la tradición. El futurismo empieza en 1909 como una vanguardia literaria, Marinetti publica el manifiesto futurista, lo transmite a otros campos, teatro, pintura, arquitectura, escultura, cocina, etc. Indefinición entre fronteras. Surgen 3 ideas clave: 1. La máquina, el futurismo tiene admiración con la máquina quien representa lo nuevo, será una especie de Dios para los futuristas, habrá una imitación, el arte imitará la máquina, será tema, motivo. 2. La velocidad, los futuristas identifican S. XX con la velocidad, la belleza de la velocidad 3. La metrópoli, la gran ciudad como marco, la sociedad del S. XX, sociedad urbana, de gran ciudad, de metrópoli. En pintura destacan Giacomo Balla y Luigi Russolo En escultura Humberto Boccioni En arquitectura Antonio Sant Eliá

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Automóvil de carreras (Balla, 1913) El futurismo comparte conceptos con el cubismo, con la diferencia de que el cubismo es estático y el futurismo dinámico, es una especie de crítica italiana. El automóvil es una máquina cuyo objetivo es la velocidad. El automóvil ya ha pasado, lo que queda son los signos de movimiento, las espirales como signo de movimiento, esa especie de curvas abiertas, acción/reacción, principio de la dinámica, oposición al movimiento, ondas del viento desplazadas al pasar el coche, hay resistencia al suelo, cuños triangulares. Hay contrastes entre curvas abiertas, espirales frente al fondo de horizontales y verticales. Desaparece el color, consecuencia del movimiento, va tan rápido que no lo podemos apreciar, recuerda a signos de movimiento, de los cómics, surge con los futuristas. Dinamismo de un automóvil (Russolo) Vemos el coche, es como una imagen congelada, se están utilizando la cuña, el triángulo tiene dirección, ese movimiento se está reforzando con el color, color frío el coche, color cálido para el fondo. En este caso interesa lo que aprenderán los americanos, las formas aerodinámicas, el diseño norteamericano se llama “estudio aerodinámico”. Formas únicas en la continuidad del espacio (Boccioni) Representación del movimiento de la figura humana, el espacio y la figura se representan juntos, el aire es desplazado por la figura al moverse, el movimiento influye en la forma como el movimiento afecta a figura y espacio.

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Arquitectura – Antonio Sant Eliá ‘La cita Nouva’ Milán, 1914 En 1914 aparece un arquitecto, Antonio Sant Eliá, monta una exposición llamada la cita Nouva (la ciudad nueva), esta construcción adquiere el nombre de ‘Messagio’, lo reelaboran (tanto él como Marinetti) y lo convierten en el manifiesto de la arquitectura futurista. En el manifiesto aparecen dos partes, lo que se rechaza y lo que se propone: Rechazan: Aspectos del arte de fin de siglo, la arquitectura histórica, la rehabilitación de edificios históricos, están en contra de las composiciones verticales y horizontales, en contra de los materiales naturales (piedra, madera, etc.) y también en contra de la decoración. Proponen: Dinamismo, basado en la diagonal y la curva, sin ornamentación, colores brillantes y puros, arquitectura con nuevos materiales, hormigón, vidrio; pretende ser expresiva, que imite a la máquina y no a la naturaleza, sobre todo una arquitectura que se renueve constantemente y que cada generación tenga su propia arquitectura. Muere en 1916 durante la primera guerra mundial en el frente. No tiene obra construida relevante. Desde 1914-1916, obra muy corta y escasa, no son proyectos ni obra construida, son imágenes. Cuando hablamos de un proyecto hablamos de la definición completa en la que hay aspectos constructivos, funcionales y formales, también económicos e ideológicos. Sin embargo en imágenes hablamos de forma. En proyectos hablamos de dibujos tridimensionales de perspectivas, cuando uno dibuja en perspectiva lo que le interesa es cómo se ve, la visión, no le interesa ni los aspectos contractivos ni funcionales. Lo que Sant Eliá pretende es mostrar, enseñar, como se imagina la ciudad del futuro. En el futurismo hablamos de tres ideas básicas: -

La máquina La velocidad La metrópoli

Sant Eliá imagina como es a gran ciudad, trabajará con la metrópoli.

La iconografía de la ciudad moderna se debe a las imágenes de Sant Eliá

Edificio Monumental (Sant Eliá) No habla de aspectos funcionales ni de aspectos constructivos, sólo le interesa el aspecto formal. Rechazo de los criterios académicos, la vanguardia que implica ruptura, esta imagen no se parece a ninguna arquitectura anterior (ni románica, ni gótica, etc.), se trata de una ruptura. Los edificios de Sant Eliá parecen máquinas, no imitan a nada anterior ni natural, se rechazan los criterios académicos y se prefieren las composiciones dinámicas, la arquitectura está sometida a la novedad.

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Edificio escalonado con ascensores (Sant Eliá) La fachada tiene una diagonal escalonada, elemento vertical que suponen elementos de comunicación, ascensores, implican movimientos, son máquinas y se encuentran en la metrópoli. Tres características reforzadas en el futurismo.

Edificio escalonado (Sant Eliá) Escalonamiento, fachadas diagonales, curvas abiertas, tensión, no hay ornamentación, paredes desnudas y lisas, únicamente con color, todos los elementos resaltados son vías de comunicación, puentes. Dos importantes temas cuidados son la central eléctrica y la estación. Central eléctrica (Sant Eliá) Es una especie de máquina a tamaño edificio, el consumo de energía que cada vez era mayor, característica de la civilización moderna, ara el movimiento. Es un edificio dinámico, diagonal, es una presa, la presión es mayor en la base por lo que su sección es mayor. Composición diagonal, con movimiento, aparecen máquinas, antenas, cables... Por ello hace varias versiones.

Estación (Sant Eliá) Combina trenes con arquitectura. Central de estaciones, combina las tres ideas fundamentales, la máquina (aviones, coches), la velocidad (el transporte) y la metrópoli. Dibuja el tema de los ascensores, las rampas.

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Tema 14 Protoracionalismo Nombre que se le da a la arquitectura en el período anterior a la primera guerra mundial (19001914) en Europa. Es el primer racionalismo, en el período posterior (entre guerras) encontraremos el racionalismo, llamado también el movimiento moderno. En ese periodo todavía está vigente el arte de fin de siglo, el protoracionalismo es contemporáneo y opuesto al arte de fin de siglo. El arte de fin de siglo era un arte burgués, con características ornamentales, coherencia, se ornamenta y diseña todo. El protoracionalismo tendrá otras características, se caracteriza por un compromiso social, los temas serán la vivienda social, mobiliario e iluminación baratas, de aquí nacerá el diseño industrial. Además hay un compromiso por la desornamentación y por la ciudad industrial, hay un compromiso por la construcción moderna, aparece y se desarrolla el hormigón armado. La idea fundamental del protoracionalismo es la economía en sentido amplio, se elimina lo que sobra (ornamentación), el sistema constructivo más barato, economía de superficies. Diferencias entre protoracionalismo y el racionalismo 1. Antes de la primera guerra mundial no se ha producido la asimilación de las vanguardias, el protoracionailismo no es la vanguardia, por lo que no implica ruptura, cambiará en la primera guerra mundial, en el movimiento moderno sí implica ruptura, eso es porque se asimilan las vanguardias. 2. Contexto histórico. Las condiciones políticas, económicas, sociales, etc. cambian radicalmente antes y después de la guerra. Antes de la guerra es protoracionalismo (predomina la burguesía y el arte de fin de siglo), después de la guerra se pasa a un predominio del proletariado y a unas necesidades sociales mayores. Antes era llamado ‘belle epoque’, después se dará la reconstrucción de Europa debido a la desolación de la guerra, cambian las circunstancias y el arte. Principales focos: 1. Caso Francés. Dos arquitectos con aportaciones importantes serán Auguste Pret (defensor del hormigón armado para la industrialización) y Tony Garnier (introduce otra gran preocupación, ‘une cité industrille’, introduce las ideas del urbanismo moderno). 2. Caso Austriaco. El arquitecto fundamental: Adolf Loos, se caracteriza por su obra fundamental ‘ornamento y delito’ en 1908.

3. Caso Alemán. Lo importante no es un arquitecto, sino una sociación, -werkbund- en cuyo seno nacerá el diseño industrial propiamente dicho, promovido por meter Behrens.

Auguste Perret Razón fundamental, la sociedad se mueve por recursos económicos, el hormigón armado permite economía, es un material barato, procede de arcillas, se produce en gran cantidad industrialmente y a buen precio. Además, en su momento tomó importancia, ahora ya no tiene tanta, hoy en día es más importante el precio de la mano de obra. La ventaja del hormigón es que no necesita mano de obra especializada. Otra ventaja es que es un material incombustible, no se ve afectado por el fuego (el hierro a partir de los 300º se vuelve blando). Es un material

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aislante térmico y acústico con gran resistencia mecánica; por estas características se convertirá en el material más importante del S. XX. Perret es un pionero en el uso del hormigón armado, las primeras construcciones serán las viviendas de la calle Franklin en París. Viviendas de la calle Franklin (Perret, 1903) Perret inaugura el sistema constructivo en hormigón armado, cualquier edificio actual con la estructura de hormigón se está construyendo con la misma técnica de Perret. Se construye el esqueleto de hormigón (vigas horizontales y verticales) se va añadiendo las fachadas y particiones interiores, ese sistema por capas en el que primero se hace el esqueleto y después se incorpora lo demás no sólo se hace de esa manera sino que se enseña y deja claro como está hecho. Solar bastante estrecho, con una sola fachada, son típicas casi parisinas, que nada tiene que ver con el diseño de Perret. Para conseguir más fachada lo que hace es plegarla, mete un patio delantero. En la planta todos los espacios tienen iluminación directa, todas las habitaciones tienen luz y ventilación directa. No es una vivienda de la alta burguesía, se empieza a buscar una conquista de la higiene en todas las casas sociales. Es burguesa pero no de alta burguesía. Garage Ponthieu (Perret, 1905) Utiliza el bastidor en hormigón, soportes verticales y vigas horizontales, lo que queda en medio se rellena con vidrio. Para garajes cuantos menos pilares mejor, la estructura permite soportes no muros. Estamos a inicios de la luz eléctrica pero es sistema sigue siendo muy primitivo, la luz natural todavía es tema fundamental, la estructura puramente dormida, fundamentalmente es una estructura industrial. Perret dice que el hormigón no sólo sirve para industrias o casas, en el año 1923 le encargan una iglesia, la iglesia de Notre Dame Rainoy (1923), es un encargo y le dicen que tienen poco dinero y tiene que ser una construcción rápida. La organización de la iglesia es convencional, en ‘planta de salón’, lo que hace es traducirla en hormigón, lo reinterpreta, no tiene revestimiento, cubierta hecha a base de bóvedas, tiene naves, fondo en forma de ápside y vidrieras. La estructura es de hormigón visto, los cerramientos de la vidrieras están hechos en hormigón, son piezas prefabricadas de hormigón translúcido y permite la construcción de paredes luminosas y vidrieras.

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Tony Garnier Arquitecto francés que pasa a la historia de la arquitectura moderna por un solo proyecto, es becario en la academia francesa en Roma, realiza un estudio sobre la ciudad, el urbanismo, incluye todos los aspectos, plantas (función),secciones (construcción), alzados (forma) y perspectivas (imágenes). Se trata de un proyecto de una ciudad utópica. Sociedad entre 30 y 40 mil habitantes, que está en el centro de Francia con río, colinas y llano, en donde tenemos una organización política de democracia, asamblearía con una economía de cooperativas municipales, de manera que sanidad, educación y cultura están a disposición de todos los habitantes, los servicios básicos, agua, electricidad, son de todos y para todos. La condición fundamental es la higiene, una ciudad del S. XX tiene que ser zonificada, separada de usos, no se mezclan las fábricas con las escuelas. Se separan la residencia de la industria y de sanidad. Como novedad se construye en hormigón. Zona sanitaria El hospital es pabellonario, se dividen a los enfermos dependiendo de la patología, en defensa de la higiene. Incluye la terapia del agua ‘hidroterapia’m grandes estructuras de hormigón para una piscina en donde lo importante es la higiene. También incluye la ‘helioterapia’, terapia mediante el Sol, es antiséptica (mata gérmenes), fachada orientada a Sur (donde hay Sol). Zona residencial Monta una estructura en cuadrícula, horizontales y verticales, lo orienta según Norte, Sur, Este y Oeste. Todas las viviendas tienen por lo menos una fachada orientada a Sur, por lo menos el 50% de la parcela se dedica a zona verde. Exige la construcción en hormigón armado, prohibe los patios y segundas luces, en cambio impone luz eléctrica, calefacción eléctrica, agua, cocinas y baños. Zona central En el centro se encuentra la administración política de la ciudad, ayuntamiento y oficinas. Centro cultural y zona de deporte.

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Adolf Loos (Austria) Arquitecto y teórico, gran labor como escritor en temas de arquitectura y diseño, la característica fundamental es la de criterios de composición moderna. Veremos como desde los inicios de 1900 empieza a emplear criterios de composición moderna, la característica fundamental del protoracionalismo era la economía, cuando se habla de economía se hace en sentido amplio, de construcción, economía formal, será la aportación fundamental de Adolf Loos, en 1908 publica “ornamento y delito”, en ese texto hace una equiparación entre ornamentación y el delito, el objetivo es eliminar lo superfluo, lo que no aporta nada, un edificio es el mismo independientemente de la ornamentación, que es una especie de maquillaje, al ser superfluo se puede eliminar sin alterar lo esencial del edificio. Hace una equiparación, cualquiera de las civilizaciones antiguas tendían a dibujar su físico, conforme vamos avanzando se desprende de esa decoración, cuando la arquitectura alcanza su madurez (en la revolución industrial), la arquitectura debe ser civilizada y prescindir de ese ornamento. Si se elimina la decoración entonces ¿qué queda?. Utiliza la geometría de manera tridimensional, distingue tres ámbitos dentro de la arquitectura: Ámbito de lo público, considera que es el exterior de los edificios y debe componerse de manera muda, seria, neutra, cerrada, sin grandes exhibiciones, trabajará con volúmenes geométricos de suma o resta de elementos cúbicos. Su geometría es tridimensional, y en paralelo a esa composición interior prevalece el dominio privado, por lo que el usuario debe hacer propio ese especio, debe adecuarlo, sus interiores serían espacios ricos y fluidos, complejos en los que utiliza una técnica particular de composición, la técnica ‘Raumplan’, técnica de composición tridimensional, lo que hace es elegir la altura de cada uno de sus espacios dependiendo de su uso y dimensión en planta. Un ejemplo es el salón, espacio de uso diario, suele ser el espacio de mayor uso, su altura es mayor por su uso y por su dimensión en planta. En un dormitorio la dimensión es menor, dos personas, su uso es privado lo que supone una altura menor. La sección de los edificios de Loos es más importante que la planta, suelen ser secciones complejas. Le interesa el tema de la sinceridad material, el ornamento es algo superfluo, el arquitecto debe saber utilizar los materiales para sacar todas las cualidades oportunas, esa sinceridad material. Pecado es que un material cualifique o represente a otro. Se juega con la veta de los árboles, con las piedras, calidades y texturas, porque esa es la única ornamentación que es adecuada. Loos Haus (Loos, 1910) Es una obra que está en el centro de Viena en la plaza de San Miguel junto a una iglesia barroca y al lado del palacio del emperador Francisco José. Contexto social en el que vive Loos. En los años de cambio de siglo él ha estado en EE.UU. y conoce la escuela de Chicago, hace que Loos se de cuenta de que la arquitectura Europea está pasada de moda, cuando vuelve a Viena le encargan este edificio, frente a los edificios comunes con gran ornamentación hace un edificio absolutamente desnudo, el emperador dijo que era una cosa horrorosa hasta tal punto que le presenta una versión maquillada, con ornamentos para mostrar que es algo superfluo y que el edificio no aporta nada nuevo, tiene una serie de jardineras con macetas y plantas para dar vida, es una especie de

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demostración de aportación de elementos, muestra que el edificio es el mismo con y sin decoración. Loos todavía no es vanguardia, después de la guerra la sociedad asimila las vanguardias y se produce la ruptura. Es un edificio en chaflán, ángulo obtuso, está cargado de sutilizas a la hora de componer, composición tripartita, el zócalo está revestido mediante esa piedra de mármol verde con escala importante y acceso simétrico, que además tiene carácter público, tiene un espacio comercial, grandes ventanales, escaparates. El resto, cuatro plantas que están dedicadas a viviendas, todas iguales, desde el exterior no se sabe si lo que hay detrás es un salón, un baño o dormitorio, el exterior es neutro, anónimo, la fachada es el espacio entre el público y la vivienda. El único matiz son las jardineras que impone el ayuntamiento para disimular el acabado. El remate, cubierta, se resuelve con el método típico de Viena, cubierta inclinada. Tipo de cubierta con Guardilla, espacio utilizable, se llama ‘Mansarda’ conecta con la tradición, con la composición tripartita y con el eje compositivo, aún así el chaflán no es simétrico, lo que hace es una composición simétrica en un chaflán asimétrico. Hace un cambio de plano. Contraposición entre lo público y lo privado, entre lo que es fachada de la calle y la del patio, la fachada tiene una función de decoro, en el patio se capta toda la luz posible, es de fachada funcional. El exterior blanco, mudo, sin decoración, se decora únicamente el interior, aparecen recursos de gran habilidad, revestimiento de paredes y puertas, son materiales con su cualidad, además buscando efectos expresivos, el suelo tiene esa especie de cenefa, utiliza los espejos para multiplicar el espacio hacia ambos lados, además la puerta tiene una ventana en la parte superior, permite ver la continuidad del techo, somos conscientes de la prolongación de ese espacio, igualmente con el vestíbulo y las escaleras, la utilización de mármol blanco, cuida todos los aspectos, se poda, elimina y limpia lo austero. Villa Muller (Loos, 1929) Residencia del Doctor Müller en Praga. Es una obra característica, es un caso más común de vivienda unifamiliar burguesa. Hay una diferencia fundamental, Loos no está en el centro de la ciudad, está en las afueras, construye una casa en una parcela que es una vivienda aislada con un jardín, zona en la que no existen condicionantes históricos. No hay espacio público, la fachada no tiene que someterse a ninguna norma de integración en el entorno, es una casa mucho más típica, servirá para instaurar el ‘Raumplan’. Hay una diferencia entre exterior/interior: En el exterior trabaja con la suma y la resta de volúmenes cúbicos como sistema constructivo, no aparece ningún tipo de decoración.

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La altura de las plantas no es constante, viendo la sección podemos adivinar cual es el espacio más público, aparece un gran número de escaleras de vistas cruzadas. En el interior, el salón es la parte más noble de la casa, aparecen materiales buscando un confort interior, creando un espacio complejo, está comunicado con esa especie de alveolo de comunicación, aparece una ventana interior que comunican dos espacios interiores, espacios interiores diferenciados por tamaño, material e iluminación, responden a referencias de uso, está utilizando piezas de mobiliario industrializado, seriado. Formas de vida muy burguesas, burguesía media, diferenciación de usos femeninos y masculinos dentro de la propia vivienda. Werkbund (Alemania) Durante la primera mitad del S. XX será Alemania quien lleve las iniciativas de la arquitectura, las principales iniciativas anteriores procedían de Inglaterra. La revolución industrial alemana se realza a partir de 1870 (cuando se finaliza la guerra Franco-Prusiana), cuando se incorpora más tarde posee desventajas para adaptarse, tiene ventajas como aprender de los demás y será la coyuntura que aprovechará Alemania. Entre 1902 y 1905 estará Herman Muthesius, que es agregado cultural de la embajada en Londres, la función de Herman es conocer de primera mano la situación, es el puente, actúa de transición entre Gran Bretaña y Alemania, activador de la producción en Inglaterra, conoce las viviendas de Glasgow, a Mackintosh, Morris, etc. En 1907, cuando vuelve a Alemania hace dos cosas: -

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Publica un texto en dos volúmenes sobre la casa Inglesa, en ese texto defiende las aportaciones de la casa inglesa, hay que extender los niveles de confort al resto de Europa, a la vivienda alemana y a todas las clases sociales. Promueve la asociación de Werkbund en 1907. El Werkbund no es un estilo, tampoco una vanguardia, no tiene esas características de ruptura. El Werkbund es una asociación, es como un colegio profesional, la diferencia es que el Werkbund no es únicamente profesional, reúnen tres categorías profesionales: técnicas profesionales (arquitectos e ingenieros), profesionales sin título (artesanos, matriceros y mecánicos) y el capital alemán (los que poseen el dinero).

Lo que intenta unir es a todos aquellos implicados en la producción industrial, el razonamiento de Muthesius es que tienen que alcanzar la ventaja profesional de los ingleses, que llevan 100 años de adelanto, objetivo claro. La única manera de competir es aumentar la calidad, pero calidad entendida con un triple sentido para los miembros del Werkbund: 1. Calidad de producto, se tiene que identificar el producto Alemán con el producto de calidad. 2. Calidad de trabajo, cuando se habla de esto el objetivo es que los obreros trabajen en mejores condiciones. Pais pionero en temas como la seguridad social, mejora y estudio de cadenas de montaje para un mejor confort industrial, regular la jornada laboral. 3. Calidad de vida, es consecuencia de las anteriores, más producto de mayor calidad en condiciones de producción mejores, por lo que la calidad de vida mejora, es un inicio para la social democracia y consumo.

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La estrategia será la unión entre Arte e Industria, que los artistas participen en el proceso industrial. Peter Behrens empieza a trabajar para la A.E.G. que lo que hace es comprar patentes americanas, lo contratan como asesor artístico, trabajará como arquitecto diseñando fábricas, pabellones expositivos, trabajará como diseñador industrial diseñando electrodomésticos y como diseñador gráfico para la imagen corporativa, todo tipo de tareas de orden artístico, lo que añade Peter Behrens es una idea de proyecto, proyectar significa dar forma sobre el proceso productivo industrial, mejoras que se pueden añadir, etc. Peter Behrens trabaja junto a W. Gropius (Bauhaus), en 1909 construye la ‘máquina de turbinas’ AEG en Berlín (Turbinenfabrik)

La fábrica de turbinas (Peter Behrens, 1909) Las fábricas son una nueva tipología, a partir del Werkbund será tema de importancia, los empresarios de se interesarán en la construcción de fábricas. Serían el gran tema de la arquitectura porque los miembros del Werkbund dicen que la sociedad del S. XX es una sociedad industrial, la fábrica es el templo del S. XX, empieza a trabajar y a preocuparse en todos los sentidos. Peter Behrens hace una de las primera fábricas, es el edificio más grande construido en Berín. Justificación de la escala de la fábrica: las turbinas son grandes motores, se conciben con dos zonas, la grande es el espacio principal, la de la izquierda es el espacio secundario, porque en la fábrica hay dos ámbitos. La cadena de montaje, aparece un puente grúa en la parte superior, desplazamiento horizontal, ese es el ley motivo de la fábrica, se apoya en la estructura. Lo que no es puramente cadena de montaje, pero sí resulta necesario se encuentra en la parte pequeña. Estructura pequeña en celosía. Behrens adapta el modelo de la galería de las máquinas en París al modelo de la fábrica. Una vez clara la organización de la fábrica, la estructura, finalidad, etc. busca referentes a los que referirse, por ejemplo un modelo de arquitectura como templo. En el frontón vemos el anagrama de A.E.G. Debido a la grúa hay cambios de movimientos, la estructura es dinámica, por ello utiliza las rótulas, para impedir movimientos. En el interior lo importante es la luz, la higiene, la calidad de trabajo, trabaja con el ingeniero para conseguir un buen nivel de iluminación y una buena calidad y confort.

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Teteras eléctricas (Peter Behrens) Tres modelos con tres acabados y tres texturas diferentes, lo que busca Peter Behrens es la diversidad dentro de la unidad. Hay que conjugar tres variables, cuanto mayor normalización más fácil es de construir, necesidad del catálogo para elegir: forma, textura y color. Modelos: poligonal, esférica y cilíndrica Acabados: niquelado, dorado (bronce) y cobre

Cartel publicitario A.E.G. (Peter Behrens) Utiliza variables fundamentales de la forma, por puntos, nos da el significado de luminosidad, panel en dos colores, negro y amarillo, cono de luz blanco y negro. Lámparas (Peter Behrens)

Formas geométricas abstractas.

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Tema 15 Neoplasticismo o Grupo ‘De Styll’. Abstracción, periodo entre Guerras Mundiales en Holanda. Se han roto los fundamentos académicos desde el S. XV, el color y perspectiva. Una vez rotos, el neoplasticismo genera un nuevo código a partir del cual componer obras. De styll es la revista que se distribuye en Holanda, la publican ellos mismos con sus obras más importantes. Hasta ahora habían vanguardias anteriores a la Guerra, la primera Guerra Mundial supone una interrupción en el discurso de las vanguardias. Europa fue campo de batalla, después estará desolada y entre ruinas. El grupo Holandés del neoplasticismo se desarrolla a partir de 1917 (Holanda es un país neutral). Este grupo Holandés entiende que la guerra es un acto de irracionalidad, como respuesta a la guerra entienden que hay que hacer un acto de racionalidad extrema en todos los ámbitos del arte y de la cultura. El origen de las vanguardias holandesas es el cubismo analítico, anterior a la guerra, como aplicación de esa racionalidad hacen una crítica al público por su escasa racionalidad y eso conduce al neoplasticismo. 1. 2. 3. 4. 5.

Arte espiritual Arte global, arte como un todo Esencialidad Buscan un método universal, para todas las artes El código serán las variables más esenciales de la forma (punto, línea, plano; color básico: rojo, azul y amarillo; y el no color: blanco, negro y gris) 6. Método. Se parte de un fenómeno, luego hace dos pasos: - descomposición: analizar para identificar esas variables esenciales del código. - recomposición: síntesis de esas variables esenciales que conservan su autonomía. 2 y 4 aplicados en dos dimensiones en pintura y en tres dimensiones en escultura, arquitectura y diseño industrial. 7. Muerte del arte, arte entendido como tradicional, como plus de belleza. Es un nuevo concepto de arte que alcanza a todo el entorno humano, tanto al espacio (contenedor) como a los objetos (contenido) de manera que en estas circunstancias el arte como belleza desaparece

Protagonistas: Piet Mondrian (Pintor) Theo Van Doesburg (Artista plástico) Jan P.P. Oud (Arquitecto) Gerrit Thomas Rietveld (Arquitecto y diseñador industrial) El que mayor peso tiene es Theo Van Doesburg, su muerte implica la disolución del grupo, es el teórico más importante. Pintura: composiciones de Mondrian, Diseño gráfico (2D) y Escultura (3D) Escultura: 3D

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Espacio: -Oud: Fachada Café ‘de Unie’ -Van Doesburg: Cafetería L´aubette -Rietveld: Casa Schröeder (Utrecht) Diseño industrial: Rietveld y Metz & Co. Mondrian Cuadros totalmente abstractos, no hay nada reconocible, y donde el título genérico suele ser composición y un número, son puros ejercicios compositivos y plásticos, no se busca el qué significan. Código, variables esenciales de la forma. Ya ha pasado el cubismo, el cuadro es en 2D, es un objeto plano, no hay perspectiva porque no es parte del código. El cuadro no solo es plano sino que sólo se trabaja en dos direcciones, horizontales y verticales, no hay más direcciones, no hay diagonales, líneas negras que dividen el cuadro en rectángulos. Mondrian evita poner do colores aún siendo complementarios, no hay contrastes simultáneos de color, por ello separa los colores con la línea negra. Retícula cartesiana, líneas y sectores de plano (rectángulos), colores básicos, rojo, amarillo y azul. Los blancos de Mondrian son puros, siempre están teñidos, blancos con amarillos (cálidos), con azul (fríos) o con negros (grises) para fijar las gradaciones de la luz. Un composición de Mondrian se hace a partir de dos variables, el tamaño del rectángulo y el color, su valor cromático, el objetivo es componer con reglas no clásicas, evitando simetrías, ejes, jerarquías, que son reglas de composición clásica para lograr armonía y equilibrio. Hay relaciones proporcionales de medida.

A partir de finales de 1920, principios de 1930, empieza a hacer variaciones, evolución, girando el formato. Introduce el concepto de pauta.

A finales de los 30 y durante la segunda Guerra mundial se exilia en los EE.UU. y en este caso las líneas en forma de pauta son líneas con color sobre fondo blanco, en este caso al ser líneas de distinto color se recupera la tercera dimensión con pocos elementos. Se entrelazan unos con otros, por encima y por debajo , induce a la profundidad, sigue un ritmo, pauta, no hay simetría, no hay ejes ni jerarquías, sin embargo la composición es perfectamente equilibrada. La base es la misma que la anterior pero destacan las intersecciones mediante puntos de color, forma brillos.

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Fachada Café ‘De Unie’ (Oud) Sólo compone la fachada, la cafetería ya está hecha. Es el caso más simple, trabaja con la fachada, objeto en 2D, lo único que combina es la escala. En Mondrian eran los rectángulos de color activo los pasivos de blancos y negros, aquí los elementos pasivos son los huecos y vacios como ventanas, y los activos son lo llenos, la pared. De manera que la composición de la fachada es un cuadro de Mondrian. Aparece como elemento compositivo las rotulaciones, tiene un valor de elemento a incluir en la fachada. Se eliminan, se evitan, las reglas clásicas, aparece una asimetría, el acceso se hace por una de las esquinas, los tres rótulos se colocan de manera asimétrica (dos verticales y uno horizontal).

Cafetería L´aubette (Van Doesburg) Es una obra de decoración interior, es un complejo que comprende café, cine, cabaret, sala de fiestas, etc. en dos plantas, Doesburg hace la decoración de los espacios interiores. En los primeros bocetos plasma la proyección sobre las paredes, la proyección de rectángulos, cuadros de tipo Mondrian, esto sin embargo no le convence, en estas composiciones se mantienen las aristas, las líneas continuas, de manera que permanece la idea de volumen, finalmente opta por producir el giro, sigue teniendo esa proyección sobre paredes pero girada 45º ¿en qué varia?: 1. Al estar jugando con los giros está escapando, negando la tiranía de la gravedad, vertical y horizontal son necesarios en arquitectura. 2. No existe continuidad entre el despiece de una pared y otra contigua, conservan su autonomía, de esta manera consigue que las paredes se perciban como planos separados. Se está consiguiendo la descomposición de volúmenes en planos, os distintos elementos que intervienen (corredores, puertas, radiadores, etc.) se integran también como elementos simples. En arquitectura los elementos verticales son los sustentantes y los horizontales los sustentados, la arquitectura neoplástica es arquitectónica (algo tectónico es estructural, que pesa), niega el peso, trata los objetos como planos, carecen de peso.

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Casa Schroeder (Rietveld, 1924) Vivienda unifamiliar en esquina original de Ritveld en 1924, el tipo de casa de al lado es característica de la época, de ladrillo visto, con cubiertas inclinada, que nada tiene que ver con la de Rietveld. Como volumen, se está negando, se está descomponiendo de una manera más radical, el volumen se descompone en planos. Parece un castillo de naipes, compuesta a partir de trazos de plano, como rectángulos de diferente color y tamaño, además hay otra variable, la posición espacial, en el espacio hay 3D, hay planos horizontales, verticales y de perfil, además con cambios de plano delante y detrás. Si vemos las fachadas, en cada uno de los planos que componen la casa se tratan con independencia, conservan su autonomía. -

Paredes salientes que niegan la esquina

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Cambio de plano, toda la fachada es la misma y rompe la alineación, está descompuesto a su vez por distintos planos.

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Casa atectónica, no está compuesta de muros y forjados, sino de muros de muros verticales y horizontales y de líneas. Viendo la descomposición en muros es imposible saber cuales son tabiques y cuales son soportes funcionales. Son planos abstractos, no se concreta el material. Por definición, el neoplasticismo no concreta el material, sólo son planos. Texturas satinadas buscando la sensación de inmaterialidad.

Elimina la barandilla, propone una barra vertical y un banco horizontal. Coordenadas cartesianas, puertas abiertas (90º) o cerradas, no admite diagonalidad. Rietveld diseña el contenido, las primeras cocinas modernas. Organiza la cocina en tres zonas: limpieza, almacén y preparación. Sala de estar en esa descomposición del volumen, se niega la esquina, no hay arista, todos los muebles los diseña Rietveld. Todos los elementos están resueltos en 3D, alto, largo y ancho.

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Silla Rietveld Utiliza los 3 elementos esenciales: el punto, la línea y el plano, además conservan su autonomía, los está identificando con la esencia y función de una silla. Elementos fundamentales: el soporte de la silla, el asiento y el respaldo. Asiento y respaldo son planos, la estructura son líneas. Además el corte de la línea es un punto en movimiento, los puntos son amarillos, las líneas negras y los planos rojo y azul. Se diferencian los elementos cambiando el color. En la casa negamos la intersección entre paredes. El asiento se detiene antes de llegar al respaldo y el respaldo se prolonga. Estructura formada por líneas horizontales y verticales, no hay ensambles, se cruzan en el espacio, nunca se intersectan. Las intersecciones son puntos comunes, la línea pertenece a dos planos, cabría la ambigüedad, se niega la intersección entre piezas. La silla, no importa el material, está hecha de planos y líneas, abstracto y material.

Constructivismo o Vanguardias soviéticas Se inscriben en un proceso de revolución social, en 1917 se produce la revolución de octubre, cuyo resultado es que Rusia se convierte en a Unión Soviética. Las vanguardias soviéticas se sitúan en ese contexto de revolución política Antecedentes: Se sitúan antes de 1905 cuando se produce un primer intento revolucionario en Rusia, e ese intento ya se implican los artistas modernos, se produce la identificación entre arte moderno y revolución social, participan en la revolución. En 1912 se produce en Rusia la exposición del cubo-futurismo, consistirá en marcar el punto de partida de los artistas rusos modernos, el cubismo y el futurismo serán los puntos de partida de esas vanguardias soviéticas. En 1917 se produce la revolución de octubre, Lenin será el jefe del nuevo gobierno, la guerra civil durará hasta el año 1921. Los artistas quieren trasladar la revolución al arte, se llamará revolución artística. Periodos: 1. Utopía revolucionaria. Coincide con la revolución y la guerra civil, desde 1917 hasta 1921, revolución de debate teórico, planteamiento de obra gráfica y propaganda. 2. Postguerra. Entre 1921 y 1925, se presentan lo pilares de las instituciones Inkhuk (Vjutemas). Organizaciones, O.S.A, A.S.N.O.V.A. Publicaciones de arte y diseño. 3. Proyección internacional, a partir de 1925-1931, se pasa a la práctica, periodo de realizaciones maduras, recuperación económica. 4. El final de las vanguardias entre 1931-1933 por parte de presiones políticas, “Stalinismo”, a causa de totalitalismos de izquierdas, implica la uniformidad, ‘Realismo Socialista’.

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Características: 1. Abstracción K. Malevitch pinta “Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1913”, es el manifiesto de lo que serán el origen de las vanguardias, ese planteamiento parte de la apuesta por la abstracción. Representa la muerte de la Mimesis (fundamento de la estética tradicional por Aristóteles), significa imitación. El arte ya no será imitación, la referencia ya no será la naturaleza, sino la geometría. La abstracción tiene que ver con la racionalidad, geometría y matemática. Malevitch va a lo esencial, es lo mínimo imprescindible, también acude a las formas más simples, el cuadrado. El “cuadrado blanco sobre fondo blanco, 1918”, hay tonos de blanco, gradaciones de luz. Mallevitch está en la historia principalmente por el suprematismo, el suprematismo se convierte en título genérico, “suprematismo-56, 1916”. Lo suprematismos son abstractos, son construcciones planas a partir de formas geométricas elementales.

2. Construcción en vez de composición Las composiciones de Mondrian eran prácticamente estéticas, Mallevitch utiliza un fondo blanco neutro, es un campo compositivo de fuerzas el espacio compositivo respecto del fondo blanco. Sobre ese fondo compone derivados de formas geométricas ordenadas según los principios no clásicos. Los elementos son también limitados. Colores también limitados y planos (sin gradaciones), lo tres colores principales son el rojo, blanco y negro. Se trata de ordenar un espacio. Una diagonal descendente se materializa con una línea que articula una serie de formas geométricas perpendiculares a esa línea. No hay imitación, no hay jerarquía, no hay axialidad, lo que sí que hay son una especie de ecos, producida por cambios de escala y de tonos, las figuras de los lados sirven para equilibrar el cuadrado. -formalistas: se ocuparán de los significados intrínsecos de la forma. -productivistas: se ocuparán de aspectos de producción y construcción de la obra de arte. 3. Máquina Admiración por la máquina, revolución industrial, por lo tanto se entiende el arte relacionado con la ingeniería, el artista a su vez construye formas, paralelismo entre el artista y el ingeniero. 4. Diversidad de tendencia sobre el punto de vista teórico. Los resultados respecto a la práctica son bastante asimilares. 5. Experimentación tanto en el campo de las artes tradicionales (pintura, escultura, arquitectura), como en el caso de las nuevas artes, diseño industrial, gráfico, fotografía, cine. El artista es un artista total, puro plástico. El caso más polifacético será el de Lissitzky.

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Protagonistas: El Lissitzky es un personaje fundamental, es un artista polifacético, además es un personaje puente en sentido que (1) tiene formación de arquitecto, es un artista que piensa en 3D, la aportación principal es que pasa de las 2D de Malevitch a 3D y (2) que es un arquitecto ruso formado en Alemania, era el personaje puente entre oriente y occidente, contactos entre París, Moscú y Berlín. La cuña roja (Lissitzky) Lissitzky era formalista y se centra en los aspectos formales, significados intrínsecos, por si mismos. Habrá que precisar más en las variables elementales de la forma. Hay colores elementales como el blanco, negro, rojo, construcciones elementales. Lissitzky habla de las formas por si mismas. Deja claro lo que es figura y lo que es fondo, figuras primarias un círculo y un triángulo sobre un fondo (blanco y negro) separados por una diagonal. Hablamos de positivo y negativo, está asociando en la parte positiva la cuña (triángulo) y en la negativa el círculo en una dirección clara que tiende a volcar, dinamismo. Triángulo con forma agresiva, pincha, el círculo además es de color rojo, lema de vida, es un color agresivo. En la parte negativa tenemos el círculo, representa la estabilidad. Aparecen elementos geométricos, es el eso, como una historia paralela que viene a colaborar e insistir, repetición a menor escala. Textos cívicos del Ruso, hace la analogía lingüística. Relación con el contexto: La sociedad negativa, rígida y estática está siendo abarcada por la revolución, mensaje trasmitido a partir de conceptos genéricos. Proun (Lissitzky) PROUN son las siglas en Ruso de ‘por un arte nuevo’, parecido al suprematismo, pero hay una diferencia respecto a los ‘proun’, no tienen posición fija. Están pensados para que puedan contemplarse desde cualquiera de las posiciones, está pidiendo al espectador que participe. El espectador puede elegir como le parece más equilibrado. El tercer piso es la construcción ‘proun room’, es un Proun tridimensional, un espacio, una habitación revestidos de esas construcciones proun, se rompen las fronteras entre las artes, arte total, mixto, participa de la escultura, pintura y arquitectura. También hace proyectos como arquitecto. Hace el proyecto para un club náutico. El proun se convierte en la especie de matemáticas, formas geométricas con cualquier tipo de significado.

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Tribuna de Lenin (El Lessitzky) Aparece una construcción arquitectónica, está compuesta de la misma forma que los ‘proun’, punto, línea y plano, el mástil lo podemos asimilar a una línea, plano para proyectar imágenes y textos. El punto, el cuadrado inferior. Composición dinámica, movimiento basado en la diagonal. Composición asimétrica. Recuerda a una máquina, es una especie de grúa con maquinaria para subir hasta arriba, se compone de arquitectura e ingeniería.

Plan de Moscú (El Lessitzky) Participa en la ordenación urbana de Moscú, aparecen en forma de anillos concéntricos (bulevares), es un esquema radiocéntrico en las intersecciones de ese esquema (nudos) pretende construir “estriba nubes” o “estriba cielos”. Se trata de una especie de rascacielos en horizontal destinados a albergar equipamiento o servicios al ciudadano, esa forma tan singular para que el ciudadano tenga fácil acceso, la columna es fundamentalmente de servicio con ascensores. Esto es lo que se llama experimentación, nunca se había hecho, es inédito. Es un fotomontaje, no se ha contruido, llega a hacer el proyecto completo. Monumento a la 3ª Internacional En principio parece que se trate de una obra escultórica, construcción abstracta, parece una torre de gran escala, sin embargo propone una obra de mucha mayor escala. Dibuja esa construcción en un fondo urbano. Maqueta de un edificio de 400 metros de altura, recuerda a la torre Eiffel, debía colocarse a modo de puente sobre el río Nerva, tiene la morfología de la torre Eiffel pero con una diferencia fundamental, la directriz es diagonal, significado de movimiento, está inclinado 15º, es la inclinación del eje de la Tierra respecto al plano de la eclíptica. Es una doble espiral cónica, la espiral también es una forma dinámica. Aparecen hasta 4 cuerpos geométricos A (cubo) con funciones legislativas, dotado de movimiento de rotación dando 1 vuelta completa al año, el segundo cuerpo, B, es una figura de base triangular

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con funciones ejecutivas (gobierno), movimiento de rotación de periodo mensual (1 vuelta al mes), el tercer nivel sería un cilindro con funciones de comunicación, propaganda, prensa, radio, rotación de periodo semanal (1 vuelta por semana), por último la semiesfera con funciones de antena y de remate. Plantea una obra mixta, inclasificable, arquitectura, escultura y máquina, es una utopía tecnológica, manifiesto a favor de la industria y de lo nuevo, tiene las características de movimiento revolucionario, la transformación, es definitivo, el planteamiento de partida es diferente, los resultados son parecidos, es más teórico que práctico. Ese debate se rebaja en 1945 cuando es posible pasar de la teoría a la práctica. Las dos tendencias confluyen.

Konstantin Melnikov La obra emblemática es el ‘Pabellón U.R.S.S. Expo Art Deco’ en París 1925, es una proyección internacional.

Cartel L’Art Decoratif (Melnikov) Tres colores típicos en las vanguardias soviéticas, composición asimétrica basada en la geometría, composición doblemente diagonal, la descendente (U.R.S.S.) y la ascendente formada por los tres cuadrados solapados (rojo, negro, rojo). El edificio es totalmente innovador y vanguardista. Composición base horizontal cortada por la estructura vertical, la rotulación, textos, publicidad y torre que funciona como faro. Descompone el rectángulo de la sección en planta y lo divide la diagonal. La torre se desplaza, la estructura gira y frente al perímetro cartesiano ésta se estructura formando un giro a través de línea diagonales, por lo tanto se fragmenta el volumen en planos. Se está jugando al contraste ortogonal y diagonal, y además a los volúmenes significativos. Las cubiertas son diagonales, la escalera sube y baja, planos que van cruzando. Dentro se exponen los logotipos de las vanguardias soviéticas. Los artistas rusos del momento están trabajando en los Vjutemas, mobiliario, libros, carteles, lámparas, etc. con dos temas fundamentales, la vivienda obrera, comunal y el club obrero, son un nuevo tipo de edificios que construyen en la unión soviética, se trata de centros culturales asociados a las fábricas, centros de producción, pero en un sentido diferente a lo que puede ser un teatro, en un club obrero el objetivo es crear cultura. Muebles con figuras geométricas elementales, simplicidad, esquematismo, geometría, los colores fundamentales del edificio eran el blanco, el negro y el rojo. Es una mesa transformable. El dinamismo es fundamental, se puede adaptar a las distintas funciones, es una ventaja cuando hay escasez de espacio y de medios, mobiliario flexible. “Ajedrez”

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Club Rusakov, Moscú (Melinkov, 1927) Se trata de un grupo obrero, por lo tanto tiene la función de producción de cultura para trabajadores de una fábrica, la imagen exterior basada en la diagonal, tecnología posible, multifuncionalidad, el espacio principal de Rusakon, las tres salas que componen el “engranaje” pueden separarse para actos diferentes y pueden juntarse para actos multitudinarios. Se incluyen la rotulación como característica de las vanguardias soviéticas, son rótulas cambiantes.

Vivienda Propia (Melinkov, 1927) Con la voluntad que se convierta en un prototipo para que se pueda repetir, es una vivienda singular que se entiende desde esa contradicción entre el deseo y la realidad. Por un lado es una realidad de atraso (1925), de escasez económica, pero el deseo es mucho más avanzado, de industrialización y tecnología. Se utilizarán tecnologías posibles pero racionalizadas e industrializadas, desde ese punto de vista se entiende porque la casa es así. La planta está basada en dos cilindros maclados de 10 metros de diámetro cada uno, porque con el mínimo perímetro el cilindro encierra mayor superficie. La estructura es el muro perimetral, la distribución interior no importa, lo único fijo es la caja, lo demás depende. Estructura del suelo en doble ladrillo con hueco interno para aislar, separados por madera. Las ventanas tienen una forma “marciana” hexagonal, para evitar el dintel, no pretende ser bonito, pretende ser barato. En el sótano se instala la calefacción, en el espacio medio tenemos los privados, hay dos espacios principales a doble altura, uno abierto y extrovertido (con pared de vidrio), espacio de estancia, el de arriba es introvertido, sólo ilumina por los hexágonos, es el lugar de trabajo.

Estética y diseño industrial Vivienda Colectiva “Nakomfin” (Ginzburg y Jan Milinis, 1929) A diferencia de Europa occidental, se organiza en comunas, colectivos sociales, tienen tres características importantes: modelos alternativos a la sociedad familiar, los servicios de las viviendas se agrupan y se separan en un edificio a parte, autogestionado y colectivo. En 1931-1933 acaban las vanguardias soviéticas, lariqueza propuesta supone un peligro para el estado, a partir de principios de los 30 Stalin acaba con la diversidad y hay que volver a recuperar la uniformidad, la abstracción es muy peligrosa porque representa muchas cosas.

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Tema 16 Bauhaus (1919-1933) Es una escuela que surge por la iniciativa de uno de los miembros del Werkbund, Walter Gropius, conoce perfectamente las premisas de la Werkbund. En la primera Guerra Mundial (1914-1918) Alemania supone derrotada, la idea básica es la reconstrucción, desde el punto de vista material, social y político. El Werkbund patrocina una reforma de las enseñanzas de Arts & Crafts. Henry Van de Velde es director de la escuela de Artes y Oficios de Alemania, Weimar. Propone a Walter Gropius pero pone condiciones. Es sólo de práctica, a lo que Gropius responde que no se hace cargo sólo, pretende otro tipo de institución en la que no se de sólo práctica. Surge la Bauhaus con la fusión de estas dos propuestas: -Academia de Bellas Artes, arquitectura, pintura y escultura (artes mayores) con teoría. -Escuela de Artes y Oficios, aspectos artísticos (artes menores) con la práctica y ejecución. Casa de construcción, se inspira en los gremios medievales, sin embargo aparece como escuela superior de diseño, por primera ves aparece el nombre de diseño, Walter Gopius hablará en todas las escalas, encontrará un método universal que valga para todas las escalas, para eso aplica la racionalidad como instrumento, se aplicará a todos los aspectos. Racionalidad funcional, contractiva y formal. Funcionalismo: Se intenta objetivar las formas, existe una forma óptima para cada uno de los objetos. No habría que modificar la forma del objetivo sino cambiarán el resto de variables, es la psicología de la percepción. Organización del plan de estudio Aparece un primer nivel “Curso preliminar” que dura entre una y dos semestres y tiene carácter eliminatorio-selectivo, en ese curso se enseña teoría de la forma, ciencias básicas, luego una serie de conferencias sobre diversos temas. En un segundo nivel están los “talleres”, además de selectivo pretende orientar y distribuir, la distribución no es estable, sufre modificaciones pero está regido por técnicas-materiales (metal, madera, textil, gráfico, escultura, pintura, cerámica, teatro). Este dura 3 cursos. En un tercer nivel, llamado “construcción”, es el equivalente al proyecto final de carrera, tiene una faceta de ejercicio de práctica por lo que tiene una duración variable. Profesores Se rodea de alguno de los principales artistas de vanguardia, en un momento aparece una dirección doble de los cursos, lo llamarán Maestro de la forma (bellas artes) y un Maestro de la práctica y el oficio (artes y oficios). Esto permanece así hasta 1925, cuando surgen los primeros titulados, quienes se incorporen como nuevos profesores.

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Teoría de la forma: W. Kandinsky y P. Klee Curso preliminar: Johanne Itten, L. Molí y Josef Albers Diseñadores industriales: Marcel Breuer, Marianne Brandt y Oscar Schlemmer (los nuevos titulados). 1919-1923 Con la base de la fundación Weimar, son los años más duros de posguerra y miseria económica. Hay un predominio de las tesis expresionistas cuyo principal representante es Johanne Itten, director del Vorkurs, se incluyen aspectos relacionados con la forma y la artesanía. 1923-1925 Hay una recuperación económica, Walter Gropius produce un giro individualista a la Braun, hay una influencia del neo plasticismo y de los constructivismos más tarde Gropius reformula el lema ‘arte y técnica una nueva unidad’, esto equivale al arte unido en la industria para el Werkbund. A Walter Gropius se le despide, aparecen Josef Albers y L. Mataly (aspectos relacionados con el constructivismo húngaro) para encargarse de ella. 1925-1928 En Weimar empiezan a subir los nazis al poder, le cortan las subvenciones a la escuela y le proponen traspasarla. Periodo de madurez. En el nuevo edificio colaboran Walter Gropius y los alumnos. 1928-1931 Nuevo director Hannes Meyer. Se produce un 2º giro en el que aparecen contactos internacionales, sobre todo con las vanguardias soviéticas. Talleres de arquitectura. Giro sociológico y político. 1931-1933 Meyer es obligado a dimitir, se produce el triunfo nazi, hay presiones políticas sobre la Bauhaus, Meyer como comunista es obligado a dimitir y como nuevo director L. Mes Van Der Rohe. Primero hará una limpieza de estudiantes extranjeros y comunistas, luego hace énfasis en los talleres, la convierte en una escuela únicamente de arquitectura, produce e traslado de la escuela y la privatiza sin ayudas políticas. En 1933 con el triunfo del grupo nazi se ven avocados al cierre.

Sede Bauhaus (Desseau) Se convertirá en una obra emblemática, modelo, ejemplo, es una obra absolutamente nueva, primero está marcada de ideas fundamentales, es una composición asimétrica aunque compensada y equilibrada, en segundo lugar por la zonificación, separación de usos, para adecuar la forma al uso. El edificio se coloca en forma de puente, hace de entrada en una calle transversal a la principal, de esta forma marca una doble escala de puerta. La configuración del edificio es a base de ‘L’, la planta está definida con dos ‘L’, pero esa configuración es tridimensional, recuerda a una composición mecánica, hélice.

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Las fachadas se van adecuando al uso, las aulas teóricas tienen ventanas reducidas, mientras que las aulas prácticas tienen ventanas acristaladas, no hay esquinas, expresión de transparencia (material y simbólico). Coherencia formal entre elementos, desde el pavimento marcando los ejes con las puertas, las lámparas, carpinterías.

Itten Tenían una orientación expresionista, era bastante místico, no solo enseñaba teoría sino el gesto, la forma de convivencia. Ascensión y punto de repaso (Itten, 1919) Puro juego compositivo. Círculo cromático y esculturas, ejercicios puramente compositivos en 3 dimensiones. El taller textil está dirigido por Gunta Stolz y Annie Albers, es el taller que mejor sobrevive, es la industria más industrializada. Patentan un tipo de tela que evita que se desgarre, será utilizado para muebles. Lo que hacen es un proyecto de tela, resultados en los que predominan la geometría, racionalización. Colaboración con otros talleres Con el taller de cerámica ocurre lo contrario, tiene componentes artesanales, corresponde a los primeros años, en cerámica participaron todos. El taller de metal es uno de los más fructíferos, atrás como protagonista habrá una mujer ‘Marianne Brandt’. Tetera (Marianne Brandt, 1928-30) Toda la tetera es metálica excepto el asa, que es de algún material aislante, el asa puede girarse para poder llenarla, inclinación del pitorro para el buen drenaje. Zonas de té y agua separadas, formas geométricas porque son más fáciles de industrializar, hecho en latón, utiliza componentes formales como componentes constructivos, apariencia superficial cambada.

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Cenicero (Marianne Brandt) Semiesfera perforadazo un triángulo, vuelve a tener las formas geométricas, cromado, plateado y dorado.

Taller metal: Marianne Brandt Wilhelm Wagenfeld Alfred Arndt

Mobiliario: Marcel Breuer Mart Stam

Lámpara de mesa (Wagenfeld) Hay dos versiones, pie y base de vidrio y otra totalmente metálica, características similares a las de Marianne Brandt, formas geométricas elementales, materiales con sinceridad material, elementos funcionales (se evita el deslumbramiento), uno de los diseños introducidos en cadenas de producción. Colgadores de té (Wolfgang Tümpel) Utiliza cucharas varillas agujereadas, el conjunto es de 4, también hay de 2, diseño original en plata, tiene un cierto componente selecto. Lámpara de estudio (alumno de Arndt) Altura fija, formas elementales. Lámpara de mesa (Kart Müller) Difusor opaco, pantalla de forma cónica. Marcel Breuer Es el inventor de las sillas de tubo metálico, fue alumno en la Bauhaus, los primeros ejercicios que hace son tipos con mucha relación con los muebles de Rietveld (neoplásticos), descompone líneas en planos de los diferentes elementos de la silla, utiliza la descomposición de elementos, sirve de apoyo para los brazos. Telas antidesgarro, evita que la tela se rompa entre costuras. En el año 1925 la Bauhaus se traslada a Dessaurt, Breuert acaba los estudios y se incorpora como profesor, se interesa por la fabricación de aviones en donde lo fundamental es el diseño ligero, lo que hará es adaptar una tecnología de la industria aeronáutica a la industria del mueble, se empieza a diseñar primero el mobiliario de tubo metálico.

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Se discute sobre la autoría de quien fue el primero en utilizar el tubo metálico. Silla B5(1926) Mobiliario con características del mobiliario de tubo elástico aunque no aprovecha las características de resistencia. Ventajas metálico:

del

mobiliario

de

tubo

Renovación del mobiliario antiguo Vivienda barata, pequeños y muchos; Los muebles antiguos son caros grandes y no funcionan en estas viviendas Aparece este tipo de mobiliario como alternativa

Sillón Breuer Forma: Formas geométricas simples, uso de las líneas y el plano, líneas continuas, monocromo, forma un dibujo espacial, el tubo funciona como una línea tridimensional, las direcciones principales son cartesianas, los empalmes son cuartos de círculo o semicírculos, telas oscuras, el tubo metálico se hace cromado, tiene ese carácter metálico, connotaciones: elegancia, se le dan connotaciones de mueble industrial, maquinista, moderno, además es un metal con brillo, cierto carácter de lujo y de limpieza. Construcción: Tubo de acero curvado, hueco, se traspasa la tecnología de madera curvada (Thonet) de acero, ventaja con menos sección se consigue mayor resistencia. La silla se hace en voladizo para aprovechar la elasticidad, más ligero, más barato al ser industrial, más duradera en el tiempo. Pocas piezas, facilidad de montaje, hay versiones en madera (asiento y respaldo), cuero, tejidos vegetales como mimbre, separación entre estructura y brazos y respaldo. Función: Silla barata gracias a la industrialización para casas sociales pequeñas con muebles pequeños y ligeros. Otras características que también se buscarán es que sean plegables o abatibles para aprovechar mejor los espacios. Viviendas pequeñas pero con estándares de calidad (baño, cocina, ...) Sillón Wassili (Breuer) En honor a Wassili, es un sillón de sala de estar, para descansar, la posición de respaldo más inclinado de descanso, material de mayor calidad (son tiras de cuero), tiene una articulación, se aprovecha la elasticidad del material, son nudos articulados, existe una versión plegable.

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Silla voladizo pletina (Breuer) Se adapta más tarde a todo tipo de muebles, mesas de estudio, lechos de cama. Cuando se hace el catálogo de la Bauhaus muestra las posibilidades de la silla desmontada, por piezas, como plegarla. Hay preferencias por el diseño infantil.

Juego de construcción (Alma Buscher) Juego de construcción que a partir de piezas geométricas elementales se busca la imaginación de un niño, se aprovecha la abstracción de las formas geométricas. Juego de Ajedrez (Josef Hartmig) Se busca la simplificación de las piezas, el caballo relacionado con su movimiento ‘L’, formas redondeadas con connotaciones femeninas (reina) y formas más cuadradas con connotaciones masculinas (rey). L. Moholy-Nagy Director del grupo ‘Workus’ además de ser profesor de la Bauhaus se encargó del diseño editorial, la Bauhaus funciona también como editorial, primero edita 8 y más tarde 6 dedicadas a temas de arte y de arquitectura moderna. Procura la difusión de la arquitectura y arte moderno, diseño de la topografía, carátulas y gráficos. Se hace un diseño como motivo general la axonometría de una vivienda, simplicidad de tinta (rojo, blanco y negro). Bauhaus WEIMAR (Moholy-Nagy) A pesar de utilizarse la composición en ángulo recto sucesivo, nos da una composición diagonal, se define un triángulo, además con dirección ascendente, rojo, blanco y negro, cambios de escala, funciona como reclamo, que destacada, se convierte en anagrama, la primera que se ve está en rojo. Fecha de apertura 1919, fecha de exposición 1923. Tipo estorcido (Josef Albers) Tipografías, se prefieren los tipos que no tienen Serif, letras de sección variable, ayuda a la buena lectura de las letras, se empieza a utilizar en Bauhaus letras grotescas de pelo seco, sin Serif, con formas elementales. Tipo universal (Bayer) Tipología usada en el catálogo de la Bauhaus. Cartel (Bayer) Composición octagonal donde se cambia la orientación del texto, colores fundamentales rojo, azul y amarillo. Para carteles más elaborados apareció el fotomontaje. El teatro será laboratorio de experimentación, todos los alumnos pasan por el taller de teatro dirigido por Oscar Schlemer.

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Vjutemas (1920/1930) Talleres superiores de arte del estado. El tema fundamental es el paralelismo entre Bauhaus y Vjutemas. Los Vjutemas se sitúan en Moscú. Es un acrónimo de talleres superiores de arte del estado, el anagrama participa de esa geometrización con una diferencia fundamental y es que la referencia al ser humano no existía, hay referencia a los elementos geométricos, escuadra, cartabón y compás, aparte de las letras en ruso. Def.: Se forma por la unión de la escuela de artes y oficios de Moscú y la academia de bellas artes de Moscú, también tiene la doble componente de práctica y teoría como en la Bauhaus. Carácter de revolución en la pedagogía de las enseñanzas artísticas. Características fundamentales: Se diferencia de la Bauhaus en que es una escuela estatal, la Bauhaus tenía aportaciones, mantenía un estatus autónomo, el precio de los Vjutemas es mayor, es una escuela más diversa. En la Bauhaus hay sólo una línea de renovación, mientras que en los Vjutemas conviven enseñanzas tradicionales con enseñanzas innovadoras. Arte de vanguardias y artes tradicionales. Importancia del contexto, hablamos del contexto revolucionario, guerra civil y construcción del nuevo estado soviético, mucho más cambiante y conflictivo que el alemán, por eso los esquemas de funcionamiento son más cambiantes, hay menos estabilidad, los Vjutemas tienen entre tres o cuatro planes de estudio. El contexto también influye en los medios. El poderío industrial de Alemania es mucho mayor, en los años 20 todavía Rusia sigue estando atrasada, la mayoría de los diseños no pasan de prototipos, mientras que en la Bauhaus se comercializan. El diseño gráfico si que pasará a producirse, por precio, es mucho más barato y fácil con menos medios, en segundo lugar porque tiene un aprovechamiento por parte del estado, propaganda. Evolución: 1. Fundación (1920-1923) es el momento de revolución de Guerra civil. En este momento se sientan las bases y directrices. Dirigido por Raudel. 2. Consolidación (1923-1926) culmina con la muerte de Lenin, sucesión de Lenin por Stalin. 3. Desintegración. Coincide con el Stalinismo que a partir del 1931-33 impone el ‘realismo socialista’ dirigido por P. Novitsky. Presiones políticas que acaban con el arte y la arquitectura moderna. Plan de estudio: Existen tres niveles; 1. El curso básico, punto de iniciación común para todos, dura entre 1 y 2 años. 2. Facultades, en la Bauhaus lo llamaban talleres, ejercicio práctico. -Arquitectura/teatro -Textil, madera, metal, cerámica -Gráfico Agrupación en un momento central como talleres o facultades: Plano: gráfico, textil...

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Volumen: mobiliario, escultura... Espacio: arquitectura, danza... 3. Proyecto de Diploma, cuando se supera se obtiene la titulación de ingeniero (materiales) y arte (formas, obras).

Balance: Nos ha quedado a través de las aportaciones de las vanguardias soviéticas y de sus relaciones con la Bauhaus. La herencia hay que encontrarla a través de las vanguardias soviéticas y el estudio de la Bauhaus porque se han encontrado dos problemas para su estudio, 1. el idioma, el ruso más complejo que el alemán o el inglés y 2. por el acceso cerrado a investigaciones fuera del estado soviético. Mobiliario: Principios paralelos a los muebles Bauhaus, para viviendas baratas (sociales) y clubs obreros, son fundamentalmente prototipos que no pasaron a cadena de producción.

Cama plegable (Galaktionev) Mueble transformable, desde el punto de vista funcional, flexible, multifuncionales, permite un uso del espacio, todos los mecanismos de articulación son temas que se estudian, son muebles pensados para la industrialización y producción en serie, que en muchos casos es un deseo y no una realidad. En donde si hay un mayor desarrollo es en el mobiliario para exposiciones, a partir de 1925 hasta el 32 los soviéticos participan en muchas exposiciones internacionales, se llevaron a cabo por grandes diseñadores soviéticos. La participación en esas exposiciones demuestran su producción, para eso si hay dinero. Arquitectura efímera, para montar y desmontar, espacios de interior, en general es una arquitectura barata. Es una arquitectura ligera y transportable. Es un conjunto de expositores tipo estanterías, vitrinas donde uno de los temas fundamentales es el recorrido, una secuencia. Además hay una cierta flexibilidad, variedad en productos a exponer. Elementos con los que se juegan, son simples, espacios menores para agrupar temas. La modulación es otro tema común que permite el montar y desmontar con facilidad, también aquí se utilizan los perfiles metálicos huecos, tensores para problemas de estabilidad. Mesa funcional (Morozov) Cama plegable (Sobolev) Silla plegable (Zemlyanitsyn)

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Silla vienesa (Tatlin-Rogozhin) Es de madera, fundamentalmente por el tema de la que se puede hacer, lo que si se puede hacer y hay, madera, desde el punto el vista constructivo es igual que la tecnología Thonet. No tiene línea recta, es una configuración más orgánica. Participa en el diseño textil y cerámico. Siguiendo con la línea orgánica construye biberones cerámicos, estudia la pieza individual y el colectivo. El diseño textil también lo lleva mujeres como L. Popota o B. Estepanova. Se verán diseños de paso a la industria. Diseños de motivos repetidos mucho más dinámicos. Hay un estudio de figurines de teatro para ropa adaptable de trabajo, es un doble campo, ropa deportiva y de trabajo.

DISEÑO EXPOSITIVO Arte Constructivist; LESSITZKY En 1926 montará un espacio expositivo en Dresde, es un artista puente. El tipo de cuadro se trata de obras de corte académico, salvo el espacio que queda después es constructivista. Lissitzky plantea un espacio cúbico, uno solo, parte de una idea de proyecto, el espacio cúbico en el que se hace el diseño de todas las superficies, cada una de esas paredes se trabaja manipulando los elementos fijos y arquitectónicos que ya existen. Se introduce el tema de valoración de las texturas. En el interior hay una separación con cortinas, se separan dos mundos diferentes. En principio los elementos son simples, elementos modernos, las peanas de las esculturas son coherentes con la propia escultura, dinamismo, cuadros no alineados. Viendo la secuencia se ven paredes con listones de madera, tiene espesor y con laterales de distinto color (blanco y negro), la percepción es distinta. Gabinete Abstracto (Lissitzky) En el año 1930 tiene otra exposición, en Hannover, representa en axonometría. Con el mismo espacio compositivo representa las cuatro caras. Aplica el concepto del itinerario, representa un recorrido. El revestimiento de las paredes es el mismo que en la anterior exposición. Introduce obras propias, utiliza mobiliario de tubo. Introduce otra innovación, aparecen cuadros de obra propia con bastidor móvil, corredera que pueden cambiarse, hay obras ocultas que se pueden mostrar, se puede cambiar la disposición, nuevo papel del observador quien tiene un papel activo. El espectador de arte moderno puede elegir la mejor observación, componente dinámico. Colonia (expo prensa) Como tema visto entre diseño gráfico y exposición, transición del diseño gráfico al diseño industrial, es un diseño comunicativo. Hay dos variables o temas fundamentales, todo lo que tiene que ver con carteles y periódicos, anagramas y banderas.

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Los soportes son lo relativos de prensa, eso permite que el diseño móvil sea cambiante, pueden girar y cambiar lo expuesto. También participa como arquitecto de mobiliario móvil, tabique que gira respecto a una guía en el suelo, divide el espacio en dos, en su espesor contiene a los distintos elementos de mobiliario. Diseña también la silla, hecha de madera y en la que aprovecha la configuración del material, únicamente tiene 3 piezas, el asiento con una cierta ergonomía, se manipula la superficie.

Diseño industrial y gráfico El expo Rusa Zurich, cartel (1929, Lissitzky) Se mezcla el fotomontaje del pabellón, dos personas, se usa el rojo, el blanco y el negro. Los ismos del arte (1925, Lissitzky) Juega con las letras utilizando la parte común de los títulos (Kanst es arte), composiciones geométricas, rojo, blanco y negro. Las cuatro funciones matemáticas (Lissitzky) Tienen la calidad de jugar con las letra, el dibujo. Las letras son también dibujos y se usan con el valor plástico del dibujo.

Alexander Rodchenko, Rusia (1.891 – 1.956) Monta la exposición del pabellón de exposición de Paris del año 1925. Tiene un actividad en temas publicitarios. Para empresas soviéticas, los recursos son similares a Lessitzky. Contraste de elementos sacados de escala, composiciones de base geométrica. Ed. Estatal Leningrado (1925) Fotomontaje para una editorial de libros, composiciones geométricas dinámicas, asimétricas, colores planos.

El hombre de la cámara (1929) Cartel publicitario de la película el ‘Hombre de la cámara’, es un documental Diseño corporativo para la empresa Dobrolet (1923) Diferentes anagramas para la empresa de aviación.

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Klucis, Rusia (1.895 – 1.944) Es uno de los grandes diseñadores gráficos soviéticos. Espartaquiada (Klucis, 1928) Es una competición de juegos deportivos, diagonales ascendentes y descendentes, expresión de dinamismo, como los deportes, colores básicos elementales, rojo, amarillo y azul. Cambio de escala. Fotomontaje, contraste de distintas técnicas, una de ellas es la descontextualización, figuras sacadas de su contexto, utilizando diferentes técnicas.

Desarrollo de transportes, plan quinquenal (Klucis, 1929) Utiliza la técnica del fotomontaje, contraste entre la máquina y el transporte animal, el salto adelante que implica la industrialización. Aparece una estadística, propaganda del desarrollo y evolución del transporte, esquemas diagonales.

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TEMA 17 Maestros del Movimiento Moderno Se llaman maestros del arte moderno porque resumen la renovación disciplinar del protoracionalismo y por otro lado la renovación del lenguaje de las vanguardias. Anterior 1ª Guerra Mundial Protoracionalismo Vida social Ciudad Industrial Diseño Industrial

Post Guerra Vivienda necesaria. Se produce la asimilación de las vanguardias de carácter constructivo

1. Le Corbusier Villa Saboya (Le Corbusier, 1928) Planta cuadrada, elevada desde el plano del suelo, está contando con la novedad, una entrada de doble vía, aparece un coche, vía de entrada al garaje, y entrada por la otra vía. Son dos plantas, a planta baja tiene un volumen acristalado que corresponde al garaje, la 1ª planta tiene un volumen prismático, aparece como un volumen elevado por ‘pilotis’ pilares que lo levantan, planta baja diáfana (libre). El aspecto de la casa; cuatro fachadas libres, tres bandas (dos macizas y una ventana) horizontales, diferentes entre si, pero proporcionales. Por último aparece un remate con formas curvas, cilíndricas, cuya función es servir de contraste, de contrapunto visual. Utiliza 5 elementos en la casa: 1. Pilotis, implica levantar, dejar la planta baja diáfana, implica el contraste entre naturaleza y arquitectura, separa. 2. Planta libre, implica diferenciar la estructura de las distribuciones. 3. Fachada libre, implica que el sistema de estructura es diferente al cerramiento. 4. Ventana horizontal, por razones funcionales de luz y ventilación. 5. Terraza jardín. Introduce la naturaleza en el interior del edificio. En arquitectura se habla de interior-exterior y se habla del recorrido. Le Corbusier lo llamará el paseo arquitectónico. En la villa Saboya se representa en un elemento llamado ‘rampa’.

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Planta central, estructura independiente del cerramiento, dos sistemas diferentes. La rampa va uniendo las distintas plantas que además recorre el espacio interior y exterior de la casa, de ahí la influencia del cubismo que se abre. Planta dispuesta en ‘L’. En la planta superior hay una terraza vinculada al exterior, Solarium.

Notre Damme de Ronchemp (Le Corbusier, 1950) Ermita de peregrinación al Sur de Francia, construida después de la segunda Guerra Mundial. El aspecto no tiene nada que ver con la Villa Saboya, con un lenguaje estricto, aquí vemos unos elementos que nada tienen que ver, no hay pilotis, hay muros gruesos e inclinados, cubierta de hormigón enorme, geometría orgánica, formas curvas, aparecen valores de textura, ventanas abocinadas, más estrechas en el interior que en el exterior. ¿Qué pasa desde la villa Saboya hasta esta capilla?, Hace un esfuerzo de fe en la tecnología, sí se solucionan las necesidades de vivienda, ciudad industrial, la sociedad volverá a la racionalidad y no se vuelve a la Guerra. Resulta erróneo, ya que más tarde se producen los enfrentamientos en Europa. Sufre el descontento. No existe la fe en la tecnología, racionalidad no es la máquina, y se buscan otros caminos, otras vías, esta capilla está dirigida a la emoción, busca emocionar, mediante el exterior, con esas formas plásticas, como una escultura en forma de edificio, formas que captan la luz, cambia la percepción. En el interior existen texturas que cambian de luz, vibraciones de luz. En la capilla semicircular para la oración personal no hay ornamento religioso, estamos viendo la luz que resbala por las paredes pero no vemos la fuente de la que procede. Además al ser curva se hace palpable y sensible. Mobiliario Le Corbusier (1925), mobiliario modular, casilleros estándar, es el origen del mobiliario modular posterior. Contenedor neutro modulado que puede admitir variantes con o sin puertas, cajones, estanterías, variantes de color, material. El objetivo es funcional, se trata de tener una estructura fija, con las mismas piezas y los paneles para ir montando y solucionar necesidades. Elementos de la serie: Se pueden utilizar en cocinas, dormitorios, armarios de salón, admiten combinaciones que permiten diferentes funciones.

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Se trata de aplicar al mueble todos los criterios industriales, se llama mobiliario estándar y sobre esa base el máximo número de variantes para conseguir la flexibilidad adaptación a cualquier probabilidad de uso. Hace un estudio dimensional basándose en la medida humana, y en el número de elementos que va a contener, distribución. Se estudian los muebles de reposo, sillas, tumbonas, está pensando en lo que se llama posición activa y pasiva, descanso, estudio, lectura...diferentes posiciones del cuerpo humano para la función.

Sillón Grande (1928, Le corbusier) Se caracteriza por las mismas características, existen variantes, es negro y acero cromado, tamaño grande y pequeño. Es un cubo, se separa la caja estructural del tubo de acero de lo que es el confort del asiento, distribución fundamentalmente horizontal, se rompen las esquinas, tanto en el trasero como en el delantero. Se busca romper el volumen, el cubo está descompuesto en la estructura lineal, se está rompiendo con las aristas, siempre que se eviten las aristas es porque se está descomponiendo. Variantes con acero cromado o lacado, el diseño es el mismo, se busca diversificar, hay dos tamaños.

Sillón acero barnizado (1929 Le Corbusier) Es una posición en ángulo, más de actividad, también por el propio material, en este caso hay una cierta elasticidad, para evitar el contacto con el acero que es frío, pone en los posabrazos cintas de cuero. El respaldo está cogido mediante articulaciones transversales, tiene un cierto movimiento, funciones como muelle. Aparecen variantes con el tipo de acero y de revestimiento.

Tumbona (1928, Le Corbusier) Permite el movimiento, esa curva por la parte posterior es un arco de círculo y permite que la superficie en donde descansa el cuerpo se pueda desplazar para adoptar diferentes posiciones, de manera que tenemos 3 partes diferentes, las patas en forma de ‘H’ la superficie de descanso, de tubos de acero hueco, la estructura y por último el acolchado.

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2. Mies Van Der Rohe (Alemania) Es un arquitecto fundamental, es el padre del minimalismo, se buscan los mínimos elementos, su lema es ‘less is more’.

Pabellón Alemania para la exposición de Barcelona (1929, Mies Van Der Rohe) Una de las obras emblemáticas y característica de la manera de trabajar de Mies. El pabellón se desmontó y quedó una colección de fotografías, esta obra se consideró fructífera con herencias posteriores, a propósito e las olimpiadas del 92 se reconstruyó. Tenía una especie de voluntad de resumen de infinidad de cosas. La función: Cuando el gobierno alemán le encarga el pabellón Mies se pregunta que es lo que se expondrá. Los representantes le dicen que no se va a exponer nada, es el emblema del estado alemán, tiene que expresar como es el arte Alemán, es un monumento que se expone a si mismo. Aparece una continuidad entre exterior e interior y a veces aparece una ambigüedad y confusión de estar dentro o fuera. Lo primero que hace es definir un recinto, define un pedestal, levantado del suelo, todo ello es el pabellón, sobre esa superficie aparecen de entrada tres elementos, las dos construcciones y el estanque. Uno de los espacios representativos, de exposición y servicio, almacenes... El estanque tiene función compositiva, el reflejo y de dirigir las circulaciones. Se compone a la manera Neoplástica, aparece el punto, la línea y el plano. La cuadrícula, modulación, y las líneas que distribuyen entre si circulaciones, espacios. Aparece otra serie de puntos que corresponden a la estructura. Son los ocho pilares de la estructura. Como rectángulos el estanque principal y otro secundario. En medio aparece el salón con dos sillas Barcelona y una mesa con taburetes. La composición es de moda neoplástica, asimétrica. En la entrada, siguiendo recto, llegamos al estanque, cambiando de dirección entramos en una línea de puntos (proyección de la cubierta), traspasado el cerramiento de vidrio se llega a cubierto en un espacio interior. El espacio más cerrado es el circundado por cuatro paredes, es el espacio mas interior, es un patio, sin techo, no se puede pasar, es otro estanque, es inhóspito (no se puede estar).

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El cerramiento es de vidrio, separado de la estructura, al fondo hay una escultura un medio del estanque. Mies utiliza con verdadera maestría los materiales de altísima calidad y muy buena puesta en obra. La pared separadora es de ólice, muy singular, perfectamente cortada, juega con la veta del material.

Silla Barcelona (Mies Van der Rohe, 1929) La estructura de la silla está formada por dos líneas que se cruzan, en tijera, esa estructura resulta absolutamente tradicional, hay una idea fundamental, fusión entre lo clásico y lo moderno, estructura de ‘tubo’ metálico, cromado, moderno, pero al mismo tiempo se combina con una tipología en ‘X’ de la antigua Grecia y el ‘capitoné’, tapizado clásico con botones. Separación entre el acolchado y el revestimiento. Silla grande, no es de gran confort, es para actividad, por voladizo, está aprovechando la elasticidad del acero, la disposición en ‘X’ es la de un muelle, la propia forma nos habla de actividad.

Casa Tugendhat (1928-30) Extensión tema vivienda de las casas típicas de Barcelona, el uso es de vivienda. Es una casa grande, en pendiente, mira hacia un paisaje (colina), es una casa volcada al paisaje, funciona al revés de lo convencional, se accede por la parte superior, hay una serie de volúmenes que corresponden a espacios nocturnos, dormitorios, desde allí se accede a la planta inferior, es una planta volcad al paisaje, para esa planta se diseña el mobiliario Tugendhat. Se disponen tres volúmenes de servicio y dos de dormitorios, en el piso superior. La composición en planta es neoplástica, los puntos son soportes, en cruz metálicos, finos y de poca sección, las líneas corresponden a divisiones que sirven para dividir un espacio pequeño en diferentes zonas. Se instala un invernadero en la parte inferior a la derecha, actúa de filtro vegetal para la casa. Aparece el concepto de planta y fachada libre, independiente del cerramiento, la distribución de los paneles para dividir los espacios son independientes de la estructura. Aparece, a diferencia del neoplasticismo, la sinceridad material, son materiales concretos. La entrada mediante porche, espacio para dejar el coche.

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En la planta superior destaca el dormitorio infantil, el mobiliario vinculado a la propia arquitectura y el resto del mobiliario se proyecta la propia veta de la madera, aparecen muebles del mobiliario Bauhaus (tubo metálico en voladizo). Mobiliario integrado en la habitación de servicio, en el dormitorio principal se usan sillas y mesas en cruz, incluye un lugar de trabajo. En la planta inferior el cerramiento es de vidrio, continuidad visual hacia el exterior, se hace cierto puesto que se oculta el sótano mecánicamente. Aparece la silla Barcelona dependiendo de la fecha de la fotografía, posibilidad de ocultar las vistas con cortinas desplegables. Mobiliario BRNO o Tugendhat. Silla Fleje piel (Brno, 1929) Función: Significado primario una silla, secundario para comedor, es una silla de actividad, de trabajo, para mantener una cierta posición de actividad. Es una silla ligera, moderna por el material, es una pletina metálica, es acero. Piel de cabrita, clásica y tradicional. La evolución hasta el año 1929 está utilizando pletina, es chapa. Tiene el mismo comportamiento de resistencia en cualquier dirección, isotrópica. El tema de la chapa está vinculado a la ballesta, los carruajes clásicos se apoyan en las ruedas mediante ballestas para absorber la irregularidades del terreno, esto lo adopta el mobiliario. Está resuelto en voladizo. Variantes, existe la variante en tubo, incluye el reposabrazos, contacto con el metal desagradable y suaviza ese contacto. Constructivamente es similar, tapizado en tela, es parecido al Bauhaus, el plano es rígido que se acolcha, está unido por una intersección. Base sin separador, no tiene rigidez. Canapé, madera acero goma y cuero (Brno 1931-32) Estructura muy elemental, soportes no situados en la esquina, sistema constructivo a la vista, flexible, el acolchado con ‘caitoné’, de cuero, apoyabrazos cilíndrico que rompe con la simetría. Estantería, aparador boceto (1929-31) Separa la estructura del cerramiento, soportes interiores perforando la caja, reviste el sistema estructural. Tumbona, acolchado cuero (1931- 32) Hecha en tubo, aparece la doble estructura, la del soporte y la del plano de descanso, vuelve a utilizar el cuero.

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Paralelamente a Le Corbusier y Mies (racionalismo estricto) se crea el organicismo en EE.UU. y Finlandia, es la variante a ese racionalismo estricto. El organicismo también es racionalista se preocupa por aspectos funcionales y constructivos. Proviene de lo orgánico, de lo natural. Características: 1. Pertenece a culturas o ámbitos geográficos marginales, al margen de la cultura dominante (EE.UU. Y Escandinavia) 2. Hay una influencia importante del entorno natural, es superior a la influencia del patrimonio artístico. El lugar tiene una importancia grande, el lugar se manifestará a través de los materiales concretos. 3. Geometría tridimensional que se hace orgánica, es más flexible, aparece la curva, la diagonal. 4. Importancia del espacio fluido, continuidad interior-exterior, no hay separaciones rígidas. Casa Kaufmann o casacada (Frank Lloyd Wright 1936-39) Hay unidad entre arquitectura y naturaleza. La diferencia con la anterior, villa saboya, y casa tugendhat es el entorno. Por un lado es camuflaje, por otro quiere diferenciarse, es el equilibrio entre la integración, es una geometría rota, se hace orgánica y flexible se abre para dar entrada a la naturaleza. La casa está encima de una cascada, es la evidencia constante de la gravedad, frente a esa evidencia aparecen las superficies horizontales de las terrazas, hormigón blanco, lo industrial y tecnológico está volando frente a la caída del agua, desafía la fuerza de la gravedad. Composición de planos verticales que mantiene la materialidad del lugar son de piedra del lugar, revestida, frente a esa materialidad los planos horizontales de hormigón blanco. Nos obliga a recorrer la casa por todos los puntos de vista antes de entrar. Aparece una geometría que se descompone, el volumen está descompuesto, siguiendo el perímetro vemos que es parte de un cuadrado, a partir de esa geometría se abren las tres direcciones del espacio de una manera muy poco rígida, cuadrado compuesto en diagonal, las cuatro esquinas comunican con la tierra, el aire, el fuego y el agua. Distribuye cuatro ámbitos dentro de un espacio muy grande, diferentes materiales, diferentes entradas de luz y diferentes alturas. Está jugando a la continua contradicción, incluso acristalado, existe esa ambigüedad entre dentro y fuera.

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Los planos verticales revestidos con piedra natural sin desbastar se contraponen a los voladizos horizontales de hormigón, transparencia, vidrio, vemos el interior de la casa. En el trayecto de entrada a la casa vemos por fuera toda la estructura, pasamos el puente y accedemos a ella, cambia el paisaje, la luz, es cambiante. El espacio central tiene mayor altura, mismos materiales, piedra revestida y hormigón blanco, apertura a la terraza, no hay esquina, son únicamente cristales a hueso, se rompe la caja, no se sabe donde está la esquina. Chimenea con sistema de calefacción. Wright tiene una participación en el tema del diseño, diseño integral, en la casa de la cascada diseña el contenedor y el contenido, vive prácticamente 100 años. En la formación se enraízan aspectos del S. XIX, va por delante de los europeos, en cuanto a temas tecnológicos va por detrás. Referencias con Arts & Crafts en cuanto a la sinceridad, cierto arte de fin de siglo en su vertiente más geométrica también hablamos de un estilo oriental (Japón). Fundametalmente son temas domésticos, mobiliario, lámparas, vajilla... Lámpara colgante, Dana (Wright 1902) Está compuesta a partir de líneas y planos, carácter artesanal, está suspendida de cuatro líneas, cristal emplomado coloreado, aspectos de arte de fin de siglo. Lámpara sin vidro (Wright 1932) Recuerda al neoplasticismo por sus formas geométricas. Recuerda al organicismo, es una analogía orgánica, planta, tronco con ramas en voladizo. Está hecha en madera. Se evita el deslumbramiento, la reflexión de la luz se hace en diagonal, el plano horizontal sirve para reflexionar la luz, luz indirecta.

Lámpara taliesin (Wright 1925) Lámpara piramidal, pantalla simulando el papel de arroz, influencia japonesa, la hace simulando un tatami, combina los materiales naturales y la geometría, el organicismo. La función principal es la de ordenar, luz intermedia, para conseguir un nivel de luz medio ambiental. La pantalla difunde los brillos. Mobiliario comedor Husser (1989) No están lacados, no se tapa la cualidad de la madera como lo hacía Mackintosh, sinceridad material de Arts & Crafts, voluntad de dejar el material visto, barnizado, mantiene las líneas compositivas de Mackintosh, mueble sólido, los respaldos altos producen un espacio de privacidad.

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Mobiliario comedor imperial (1915-23) La vajilla tiene el anagrama del hotel, es un círculo con una cruz, formas circulares de colores asimétricas. Alvar Aalto (1898-1976) Maestro de la vertiente del organicismo, Finlandia (el país de Alvar Aalto), está en una posición marginal (margen de frontera), paisaje duro, ártico, influencia del entorno natural, no tiene influencia del patrimonio, por ello la ruptura de las vanguardias no tiene tanto sentido, cultura más flexible, se introduce la curva. Será la referencia fundamental del diseño escandinavo.

Sanatorio Paimio (Alvar Aalto, 1929-32) Sanatorio anti-tuberculosis. Se prepara por zonas, zoonificación, no es un edificio compacto, son diferentes cuerpos por usos dentro de un sanatorio. Bloque mayor destinado a habitaciones, dentro de ese bloque hay un extremo que rompe la linealidad, se rompe y se quiebra, eso ya no son habitaciones, está en continuidad, son terrazas para poder disfrutar del sol como terapia, helioterapia. La parte que vincula a las habitaciones es de uso privado para médicos, quirófanos, etc. El tercer pabellón es de servicios comunes, comedor, cocina, sala de estar, para visitantes. Separados todos los servicios de instalaciones. En cuanto a la composición hay una geometría flexible, se adapta al lugar adaptándose a la tipología, es una colina, se adapta al lugar y a las orientaciones. Las habitaciones están proyectadas desde el punto de vista del residente, se hace más confortable la estancia del enfermo. Las habitaciones son dobles, el sistema de colores es inverso al actual, habitualmente lo convencional es que las paredes tengan un color más oscuro que el techo, en este caso es inverso, están pensados para el punto de vista horizontal, para los acostados, el techo si es claro actúa como reflector de la luz, se ilumina más, se busca que el techo no refleje tanta luz, se evite el cansancio visual. El mobiliario está diseñado con el objetivo de que el enfermo disfrute del exterior, la apertura se hace por arriba para evitar corrientes de aire directamente. Sillón hospital Paimio (Alvar Aalto, 1929-32) Es pionero, nuevo, madera laminada, madera industrializada, la madera es anisótropa, no resiste lo mismo en todas direcciones, las láminas de madera se hacen juntando los sentidos de las vetas para ganar resistencia. La madera laminada está transformada industrialmente y busca tener las mismas características resistentes en todas las direcciones.

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Alvar Aalto descubre dos cosas. No es un sillón de actividad, desde el punto de vista formal es similar a la silla tugendhat, tiene la calidez de la madera, descubre que el coeficiente de elasticidad es superior al del acero. En Finlandia es un material abundante y hay tradición de trabajar la madera. Diferencia la estructura, barnizada, del plano de descanso que está lacado en negro. Villa de Mairea (Alvar Aalto, 1938-39) Vivienda en ‘L’ que busca la zoonificación, uno de los brazos más privados se apropia un espacio exterior, jardín con piscina y sauna. Es esa disposición, se busca la integración en la naturaleza a través de los materiales vegetales, zócalos de piedra, madera en revestimientos, las propias ventanas ‘caja’, doble, en las que la carpintería exterior se orientan al sol para definir un invernadero. La cubierta es de arcilla y permite plantar vegetación. En el interior, sala de estar, apertura al mundo exterior, las ventanas son bajas, la vegetación se mete dentro de la casa, vemos el paisaje exterior. Escalera de madera, suelos de madera. Carrito de té 98 (Alvar Aalto, 1935-36) Confort y comodidad fundamentales para el diseño escandinavo, diseño del detalle, es un diseño que busca las minorías. Desde el punto de vista industrial es una tecnología blanda, no son diseños que necesiten una alta tecnología, generalmente asequible, se trata de una industria de bajo consumo eléctrico y bajo consumo material. Hay una cultura ecológica, los nórdicos tienen asumido el vinculo de convivencia con lo natural.

Taburete nº 60 (Alvar Aalto) pata en ‘L’(1933) pata en ‘Y’ (1946-47) pata en ‘X’ (1954) Los tres tienen variantes de altura de patas (3 o 4) de material, de forma, con o sin respaldo, redondos o cuadrados, lacados o en su color. Son apilables. Se gana organicidad, sofisticación e integración. En ‘L’ está muy diferenciado el soporte del soportado, el montaje es elemental, tipificación, lo más elemental la barra de madera doblado y con tornillo se sujeta la ‘L’ a la base. En la estructura en ‘Y’ sólo hay estructura, no hay base, en este caso es más rígido, las patas forman una unidad inseparable. En la ‘X’ se produce la intersección entre soporte y soportado, forma una especie de abanico, es muy sofisticado.

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TEMA 18 Art deco Viene de la exposición de Paris de 1925, art decoratif ‘Creando estilo’ es el grupo característico del Art Deco. El art deco no es una vanguardia, es fundamentalmente un estilo, un lenguaje de moda, art deco es el gusto social dominante. Periodo entre guerras en Europa con centro en las grandes ciudades (Paris, Londres, Viena...) a partir de los años 30 influencia también en Nueva York. Es una prolongación del arte de fin de siglo después de la 1ª Guerra Mundial, diferenciación de clases sociales, clase media (alta burguesía), progresiva introducción de técnicas y procesos industriales, es más mayoritario. Características morfológicas -

Influencia arte de fin de siglo, abstracción, sezession: Wiener Werkstate (Moser y Hoffmann) Culturas exóticas, Japón, India, China... Danza, música, etc Hay una cierta domesticación de la vanguardia (cubismo, futurismo, bauhaus a partir de los años 30)

Aspectos funcionales (temas) -

Todos los temas hablan del transporte (años 20-30 incremento del automóvil y trazado del ferrocarril, primeras líneas aéreas y transatlánticas). Empieza la cultura del viaje, indumentarias, equipaje, hoteles...

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Mujer-moda. Nuevo modelo de mujer, liberación de conductas, de la imagen, corsé, cocochanel, charlestón. Joyas y complementos, vestidos y perfumes vinculados a la moda.

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Domestico-vivienda. El tema principal es la burguesía de clase media, se interesa por todos los aspectos de la decoración, introduce los aspectos de confort, intimidad, relación entre lo privado y lo público. Todos los temas de servicios húmedos (cocinas, baños, instalaciones). Escaso servicio, aparece el cóctel, mueble bar, equipamiento.

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Diseño gráfico y de producto. Publicidad y consumo implican el desarrollo del diseño gráfico de producto, envases, embalajes, frascos, etc.

Tecnología. Aparecen nuevos materiales plásticos, la baquelita, implica la aparición de nuevos procesos industriales que influyen sobre la forma de los productos, permite procesos de estampación, formas continuas (sin puntos). Diseñadores: René Lalique (vidrio) J.E. Rühlmann (muebles) Pierre Chareau y Eileen Gray (arquitectos mobiliario) Cassandre (diseño gráfico)

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Fuente de vidrio opalescente grabado (Lalique, 1925) Teñidos, incrustaciones y talla procesos para desarrollar el vidrio, predominan los aspectos decorativos sobre los funcionales. Utiliza formas exóticas, peces compuestos siguiendo las ondas. Cómoda (Ruhlamnn, 1925) Exclusivo en cuanto a la forma, materiales y técnica. El mueble está pensado o diseñado casi como una escultura, por ello le pone pedestal, mantiene técnicas de ebanistería ancestral de gran calidad, pinturas, tallas. Tiene una preocupación funcional, los temas de medidas se estudian, respecto a la técnica son materiales caros y raros, se utilizan maderas exóticas de alta calidad (palo santo, caoba), se combinan con incrustaciones de plata, cerrajes, se combinan con sedas, materiales de muy alta calidad, el resultado un mueble muy depurado, exclusivo y raro. Buró abatible (Ruhlmann, 1923) Mueble femenino, para escribir correspondencia, cordón de seda, cerrajes y tiradores de metal de calidad (es probable que sea plata). Influencia oriental, el tema de los lacados, es un secreto oriental y es en este momento cuando empieza a dominarse en Europa, se usa para cubrir los muebles, es un signo de exclusividad. Es un compromiso entre tradición y modernidad. Progresiva actualización de la vanguardia. Armario ropero (Ruhlmann, 1921) Dentado superior en marfil, tiradores de seda, línea inferior en plata, es una forma muy geométrica y sobria, no se trata de inundar todo de elementos, pocos elementos y de muy buena calidad. Cabnet (Ruhlman, 1925) Totalmente lacado en rojo por Dunand. Diván (Ruhlmann, 1920) Referencia de mobiliario neoclásico, compromiso entre formas sencillas y geométricas en compromiso con el pasado y la tradición. Sillón (Eileen Gray) Cierto aire mecánico, puede cambiarse de posición. Silla transat (Eileen Gray, 1927) Aparecen accesorios de latón. Escritorio (Chareau, 1925) En la exposición de Paris lo presenta, moderno y exótico, madera de macasar, tiene mecanismos de apertura de puertas, patas con cajones, frente con puertas correderas. Superficies de trabajo plano, inclinado en los bordes. Posteriormente crea muebles con la posibilidad de industrializar, maderas más comunes, formas más simplificadas.

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Étoile du Nord (Cassandre, 1927) Temas decó, compañías de transporte de ‘ferrocarriles del norte’. Efectivo, hay una concentración de contenidos, está publicitando una línea que une Paris, Bruselas y Ámsterdam. Utiliza un horizonte muy alto, punto de vista de gusano, muy rasante, aparece la fuga de los raíles y en el horizonte, en donde figuran las líneas, encontramos el anagrama de la compañía, te lleva al destino a la meta, a las estrellas. Mezcla de colores, fríos y cálidos. L’atlantique (Cassandre, 1931) Está utilizando un horizonte muy bajo, el trasatlántico aparece enorme, resalta la pequeña barca, sirve de contraste. Es un rectángulo azul, simplificación muy rotunda y efectiva. L’intransigeant (Cassandre, 1925) Es una publicación. El esquema compositivo (siempre hay un proyecto en el que se estudia el punto central, líneas paralelas, esquema abstracto como soporte del arte figurativo, esquematización geométrica, se compone con colores planos muy elementales. Cassandre tiene una influencia de las vanguardias soviéticas. Lawn Tennis (Cassandre, 1932) La pelota es el elemento principal que está descentrado, mínimos elementos la red y la línea de la pista de tenis.

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TEMA 19 Diseño aerodinámico La forma prima sobre la función. El lema ‘lo feo no se vende – Raymond Loewy’ Nacimiento deel diseño industrial en EE.UU. por el crack de Nueva York del 29, prolongación años 50 y 90. La diferencia del diseño industrial en Europa y EE.UU.: Europa: -Pioneros, 1908 Peter Behrens AEG -Teoría 1919-20 Bauhaus y Vjutemas -Arquitectos y artistas como padres -Compromiso social -Margen de la moda y del mercado EE.UU.: -Crack 1929 como origen -Decoradores, diseñadores gráficos, escenógrafos -El objetivo es vender, mercado, marketing, publicidad. -Diseño vinculado a la moda, consumo -Rediseños para mejorar el aspecto exterior Capitalismo: La crisis del 29 implica un giro del capitalismo, implica la aparición del Fordismo (años 191020) que implican pocos modelos y larga duración, cambia a partir de 1929, que se produce por la saturación de los mercados, saturación de Stocks y no pueden seguir produciendo porque no venden, se cambia la filosofía de capitalismo, se pasa a muchos modelos de poca duración para que el sistema no se pare y pasar a la filosofía del consumismo. Mediante el rediseño, se implica el aumento de las ventas. Morfología: -Líneas fundamentales horizontales -Superficies lisas, pulidas, redondeadas, fáciles de limpiar, connotación de velocidad y modernidad. -Cromados, incrustaciones metálicas Temas y función (aspectos funcionales): -Transporte, predomina el ferrocarril y el automóvil, gran territorio, comunicaciones. -Doméstico, desarrollan aspectos vinculados a los electrodomésticos, lo que facilita la vida. -Diseño de producto, publicidad, consumo, envases, embalajes. Diseñadores: Raymond Loewy (polifacético) Henry Dreyfuss (teléfonos)

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Buckminster Fuller (diseño experimental) Harley Earl (automóviles) Raymond Loewy Empieza a trabajar en EE.UU. como diseñador industrial. Trabaja con las grandes empresas, Kodak, Westing house, american electric, Gestetner, Hoover. El primer éxito profesional es el rediseño de la multicopista Gestetner, el rediseño es de una carcasa, funda que oculta las partes más feas de la máquina, son las partes que manchan, hay una incorporación del pedestal, en donde se incluyen accesorios para guardar el papel, la tinta, es complemento de la propia máquina. No hay arista, son formas redondeadas y que recuerdan más a lo orgánico. Otro de los éxitos es la nevera, apertura con el pedal, codo, introduce las bandejas de rejilla para que circule el frío por la nevera, son más fáciles de limpiar. La empresa Hoover llegó a ser sinónimo de aspirador, son diferentes a las europeas. La cámara fotográfica hecha en baquelita, por fundición, permite tener textura.

Dreyfuss (antropometría) Tiene un concepto del diseño como una prolongación del ser humano,tiee libros publiados sobre medidas humanas. Trabaja para la Hoover diseñando aspiradoras. Es conocido por su trabajo en la empresa de teléfonos, trabaja con ingenieros de producción, se le debe el tipo de modelo. Teléfono M300 (Dreyfuss) Unión entre auriculares y micrófono en la misma pieza, marcación por disco, material en baquelita, formas de una sola pieza, donde prácticamente no hay arista, se hace por estampación, generalmente blancos o negros y de formas discretas, para que puedan combinarse con cualquier tipo de decoración, tiene que ser común, neutro, asequible. Surgen variantes pero siguiendo el tipo. Buckminster Fuller (diseño experimental) Trabaja en el modelo ‘DIMAXION’ lo que serán cúpulas geodésicas, vehículo con tecnología aeronáutica para reducir la penetración con el aire y así reducir el consumo, llega a hacer prototipos. Construye casas industriales Harley Earl (automóviles) Trabaja para la General Motors y para la Ford Cadillac 1958 Sedan 1956