CRAFT REVIVAL Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes de Gran Bretaña (art & craft). Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron deteriorándose. Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del craft revival actual han y conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en 1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y Ruskin.

John Makepeace

Wendell Castle

Fred Baier

POSTMODERNISMO El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno. La modernidad se vio realmente cuestionada por primera vez en el libro de Jane Jacobs “muerte y vida de las grandes ciudades” (1961), centrado en el fin de la cohesión social de la construcción y el urbanismo utópico del movimiento moderno habían provocado en as urbes, y en el de Robert Venturi, complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), que argumentaba que la arquitectura carecía de sentido ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía los edificios históricos. En 1972, Ventura, Denise Scott Brown y Steven Izenour publicaron la obra seminal Aprendiendo de las vegas, que elogiaba la honradez cultural del comercialismo de los rótulos y edificios de es ciudad del desierto. Ese mismo año, la traducción al ingles del libro de Roland Barthes Mitologías (1957) dio paso a la diseminación de sus teorías sobre semiótica (el estudio de los signos y símbolos como instrumentos de comunicación cultural). Se creía que si los edificios y objetos estaban imbuidos de simbolismo, y sus espectadores y sus usuarios podrían relacionarlos psicológicamente. Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del movimiento moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo, deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura. A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos decorativos y que solían ser irónicos en su contenido.

-Hemos hablado de los creadores del Post modernismo de los 80, pero no olvidemos mencionar a Barnsley Workshops en Inglaterra, y los cada vez más aclamados diseños de Jhon Makepeace, Wendell Castle producia diseños modernos utilizando las experiencias artísticas. Los diseñadores lideres explotaban tambien antiguos materiales con nuevas ideas, como Frank O Gehry y su gama de mobiliario de madera entrelazada Desgraciadamente tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivo a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y mas racionales; de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo.

Frank Gehry

DISEÑO ORGÁNICO El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento comenzó a fines del siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de este movimiento han existido unos de los más recordados y premiados muebles del siglo XX, en los que destacamos los diseños de Eero Saarinen y Charles Eeames, destacados diseñadores de dicho siglo. Sus sillones fueron revolucionarios, no solo por la tecnología de punta utilizada, sino también por el concepto de contacto y soporte continuos, promovido por formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura. Eero Saarinen

Eero Saarinen - Tulip Chair

'Swan Chair' by Arne Jacobsen

Egg Chair' by Arne Jacobsen

Coconut Chair' by George Nelson

Charles Eeames

Charles Eeames

Charles Eeames

George Nelson

George Nelson

Estos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de mobiliario, ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural, material y funcional del diseño, y tuvieron obras tan representativas como las sillas de contra chapado de Ray y Charles Eames. El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el nacimiento del biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta, como Maurice Calka, Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente estructurales en el lenguaje orgánico. Maurice Calka

Pierre Paulin

Olivier Mourgue

A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la antropometría y por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los diseñadores industriales más innovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios diseños orgánicos desmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas industriales de alta tecnología. Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales, irónicamente es plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la esencia abstracta de la naturaleza y maximizan las conexiones funcionales a través de las formas orgánicas que más se adaptan a la morfología humana. Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su sensual y emocionalmente persuasivo vocabulario formal conecta con nosotros de manera subliminal apelando directamente a nuestro sentido primigenio de la belleza natural.

DISEÑO RETRO El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en referencia a la tendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas. En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el arte victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles pop y en las portadas de discos. Sin embargo, el diseño retro realmente llegó a la mayoría de edad en los años ochenta, cuando el movimiento moderno tardío se convirtió en un estilo internacional. Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de los años cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colores papel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas.

La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y en 1991 NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto vehículo es una representación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta, mientras que la motocicleta ROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una interpretación más directa del estilo de la época. Más recientemente, JAGUAR, BMW y CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseños claramente retro.

FIGARO de Nissan

ROYAL STAR yamaha

CHRYSLER

Actualmente este campo, un gran negocio supone la combinación del estilismo antiguo con tecnología de punta para fabricar productos híbridos de un buen funcionamiento y fuerte personalidad.

EL ANTIDISEÑO Nace en Italia. Está en contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno. Pretendía validar la expresión creativa individual a través del diseño. El surrealismo es quién influyó en distintos creadores antirracionalistas de los años 40. Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad. El antidiseño defendía el diseño de evasión. Y con sus superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. Buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual.

ANTIDISEÑO Rechazando los preceptos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar la expresión creativa individual a través del diseño.

Umeda, Sillón flor

El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando se formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los intereses industriales en la estratagema descaradamente comercial y consumista. Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela de antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.

Mendini’s Mobile Infinito Series of 1981

EL DISEÑO RADICAL ITALIA. Italia es reconocida por la calidad tecnológica y formal de los diseños, hay que destacar una figura clave en este desarrollo, como lo es Ettore Sottsass, que junto a su labor de diseño en el campo de alta tecnología en empresas como Olivetti, inicia un movimiento alternativo que rompe con el papel de diseño en la industria y cuestiona el uso de los objetos al proponer: Una filosofía de diseño más ambiental y humanista, que incluía como elemento esencial la idea del gusto popular. Así surge el llamado diseño radical, anti-diseño o contra diseño, que recibe influencias del Art pop de los años 60 y de algunos elementos de culturas primitivas. Los objetos se expresan como símbolos visuales y los diseñadores desarrollan su trabajo sin la ayuda de la industria, volviendo los ojos nuevamente al estilo y concepción artesanal. Este radicalismo a tenido altibajos en los últimos años, adquirió a mediados de la década de los 80 un lugar reconocido gracias al trabajo del grupo Menphis (1981),encabezado por Sottsass, la influencia de este grupo provoco el nacimiento de otras de importancia como Alchimia. El diseño radical que conocemos comúnmente es la conformación de varios movimientos Italianos como Archizoom, SuperStudio, strumm, y 9999 que surgen en lo años 60 y alchimia, Global Tools, y Memphis en los 70. Estos movimientos aparecen como una forma de protestar contra el modernismo formal del estilo predominante de Italia como es el “Bel Design”, el cual esta orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas. Surge como una idea de crear metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas para plantear la participación del diseñador en la participación del diseñador en el desarrollo cultural del país. Y además como una forma marcada de ruptura formal con el estilo del diseño moderno herencia del Ulm y del funcionalismo, y se podría definir como los sobrio en el modernismo y lo colorido en el radical. Lo que planteo este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que los llevo a una exageración o indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas, y teniendo el uso libre de la historia.

Esto lo hizo convertirse en un estilo de éxito popular y les dura mientras produzcan novedad. La idea principal que el diseño radical quiere es de llenar de simbolismo la decoración y el vestir de carnaval objetos ya creados. El diseño radical tiene una amplitud de miras mas allá del círculo cerrado en el que se encuentra el estilo, moderno y posmoderno, ya sea en la forma y sobriedad de sus colores. Dentro del estilo radical podemos mencionar a Sottsass y Mendini los cuales no solo pertenecieron a este estilo sino que se destacaron por su gran aporte a los diseños radicales. En especial Sottsass que nos recordó que aparte del negro y el beige hay otros colores. Hoy en día el verdadero diseño radical se encuentra en lugares o sectores que la actividad proyectual a penas se a puesto en práctica, es decir, ellos buscaban un reto a los procesos constructivos, demostrando que hoy se puede crear cualquier objeto por complejo que sea. Aquí todo vale porque las leyes de la composición son misteriosas enigmáticas y locas. El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era similar al antidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la percepción general de la modernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.

SUPERARCHITETTURA at Galleria Carla Sozzani. Archizoom and Superstudio Milan, April 15 - April 29 2007.

Archizoom (Andrea Branzi, Massimo Morozzi, Gilberto Corretti, Paolo Deganello, Lucia Morozzi, Dario Bartolini), Nostop city 1970-72

Superstudio, Monumento continuo 1969

Las proyecciones de la arquitectura radical como il momento continuo de superstudio (1969) y wind city de Archizoom (1969), especulaban con la idea de “la arquitectura como instrumento político”, mientras que lo diseños radicales como Doric temple de UFO (1972) y superonda de Archizoom (1966) solian caracterizarse por su potencial de interacción con el usuario. Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de fines de los años sesenta pretendía destruir la hegemonía del lenguaje visual del movimiento moderno. Superonda de Archizoom (1966)

'mies' by archizoom manufacturer poltronova italy, 1969

Archizoom (1966)

Archizoom

En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la revista Casabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de GLOBAL TOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se disolvió y el debate sobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el precepto del diseño, establecidos desde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea Branzi y Lapo Binazzi, asentaron los fundamentos teóricos para la evolución del posmodernismo a finales de los setenta y principios de los ochenta.

Andrea Branzi

…watch Andrea Branzi Alessi

Andrea Branzi Revers Chair

Andrea Branzi e Archizoom

Andrea Branzi e Archizoom

Andrea Branzi e Archizoom

Alessandro Mendini

Alessandro Mendini

Aless

Superestudio andro Mendini

Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a través de la decoración aplicada.

Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción a nivel mundial al ser expuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los ochenta.

Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras. Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos del pasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían referencia al surrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores mas destacados en (además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans Hollien, Shiro Kuramata, Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori Umeda. Sus atrevidos diseños para cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e iluminación se produjeron a escala limitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova y Sunar, entre otras. … al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo serian invariablemente “asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo sobre la ideología social, base del movimiento moderno. El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsado por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo. A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba él descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.

ARCHIZOOM

ASSOCIATI

Fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos y dos diseñadores que fueron influenciados por las visiones utopicas del grupo arquitectonico archigram. Se dedicaron a diseñar exposiciones, trabajos arquitectonicos y diseño de objetos.

Sus proyectos y numerosos ensayos reflejaron una nueva búsqueda, basándose en un acercamiento a lo flexible y tecnológicamente influenciado en el diseño urbano. ARCHIZOOM Grupo de diseño y arquitectura fundado en 1966 en Florencia por Andrea Branzi, Paul Deganello, Morozzi Máximo y Gilberto Coretti. Agrupe que funciona entre los años sesenta y setenta de período completo del cuestionamiento ideológico, transforma la tecnología en "fantatecnologia" para ponerlo al servicio del diseño radical. Se disolvieron en el 1974.

ARCHIZOOM ASSOCIATI SAFARI ...”. Paolo Deganello/Archizoom ...

with Superstudio, Archizoom ... Mies von Archizoom ...

Location Canapé Archizoom ...

En la década de los 60 se formaron varios grupos de diseño radical en Italia:

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Archizoom. Superstudio. Grupo Strum. 9999

Superestudio: Los pioneros de Arquitectura Conceptual Hippy barbudo la ropa sólo sus calzoncillos surgen de lo que aparece ser un arcón subterráneo concreto. Él es seguido de un hombre peludo en pantalones de trabajo, una mujer topless con el pelo largo, y el otro, y el otro, como payasos de un Volkswagen. Una voz superpuesta nos informa que esta gente olvida " una casa indescriptiblemente grande ... con todas las comodidades posibles, y con todos los pedazos de muebles modernos sobre el mercado ... construido después de todos los estilos antiguos y modernos, formando un todo homogéneo y agradable. " La película, la Ceremonia, es una de cinco películas (juntos llamó Actos Fundamentales) que el colectivo de arquitectura italiano de vanguardia el Superestudio planificado a principios de los años 1970 para comunicar su visión radical de un mundo ideal: un desprovisto de arquitectura. Esta visión es hecha la crónica en el Superestudio: Vida Sin Objetos, una exposición retrospectiva ambiciosa del trabajo conceptual de la firma a partir de 1966 hasta 1978 actualmente extendido a través de varias galerías de Nueva York. " [El superestudio] vio que los arquitectos tienen que estar implicados en una clase diferente de pensar cual su profesión es, " dice Guillermo Menking, profesor en el Instituto de Pratt y el co-conservador del objeto expuesto con el arquitecto Peter Lang. ¿" Más bien que solamente(justo) crear objetos lujosos, o introducir a la gente en el mundo de objetos de consumidor, ellos deberían estar preocupados sobre tales publicaciones(cuestiones) políticas como, ' Qué es la arquitectura? ' "

Una tercera influencia era el puñado de las revistas internacionales de vanguardia que publicaban el trabajo de tal provocateurs como el grupo sci-fi de Reino Unido Archigram, quien señalaba el camino hacia una arquitectura de crítica más bien que el diseño de edificios. " Había también una galería fantástica en Florencia en el tiempo Cintas llamadas De arte, que trajeron a la gente como Dan Graham, el Sol Lewitt, y Vito Acconci para hacer graba en vídeo, " dice Menking. " Entonces ellos se dieron cuenta de esta estrategia de trabajar no como arquitectos, pero como artistas. " El elemento básico de la mayor parte del trabajo en el espectáculo es una rejilla negra sobre un fondo blanco. Esto muestra encima de en tempranos diseños para chaletes, minimalist muebles (la mesa icónica Quaderna del Superestudio es todavía en la producción por Zanotta), y el más memorablemente, el Monumento Continuo, una serie de fotomontajes que muestran al Centro de la ciudad Manhattan, digamos, o el Taj Mahal, se abrigó en la rejilla.

BANAL DESIGN DEFINICIÓN El Diseño Banal, está cargado de Emociones; se Transmiten, Concentrado de Energías, Positivas o Agresivas. Los Objetos no pretenden ser Funcionales, a menudo ni siquiera prácticos, sino más bien escenográficos Rescata la Esencia Emocional de los Objetos La Expresión Artística toma Valor en las Creaciones Banales Los Objetos deben Expresar una Estética, Objetos Triviales, Divertidos, un poco Jactanciosos e Irreverentes En la búsqueda de la Función se pierde la Importancia del Romanticismo, en relación con los Objetos.

Gruppo strum Fundado en 1971 Uno de los colectivos del diseño radical de Turín que ayudó a sentar las bases del antidiseño y la aparición del posmodernismo de los ochenta por Giorgio Geretti, Pietro Derossi, Carla Giammarco, Riccardo Rosso y Maurizio Vogliazo, su nombre corresponde a la abreviatura jocosa de uno de los objetivos fundamentales del grupo, la creación de una arquitectura instrumental ("architettura strumentale", en italiano). Los miembros del Gruppo Strum tuvieron una activa participación en la difusión teórica de las ideas del antidiseño, protagonizando seminarios, conferencias y escribiendo artículos que pretendían acercar al gran público las bases filosóficas de sus innovadoras propuestas.

El grupo tuvo una participación importante y recordada en la exposición "Italy. The New Domestic Landscape", celebrada en 1972 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde presentaron el asiento "Pratone" (gran pradera), realizado en espuma de poliuretano e inspirado en las monumentales esculturas de "Pop art" realizadas por Claes Oldemburg.

Esta pieza tuvo el destacado honor de ser una de las pocas obras del antidiseño italiano que superó la etapa de prototipo y que llegó a comercializarse, ya que fue fabricada por la empresa Gufran. El movimiento del antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite.

La creación en 1974 de la Global Tools, una escuela de antiarquitectura y diseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el final de la primera etapa del antidiseño.

Dècada de los 80’s « La aldea global » ● Se comenzó a utilizar este término cuando la nueva tecnología hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte el mundo. (fax, módem y correo electrónico, celular.) ● Los avances tecnológicos produjeron cambios muy relevantes en la penúltima década del siglo XX. La era de los ordenadores había llegado definitivamente, y se utilizaban programas cada vez mas complejos en muchos de los procesos de diseño de productos que tradicionalmente se habían dibujado o hecho a mano. Así como el disco compacto aparece revolucionando la industria musical desde 1982. ● La nueva tecnología ofrecía también a los diseñadores numerosas y diferentes posibilidades de manejar la composición y reproducción imágenes. Surge el fenómeno del marketing.

● Se concientiza el profesional del diseño acerca de que “la necesidad y los deseos del usuario deben ser la base del proyecto”, Un diseño para todos será el Diseño Universal.

Grupo de Diseño Menphis Grupo de diseño mas importante de la década de los 80’s. Tendencia posmoderna. ● Fundado por Ettore Sottsass en 1980, Milàn. Luego de abandonar el grupo radical de Alchimia. ● Junto a él un grupo de diseñadores y arquitectos italianos de muebles, tejidos y cerámicas. ● Sottsass y sus colaboradores pensaban en la creación de un Nuevo Estilo Internacional ● Inspiración ecléctica con fuentes diversas como la arquitectura clásica y el Kitsch de los 50’s. ● ●

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Utilizaron colores atrevidos, hasta escandalosos para la época, enfatizando en el uso practico de los objetos. La nueva manera de tratar los materiales y los objetos que tuvo una gran repercusión sobre todo en Europa.

● ● "Menphis

no pretende saber lo que la gente necesita, pero intenta correr el riesgo de adivinar aquello que la gente quiere en cada momento". Mostrò su trabajo por primera vez en la feria del Mueble de Milàn en 1981, con èxito inmediato, al hacerse conocida como una polémica empresa, al ser atacados por los crìticos que considerar ron sus obras de mal gusto, pese a ello lograron un gran éxito comercial. “Lo que ha bajado, puede subir otra vez...”.Desde este pensamiento que los objetos de Memphis claramente manifiestan el concepto de recuperar las imágenes más cotidianas, formas y colores. Transformándolos y cultivando esto para hacer de ellos objetos de elite.

● Memphis representó un punto de no retorno para el diseño italiano, una declaración de guerra en el pasado - y, igualmente, de rendición al futuro - por una generación de diseñadores que hoy tiene la dificultad que descubrir de nuevo el anti clásico.

● Memphis fue salpicado a través de revistas por todo el mundo. Había exposiciones en Londres, Los Angeles, Tokio, San Francisco, Nueva York y otras en Milano. Pero Sottsass se desilusiono de Memphis y el circo de medios de comunicación alrededor de ellos, en 1985 anunció que él abandonaba el grupo.

Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, sus impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección de Alessandro Mendini. Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de los 80, referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue gracias a Ettore Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947 como arquitecto abriendo su propio estudio en Milán, en 1957 asesora al departamento de diseño de la firma Olivetti, sobre todo realizando el mobiliario y accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el grupo radical Studio Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mas tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que trabajaban en todos los campos del interiorismo: mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.

Peter Shire

Michael Graves

Andrea Branzi

de Martine Bedin (1981

Javier Mariscal

sottsass and mateo thun .

Memphis Entre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire, Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal, Michele de Luchi y Mateo Thun. Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán, cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y estilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y el neopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero su característica principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas, todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se burlaba de lo correctamente establecido. Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera del postmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.

El estudio Alchimia era un grupo experimental que producía caras piezas. Estaban a favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia del diseño del pasado. Frecuentemente mostraban su oposición al diseño racional tomando objetos cotidianos y aplicandolos a diversas formas de decoración, por ejemplo la silla Wassily de Marcer Breuer o la silla de Proust rediseñada por Alessandro Mendini.

“Cual es, después de todo esto, el objetivo de Memphis? . El objetivo de Memphis es existir”. Ettore Sottsass 1982. Memphis

Sofá cuadrilatero

La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos como la transvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los neo-románticos, etc. Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no proclaman manifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se habla de crisis de la modernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo". Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler, J.F.Lyotard y los filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento negativo, todos proclaman la crisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico, los términos de cultura artística postmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar una nueva sensibilidad, acontecida por el fin de la guerra fría, el derrumbamiento del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989), estos acontecimientos son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y el Neoliberalismo

Minimalismo Corriente estética y musical iniciada en los años 60 del Siglo XX, cuyo máximo desarrollo se dio en los años 70 , y que en lo arquitectónico privilegia los espacios amplios y libres y los colores suaves y tenues, además de dar relevancia a los conceptos simples.

El Origen del Minimalismo El minimalismo surge a finales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo. Ludwig Mies Van Der Rohe elabora sus ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras del minimalismo) durante el ejercicio de su cargo en la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania, a finales de los años 30. Poco tiempo después, y debido al proceso de la segunda guerra mundial, emigra a Estados Unidos, país donde ya era conocido como arquitecto y diseñador influyente, y se nacionaliza estadounidense. Entrado los años 60 participa en Nueva York del movimiento del arte mínimo y geométrico en las artes visuales. Aunque no fue el único que intervino, su versión del racionalismo y posteriormente del funcionalismo, se han convertido en modelos para el resto de los profesionales de su siglo. Su influencia se podría resumir en una frase que él mismo dictó y que se ha convertido en el lema de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del Siglo XX: "menos es más". A lo largo de su vida profesional luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y simple, que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la elegancia exquisita de los materiales (en ocasiones empleó mármol, ónice, travertino, acero cromado, bronce o maderas nobles), rematados siempre con gran precisión en los detalles. Ya en la década del 70, el minimalismo alcanza su madurez como una forma de reacción a los estilos recargados de la época (principalmente el pop art) y la saturación comunicacional dentro del universo estético. Esto influenció no sólo en la decoración y la arquitectura, sino también en la pintura, la moda y la música.

Las características del Minimalismo El minimalismo se caracteriza por la extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros, en un ambiente con equilibrio y armonía. Ante todo se privilegian los espacios amplios, preferentemente altos, y libres. Un entorno armónico funcional, fuera del concepto de exceso, saturación y contaminación visual. Se evita también la cacofonía, la repetición y cualquier tipo de redundancia visual. Se podría considerar un "antibarroquismo" estético. Todo debe ser suavidad, serenidad y orden, nada de elementos superfluos y barrocos, de excesos ni estridencias, muchas veces ajenos al mundo exterior. Sobriedad sin ornamentación.

En síntesis, la filosofía del minimalismo persigue construir cada espacio con el mínimo número de elementos posibles, de forma que se elimine o evite todo cuanto pueda resultar accesorio.

En el minimalismo todos los elementos deben combinar y formar una unidad, priorizando el todo sobre las partes. El espacio en sí es de gran importancia, nunca "eclipsado" por los elementos decorativos. En este contexto, se da una clara primacía a las líneas puras y bajas, casi a ras de suelo, con monocromía absoluta en techos, pisos y paredes, complementándose con los muebles. Colores Una de sus principales características del minimalismo es el uso de colores puros, con superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco y el crudo. También se incorporan los tostados o el negro con sutiles toques de color para acentuar detalles y accesorios. Cuando pensamos en el blanco hay que saber, sin olvidar, que el blanco es un color con una amplia gama de variaciones tonales capaces de multiplicar la luminosidad. El contraste lo aportan algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. El detalle de color, tal vez un rojo o pistacho, puede estar dado por una alfombra, un almohadón, o algún objeto único.

Materiales Los materiales son otro de los puntos claves del minimalismo. En la ambientación minimalista se utiliza la madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado, vidrio, alambre de acero, venecita y piedras, principalmente en estado natural, mínimamente manipulados. Textiles Las telas que se utilicen en la decoración minimalista deben evitar lo agresivo y barroco, aportando frescura e invitando a la relajación. Se deben dejar afuera las telas estampadas y floreadas, optando por la austeridad de los lisos. Se prefieren las telas rústicas en color marfil, texturas como el lino o lonetas. Cortinas, almohadones y tapizados tendrán que obedecer a una unidad y un equilibrio. Las cortinas, cuando existen, deben ser blancas, de líneas rectas y simples; romanas o roller. Aunque se pueden prescindir tranquilamente de ellas. Muebles Los muebles toman el concepto propio del minimalismo de simpleza y funcionalidad; menos es más. La austeridad en el diseño y en la cantidad de muebles, son básicos en la decoración minimalista. No siempre existen muebles fijos. Muchas veces se esconden o guardan en muebles o estanterías. Los muebles modernos y orientales van muy bien con este tipo de decoración. Paredes En las paredes se trata de evitar todo adorno que esté de más, aunque se puede utilizar algún cuadro destacado en presencia o importancia. Un cuadro de autor es un buen recurso. Paredes lisas de colores claros o revestidas con piedra, cómo único elemento de decoración.

Minimalismo Es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra. Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones. En cuanto a mùsica se refiere, ésta funciona a partir de materiales limitados o mínimos; las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de wisky.