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Manuel Torres Zapata

L A E S C U LT U R A D E L RENACIMIENTO EN ITALIA En el Renacimiento lo que entendemos por Artes Plásticas, la pintura y la escultura, no sólo tuvieron mucho en común sino que en función de esa similitud, rivalizaron entre sí a partir del siglo XV. Ambas artes se vieron determinadas por la nueva concepción de la perspectiva, por su equivalente voluntad de naturalista y por su parecida interpretación de los temas. Las diferencias obedecen a cuestiones de orden técnico determinadas por la propia naturaleza de cada una. La escultura renacentista también supone una gran revolución respecto a los planteamientos que había predominado en el Gótico, de nuevo, al igual que en Grecia y en Roma, el centro de la obra escultórica es el hombre, centrándose especialmente en el estudio del cuerpo humano y su anatomía como base de toda el trabajo. Esto supone una recuperación de un tema que durante toda la Edad Media había sido tabú, el desnudo, generalmente asociado a temas mitológicos pero que tampoco dudan en usar en temática religiosa, de una manera más o menos encubierta Al igual que en arquitectura aquí también nos encontramos con una importante labor teórica, Alberti afirmaba que había tres tipos de escultores: los que sólo quitaban que trabajaban con materias duras, los que añadían que eran los moldeadores; y los que quitaban y añadían, los que trabajaban el bronce. Para el auténtico escultor es el tallador; también fue el responsable de la identificación de la escultura con la estatua, una figura erguida sobre un pedestal y emplazada en un lugar preferente del paisaje urbano. La escultura italiana del Renacimiento como la arquitectura nace apoyada en los modelos clásicos, pero no rompe la continuidad de ciertas formas con lo medieval. Los primeros artistas del Quattrocento tienen una tendencia a la esbeltez de proporciones y una elegancia lineal y curvilinear, que viene del gótico internacional, junto a un gusto por el pormenor realista y lo anecdótico. Se percibe también un gusto por el desnudo, enteramente clásico, la utilización de materiales nobles (mármol y bronce) y un interés por lo monumental y severo. Además del género religioso, siempre cultivado con preferencia, vemos surgir temas alegóricos y profanos en la escultura funeraria, y resucita el retrato ecuestre, a la vez que se cultiva mucho el busto. La técnica de la fundición del bronce alcanza una extraordinaria perfección, y la labra del mármol consigue efectos de sutilísimo refinamiento especialmente en el relieve. En Florencia se generaliza además el uso de materiales novedosos como el barro cocido vidriado o esmaltado. En general la aparición del Renacimiento en la escultura es muy temprana, pudiéndose remontar a la Edad Media el empleo del lenguaje clásico, de todas formas siempre es más fácil innovar en la escultura que crear una nueva teoría constructiva.

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1-. Quattrocento. El primer acontecimiento histórico relevante en la génesis de la nueva escultura fue la convocatoria en 1401 del concurso para la realización de unas puertas en bronce para el bautisterio de la Catedral de Florencia que completaran las que ya había realizado Andrea Pisano (1330). En dicho concurso participaron tres de los más grandes maestros del momento: Lorenzo Ghibertí (13781455), Jacopo della Quercia (13741438) y el ya citado como arquitecto Filippo Brunelleschi. El tema que debían representar era el del sacrificio de Isaac. El ganador del concurso fue Ghiberti, aunque los tres presentaron modelos que aun debían bastante al gótico tardío. En el relieve de Ghiberti el desnudo de Isaac responde a las mejores pautas del ideal antiguo, por otra parte el ritmo conseguido en la composición resulta prodigioso, así como la admirable calidad técnica en el tratamiento de los detalles. Una vez realizadas estas puertas Ghiberti recibió el encargo de hacer unas segundas puertas hacia 1425, cambia en esta ocasión el formato de los relieves, pasando a ser cuadrados con que se abandona el goticismo de la anteriores de forma lobulada. Ghiberti concibe los relieves como espacios tridimensionales recuperando elementos romanos como la gradación en el relieve, la introducción de elementos de la naturaleza y la concepción pictórica del relieve, pero con importantísimas novedades como la aparición de la perspectiva lineal. Las figuras se reducen de tamaño para poder ubicarse en una escena que alude a elementos arquitectónicos en los que se perciben los avances de la técnica de la perspectiva, o en un paisaje, que nos alude a un entorno natural, mucho mejor conseguido que en otras épocas. Tal fue la calidad de estas puertas que se las conoce como "Puertas del Paraíso" De la misma generación que Ghíberti es Jacapo della Quercia (13741438), que se inclina más por representar la expresividad del cuerpo humano, con un gusto por formas hercúleas y heroicas, sin preocuparse por la representación del espacio, una de sus obras más importantes es la tumba de Hilaria de Carreto en Lucca (1406). El escultor más importante del Renacimiento florentino es Donatello (13861466), formado en el taller de Ghiberti entre 1404 y 1407, pronto se vio que su estilo no tenía nada que ver con la tendencia goticista de su maestro. Es el gran creador del estilo del Renacimiento pleno, oscilando entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza, y el cultivo de una cierta expresividad. su motivo fundamental es lo humano, estudiando al hombre en todas sus edades, desde niños como en los relieves de la Cantoría de la catedral de Florencia hasta la vejez en el llamado Zuccone (profeta Habacut). Son las figuras juveniles las más típicas, sobre todo sus versiones del David. El expresionismo de sus obras aumentan con los años. Su principales obras son el San Jorge de 1417, los relieves de la Cantoria de Florencia de 1433, diferentes versiones del David en 1409 y 14430, y la escultura ecuestre del condotiero Gattamelata en 1453, la Magdalena del batisterio de Florencia o el grupo de Judith y Holofernes de la plaza de la signoria de Florencia.. En cuanto al relieve supera los logros de Ghíberti en los del Altar de San Antonio en Padua o de la San Lorenzo en Florencia, con un estilo más dramático y pictórico, incluso con el artificio de dejar las cosas aparentemente sin acabar.

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El David de Donatello de 1430, pretende ser un símbolo de la vistoria de la inteligencia sobre la fuerza bruta, de hay que lo represente como un joven frágil, junto una expresión en el rostro que habla de la reflexión, El tratamiento del cuerpo destaca por la técnica con la Donatello aprovecha las calidades del bronce para potenciar un tipo de anatomía que tiene mucho de clásica, pero con un estilo más delicado, en el cual la luz parece resbalar por el cuerpo, sin que haya grandes contrastes. Además no hay que olvidar que Donatello identifica al igual que los clásicos, virtud con belleza ideal, que hay que el David tenga ese Aire ambiguo y sensual Con la escultura del condotiero Gattamelata, Donatello recupera el género del retrato ecuestre, tomando par ello como modelo inevitable la escultura de Marco Aurelio que se encontraba en el Capitolio de Roma. Se trata de una inspiración casi podríamos decir que arqueológica, en el sentido que es muy poco lo que aparta del modelo. El conjunto vemos que se caracteriza por su armonía, el ritmo tranquilo y pausado del caballo y el gesto sereno del general. Aparte de los autores anteriormente citados hay que mencionar también dentro del Quattrocento a algunos ligeramente más tardíos, como Lucca della Robia (14001482) que difunde el uso de la cerámica vidriada con las figuras blancas sobre fondos azules y elementos decorativos vegetales de ricos colorido crea tipos de gran finura y personalidad muy copiados posteriormente; trabajó básicamente en la catedral de Florencia, donde hace otra cantoria con un contraste muy interesante con la de Donatello. El estilo más expresivo es el de Verrochio (14351488), también fue pintor y fue el maestro de Leonardo da Vinci, su obra más lograda es la estatua ecuestre del condotiero Colleoní (1481) en replica al anterior de Donatello, con un resultado más teatral, dinámico y atrevido con mayor tensión y energía que el Gattamelatta. El gesto es mucho más enérgico, debido fundamentalmente a la posición mucho más teatral en la que se coloca el jinete, firmemente apoyado sobre los estribos y con el cuerpo adelantado. Los mismo podíamos decir del caballo que además adopta una posición mucho más difícil de realizar desde le punto de vista técnica, ya que ya no apoya uno de los cascos en el suelo, y eso supone hacer calculo mucho más elaborados para mantener el equilibrio de la escultura.

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2-. Cinquecento. Al igual que había ocurrido en la arquitectura el predominio de lo romano sobre lo florentino va a ser mayor en este siglo. En lo estrictamente formal, las delicadezas del Quattrocento y el pormenor por el detalle menudo, van a ceder el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora. Tras lo que supuso la obra de Donatello y Verrochio, hitos de genialidad estética y técnica, no parecía que cupiera ya hacer otra cosa en el terreno de la plástica sino continuar, repetir o parodiar tan insuperables modelos. En este contexto cobra especial importancia el surgimiento de la figura de Miguel Ángel Buonarotti (14751564), antes que arquitecto o pintor el se consideraba sobre todo escultor. Va a dar una nueva orientación a la escultura; su calidad excepcional, su amplitud de concepción y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpos y las complejidades del espíritu hacen que sea capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito. En su tiempo fue tenido por un genio y sus obras, incluso las inacabadas han sido modelos copiados y estudiados continuamente. Miguel Ángel se formo en el taller del florentino Bertoldo, a cuyas excelentes condiciones técnicas unió una formación humanística tan extraordinaria como la que poseían todos lo miembros del circulo de los Medíci, en el que pronto se introdujo. en estos años de formación se da cuenta de la importancia de Donatello, al tiempo que queda fascinado por las esculturas antiguas que se están descubriendo en las excavaciones de Roma, la mayor parte de las cuales eran copias de originales helenísticos (es ahora cuando se descubre el grupo de Laocoonte). En su arte refleja diversos estados de animo, sin embargo el más fuerte y domínante de estos fue el dramatismo (terribilitá). Estudia con originalidad los problemas del movimiento y de la composición, encontrando siempre ritmos nuevos inspirados en la vida. Una de sus mayores preocupaciones fue que sus esculturas dominaran el espacio que las rodea, por lo que no duda en utilizar bloques inmensos de mármol sin dividirlos en fragmentos más pequeños. Es maravillosa la capacidad de adivinar la figura dentro del

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bloque ( para el la escultura era simplemente quitar lo que sobraba hasta llegar a la figura que estaba encerrada en el bloque). Exalta tanto la fuerza fisica como la espiritual, pero las pasiones (pathos) que da a sus figuras aparecen contenidas y apenas afloran. Se trata de un pathos que tiene el equilibrio del clasicismo. Para realizar sus obras primero hacia un boceto en cera y luego un modelo a gran tamaño que mantenía como guía ya que nunca utilizó la máquina de sacar puntos. Deja algunas de sus obras en un non finito intencionado. Aspiraba como buen neoplatónico a la perfección absoluta, y al no lograrla dejaba la obra, pues era mejor detenerse antes de estropear el pensamiento original. Sus figuras presentan una musculatura poderosa, y empiezan a adoptar posiciones en escorzo. Sus obras más conocidas son las siguientes: Madona de la Escalera (1491), también un relieve, pero siguiendo más de cerca el estilo de Donatello, consigue el efecto de perspectiva al hacer una gradación en el relieve con tres plano de diferente grosor Ángel del Candelabro, con influencia de Jacopo de la Quercia Baco ebrio (1497), ya aparece casi completamente formado su tipo anatómico masculino, reciamente musculado, aquí acierta a representar el estado de desequilibrio causado por la embriaguez, y se aprecia la tendencia a que las cuatro extremidades aparezcan en movimiento. Piedad (1498-1499) Realiza por encargo del cardenal Bilhères es una de las primeras obras que hace recien llegado a Roma desde Florencia, y posiblemente una de las más acabadas. Sobre ella dijo Vasari, poco después de haberla acabado Migue Ángel. Ningún muerto se parece tanto a un muerto como éste. Y a pesar de ello, todas sus partes son de una belleza inigualable. Su rostro expresa una dulzura infinita. El mármol de su piel está tan bien trabajado que uno no puede dejar de maravillarse de que la mano del artista haya podido crear algo tan bello, de forma tan divina.

Es un de las obras con más sentimiento de Miguel Ángel, la Virgen es casi una niña que sostiene el cuerpo muerte y fláccido de Cristo con una mano, mientras que con la otra hace un gesto como de presentarlo al espectador. Aquí Miguel Ángel se inclina por representar una belleza ideal y serena. La composición es de un equilibrio perfecto basado en el triángulo, atravesado por la línea diagonal que forma el cuerpo de Cristo. De esta manera resuelve el problema de incluir todo el cuerpo inerte dentro del esquema compositivo de la figura de la Virgen, para presentarnos una

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composición lo más cerrada posible, que nos distraiga con líneas centrígufas. El dominio del mármol es completamente magistral, nos permite distinguir las texturas de las telas de la carne mórbida de Cristo. Posiblemente fue una de las obras de las que el escultor se sintió más orgulloso como demuestra el hecho de que es prácticamente la única que parece firmada ( en la cinta que atraviesa el torso de la Virgen) El David (1501-1503). El “gigante”, como apodaron los florentinos a la escultura de más de cuatro metros de altura era un antiguo proyecto de la ciudad. En 1463 el escultor Agostino di Duccio comenzó el encargo de una escultura colosal para una de las esquinas de la catedral, pero las dimensiones del bloque y la complejidad que suponía tallarlo hizo que quedara inacabado. Fueron varios los escultores que infructuosamente se pusieron a tallarlo hasta que es en 1501 cuando lo retoma Miguel Ángel, ya con el encargo explicito de realizar un David. Este personaje bíblico tenía una fuerte carga simbólica para los florentinos ya que era el triunfo del pequeño sobre el gigante, de la inteligencia y de la habilidad sobre la fuerza bruta y la sinrazón, es decir de la propia ciudad de Florencia que se había mantenido independiente frente a las presiones de las grandes potencias del momento. Talla la escultura de una única pieza, un joven adolescente, atlético, completamente desnudo, como los dioses y los héroes clásicos, sosteniendo en una mano la piedra y la otra con la honda apoyada sobre el hombre Quieto y en plena concentración, parece que esta reuniendo fuerzas para el combate, o reflexionando sobre el enemigo. La cabeza aparece girada hacia la izquierda y su mirada se pierde en la lejanía, mientras que con las cejas fruncidas con energía observa fijamente al enemigo. Con esta representación Miguel Ángel rompe con los modelos iconográficos tradicionales de David y recupera la tradición clásica de grandes esculturas públicas. Este David no es tanto el símbolo de un vencedor, sino de la arrogancia, de la juventud, de la altivez que representaba la poderosa ciudad de Florencia Debido a las limitaciones que le imponía el bloque que utilizó tuvo que reducir el número de planos que solían componer sus figuras. La inspiración viene evidentemente de la estatuaria griega de Policleto y Lisipo. Además del perfecto trabajo del mármol, con una calidad muy lograda, se perciben otras de las características propias de Miguel Ángel como la terribilitá, el carácter terrible, amenazador, con gestos dramáticos aunque contenidos. La figura tiene una altura de casi cuatro metros, la pierna derecha es la que soporta toda el peso en un claro contraposto, lo que permite que el pie izquierdo se desplace lateralmente rompiendo la frontalidad y la simetría de la figura. El movimiento contenido centrípeto, con líneas de fuerza que retornan hacia el bloque es evidente sobre todo en las manos. El detalle de la cabeza nos permite percibir el pathos del rostro, con una fuerte

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sensación de vida interior. El tratamiento de la anatomía no es completamente armónico y proporcionado, se introducen algunos detalles que contribuyen a dar mayor expresividad a la figura, como la mano excesivamente grande del muslo. Para algunos tratadistas la ligera desproporción de los brazos y la cabeza corresponden al deseo de Miguel Ángel de representar el cuerpo de un adolescente que aun no ha adquirido el pleno desarrollo de su anatomía. El mármol transparenta la estructura del cuerpo, las venas, los tendones del cuerpo, con un técnica perfecta en un material duro y quebradizo como el mármol En 1501 traza el proyecto para el Mausoleo del Papa Julio 11, la que será posiblemente su obra más grandiosa y que dejo sin acabar. Miguel Ángel trabajó en el sepulcro más de cuarenta años, tras la muerte de Julio II el proyecto se ve cercenado por los nuevos pontífices que le encargaron nuevos proyectos especialmente la decoración de la Capilla Sixtina. El primer proyecto rompe con la tradición de sepulcros adosados a la pared, y concibe un gran conjunto exento de tres pisos de forma ligeramente piramidal, en el que se incluirían hasta cuarenta figuras; el lugar pensado para colocarlo era el centro de la basílica de San Pedro justo debajo de la bóveda, en un autentico delirio de grandeza papal. Miguel Ángel con graves polémicas con el papa tuvo que ir recortando las dimensiones del proyecto sucesivamente. Finalmente la idea quedo completamente reducida y además no se instaló en el Vaticano sino en la iglesia de San Pedro in Vincoli Las figuras que llegaron a culminarse fueron las del Moisés, los Esclavos y la de Lia y Raquel. Cuando estaba trabajando en esta obra se descubre en Roma el grupo de Laoconte y sus hijos, que le causó una profunda impresión marcando su futura evolución artística, con mayor expresividad y posiciones con escorzos mucho más marcados.Es evidente está influencia en figura de Moisés, se trata de una figura sedente, en el momento en el que su mirada terrible fulmina a los israelitas cuando, antes de mostrarles las tablas de los mandamientos, los descubre adorando a ídolos. La tensión que percibíamos en el David, aquí ya se ha convertido en una indignación que sobrecoge, en una ira que difícilmente se contiene dentro de una musculatura de autentico titán. En un principio también iban a ser incluidos en el conjunto las figuras de unos esclavos, la interpretación de su significado no es fácil, Vasari supuso que se trataba de las provincias sometidas por Julio II, otros autores contemporáneos de Miguel Ángel dicen que hacen alusión al papel de mecenas del papa ( las artes una vez muertas el papa se encuentra encadenadas). Mientras que para otros vienen a significar el aprisionamiento del alma dentro del cuerpo. El término esclavo empezó a utilizarse en el XIX, aunque Miguel Ángel simplemente los denominó prisioneros. Dos son las que están completas, el esclavo moribundo y el esclavo encadenado, se trata de dos figuras completamente opuestas, una intenta liberarse de las ataduras mientras que la otra se da por vencida

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Entre 1516 y 1534 emprende una de sus últimas obras, los sepulcros de Lorenzo y Giuliano de Medici en la capilla funeraria de la Iglesia de San Lorenzo de Florencia (Sacristía Nueva) Se trata de sepulcros adosados a la pared y en lo que la presencia de los elementos religiosos propios del tema no aparecen. Los dos hermanos aparecen vestidos con armaduras de estilo clásico, recordando los retratos toracatados imperiales. La actitud de cada uno de los retratos es bien distinta, reflejando la diferencia de temperamentos, entra la vida activa y la vida contemplativa. Sobre las urnas se disponen cuatro figuras desnudas, símbolos de los cuatro momentos principales del día: la Aurora como una mujer desperezándose, el Día es un joven lleno de vigor y de marcada musculatura; el Crepúsculo está simbolizada por un viejo decrépito; y la Noche es una figura femenina pletórica de fuerzas.

Al final de su vida nos encontramos ya con unas obras de marcado maníerismo, Los dos grupos escultóricos que os han llegado de está época no formaban parte de ningún encargo. Miguel Ángel trabajaba en ellos por puro interés personal. La Piedad de la catedral de Florencia, en la que aparece José de Arimatea, estaba pensada en principio para sus propio sepulcro, y se cree que colocó sus propias facciones en el rostro de José de Arimatea, se trata de un obra de una gran manierismo tanto en el tratamiento sumamente dramático del tema como en la composición. De la misma época es también la Piedad Rondanini, que dejó inconclusa

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El Manierismo (segunda mitad del XVI) El término manierismo se aplica la estilo empleado por algunos escultores de finales del siglo XVI, que trabajaban a la "maniera" de Míguel Ángel, es decir que seguían las tendencias marcadas por él. Así pues asistimos en este momento a un exageramiento de las actitudes y del colosalismo miguelangelesco, las composiciones se hacen más complicadas empezando a generalizarse el empleo de líneas onduladas, la llamada línea serpentinata. La Contrarreforma ha impuesto también una tendencias en las representaciones plásticas eliminando todo aquello que pudiera conducir a error dogmático, con que desaparecen las alegorías y predominan representaciones extremadamente realistas. De este periodo vamos a destacar a Benvenutto Cellini (1500-1574), Teórico y experimentado técnico de la escultura y de la fundición en bronce, así como de la orfebrería o del esmalte, sobre los cuales escribió sendos tratados. En este terreno de la orfebrería, que parece se el preferido por Cellini destaca el salero de Francisco I, adopta la forma de una fuente, en cuyo borde se colocan las figuras de oro de Neptuno que como dios del mar proporciona la sal y de la diosa Telus, la diosa terrestre que proporciona la pimienta. Su obra más famosa puede ser el "Perseo con la cabeza de Medusa" de Florencia, de 1554, es una de las cimas expresivas del Manierismo maduro en el que se anticipan alguno de los elementos propios de las representaciones barrocas, Junto a Cellini es Juan de Bolonia quien mejor describe lo que es el manierismo Aunque su origen es francoflamenco, toda su obra la realiza en Italia y dentro de los cánones estéticos italianos.Trabaja tanto el mármol como el bronce, incluso a escala reducida. Su estilo es de lo más dinámico del momento, buscando composiciones inestable y que den la sensación de inestabilidad. Domino como pocos la línea serpentinata, que toda a las figuras de un gran movimiento helicoidal. Una de las obras en la que mejor demostramos está característica es en EL rapto de la Sabinas, una contorsión de las figuras que dibujan una ascensión helicoidal con múltiples puntos de vista; En el "Mercurio" logra posiblemente la más bella expresión del ideal manierista, es una composición de líneas muy abiertas, con un enorme dinamismo e inestabilidad, ya que sólo apoya en un único punto.