MUSEO DEL PRADO: MADRID 28-Marzo-28 de junio-2015 No se puede visitar un Museo en Europa sin una previa cultura y conocimientos religiosos del cristianismo; es algo que está incrustado en nuestras raíces históricas y ofrece poca discusión. Esto afecta a todos los europeos en mayor o menor grado. Al Prado de Madrid hay que ir equipados de un bagaje cultural cristiano básico que nos permita identificar lo más distintivo de nuestra fe. De lo contrario hay mucho que aprender de golpe; “los tiempos siguen cambiando” y no a mejor en lo que a interés y el deseo de una cultura religiosa cristiana se refiere.

Roger Van der Weyden es el más dramático de los pintores flamencos del siglo XV. Cuenta hasta dónde puede llegar el arte: cómo la pintura asume la retórica de la escultura. Es también un pintor de escenarios e interiores, a los que renuncia quiere plasmar una imagen de culto y de contemplación concentrando la atención del espectador en el Calvario o en las figuras del Descendimiento. Como su coetáneo Jan van Eyck, él debió de descubrir, siendo todavía joven, que aunque era capaz de pintar el mundo natural con toda fidelidad, podía hacer algo más que imitar la realidad inmediata. Tenían tanta sensibilidad para el tratamiento de las formas y las líneas, que su composiciones, basadas en armonías geométricas, llamaban la atención de inmediato y se grababa en la memoria. Sabía también cómo manejar el color y las formas abstractas para intensificar la reacción emocional del espectador, de modo que quedaran grabadas en su memoria. Podía representar cualquier cosa con un gran realismo, pero cuando le convenía ignoraba la lógica del espacio y la escala, pero desdibujaba la diferencia entre realidad y escultura. ( 1430. Retrato de un hombre, del maestro de Van der Weyden, Robert Campín, con quien se formó en la ciudad de Tournai. Tiene un parecido con José de Arimatea en el Descendimiento- El otro retrato es de Isabel de Portugal, duquesa de Borgoña )

Los cuadros de Roger Van der Weyden engalanaron las cortes de todos los reyes de su tiempo” En 14445 Juan II de Castilla donó a la cartuja de Miraflores un tríptico pintado por él. Otros grandes cuadros de su mano como el Descendimiento y la Madonna Durán y el Calvario se exportaron a España, con lo que se libraron de las consecuencias de guerras y movimientos iconoclastas. Fue el pintor oficial de Bruselas y trabajó también para el duque de Borgoña y su esposa Isabel de Portugal Es necesario observar para comprender la belleza de las cosas. Esa realidad hecha de estética interior solamente puede alcanzarse mediante una mirada contemplativa y libre de pensamientos. El arte funciona «a modo de espejo, de escáner” para despertarnos y hacernos experimentar esa dimensión interior. La armonía que tratamos de investigar en las bellas artes y en las artes plásticas no reside en la propia obra de arte, sino en el sujeto que lo contempla». Es decir, en el espectador. Y concluye: «La belleza no es una cosa, sino un estado de conciencia, una experiencia humana».

La Madonna Durán . Se hicieron numerosas versiones que fueron admiradas en toda Europa, España y Francia sobre todo. El escultor Egas Cueman hizo una versión libre del ángel en un dibujo que se halla en el monasterio de Guadalupe y que está aquí. La primera estuvo en la iglesia de Pompier en Huesca Las primeras versiones de Castilla son probablemente las que se atribuyen al Maestro Don Álvaro de Luna. En una tabla de retablo, del que toma su nombre (en la catedral de Toledo) este artista copió el tema aislado en su nicho, la Virgen podía pasar por ser una escultura de cuidada policromía al igual que el ángel situado en lo alto y que sostiene una corona que estaría hábilmente fijado al fondo del cuadro. La tracería presenta una silueta en un arco carpanel del vértice redondeado, que fue una forma muy utilizada por Van der Weyden, quizás inventada por él y usada en el Tríptico de Miraflores. El libro que el niño maneja con cierta brusquedad podría ser del Antiguo Testamento en el que ha leído la profecía de su propio destino. Felipe el Bueno (1396-1467) heredó en 1419 los títulos de duque de Borgoña y conde de Flandes y de Artois. Favoreció el desarrollo de varias ciudades. Fue uno de los soberanos más ricos de Europa y su corte estableció un modelo

de esplendor y lujo muy imitado. Casó en 1430 con Isabel de Portugal, cuyo único hijo Carlos el Temerario fracasó en su aspiración de hacer de Borgoña un reino y perdió el ducado de Lorena en su guerra con la Federación Suiza. Aquí aparece un retrato de Isabel de Portugal que figuraba en un gran cuadro como donante. El vestido y el cinturón se repintaron para hacerlos a ellos más espléndidos. (Ver arriba) Esta es una de las obras más bellas de la colección de primitivos flamencos del Museo del Prado es la tabla (100 x 52 cms.) de la Virgen con el Niño en brazos, de Roger van der Weyden, fechada hacia 1435-38, también conocida como la Madonna Durán, en memoria de don Pedro Fernández Durán, que la legó al Museo e ingresó en 1931.

Virgen de la leche. 1490 de Maestro Don Álvaro de Luna. Situados en un interior,

el niño ya no tiene el libro y desapareció el ángel suspendido con la corona El Niño y los 4 ángeles del primer plano se asemejan a los del retablo de Don Álvaro de Luna de la catedral de Toledo, pero el interior es distinto. La cabeza de la Virgen es muy similar a la Madonna Durán, Si nos fijamos primero en La Virgen de la Leche observamos una escena íntima, la Virgen da el pecho al Niño, sentada en un trono de madera coronado en los brazos por cuatro pequeños leones, que hacen referencia al trono de Salomón (Jesús como rey de Israel). Están rodeados de ángeles de caras lánguidas e impersonales, y todos ellos, dentro de un interior, en un salón con chimenea, dosel de terciopelo brocado y una ventana desde la que se intuye un paisaje montañoso. El Niño tiene la mirada perdida y las manos al aire, Su madre le coge casi sin tocarlo, como si flotara entre sus brazos; pero falta el contacto carnal, la estrechez y la calidez de un acto tan intenso como el amamantamiento. La escena es fría. Vamos a entrar en el mundo de Van der Weyden: «Imagínate una puesta de sol. Hay un sol, algo está pasando y ante eso, cada uno trata de vivir una emoción, un sentimiento. Los artistas, cuando crean, lo que en realidad pretenden es vivir ese estado y los amantes del arte buscan, detrás de las formas, experimentar esa armonía». Ponerse ante ciertos cuadros “dejarse mirar aunque ellos no nos miren a nosotros es adoptar el puesto, la actitud interior de aquellos personajes que nos conmueven, que nos hacen sentir y vibrar, que suscitan dentro de nosotros lo más noble que nos constituye y hace humanos. El Descendimiento. Encargado por las Ballesteros de Lovaina Las figuras, de tamaño algo menor que el natural, dentro de una caja dorada de escasa profundidad, como si se tratara de un retablo tallado similar al de Laredo que está en esta exposición. La Virgen se ha desvanecido, sostenida por San Juan Evangelistas y su postura establece un paralelismo con el cuerpo de Cristo “está viviendo su compasión”. Lágrimas resbalan

por su rostro y una está a punto de gotear desde la barbilla.. La mujer que entrecruza las manos es la Magdalena. El hombre que viste de túnica con dorados probablemente es José de Arimatea. La Cruz es demasiado pequeña para que Cristo hubiera sido crucificado en ella. El espacio de la caja no coincide en absoluto con el que ocupan las figuras y esas falsas perspectivas producen un cierto desazonamiento al espectador. Felipe II hizo por conseguirlo para la colección de la casa real española, y también la labor de su tía la reina María de Hungría,

“ANÁLISIS  DE  “EL  DESCENDIMIENTO  DE  LA  CRUZ”   1. TÍTULO: “El descendimiento de la cruz”. 2. AUTOR: Roger van der Weyden (1399-1464), pintor flamenco que destacó por el carácter innovador de sus obras religiosas dentro de la pintura de su época. Nació en Tournai, y allí realiza su primera formación en el taller de Robert Campin hacia el 1427, y se hace maestro en 1432. En 1435 se convierte en el pintor oficial de la ciudad de Brujas (Bélgica), donde residió el resto de su vida. En sus obras, y ésta es una gran ejemplo de ello, exalta y saca a relucir los sentimientos de los personajes de la escena, con gestos, lágrimas y posturas. La tabla, material que se empleaba en

la tradición gótica, continúa teniendo protagonismo en esta época. La técnica, en cambio, varía, utilizándose en ese momento el óleo. La unión del material y la técnica, da lugar al brillo de los colores y la minuciosidad en los detalles. Las características que se le otorgan a Van Der Weyden, no solían ser las propias de la escuela flamenca, a la que pertenecía. Por ejemplo, sus obras eran de amplias dimensiones (las figuras casi son a escala natural), frente a las pequeñas obras de ese momento. Otra de las características más comunes de la escuela es el amor por el paisaje, que en este caso, tampoco aparece, permitiendo centrarse más en los sentimientos de las figuras. 3. ESTILO Y DATACIÓN: este retablo, que en realidad es la parte central de un políptico, fue pintado hacia el año 1435, y es pintura flamenca (siglo XV y XVI que se dio en Flandes). 4. ASUNTO REPRESENTADO: la obra trata un tema religioso, en concreto, cuando están bajando a Cristo de la cruz tras haber fallecido. La escena plasma el fragmento de la Biblia que se encuentra en el evangelio según San Juan 19, 25-40: “junto a la cruz de Jesús estaban su madre, la hermana de su madre, María, esposa de Cleofás, y María Magdalena. Jesús, al ver a su madre y junto a ella al discípulo más querido, dijo: “Mujer, aquí tienes a tu hijo”. Después dijo al discípulo: “Ahí tienes a tu madre”. Desde aquel momento el discípulo se la llevó a su casa. [...] José de Arimatea, que era discípulo de Jesús, pero en secreto, por miedo a los judíos, pidió a Pilato la autorización para retirar el cuerpo de Jesús y Pilato se la concedió. Fue y retiró el cuerpo de Jesús. También fue Nicodemo, aquel que había ido de noche a ver a Jesús, llevando como cien libras de mirra perfumada y áloe. Envolvieron el cuerpo de Jesús en lienzos perfumados con aquella mezcla de aromas, según la costumbre de enterrar a los judíos”. 5. TÉCNICA: el autor utilizó la técnica del óleo, en la que los pigmentos se machacan y aglutinan con aceites vegetales (aceite de linaza y nuez). Para aportar una mayor fluidez, se pueden añadir disolventes, especialmente, esencia de trementina o aguarrás. Esta técnica permite hacer correcciones (arrepentimientos, o según los italianos, pentimentis). Para terminar la pintura al óleo, se da una capa de barniz (capa transparente de tipo resinosa) que la protege y le da brillo. 6. SOPORTE: se trata de varias tablas ensambladas, engatilladas, y lijadas, que dan el aspecto de una sola y que únicamente se aprecia a escasa distancia del cuadro. Las tablas fueron preparadas alisándolas y dándoles una capa de gesso (yeso y cola), que se deja secar. Luego se hace el dibujo preparatorio y se aplican los pigmentos. 7. TIPO DE PINCELADA Y TEXTURA: el uso del óleo permite pintar incluso con pinceles de un único pelo, los cuales permiten realizar los detalles más minuciosos, como el pelo de las barbas y de las pieles, o las lágrimas. En esta composición, tanto el dibujo como los colores son de gran importancia: el dibujo, por dar una gran definición al contorno de las figuras, y los colores, porque produce que la escena se haga aún más impactante. Todos los personajes llevan hermosos ropajes, cuyas

texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, etc. Es también una característica

propia del arte flamenco ésta de resaltar la calidad de las materias que aparecen, ya que indica el poder de quien encarga la pintura. 8. LUZ: da la impresión de ser luz artificial por el color dorado del fondo. 9. COLOR: el autor utilizó varias gamas de colores. Todo el fondo está recubierto por riquísimas láminas de pan de oro (influencia gótica), que además de un símbolo de riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra cosa que no sea la escena. La túnica de San Juan, está pintada de color carmesí, la de la Virgen, de color

azul lapislázuli (esto indica que el cuadro costó caro a quienes lo encargaron, puesto que se utilizaba esta piedra semi-preciosa para conseguir ese color); M. Magdalena y una de las “Marías” (la más joven) están vestidas en tonos verdes (también a base de machacar piedras semi-preciosas); Nicodemo, en tonos marrones y ocres; y el ángel, en azul pálido. El color blanco aparece en varios personajes (en una de las “Marías”, en el tocado de la Virgen, en la cabeza de M. Magdalena, y en el paño de pureza de Cristo). Se consigue fácilmente, puesto que únicamente tienen que dar unas pocas

pinceladas para que tome brillo, porque la base ya es blanca debido al yeso. Además de todo esto, el color acentúa el efecto de sentimientos exaltados por la pasión y muerte de Cristo, que en definitiva, es el objetivo que el autor persigue con el cuadro, que los devotos y no devotos sientan la emoción de la escena. 10. PERSPECTIVA, AMBIENTACIÓN, COMPOSICIÓN: a simple vista,

las figuras dan sensación de volumen. Parece que todas (a excepción del desconocido) se agolpan en un primer plano, pero procurando que ninguna oculte a las demás. Los personajes son diez en total: Cristo muerto, la Virgen, San Juan, las “Marías”, José de Arimatea, Nicodemo, María Magdalena, el ángel, y un hombre en un plano posterior que nos es desconocido. Parece, que tiene unos cuatro planos, y las figuras forman frecuentes escorzos que le dan esa apariencia de perspectiva. La obra debió ser un políptico cuyas partes laterales han desaparecido y que fue ordenado pintar por la Cofradía de los ballesteros de

Lovaina para su capilla de Notre-Dame. Sabemos que es así, porque en las esquinas superiores se encuentran dos tracerías góticas en las que se esconden dos ballestas en la zona más pegada al vértice. Además la colocación de ambas manos cerca, nos ayuda a visualizar como el pintor trató los cuerpos de forma que la separación entre la vida y la muerte queda clara.

La escena se encierra entre dos personajes que están amagados a modo de paréntesis: San Juan en la izquierda, y María Magdalena en el lado derecho. Cristo aparece situado en el centro, formando una diagonal, y prácticamente en consonancia con el cuerpo de su madre, también ubicado en diagonal. Lleva corona de espinas y los pelos de su barba se encuentran perfectamente delineados y definidos gracias al uso de un pincel que únicamente tiene un pelo y con el que se consigue un resultado tan realista. Su anatomía está muy bien trabajada. El paño de pureza está colocado casi estratégicamente para taparle los genitales. En el costado tiene una llaga pero no sangra demasiado. Su brazo derecho, el cual claramente cae muerto, se encuentra en forma paralela al brazo izquierdo y desfallecido de su madre, lo que simboliza su unión madre e hijo. La Virgen está vestida con un maravilloso manto azul lapislázuli, que junto a la posición de su cuerpo, acentúa el desvanecimiento de ésta y sus sentimientos de dolor. En el centro las formas paralelas de los cuerpos de Cristo y de su madre animan la obra con un movimiento no realizado que resalta la sensación de agrupamiento, estableciendo uniones entre todos los personajes. La posición en diagonal y el color frío del manto de la Virgen, contrasta con la verticalidad y el tono cálido de la vestimenta de San Juan, que la recoge tras su desvanecimiento y cuyo rostro, aunque con gestos de sufrimiento, muestra serenidad. Tras éste, se encuentran las dos “Marías”, mujeres santas, y que lloran desconsoladas tras la muerte de su Salvador. El cuerpo de Jesús está sujetado por las axilas por José de Arimatea y por los pies por Nicodemo, que viste un manto ocre y marrón forra do con piel debido al clima frío de los países nórdicos. Tiene el entrecejo fruncido y por sus mejillas transcurren lágrimas de desamparo. En una escena tan trágica, Van der Weyden expresa el sufrimiento de forma espectacular con detalles como el de las lágrimas en María Salomé, la Virgen María, o Nicodemo. También, la expresividad de los brazos, llevándoselos a la cara en el caso de una de las tres Marías que estuvieron presentes, o, la necesidad de María Magdalena de apoyarse para no caer desmayada, reflejan la emotividad del momento.. María Magdalena, está vestida de tal forma que se distingue claramente a lo que se dedicó; sus ropas tienen tres tonos verdes distintos, lleva un cinturón, seguramente regalo de un cliente, y deja ver sutilmente el inicio del pecho con su escote. Es la síntesis de la verdadera lamentación por la muerte de Cristo. El hombre que se

encuentra detrás de Nicodemo, lleva en sus manos un frasco de perfume, propiedad de María Magdalena, con el que ésta le había rociado los pies a Jesús para llorarle. El ángel, también roto por el dolor, ayuda a bajar el cuerpo de Jesús subido a una escalera. Las expresiones de los rostros emocionados y trágicos, captados con gran exactitud y realismo, forman un compendio de sentimientos dispares, con un común denominador: la tristeza. En la parte de abajo del cuadro, hay restos óseos, que simbolizan el Calvario, y que Cristo fue crucificado en el Monte de la Calavera, según cuenta la leyenda, al igual que Adán. Tenemos motivos para quedarnos embelesados ante esta maravilla de pintura . Y las razones podrían ser las siguientes: En primer lugar por la pulcritud técnica con la que se ha resuelto. La técnica al óleo cumple aquí su papel de tratar la escena con una definición y brillo especiales, que la acercan particularmente al espectador. El trazo es firme y de perfiles precisos, lo que remarca su volumen y potencia el realismo de las figuras que parecieran a punto de traspasar el marco del lienzo. La luz es brillante y además de recrear una atmósfera diáfana, reproduce una escena de una extraordinaria nitidez. Y todo ello, sin olvidar los detalles exquisitos desperdigados por la tabla, como las lágrimas que recorren el rostro nacarado de la Virgen o de las Marías, tal si de perlas se tratara. Hay que destacar también su fuerte expresionismo. Es cierto que la tradición flamenca es rica en un arte lleno de fuerza expresiva y dramatización, pero la escena que plantea Van der Weyden se interpreta como un drama teatralizado en el que los rostros, los gestos, las distintas actitudes de los personajes, incluso la dureza que despliegan los dobleces de los paños prodigan una exaltación de los sentimientos y las emociones, con las que su autor manifiesta su preferencia por la exageración dramática en detrimento de un mayor realismo. Por último el color. El color de Van der Weyden en esta pieza es insuperable e irrepetible. Sus colores son únicos, inimitables, y muestran además una fuerza cromática, una potencia visual y una armonía de una elegancia y una vistosidad extraordinarias. Imposible apartar la vista del azul de la Virgen, de los blancos inmaculados de las togas y turbantes, de los rojos brillantes, de los violáceos, del verde imposible de María sosteniendo a la Virgen…Probablemente y por todo lo dicho, es una de las obras más bellas y extraordinarias de toda esta sección.

Tríptico de Miraflores 1445. Juan II de Castilla lo donó a la Cartuja. En 1809 el general Jean de Armagnat sacó de España la obra, pasando al fin la obra e Berlín 1850. Consta de la escenas: Sagrada Familia, la Piedad con san Juan Evangelista y Nicodemo, y la aparición de Cristo resucitado su madre la Virgen María.; los ángeles coronan a la Virgen como exaltación de sus virtudes, en las filacterias explicadas. Las escenas están esculpidas en los arcos. Bajo ella aparecen escenas de santos y en los capiteles escenas del Antiguo Testamento. En tres los mantos de la Virgen están bordados versículos que proceden principalmente del Magnificat ( En el Museo estatal de Berlín) En el «Tríptico de Miraflores» la Virgen lleva bordados en sus tres mantos versículos del «Magnificat». Un consejo: lleve una lupa cuando vaya a ver la muestra: podrá apreciar hasta el más mínimo detalle. Isabel la Católica encargó a Juan de Flandes una copia del «Tríptico de Miraflores» para la Capilla Real de Granada. Una de sus tablas, «Aparición de Cristo a la Virgen», ha sido cedida por el Metropolitan de Nueva York para la exposición. Los trabajos del maestro y su taller tuvieron una gran influencia en generaciones de artistas. Fue el caso del escultor de origen flamenco Egas Cueman, de quien se muestra un precioso y delicado alabastro: «Fray Lope de Barrientos» (Fundación Museo de las Ferias de Medina del Campo). Paseando por sus salas resulta difícil no sobrecogerse: es la emoción hecha pintura. Pocos artistas saben provocar las emociones de una forma tan sublime como Roger Van der Weyden (su verdadero nombre era Roger de la Pasture, hijo de un fabricante de cuchillos). Van der Weyden pide al espectador «una particular atención y cierto esfuerzo intelectual». Así es. Hay que visitar la muestra despacio, sin prisas, para apreciar en todo su esplendor los sutiles y exquisitos detalles que encierran sus obras

La PIEDAD, óleo de Van der Weyden. En su origen fue rectangulat, luego se amplió en la parte superior en 1500. La Virgen y Cristo son una adaptación simplificada e invertida de las figuras de la tabla central del Tríptico de Miraflores El San Juan también aparece invertido, y procede de otro cuadro de Van der Weyden, del que sólo se conservan fragmentos (en la Royal Gallery of London); sin identificar el donante. Resulta que entonces era costumbre que los ayudantes del maestro hicieran copias adaptándose a las necesidades de sus clientes.

La Crucifixión: (el Museo del Prado) del Maestro de la Leyenda de Santa Catalina. 1475-85) El artista copió muchas de las figuras y gran parte del paisaje de las “Crucifixión con santos y donantes” de Van der Weyden (Hoy en Viena) y tuvo que trabajar a partir del original o de un calco coloreado ( coincide en las más mínimos detalle del paisaje en su color) La Virgen María del centro del grupo de la derecha no está tomada del maestro. El Cristo con la Cruz en forma Tau griega, con el paisaje flamenco, el paño de pureza volado y con ángeles típicos flotando por los aires son de Van der Weyden ( Tríptico del Museo de Viena) Característica de su trabajo es la utilización de tipos y composiciones tomados de Roger van der Weyden, como se advierte en el disperso retablo de la Adoración de los Magos, procedente de la cartuja de Miraflores, o en la Crucifixión del Museo del Prado, cuyas figuras principales tomó de la tabla central del tríptico del Calvario si bien estandarizando y acartonando los rostros, que se van a caracterizar por los ojos rasgados, las orejas desmesuradamente grandes y la ausencia de expresión. Retablo de Nuestra Señora de Belén en Laredo. 1430-40 en madera de nogal. Son cuatro compartimentos de un retablo del siglo XV incorporado en otro mayor de estilo barroco. (Se conserva en la Parroquia de la Asunción de Laredo en Santander.) Se compone de figuras pequeñas componiendo escenas en distintos, planos.

Tríptico de los 7 Sacramentos

1450 de Roger Van der Weyden Amberes

Fue idea del autor el representar los 7 sacramentos como un hecho que se reproducen en la misma iglesia: Bautismo, Confirmación. Confesión a la izquierda, encontrándose en el centro detrás de la Cruz, el sacerdocio y el matrimonio y la Extrema Unción en la parte derec ha. La Cruz es tan alta casi como la nave centra l de la iglesi a. Ningu na de las figura s guard a la escala de la iglesi a. La muestra hace ver el ciclo de la vida en todas sus fases, en muchos niveles sociales, desde los mendigos a la puerta de la iglesia hasta la novia ricamente vestida para el matrimonio. Los escudos que aparecen identifican al donante como Jean Chevrot. El Obispo de Tournai en el ala izquierda.

Crucifixión, tabla central del Tríptico de la Redención, del Maestro del Tríptico de la Redención. Se nota la influencia en la obra, de Van der Weyden en su Tríptico de los 7 sacramentos. Y en el de Miraflores. En un arco parecen 6 escenas de la pasión, en la enjutas parte superior los símbolos de los evangelistas Juan y Marcos. En las dos jambas los seis sacramentos más La Eucaristía que se está celebrando en el umbral de la misma iglesia.

Gigantesco tapiz de Zaragoza. Lana

del

museo de tapices

y seda. Manufactura de R.V.d.W. de 1450-60. Cuenta la historia de JEFTÉ tomada de la Biblia en Jueces, 11. Un personaje del extremo izquierdo de la tela es el mismo narrador, en cuyo pergamino figura una inscripción en francés. Se narra en él cómo cinco ancianos piden a Jefté que ayude a Israel en la guerra contra los Amonitas. Jura l rey que de vencer sacrificaría a la primera figura que salga a recibirle al regresar a casa. ¡ Será su propia hija! Tras cambio de cartas con el jefe de los amonitas se da la

batalla. JEFTÉ mata al rey enemigo que cae del caballo ( aparece en el tapiz en el extremo inferior derecho). En el otro extremo se verá a Jefté dispuesto a sacrificar a su hija. El tapiz fue tejido en vida de Van der Weyden. Se piensa que éste pudo haber realizado el cartón para el tapiz. En la década de 1460 había dos juegos al menos como éste en España.

EL Calvario: de Roger van der Weyden. En el monasterio del Escorial. 1457-64 Es una de las obras maestras más complejas de la historia del arte europeo Es un `leo sobre tabla de roble, fue pintado poco antes de morir su autor. Que lo donó a la cartuja de Scheut, en las afueras de Bruselas. Lo planteó como una obra de gran tamaño. Las tres figuras del cuadro son de tamaño natural. En él Van der Weyden perfeccionó unas ideas que venía elaborando en pinturas anteriores hacía. Los pliegues del paño que hacen de fondo forman una retícula sobre la que se trazan las figuras. Cada cuadrado tiene la proporción 8:5 de la sección áurea. La vestidura blanca contrasta dramáticamente con el rojo sangre del paño de honor. Tres lágrimas surcan el rostro de Cristo. Hay que visitar la muestra despacio, sin prisas, para apreciar en todo su esplendor los sutiles y exquisitos detalles que encierran sus obras: como esas tres casi imperceptibles lágrimas que caen del rostro del Cristo crucificado en el «Calvario» – una resbala del ojo derecho, dos del izquierdo–; las gotas de sangre, casi transparentes, que corren por su frente, sus manos y sus pies, o los casi invisibles hilos con que están tejidas las bellísimas telas que pinta. Es un cuadro de enormes dimensiones, con un aire escultórico, en el que parecen la Virgen llorosa, Cristo en la Cruz, san Juan de pie. ...es el fin. Cuando alguien está mirando sin pronunciar palabra «se deja de pensar», alcanzando la belleza, que «está más allá de cualquier concepto». «La herramienta `superinteligente' que tiene el ser humano es la atención sostenida, sin hacer nada más. «Acallando los razonamientos aflora la armonía». Mirar y no pensar. No se trata tanto de buscar la intención del artista y su significado ( el cuadro una vez expuesto ya no es suyo) sino sencillamente, mirar sin prisas y dejarse llevar…

…asívio,sintióysedejómirarjavisernaunamañanatransparentedeprimavera…2015