[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015

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Presentación ÍNDICE DE CONTENIDOS Historia y Pensamiento Los Shimazu y Ryûkyû: Japón conquista Okinawa. Por David Lacasta. 4 Ecos del pasado: el mundo perdido de Asia. Por JonAitor G. Doncel. 8 En búsqueda de la Atlántida china. Por Diana Espada. 11

Literatura Entrevista a Ryukichi Terao, hispanista y traductor. Por STAFF. 16

Cine y Televisión Tirano (2014 - …): familia, poder, oriente y televisión. Por Marisa Peiró. 21 Glory to the filmmaker! y la crisis del creador. Por Laura Martínez. 29 Rompiendo las reglas del slasher ochentero: Nadie vive (No one lives, Ryûhei Kitamura, 2012). Por Elísabet Bravo. 37 Hostelería hindú y senectud: un cóctel para repetir. Por Laura Martínez. 42

Cultura Visual La extensión mundial del manga japonés. Por Julio A. Gracia. 48 ¿Podemos ser héroes?: Nación, Religión y Femineidad en las nuevas superheroínas de Oriente Medio I. Por Marisa Peiró. 51

Abril es un mes donde confluyen cambio y permanencia: la primavera parece querer abrirse paso, pero las lluvias nos recuerdan que el buen tiempo aún se nos resiste. De igual modo, nuestra revista culmina el mes a caballo entre el constante predominio de Japón y la introducción de novedades diversas, como series que acaban y empiezan o colaboradores que se estrenan con nosotros. Sin duda el país del Sol Naciente tiene un predominio destacado en este número, pero junto a él se conjugan otros artículos que hacen referencia a China, Mongolia, la India y Oriente Medio. El mes comenzó, de manera insuperable, con la entrevista al hispanista y traductor japonés Ryukichi Terao, con quien charlamos sobre literatura, idiomas y la relación entre Oriente y Occidente. Japón ha estado también presente en el artículo de Laura Martínez, que desmenuza con detalle los entresijos de la película Glory to the Filmmaker!, de Takeshi Kitano, mientras que David Lacasta nos maravilló con el pasado histórico de este país, relatándonos las campañas militares que enfrentaron al reino de Ryûkyû con los daimios de Satsuma. La conexión occidental la puso Elisabet Bravo, quien nos dio las claves del género slasher usando como pretexto la película Nadie Vive, de Kitamura, protagonizada por Luke Evans. China encontró su sitio de la mano de Diana Espada, quien se “sumerge” en la “Ciudad del León” para hablarnos de arqueología subacuática, y la India pone el toque colorido al mes con el artículo de Laura Martínez, que analiza el éxito de El Exótico Hotel Marigold con motivo del reciente estreno de su secuela. María Gutiérrez concluye este mes su serie sobre muñecas populares asiáticas con dos magníficas entregas, pero otros artículos encuentran continuidad, como la serie de Julio A. Gracia sobre el manga japonés, o el interesante recorrido por el quimono que nos trae María Postigo. También ha sido un mes de interesantes comienzos, como los artículos que Marisa Peiró nos irá ofreciendo sobre la serie de televisión Tyrant, o su análisis de las superheroínas de Oriente Medio a través del cómic. Damos la bienvenida también a un nuevo colaborador, JonAitor G. Doncel, quien se estrena con la primera parte de una serie de artículos relativos al interesante tema de los dinosaurios en Asia.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 A todo esto, debemos añadir las habituales críticas cinematográficas y reseñas literarias, poniendo el contrapunto de actualidad a la revista, y que nos traen colaboradores como Ana Asión, María Gutiérrez, David Lacasta, Carolina Plou, Marisa Peiró o Laura Martínez. Concluimos así un mes marcado por la tragedia del terremoto acaecido en Nepal, con epicentro en Katmandú, y por el cual debemos lamentar la pérdida de importantes piezas del Patrimonio de la Humanidad (motivo por el cual hemos querido dedicarle nuestra portada). Aunque, sin duda, por encima de los daños a la historia y la cultura oriental, nuestros corazones están con los miles de víctimas de este desastre natural. Fdo. La Dirección.

ÍNDICE DE CONTENIDOS Varia El buen quimono II: Moda e intersección, Oriente y Occidente. Dos amigas destinadas a encontrarse. Por María Postigo. 59 Una aproximación a la muñeca popular made in Asia V: la estética manga. Por María Gutiérrez. 67 Una aproximación a la muñeca popular made in Asia VI: varia y conclusiones. Por María Gutiérrez. 71

Crítica

Ecos de Asia somos:

Crítica: Lilting (2014). Por Ana Asión.

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Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou.

Crítica: 7 Assassins ( 2014). Por David Lacasta.

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Tesorería: Marisa Peiró.

Booby Jasoos (2014), la nueva gran detective de Mughalpurna. Por Marisa Peiró. 80

Secretaría: Carolina Plou. Responsable edición web: María Gutiérrez y Marisa Peiró. Responsable edición en pdf: Carolina Plou (variaciones y maquetación, diseño de portada). Comité de redacción: María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou. Comité científico: Ana Asión, Elísabet Bravo, María Galindo, Julio A. Gracia, María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán. Colaboradores en materia web: Alberto Clavería y Fernando Sánchez.

Crítica: Say “I love you”. Por Laura Martínez.

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Un viaje llamado vida. Recuerdos y experiencias de Banana Yoshimoto. Por María Gutiérrez. 84 Hachiko, el perro que esperaba, una obra de Luis Prats. Por María Gutiérrez. 86 Reseña literaria: Encuentros secretos. Por Carolina Plou. 88 Reseña literaria: Diez noches de sueños. Por Carolina Plou. 90 Reseña literaria: El viento de los dioses. Por David Lacasta. 92

ISSN 2341-0817 REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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Los Shimazu y Ryûkyû: Japón conquista Okinawa Por David Lacasta En la actualidad el archipiélago sobre el que se asienta el moderno Japón se compone de cuatro islas principales, Hokkaidô, Honshû, Shikoku y Kyûshû, además de seis mil islas e islotes de menor tamaño. Partiendo del extremo sur de la isla de Kyûshû se extiende una larga cadena de islas entre el Mar de la China Oriental y el Océano Pacífico hasta las cercanías de Taiwán, islas que en la actualidad pertenecen tanto a la prefectura de Okinawa como a la de Kagoshima, el antiguo dominio de la familia Shimazu emplazado en la isla de Kyûshû. Tal y como se puede comprobar en los mapas actuales, la delimitación entre las dos prefecturas se encuentra en una línea ficticia que separa la isla principal de Okinawa de las Islas Amami (pertenecientes a la prefectura de Kagoshima), delimitación que siglos atrás no resultaba del todo precisa y que fue el origen de una serie de enfrentamientos entre el reino de Ryûkyû y los daimios de Satsuma durante siglos. El término Ryûkyû se usa habitualmente para denominar a la totalidad de la cadena de islas que se extienden entre Kagoshima y Taiwán. El mismo nombre también hace referencia al reino que existió en ese lugar y que no logró extender su hegemonía sobre la totalidad del archipiélago. El reino de Ryûkyû, que pasó a estar bajo el control del dominio de Satsuma a partir de 1609 en adelante, perduró hasta el año 1879, momento en el que fue absorbido por Japón y renombrado como Okinawa. La moderna prefectura de Okinawa comprende en la actualidad un total de 160 islas, de las cuales

la mayor también recibe el nombre de Okinawa.

Históricamente en Japón se asociaba la fundación del reino de Ryûkyû con una leyenda asociada al samurái Minamoto Tametomo,1 quien durante su exilio lejos de la corte de Kioto habría fundado este reino, en esta leyenda se señalaba al archipiélago como una parte del imperio japonés. Esta mítica El gran samurái Minamoto Tametomo (1139-1170), famoso por su destreza con el arco, se convirtió en el héroe de un breve conflicto que se produjo en la ciudad de Kioto conocido como el incidente Hôgen. Tras la derrota de la facción política a la que apoyaba, Tametomo fue condenado al exilio. Una historia narra como cuando vio a una embarcación de samuráis que se acercaba para acabar con su vida, Tametomo les disparó una flecha con la que hundió la embarcación, tras lo cual se retiró y cometió seppuku. Otra leyenda narra cómo logró escapar hasta la distante Okinawa, en donde se convirtió en el ancestro de los reyes de Ryûkyû. 1

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 fundación estaba profundamente arraigada entre los gobernantes de la cercana provincia de Satsuma, los cuales se valían de ella como una legitimación de sus aspiraciones sobre las islas desde tiempos de Shimazu Tadahisa. En 1186 el primer shogun japonés, Minamoto Yoritomo le concedió a su hijo ilegítimo Shimazu Tadahisa (muerto en 1227) el control del feudo de Satsuma, concesión que debe ser vista como un intento por alejar lo más posible a su hijo de las hostilidades de su mujer.2 La remota localización de Satsuma en el extremo sur de Japón permitió a los descendientes de Tadahisa el poder disponer de una relativa autoridad y autonomía durante siglos sin interferencias por parte de los dirigentes de la nación. A Shimazu Tadahisa se le concedió el título adicional de “Señor de las Doce Islas del Sur”, una

Mapa con las principales islas del archipiélago.

El dominio de Satsuma, emplazado en el extremo meridional de la isla de Kyûshû, erauno de los destinos más alejados de la ciudad de Kamamkura, lugar en el que se encontraba la corte de Yoritomo. 2

denominación imprecisa para referirse a Ryûkyû. Además su padre, el shogun Minamoto Yoritomo, era sobrino de Tametomo, por lo que se añadía una relación familiar con la que legitimar sus aspiraciones sobre el archipiélago. Durante los siglos siguientes los señores de Satsuma intentaron ejercer sus derechos sobre las islas, llegando a autodenominarse como “Gobernadores de Ryûkyû”. Por su parte los gobernantes de Ryûkyû no permanecieron ociosos, partiendo de Okinawa dirigieron una serie de expediciones hacia las islas más cercanas. Iheya y Kerama cayeron bajo control de Ryûkyû en el año 1264, tras lo cualse desató un período de considerable inestabilidad en la isla principal, ocasionando quedurante el siglo XIVlos líderes de las tres principales facciones: los Hokuzan asentados en el norte; los Chûzan de la parte central y los Nanzan que controlaban el sur, se disputaran el control de la isla. Sus gobernantes se referían a sí mismos como reyes pese a que no dejaban de ser más que gobernantes o señores de la guerra. En el año 1406 un señor de la guerra denominado Shô Hashi derrotó al gobernante de Chûzan y lo reemplazó por su propio padre, Shô Shishô. Tras una larga campaña militar, Shô Hashi unió a las distintas facciones rivales en el año1429, dando lugar al reino de Ryûkyû. La nueva fuerza militar de Okinawa permitió la conquista de las distantes islas de Miyakojima y el grupo de islas Yaeyama. Miyakojima fue

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 anexionada en el año 1500, mientras que la conquista de las islas Yaeyama (Ishigaki, Iriomote y Yonaguni) se produjo en el año 1509 tras una exitosa expedición,en la que se emplearon 3000 hombres y 46 barcos, que terminó por extender la influencia de los gobernantes de Ryûkyû por el sur del archipiélago. El gobernante de Kumejima, una isla emplazada al oeste de Okinawa, capituló en el año 1507.

daimio contra Oshima en 1493, además de sofocar una serie de revueltas de los nativos, quienes no terminaban de aceptar la ocupación, desencadenando una intervención encabezada por el rey Shô Shin en 1573, así como otra durante el año 1571 por el rey Shô Gen, la cual sería la última campaña emprendida por los soberanos de Ryûkyû en el norte hasta la intervención de los Shimazu en 1609.

A pesar de sus antiguas reclamaciones sobre la totalidad del archipiélago, la familia Shimazu no interfirió en el desarrollo de estas ofensivas emprendidas por los reyes de Ryûkyû hacia el sur y el oeste de Okinawa. Las hostilidades entre ambos se desencadenaron debido a la expansión de estos últimos en dirección norte hacia las islas Amami. Este movimiento se vio como una agresión directa dentro del área de influencia del dominio de Satsuma. Oshima, la mayor de las islas Amami, fue atacada por Ryûkyû en 1440, aunque no llegó a ostentar el control definitivo debido a que las luchas y disputas fronterizas entre ambas facciones se prolongaron durante años. La continua resistencia de la isla de Kikaijima hizo que el propio rey Shô Toku3 de Ryûkyû encabezara un ataque a la isla al mando de 2000 hombres y 50 barcos.

Los samuráis del señor de Satsuma Shimazu Iehisa, contando con el beneplácito del shogun Tokugawa Ieyasu, llevaron a cabo en el año 1609 una rápida y brillante campaña contra el reino de Ryûkyû. La operación concluyó con la captura del rey de Ryûkyû y la anexión del reino por parte del dominio. La operación militar consistió en una serie de desembarcos a lo largo de la cadena de islas que forman el archipiélago, finalizando con la conquista de Okinawa y del principal puerto de la isla, Naha, así como del palacio real de Shuri, residencia de los reyes isleños. El rey de Ryûkyû fue hecho prisionero, comenzando un periodo de control sobre las islas por parte de Satsuma que se prolongaría durante los 250 años siguientes.

A partir del año 1440 los reyes de Ryûkyû se encargaron de defender obstinadamente su ocupación de las islas Amami ante los intentos emprendidos por parte de Satsuma para retornarlas su control. Repelieron con éxito una expedición emprendida por el Shô Toku es uno de los principales reyes guerreros de Ryûkyû y ha pasado a la historia como un personaje imbuido de las románticas ideas de los piratas wakô, que se valían de las islas Ryûkyû para sus propios saqueos. ShôToku adoptó como su emblema las tres joyas con forma de coma en un círculo, emblema de Hachiman, el dios de la guerra, que era usado por los piratas y que con posterioridad devino en la bandera de los reyes de Ryûkyû. 3

La campaña, extremadamente bien ejecutada por parte de las tropas de los Shimazu, dio muestras del desarrollo de las tácticas militares empleadas por los samuráis tras un largo y cruento período de guerra civil.4 La fallida invasión de Corea por parte de Toyotomi Hideyoshi en el año 1592 puso de manifiesto que se podía embarcar un gran número de tropas y transportarlas por mar con el fin de llevar a cabo ataques rápidos y esporádicos en los que se hacía uso generalizado de las nuevas armas de fuego. Periodo conocido como Sengoku o de los estados combatientes, (1467-1568) en el que diversos señores feudales se enfrentaron entre ellos por el control del país. 4

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Estas mismas técnicas, aunque a una escala mucho menor, fueron las que se emplearon en Okinawa. La campaña contra el reino de Ryûkyû fue una operación militar llevada a cabo bajo el beneplácito del shogun y emprendida por un dominio contra un reino independiente. El único paralelo que podemos encontrar fue la fallida invasión de Corea del año 1592, por lo que nos encontramos ante un episodio fundamental de la historia nipona, siendo la única ocasión durante el período en que los samuráis rigieron el destino de Japón en que se produjo la conquista y anexión de un estado extranjero.

Para saber más: -

AA. VV., The Kodansha bilingual encyclopedia of Japan, Tokio, Nueva York, Kodansha America, 1998.

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Turnbull, S., The samurai capture a King. Okinawa 1609, Oxford, Osprey Publishing, 2009.

Palacio real de Shuri en Naha, residencia de los reyes de Ryûkyû.

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Ecos del pasado: El mundo perdido de Asia Por Jon-Aitor G. Doncel Los dinosaurios han ejercido durante décadas la curiosidad y la fascinación de un nutrido grupo de personas en todo el mundo, es por ello, que en Ecos de Asia estableceremos la conexión de estos magníficos seres con el continente asiático. En primer lugar, trataremos el tema relativo a los hallazgos fósiles más reseñables para, en futuras entregas, hacernos eco de las especies de dinosaurios más relevantes encontradas en el continente así como para realizar una crítica de la visión que el cine nos ha ido mostrando de los dinosaurios, especialmente de las especies asiáticas. Si se realizase una encuesta a un grupo de personas sobre en qué continentes se dio una mayor presencia de dinosaurios o cuales gozan de mayor relevancia para la paleontología, seguramente la primera respuesta sería optar por los continentes de América y Oceanía, dada la gran influencia anglosajona en la difusión de la disciplina paleontológica, para luego citar el continente europeo, el cual alberga buena parte de los museos de ciencias naturales más famosos del mundo como los de Londres o Berlín. Por otro lado, algunos se decantarían por el continente africano, tras la paulatina relevancia que éste ha ido obteniendo en las últimas décadas. Con ello nos encontramos con que Asia suele verse relegado a un ámbito secundario en lo que se refiere a la percepción que el gran público establece entre este continente y la paleontología, si bien este “gran olvidado” ha aportado muchos hallazgos a los paleontólogos que han resultado vitales a la

Reconstrucción artística de un Protoceratops peleando con un Velociraptor.

hora de averiguar las costumbres o apariencia de estos impresionantes animales. Por otro lado, algunos de los dinosaurios más conocidos por el gran público, como el célebre Velociraptor, proceden precisamente de Asia y no de Estados Unidos como generalmente se tiende a pensar. Es por ello que en las siguientes líneas introduciremos brevemente cuales han sido los más importantes hallazgos paleontológicos y yacimientos encontrados en dicho continente. Nuestro viaje por la historia de la paleontología asiática comienza en torno a la década de los años 20, momento en el que los paleontólogos, tras haber realizado durante décadas búsquedas y hallazgos de yacimientos fósiles en América, Europa y África, se marcaron como nuevo objetivo

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 adentrarse en las inexploradas tierras de la meseta central asiática. Llegados a este punto, dos países centrarán el estudio de los dinosaurios, Mongolia y China.

y no de Protoceratops, como se había pensado inicialmente, por lo que el Oviraptor encontrado lo que realmente estaba haciendo era incubar los huevos.

El responsable de la primera gran expedición a Asia sería el zoólogo Roy Champman Andrews, quien en abril de 1921 con la primera campaña asiática del Museo Americano de Nueva York, sentará las bases del posterior expedicionismo asiático. Siendo durante esta serie de primeras excavaciones cuando se encuentren los primeros fósiles de nuevos dinosaurios desconocidos hasta entonces como el Protoceratops o el Velociraptor, que pronto se convertirían en objeto de estudio de la paleontología a nivel global.

El segundo hallazgo reseñable se llevó a cabo en 1971 en el desierto de Gobi a manos de una expedición polaco-mongola, y consistió en el descubrimiento de los huesos perfectamente conservados de una pareja de dinosaurios en actitud de lucha. Por un lado un Velociraptor y, por otro, un Protoceratops, lo cual llevó a que se conociese a los fósiles por el célebre nombre de los Fighting Dinosaurs. La escena muestra a un depredador peleando con su presa, lo cual introdujo el novedoso aspecto

En este marco, no transcurrirá mucho tiempo hasta que se produzca el primer hallazgo relevante cuando se descubra un gran nido de huevos de dinosaurio en relativamente buen estado. En un principio los huevos se atribuirán a la recién descubierta especie Protoceratops, dada la cercanía de varios de los restos encontrados de estos animales con el nido, Fighting Dinosaurs, Durante la lucha el Velociraptor ha caído en el suelo y sujeta la cara del mientras que en un lugar Protoceratops con sus manos mientras trata de clavarle la garra retráctil en la garganta. Por su próximo alos huevos se parte, el Protoceratops se defiende mordiendo con el pico al carnívoro. desenterraría el esqueleto de permitir conocer a los paleontólogos el de un nuevo dinosaurio bautizado como comportamiento y forma de pelear de ambos Oviraptor. Conviene concretar que, si bien animales, y posibilitó al mismo tiempo éste último fue considerado al principio como descartar al Velociraptor como una especie un ladrón de huevos, carroñera. Este conjunto fósil, ha sido el sería “exculpado” durante la década de los único en el que se han descubierto noventa, cuando nuevos descubrimientos dinosaurios en acción de combatir, y se cree similares demostraron que los huevos en realidad pertenecían a la especie de Oviraptor REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 que ambos murieron enterrados por una tormenta de arena mientras luchaban.

dio lugar a otra que supone la existencia de colores vivos en el plumaje de los dinosaurios, en comparación evidente con las aves existentes hoy en día. Según los paleontólogos actuales, los dinosaurios terópodos carnívoros con garra retráctil o curva, conocidos como los “Dromeosáuridos” eran los más proclives a presentar plumas, de ahí que, tras la aparición de los restos del llamado Sinornithosaurus (encontrado en la formación Yixian,China) y otros especímenes

El tercer y último hallazgo sobre el que vamos a referirnos ha tenido una gran influencia en la forma en la que los paleontólogos han acabado percibiendo a las aves, y posiblemente también el colorido que tendrían algunos dinosaurios. Durante mucho tiempo se pensó que los dinosaurios eran una extraña evolución de los reptiles y que antes de su extinción no habían dado lugar a ninguna otra especie. Todo ello cambió con los primeros estudios que sugirieron en los años noventa que algunas aves primitivas semejantes a los dinosaurios, como el Archaeopteryx A la izquierda el “Microraptorgui” y a la derecha el (encontrado en Sinornithosaurus. ¿Reptiles o aves? Cada paso que se da en las Alemania en investigaciones parece confirmar que, en el fondo, los dinosaurios tenían rasgos de ambos. 1861), pudieron haber dado similares, se haya tendido a representar con lugar a las aves. De otro lado, los plumas a algunos “Dromeosáuridos” de paleontólogos nunca han podido determinar menor tamaño como el Velociraptor. Por otro el color de los dinosaurios ni imaginarse si lado, según recientes investigaciones, las éstos tenían colores llamativos. Pero el especies más grandes de carnívoros como el hallazgo de fósiles en las últimas décadas en Tyrannosaurus, bien pudieron contar con China, como el encontrado en 2003 cerca de protoplumas, teoría extendida tras el la ciudad de Chaoyang y bautizado como el descubrimiento en la provincia de Liaoning, “Microraptorgui”, llevó a un consenso entre en China, del “Yutyrannushuali” un biólogos y paleontólogos de que las aves tiranosaúrido con protoplumas. Con ello, debían de proceder de los dinosaurios, en damos por finalizado nuestro recorrido por concreto del grupo de los dinosaurios los principales yacimientos asiáticos para, en terópodos carnívoros, cuyo miembro más breve, abordar las diferentes clases de famoso es el Tyrannosaurus Rex. Está teoría dinosaurios que podemos encontrar en Asia. REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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En búsqueda de la Atlántida china Por Diana Espada

En el artículo que os presentamos a continuación, vamos a realizar un viaje a la antigua metrópoli china llamada «Ciudad del León» (Lion city). Una maravilla arqueológica que se encuentra entre 26 y 40 metros de profundidad en el lago Qiandao o embalse del río Xin´an que, según indican las fuentes tendría alrededor de 1500 años, y que recibía este nombre porque estaba ubicada justo delante de la montaña de los Cinco Leones (Wu Shi mountain), al norte del antiguo condado de Sui‟an, en la provincia oriental de Zhejiang.5

Mapa ubicación. Col: Daily Mail.

Si bien es cierto, esa zona geográfica de China, cuenta con exuberantes aguas cristalinas, islas exóticas y bosques tropicales que esconden en sus profundidades las ruinas de ciudades y pueblos que formaban parte de los condados de Chun´an y Sui´an creados a comienzos del siglo III bajo el dominio de Sun Quan, fundador del reino de Wu. De Graaf, M. “China‟s Atlantis: How the Lion City was purposely-flooded to make way for a power station but remains completely intact 130ft underwater after 50 years”, Mail Online, 17 de febrero de 2014. Recurso en línea, disponible aquí. visitada; 08/04/2015. 5

Remontándonos en el tiempo, el periodo de los Tres Reinos en China, comprende la fundación de Wei (reino amarillo) en el año 220 y la conquista de los Wu por la dinastía Jin en el año 208, aunque existen opiniones diversas entre los historiadores chinos que amplían el punto del comienzo de este periodo a la rebelión de los turbantes amarillos en 184. Sin embargo el emperador Sun Quan, que había nacido el 5 julio del año 182, y falleció el 21 de mayo del año 252, era hijo de Sun Jian quien a su vez, era descendiente del mismísimo Sun Tzu «Maestro Sun», autor del célebre tratado sobre estrategia militar El arte de la guerra además de ser una figura histórica legendaria en la cultura asiática y china. Es curioso que este popular libro escrito hacia el último tercio del siglo IV a.C., no llegó a Europa hasta finales del siglo XVIII gracias al padre jesuita Jean Joseph-Marie Amiot, quien lo tituló Art Militaire des Chinois. Asimismo tenemos conocimiento de que este texto sigue siendo estudiado por estrategas militares puesto que fue uno de los libros más antiguos que se han escrito y el primer intento conocido sobre lecciones de guerra. La «Ciudad del León» se encontraba perdida desde hace casi seis décadas, hasta que fue redescubierta por un equipo de arqueología subacuática chino de la revista Chinese National Geography (similar a National Geographic) y, por este motivo, fue apodada con el nombre de “La Redescubierta Atlántida de China”, al igual que la ciudad perdida de los Incas, Machu Picchu. Y es que el gran lago

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Central hidroeléctrica de Xin´anjiang. Col. industrytap.com

artificial conocido, entre otras cosas, por la excelente calidad de sus aguas, con las que se crea agua mineral y cerveza, recibe el nombre también del Lago de las Mil Islas.6 Pero en 1959, gracias a la edificación de una central hidroeléctrica, a través de la construcción de la primera presa realizada en China, el gobierno decidió sumergir este territorio, para así dar abastecimiento eléctrico a las urbes de Shanghái y Hangzhóu. Asimismo es cierto que, actualmente ya no se produce energía y ésta zona es un destino turístico muy popular, aunque debido al interés suscitado, el sitio ha sido declarada de interés arqueológico y no puede ser visitada salvo por arqueólogos autorizados.7

excepcional conservación de la antigua metrópoli, casi de manera íntegra gracias a la temperatura constante del ambiente, que ha contribuido a mantenerla en una especie de cápsula del tiempo bajo las aguas, paradójicamente, intacta a la revolución urbanística que ha transformado China desde su apertura al capitalismo hace más de tres décadas que ha arrasado buena parte de su patrimonio cultural. Asimismo, se sabe que a los pies de la montaña se instalaron el centro político, económico y cultural desde el año 621 durante la dinastía Tang (618-907), hasta 1959, cuando se construye el lago artificial.8

Hace seis años, durante el invierno de 2009, se realizó una de las primeras inmersiones en el lago para explorar estos vestigios arqueológicos que han pervivido hasta nuestros días de forma casi fantasmal; su finalidad era la de explorarlos debido a la importancia histórica de la ciudad de Shi Cheng. Lo realmente fascinante fue la Lingren, Z., “The Ancient Underwater City og Thousand Islands Lake”, China Scenic. Recurso en línea, disponible aquí, visitada; 08/04/2015. 7 Xin‟an River Reservoir, Encyclopædia Britannica, disponible aquí. 6

Retrato del emperador Sun Quan, Yan Liben.

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Qiandao Lake.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Esta joya milenaria del patrimonio histórico chino, en antaño fue una floreciente ciudad comercial, monumental y bulliciosa, con un tamaño equivalente a 62 campos de fútbol, Shi Cheng guarda auténticos tesoros arquitectónicos, entre los que encontramos edificios, escaleras o los más de 250 arcos, que se encuentran en perfecto estado, al igual que los relieves tallados en madera. Además, se ha demostrado que la urbe contaba con cinco puertas con sus respectivas torres que daban acceso a la ciudad que está recorrida por seis calles pavimentadas en piedra. Aún quedan partes por explorar, pero, de entre todas éstas construcciones, cabe destacar, por su estado de conservación, la presencia de un arco de la dinastía Qing (1644-1911) que conmemoraba la castidad, hecho con ladrillo y piedra, junto con parte de la muralla conservada que la rodeaba y otros numerosos edificios que datan de las dinastías Ming (1368-1644) y la ya citada Qing.9 Asimismo entre el agua turbia del lago, aparecieron unas magníficas figuras talladas sobre el muro: un dragón enroscado, aves mitológicas y un quilin (una criatura híbrida); también pergaminos, libros y pabellones. Sobre los muros se encontraron inscripciones en chino que hacían referencia a las normas de conducta que debían seguir las mujeres en la China feudal.10

Entrada a ShiCheng. Col.: Daily Mail.

Vista de la ciudad antigua de ShiCheng. Ilustración realizada por Yu Jidong. Col.: National Geographic.

Lingren, Z., “The Ancient Underwater City og Thousand Islands Lake”, op. cit. 10 China Central Television. 9

Detalle de la decoración del muro. Col.: National Geographic.

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A pesar de que ha permanecido durante muchos años bajo el agua manteniendo así su buen estado de conservación, algunas empresas como Big Blue o Zi Ao controlan las inmersiones exploratorias en la zona en determinadas épocas del año y exclusivamente son realizadas por personal técnico, como ya hemos indicado anteriormente. Pero debemos preguntarnos, si la mano del hombre sin ningún tipo de control entrase en la zona o quedase expuesta al aire: ¿qué le ocurriría a esta urbe de piedra y madera?.11 Esperemos que esta maravilla de la arquitectura imperial china, siga manteniendo el misterio que la envuelve durante muchos años en el fondo del pantano.

11

Detalle de la decoración, Arco de la dinastía Qing. Col.: National Geographic.

Para saber más: -

Lion City Is the Underwater Beauty of China, disponible en YouTube.

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Qiandao Lake, Diving into sunken Lion City (Liquid Image HD320), disponible enYouTube.

Big blue.

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Entrevista con Ryukichi hispanista y traductor Ryukichi Terao (Nagoya, Japón, 1971) es un hispanista y traductor japonés. Doctor en Estudios Latinoamericanos por la Universidad de Tokio (2005), ha trabajado como investigador visitante en el Colegio de México (1997-98), y como profesor visitante de la Universidad de los Andes de Colombia (2001-2002) y en la Universidad de Los Andes de Mérida (Venezuela, 2002-2004). Actualmente, desarrolla desde 2006 la labor de profesor titular de la Universidad Ferris de Yokohama (Japón). Autor de varios ensayos sobre teoría literaria en diversas publicaciones, destacan sus libros Literaturas al margen (2003) y La novelística de la violencia en América Latina: entre ficción y testimonio (2005). Asimismo, ha traducido la obra de autores japoneses al español (como Junichiro Tanizaki, Kenzaburô Ôe, Kobo Abe o Ryûnosuke Akutagawa) y de escritores españoles y latinoamericanos al japonés (tales como Guillermo Cabrera Infante, Juan Gelman, Juan Carlos Onetti, Carlos Fuentes, Mario Vargas Llosa, Julio Cortázar, Horacio Castellanos Mora, Jorge Edwards, Antonio Gamoneda, Sergio Ramírez, Ernesto Sabato, Juan José Saer o José Donoso). Recientemente, se han publicado dos de sus traducciones al castellano: Encuentros secretos, de Kôbô Abe (2014, con Gregory Zambrano), y Muerte por agua, de Kenzaburô Ôe (2014). Siendo Ecos de Asia una revista dedicada a las manifestaciones e intercambios culturales entre Oriente y Occidente, no podíamos perder ocasión de entrevistarle.

Terao, Por STAFF

Ryukichi Terao, en la presentación del libro Encuentros secretos, a principios de 2015.

Ecos de Asia: Las conexiones entre el japonés y el español crecen cada día pero, señor Terao ¿cómo empezó usted a interesarse por la lengua española? R. Terao: Fue por un error, porque escogí español, sin conciencia alguna, en el momento de ingresar a la universidad. En la administración me dijeron que tenía que llevar cinco horas semanales de español obligatoriamente durante los dos primeros años. No había más alternativa que estudiarlo, y parece que me fue bien. Ecos de Asia: Usted ha sido docente, investigador y traductor, trabajando en diversos países de Latinoamérica. Cuando aprendió la lengua española, ¿aprendió el español de España o el de alguna zona de Latinoamérica? En el caso que aprendiera el de España, ¿cómo llegó a habituarse a la pronunciación tan diferente del continente americano? En el caso de aprender el español de Latinoamérica, ¿el de qué zona aprendió y

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 por qué motivos?, ¿le resultó fácil acercarse al de otras zonas, incluyendo al español de España?

luego divulga principalmente el español de España, aunque también invita a muchos latinoamericanos.

R. Terao: Desde el segundo año de la carrera universitaria pertenecí al Departamento de Estudios Latinoamericanos y tuve cursos con profesores chilenos y mexicanos. Nunca aprendí español de España. He vivido en México, Colombia y Venezuela, y, según mi amigo Juancho Armas Marcelo hablo español yucateco, que resulta de la mezcla de los idiomas de esos tres países. No tuve dificultad para vivir en España, pero de vez en cuando me sorprenden expresiones, raras para mí, como cuando me preguntaron si pagaba con tarjeta de crédito o “en metálico”.

Ecos de Asia: Sus estudios universitarios se localizan en el campo de las Humanidades, pero posteriormente ha destacado usted por su labor en el ámbito de la traducción. ¿Qué le llevó, desde el estudio de la lengua y la literatura, al ejercicio de la traducción?

Encuentros secretos, de Kobo Abe, es una de las últimas obras traducidas al español por Terao.

Ecos de Asia: En cuanto a la presencia del idioma castellano en Japón, más allá de su experiencia personal, ¿qué tipo de español es el que se aprende más habitualmente, el de España o el de Latinoamérica? R. Terao: Hay mucha gente que no sabe siquiera que se habla español en América Latina. Sea en academias privadas o en las universidades el que predomina es el español de España. En la actualidad, la presencia del Instituto Cervantes tiene mucho peso y desde

R. Terao: Quizá fue otro error de mi vida, porque empecé a traducir por casualidad. Quise escribir la tesis de doctorado en español y, para mejorar mi escritura, se me ocurrió traducir algunos cuentos de Tanizaki, autor que le encanta a mi amigo Ednodio Quintero, venezolano experto en literatura japonesa. Le mostré cuentos traducidos a Ednodio, que me felicitó por su calidad, animándome a seguir traduciendo más. Dos años después, publiqué mi primer libro de traducción, Historia de la mujer convertida en mono, colección de siete cuentos de Tanizaki. Ecos de Asia: Cuando usted u otros especialistas traducen obras hispanoamericanas, ¿lo hacen al japonés estándar o al de una zona o un registro determinado, para poder resaltar las diferencias lingüísticas y fonéticas que existen entre el español de España y el de Latinoamérica? R. Terao: En general acudo al japonés estándar, pero a veces saco provecho de expresiones dialectales. Ecos de Asia: No se ha enfrentado usted a autores particularmente fáciles, no solo de traducir sino incluso de leer. ¿Qué cree usted que es lo principal que se pierde a la hora de realizar estas traducciones? R. Terao: Lo superficial siempre se pierde con las traducciones, pero lo más importante

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 consiste en trasmitir lo esencial. Si uno se preocupa por la pérdida de lo superficial, nunca podrá traducir, por ejemplo, Tres tristes tigres, obra que más me costó traducir hasta ahora pero que más placer me dio. Mientras se mantiene fiel al espíritu del texto, puede enriquecerlo mediante la traducción suficiente como para compensar la pérdida. A cambio de un palíndromo que sale en Tres Tristes Tigres, “Amor a Roma” (imposible de traducir literalmente), se me ocurrió poner uno japonés que logré inventar al cabo de largas reflexiones: “Me gustaría ser homosexual también en Italia”. Estoy seguro de que Cabrera Infante se hubiera muerto de risa. Ecos de Asia: Algunos autores latinoamericanos que usted ha traducido son famosos por utilizar recursos de la lengua poco ortodoxos pero fácilmente comprensibles para un lector hispanohablante. Se nos viene a la mente La tía Julia y el escribidor, de Vargas Llosa, que se vale de un neologismo “innecesario”. ¿Qué se hace en este caso al traducir? ¿Se adapta una palabra para producir un efecto parecido o se elimina la licencia? También es habitual en muchos escritores el llamar a sus personajes con nombres que implican ciertos significados, ¿se adaptan o traducen estos de alguna manera, o se dejan tal cual? R. Terao: Depende. No sabré responder de manera general. A decir verdad, esos aspectos técnicos nunca me han generado grandes problemas. Siempre hay maneras de solucionar, creo. Ecos de Asia: Adentrándonos ya en el mundo de la literatura, nos gustaría conocer su opinión acerca del panorama literario japonés que llega hasta Occidente. La selección de obras que llega hasta nuestras librerías, ¿a qué criterios cree usted que atiende?

R. Terao: No sé quién está a cargo de la selección, pero como suele suceder en otras áreas culturales, es una mezcla de joyas y piedras. Prefiero no mencionar nombres concretos, pero se han traducido autores poco conocidos en Japón y obras francamente malas. Es inevitable porque muy pocos españoles tienen acceso directo a la literatura japonesa. No conozco ningún español que lea literatura en japonés de manera constante. Ecos de Asia: Actualmente parece que en Occidente podemos acceder con mayor facilidad a obras japonesas gracias a traducciones o a la labor de distintas editoriales pero ¿a qué cree que puede deberse este nuevo interés por la literatura japonesa? R. Terao: Mucho se debe al éxito de Haruki Murakami, que se ha vendido muy bien en todo Occidente. Me parece bien que empiecen a conocer nuestra literatura, aunque no se debe pensar que toda literatura japonesa gira en torno a Murakami. Ecos de Asia: Sobre estas obras japonesas que consiguen llegar hasta las librerías de España y Latinoamérica, ¿qué opina?, ¿considera que ponen de relieve la “esencia” de la literatura japonesa o más bien se prefieren obras más “comerciales” (más asequibles o amenas para el público occidental)? R. Terao: Parece que últimamente se ha dado más importancia a obras comerciales que a obras representativas de la literatura japonesa, aunque sí se han publicado obras de varios autores destacados. La editorial Siruela está rescatando a Tanizaki y la Eterna Cadencia, de Argentina, está alistando una maravillosa colección de Kobo Abe con bastante éxito comercial. El mayor problema consiste en que en la literatura japonesa contemporánea no hay figura que esté a la

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 altura de esos clásicos como Tanizaki, Abe, Mishima, Ôe, Kawabata…

Esto lo logran muy pocos autores, con muy pocas obras.

Ecos de Asia: El camino de vuelta resulta igualmente interesante, ¿qué opina usted de la literatura hispana (de España y Latinoamérica) que llega hasta Japón?, ¿qué autores son los más reconocidos y por qué cree que es así?

Ecos de Asia: En cuanto a sus investigaciones, escribió usted un libro sobre la narrativa de la violencia en la literatura iberoamericana. Este concepto aparece intrínsecamente vinculado a la cultura y la historia de Latinoamérica pero, ¿existe un fenómeno comparable en la literatura japonesa?

R. Terao: El que vende más es García Márquez, quien ha sido elogiado por escritores como Abe y Yasutaka Tsutsui. Cien años de soledad ya es una lectura casi obligatoria entre los aficionados de la literatura. Otra figura importante es José Donoso. El obsceno pájaro de la noche ya se ha convertido en mito en Japón, y Casa de campo, que traduje el año pasado, ha tenido un éxito inesperado (lleva medio año de publicado y están a punto de hacer el tercer tiraje). Por algo Japón ha producido autores como Abe, y los lectores japoneses, al igual que los argentinos, estamos preparados para apreciar obras extravagantes. Ecos de Asia: De entre la lista de títulos que usted ha traducido, emergen con fuerza aquellas obras pertenecientes a la corriente del Realismo Mágico, tanto de autores latinoamericanos como japoneses. ¿Qué semejanzas y diferencias cree usted que se puede establecer entre el Realismo Mágico japonés y el hispanoamericano? R. Terao: No sé si se puede hablar de realismo mágico como tal en la literatura japonesa, pero para mí el mayor mérito de autores como García Márquez, Donoso, Abe y un poco Mishima consiste en crear un mundo ficticio, autónomo e independiente, regido por sus propias leyes. Abe siempre ha destacado la importancia de crear a través de la ficción un “mundo hipotético” que logra relativizar el mundo real donde vivimos, porque así se revela lo que no se puede ver de otra manera.

R. Terao: No creo. El campo literario de Japón está tan maduro que no se deja influir fácilmente por fenómenos sociales o acontecimientos históricos. Desde luego aparece el tema de la violencia en muchas novelas, pero su procesamiento tiene muy poco que ver con el de autores latinoamericanos. Ecos de Asia: Ya para finalizar, la investigación académica y la traducción de novelas son dos formas de aproximarse a la literatura desde el exterior pero, ¿tiene pensado escribir o publicar obra propia de ficción? ¿si es así, qué idioma considera que sería el más apropiado para plasmar el “universo Terao”? R. Terao: De momento me conformo con escribir en otro idioma lo que ya está escrito. Después de haber “escrito” Tres tristes tigres y Casa de campo en japonés y Encuentros secretos y Muerte por agua en español, prefiero no dejar escrito algo que ni llegue a los pies de los grandes maestros. Muchas gracias por sus palabras, señor Terao.

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Tirano (2014-…): familia, poder, oriente y televisión Por Marisa Peiró “Tyrant (“tirano, déspota”): 1) Un gobernante cruel y opresivo. 2) Una persona que ejerce el poder o el control de manera cruel, irracional o arbitraria. 3) (Especialmente en la antigua Grecia) un gobernante que toma el poder absoluto sin el derecho legal.”12 Las tres acepciones que propone el reputado diccionario Oxford funcionan como perfecta antesala al comentario de la última de las grandes series occidentales sobre Oriente Medio, la última creación de Howard Gordon y Gideon Raff, que ha levantado tantas ampollas como pasiones: Tyrant (“Tirano”). Emitida durante el verano de 2014 en el canal de televisión por cable FX, llegó a la televisión española a finales del año pasado, y se espera una segunda temporada para el verano de 2015. Desde Ecos de Asia hemos querido aproximarnos a diversas cuestiones relevantes sobre la producción, a través de una serie de varios artículos: en el que ahora nos ocupa, haremos referencia a toda una serie de cuestiones generales sobre la misma Entrada de oxforddictionaries.com, disponible aquí (original en inglés, traducción de la autora). 12

Imagen promocional de la serie.

pero sin desvelar detalles de la trama que puedan estropearla a un potencial espectador; en una segunda entrega, analizaremos la manera en la que se ha desarrollado la trama y las lecciones sobre Oriente Medio que se pueden desprender de ello. Creando al Tirano Tal y como nos cuentan todas las sinopsis oficiales, Tirano es, efectivamente, la historia de Barry / Bassam Al-Fayeed, un pediatra que vive junto a su modélica familia en los Estados Unidos y que, con motivo de la boda de su sobrino, debe viajar a Abuddin (país ficticio creado para la ocasión), su lugar de origen, del que, disgustado por su modo de vida, se exilió veinte años atrás. Desde el primer momento conoceremos las reticencias de Barry hacia su cultura y su familia, descubriendo en los primeros minutos que Barry no es otro que el hijo menor del dictatorial presidente de Abuddin, Khaled Al-

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Imagen promocional de los personajes del elenco.

Fayeed, que gobierna con dureza desde hace varias décadas, tras haber alcanzado el poder luego de una cruenta guerra civil. Determinados acontecimientos sucedidos durante la boda, harán que Barry deba permanecer en Abuddin muy a su pesar, para ayudar a su hermano Jamal a detentar el poder, mientras que su familia se va acostumbrando a los lujos y privilegios que les acarrea su “recién” adquirida condición de realeza. A primera vista, podría parecer que Tirano llega en circunstancias más que oportunas: es indudable que nos encontramos en uno de los momentos más tensos de las relaciones diplomáticas y culturales entre el mundo musulmán y el Occidente cristiano. Aunque esta temática ha sido constante, tratada de forma más o menos maniquea, en numerosas producciones cinematográficas, son pocas los que se han atrevido a llenar las parrillas televisivas con un tema tan atractivo como 13 polémico: únicamente Homeland, aclamada tanto por la crítica como por el público, ha Por ejemplo, se canceló la producción de la serie Alice in Arabia, un drama adolescente del canal BBC Family, después de emitirse un piloto considerado racista y denigrante. 13

parecido llenar parcialmente un nicho que cada vez se demuestra más y más amplio. Aunque Tirano arriba a las pantallas en el oportuno parón estacional de Homeland – ambas series fueron concebidas por la misma persona, el israelí Gideon Raff, aunque difieren sobremanera en el tratamiento de Oriente–, su complejo y accidentado proceso de pre-producción viene de mucho más atrás.14 Ang Lee fue en un primer momento el responsable de la dirección hasta que declinó el proyecto –hubiera sido su primera experiencia televisiva–, que pasó después por David Yates –responsable de parte de la saga Harry Potter– antes de recaer en Howard Gordon, responsable de la serie 24, con la que Tirano comparte ciertas características. El casting también acarreó toda una serie de problemas: si bien desde un primer momento se abogó por reparto variado y de orígenes culturales medioorientales,15 que otorgara credibilidad a la

Una versión más detallada de esta historia puede leerse en Lacey, Rose. “Turmoil on „Tyrant‟: The Dramatic Backstory of FX‟s Middle East Epic”, The Hollywood Reporter, 6 de abril de 2014. Disponible aquí. 15 Algunos de los protagonistas de la serie, como Ashram Barhom (Jamal) o Moran Atias (Leila) son artistas reputados en Israel y Palestina, mientras que otros como Fares Fares (Fauzie), Alexander Karim (Ihab) o Amir Boutrous (Ziad) son medianamente conocidos en Occidente gracias a pequeños papeles en producciones sobre Oriente Medio. De cualquier manera, el casting incluyó entre los actores principales a personas de diferentes orígenes dentro del medio 14

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 producción, parecía imposible encontrar un protagonista adecuado. La responsabilidad recayó finalmente –no sin polémica– en el inglés Adam Rayner, que hasta el momento había realizado papeles menores en películas y algunas series, pero que no parecía contar ni con la apariencia (“hombre árabe de 40 años”) ni con la experiencia requerida para el papel. A pesar de toda la polémica contra la “palidez” (fue muy criticada la elección de un actor no-árabe para el rol) e inexperiencia de Rayner, consiguió finalmente hacerse con el papel, y, si bien en los primeros episodios hay momentos en los que su actuación ronda lo telenovelesco (tal y como le sucede a la experta Moran Atias), su capacidad se confirma a lo largo de la temporada, y su viabilidad fisionómica se reafirma mediante su parecido a Ashram Barhom, el actor israelí que interpreta a su hermano Jamal.

Barry (Rayner) y Jamal (Barhom), los hijos del Presidente de Abbudin, serán los protagonistas de la serie.

Otros problemas devinieron del propio rodaje. En un principio, se evitó rodar en Israel a pesar de los orígenes del creador y parte del elenco, para prevenir una posible carga política, trasladándose el rodaje a Marruecos, en donde había un buen equipo árabe e israelí, con la notable salvedad de Adam Rayner (Barry).

de producción y extras creíbles; allí se rodaría el piloto. Sin embargo, al no contar con un sistema de grabación y edición de sonido adecuados, se volvió a trasladar el rodaje a Israel, con la consiguiente polémica que conlleva el rodar una serie americana -y en inglés- sobre un país árabe en suelo hebreo. Sin embargo, poco o nada tiene de hebreo y mucho menos sionista el resultado final. ¿Cuáles son las principales líneas de la historia del tirano de Abuddin? -En primer lugar, encontramos la tradicional historia de luchas y sagas familiares. Vendida en un primer momento como “El Padrino en Oriente Medio”, ya hemos mencionado a los hermanos Barry / Bassam y Jamal AlFayeed, los hijos del dictador Khaled AlFayeed, completas antítesis. Barry representa al hijo estudioso y familiarmente responsable, aunque como rechazo a la política de su padre abandonó el país en cuanto pudo; formal, serio y meditativo, es lo opuesto al impulsivo, juerguista, déspota y violento Jamal, que no obstante cuenta con una gran capacidad de liderazgo y que asumió la herencia del Poder en el país. Sus respectivas mujeres, la comprensiva Molly y la controladora Leila, tampoco podrían ser más diferentes, y el resto de la familia ocupa poco papel más allá de los primeros episodios. Ante este planteamiento maniqueo, veremos cómo, al avanzar la trama, los límites se van emborronando al profundizarse en la presentación de los personajes. Las voces más críticas con la serie han establecido un cierto paralelismo entre los personajes y figuras reales, algo que desarrollaremos en futuras en entregas para no adelantar acontecimientos a

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 quien desee disfrutar de la serie: mientras que las similitudes entre Jamal Al-Fayeed y Uday Hussein son evidentes desde un primer momento, hace falta avanzar en la trama para encontrarlas –más allá de sus estudios de medicina– entre Bassam AlFayeed y Bashar Al-Asad.

-En segundo lugar, el enfrentamiento dialéctico y moral entre Bassam y Jamal es, asimismo, el enfrentamiento tradicional entre Occidente y Oriente. Recién llegado de América y acostumbrada a los valores democráticos, la familia de Bassam palidece ante algunos de los acontecimientos que suceden en Abuddin, incluido el trato nobiliario que les dispensan los criados. Jamal representa los métodos despóticos y desfasados propios del tirano clásico en su sentido peyorativo, desgraciadamente habituales en sociedades autoritarias de una y otra parte del mundo. La polarización inicial de los personajes ha provocado no pocas quejas dentro del mundo árabe, siendo la más repetida la que prácticamente da argumento –inicial– a la serie: la necesidad de

democratizar un país desde fuera. Las nociones de democracia occidental y la intervención de los Estados Unidos –la figura de su embajador será casi protagonista– serán vitales para el desarrollo de la historia, aunque podemos adelantar que el papel de Occidente en la misma no será ni mucho menos impecable. -En tercer lugar, asistiremos a la propia “Primavera Árabe” de Abuddin, en la que encontraremos la oposición al tiránico régimen personal de los Al-Fayeed de la mano de una juventud en alza y con fuertes creencias religiosas, que claman por la democracia en un país en el que el poder se alcanzó por la fuerza y en el que el ejército reprime cualquier discrepancia. La oposición está liderada por el joven Ihab Rashid (Alexander Karim), hijo del anciano Jeque Rashid, principal contrincante del padre de los AlFayeed en la pasada guerra civil y enviado al exilio. La similitud de la facción de los Rashid, calificados de terroristas islámicos por los Al-Fayeed, con otros grupos religiosos reales de fuerte componente paramilitar, trae de manera inquisitiva a la pantalla el debate sobre cultura, religión y autogestión económica y militar, y lo hace, afortunadamente, en un momento en el que Occidente parece estar empezando a despertar y a meditar sobre el tema.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Situando Abuddin

En definitiva, estos tres puntos representan tres tipos muy diferentes de lucha, en los que existe el constante debate de si el fin justifica los medios; la manera en la que los diferentes personajes de la serie interpreten y apliquen esta razonable duda -a la par que lo hace el espectador- será precisamente lo que vertebre esta prometedora primera temporada.

Arriba, el joven Ihab Rashid (Karim) liderará una oposición, popular y juvenil, de corte religioso contra el gobierno de los AlFayeed. Abajo, las familias Al-Fayeed y Rashid, enfrentadas dialécticamente durante esta escena, constituyen diferentes formas de entender la política.

Ya hemos mencionado cómo la completa trama de Tirano sucede en la ficticia nación de Abuddin, pero, ¿qué sabemos de ella? En todo momento se nos advierte que se trata de un estado de Oriente Medio pero, ¿qué otros datos podemos extraer? ¿Dónde se encuentra, cuál es su historia, estructura y cultura? De la primera temporada de la serie se pueden aducir los siguientes datos. ¿Próximo o Medio Oriente? Considerando las vicisitudes de la creación técnica y artística de la producción, y de determinados elementos culturales, abogamos plenamente por la creencia de que Abuddin es una nación próximo-oriental (esto es, más relacionada con el arco levantino-mediterráneo que con los países árabes del Golfo), a pesar de la existencia de algunos detalles y de la insistencia en el concepto “Oriente Medio” (mucho más presente en la mentalidad americana como consecuencia de las Guerras del Golfo). ¿Por qué? Sabemos que Abuddin se trata de un joven estado secular, aunque con una población de mayoría musulmana, que adoptó su estructura moderna luego de una larga guerra civil producida hace unos treinta años. Esta habría enfrentado a varios jeques tribales, capitaneados por el jeque Rashid, contra el general Khaled Al-Fayeed, que ganaría la guerra y se proclamaría presidente autoritario hasta su muerte; en la misma, habrían sido decisivas las cuestiones del petróleo y de la dialéctica entre tradición-islam contra modernización-secularización.

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Flashback en el que se observa un discurso victorioso de Khaled AlFayeed (Faris), además de la iconografía pan-árabe utilizada para sustentar la historia.

Esta victoria se proclamaría tras una gran masacre en la que Al-Fayeed habría utilizado gases tipo sarín, remitiendo así a muchos conflictos medio-orientales desde la década de los 70 hasta la actual Guerra de Siria. 16 Por otra parte, la existencia de esta guerra remite tanto a la Guerra Civil del Líbano, con la que comparte ciertos rasgos, como a la actual Guerra de Siria, que parece ser un precedente directo para muchos de los aspectos socioculturales, tal y como desarrollaremos más adelante. Durante este periodo, Abuddin parece haber evolucionado –precisamente gracias a la explotación petrolífera– desde una nación eminentemente tribal a un país próspero y El gas sarín es un gas nervioso inventado por Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, que se generalizó como arma química durante los primeros años de la Guerra Fría, estando presente en ambos bandos. Sería utilizado especialmente durante la Guerra entre Irak e Irán (1980-1988), siendo responsable de masacres como la de Halabja y la Segunda Batalla de Al Fao. En 1993 se prohibió oficialmente su fabricación, efectuándose en teoría su destrucción en 1997, a pesar de lo cual se ha continuado usándolo en ataques terroristas en Japón, Iraq y durante la reciente Guerra de Siria. 16

bien relacionado internacionalmente, más allá de las habituales y abismales diferencias de poder adquisitivo entre la clase baja y la aristocracia, que como suele ser habitual, goza de incontables lujos. Asimismo, la capital, boyante ciudad costera, se perfila como una ciudad eminentemente moderna, aunque posee edificios de al menos cierta antigüedad y un casco histórico de urbanismo tradicional, tal y como se desprende de las escenas ubicadas en la mezquita, la prisión o las calles del centro. En cuanto a la cultura predominante en Abuddin, ya hemos mencionado cómo, a pesar de ser un estado secular, parece poseer una importante mayoría musulmana practicante. Si bien no se aprecia ningún tipo de observancia del hiyab dentro de las clases altas -mención especial para los atrevidos conjuntos de Leila-, diferentes tipos de cubrición femenina –moderada– son habituales dentro de las escenas en las que aparece el pueblo llano, sugiriendo un país en el que conviven diferentes ramas del Islam. La lengua del país parece ser el árabe, de acuerdo tanto a la onomástica de los personajes como a las ocasionales expresiones que se pronuncian en este idioma. Tal y como suele suceder en los regímenes dictatoriales, se ejerce la censura y la represión militar, encontrándose numerosos cargos militares en los altos mandos de la nación.

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Jamal Al-Fayeed (Barhom) junto a parte de la cúpula de su gobierno.

Jamal Al-Fayeed (Barhom) junto a parte de la cúpula de su gobierno.

Si la juzgamos de acuerdo a su casting, comprobaremos como la composición étnica de Abuddin está conformada por personas de origen israelí, árabe-israelí, árabe, sirio/libanés y norafricano, sin contar a Barry/Bassam (su polémico aspecto “blanco” es explicado mediante le inclusión de una madre inglesa, algo que parece remitir a los casos de la Familia Real Jordana),17 y a su familia americana. La idea del estrato cultural árabe se refuerza, además, mediante la creación de una bandera nacional arquetípica pero factible, fiel portadora de los llamados colores pan-árabes (rojo, negro, blanco y verde).

estuvo Saladino, lo que hace que al menos una parte costera de Abuddin se encuentre en los antiguos territorios del sultanato ayubí. Teniendo en cuenta este dato, y que el mar que aparece en las escenas no parece ser el Mediterráneo (a pesar de que, en base a los datos de rodaje lo es), la localización más probable se encontraría a lo largo del Mar Rojo, posiblemente a lo largo del Golfo de Aqaba. Este mismo ha sido una zona tradicionalmente disputada,18 con refinerías bien conectadas, y cumpliría todos los requisitos previamente mencionados, así como un detalle que, si bien puede resultar accesorio, añade cierta credibilidad histórica: aunque el Palacio Presidencial de Abuddin cumple con todos los tópicos de la arquitectura nobiliar-institucional árabe contemporánea, junto a sus refinados muebles de estilo ecléctico Luis XV (muy codiciado por los otomanos), aparecen

Recapitulando: se trata de una nación de lengua y cultura árabe-musulmana, de etnicidad próximo-oriental, con pozos de petróleo, con una costa cálida y paradisiaca que a pocos kilómetros se convierte en desiertos de arena y rocosos en los que continúan habitando tribus seminómadas regidas por autoridades locales. Para concretar un poco más su localización, mencionaremos el detalle de cómo en un flashback, los jóvenes Leila y Bassam se esconden en una cueva en la que también El difunto monarca Husein I de Jordania (1935-1999, reinando desde 1952 hasta su fallecimiento) se casó en cuatro ocasiones, siendo sus matrimonios más célebres los realizados con mujeres de origen europeo: su segunda esposa Tony Gardiner (Muna Al-Husein) y madre del actual soberano de Jordania era inglesa, mientras que la última y más célebre de ellas Lisa Najeeb Halaby (la Reina Noor de Jordania) es de nacionalidad estadounidense y descendiente de suecos y sirios.

Detalle de la región, con las localizaciones más factibles recuadradas.

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En la actualidad, son los estados de Egipto, Israel, Jordania y Arabia Saudí los que conforman los territorios que rodean el Golfo de Aqaba. Las islas que se sitúan en el estrecho que da salida al Mar Rojo, Tirán y Sanafir, son de hecho vigiladas constantemente por la Fuerza Multinacional de Paz y Observadores para garantizar el libre comercio en la zona por parte de Egipto. 18

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 decorando su interior, toda una serie de cuadros que parecen fieles representantes de la retratística clásica otomana –con ciertos rasgos de la pintura qajar persa–.19 Este último dato parece amparar la idea de un pasado local ligado al dominio otomano, algo que efectivamente se dio en el Golfo de Aqaba; precisamente sería la Batalla de Aqaba (1917) la que terminaría con el dominio turco en la región y que se erigiría como una de las primeras y fulgurantes victorias del pan-arabismo. Por tanto, la opción del Golfo de Aqaba, entre el Sinaí y la Península Arábiga, parece el escenario de esta ficción televisiva que, no se engañen, tiene mucho de real. Ya sea por el interés en el mundo árabe, por la geopolítica o por los dramas familiares, les recomendamos el visionado de la serie de cara al siguiente artículo, en el que desvelaremos y analizaremos los diferentes acontecimientos de la trama de la primera temporada.

Mapa de Oriente Próximo en el que se justifica nuestra deducción. En rojo, se enmarca, de manera muy general, las zonas de importancia económica petrolífera, mientras que igualmente en rojo se elimina la zona en la que el idioma dominante no es el árabe. En verde se demarcan las zonas que quedaron fuera del dominio de Saladino, y en azul se enmarca, grosso modo, una zona geográfica de la que procede la práctica totalidad del elenco.

En algunas de las escenas interiores del palacio se observan -sin demasiado detalle- grandes pinturas que recuerdan a los retratos de diferentes soberanos otomanos, los primeros de Oriente Medio en adoptar la gran retratística de aparato a la Europea. Sin embargo, los breves vistas de los retratos sugieren similitudes formales con la plástica mogol -por ejemplo, en el empleo generalizado del perfil-, mientras que la vestimenta y la estética general de los mismo presenta grandes similitudes con la retratística persa qajarí (para ejemplos gráficos arquetípicos, obsérvense aquí diferentes ejemplos de retratos de Fath Alí Shah (1797-1834). 19

El periodista y bloggero liberal Fauzi (Fares), junto a su hija Samira (Ali), más religiosa y seguidora de los Rashid, durante las protestas en la plaza principal de Abuddin.

Para saber más: -

Sitio oficial de la serie en español.

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Ficha en IMdB.

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Tráiler en YouTube.

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Glory to the filmmaker! y la crisis del creador Por Laura Martínez Continuando con el análisis de la figura del polifacético Takeshi Kitano, nos disponemos ahora a estudiar el caso excepcional de Glory to the Filmmaker!,20 una de sus obras más reflexivas y autorreferenciales, llena de notas metacinematográficas.

Imagen del principio de la película en la que podemos leer “Escrita, editada y dirigida por Takeshi KITANO”, como un campo más de esta ficha médica.

La película se inicia en una clínica u hospital, donde vemos que le están realizando diversas pruebas médicas a un muñeco. Este elemento, que tendrá gran protagonismo a lo largo de todo el filme, representa al propio cineasta: Takeshi Kitano, viste de la misma manera que él, con un identificable atuendo de color azul, y lo sustituye en determinadas escenas, a modo de doble. Ya en este inicio Glory to the Filmmaker! (Kantoku Banzai!, 2007): 104 min. Japón. Director: Takeshi Kitano. Guión: Takeshi Kitano. Música: Shinichirô Ikebe. Fotografía: Katsumi Yanagishima. Reparto: Beat Takeshi (Takeshi Kitano), Toru Emori, Kayoko Kishimoto, Anne Suzuki, Kazuko Yoshiyuki. Productora: Bandai Visual Company. 20

tan poco ortodoxo encontramos algunas referencias metacinematográficas, como por ejemplo en la pantalla del ordenador del médico que está realizando este examen, donde aparece como nombre del paciente Yasujiro Ozu, y más adelante este nombre cambia por el de Akira Kurosawa. Con estos dos guiños a grandes cineastas de la historia japonesa, Kitano establece sus bases estilísticas, en lo que supone toda una demostración de sus intenciones artísticas. Asimismo será esta plataforma, la pantalla del ordenador, la que Kitano utilice para presentarnos los títulos de crédito de su película. Tras los títulos de crédito, aparece sobreimpreso el título: “Opus 19/31”, una clara alusión a la película 8 ½ de Federico Fellini. Además de la evidente intertextualidad que supone este título, la vinculación con esta obra maestra italiana no es meramente nominal, sino que ambas comparten un argumento similar, pues se trata de dos reflexiones de un director sobre su propia trayectoria y su labor como cineasta, relatando la crisis creativa de su protagonista.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 aparece cortándose las uñas, en una actitud nada propia de un peligroso delincuente.

Título de la película en clara referencia al film de Fellini.

En este momento, cuando aparece Kitano cargando con su muñeco, una voz en off dice “Todo empezó con una película de gánsteres como esta”, y de esta forma se inician una serie de sketches cómicos donde irá recorriendo no solo su propia filmografía, sino que nos mostrará también un panorama del cine japonés a través de distintos fragmentos. Esto supone otra manera de metacine que es la del “film dentro del film”, que Kitano explotará en la primera parte de su película. Así pues, el primero de estos fragmentos es precisamente una de las características películas de yakuzas que, como ya vimos en el anterior artículo, han dado fama internacional a Takeshi Kitano, como fue el caso de HanaBi. Sin embargo, en esta ocasión, Kitano se burla de su propia trayectoria como cineasta, tomando lo más representativo de su carrera y convirtiéndolo en una sátira con toques de humor absurdo, como por ejemplo el momento en el que uno de los gánsteres

De esta forma, vemos a Kitano protagonizando su propia película de gánsteres, mientras que la voz en off nos dice que este tipo de películas son las que mejor hace, aunque apunta también que, cansado de este género, juró en diversas entrevistas que no volvería hacer una película sobre ello, y es por esta razón por la que, en los siguientes sketches, irá probando con distintos tipos de películas, realizando así un recorrido visual por la historia del cine japonés. De esta forma, se propone retomar el cine japonés más tradicional, realizando un drama sin violencia y que trate los problemas de la gente común, bajo el título de “Retirement” (“Jubilación”). De nuevo, Kitano incluye una película dentro de otra, en este caso en blanco y negro, contándonos la historia de un anciano que, tras jubilarse, no encuentra sentido a su vida.

Kitano interpretando a un mafioso en el primero de los sketches de Glory to the Filmmaker!

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Izquierda: fotograma de Glory to the Filmmaker! Derecha: escena de Cuentos de Tokio, de Ozu.

Kitano es de nuevo el protagonista de esta película en la que imita los estilemas del gran cineasta japonés Yasujiro Ozu: el uso del blanco y el negro en lugar del color, el punto de vista bajo, situado a la altura de un hombre sentado sobre el tatami, el cuidado por mostrar los interiores de las casas tradicionales japonesas, o el estatismo de la cámara. En concreto, podemos encontrar paralelismos con la película más conocida de este director: Cuentos de Tokio (Tokyo Monogatari, 1953). Tras varios fracasos, Kitano se propone realizar un melodrama, contando la historia de un artista que queda ciego en un accidente y, gracias a la ayuda de una de sus estudiantes, llegará a convertirse de nuevo en el artista que un día fue, pero este proyecto es de nuevo abortado. Entre cada uno de estos fragmentos de películas, volvemos a ver de nuevo a Kitano que arremete repetidas veces contra su muñeco y alter ego (ahorcándolo o arrojándolo a un río, por ejemplo), para manifestar sus sucesivos fracasos como director y la frustración que siente ante la

imposibilidad de crear una nueva obra maestra. Desde una comicidad muy contenida, vemos cómo va introduciendo reflexiones interesantes acerca del proceso de producción de una película. En este punto, se plantea qué tipo de películas quiere ver la gente, atendiendo al mercado cinematográfico,21 y decide hacer un filme ambientado a mediados del siglo XX. Opta entonces por incluir aquí un pequeño relato autobiográfico, contando la historia de un niño que debe soportar la pobreza, la discriminación y la violencia, y cuyo padre alcohólico maltrata a su madre.

Kitano interpretando el papel del artista ciego.

Sobre las dificultades del mercado y la imposibilidad de triunfar en él, reflexionará más en profundidad en su siguiente película, Aquiles y la tortuga (2008). 21

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Ring (2002), un remake de la japonesa Ringu 23 (1998). En este fragmento, combina por una parte el género de Título y fotograma del drama autobiográfico, en el que Kitano interpreta a su propio padre. terror con la tradición japonesa, pues la película se titula Teatro Nô, y está protagonizada por un actor de este tipo de teatro. Título y fotograma de la película de terror creada por Kitano. Asimismo, va más allá en su burla, llegando a satirizar otro subgénero del terror: las comedias de terror al estilo de Scary Movie (2000). Como puede observarse en los distintos Dos momentos de la escena de lucha en que vemos a Kitano como protagonista, en el centro, rodeado de fotogramas, cada uno ninjas armados. de los fragmentos de Sin embargo, el género del cine japonés que películas insertos dentro de Glory to the más triunfa a nivel internacional es sin duda Filmmaker! cuenta con su propio título y con el del terror, y por ello incluye aquí un un diseño muy diferenciado, que atiende a las fragmento de una película de terror japonés particularidades propias de cada tipología pero vista desde su propia óptica. De esta cinematográfica. forma, va cumpliendo todos los códigos del género22 para subvertirlos realizando una parodia, incluyendo una leyenda urbana, los crímenes previos que se habían desarrollado en una casa algo alejada, el grupo de jóvenes visitantes… Incluye aquí también una crítica a la industria estadounidense, pues comenta que Hollywood ha realizado remakes de este tipo de películas, como puede ser el caso de The El cine de terror, a nivel internacional, presenta una serie de elementos estandarizados que han ido repitiéndose a lo largo de las décadas. A este respecto, puede consultarse el artículo sobre el género del slasher publicado anteriormente en esta revista.

Otro género que parodia es el denominado chambara, las películas de samuráis, incluyendo épicas escenas de lucha y espectaculares katanas. De nuevo el director es el protagonista de su “film dentro del film”, que en esta ocasión lleva por título: Cuervo Azul: Ninja Parte 2, criticando así mismo la sobre-explotación que se ha llevado a cabo de este género mediante las distintas secuelas y sagas.

22

Sobre estas películas ya habló nuestra colaboradora Elísabet Bravo en un artículo anterior. 23

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 El último de estos sketches metafíl micos es una película de ciencia ficción en la que dos científicos que trabajan en el observatorio astronómico (uno de ellos interpretado por Kitano), descubren un asteroide que se acerca a la Tierra e impactará con ésta en una semana. Ya desde los títulos de crédito diseñados ex profeso, y la música instrumental que acompaña las primeras secuencias, nos remite irremediablemente a una de las películas más exitosas dentro de este género: La Guerra de las Galaxias (1977).

Créditos de El día prometido, la cinta de ciencia ficción creada por Takeshi Kitano.

Tras la sucesión de pequeños fragmentos de diversas películas, la historia se centra de nuevo en Kitano y su alter ego. En este momento la voz en off dice “Y así es como comienza nuestra historia”, tal y como puede leerse en este fotograma.

Ante el descubrimiento del Tras la sucesión de pequeños fragmentos de diversas películas, la historia se centra de nuevo en Kitano y asteroide, la voz en off su alter ego. En este momento la voz en off dice “Y así es como comienza nuestra historia”, tal y como puede leerse en este fotograma. comenta: “En una japonesa, donde cualquier elemento película americana aparecería un héroe que secundario puede convertirse en protagonista detonaría el asteroide con una bomba H, de la historia. como en los cómics, pero aquí, los astrónomos descubren dos caras humanas en En este momento, tras más de 40 minutos de el asteroide, que se convierten en un irreverente prólogo plagado de referencias protagonistas del relato”. Mediante esta metafílmicas, las historias empiezan a comparación, critica en primer lugar al entrecruzarse, de tal manera que las caras cine hollywoodiense, plagado de finales encontradas por los científicos en el felices y valientes héroes, y cuyas temáticas asteroide, se convierten efectivamente en dos están muchas veces inspiradas en el mundo de los protagonistas: una madre y una hija de del cómic; y, por otra parte, lo contrapone con aspecto estrafalario y escasos ingresos, que mucho sarcasmo a la cinematografía tratan de sobrevivir mediante pequeñas REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 estafas y engaños. El destino de estas dos mujeres acabará unido al del propio Beat Takeshi y su maniquí durante el resto del filme.

Escena de la boda.

Todo el surrealismo de Kitano queda concentrado en esta escena, protagonizada por un muñeco que representa a Zidane.

En esta segunda parte de la película, el humor y las alocadas acciones de los protagonistas van escalando hasta alcanzar cotas insospechadas, con momentos verdaderamente surrealistas y absurdos. De manera muy resumida, podríamos decir que las dos estafadoras intentarán atrapar a un hombre rico, y fijarán sus ojos en Beat Takeshi, que conduce un descapotable. Lo persiguen hasta un garaje, donde tendrá lugar la memorable escena en que unos matones empiezan a pegar a Kitano, que cada vez que va a recibir un golpe se convierte en el muñeco, hasta que termina transformándose en Zidane, el jugador de fútbol, y se recreará de manera cómica el famoso cabezazo propinado por Zidane a Materazzi en la final del Mundial celebrado en Alemania en 2006. Tras formalizar la unión, madre e hija descubrirán que en realidad Kitano no es un hombre rico, y que deben trabajar duramente en el campo. Ante estos hechos, las mujeres deciden escapar, y Kitano las perseguirá a bordo de un cohete, ayudado por un extraño alienígena. A pesar del surrealismo de la escena, resulta especialmente interesante por dos elementos metacinematográficos que incluye: por una parte, en el momento en que

el cohete se dispara, la cámara amplía el plano y vemos entonces a los operarios, al que sujeta el micrófono, etc.; y por otra parte, el extraterrestre enfundado en un traje color plata le dirá a Takeshi: “¿Te acuerdas? Han pasado 8 años desde Kikujiro”, en una clara referencia a la película de Kitano: El verano de Kikujiro (1999).La madre de la muchacha organizará el compromiso entre su hija y Takeshi, celebrándose una boda tradicional en la que el novio es de nuevo sustituido por

Surrealista persecución entre un robot y una geisha.

su muñeco. La alocada persecución termina cuando la joven se da cuenta de que en realidad sí ama a Kitano y quiere estar con él, por lo que todos regresan al campo, juntos.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 contiene una cámara de cine que se va resquebrajando. Esto supone a la vez la causa y conclusión de la película: el director no puede hacer películas porque su “cámara interior”, su pensamiento cinematográfico, está roto. Como hemos ido viendo, en Glory to the Filmmaker! Takeshi Kitano se aprovecha de los recursos del metacine para dejarnos entrar en su cabeza (bastante gráficamente, como hemos analizado en el final de la película). Nos presenta así sus dudas y tribulaciones en lo referente a su propia labor como creador, su miedo al éxito, sus inseguridades… temas que también tratará en otras películas como Takeshis’ (2005) o Aquiles y la tortuga (2008).

Fotograma en el que observamos a los operarios de cámara y sonido rodando la película.

En ese momento de paz, un meteorito cae sobre los protagonistas de todas las historias anteriores (los guerreros, los yakuza, los jóvenes de la película de terror…); todos ellos se volatilizan y emerge entonces de la tierra el título de la película. De esta forma tan particular, volvemos al inicio de la película, a la sala de rayos X de un hospital donde están llevando a cabo las pruebas al maniquí que representa a Kitano, culminando una estructura narrativa circular. En este momento, aparece en pantalla la imagen del cerebro de Beat Takeshi, que

El principal miedo que Kitano trata de exorcizar con este filme, es un posible estancamiento en el género cinematográfico de los yakuzas y mafiosos, ya que el componente autocrítico de la película es muy elevado. Así pues, podemos ver en este filme una voluntad de evolucionar, de cambiar, buscando nuevas vías para su cine a la vez que experimenta con distintos géneros característicos de Japón.

Tras el cataclismo, distinguimos el título de la película.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Sin embargo, y a tenor de sus últimas producciones, podemos decir que fracasó. Kitano sucumbió a la comercialidad u optó por mantener su estilo de “auteur”. Sea cual sea el caso, si su miedo era el estancamiento, ha resultado ser un temor más que confirmado con el lanzamiento de Outrage 2 (2013), que no es solo una película más sobre mafias, sino que además es una secuela de otro film ya realizado por el propio Kitano. De esta forma, en lo referente a la autocrítica, sus recurrentes escarceos metacinematográficos quedaron en nada, pues Kitano sigue fiel a su ya consagrada filmografía. Por el contrario, si leemos su obra atendiendo a otros niveles, debemos destacar su importante labor en el campo del metacine ya que, aunque sea en tono de comedia satírica, muchas veces tendente al surrealismo, Glory to the Filmmaker! incluye un interesante panorama de distintos niveles de intertextualidad. Asimismo, el recorrido que hace por los géneros cinematográficos del cine japonés resulta, además de divertido, muy interesante para la Historia del Cine. Por ello, podemos concluir que las extravagancias de Kitano fascinan y desconciertan al espectador común, pero incluyen, a modo de regalo oculto, una serie de mensajes metacinematográficos verdaderamente apasionantes, dispuestos para aquellos que se molesten en desentrañarlos.

Para saber más: -

Pérez Bowie, J.A., “El cine „en, desde y sobre‟ el cine: metaficción, reflexividad e intertextualidad en la pantalla”, Anthropos: huellas del conocimiento, nº 208 (2005), pp. 122-137.

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Miranda, L., Takeshi Madrid, Cátedra, 2006.

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Página sobre el director.

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Kitano,

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Rompiendo las reglas del slasher ochentero: Nadie vive (No one lives, Ryûhei Kitamura, 2012) Por Elísabet Bravo Las reglas de una película slasher parecen inquebrantables, pero en los últimos años estamos viendo nuevas películas con algunas variaciones de las normas clásicas. En el caso deNadie vive (No one lives, Ryûhei Kitamura, 2012), una joven pareja es asaltada por una banda de ladrones. Cuando están registrando el coche de sus nuevos rehenes, se llevarán una sorpresa al descubrir en el maletero a una chica que resulta ser la superviviente de una masacre sucedida meses atrás. Completamente cegados por la jugosa recompensa que se ofrece por la joven universitaria, subestimarán al hombre al que han capturado, que empezará a darles caza uno por uno. La fórmula original que caracteriza al cine slasher comenzó a formarse en los años setenta y quedó completamente cerrada con La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1979). Durante los años ochenta, fueron muchas las películas que se unieron a la moda del cine slasher. Este subgénero es muy reconocible: en estos films un asesino, normalmente disfrazado, acecha y da caza a un grupo de adolescentes en algún lugar concreto. Puede haber muchas variantes en la misma fórmula que no afectan al producto final: las máscaras (de hockey, de gas, de piel humana…) y disfraces, las armas (cuchillos, machetes, pistolas, motosierras, hachas…), los lugares apartados en los que mueren los jóvenes, normalmente con un significado especial para el asesino (lagos, campamentos, campus universitarios y hasta

en los sueños), la creatividad a la hora de matar (desde películas muy sangrientas como Viernes 13, Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980, hasta films comedidos como La noche de Halloween), las fechas en las que el psycho killer, o asesino psicópata, ataca (San Valentín, Navidad, Viernes 13, Halloween, April Fool’s Day y todo lo que se nos ocurra)… En los años ochenta, además, era habitual que hubiese un superviviente, casi siempre mujer y virgen, que se mantuviera al margen de las “travesuras” de sus amigos y, por ello, pudiera enfrentarse al maníaco enmascarado. Esta joven es la final girl, la última chica que queda en pie.

Michael Myers, el asesino enmascarado de La noche de Halloween.

Sin embargo, en los ochenta se produjeron tal cantidad de películas slasher que el subgénero entró pronto en la decadencia. No sólo se agotaron todos los disfraces, armas blancas y fechas señaladas en las que el asesino podía matar, sino que, además, de las películas que tuvieron más éxito se hicieron

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 secuelas hasta agotar completamente todas las situaciones, posibles e imposibles, en las que el psycho killer de turno pudiera volver de entre los muertos.

Sidney Prescott al teléfono, la nueva final girl de los noventa de la saga Scream.

En los años noventa todavía no se había dicho la última palabra, así que el cine slasher volvió a la gran pantalla con ligeras modificaciones, siguiendo el ejemplo de la saga Scream: metacine, humor negro y, por supuesto, la final girl ya no tenía por qué ser virgen para sobrevivir. Eran otros tiempos. Pero, ¿qué iba a pasar con la llegada del nuevo siglo? ¿Iba a sobrevivir ese subgénero después de esta sobreexplotación? Pues sí, lo hizo. Seamos honestos: no podemos pretender que las nuevas películas sigan el mismo patrón. El cine slasher surge en un marco cronológico muy concreto que explica su desarrollo. Por tanto, continuar haciendo lo mismo (diversidad de armas blancas, motivaciones, disfraces, lugares apartados…) no tiene sentido. Los tiempos cambian y, de la misma forma que Scream dejó de lado el viejo tópico de que la superviviente tuviera que ser virgen y parodió otros, debemos aceptar ciertas innovaciones. Muchos han sido los caminos que los realizadores han tomado en el nuevo siglo.

Algunos han optado por continuar con la autorreflexión sobre el medio que comenzó con Scream: Vigila quien llama (Scream, Wes Craven, 1996) y ahí tenemos, por ejemplo, el caso de Behind the mask: The rise of Leslie Vernon(Scott Glosserman, 2006), película en la que, a modo de documental, nos acercamos a la vida de Leslie Vernon, que se presenta como el nuevopsycho killer después de Jason Voorhees, el asesino de la máscara de hockey de Viernes 13, o Michael Myers, de La noche de Halloween. Dentro de esta línea, otros han preferido la parodia. Quizá la más conocida sea la saga Scary Movie, pero más recomendable para los amantes del género es Tucker & Dale contra el mal (Tucker & Dale vs. Evil, Eli Craig, 2010), una comedia divertidísima en la que dos amigos tratarán de defenderse de un grupo de adolescentes que los han tomado por asesinos en serie al más puro estilo Leatherface, lo que dará lugar a todo tipo de situaciones divertidas y absurdas en las que no faltará el gore. Menos original es el caso de los que han seguido imitando/homenajeando los slashers ochenteros, variando mínimamente su estructura original, como Cherry Falls (Geoffrey Wright, 2000), aunque con algunas excepciones muy interesantes como Hatchet (Adam Green, 2006).

Tucker y Dale intentando explicar qué hacen con un cadáver.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 pero que intenta tomar nuevas vías de exploración. En este caso, el camino que toma Nadie vive es el del cazador cazado, un argumento que ya veíamos en The collector (Marcus Dunstan, 2009), su secuela The collection (Marcus Dunstan, 2012) y en Tú eres el siguiente (You’re next, Adam Daeg Faerch interpretando al joven Michael Myers en el reboot de la saga Halloween que realizó Rob Zombie. La primera película, a la cual pertenece este fotograma, fue una reinterpretación muy interesante Wingard, 2013). de este clásico de los ochenta. En The collector, Arkin, un ladrón de poca monta, se cuela en Quizá la línea más impopular sea la de una casa en la que había estado trabajando los remakes, secuelas, precuelas, reboots y como albañil aprovechando que sus similares, que, por desgracia para muchos, inquilinos están de vacaciones para toparse siguen proliferando. Con la vocación de con un psycho killer amante de los insectos acercar a las nuevas generaciones los miedos que, con una máscara de cuero, ha colocado del pasado con los efectos especiales actuales, trampas en la casa para capturar y torturar a estamos asistiendo a lo que parece ser una la familia a la que Arkin pretendía robar. Este evidente crisis de creatividad. En general, se asesino, al que conocemos como “el retoman los clásicos introduciendo nuevos aspectos argumentales que suelen contentar a algunos y disgustar a otros, con lo que nunca están exentos de cierta polémica. Sin duda, la tendencia más prometedora es en la que podríamos enmarcar a Nadie vive, un film que sigue homenajeando al slasher ochentero,

El ladrón de la derecha está a punto de darse cuenta de que se ha metido con quien no debía.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 coleccionista” porque siempre se lleva a una de sus presas del escenario del crimen, se verá acorralado en su propio juego por nuestro protagonista. En The collection, Arkin ayudará a rescatar a una nueva víctima del misterioso asesino. Por otro lado, en Tú eres el siguiente, una reunión familiar se convertirá en una masacre cuando unos individuos con máscaras de animales cacen a los inquilinos de una casa de vacaciones apartada de cualquier núcleo civilizado. Sin embargo, Erin, la novia de uno de los hermanos de la familia, es más fuerte de lo que parece.

leyenda jamás contada (Dracula untold, Gary Shore, 2014), en este caso nos sorprende en un papel distinto. Normalmente, los asesinos de este tipo de films son máquinas de matar sin rostro, que ni sienten ni padecen, así que la novedad de darle cierta profundidad psicológica al papel de Evans es bienvenida. Como curiosidad, señalar que en esta película también participa Lindsey Shaw, a quien conocerán de Manual de supervivencia escolar de Ned (Ned’s declassified school survival guide 20042007), serie de Nickelodeon, en la que interpretaba a Jennifer Mosely.

Nadie vive, como decimos, va en esta línea. Lo que podría haber sido un increíble golpe de suerte para unos ladrones que podrían cobrar una cuantiosa recompensa por haber “rescatado” a Emma, la heredera de un importante empresario, se convierte en una peligrosa lucha por la supervivencia. Los ladrones no tienen más opción que esperar, acorralados en la casa del jefe, o intentar escapar.

En las películas de los ochenta, el asesino solía tener algún tipo de relación con la final girl que explicase su comportamiento obsesivo hacia su grupo de amigos y que ella fuese la última superviviente. Este es también el caso de Nadie vive, pues nuestro hombre había tenido recluida a Emma y, por lo que parece, la estaba entrenando porque había visto en ella algo especial. Así que esta joven no es la misma persona que era antes del secuestro: ahora es fría, calculadora y hará lo que sea por escapar de su captor (“Mi mayor esperanza de escapar es cuando os esté matando a todos”). No estamos ante una mujer representante de la moral, del bien y de todo lo bueno, como en el slasher clásico. Tendrán que ver la película para saber si Emma se convierte en Amanda Young de Saw 2 (Darren Lynn Bousman, 2005)24 o consigue huir.

Emma (a la derecha) hará lo que sea necesario para sobrevivir.

Tampoco es habitual que podamos ver el rostro del asesino. Luke Evans interpreta a nuestro psicópata (que no asesino en serie, como él explica), del cual no llegaremos a saber su nombre. Conocido por interpretar a Bardo en la trilogía de El Hobbit y al mismísimo Conde Drácula en Drácula, la

Amanda Young se presenta al final de Saw 2 como la sucesora del asesino conocido como Puzle, habiendo 24

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Emma, acechada por su captor.

Aunque no lo hemos señalado hasta ahora, sobra decir que el slasher es un subgénero típicamente americano. El director de esta película, sin embargo, es el japonés Ryûhei Kitamura, conocido por films como Godzilla: Final wars (Gojira: Fainaru uôzu, 2004), la entrega 28 de la saga Godzilla, de la cual hablamos en esta revista en la cuarta parte del especial realizado con motivo del sesenta aniversario del kaiju más famoso de Japón, y El vagón de la muerte (The midnight meat train, 2008), largometraje basado en un relato corto extraído de los Libros de sangre del escritor inglés Clive Barker.25

sido primero la única superviviente de su macabro juego. 25 Aunque Clive Barker (1952- ) es un artista multidisciplinar (escritor, cineasta, fotógrafo, pintor, ilustrador…), su faceta más conocida es la de escritor de novelas de terror. De su obra, destacan sus relatos cortos de terror compilados en los Libros de sangre (Books of blood) (1984-85), y es, además, famoso por ser el autor de The hellbound heart (1986), novela que llevó a la gran pantalla con el título de Hellraiser(1987). También ha creado videojuegos y figuras de acción, de entre las cuales destaca la serie Tortured souls (2001-2002). En general, en su obra explora la existencia de mundos sobrenaturales paralelos al nuestro poblados de personajes fantásticos y/o terroríficos con su propia mitología, con un interés particular por lo carnal.

En conjunto, para un aficionado al slasher y a los films de asesinos en serie, la película será interesante por el homenaje al cine de los ochenta y por cuestionarse las reglas del género, pero puede que a una persona con otros gustos le resulte poco atractiva. No esperen encontrar diálogos brillantes ni actuaciones sobresalientes: el argumento es el que es y el que hemos contado. La clave estaría en la cacería del asesino y en los nuevos caminos para el cine slasher que Kitamura explora en Nadie vive.

Para saber más: -

Tráiler de la película.

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Ficha en Filmaffinity.

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Ficha en Imdb. Going to pieces: The rise and fall of slasher films (documental sobre cine slasher en versión original con subtítulos en español).

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Hostelería hindú y senectud: un cóctel para repetir Por Laura Martínez El 27 de marzo llegaba a las carteleras españolas El nuevo exótico Hotel Marigold (2015),26 secuela cinematográfica de aquella tragicomedia inglesa de casi idéntico nombre27 que en 2011 resucitaba los aires orientales de la India, antigua colonia inglesa, de la mano de otras “antiguas” glorias del país de Shakespeare. Con motivo de esta nueva entrega, desde Ecos de Asia queremos homenajear este tándem oriental mostrando los entresijos de ambos films, invitándoos también a acudir a las salas y disfrutar de la esencia de la India en tacita de Earl Grey.

El nuevo exótico Hotel Marigold (The Second Best Exotic Marigold Hotel, 2015). País: Reino Unido. Director: John Madden. Guión: Ol Parker. Música: Thomas Newman. Fotografía: Ben Smithard. Reparto: Judi Dench, Maggie Smith, Bill Nighy, Dev Patel, Celia Imrie, Ronald Pickup, Penelope Wilton, Diana Hardcastle, Tena Desae, Lillete Dubey, Richard Gere, David Strathairn, Tamsin Greig. Productora: Fox Searchlight Pictures. 27 El exótico Hotel Marigold (The Best Exotic Marigold Hotel, 2011). País: Reino Unido. Director: John Madden. Guión: Ol Parker. Música: Thomas Newman. Fotografía: Ben Davis. Reparto: Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Celia Imrie, Ronald Pickup, Penelope Wilton, Dev Patel, Tena Desae. Productora: Fox Searchlight Pictures. 26

Carteles de El exótico Hotel Marigold (2011) y El nuevo exótico Hotel Marigold (2015).

Las “segundas partes” en cine suelen inspirar en el espectador sentimientos encontrados. Por un lado, la curiosidad y casi el deseo de disfrutar de nuevo con algo que ya ha funcionado y, por otro, el miedo a la decepción por las expectativas frustradas ante la explotación de un fenómeno hasta su extenuación. Para el caso que nos ocupa, la Fox, viejo zorro de estos entresijos de la producción, ha sabido combinar con bastante acierto la continuidad de los aspectos que ya funcionaron en la primera película, con la introducción de elementos novedosos. Entre esos elementos que permanecen inalterables está, sin duda, un inigualable plantel de actores de la más alta talla, encabezado por las dos joyas de la corona (británica) Judi Dench (la hasta ahora “M” de

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 la saga 007) y Maggie Smith (conocida por papeles de enorme popularidad como el de Lady Violet Crawley, en Downton Abbey), a las que pone el contrapunto cómico un irreverente Bill Nighy (tan rockero como en Love Actually, 2003). Al tratarse de una película coral, la lista de protagonistas es considerable, aunque también cabe mencionar a Penelope Wilton (otra gran dama que da la réplica a Maggie Smith en Downton Abbey) o Ronald Pickup (que en la miniserie La vida de Verdi, 1982, daba vida al afamado compositor). El toque “exótico” lo aporta un Dev Patel (Slumdog Millionaire, 2008) de fingido acento hindi.28

Imagen con los veteranos actores que protagonizaron la película de 2011.

El argumento de ambos films gira en torno a un grupo de ancianos que deciden abandonar Gran Bretaña para disfrutar de su jubilación en la India, escogiendo como residencia el caótico hotel del joven Sonny (Dev Patel). Las historias de amor y desamor se entrecruzarán entre huéspedes y lugareños, configurando un mosaico de interrelaciones que nos permite reflexionar, desde el humor, sobre la importancia de las experiencias nuevas, de la amistad y del autoconocimiento. Dev Patel es un actor británico de ascendencia india, al que hemos podido oír hablar en perfecto inglés en otras producciones como la genial serie de TV The Newsroom (2012-2014), creada por Aaron Sorkin. 28

El target al que va dirigido el film (fundamental para la supervivencia de la industria) sigue siendo claramente un público maduro y femenino, lo que favoreció ya en su momento el éxito del primer Hotel Marigold en las taquillas internacionales. Esta nueva entrega, que buscaba repetir como blockbuster, se ha encontrado sin embargo con fuertes enemigos en las carteleras: cuentos de hadas (Cenicienta, Kenneth Branagh) y carreras callejeras en serie (Fast & Furious 7, James Wan) pelean por alzarse con el galardón a taquillazo de la semana, relegando a nuestro Hotel Marigold a la categoría de un cutre motel de carretera. La fórmula aquí empleada, que combina un grupo de ancianos y la India, usando como referente un best seller previo (en este caso de la autora Deborah Moggach), puede recordar a otras producciones como, por ejemplo, la reciente Un viaje de diez metros (2014), que ya analizamos en un artículo anterior. La imagen de la India como sublimación del exotismo británico ha sido explotada hasta la saciedad desde el siglo XIX tanto en literatura como en cine (con clásicos como La feria de las vanidades, 1848). En lo referente al medio audiovisual, es casi una tendencia dentro del cine británico el realizar películas vinculadas a la India, entre las que podemos encontrar algunos ejemplos de los años 80 como Gandhi (1982), Oriente y Occidente (1983), Pasaje a la India (1984) o la teleserie La joya de la Corona (1984).

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 El otro ingrediente clave son unos protagonistas en plena madurez, lo que propicia situaciones de rechazo, adaptación e integración final en el medio oriental, ante aspectos tan diversos como la comida, la cultura, los transportes o las bulliciosas metrópolis de la India. El proceso de asimilación de toda esta amalgama oriental será clave en el arco vital de la mayoría de nuestros protagonistas. En cualquier caso, estas comedias cuyos protagonistas están ya entrados en edad, son también un signo característico del cine británico, que cuenta con ejemplos destacados como El jardín de la alegría (2000), Las chicas del calendario (2003) o El cuarteto (2012). ¿Qué aporta entonces este “nuevo” Hotel Marigold? La novedad más evidente, que no escapa siquiera a los ojos de los más despistados, es la incorporación de nuevos huéspedes. Manteniendo casi íntegramente (no desvelaremos las altas y bajas para evitar spoilers) el reparto de la primera entrega, vienen ahora a sumarse dos caras nuevas que

Richard Gere en un fotograma de El nuevo exótico Hotel Marigold.

animarán (¡y de qué manera!) la vida en este hotel para jubilados. Uno de estos fichajes es Lavinia Beech (interpretada por Tamsin Greig, quien hizo el papel de la insoportable Miss Bates en la mini-serie Emma de la BBC, 2009), una tímida inglesa que busca alojamiento para su madre. El otro fichaje galáctico es el gigoló americano Guy Chambers (al que da vida Richard Gere, conocido por Oficial y Caballero, 1982; Pretty Woman, 1990…) que despertará los deseos de más de una dama.

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Dos escenas de la boda.

Otra interesante novedad es el mayor protagonismo que adquiere la India en esta segunda cinta. Si la primera, centrada en las nuevas experiencias de los personajes, dejaba un poco de lado el contexto en el que se desarrollaba la historia, esto ha sido corregido y con creces en el nuevo Hotel Marigold. Esta relevancia que adquiere la cultura hindú se traduce en un mayor interés por el colorido, la música y el folclore del subcontinente, todo ello propiciado por los

preparativos de la inminente boda entre Sonny y su novia Sunaina. En el film original, Sunaina (Tina Desai) personificaba a la “nueva mujer india”, independient e, decidida, moderna… Su trabajo en un Call Center simbolizaba toda la capacidad tecnológica y de comunicación de un país emergente, y contrastaba con las inexistentes habilidades informáticas de Maggie Smith. Sin embargo, en esta nueva revisión, Sunaina combina la vitalidad de la juventud con las más antiguas tradiciones de la India.

Fotograma con la coreografía tipo Bollywood.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Mención especial dentro de este folclore se merece la preponderancia que tiene la música tradicional india y, dentro de ella, el baile. Los necesarios bailes de pareja, imprescindibles en toda boda (oriental y occidental) son el pretexto perfecto para implicar a todo el elenco en divertidas coreografías al más puro estilo Bollywood. Dev Patel brilla con luz propia en dichas coreografías, eclipsando con su desparpajo a la sensual Tina Desai, pero todos (familia, amigos y huéspedes) se unirán a los estilizados movimientos de estos vitalistas bailes.

Con estas claves confiamos en que sepan sacarle el máximo partido al visionado de estas dos películas británicas, que basculan entre el drama y la comedia, transportándose durante unas horas al magnífico entorno de este exótico país que es la India.

John Madden (director de ambos “hoteles”) se apoya, literal y figuradamente, en sus dos protagonistas principales: Judi Dench (con un colorido abrigo de inspiración hindú) y Maggie Smith. Aquí en el photocall durante la première de la película en Londres.

Imagen del Palacio de los vientos.

Estos pasajes musicales llegan casi a compensar la pérdida de tensión que sufre la película a mitad de metraje, mucho más acuciada que en su predecesora. Maggie Smith sostiene el film, prácticamente en solitario, con su presencia y personalidad, pero el cambio de actitud que sufre su personaje en la primera película, provoca que en esta segunda ya no puedan utilizarse sus aprensivas reacciones de carácter racista, que tanto animaron el film original. Esta segunda entrega nos hace viajar más que la anterior por los paisajes y monumentos de la India, mostrando en pantalla algunos escenarios emblemáticos como el Palacio de los vientos o el Palacio de Jaipur contando, como guía de excepción, con el carismático Bill Nighy.

Para saber más: -

Ficha de El exótico Marigold en Filmaffinity.

Hotel

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Ficha de El exótico Marigold en IMDb.

Hotel

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Ficha de El nuevo exótico Hotel Marigold en Filmaffinity.

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Ficha de El nuevo exótico Hotel Marigold en IMDb.

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Tráiler en español.

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La extensión mundial del manga japonés II Por Julio A. Gracia Siguiendo la estela de lo comentado en el primer ensayo sobre este tema que publicamos en Ecos de Asia, nos acercamos a la extensión mundial del manga y el anime japonés, a los medios que hicieron posible que estas manifestaciones artísticovisuales sobrepasaran las fronteras del archipiélago y ocupasen canales de distribución que ya contaban con ruido propio realizado por medios autóctonos en Europa, América o la propia Asia. Los mecanismos que hicieron que una manifestación nacional o local mantuviera sus rasgos propios pero pasase a ser global, se convirtiese en algo a lo que podemos proporcionar la etiqueta de “glocal”. Durante el presente artículo trazaremos unas breves pinceladas sobre esta conversión en torno a la recepción del manga por parte dos grandes escuelas de cómic a nivel internacional: la estadounidense y la francófona.

Taller de manga del autor español Jesulink. Caras de sorpresa realizadas por uno de los usuarios. El manga y el anime no sólo se han extendido por Europa Occidental sino que han creado verdaderas escuelas que tratan de seguir su estilo en numerosos países.

Imagen kawaii sobre una bandera estadounidense. EEUU y Japón combatieron durante la Segunda Guerra Mundial hasta el cruel lanzamiento de dos bombas atómicas sobre las localidades niponas de Hiroshima y Nagasaki. Japón sufrió décadas de invasión estadounidense y en la actualidad es uno de sus mayores aliados den el Pacífico y a nivel mundial. El manga, que durante mucho tiempo estuvo vetado en territorio norteamericano, es ahora potencia hegemónica en la narrativa gráfica de ese país.

Originalmente, Japón tuvo más de un problema para poder pasar de lo meramente “local” con sus productos visuales. Muchos países seguían viendo al país imperialista que les había sometido, o tratado de someter, durante años –era el caso de Corea del Sur o China-, mientras que para otros había sido un enemigo incómodo y difícil de vencer, al que interesaba más vender los productos propios y controlar económicamente que permitirle capitanear un proceso inverso –hablamos, lógicamente, de los Estados Unidos-. Como ya hemos comentado, la superación de esta visión se produjo gracias a los nuevos prismas de varias generaciones que no habían conocido el pasado nipón –y que, por lo tanto, veían estas producciones sin apenas prejuicios más allá de su carácter exótico- y a estrategias de mercado que se acompañaban de productos audiovisuales más genéricos, baratos y sencillos de exportar –como series animadas del estilo de Heidi y Marco. Un paso relevante apoyado en estos, o a veces contemporáneo, fue el reconocimiento por

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 parte de destacados autores de la influencia que tenían para ellos algunas de estas manifestaciones japonesas. Por poner un ejemplo paradigmático, Frank Miller, uno de los autores de cómic estadounidenses más famosos y reputados, ha declarado en varios ocasiones su pasión por la obra de Kazuo Koike (guion) y Goseki Kojima (dibujo) El lobo solitario y su cachorro.

tendencia al kawaii-. Lo que hace décadas tenía que producirse con un cierto cuidado para alcanzar éxito, ahora apenas se nota o seplantea: las influencias japonesas han discurrido por numerosos autores conocidos de Marvel, DC o Dark Horse Comics, se han insertado en estilos gráficos o en guiones y forman parte ya no sólo de la competencia, sino de la propia esencia del cómic producido en Norteamérica. Algo parecido, pero un poco distinto (diferencias más profundas darían para otro artículo mucho mayor, aquí sólo queremos establecer una breve aproximación), sucede con la otra gran escuela de cómic a nivel internacional: el ámbito francófono.

Portada realizada por Frank Miller para el primer volumen de El lobo solitario y su cachorro publicado en EEUU.

La historia, lanzada en los años setenta en el país nipón, se encuentra ambientada en el shogunato Tokugawa y cosechó rápidamente un éxito tremendo dentro de las fronteras del archipiélago. Varias editoriales estadounidense buscaron aprovechar el tirón y lanzaron el manga poco después en América en formato de serie mensual, con portadas que realizaron el propio Frank Miller, Matt Wagner (autor de Grendel) o Bill Sienkiewicz. La segunda edición emitió más de 50.000 copias y fue un auténtico éxito. Como la editora Letitia Glozer explicaba, se buscaba un cómic no demasiado americano, pero tampoco excesivamente japonés – entendiendo por esto último demasiado sencillo o simplista a nivel de dibujo o con

Imagen del ilustrador francés Boulet. Representa a un Mazinger Z especialmente musculoso surgiendo de la televisión para golpear a un niño. La serie japonesa fue una de las muchas que cosecharon críticas en España, EEUU o Francia acerca de su

El mercado del manga en Francia supone un alto porcentaje de sus ventas editoriales, siendo quizás unos de los países, fuera del propio Japón, donde mayor cantidad de obras y autores de manga podemos encontrar. Además, el país galo es uno de los lugares

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 donde mejor considerados están muchos de ellos. La forma de desembarco fue semejante a EEUU o España: productos televisivos (de Nippon o de Toei Animation especialmente) que abren camino a las primeras pruebas con edición de manga basadas en estos, con las consiguientes protestas de asociaciones conservadoras de padres (especialmente de Familles de France), y finalmente implantación, con la ayuda de productos o autores destacados. Pero la inmersión cultural y aceptación de los mismos fue mucho más allá: Ghost in the Shell 2: Innocence, de Mamoru Oshii, fue la primera película de animación finalista en el festival de Cannes, mientras que, en el año 2000, La Princesa Mononoke, de Hayao Miyazaki, se convirtió en un verdadero éxito en los cines franceses. En la actualidad, y al igual que en EEUU, el manga y el anime están perfectamente integrados a nivel cultural y forman parte de tendencias, estilos y guiones de forma cada vez más natural.

Para saber más: Una vez más recomendamos la obra de Gravett, Paul, Sixty Years of Japanese Comics, Nueva York, Collins Design, 2004. Y además el artículo: Tajada Sanz, Cristina, El mercado español del manga: Estado de la cuestión, Actas del Foro AsiaPacífico, Universidad de Granada, Septiembre de 2006. Disponible online aquí. Si el lector quiere ir todavía más allá, puede consultar obras como la ya clásica: Koyama-Richard, Brigitte, Mil años de manga, Barcelona, Electa, 2008 o MacWilliams, Mark W.,Japanese visual culture: explorations in the world of manga and anime, Armonk, Sharpe, 2008. Aunque ya es algo antiguo, podemos recomendar también a Schodt, Frederik L., Manga! Manga! The World of Japanese Comics, Tokio, Kodansha International, 1983 su secuela Schodt, Frederik L., Dreamland Japan. Writings On Modern Manga, Berkeley, Stone Bridge Press, 1996.

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¿Podemos ser héroes?: Nación, Religión y Femineidad en las nuevas superheroínas de Oriente Medio I Por Marisa Peiró No cabe duda que los envites y debates de las diferentes problemáticas del mundo islámico se han convertido en algunos de los conflictos internacionales más importantes de las últimas décadas. El vasto complejo de mareas ideológicas y sociológicas conocidas como “Primaveras árabes” que han tenido lugar durante estos últimos años abrieron los ojos de Occidente a golpe de revueltas, que tuvo que reconocer reconocer que el inmenso mundo musulmán era mucho más que el manifestado en elementos traumáticos para la democracia occidental, como la Revolución Cultural Iraní, la Guerra del Golfo o, especialmente, los atentados del 11-S. A día de hoy, la recentísima emergencia del Estado Islámico hace que buena parte de planeta no-musulmán se haya olvidado de muchos de los logros y características de

Cada vez son más numerosas y variadas las superheroínas de trasfondo musulmán.

aquel sexto del planeta que sí lo es, y que deje de prestar atención a otros fenómenos culturales y sociológicos emergentes, que mucho tienen que ver con temáticas tan caleidoscópicas, importantes e interesantes como la emancipación nacional, la lucha por los derechos de la mujer o el derecho a la libertad de expresión. Y, quizás, uno de los

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 más curiosos, complejos y a la par atractivos sea la emergencia de un fenómeno tan aparentemente contradictorio como necesario: la aparición y consolidación de la superheroína musulmana, que llega en un momento de fuerte empoderamiento, tanto para la mujer como para la religión. Se trata este de un tema en el que confluyen aspectos tan importantes como el papel y la representación de la mujer (específicamente, de la mujer musulmana) en dos ámbitos considerados predominantemente masculinos, como el universo del cómic o los sistemas hetero-patriarcales islámicos -cuya naturaleza dominantemente masculina confrontaremos después-. Teniendo cada vez más vigente la problemática de las representaciones figurativas -sin entrar a debatir sobre la licitud de la sátira o la corrección política- y de la inferencia y omnipresencia de la religión en la vida cotidiana, es especialmente importante reflexionar sobre la manera en la que el cómic y algunos productos relacionados (en el caso que nos atañe, series de televisión, aplicaciones y juegos) son unas de las maneras más poderosas de difusión de ideas, en particular si tenemos en cuenta cómo muchos de ellos se valen de la importancia de la imagen para la difusión de un mensaje entre personas con un bajo nivel de educación -niños, adolescentes o incluso analfabetos adultos-.29 Como ya hemos apuntado en varias ocasiones, el cómic puede ser una más que valiosa herramienta en los lugares con un bajo índice de alfabetización, como las áreas rurales de Afganistán y Pakistán, ámbito al cual se han enfocado algunas de las historias que aquí mencionaremos. En 2012, una empresa de comunicación afgana contrató al dibujante belga Nicolas Wild para crear una historieta de superhéroes islámicos ambientada en el país, que tuviera como 29

Burka Avenger es la primera y más exitosa serie animada de Pakistán, destinada al público infantil.

Antes de entrar a considerar los diferentes ejemplos de superheroínas musulmanas aparecidas en los últimos años, cabe hacer unas consideraciones generales sobre la historia y el mercado del cómic, especialmente del de superhéroes. En primer lugar, debemos tener en cuenta que en los últimos años se ha enriquecido y diversificado el mercado gráfico mundial: si bien la producción norteamericana sigue siendo la predominante, otras industrias particularmente fuertes, como la francófona o la japonesa, tienen ahora fuertes competidores en determinados territorios de Asia y el Norte de África. Como ya comentamos en una ocasión, la prensa ilustrada tuvo una tardía pero importante aparición en el mundo musulmán, estando sus focos principales en Egipto, Turquía e Irán, aunque por lo general la historia del cómic islámico ha sido bastante oscura e irregular. Sin embargo, el impulso capitalista y globalizador ha facilitado durante estos últimos años, no solo la difusión del cómic extranjero en el Mundo Árabe (acaba de celebrarse en Kuwait la segunda edición del objetivo concienciar a la población en contra de la corrupción y el consumo del opio. La misma, no se valía de la palabra escrita para poder llegar a un público más amplio. Para ver algunos de los resultados, o al superhéroe Mir Watan, véase el blog del autor.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Middle East Film & Comic Con, proclamada la única Comic Con de Oriente Medio), sino la aparición de unos mercados nacionales que responden a determinadas necesidades culturales antes desatendidas. Antes de lanzarnos a nuestro análisis, debemos advertir que es incorrecto e imposible hablar de un “mercado musulmán” -más allá de que el Islam esté presente en los cinco continentes y entre las más diferentes culturas-, pues existen además diferentes industrias gráficas y culturales, como la india, la indonesia, la filipina o la israelí, que se mueven en ambientes en los que la religión islámica tiene un peso enorme, pero que no

Material promocional de la Comic Con de Kuwait.

están sometidos a la misma presión ni legislación religiosa que la de otros países; es esencialmente el idioma lo que generará, en este caso, un determinado marco cultural. En nuestro análisis hablaremos de una serie de

producciones y personajes que afectan, especialmente, a dos ámbitos conflictivos: el corredor árabe-saudi (del que excluiremos, por motivos geográficos, a Egipto, otro de los mercados importantes) – en el que el medio de expresión será la lengua árabe y que ha sido considerado tradicionalmente como el más conservador, aunque afín políticamente a Occidente- y el afgano-paquistaní especialmente (im)popular en el imaginario colectivo como consecuencia del gobierno y la inferencia talibán. En cuando a los creadores de estas superheroínas musulmanes, existirán prácticamente todas las combinaciones posibles: hombres y mujeres, orientales y occidentales, religiosos (practicantes ortodoxos y no) y laicos, que trabajan dentro o fuera de sus países, y cuyas trayectorias profesionales son más que diferentes. La lista de posibles interacciones entre estos factores dibuja un elenco variopinto de superheroínas cuyas características son tan variadas como su público: algunas se dirigen al mercado adolescente y adulto occidental, mientras que otras intentan ocuparse de este mismo nicho en Oriente, aunque existen también personajes dirigidos a un público infantil.

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Un nutrido grupo de diversos superhéroes y superheroínas conforman The 99.

En cuanto a las mencionadas heroínas, provienen de países tan diferentes como Pakistán, Irán, Yemen o Turquía, y sus posturas sobre diferentes aspectos relacionados con la religión -especialmente el que concierne al atuendo- tampoco podrían ser más variadas; en algunas historietas el elemento religioso será apenas contextual o se inferirá del nombre y aspecto de la heroína, mientras que en otras como The 99 el Islam jugará un papel esencial en el argumento.

aparece también en buena parte del marco musulmán, encontrándonos en un momento muy importante para el desarrollo del feminismo islámico. Existen muchas posibles lecturas sobre el emergente protagonismo y visibilidad de la mujer musulmana, que van desde la férrea voluntad de denuncia a la identificación colonialista del Otro de Oriente, en este caso- con una figura femenina, habitualmente considerada como débil y, por ello, como “rescatable” por Occidente. Pero, ¿qué sucede cuándo son ellas las heroínas que nos rescatan?

En la emergencia de estas figuras confluyen varios fenómenos. Por una parte, existe un interés cada vez más grande de Occidente por las mujeres musulmanas -producido habitualmente con una intención (más o menos paternalista) de denuncia-; la represión que las mismas sufren en no pocos regímenes musulmanes hace que se ponga el grito en el cielo y se denuncien los incontables acosos y crímenes machistas que tienen lugar contra las mismas. Este mismo sentimiento REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

Dust, de X-Men, será rescatada por Lobezno en Afganistán.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Por otra parte, la adopción de la narrativa y los arquetipos de superhéroes y superheroínas es esencialmente un producto de la globalización, y, aunque modelado en un principio en base al modelo norteamericano, puede ser -y ya ha sido- adaptado y reinventado para servir a los diferentes pronósticos nacionales, culturales, y, lógicamente, religiosos, de especial vigencia en los territorios que nos atañen. ¿Es este un mundo de hombres? Tradicionalmente se ha considerado que tanto el universo islámico como el de los cómics de superhéroes son dos territorios eminentemente masculinos y falocéntricos, en los que las mujeres están apenas presentes de una manera marginal, dependiente, en suma manera, de la “mirada masculina”, que relega sus valores y funcionalidad a la mera objetualidad. Son estos unos usos y conceptos que, aunque de facto presentes, se oponen a la génesis misma tanto del Islam como del propio héroe moderno. Y es que este concepto de “mirada masculina” ya ha sido contestado en varias ocasiones.

Por ejemplo, en el ámbito religioso, no debemos olvidar que incluso en algunos de los sistemas más represores para con la mujer – como el Irán post-revolucionario –, las Bellas Artes (y con ellas, el universo gráfico) han sido consideradas como uno de los cotos delimitados en los que la mujer podía aplicar sus capacidades técnicas e intelectuales; el Arab Museum of Modern Art de Doha (Qatar) -uno de los pocos ejemplos del tipo en Oriente Medio- gran bastión del arte contemporáneo en la región, está dirigido esencialmente por mujeres. Por otra parte, quizás haga falta recordar que la mayor parte de portavoces internacionales de países islámicos, especialmente de aquellos que peor han tratado a la mujer, en estos últimos años han sido casi siempre mujeres: valga como ejemplo Benazir Bhutto, que en 1988 ganó las primeras elecciones democráticas de Pakistán (país que durante el segundo mandato de la misma vería la emergencia talibán), o de Malala Yousafai, que en 2014 se convertía en la persona más joven en recibir el Premio Nobel de la Paz por su defensa de los derechos de las niñas en el Pakistán dominado por los talibanes.

Kahina the seer, aliada de Aquaman, y de supuesto origen iraní.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 verdaderamente protagonistas de sus historias, con la notable excepción de Wonder Woman (1942), que, todavía hoy, constituye un icono al respecto. A partir de la década de los 50, se crearían muchos contrapuntos femeninos a personajes populares (Batgirl, Superwoman), y durante la década de los 60 se generalizarían las figuras femeninas dentro de los equipos de superhéroes. Habría que esperar a los equipos grandes, como los XMen, para llegar a ver un desarrollo mínimamente igualitario de figuras femeninas cuya personalidad no responda a clichés machistas o que no se definan conforme a sus compañeros masculinos, una tendencia que continúa en alza hoy en día, coincidiendo con las políticas de igualdad de género en la industria.

Janissary, una doctora turca, será aliada de Wonder Woman y luchará contra lo que intentan devolver su país a la oscuridad.

En cuanto a la idea de que el superhéroe es, por antonomasia, varón y de origen anglosajón, es un concepto al que deberíamos renunciar, pues, aunque fue la industria norteamericana la que sentó la mayoría de arquetipos al respecto, los primeros superhéroes aparecieron precisamente fuera de este mercado,30 y la aparición de la superheroína apenas se retrasó unos años con respecto a sus congéneres masculinos. Las primeras superheroínas surgieron ya en 1940, aunque durante este primer periodo caracterizado por la propaganda y la implicación bélicapocas son En Argentina apareció tan pronto como en 1928 Patoruzú, mientras que el que muchos consideran como el primer superhéroe moderno, con apariencia espectral y capacidad para volar, se registra en Japón en 1930 como Ôgon Bat (literalmente “Murciélago Dorado”, traducido al castellano como Fantasmagórico. 30

El vientre de Jalila, protectora de la Ciudad de todas las fes (Jerusalén), fue censurado en Egipto, su principal mercado.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 En el caso particular que nos concierne, cobra una especial importancia la representación sexualizada de las heroínas, y que, aunque cuenta con excepciones y afecta igualmente a gran parte de los ejemplos masculinos, ha sido la tendencia desde su aparición hasta la actualidad. Los uniformes ceñidos y elásticos – tan supuestamente útiles para la actividad física del superhéroe – entraban en conflicto teórico con el precepto de la modestia en el vestir del Islam, algo que ha sido resuelto de diferentes maneras; por otra parte, prendas como pañuelos, velos o burkas, consideradas por la mayor parte del público secular como represoras para la mujer, resultan especialmente útiles para la función de proteger la identidad secreta de las superheroínas. Sobre su uso también han corrido ríos de tinta y veremos muy distintas aplicaciones de los mismos. Diferentes autores realizarán diferentes representaciones, en los que el factor de la vestimenta y la cubrición jugará un papel mucho más importante que el de la mera provocación, permitiendo establecer un complejo debate en torno a las ideas de conformismo y empoderamiento. En esta tesitura, y quizás dentro de una evolución más distendida de las “primaveras árabes” y de un proceso multilateral que integra visiones orientales y occidentales, así como laicas y espirituales, han aparecido toda una serie de figuras femeninas que están ayudando a reflexionar de muy diversas maneras sobre nación, poder y género y diferentes estados; un tipo de figura emergente sobre cuya representación, significación, intencionalidad y funcionalidad se hace necesario debatir en una serie de artículos. En primer lugar, repasaremos varias de las recientes aproximaciones de los gigantes del mercado norteamericano de los superhéroes

La nueva Mr. Marvel, Kamala Khan, es de Nueva Jersey.

(D.C. Comics y Marvel) a las figuras musulmanas femeninas, para observar la diversidad de lecturas de sus diferentes personajes. Más adelante, nos detendremos cuidadosamente en dos ejemplos más que distintos provenientes directamente del mundo islámico: las diversas protagonistas femeninas de la exitosa serie de cómic y televisión kuwaití The 99 y a Burka Avenger, primera serie animada de Pakistán y una de las más controvertidas y exitosas aportaciones dirigidas al mercado infantil. Por último, repasaremos algunos ejemplos clásicos procedentes de países en los que el Islam es una relación importante pero absoluta (Filipinas, India, Indonesia e Israel), para ver cuán similares son sus modelos a los de Occidente.

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El buen quimono II: Moda e intersección, Oriente y Occidente. Dos amigas destinadas a encontrarse Por María Postigo Para entender la importancia que el quimono tuvo en Occidente, tenemos que hacer referencia al fenómeno conocido como Japonismo, que denomina a la influencia de las artes japonesas en Occidente. Las obras que se crearon a partir de la referencia directa de los principios estéticos japoneses, especialmente las realizadas en Francia, no supusieron una transformación del arte occidental, pero sí una importante tendencia a acercarse al Lejano Oriente en los lenguajes ornamentales. La llegada de la influencia de las artes de Japón se produjo a principios del periodo Meiji (1868-1912) cuando se acabó con el largo aislamiento nacional del periodo Edo y se abrieron las importaciones de Occidente, incluyendo la fotografía, técnicas de impresión o la indumentaria; por su parte, a Europa llegaron nuevas formas de relación con la naturaleza, nuevas técnicas y lenguajes artísticos. Precisamente cuando Japón abrió sus puertas a la cultura occidental, y las primeras obras de arte japonés fueron conocidas también en Europa, el arte realista de Francia y de otras escuelas europeas empezaban a buscar nuevos caminos a los que ya conocían por considerarlos saturados.

La valoración del arte japonés no radicó en su consideración como objeto de lujo sino en sus propiedades estilísticas utilizadas como referencia frente al arte academicista. Muchos de los artistas más importantes del arte del siglo XIX muestran evidencias en sus obras de una gran A principios del siglo XX y a través de los diferentes ateliers de costura francesa, la admiración influencia del quimono se fue abriendo por los paso entre las prendas habituales de las mujeres adineradas. nuevos lenguajes que el arte japonés les aportaba, sobre todo los impresionistas, post-impresionistas, simbolistas y modernistas. Manet y Degas

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 trataron de pintar “al estilo japonés”, Degas aprendió de Hokusai a pintar la belleza del cuerpo humano en movimiento. Monet encontró en la pintura de la escuela Ukiyoe una verdadera revelación por su sentido del color. Estos pintores también se vieron influidos por la pintura decorativa de Japón. Destacan también los post-impresionistas como Gauguin, Van Gogh y Toulouse-Lautrec por la asimilación de los principios de los grabados Ukiyo-e porque siguieron encontrando en ellos nuevos caminos para su arte. El modernismo adoptó diversos recursos decorativos japoneses en sus ritmos orgánicos y en su repertorio ornamental lleno de flores e insectos como mariposas o libélulas. El Japonismo tuvo su capital en París, pero pronto sería una corriente consolidada y difundida por las principales capitales europeas y americanas. Se produjo un auge del coleccionismo asiático, que también supuso una estupenda vía para la divulgación de la cultura japonesa. La moda no fue ajena a este fenómeno. La locura por el arte oriental englobó también un creciente interés por la indumentaria y el estilo de vida de las mujeres niponas. La moda femenina occidental estuvo fuertemente influida por el quimono especialmente desde 1860 hasta 1900, y los diseñadores europeos iban perfeccionando su técnica a la hora de confeccionarlos. Las mujeres europeas se inclinaron a esta prenda no sólo por su elegante corte, sino por sus sedas teñidas de forma exquisita y sus diseños asimétricos y dinámicos. Algunos de los pintores que habían aplicado técnicas y formas japonesas en sus obras, también intentaron reproducir la belleza del quimono, el contraste de los colores de las sucesivas prendas. ToulouseLautrec realizó un autorretrato con un quimono y también se fotografió vistiendo

uno. Gustav Klimt coleccionó quimonos, todos de una altísima calidad. Claude Monet en 1867 compró un quimono para su joven esposa y posó con el para el cuadro La japonaise. En el siglo XVIII ya los europeos sentían una gran curiosidad por los diversos productos importados desde Oriente, concretamente en los tejidos de dibujos asimétricos y las nuevas combinaciones de colores que se hicieron muy populares en la época, al igual que los detalles pintorescos en las sedas exóticas. Los europeos no concedieron a Japón una identidad cultural diferenciada hasta la segunda mitad del siglo XIX, pero ya en el siglo XVII y en el XVIII la Ducth East India Company ya importaba quimonos japoneses que los hombres europeos llevaban como batines para estar por casa. Como el suministro de auténticos quimonos japoneses importados era limitado aparecieron los batines orientales confeccionados con indiana para satisfacer la demanda. En Holanda se llamaban japonese rocken; en Francia, robes de chambre d´indienne y en Inglaterra; banianos. Debido a sus características exóticas y a su relativa escasez se convirtieron en un símbolo de estatus social y económico elevado. En casa, los hombres lo llevaban sobre una camisa y un calzón, con un gorro en lugar de peluca. Parece Ejemplo de un Robe de ser que también se lo chambre d’indienne. ponían para recibir a los amigos más cercanos y para pasear por la mañana.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Las indumentarias orientales eran apreciadas sobre todo por sus rarezas; en segundo lugar por sus características exóticas como las complejas formas curvas basadas en la estética y la sensibilidad orientales; y por último, porque no podían ser valoradas según las normas occidentales. La popularidad de estos tejidos queda patente en el uso de términos orientales para describir determinados motivos y técnicas, como el bordado ungen -técnica de coloración tradicional que expresa la sombra por zonas del mismo color- o la raya de Pequín. Durante el siglo XIX, Francia se convirtió en el líder indiscutible dentro del mundo de la moda. La Revolución Francesa provocó el desplome de la jerarquía social tradicional y dio paso a una rica burguesía que fue la gran protagonista de la moda del siglo, así como las actrices y las demi-mondaines (cortesanas de lujo). Con la apertura de Japón al comercio internacional en 1854, los intereses europeos en este país crecieron rápidamente. La influencia del japonismo en la moda emerge sobre todo desde 1880 hasta 1920 y se aprecia en diversas tendencias. En primer lugar, el quimono propiamente dicho se llevaba como batín exótico para estar en casa y las telas con el que estaba hecho se utilizaban en la confección de vestidos occidentales. Todavía se conservan buenos ejemplos de vestidos estilo polisón hechos con tela de kosode, por su parte, en Japón también se conocía el estilo polisón como el atuendo occidental que se llevaba en el rokunei-kan, la casa de huéspedes oficial que funcionó como centro de occidentalización de Tokio durante la restauración Meiji (1868-1912). Los motivos japoneses también fueron adaptados y aplicados a las telas europeas, por ejemplo en los tejidos producidos en esa época en Lyon podemos ver detalles de la naturaleza,

pequeños animales e incluso blasones familiares. Más tarde, la prenda se convirtió en un batín que, aunque conservaba la forma de quimono, era más occidental. El término quimono empezó a utilizarse en Occidente en un sentido más amplio. Especialmente popular fue el tejido japonés llamado rinzu cuya característica principal es que presenta una trama con diferentes tipos de hilos de seda que realiza un efecto de brocado, y fue muy utilizado para los quimonos de las mujeres japonesas de la clase samurái. Incluso algunos vestidos fueron rehechos con corte Occidental a partir de quimonos ya hechos el periodo Edo. Como este ejemplo: raso de seda blanco labrado tipo shibori bordado en hilo metálico con motivos de glicinas, crisantemos, peonías y abanicos. Los botones están forrados con un motivo japonés.

Tela blanca de quimono en raso de seda labrado tipo shibori bordado en hilo metálico con motivos de glicinias, crisantemos, peonías y abanicos, los botones están forrados con un motivo japonés.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Los ejemplos sobre vestidos femeninos con claros débitos orientales son muy numerosos. Se pusieron de moda los vestidos con motivos de ayame, una flor de la familia del iris cuya aparición en el arte europeo proviene de su frecuente uso en el estilo japonés. El motivo de ayame también aparecía con frecuencia en Le Japon artistique, la publicación de arte japonés de Siegfried Bing. Otro motivo que fue de gran influencia en Europa son los crisantemos, que se exportaban desde Japón y que a partir de la publicación de Madame Crhysanthème, la imagen de esta flor como símbolo de Japón quedó consolidada. Incluso algunos vestidos nos muestran composiciones que no se habían visto nunca antes en Occidente y que reflejan una marcada influencia del arte y de la artesanía japoneses, especialmente del quimono. Con la restauración Meiji, la seda se convirtió en un producto de exportación muy importante. En Europa se continuaban

realizando vestidos para estar por casa con influencias niponas como el “vestido de tarde”, que era una elegante prenda que se llevaba hasta la hora de la cena y que se podía llevar con el corsé menos apretado de lo normal. Algunas de las más famosas maisons parisinas crearon lujosos vestidos de tarde. Ejemplo es este vestido de tarde japonés que muestra un estilo medieval mezclado con la moda del siglo XVIII. Los crisantemos están bordados mediante una técnica japonesa llamada nikuirinui.

Vestido de patrón marcadamente europeo. Sin embargo, el motivo “sol de la mañana con nubes” tiene claras connotaciones de Japón y el uso de la asimetría también era algo novedoso en la moda de Occidente.

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A finales del siglo XIX, las principales tiendas japonesas de quimonos como Iida Takashimaya y Mitsokuchi mostraron su interés por el mercado occidental. Se realizaron muchos productos específicamente para el consumidor europeo como los “abrigos de teatro” que se pusieron de moda en Inglaterra. Se inspiraban en túnicas de estilo mandarín que llevaban las autoridades públicas de la dinastía China. También se realizaron batas, que aunque siguieron manteniendo la esencia del quimono, se adaptaron para ser más aceptadas en el público europeo. Página 62

[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 sensual belleza de Japón. Se sintieron atraídos por los dibujos y los colores de los tejidos, así como por la estructura de las prendas. La forma plana y la abertura del quimono y a apuntaban a la nueva relación que iba a existir entre indumentaria y cuerpo. Fue Paul Poiret el que introdujo el vestido sin corsé en la moda femenina A la izquierda, Ilda Takashimaya. Raso de seda blanco acolchado con motivos de crisantemos blancos en un estilo de túnica mandarín. pasando el A la derecha, Ilda Takashimaya. Tejido a la plana de seda color gris con un bordado de pavo real sobre un cerezo en centro de flor. Además, este vestido cuenta con kumihimo (cordón japonés) y fuki (dobladillo acolchado). gravedad de la Nos situamos ya en el siglo XX en el que tiene cintura a los hombros e ideó un abrigo suelto, lugar el surgimiento de una pujante media al que llamó “abrigo quimono”. Entre los años clase que dio pie a un nuevo estilo de vida y 1910 y 1913 muchos diseñadores además de para ella los diseñadores de moda y los Poiret crearon abrigos al estilo mukiemon, artistas pusieron gran empeño en crear creados a partir de una sola pieza con un nuevos tipos de indumentaria. corte en el centro y con un cuello abierto similar al quimono y una línea suelta en En el siglo XX, la silueta y la construcción la espalda. En otros ejemplos podemos ver en plana del quimono iba a ejercer una gran la espalda un adorno de bucles al influencia sobre la indumentaria estilo kumihimo. tridimensional occidental y el mundo de la moda, y es que, el Japonismo aún tenía una gran influencia a la hora de crear vestidos. Destacaron diseñadores como Poiret y Callot Soeurs que encontraron la inspiración en la REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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También fue a principios del siglo XX cuando los ostentosos trajes del teatro kabuki adquirieron en Europa una gran popularidad. El atrevido motivo de rayas de este vestido y el estilo date-eri del cuello y los motivos florales similares a los dibujos preferidos por los actores del kabuki.. La línea estilo nukiemon y el cuello bajo por la espalda también son elementos que se han tomado prestados para este abrigo. Mariano Fortuny fue uno de los diseñadores que más utilizó los modelos orientales como inspiración a la hora de crear sus propios vestidos. Solía adoptar ideas de diseño que provenían de muy diversas fuentes, incluso utilizaba los modelos directamente de telas japonesas o de la publicación francesa Le Japon Artistique. Situándose un paso por delante respecto a otros artistas de su época, desarrolló una técnica de estampación de seda con plantillas basadas en el sistema de estarcido japonés, lo que denota aún más su fascinación por el país del sol naciente. Arriba, Jeanne Paquin. Raso de seda Charmeuse y chiffon de seda negro, bordado de flores y olas al estilo japonés. Abajo, Worth. Adorno de bucles estilo kumihimo (cordoncillo japonés).

La influencia del arte japonés inundó de nuevos motivos todas las telas de los más

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 lacas. Creó un cambio fundamental en las técnicas de corte de la tela, lo que hoy nosotros conocemos como corte “al biés”. Para algunos de sus vestidos utilizó telas triangulares dobladas de forma alternativa, incluida por las diferentes técnicas del origami japonés, se trata de una compleja técnica de construcción que requiere una perfecta técnica de corte. Inspirados por los artículos lacados japoneses, decoradores como Hielen Gray y

Mariano Fortuny. Terciopelo marrón con estampado polícromo de un dibujo tradicional japonés.

destacados diseñadores, quienes se mostraron muy interesados por los motivos de los blasones familiares utilizados en el quimono y en otras artes decorativas. En el ejemplo que aparece a continuación los blasones familiares japoneses fueron bordados con cuentas y canutillo dispuestos según el estilo occidental. También puede observarse la influencia japonesa en la larga cola y los adornos con cuentas que crean una forma asimétrica. Una gran diseñadora del panorama parisino de los años 20 fue Madeleine Vionnet, quien tampoco estuvo exenta de la influencia de Japón, ya no sólo ejercida por los quimonos, sino también por cualquier manifestación artística como los grabados Ukiyo-e y las REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

Anónimo.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Jean Dunand crearon artículos de decoración de interiores realizados con laca. Dunand también creó tejidos lacados como el lamé que tiene una textura lacada, brillo y flexibilidad. Incluso Vionnet se sintió atraída por las formas que el rastrillo dibuja en los jardines zen (o karensansui) para incorporarlas a sus creaciones.

El quimono terminó asentándose definitivamente en la moda Occidental durante los años veinte gracias al trabajo de las grandes maisons de moda parisinas. Son innumerables los ejemplos de vestidos conservados que presentan unos débitos bien claros y definidos. Son quimonos en occidente, no hay duda. Con el deseo de liberar el cuerpo de la mujer se buscaron nuevos modelos que dieran un pequeño gran toque de frescura en el abigarrado mundo de la indumentaria. Gracias a ese cambio de rumbo, la historia de la moda sufrió un giro radical hacia nuevas direcciones aún sin explorar y que miraban hacia Oriente.

Para saber más: -

VV. AA. Moda. Una historia desde el siglo XVIII hasta el siglo XX. Madrid, Taschen, 1992.

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VV. AA. 100 contemporary fashion designers. Madrid, Taschen, 2009.

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Araki, Nobuyoshi. “Runaway kara real he no korin”,The reality show, nº2, Tokio, Junio de 2011.

Vionnet. 1925. Vestido que muestra la gran complejidad de las técnicas de costura de Vionnet con efecto tanto ornamental como funcional. Las pinzas que lleva toda la parte frontal superior del vestido parecen las marcas de un rastrillo sobre la arena de un templo zen japonés.

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Una aproximación a la muñeca popular made in Asia V: la estética manga Por María Gutiérrez En entregas anteriores nos hemos referido a muñecas orientales de carácter popular de muy diversa índole. Partimos de unos primeros ejemplos, con una apariencia próxima a nuestra Barbie occidental, como son Licca y Jenny, embajadoras de un legado que se extiende hasta nuestros días. A continuación una serie de variantes, Blythe y Pullip, sucesoras de las pioneras ya mencionadas, con una fisonomía diferente, caracterizadas por su macrocefalia. Finalmente, las Ball Jointed Dolls, con una mayor amplitud en cuanto a moldes, tamaños y posibilidades para el coleccionista. A pesar de las evidentes diferencias entre estas tipologías, todas tienen dos elementos en común. En primer lugar, son fashion dolls o muñecas creadas para ser vestidas y peinadas atendiendo a la moda. Por otro lado, su aspecto y rasgos se acercan más, salvando las distancias, a un retrato realista, algo muy claro, por ejemplo, en la estética de los ojos, cuya cuenca ofrece un aspecto más veraz, así como la representación de los labios y la nariz. Los tipos que nos ocupan en este caso nada tienen que ver con estas pretensiones, puesto que su aspecto y estética beben de la animación japonesa para, prácticamente, dar lugar a personajes de anime en tres

dimensiones. Nos referimos tanto a las muñecas Azonecomo a las Mamachapp. En primer lugar, vamos a tratar a las conocidas como Azone, pertenecientes a la firma japonesa de Azone International. Se podría decir que esta es una empresa un tanto peculiar, ya que cuenta con una sucursal en Japón donde vende todo tipo de elementos (ropa, recambios de cuerpos y partes, pelucas…) para todo tipo de muñecas cuya altura se encuentra entre los 23 y los 27 centímetros. El producto estrella de esta firma son los cuerpos, conocidos como Pure Neemo, con un aspecto mucho más realista que los anteriores, donde las articulaciones prácticamente no se aprecian. Los Pure Neemo tienen diferentes tamaños: 21 centímetros el más pequeño, 23 centímetros y medio el intermedio y 27 centímetros el más grande. Estas piezas no sólo sirven para las muñecas pertenecientes a esta firma, sino que muchos coleccionistas los adquieren por su estética para cambiar los de otras tipologías como pueden ser Blythe o Pullip. A día de hoy, algunos modelos se fabrican con un plástico particularmente flexible que permite el suprimir las articulaciones de las rodillas y los codos.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Por otro lado, Azone International cuenta con sus propias muñecas, conocidas con una denominación homónima a la de la tienda. Estas figuras cuentan con un cuerpo similar a los Pure Neemo, sólo que de 25 centímetros de altura. La muñeca Azone surge en el año 2001 y representa a chicas jóvenes con una

En esta imagen podemos apreciar dos modelos diferentes de Azone, en los que, a pesar de llevar un atuendo similar, se diferencian por la expresión del rostro y el color de los ojos.

estética similar al anime japonés: grandes ojos de diferentes colores y formas, narices pequeñas, prácticamente inapreciables, y bocas sumamente simplificadas. A modo de curiosidad, destaca el hecho de que estas muñecas siempre son de raza caucásica, existen variaciones de color tanto en los cuerpos Pure Neemo como en los rostros, si bien ambas contemplan únicamente la piel blanca. Esta tienda ofrece dos posibilidades a elegir por el coleccionista. La primera consiste en la construcción completamente personal de una

muñeca, eligiendo entre una serie de rostros y cuerpos para combinar con diferentes pelucas y conjuntos de ropa. Como segunda posibilidad, también se venden modelos completos, con una determinada estética que puede acercarse a diferentes estilos de moda popular japonesa, como puede ser el Lolita,31 o bien ofrecer una apariencia más casual o incluso atuendos tradicionales de toda Asia. También, dentro de esta segunda opción, podemos encontrar modelos similares a personajes de diferentes series y mangas japoneses, ataviados con su atuendo característico y adaptando una serie de rasgos similares a los de ese personaje. En ambos casos, su coste es bastante alto. Igualmente, en ocasiones salen al mercado modelos limitados bastante codiciados por altos precios. Dentro de las Azone podemos encontrar diferentes variantes, condicionadas principalmente por su tamaño. Conocemos como Ex Cute a los modelos predeterminados que hemos mencionado anteriormente. La diferencia entre moldes se establece a través de los rostros, cada uno de ellos se identifica con un nombre propio y puede combinarse con diferentes colores de pelo y ojos. Por otro lado, de menor tamaño y con un cuerpo un tanto caricaturizado, destacan las Lil’Fairy. Estas muñecas presentan una altura menor y destacan por su cuerpo con las manos y los pies de unas proporciones exageradas. El tratamiento del rostro es similar a las series de animación japonesas, si bien, en este caso, se exagera el tamaño de los El Lolita es un estilo que surge aproximadamente en los años 70 del siglo pasado. Se caracteriza por la inspiración en el Rococó y la época victoriana inglesa, sin dejar de lado elementos de la cultura pop japonesa. Dentro del Lolita podemos encontrar diferentes estilos según los colores de las prendas y sus correspondientes accesorios. Se podría decir que los más conocidos son el Gothic Lolita, con una estética cercana a la gótica, y elSweet Lolita, de tonos pasteles y elementos dulces. 31

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 ojos, que pasan a ocupar gran parte del rostro. Al igual que en los modelos comentados anteriormente, podemos encontrar diferentes formas y colores en cuanto a la representación de los ojos, así como expresiones variadas. La cantidad de modelos que han salido al mercado hasta la fecha es mucho menor que las Azone propiamente dichas. Por último, otro modelo perteneciente a la firma Azone International son las Kikipop. En este caso, la exageración y el matiz caricaturesco son mucho más evidentes que en las muñecas anteriores. El tamaño de estas figuras es mucho menor, aunque el cuerpo se adapta a estas nuevas proporciones mediante formas mucho más redondeadas e infantiles. El rasgo característico de este modelo, del que sólo conocemos dos variantes, es el tratamiento del rostro, con unos ojos enormes de pestañas puntiagudas y los labios mucho más salientes y marcados.

Por otro lado, la segunda empresa japonesa que se dedica a la producción de muñecas con un diseño cercano a la animación nipona es Mamachapp, menos conocida que las mencionadas anteriormente. Las muñecas producidas por esta firma se denominan de la misma forma que la empresa, si bien vamos a ver que cada uno de los modelos cuenta con su propio nombre. Esta empresa y sus muñecas surgen en el año 2007 en Japón. A la hora de distinguir una Azone de una Mamachapp tenemos que atender a la forma del cuerpo. Como ya menos mencionado, las primeras se completan con el llamado Pure Neemo y las Mamachapp cuentan con un cuerpo denominado Obitsu. Al igual que en el caso anterior, estas piezas se pueden vender por separado y combinarlas con otras tipologías de muñecas. Los cuerpos Obitsu presentan unas articulaciones mucho más visibles además de una importante flexibilidad y formas más maduras. Dentro de esta pieza podemos encontrar diferentes tallas de busto además de varias tonalidades de piel, sin embargo, las Mamachapp, al igual que las anteriores, representan a personajes de raza blanca.

A la izquierda, tenemos la primera línea de las muñecas Lil’Fairy donde podemos apreciar la desproporción de sus extremidades además de la exageración de los rasgos del rostro. A la derecha, los dos ejemplares de Kikipop.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Ya que se trata de muñecas con una apariencia similar a las protagonistas de series de animación, no podemos dejar de mencionar aquellos modelos basados en lo personajes de Lucky Star (2007), un grupo de colegialas vestidas con el típico uniforme de inspiración marinera, cada una con un carácter y rasgos que se ven representados en forma de muñeca.

En la imagen podemos apreciar distintos tipos de Obitsu, los dos últimos son aquellos que se utilizarían en las Mamachapp.

En este caso el tamaño va a ser menor. Destaca, con una altura de 21 centímetros, la variante más conocida: Moko-chan. Este personaje representa a una niña de rostro dulce, grandes ojos y una pequeña boca que se limita a un punto. Partiendo de este molde, el atuendo y peinado se adaptan según el personaje que se pretenda representar. Mokochan cuenta con su variante miniaturizada, con una altura de 11 centímetros aproximadamente, la versión más pequeña imita a la de mayor tamaño, adoptando un atuendo y peinado similar. Por otro lado, podemos encontrar ejemplos que presentan diferentes alturas que pueden llegar a superar los 20 centímetros en este caso.

Al igual que ocurría con las muñecas Azone, estas ofrecen diferentes tratamientos de los rasgos del rostro, dando lugar a nuevos modelos reflejo de distintas personalidades. A modo de conclusión, no podemos dejar de destacar el hecho de que, a pesar de la evidente fama y presencia de la animación japonesa y su estética en el archipiélago nipón, en la creación de muñecas predomina una naturaleza más realista, lógicamente no una representación totalmente fidedigna de la fisonomía del cuerpo humano, pero desde aquellas muñecas tradicionales vinculadas con determinadas ceremonias y rituales, prima esta tendencia. A pesar de estas consideraciones, tanto estas muñecas como las diferentes figuras vinculadas con la estética propia del anime y manga japoneses son un producto de éxito tanto entre el público oriental como el occidental, destacando siempre por el cuidado y preciosismo en los detalles más ínfimos además de por su evidente calidad y belleza.

Para saber más: Mamachapp que representan a los personajes de Lucky Star. En este caso, atendiendo a la altura y aspecto de las animaciones, se determina tanto el diseño de los rasgos como la altura del cuerpo que les corresponde.

Medina, Guillem, Simón, Núria, Toyland. Made in Asia. España, Astiberri Ediciones, 2013.

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Una aproximación a la muñeca popular made in Asia VI: varia y conclusiones Por María Gutiérrez Hasta el momento nos hemos referido a muñecas de muy diversa naturaleza, un recorrido que nos ha llevado desde la década de los años 60 del siglo pasado hasta la actualidad. Mediante esta serie de artículos hemos podido tratar distintas tipologías de muñecas que, si bien empezaron como un objeto de carácter infantil, un mero juguete, a día de hoy hacen las delicias tanto de estos niños como de adultos que coleccionan este tipo de objetos. En consecuencia, el aspecto de estas muñecas se ha modificado con el paso de los años, dando lugar a creaciones mucho más ricas y preciosistas que vienen a subrayar la distancia entre las muñecas para jugar y aquellas para coleccionar. Los dos primeros modelos que tratamos son Licca-chan y Jenny. Un par de muñecas bastante simples en sus formas (por ejemplo, no cuentan con articulaciones o piezas intercambiables), que supusieron un gran éxito entre las niñas japonesas por su aspecto dulce, la gran cantidad de atuendos y accesorios con los que ataviarlas, y sus historia, con la que cualquiera de ellas podía soñar. Un poco más tardía fue la muñeca Blythe que, a pesar de sus orígenes americanos, fue importada a Japón, donde se convirtió en un reclamo para los coleccionistas, considerando todo tipo de vertientes a la hora de modificarla y “customizarla”. Pullip comparte algunos rasgos con la anterior muñeca, principalmente sus posibilidades a la hora de adaptarla al gusto del coleccionista, además

Uno de los ejemplos de muñecas de cuerpo humano y cabeza animal es Sasha, un conejo que se ha acompañado de diferentes estilos y accesorios y se sirve del mismo cuerpo que las Pullip y J-Doll.

de una evidente macrocefalia; sin embargo, se pone un mayor cuidado en el tratamiento del cuerpo, mucho más articulado y con una estética más cuidada. Las Ball Jointed Dolls supusieron toda una novedad, estas muñecas están puramente destinadas al coleccionismo y, en muchos casos, incitan a que sea el que las posee quien les dé su aspecto definitivo mediante un maquillaje personalizado, peluca y atuendo. En última instancia, nos hemos referido a muñecas inspiradas en la estética propia de la animación japonesa, que dan lugar a

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J-Doll Carrer de Montcada.

figuras que muchas veces pueden estar asociadas a una determinada serie o saga. Sin embargo, a pesar de que hemos tratado aquellas tipologías de mayor relieve y presencia tanto en Oriente como en Occidente, no podemos dejar de mencionar modelos con un impacto menor en el mundo del coleccionismo y consumo de este tipo de objetos.

Por ejemplo, la firma Groove, no sólo ha producido fashion dolls, como Pullip y sus relativos, y son de mención obligada las llamadasJ-Doll a partir del año 2007. En realidad, antes de dar a conocer esta muñeca, se dieron una serie de experimentos que consistían en figuras de cuerpo humano y cabeza animal. Conocemos muy pocos ejemplos de esta tipología, aunque queremos destacar el cuidado y detallismo de cada uno de los ejemplares que han salido al mercado. J-Doll tiene una altura de 26 centímetros aproximadamente y representa a una joven de entre 19 y 20 años vestida atendiendo a diferentes estéticas y estilos. Esta figura cuenta con una serie de diferencias a la hora de establecer una comparación con el resto de muñecas producidas por Groove; en este caso, la cabeza esta proporcionada con respecto al resto del cuerpo, con unos rasgos, igualmente, que ofrecen un aspecto mucho más realista. Sus ojos son de cristal y cuentan con un mecanismo que permite moverlos hacia los lados, sin embargo, no pueden cerrar los párpados. A modo de curiosidad, las J-Doll cuentan con el mismo cuerpo que las ya vistas Pullip, de modo que han tenido que adaptarse a los diferentes moldes y formas, así, se puede llevar a cabo un intercambio de atuendos entre ambas tipologías. Por otro lado, como otra curiosidad, a la hora de nombrar los diferentes modelos pertenecientes a esta tipología se utilizan nombres de calles famosas de todo el mundo, que dan lugar a

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 personajes con conjuntos inspirados en el pasado o bien mucho más modernos.

Queremos aprovechar la ocasión para hablar de las pequeñas Pinky Street, una muñeca o figura que se podría decir que ha renovado completamente el concepto de fashion doll. Fue lanzada al mercado en el año 2003 por la compañía japonesa Vance Project. Se trata de una pequeña figura de plástico de tan sólo 11 centímetros que cuenta con cabezas y cuerpos intercambiables, de modo que se pueden realizar infinitas combinaciones. Pinky Street ha lanzado hasta la fecha todo tipo de personajes: escolares japonesas, otras con un atuendo más casual atendiendo a las modas populares niponas, personajes de animey videojuegos… La lista es bastante larga, si bien, todas tienen en común unos rasgos simples que nos acercan al estilo propio de un anime japonés.

Ejemplo de Momoko.

Momoko es otro tipo de fashion doll mucho menos conocida y cuya producción está bastante limitada. Fue una muñeca creada en el año 2001 por la directora artística, Namie Manabe, de la empresa de software japonesa llamada Petworks Co. Esta es una muñeca de 27 centímetros, de cuerpo y rostro proporcionados y rasgos de inspiración oriental pintados en el rostro. Momoko cuenta con un cuerpo bastante esbelto y completamente articulado al igual que hemos visto en los modelos anteriores, si bien, como ya hemos mencionado, es mucho menos conocida, ya que cada ejemplar cuenta con una tirada de unas 1500 muñecas, lo que las hace difíciles de encontrar y supone que tengan un cierto carácter limitado, pues muchos ejemplares se venden y se dan a conocer a través de distintas convenciones donde se reúnen los coleccionistas. REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

Pinky Street en su caja original.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 A modo de conclusión, tanto de lo visto hasta la fecha como de esta serie de artículos, conviene destacar lo siguiente. La muñeca popular asiática nos acerca a una cultura completamente distinta a la occidental, poniendo de relieve ciertas semejanzas, como el hecho de que durante la infancia hemos jugado con objetos sumamente parecidos, y evidentes diferencias que se presentan, en estos casos, de un modo que nos resulta curioso en el sentido más positivo de la palabra. Mediante estas muñecas podemos conocer tanto atuendos tradicionales como la última moda presente en las calles de Japón, incluso podemos tener una cierta noción de ceremonias y festividades que originalmente se vinculan con muñecas tradicionales, como el Hinamatsuri o Día de las niñas. Por otro lado, estas muñecas influyen en la producción de las industrias jugueteras de todo Occidente. Ya no resulta extraño ver figuras (en estos casos, siempre destinadas a un público infantil, a pesar de que existe un importante número de adultos coleccionistas) con la cabeza más grande en proporción con el resto del cuerpo, o caracterizadas como personajes de toda Asia, o incluso inspiradas por la cultura y sus tradiciones. Tanto las tipologías tratadas como otras muchas han conquistado al público occidental. En primer lugar, y de forma mucho más evidente, a los coleccionistas, que tienen un conocimiento de lo que compran y buscan modelos determinados; pero igualmente, a pesar del desconocimiento, a otras tantas personas que se sienten atraídas por su forma y aspecto tan sumamente llamativo y cuidado.

diversos artistas que gustan de llevar a cabo toda una serie de modificaciones y cambios sobre el molde original para dar lugar a creaciones que, en muchos casos, no gozan de la apreciación que merecen. En consecuencia, algunos investigadores han convertido estas muñecas en un objeto de estudio, de modo que podemos encontrar tesis doctorales o diferentes documentos que versan acerca de la configuración formal de estas figuras, su impacto en la sociedad y sus posibilidades a la hora de convertirse en una especie de escultura de carácter popular. Esperamos que hayan disfrutado con esta serie de artículos sobre las diversas tipologías de muñecas populares y les haya permitido conocer otra forma de expresión más de la cultura asiática contemporánea de las que damos a conocer en esta revista.

Para saber más: -

Medina, Guillem, Simón, Núria, Toyland. Made in Asia. España, Astiberri Ediciones, 2013.

En última instancia, destacamos el hecho de que estas muñecas han pasado a convertirse en una forma de expresión por parte de REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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Crítica: Lilting (2014). Hay ocasiones en las que, por intereses comerciales o simplemente por mero azar, la mayor parte del público pasa por alto exquisitas producciones cinematográficas dignas de las mejores salas. Éste es el caso de la película británica Lilting (2014). Obra del director novel Hong Khaou (1975, Camboya), su trayectoria guarda ciertos paralelismos con la del español Carlos Vermut. Ambos comienzan su andadura con una serie de cortos antes de dar el salto definitivo al largometraje. Pese a que Vermut ya había estrenado anteriormente Diamond Flash (2011), lo cierto es que se podría decir que alcanza su debut cinematográfico en mayúsculas con la película Magical Girl. Lo mismo le ocurre a Khaou, que tras los cortos Verano (2006) y Primavera (2011), se alza en el panorama internacional con Lilting.

Por Ana Asión

La película narra la historia de Junn (Cheng Pei-pei), una madre china que, tras la prematura muerte de su único hijo, Kai (Andrew Leung), en un accidente, lucha por superar el día a día en el geriátrico de Londres en el que se encuentra. Sin embargo, su duelo es repentinamente interrumpido por el novio de Kai, Richard (Ben Whishaw), quien intentará, pese a la diferencia idiomática (Junn no habla inglés), poder superar juntos el dolor que les une. Pero ésta no es la única barrera que les separa. La madre de Kai desconocía que su hijo era homosexual, aunque éste tenía pensado contárselo. En definitiva, se trata de dos individuos, Junn y Richard, confusos, pero al mismo tiempo unidos, por un dolor común: la muerte de un ser querido, Kai.

Imagen promocional de la película.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 Al impecable y estremecedor guión de Lilting se le unen unas interpretaciones llenas de carisma y personalidad, todo ello aderezado a su vez con una excelente fotografía.32 Para la misma, el propio director declaró que se había inspirado visualmente en el largometraje de Wong Kar-wai titulado Deseando amar (In the Mood for Love) (2000). Sensible, pausada, son adjetivos perfectos para esta trama que destila trabajo bien hecho y meticulosidad en las cuestiones abordadas. Y es que el tratamiento dado al tema de la homosexualidad goza de la misma delicadeza que los restantes. La vejez, el dolor por la pérdida o el choque cultural son colocados al mismo nivel que el anterior, y se les dota a todos ellos de un toque minimalista digno de los grandes maestros. Por otro lado, cabe resaltar el excelente planteamiento dado a la estructura de la historia, puesto que, pese a los continuos retrocesos en el tiempo, no se rompe en ningún momento la continuidad de la misma.

Fotograma de Lilting.

Para saber más: -

Web oficial de la película Lilting.

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Ficha en IMDb.

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Ficha en Filmaffinity.

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Lilting en sensacine.com.

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Tráiler en YouTube.

Si ya el taiwanés Ang Lee se atrevió en el exitoso drama Brokeback Mountain(2005) a dar un paso más y colocar el cine asiático en lo más alto del panorama internacional, sin duda Khaou con Lilting merece un lugar similar en la historia.

Premio a la Mejor fotografía (World Cinema) en el Festival de Cine de Sundance 2014. 32

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Crítica: 7 Assassins (2013). La película 7 Assassins 33(2013) nos traslada a la turbulenta China de 1911, época caracterizada por enfrentamientos y malestar social previos a la desaparición de la dinastía Qing y que desembocaron en la proclamación de la República.

Por David Lacasta

capital. Tras la ofensiva las potencias impusieron unas durísimas condiciones a China que terminaron por acrecentar el descontento y el malestar social.

La película se desarrolla en los años posteriores a la mencionada revuelta, un grupo rebelde dirigido por Tie Yun A finales del siglo XIX (Felix Wang) transporta un (1899-1901) se produjo en cargamento de oro destinado a China la revuelta de los la adquisición de modernas bóxers, una serie de armas occidentales con las que enfrentamientos llevados a poder hacer frente a las tropas cabo por una parte de la del gobierno. Tras ser Cartel promocional de la película. población como respuesta a asaltados por unos bandidos la pésima situación que atravesaba el país, son apresados y conducidos ante las acrecentada por la brutalidad con la que las autoridades. El oro es requisado, pasando a potencias extranjeras extendían su control manos del Príncipe (Ray Liu), el brutal sobre el gigante asiático. Los bóxers (nombre comandante de las tropas Qing en la región, que recibe debido a que sus miembros, ante la que se caracteriza por su sadismo y falta de carencia de armas de fuego se entrenaban en escrúpulos. Tie Yun será puesto en libertad las artes marciales), se enfrentaron tanto al por el prefecto Cheuk (Ti Lung), personaje poder corrupto como a la opresión extranjera, que a pesar de formar parte del ejército es emprendiendo una serie de ataques tanto a consciente de la decadencia y corrupción del extranjeros como a órganos de la gobierno, viendo necesario que se produzca administración. El gobierno chino, valiéndose un profundo cambio. de un ejército modernizado, intentó sofocar la El prefecto Cheuk desobedecerá las órdenes revuelta sin conseguirlo, ocasionando que el del Príncipe y enviará a Tie Yun a Huang Jin movimiento se extendiera por toda China. El Xia, una idílica aldea a la que no ha llegado el ataque al Barrio de las Legaciones de Beijing, malestar que azota al resto del país. zona en la que se encontraban las embajadas y representantes de los países extranjeros, ocasionó que un ejército compuesto por tropas de ocho naciones desembarcara, derrotando a los bóxers y saqueando la Puede consultarse la ficha de la película en Filmaffinity aquí y el tráiler en inglés aquí. 33

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 La pequeña comunidad está formada por un grupo de personajes que en el pasado jugaron un papel destacado en los enfrentamientos que se produjeron entre China y las potencias occidentales, por ejemplo, encontramos a un soldado que hizo frente al ejército de las ocho naciones, a un héroe de la armada china que contuvo a los modernos buques extranjeros en una desigual batalla, o el líder de la aldea, el maestro Mao (Eric Tsang), quien ejerció un papel destacado durante la revuelta de los bóxers. Esta pequeña comunidad ha decidido dejar atrás los enfrentamientos del pasado y vivir ajenos a los turbulentos acontecimientos que se están desarrollando a lo largo del país, tranquilidad que se verá quebrada cuando por orden del despótico Príncipe las tropas del gobierno Qing ataquen la aldea como represalia por haber dado cobijo al rebelde Tie Yun. Tras el enfrentamiento, los supervivientes decidirán que no pueden permanecer al margen de los acontecimientos y que deben tomar partido en la lucha frente al gobierno, por lo que acompañados de Tie Yun y de otros partidarios asaltarán las instalaciones del ejército con el fin de recuperar el oro de los rebeldes con el que poder seguir financiando la lucha contra el gobierno. 7 Assassins se trata de la segunda película dirigida por Hung Yan-yan, actor y especialista en artes marciales hongkonés famoso entre otras cosas por ser el doble de Jet Li en innumerables escenas de acción. El film se nos presenta como una atractiva amalgama de paisajes y planos que recuerdan al western, salpicado en todo momento por escenas artes marciales y complejas coreografías del cine de Hong Kong. El planteamiento, aunque lo hemos visto en otras ocasiones, en el que un grupo de

Arriba, Tie Yun es acogido en la aldea de Huang Jin Xia, hogar de los derrotados durante la revuelta de los bóxers. Abajo, durante el enfrentamiento final los rebeldes se verán las caras con el modernizado ejército Qing.

guerreros retirados debe volver a empuñar las armas ante una situación de extrema necesidad, sirve en esta ocasión como un homenaje a la generación de oro del cine de Hong Kong, contando el proyecto con varios actores veteranos entre el reparto. La puesta en escena y el vestuario ahondan en la idea de dos realidades contrapuestas, los antiguos perdedores encarnan el modo de vida de la China rural, con vestimentas y armamento tradicionales frente a la modernidad del Príncipe y el resto de tropas del ejército Qing, ataviados con rifles y uniformes de corte occidental. La película, aunque en ocasiones conscientemente no aboga por un realismo ni una fidelidad histórica sirve perfectamente como un acercamiento a un complejo momento de la historia de China ya que además de los saltos con alambre y duelos acrobáticos no debemos olvidar que los acontecimientos narrados en el film supusieron el antecedente de la caída de la dinastía Qing y del establecimiento de la República China.

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Booby Jasoos (2014), la nueva gran detecive de Mughalpura Por Marisa Peiró Bobby Jasoos (Detective las calificaciones necesarias 34 Booby) ha sido uno de los (a saber, un máster e inglés) grandes taquillazos del cine para ser detective. indio de 2014. Ambientada y Sin embargo, la resuelta rodada en la municipalidad Bobby consigue acumular de Mughalpura en experiencia ocupándose de Hyderabad, fue concebida casos insignificantes. Tras como una comedia familiar madres preocupadas y para todos los públicos, potenciales acosadores, protagonizada por un elenco prestará sus servicios a de caras conocidas personalidades más encabezadas por Vidya importantes, como Tasawur Balan, popular por (Ali Fazal), una estrella de otros blockbusters la televisión local que quiere como Lage Raho Munna evitar a toda costa los Bhai (2006) o la matrimonios propuestos controvertida Silk (2012). En por su padre o Lala (Arjan esta ocasión, Balan da vida a Bajwa), un gángster local Bilkis “Bobby” Ahmed, una que además es el amante aspirante a detective privado clandestino de su prima Póster promocional de la película. en la bulliciosa Mughalpura, Afreem. Instalada en el una actividad que disgusta a almacén trasero de un pequeño negocio, su conservador padre (Rajendra Gupta), que Bobby recibirá un importantísimo encargo de no ve adecuado que su hija ande callejeando un misterioso personaje, Anees Khan (Kiran y especialmente, de noche y/o en compañía Kumar), que le proporciona enorme sumas de de hombres- y que aspire a una profesión que dinero por encontrar a una serie de personas ha sido tradicionalmente masculina, a pesar a través de la única información de nombre, de que ésta respeta la mayoría de tradiciones edad y marca de nacimiento, algo que Bobby musulmanas, como el ayuno y la oración. Lo logrará sin demasiado problema gracias a su mismo opina uno de sus potenciales intuición, habilidad para disfrazarse y un empleadores, quien le recuerda grupo de solícitos amigos. Sin embargo, la constantemente que no tiene la experiencia ni inexperiencia de Bobby hará que tarde más tiempo del esperado en preocuparse por las intenciones y verdaderos motivos tras las 34 Booby Jasoos (2014). India. Hindi. Dir: Samar búsquedas de Khan, tan misterioso como Shaikh. Con Vidya Balan, Ali Fazal, Kunjan Luthra, inaccesible. Completan el elenco la femenina Anupriya Goenka, Arjan Bajwa, Supriya Pathak, Prasad Barve, Zarina Wahab, Rajendra Gupta, Kiran y gran familia de Bobby, tan obsesionada Kumar y Tejas Mahajan.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 como el padre con la idea del matrimonio, y que pertenece a la clase media-baja de Hyderabad. Ante lo que podría considerarse como una atípica película de detectives -carente de grande escenas de acción, seductoras misteriosas o asesinatos inexplicables,35 aparece una amena, aunque relajada, comedia familia creada para lucimiento de la protagonista, que decae a partir del primer tercio debido a lo previsible y maniqueo del guion, algo que desmerece las loables actuaciones de la mayor parte del elenco -que adopta para la ocasión un característico acento hyderabadi-.Tras una simpática y correcta dirección de arte y vestuario, la película muestra modesta y acertadamente muchos de los elementos culturales de la región, alguno de los cuales como el biryani se convierte además en un elemento importante del filme. No lo son, en cambio, los escasos números musicales de la película, que, sin embargo, resultan completamente prescindibles y accesorios hasta para los habituales del género. Aunque seguramente Bobby Jasoos persiga nobles intenciones, además de un obvio éxito comercial, no logra su cometido. Asuntos como la obsesión paterna por el matrimonio, la posición desfavorable de la mujer en el mundo laboral o la integración de la mujer musulmana practicante en la sociedad actual -que parecen partes esenciales del filmequedan desaprovechados y apenas explorados como consecuencia del decepcionante guión. Sin embargo, es gratificante encontrar como protagonista un arquetipo femenino de cada vez mayor peso en la industria audiovisual: la Es interesante la referencia metafílmica a la serie C.I.D., una de las producciones televisivas sobre investigación policial más longevas de la India, así como a la importancia del ámbito televisivo en la vida familiar tradicional. 35

refinada belleza -casi caucásica- y gracilidad de actrices de la talla Aislawarya Rai o Anushka Sharma ha dejado paso a las andanzas de la treinteañera independiente en cierta medida- de piel oscura, resuelta pero patosa, inteligente y con aparente sobrepeso -sin que este reste en absoluto atractivo al personaje-, para la que el factor de la soltería juega un papel esencial. Reminiscente -en clave étnica- de la Bridget Jones de Helen Fielding, resulta ciertamente interesante la emergencia de un nuevo modelo femenino cuya variante india parece llenar últimamente las pantallas; además de la propia Bobby, este tipo de personaje puede observarse en muchos otros ejemplos del audiovisual actual, como en la Shivani Shivaji Roy (Rani Mukerji) de Mardaani (2014) – otro de los éxitos del año, en tono dramático-, o trasladado al ámbito occidental, en la Mindy Lahiri (Mindy Kalling) de The Mindy Project (2012-…). En resumen, Bobby Jasoos es una película amena pero predecible (hasta el punto de resultar aburrida siendo una comedia), que no molestará pero que tampoco sorprenderá a nadie, aunque quizás sirva para ayudar a generalizar nuevos modelos de femineidad y comportamiento -alejados tanto de la sexualidad como de la dependencia- en el imaginario popular de y sobre la India.

Para saber más: -

Ficha de la película en IMDb.

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Tráiler de la película en hindi con subtítulos en inglés.

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Crítica: Say “I love you” (2014). Por Laura Martínez

Desde Ecos de Asia os traemos hoy un ejemplo paradigmático de drama romántico japonés: la película Say “I love you” (Sukitte Ii nayo), estrenada en los cines nipones en julio de 2014, donde hubo de competir conMaléfica (Robert Stromberg) quedando en un nada desdeñable segundo puesto en su primer fin de semana en cartelera.

tiene su origen en el manga shôjo de Kanae Hazuki, publicado en Japón entre agosto de 2008 y julio de 2014. Esta popular historia de romance juvenil, tuvo ya su adaptación al anime en la teleserie de 13 episodios dirigida por Takuya Sato y estrenada en el canal Tokyo MX en octubre de 2012.

El argumento, manido a la Así pues, nos vez que predecible, nos sitúa encontramos ante una en un típico instituto historia de largo japonés donde, al ritmo recorrido en Japón, con de One Direction, una popularidad más que encontramos al guapo y probada y cuyo éxito en Cartel de la película Say “I love you”. popular Yamato Kurosawa taquilla es indiscutible. (interpretado por Fukushi Sin embargo, debemos Sota) y a la sempiterna chica antisocial y advertir que el filme, escrito y dirigido por taciturna: Mei Tachibana (Kawaguchi Asako Hyuga, no ofrece mucho más de lo Haruna). Todos los compañeros se burlan de arriba comentado: una simplona historia de Mei quien, intentando defenderse, agredirá amor adolescente, tan predecible como lo es accidentalmente a Yamato. Tras este la discreta resonancia que podría tener en encuentro, ambos se hacen amigos y España. comienza así una historia de amor en la que Si bien cinematográficamente hablando, la se entrecruzan los celos, las inseguridades película no merece más atenciones, cierto es personales y un pasado oculto que volverá que desde un punto de vista sociológico y para alcanzar a los protagonistas. cultural nos encontramos ante un interesante La película no solo es arquetípica en su ejemplo para ilustrar las problemáticas a las argumento, personajes y localización, sino que deben hacer frente los adolescentes que además es una adaptación de otros nipones: un mundo de acoso y karaoke, lleno soportes audiovisuales anteriores con el de luces y sombras. Las inseguridades y mismo nombre y formato, puesto que el filme complejos físicos, la sexualidad, el primer REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 beso… todo tiene cabida en este filme, del que sin embargo rescatamos la completa visión que nos ofrece del acoso escolar: un tema tan controvertido como cotidiano. En la película se nos muestran las distintas actitudes que el alumnado puede tener ante estas circunstancias: la víctima, el acosador y los cómplices por omisión, es decir, aquellos compañeros que, por no intervenir, colaboran en el engranaje del acoso escolar. Cierto es que el asegurado happy ending ya nos hace predecir un twist evidente: el del personaje que pasa de acosador a defensor, pero esto no desmerece el valor didáctico de la película, que ilustra estas situaciones tan asiduas de los mangas y animes japoneses.

Para saber más: -

Sitio oficial (en japonés)

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Trailer del anime (con subtítulos en castellano)

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Manga online (en castellano)

Tres imágenes que muestran los distintos formatos en los que podemos encontrar Say “I love you”: a la izquierda, portada del anime, a la derecha arriba el manga, y abajo a la derecha la película.

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Un viaje llamado vida. Recuerdos y experiencias de Banana Yoshimoto Por María Gutiérrez

A veces, solemos comparar el discurrir de la vida con una especie de viaje repleto de experiencias de muy diversa índole. Este es el caso de la autora Banana Yoshimoto, que en la obra que reseñamos, titulada Un viaje llamado vida, nos habla de las experiencias y los recuerdos como un elemento de gran valor que debemos atesorar y guardar con celo. En este caso, la propia autora califica su obra como una especie de ensayo, aunque más bien puede parecer un diario. Yoshimoto narra una serie de recuerdos que ha vivido, sin orden ni concierto, que nos hablan desde su adolescencia, sus aventuras por Italia, su carrera como escritora o incluso la vida de su hijo y sus compañeros de trabajo. Todas estas experiencias giran en torno a los viajes, ya sea una travesía literal a otro país o a otra prefectura del Japón; como aquellas experiencias de carácter más espiritual, o incluso de la vida y la muerte propiamente dichas. A pesar de este desorden, la novela se divide en tres partes, donde parece que prima una temática o un punto de vista. Partimos de recuerdos banales, normalmente divertidos y con un carácter anecdótico, que nos acercan a la vida de Yoshimoto. Esto dará paso a una segunda parte que se torna más seria, centrada, en muchos casos, en la nostalgia, en momentos que nos llevan a reflexionar, y eso es precisamente lo que hace la autora, partiendo de sus experiencias para llevar al

Banana Yoshimoto, autora de la novela.

lector a recordar las suyas propias. La última parte se puede considerar la más oscura, la que se refiere a la muerte y la pérdida, ya sea de amigos, colegas, familia, o incluso de la propia mascota, a la que Yoshimoto le dedica un importante apartado cargado de emoción y dolor. A pesar de la temática de la novela, que va de lo lúdico a lo solemne, no podemos dejar de destacar el peculiar estilo de esta autora. Banana Yoshimoto es capaz de hacerte sentir como una especie de confesor, un amigo al

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 que narra sus aventuras de forma amena y divertida, con una cercanía que ayuda a la empatía y a la participación en sus reflexiones, dando lugar a una lectura amena y, sobre todo, muy interesante. Un viaje llamado vida nos puede recordar, salvando las distancias, a aquellos diarios elaborados por parte de las damas de la corte durante el período Heian (794-1185). Textos donde narraban sus experiencias, amoríos, celebraciones y, muy importantes, sus propias reflexiones acerca de la belleza, de la corte o de sus propias vidas. Banana Yoshimoto hace algo parecido con este compendio de recuerdos que nos habla desde ir a la playa para recoger algas y comerlas, hasta de la viejas zapatillas que su hermana se resiste a desechar. A modo de conclusión, no podemos más que ceñirnos al mensaje que la propia autora defiende a capa y espada: la importancia de los recuerdos como la única posesión de la que nunca se pueden desprender las personas. Reflexión que aparece repetidas veces a lo largo de la obra y, sobre todo, en el epílogo final de la misma. Un viaje llamado vida es una lectura muy interesante, sobre todo para aquellos que sigan y tengan interés en conocer ciertos detalles acerca de la autora, divertida, pero a la par con un matiz de nostalgia y tristeza. Este es un libro que encierra las experiencias personales de su autora, que narra con confianza y simpatía, compartiendo lo que ella considera como “sus tesoros”.

Portada de la novela publicada por la editorial Satori (septiembre, 2014).

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Hachiko, el perro que esperaba, una obra de Luis Prats Por María Gutiérrez La historia de Hachiko ha llevará a compartir llegado hasta nosotros a momentos de lo más tiernos. través de muy diversos Ueno cuenta a Hachiko todos medios: seguramente, uno sus conocimientos acerca de de los más conocidos sea la la naturaleza, las personas o adaptación de esta historia las costumbres propiamente que se llevó a cabo en el año japonesas durante sus largos 2009, una película paseos, mientras que el perro, conocida en castellano por su parte, lo acompaña a lo como Siempre a tu lado, largo de los años, acudiendo Hachiko. Por otro lado, no siempre, de forma puntual, a podemos dejar de la estación de Shibuya para mencionar diferentes recogerlo después de impartir mangas o cómics japoneses sus clases en la universidad. ambientados en el barrio de Si bien, un día en el que el Shibuya que nos muestran profesor tiene que dar una la estatua que representa al importante conferencia, cánido, igualmente, esta ocurrirá un hecho inesperado misma escultura aparece en que truncará la vida de todos múltiples fotografías del los personajes que pueblan Portada de la edición de Hachiko, el perro que transitado barrio japonés. esta historia. esperaba por parte de la firma La Galera. Ochenta años después del fallecimiento del A pesar de la apariencia infantil que puede perro Hachiko, la editorial La Galera nos tener esta novela y su edición, no podemos ofrece una preciosa edición de la historia de decir lo mismo de la historia que narra. Luis mismo, bajo el título Hachiko, el perro que Prats, a la hora de abordar la vida de esperaba, escrita por Luis Prats acompañada Hachiko, tiene un toque de ingenuidad y de las preciosas ilustraciones de Zuzanna encanto que conquistará a más de un lector, Celej. narrando una historia triste y dramática que Esta novela nos cuenta la historia de un se cubre con un velo de esperanza y un dulce pequeño perro akita adoptado por el profesor final. Igualmente, la historia no sólo se centra Ueno y su familia. Al principio, el can se en la vida del cánido, sino que podemos presenta como una molestia, un conocer algunos aspectos de la sociedad inconveniente para el profesor, que se olvida japonesas del momento, asuntos como el incluso de recogerlo en la estación cuando no matrimonio o la consideración del emperador es más que un cachorro. Sin embargo, desde quedan reflejados en un momento en el que el primer momento, se va a establecer una Japón empezaba a modernizarse. No entrañable relación entre ambos, que los podemos dejar de destacar la forma que REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 adopta la narración, con construcciones muy cuidadas que dotan de ese aire sencillo e infantil a la novela, a pesar de que lo que cuenta tiene unas implicaciones que van más allá. Realmente estamos ante una lectura para adultos disfrazada de cuento, que conmueve al receptor e invita a una reflexión acerca de la perseverancia y la esperanza. La ilustraciones de Zuzanna Celej que sirven de ilustración al texto resultan impresionantes. Mediante los colores y las líneas refleja los cambios estacionales propios de Japón, la belleza de las geishas y los kimonos, además de la crudeza de la soledad.

Todo ello con un estilo delicado y colorista, la mayor parte del tiempo, que nos permite ambientar esta historia en el pasado del archipiélago nipón. En resumidas cuentas, podemos hablar de una fantástica edición que guarda entre sus páginas una preciosa historia recomendada para lectores de todas las edades. La vida de Hachiko nos habla de la lealtad y la amistad que se puede forjar entre un hombre y su compañero animal, la ternura que desprende cada una de las páginas nos lleva a seguir leyendo hasta su agridulce desenlace.

Una de las ilustraciones de la novela por parte de Zuzanna Celej, en la que se nos muestra a Japón en plena primavera.

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Reseña secretos

literaria:

Encuentros Por Carolina Plou

Encuentros secretos es una obra tardía del escritor japonés Kobo Abe, una figura de gran relevancia dentro de las letras niponas de mediados del siglo XX. Además de los premios más prestigiosos (como el Premio Akutawaga, de entrega semestral, que reconoce a los mejores autores emergentes), Abe se ganó también el reconocimiento del público. En 1962, publicó la novela con la que obtendría el prestigio internacional: La mujer de la arena, que en 1964 se adaptaría a la gran pantalla (con un guion realizado por el propio Abe) obteniendo dos nominaciones a los Oscars.36

Portada de la edición publicada por Eterna Cadencia.

La obra que nos ocupa, comercializada por Eterna Cadencia en una edición sencilla en la que prima el texto por encima de todo (en una traducción, por cierto, realizada por Ryukichi Terao), se compone de tres capítulos, con los enigmáticos títulos de Cuaderno I, Cuaderno II y Cuaderno III, rematados por un epílogo. Esta división responde a motivos narrativos y está íntimamente ligada a la propia trama de la novela, sin ser una compartimentación arbitraria que recogiese los usuales presentación, nudo y desenlace. Obviando estos capítulos, el texto puede dividirse en dos partes que suponen dos obras muy diferentes entre sí.

La primera, en 1964, en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa, y la segunda en 1965, al Mejor Director, Hiroshi Teshigahara. 36

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 La primera parte puede considerarse una desconcertante novela que exige al lector entrar en el juego. Una vez lograda esta complicidad, la trama se descubrirá como una inquietante intriga en la que cuestiones como la ausencia de nombres (Abe se refiere a los personajes mediante descriptores) establecerán una identificación completa del lector con el protagonista, quien a la vez adopta el papel del narrador. Gracias a este recurso, la información se dosifica y genera esta empatía que resulta un recurso de vital importancia para el desarrollo de la novela, puesto que no es tan importante el argumento (al fin y al cabo, aunque sorprendente en su ejecución, la premisa no deja de ser una idea muy trillada, especialmente dentro del género detectivesco) sino la manera de conducirlo a buen término. Es esta búsqueda de la originalidad lo que dota a la novela de una fuerte personalidad y la convierte en una obra singular; sin embargo, no es éste su único rasgo distintivo. La mordacidad y el humor aparentemente absurdo pero cargado de crítica y cuestionamientos sobre el sistema sanitario forman la otra característica fundamental de esta primera parte de Encuentros secretos. En este sentido, puede resultar ligeramente anacrónico, puesto que las referencias al funcionamiento del sistema médico se refieren a los años 70 (la novela original se publicó en Japón en 1977), y parte de estas críticas han quedado demodé. Sin embargo, la segunda parte transforma completamente la novela, perdiendo parte de su humor y de su tratamiento noir en favor de una obra mucho más oscura, en la que las reflexiones sobre el sexo y sus perversiones cobran protagonismo al tiempo que los acontecimientos se vuelven cada vez más inesperados y se suceden los giros hacia un absurdo cada vez mayor aunque mucho

Imagen del autor (fuente: Eterna Cadencia).

menos hilarante. El cambio, también reflejado en el propio lenguaje y tono de la narración, rompe con la identificación inicial con el protagonista, puesto que los giros que se van sucediendo son tan inverosímiles y fruto de una fantasía vagamente realista que resulta imposible empatizar de manera directa con los personajes, pese a que el sexo sea la causa última de sus motivaciones. Es además en esta segunda parte donde se percibe el concepto de Abe de ficción científica, estableciendo con verosimilitud tratamientos y avances médicos irreales e imposibles que sin embargo, en su mundo, resultan perfectamente factibles gracias a sencillas explicaciones teóricamente funcionales. En definitiva, Encuentros secretos es una novela sorprendente, aunque quizás no apta para todos los lectores. Sabe crear una intriga que engancha y mantiene la curiosidad más allá de los ocasionales puntos en los que la narración flojea, bien por ser descripciones farragosas o por tratarse de puntos complejos en los que se necesitarían algo más que descriptores y relativos para aclarar las explicaciones entre personajes. Sin embargo, resulta muy fácil obviar estas dificultades (que, de todas formas, son leves y no suponen un defecto de calidad) si el lector entra en el juego, algo a lo que la novela sabe predisponer.

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Reseña literaria: Diez noches de sueños Por Carolina Plou La importancia que posee Natsume Sôseki37 para la literatura japonesa es enorme, pues se trata de uno de los principales autores de la era Meiji.38 Ya desde su juventud mostró una fuerte inclinación por la creación literaria, ya durante su época como estudiante universitario, dirigida a la creación de haikus y poemas. Los complicados comienzos de su vida intelectual39 le empujaron a volcarse todavía más en la literatura como vía de escape, realizando primero diversos relatos (entre los que destacaYo, el gato, publicado en 1905), y en su madurez, las obras cumbre de su carrera: El caminante(1913) y Kokoro (1914). Su relevancia es tal que incluso puede considerarse una figura destacada dentro de las letras universales.40 Es indudable que se trata, por lo menos, de una de las personalidades literarias históricas más conocidas fuera de Japón, por lo que no es extraño que proliferen publicaciones de sus textos en Occidente. En castellano existen varias, que se centran principalmente en Kokoro y Yo, el gato, pero también hay otras novelas, poemarios y recopilaciones de relatos breves. Como muestra de esta importancia, su efigie ilustra los billetes de 1000 yenes. 38 Periodo del reinado del emperador Mutsuhito, conocido como Meiji: 1868 – 1912. Natsume Sôseki: 1867 – 1916. 39 Con un periodo de docencia en el ámbito rural, una estancia malpagada de estudio en Londres y un puesto docente en la Universidad de Tokio que, a pesar de prestigioso (ocupaba el puesto que había dejado libre Lafcadio Hearn), le resultaba tedioso. 40 Hay quien considera que Kokoro es a las letras japonesas lo que El Quijote a las hispanas o Romeo y Julieta a las anglosajonas. 37

Natsume Sôseki (fuente: wikipedia).

Es de este último tipo la obra que nos ocupa hoy: un compendio de textos breves y de extensión media, reunidos bajo el título del primero de ellos, Diez noches de sueños. Lo ha editado Chidori Books, en formato digital y a un precio muy asequible. Además del que da título, se recogen El gorrión de Java y Misceláneas primaverales, que a su vez engloba veinticinco relatos breves. De Diez noches de sueños cabe destacar la cercanía en el lenguaje de Sôseki, que procede a relatar sus experiencias oníricas con la cercanía de quien desahoga con un amigo las inquietudes que le han abordado durante la noche. Estas ensoñaciones, breves (de apenas tres o cuatro páginas de extensión cada una) poseen un tono oscuro y amargo, son relatos cargados de melancolía que logran transmitir emociones intensas pese (o precisamente gracias) a su concisión.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 El gorrión de Java es una muestra de la delicadísima y elegante prosa de Sôseki puesta al servicio de una historia cotidiana, del discurrir del tiempo, de la rutina y la lenta decadencia. De las múltiples lecturas que presenta la obra, es sorprendente cuán vigente se mantiene la primera y más superficial, que en apariencia sería la que más fácilmente envejeciese. Sin embargo, la historia del escritor que adquiere un gorrión de Java al que, con el paso de los días, presta cada vez menos atención, posee una moraleja más que actual, dadas la popularidad y problemáticas del mercado de mascotas. Más allá de esta primera lectura, existe otra más profunda sobre el paso del tiempo y su afección en el ser humano. Las Misceláneas primaverales, son, nuevamente, narraciones sucintas, ligeramente más extensas que los sueños, pero de no más de cinco o seis páginas de extensión. Muchos logran reflejar, en su brevedad, la crudeza de la vida del autor en su estancia en Londres y, sobre todo, los contrastes entre Oriente y Occidente (algo que puede verse magistralmente en el episodio titulado La Mona Lisa). En conclusión, nos encontramos ante una serie de relatos inteligentes y nada superfluos, que nos permiten aproximarnos a la figura y a la prosa de un literato e intelectual excepcional que vivió (y así lo evidencian sus textos) una época de contrastes y cambios que marcaron a una generación y a un país.

Portada de la edición de Chidori Books para Diez noches de sueños.

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015

Reseña literaria: El Viento de los Dioses Por David Lacasta La editorial Quaterni en su intento por acercar Extremo Oriente al lector hispanohablante nos obsequia en esta ocasión con la reedición de El Viento de los Dioses (2014), novela escrita por César Vidal y que contó con una primera aparición en el año 2005.

haciendo una inteligente combinación de la caballería mongola y de las armas de asedio chinas, se enfrentan en el Sur del país a los Song, el último de los antiguos Estados chinos que osan oponérsele. La victoria sobre los Song sería más fácil si éstos no contaran con la ayuda del soberano de Japón, quién,permitiendo el comercio por mar entre el archipiélago y las costas de China, hace que la campaña se alargue innecesariamente.

El gran imperio mongol, fundado por Gengis Kan (1162-1227) a principios del siglo XIII y posteriormente ampliado y consolidado por sus descendientes, representa uno de los mayores hitos de la historia mundial. Los guerreros mongoles a lomos de sus monturas salieron El libro nos presenta a Fan, Portada de la edición de Quaterni. victoriosos en un breve espacio de un oficial chino experto en tiempo de multitud de batallas en zonas tan maquinaria de asedio quién, tras volver de las dispares como Siria, Polonia o Corea. La campañas victoriosas contra los Song, es conquista de China, empezada por Gengis y asignado junto con el resto del ejército mongol terminada por su nieto Kublai Kan (1215-1294) a una nueva misión. El Gran Kan no tolera la setenta años después, supuso la guinda a su osadía del emperador japonés, por lo que sus espectacular imperio. No solo se hicieron con el dominios serán los siguientes en añadirse a las control del Estado más poderoso de su época, posesiones de Kublai. Partiendo de la península sino que supuso un enorme cambio en la Coreana, el ejército deberá alcanzar Kyûshû, la idiosincrasia de este pueblo nómada. Kublai más meridional de las islas japonesas, desde gobernó más de acuerdo con las tradiciones donde comenzaría la conquista de todo el chinas que con las mongolas, se valía de archipiélago. Sus bárbaros habitantes no intérpretes para hacer valer sus órdenes ya que deberían suponer un desafío serio para los no dominaba la lengua china. Trasladó la mongoles, quienes han resultado victoriosos en capital a Pekín desde donde gobernaba un vasto todos los enfrentamientos hasta el momento. La imperio que comprendía desde el río Amarillo labor de Fan consistirá en dirigir los asedios al Danubio. contra las ciudades y fortalezas que osen oponerse a los conquistadores, para una vez La novela se centra en un momento pacificado el territorio, desempeñar algún significativo del reinado de Kublai. En el año puesto relevante en la nueva administración. 1273 el Gran Kan está a un paso de ostentar el control absoluto sobre China. Sus tropas, REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / ABRIL 2015

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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº15] Abril de 2015 La campaña se desarrolla según lo planeado. Tras hacerse con el control de las islas de Tsushima e Iki, el ejército invasor desembarca sin problemas en las cercanías de Hakata. Es en este punto en el que encontramos al otro protagonista de la historia, Nyogen, un samurái de comportamiento ejemplar, leal a su señor y que rige su vida bajo los preceptos del Bushido. Nyogen es uno más entre los samuráis que forman parte del ejército japonés y que tienen como cometido defender las sagradas tierras de Japón ante los extranjeros. César Vidal nos narra perfectamente los compases del desigual enfrentamiento entre los mongoles y los japoneses. Como los mongoles valiéndose de su versatilidad y haciendo uso de la pólvora, desconocida para los japoneses, están a punto de causar una aplastante derrota a los defensores. Sin embargo ocurre un acontecimiento inesperado que decantará la victoria del lado japonés, un oportuno tifón desata su furia sobre la flota invasora. En un desesperado intento por evitar que las naves se estrellen contra la costa, los oficiales mongoles ordenan el embarque de las tropas y navegar a mar abierto hasta que amaine el temporal. La maniobra resulta insuficiente, el tifón hunde la mayor parte de la flota mongola perdiéndose incontables vidas. Fan logrará sobrevivir pero será capturado por los japoneses y entregado a Nyogen en calidad de dorei, esclavo, como recompensa por su destacada actuación durante la batalla. Llegados a esta parte de la novela se nos presenta una interesante relación entre ambos personajes. A través de los ojos de Fan se nos describirá la sociedad medieval japonesa del período Kamakura (1192-1333), las complicadas relaciones entre los diferentes estamentos, así como el austero modo de vida de los samurái, sus tradiciones y creencias. Veremos cómo Fan se irá ganando la consideración de su amo a través de las conversaciones que ambos mantendrán sobre distintos aspectos sobre sus culturas que, aunque cercanas geográficamente, se diferencian en numerosos aspectos. Es en

esta parte en la que se nos muestra la preferencia del autor por la cultura china frente a la japonesa, la superioridad moral de Fan sobre el samurái se muestra excesiva, debido a una asombrosa revelación de la que seremos conscientes el final del libro. No debemos olvidar el papel preeminente que China ha desempeñado a lo largo de la historia de Extremo Oriente pero para ello no debemos obviar los logros de una cultura como la japonesa que destacó en numerosos aspectos. Fan terminará por convertirse en un valioso aliado para Nyogen, hasta el punto de que sus consejos le servirán para hacer frente a la segunda invasión mongola, del año 1281, en la que un ejército de mayores dimensiones reunido por Kublai Kan intentará de nuevo hacerse con el control de Japón. Esta segunda invasión, más cruenta y que obligó a ambos bandos a emplearse hasta las últimas consecuencias, finalizó de igual manera que el intento de 1274, un inesperado tifón arrasó la flota mongola haciendo que las extenuadas tropas japonesas se hicieran con la victoria. Tan oportunos y decisivos fueron ambos tifones que se generó la idea de que las tormentas fueron enviadas por los propios kami, los dioses del sintoísmo, la religión nativa de Japón, por lo que recibieron el nombre de Kamikaze o “viento divino”, mito que perduró durante los siglos posteriores y que hacía hincapié en la protección divina sobre el archipiélago, cuyas últimas y dramáticas consecuencias se vivieron durante la Segunda Guerra Mundial. El Viento de los Dioses supone un perfecto acercamiento a un momento de la historia, tanto de la China Yuan como del período Kamakura japonés, de suma importancia y de los que carecemos casi por completo de obras en castellano, por lo que es de agradecer que sea tratada por autores de novela histórica como César Vidal.

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