“Un grupo de cineastas y escritores se van a lanzar a la calle en persecución de ese gran corazón humano que encierra la populosa ciudad industrial (…)” Carlos Gortari

INTRODUCCION En el siguiente dossier abordaremos el movimiento cinematográfico denominado “Neorrealismo Italiano”, que tuvo lugar en la Italia de la posguerra, entre los años 1944 y 1951. Para introducirnos en el tema primero nos referiremos a los antecedentes cinematográficos más remotos e inmediatos que influenciaron al movimiento. Luego trataremos el contexto general, dentro del cual nace esta corriente, donde se destacan momentos históricos, en Italia, en Europa y en el mundo. Presentaremos una definición y caracterización del movimiento, haciendo hincapié en sus aspectos éticos, morales y técnicos, dando cuenta del contexto social en el que se encontraban. Luego destacaremos sus realizadores más importantes y sus títulos más reconocidos. También expondremos los análisis de dos de las películas más destacadas, que representan cada una a las dos vertientes dentro de la vanguardia Neorrealista: “Ladrón de Bicicletas” de Vittorio De Sica y “La tierra tiembla” de Luchino Visconti. Por último nos encargaremos de abordar el final del movimiento, sus desprendimientos y su influencia en el Nuevo Cine, especialmente en el Cine Latinoamericano. Antecedentes cinematográficos del “Neorrealismo Italiano” En la década del 40 surgen nuevas tendencias artísticas en el mundo. Antes de esta fecha, en el campo cinematográfico, existía un lineamiento que negaba la realidad de la época. En Italia, los directores, guionistas y productores intentaron llevar la industria del cine por rumbos estéticos completamente diferentes a los que transitaba en los años del fascismo, es decir que “el nuevo cine” reacciona contra los lineamientos tradicionales del cine de la propaganda del régimen. De este nuevo cine se distinguen 3 corrientes: La primera es la de los llamados “calígrafos” que rechazan la mediocridad comercial y de la propaganda. Ellos se orientaron hacia la adaptación de obras literarias antiguas, frecuentemente del siglo XIX (“Giacomo el idealista” Alberto Lattuada (1942), “Pequeño mundo moderno” obra literaria del escritor Antonio Fogazzaro y dirigida por Mario Soldati en 1941). La segunda es denominada “Objetividad documental” precisamente por la crítica objetiva de la época y marcada por la figura del héroe. De esta corriente se destaca la 1

obra de Rossellini “La nave blanca” (1941), dónde documenta a la marina italiana durante la 2ª Guerra Mundial y lo combina con una historia de amor entre un soldado y una enfermera. Finalmente “El neorrealismo Italiano”, es la que más ha impactado dejando mejores resultados artísticos. Comenzó a ser reconocida porque influyó en las transformaciones que sufrió el cine tradicional. Este movimiento es el despertar a la modernidad del cine italiano. El movimiento neorralista es heredero de Griffith, Eisenstein y Renoir. Hijo directo del surrealismo alemán y del surrealismo de los años 20, aunque sus antecedentes más remotos los encontramos en el cine de la Italia del año 1913. En el movimiento del Neorrealismo Italiano se muestran elementos que ya existían en el cine, pero también otros que rompen con el lineamiento tradicional: Ya en Italia existía un cine realista que trataba de ser popular, un cine rural de los años 30, dramas y comedias, como los de Blassetti. Ej: Tierra Madre. También existían comedias urbanas que se centraban en los problemas de las clases populares, como las de Camerini. Estos trabajos son similares a los realizados por el director Rossellini, quién se movía en ese entorno. Existían además, documentales a veces dramatizados, que reflejaban las condiciones de vida de los soldados, en este caso patrocinados por el ejército italiano de la época de Mussolinni, algunos ejemplos son La nave blanca o Un piloto regresa. La película que sirve de precedente básico para el neorrealismo se llama Obsesión (una adaptación de la novela El cartero siempre llama dos veces, recreada por Visconti en 1943) esta se cree que sirvió como inspiración, ya que el film que supuso el inicio del movimiento fue Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta), de Roberto Rossellini, producida en 1945. Es una película nacida de la urgencia de testimoniar lo que sucedía en la Roma ocupada por los nazis, ya que muestra las condiciones de vida y cómo se gestaban los movimientos de resistencia. Este film se rodó en escenarios naturales. Los neorrealistas también fueron fuertemente influidos por el realismo poético francés. De hecho, tanto Antonioni como Visconti trabajaron en estrecha colaboración con Jean Renoir (director de cine, guionista y actor francés). Por otro lado, muchos directores neorrealistas maduraron trabajando con películas caligaristas, si bien dicho movimiento era notablemente distinto al neorrealismo. Se pueden encontrar elementos emparentados con el neorrealismo, igualmente, en las obras de Alessandro Blasetti y en los documentales de Francesco de Robertis. Los precursores más significativos del neorrealismo fueron Toni (1935), de Renoir, la película Napoli 1986 y La fine dei Borboni, de Blasetti, realizada en 1934. Contexto entre 1940 y 1960 El neorrealismo Italiano cobra mayor importancia luego de finalizada la guerra, en 1945, cuando el país debía comenzar con la reconstrucción de todo tipo. En otras palabras, el movimiento nace en una Italia devastada por el conflicto, con su economía en decadencia, su territorio apenas liberado de la ocupación nazi. 2

La sociedad de esa época comienza a tomar conciencia sobre las consecuencias que dejó el fascismo militar que gobernó durante 23 años. También comienzan a ser distinguidas las luchas entre este nuevo cine (que refleja la pura realidad del contexto socio histórico) y el cine de Hollywood. Sin embargo, muchos cineastas seguirán reivindicando la capacidad del cine como producto cultural (en vez de comercial) y querrán ser reconocidos como artistas, mostrando sus expresiones. Otro acontecimiento importante es la aparición de los cines nacionales, que comenzaron a ganar territorio desde 1945 a 1960, en ese momento toman valor cines provenientes de países como Japón (Kurosawa), La India, etc., que antes no eran reconocidos como tales. Desde esta época, los cines nacionales, son cada vez más importantes en el mundo cinematográfico. En los años del Neorrealista Italiano ocurrieron otros sucesos alrededor del mundo, que si bien se encontraban distanciados por el espacio, influían de una u otra manera en la producción de todos los films de la época. Algunos de los más destacados fueron: La agresividad macartista en Estados Unidos contra los liberales, el establecimiento formal del Estado de Israel (nación netamente conformada con población judía), la muerte de Stalin en la Unión Soviética. Ocurrieron la guerra en Corea, la sublevación de Budapest y la progresión de la escandalosa vulgaridad de Elvis Presley, la guerra colonial de los franceses en Argelia y el comienzo de la reivindicación de los derechos civiles de los negros en Estados Unidos, la rebelión de Fidel Castro contra la dictadura batistiana, y la consagración de Marylin Monroe como símbolo sexual, el levantamiento del Muro de Berlín y el asesinato de John Kennedy. El cine europeo funcionaba de esta manera: En Inglaterra practicaban el “free cinema” y en Francia la “nouvelle vague”, todos trataban de expresar lo mismo, el fastidio de una Europa exprimida por las grandes potencias. Pero gracias al Plan Marshall, se produjo un “boom” económico, y se pasó de las frustraciones, a un nuevo comportamiento de conformismo y consumismo; de la intolerancia ética al acomodamiento y al materialismo; de la resignación por la guerra a un alejamiento de la espiritualidad y la fe religiosa. Lo que devino de ellos fue la consolidación de un neoliberalismo que amenazaba y se aprovechaba de los pobres para saciar a las empresas transnacionales. Frente a esta situación el cine ve la necesidad de influir socialmente. Un claro ejemplo mundial es el Ciudadano Kane (1941), que alertó sobre el control de los grandes magnates, sobre la formación de la opinión pública y la manipulación que los grandes consorcios hacen de la voluntad popular. Por ello cabe destacar la influencia social del cine, una influencia que ha sido significativa en el proceso del desarrollo histórico.

Aspectos generales del “neorrealismo Italiano”

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Características técnicas •

La puesta en escena y realización están marcadas por la precariedad técnica, sin estudios. Se recurre fundamentalmente a escenarios naturales: calles, casas, espacios públicos.

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El trabajo con la iluminación artificial se reduce al mínimo.

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Pocas veces se trabaja con equipos de sonido. Esto permite más movilidad de la cámara. No se recoge sonido directo, sino que está doblado.

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El estilo fotográfico es bastante rudo (especialmente en Roma, que es la más precaria).

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Se empiezan a ver movimientos de cámara en mano. Y en ese aspecto, se destaca el modo habitual de los planos-secuencia. Una acción, su protagonista, su dinámica; todo encerrado en un sola toma que se mueve con ellos apoyada en los movimientos de cámara, sin cortes. El plano-secuencia permite sumergir, fundir al personaje en el ambiente. Todo lo que las personas hacen está unido a la atmósfera.

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Se improvisa, aunque se respetan las normas de continuidad.

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Se recurre a actores no profesionales. En ocasión conviven en un mismo proyecto cinematográfico actores profesionales y no profesionales.

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No hay una gran elaboración de la caracterización de los personajes, no hay un diseño de producción. Eso le proporciona verismo documental de acercamiento a la realidad, a la vez que más flexibilidad en la puesta en escena.

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Punto de vista narrativo: supone una reacción contra los intrincados argumentos del cine de antes de la guerra

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Aborda las historias con menos rigor desde el punto de vista causal (tenían menos en cuenta las reglas del guión). Todas las causas tienen que ver con las condiciones de vida de las personas, y eso los convierte en representantes de la sociedad.

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Introduce finales infelices o ambiguos. No existen los finales felices.

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Se renuncia a la omnisciencia de las películas clásicas (no lo sabemos todo ni se nos muestra toda la realidad, sino que sólo vemos fragmentos).

Aspectos formales

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Con respecto a los aspectos formales que determinaron el estilo propio de este movimiento estético elevado a los altares de arte, su sustancial diferencia con los anteriormente realizados radica en el contenido, en el estilo (El particular sentimiento por la imagen, el reparto de los actores, el recurso de la improvisación) y la posición moral. Para comprender el contenido es necesario hacer referencia a la reflexión del profesor David Caldevilla Domínguez, Doctor de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, sobre la cinematografía italiana del período del 1930 al 1943, su antecedente más inmediato. Este articulista expone que en dicho contexto histórico y sociopolítico estaba prohibido, o mejor dicho censurado el arte cinematográfico como expositor de la realidad y muestra del descontento humano al mundo en el que vive, ligándose solamente en exposiciones con finalidades publicitarias, que respeten el estatus-quo que imponía el fascismo. No se podía mostrar delincuencia ni pobreza, y con historias sin trasfondo social. “Contra este estereotipo de cine se posicionó el neorrealismo italiano desde 1945 (con la derrota militar y en plena guerra civil) se observa un copernicano giro en las producciones audiovisuales, donde unos se decantaron por un mero formalismo o decorativismo insustancial (como Soldati, Castellani, Lattuada, Poggioli o Alessandrini) y otros, en cambio, más radicales, como por ejemplo Lizzani tomaron el camino de la crítica social encubierta bajo un tono realista llevado más allá de una simple formulación de principios. Sea como fuere, el hecho es que el neorrealismo pronto advirtió un registro y tono muy diferente al conocido durante la etapa fascista. “ Al afirmar esto, Caldevila Rodriguez denota que en el neorrealismo existen dos maneras de interpretar la realidad: •

Una más realista y católica. (Ej: Vitorio De Sica)

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Otra más politizada y marxista.(Ej: Luchino Visconti)

El fin didáctico a nivel moral a la que apuntó este cine, era cercano al Partido Comunista Italiano y tiene una línea de origen cristiano. Estas características se pueden apreciar en los films de Rossellini (homosexual, católico y comunista) la marca de la caridad y de De Sica, la marca de la solidaridad, en los cuales se emplea al cine como herramienta política y con un objetivo: el impulso de la crítica y la reflexión. También se produjo una ruptura con el cine precedente, en el campo del estilo. Este nuevo cine sacrificó abiertamente la perfección técnica con el propósito a que la expresión directa sea favorable. Por eso en sus películas no existen estrellas, héroes, no hay espectáculos ni grandes estudios (denominado Mussoliniano de Cinecittá). En términos generales, las innovaciones que introdujeron los cineastas neorrealistas al lenguaje audiovisual fueron, entre otras y principalmente, las siguientes: - Los medios de realización eran sencillos y sobrios. Debido a la pobreza en la que Italia se vio sumida en la posguerra. Los cineastas no contaban con los recursos económicos suficientes para pagarles a los actores. Debido a esta problemática, quienes 5

actuaban eran personas arquetipos. Para demostrar que no existía rigidez, que todo es flexible y cambiante se emplea el recurso de la improvisación. Debido a los últimos años de la guerra, solo se contaba con intérpretes femeninos y se introduce la imagen y participación de la mujer. También, los niños juegan en la película un papel clave, y su presencia al final del film es indicativa de su papel general en el neorrealismo: como observadores de la dificultad del mundo de hoy que tienen la llave del futuro. - También, estos cineastas mostraban un sentimiento sobre la imagen. Siguiendo la línea del cine de Charles Chaplin, el neorrealismo da más importancia a los sentimientos que a la composición icónica, pero sin despreciar ésta. Se otorga mucha importancia al guión como foco fundamental de expresión, por lo que el peso de los diálogos es fundamental. Suelen utilizar el dialecto (Italia posee muchos) como forma de lenguaje más esencial y más auténtica, lo que conecta perfectamente con la idea de retratar la realidad tal y como la perciben. El actor no debería existir, pues cada uno debe ser el intérprete de sí mismo, y el querer que un hombre recite lo que experimenta otro es falsear la realidad. Quizá la huella soviética es más palpable aquí que en ningún otro momento de la historia del cine.

Realizadores más destacados del movimiento Visconti: creó Obsesión, Terra trema, y posteriormente dirigió Rocco y sus hermanos, donde partía de unos planteamientos más estéticos introduciendo un aliento poético en la realidad. Este film “Obsesión” fue tomado como inspiración para las primeras realizaciones Neorrealistas Italianas. Roberto Rossellini: inició este movimiento con Roma, ciudad abierta (1945). Fue su principal artífice junto con Vittorio de Sica, Luchino Visconti y Giuseppe de Santis. Como dice Carlos Saura: “con Rossellini quedó planteada agudamente la dicotomía entre cineespectáculo, como fabulación o diversión, y cine-utilitario, al servicio de las necesidades culturales más perentorias”. Roma, ciudad abierta describe la ocupación nazi de Roma y la resistencia del pueblo italiano, “fue el canto a la libertad y la fraternidad frente a la opresión y el terror” (El cine. Gortari, Barbáchano) Posteriormente Vittorio de Sica retrató la miseria y el desarraigo social en la posguerra italiana en Ladrón de bicicletas (1948), rodada por entero en las calles de Milán. Este es también uno de los filmes emblemáticos y más conocidos del cine neorrealista. Cesare Zavattini: principal teórico y guionista del movimiento neorrealista en el cine, impulsó a los productores italianos a centrarse en películas que reflejaran la realidad nacional de la época. Dos películas, dos tendencias 6

A continuación expondremos 2 de las películas más reconocidas de esta vanguardia, con su sinopsis y análisis. La primera “El ladrón de bicicletas”, producida por De Sica, caracterizada por una visión marxista y politizada. Luego, “La tierra tiembla”, de Visconti, tomada por otro punto de vista más Cristiano y realista.

“El ladrón de bicicletas” Vittorio De Sica (1948). Sinopsis: El protagonista de la historia tiene la suerte de conseguir empleo pegando carteles por la ciudad. El problema viene cuando se entera de que para poder realizarlo necesita una bicicleta, la cual la tiene empeñada. Su primera tarea será recuperarla. Una vez que tiene su bicicleta comienza a trabajar, pero no transcurre ni un día de trabajo cuando se la roban. Desde ese momento y hasta el final de la película la historia consistirá en la narración de la búsqueda de la bicicleta robada por parte del protagonista y su hijo pequeño. La historia termina paradójicamente cuando el protagonista encuentra la solución al robar otra bicicleta. Pero en esa situación, él sí es agarrado por el dueño y otros hombres allí presentes que lo castigan moralmente frente al hijo diciéndole “Debería darle vergüenza darle este ejemplo a su hijo”, y finalmente lo liberan. Análisis: La Interpretación del film es puramente ideológica, expresa sentimiento, y transmite claramente lo que pretende el director. El guion está bien logrado porque no crea confusión a la hora de la interpretación. Su objetivo era expresar y mostrar al público la realidad de esos tiempos y, desde este lugar, generar en el público una toma de conciencia, creo que lo logró. “Ladrón de bicicleta” tiene un tinte emotivo, muestra claramente la situación de los obreros y su desesperación por mantenerse con un empleo estable, muestra la realidad hostil del mundo en los años ’40, pero muestra también cómo los vínculos humanos, las relaciones con los seres queridos, pueden aliviar el dolor. Muestra cómo se luchaba en familia, lo cual hacía que las relaciones sean más fuertes aún. La película perdura hoy como un documento en el que sobresale la metáfora de un obrero que sufre la perdida de una bicicleta y, para su bien, hace lo mismo que le hicieron a él sin pensar las consecuencias. Por otra parte, el director hace conocer, en el final de la película, su visión de positivismo ya que remarca que el amor entre la familia (en este caso el padre y el niño) genera fe y esperanzas de un mundo mejor, un mundo solidario. Desde la interpretación técnica no hay mucho que destacar ya que el neorrealismo no utilizaba muchas de ellas, sí se puede notar los escenarios reales y devastados, se puede dar cuenta que en el rodaje utilizaron generalmente iluminación natural, las cámaras situadas en distintos lugares amplia la visión de lo que sucedía, la utilización de planos 7

estuvo bien lograda subjetivamente, por ejemplo al mostrar en primer plano la cara del niño se reflejaba la tristeza que él sentía por el momento que atravesaba. La poca producción técnica acompaña la sencillez de la historia, así se puede captar también la humanidad y cotidianeidad de los personajes.

“La tierra tiembla” Luchino Visconti (1948) Sinopsis: Es la primera parte (El episodio del mar) de una trilogía sobre Sicilia. Narra la historia de la lucha de un pescador, llamado Ntoni Valastro, y de su familia para liberarse de la explotación de los mayoristas de la pesca. Lo que Visconti muestra en el film es la toma de conciencia por parte de Ntoni, sobre la explotación y los abusos que sufren injustamente por parte de los patrones, percepción que le empujará a rebelarse y a buscar el modo de independizarse, en definitiva, de hacerse dueño de sí mismo. La aventura saldrá mal, y acabará con las esperanzas y la estabilidad de su familia, que sufre además la incomprensión y el desprecio de los lugareños. Es una libre adaptación de una novela de Giovanni Verga Análisis: La película narra de forma casi documental, las desgracias sufridas por una familia de pescadores sicilianos. Cabe destacar que el filme es producto de un encargo realizado por el Partido Comunista Italiano, de ahí deviene el carácter militante y combativo que lo caracteriza. Es una obra que testimonia la terrible realidad de la época, asi como también muestra las luchas y las esperanzas por superarla. El género es drama, drama social, crónica social y económica, mesclada con un tinte de romance. El guion está bien logrado porque lo que pretendía el director era mostrar la sociedad tradicionalista, inmóvil, cerrada y dirigida por los mayores, es decir muestra la sociedad arcaica de esa época. Los ricos, socios de las grandes compañías, se oponen a los cambios, ya que esto no los beneficia. En el film, gracias a los enfoques, se pueden ver las inscripciones de los eslóganes fascistas en las oficinas de estos. También en el dique del puerto se ven restos de inscripciones monárquicas (“W il Re”) y fascistas (“Sicilia o Rorte”). El sonido de las campanas envuelve el ambiente de la localidad pesquera, y esto denota la religiosidad que existe, muestra así el peso social que posee esta institución. El uso de la voz en off como narradora de la historia es lo que refuerza el carácter casi documental. Pero también la película se enriquece por los interesantes diálogos, que reflejan conversaciones naturales. El director afirmó que muchos de estos diálogos son tomados de conversaciones reales por parte de los pescadores de ese lugar, que también actuaron en el film.

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Por este análisis se puede ver reflejada la ideología marxista del director, ya que destaca: la explotación del hombre por el hombre, la lucha de clases, la plusvalía, la búsqueda de un socialismo y demás puntos de la teoría de Marx. Los actores no eran profesionales, por lo tanto las actuaciones no están nada mal. Los planos están bien logrados ya que se da énfasis en los paisajes. En definitiva, no hay muchos aspectos técnicos para destacar, ya que el neorrealismo busca ser lo más real posible. Es un film que genera una amplia reflexión. Neorrealismo en la Literatura Como en todas las artes, en la literatura también se reflejaron las heridas del fascismo y la guerra. En Italia, el nuevo realismo influyó en este arte de la literatura, tanto en la ética como en la estética de su retórica. A partir de los años 40 los temas principales en la literatura comienzan a ser: el atraso y pobreza del sur de Italia, los años del fascismo, la resistencia a la dictadura de Mussolini, la vida urbana popular, etc. En esta corriente literaria se destacan las figuras como la del novelista Alberto Moravia (1907-1990), e Italo Calvino(1923-1985) que es uno de los escritores italianos más importantes de la posguerra, sus inicios fueron Neorrealistas pero luego continúa sus trabajos cultivando el realismo grotesco. Otros autores importantes fueron Cesare Pavese (1908-1950), novelista, poeta, editor y traductor, y Primo Levi (1919-1987) autor de Si esto es un hombre, una novela ligada a su terrible experiencia en el campo de concentración de Auschwitz. Final del Neorrealismo Roberto Rossellini fue dejando atrás los rasgos que caracterizaron sus primeros films y se inclinó hacia la producción y dirección de miniseries, documentales y dramas históricos. Por su parte, Vittorio De Sica filmó en 1951 la que sería considerada la última película del neorrealismo italiano: ‘Umberto D’, la historia de un jubilado solitario que decide ingresar a un hospital para asegurarse una cama y comida. Este film anticipa la futura tendencia de De Sica hacia la dirección de melodramas. Luchino Visconti se fue alejando cada vez más del neorrealismo para acercarse a la realización de dramas históricos con grandes escenografías y reconocidos actores, como por ejemplo en ‘El Gatopardo’ de 1963. El debate teórico sobre el neorrealismo será uno de los más intensos de la teoría cinematográfica: ¿hay que comprometerse moralmente con la realidad? Esta interrogante que comienzan a hacerse intelectuales y cineastas después del auge del cine neorrealista, sería posiblemente el detonante del declive de este movimiento. En la década del 50’ Italia es reconstruida, el escenario de posguerra empieza a mejorar. En 1949 llega al poder la democracia cristiana. El nuevo gobierno no ve bien

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algunas películas del movimiento. Se reconstruyen los Estudios Cinecitta y se comienza a hacer un cine más comercial, con una producción a gran escala. Los historiadores ponen el año 1951 como fecha final del neorrealismo italiano. Desprendimientos en Italia En la década del 50’ comienzan a aparecer nuevos directores en la escena italiana, que constituyen la generación posneorrealista. Uno de ellos es Federico Fellini, que había colaborado como guionista en algunas películas de Roberto Rossellini, pero por estos años comenzaría su carrera como director con Luces de variedades y más tarde El jeque blanco. Las primeras películas de Fellini mostraban una concepción de la vida como espectáculo, grotesco o monstruoso en ocasiones, que lo alejaba de los films neorrealistas, pese a utilizar ambientes miserables o humildes en sus primeras películas. Pero más tarde se afirmaría como un devoto de este movimiento con la filmación de La Strada, en donde se ve un marcado acento cristiano. Michelangelo Antonioni, empezó como guionista y ayudante de dirección. Realizo varios cortometrajes antes de dirigir Crónica de un amor en 1950. Antonioni rompió con la tradición proletaria del neorrealismo italiano y se centró en la crisis existencial de la sociedad burguesa. La Aventura, La noche y El eclipse forman la trilogía existencial que le otorgó celebridad en los años 60’. En sus films se destacaban los planos-secuencia, cuyos encuadres generales permitían una integración del espacio escénico, con paisajes suburbiales o urbanos capaces de ubicar socialmente a los personajes, pero también de definir sus estados de ánimo. La acción psicológica hacia los gestos minuciosos y las miradas de sus personajes, capaces de revelar las vivencias más ocultas, hicieron de él un maestro en el manejo de los “tiempos muertos”. Otros directores miembros de la generación posneorrealista fueron: Pier Paolo Pasolini, con su interés por la cultura popular y la religión; y Francesco Rosi, quien renovó los planteamientos realistas, ligado a la metodología periodística. También se puede citar a Marco Ferreri y Bernardo Bertolucci, entre otros. Influencia en el Nuevo Cine La categoría “nuevo cine” calificó, a toda una serie de cinematografías que por los años sesenta empezaron a presentar aires de renovación, como por ejemplo el Nuevo Cine Alemán, la Nouvelle Vague francesa, el Cinema Novo de Brasil y el Cine Latinoamericano. Surgen, por esos años, corrientes contestatarias al cine industrial y comercial que interpelan a Hollywood y a su decadente producción, entrampada en paralizadas fórmulas narrativas, ridículos códigos complacientes con el “american way of live” y a sus objetivos estrictamente mercantilistas. Ocurría, en esa época, que prácticamente todas las industrias cinematográficas del occidente se encontraban completamente dominadas por esa visión desoladora, entonces surgieron nuevos ánimos de devolverle al cine su sentido constituyente y las posibilidades de volver a ser espejo de las sociedades y lugar de reflexión de ellas sobre sí mismas, como en su momento lo había sido el Neorrealismo Italiano. 10

Ese movimiento cinematográfico que generó Italia, aportó al cine mundial tal vez más que ningún otro. Es indudable que el Nuevo Cine Latinoamericano recibió una fuerte herencia del Neorrealismo. Esa herencia prendió con fuerza en los cineastas latinoamericanos no solamente por su magnitud interior, por su propia fuerza y magia, sino también porque algunas coincidencias históricas y sociales habían creado el caldo de cultivo adecuado. Ambas cinematografías nacieron como producto de una grave crisis social-histórica. El Neorrealismo como un nuevo cine de denuncia de la situación social en la Italia de la postguerra y el Nuevo Cine Latinoamericano como un nuevo cine de denuncia de la situación social, económica, política y cultural en una Latinoamérica dominada y castigada por las oligarquías y militarismos dependientes del Imperio. Surge, puede decirse, como un movimiento generado muy poco tiempo después del triunfo de la Revolución Cubana y eclosiona inmediatamente después de la muerte del Ché. Son históricos y conocidos los numerosos manifiestos emitidos en encuentros y festivales haciendo énfasis en la situación de crisis de nuestros países, los atropellos a los derechos humanos y la responsabilidad del imperialismo norteamericano en toda esa situación. Coinciden prácticamente todos los jóvenes cineastas latinoamericanos en esa angustia revolucionaria, que los une solidariamente. Están juntos los que vienen de países aún sometidos como aquellos que ya viven en un país liberado del Imperio. Aunque los cineastas cubanos ya no deben luchar por liberar su país, se unen solidariamente y muchas veces encabezan la protesta, con sus escritos y textos y con su propia obra cinematográfica. Zavattini llega a Cuba cuando está comenzando a desarrollarse el cine cubano, algunos de los principales cineastas de Cuba han estudiado en Italia y las herencias y coincidencias, entre las dos cinematografías, vuelven a hacerse patentes porque son muchos los puntos de vista que las une, tal vez la más grande, sea la mirada por un cine humano.

Conclusión Si bien el neorrealismo italiano duró menos de una década, su influencia fue trascendental para las cinematografías alrededor del mundo. La decisión de filmar aún con pocos recursos abrió una puerta a los realizadores independientes, ya que pudieron realizar películas sin estudios previos. Más que un realismo documental, el neorrealismo trata de un realismo social, colectivo y humano. Las películas de esa época se dirigían al hombre y tenían por objeto al hombre. Se lo llama nueva realidad porque cuanto se ve en las imágenes es cuánto hay de realidad. Por ende, no son manifiestos sentimentales y personales de los directores. Por supuesto que existe el modo de ellos de hacerlo ver, de manejar la cámara para representar en la pantalla. Lejos de proponer sueños evasivos como hacía el cine norteamericano, los neorrealistas enfrentaron al hombre común a la amarga realidad en la cual vivía.

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Como futuros profesionales en la comunicación, acervamos que el Neorrealismo Italiano es una herramienta política y de dinamización social que nos predispone a tener una visión más crítica de nuestra realidad. Nos incita a tomar una actitud instituyente para intervenir socialmente en base a nuestro propio juicio, basada en una ética y una moral centradas en el eje de la igualdad y la justicia colectiva. En nuestra condición de estudiantes, esta vanguardia nos motiva a poder realizar proyectos audiovisuales sin la necesidad de contar con demasiados recursos técnicos, ni económicos, tal como sucedió en este movimiento. Bibliografía

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“CINE” ficha de cátedra de Cine de la Lic. en Comunicación Social, FADECSUNCO.

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CALDEVILLA DOMÍNGUEZ, David: El sello de Spielberg. Ed. Visionnet. 2004.

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HISTORIA DEL CINE, Román Gubern. Editorial LUMEN.

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