ÍNDICE Origen y Nacimiento del Cine. Los comienzos del cine. La época de los pioneros. El cine italiano y nórdico. El cine alemán. El cine soviético. Los comienzos del cine norteamericano: Hollywood. La era de los estudios. El auge de la industria cinematográfica norteamericana. El cine sonoro. Géneros cinematográficos. Las escuelas europeas. Francia. El neorrealismo italiano y el Free Cinema inglés. Hitchcock. 1.− ORIGEN Y NACIMIENTO DEL CINE La cámara oscura: la primera idea la tuvo un matemático y óptico árabe del siglo XI. Sin embargo la expresión viene del italiano habitación oscura, de habitación pasó a un mueble transportable. El principio de la cámara oscura fue definido por Leonardo de Vinci en Tratado de la luz, publicada en París en 1651, en ese libro decía que si una habitación tenía delante una fachada de un edificio o de una plaza o de un campo iluminado por el sol, abriendo un pequeño orificio a la pared de la habitación que tenía que estar no iluminada, todos los cuerpos iluminados en el exterior proyectaban su imagen a través del orificio y se veían en el interior de la habitación proyectados bocabajo. Sobre esa base Leonardo dijo que si esas imágenes se proyectaban sobre un papel blanco cercano al orificio, los objetos exteriores se veían más pequeños, al revés pero con sus formas y colores, el sistema se usó durante siglos como ayuda para los pintores, les servía para trazar perspectivas pero resultaba incómodo porque una habitación no se podía llevar de un sitio a otro. Por eso en el siglo XVIII el italiano G B Della Porta creó un aparato consistente en una caja de madera pequeña cerrada y con un orificio. A este orificio le añadió una lente que aumentaba la luminosidad y nitidez de la imagen. Así se estableció el primer aparato receptor de imagen: la cámara oscura, el origen primitivo de la cámara de cine (el nombre de cámara se mantiene) Nos encontramos con un segundo aparato, la linterna mágica, desarrollada por el jesuita alemán Atanasio Kircher en 1640, lo dio a conocer en 1643 en su libro El gran arte de la luz y de la sombra. La linterna mágica es un aparato óptico que sirve para proyectar imágenes. Lo contrario a la cámara oscura, el espacio interior es iluminado y el exterior oscuro. La imagen se proyectaba por medio de una lámpara que iluminaba una imagen trazada en posición invertida. Podía proyectar imágenes opacas, lo que técnicamente se lama un episcopio pero también podía proyectar imágenes transparentes (diascopio, como el proyector de diapositivas). Es el origen del proyector cinematográfico. Ambos son aspectos ópticos, no químicos, proyectan imágenes estéticas. En 1736, Musschenbrock, basándose en el principio de la linterna mágica ideó un procedimiento que permitía mover en proyección la imagen de una transparencia que se proyectaba mediante el procedimiento de la linterna mágica, consistía en proyectar dos imágenes distintas. Un molino sin aspas; y unas aspas, movían la segunda y daba la impresión de que el molino se movía. A este aparato no se le puede llamar cine (no eran fotografías), pero se consigue proyectar el movimiento.

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La segunda fase sería la proto historia de la imagen dinámica que es el periodo que va desde aquí hasta la aparición del cine. El momento más importante es el descubrimiento de la fotografía que se desarrolla a partir de 1822. La fotografía, llamada eliografía al principio (elios − sol), fue debida a un francés llamado Niepce (1763 − 1833), se interesó por la litografía y comenzó a experimentar con el fotograbado, al que le dio el nombre de dibujos eliográficos. A partir de 1814 concibió la idea de usar la cámara oscura para tomar imágenes sacadas de la realidad que no fueran grabados. En 1816 consiguió las primeras fotografías a las que llamó fotografías porque se dio cuenta de que no tenía que tratarse de luz solar. Estas primeras fotografías estaban hechas sobre un papel sensibilizado con cloruro de plata y se fijaba en el papel mediante una solución de ácido nítrico, pero la imagen se desvanecía en dos o tres minutos. Además las imágenes aparecían en negativo, pero siguió trabajando, y en 1822 consiguió fijar una imagen por unos días, un bodegón del que nos queda un grabado, tenían que ser objetos estáticos. Una vez hecho esto había que ir mejorando. A partir de 1829 usó placas de plata y se valió del iodo para crear efectos de claro − oscuro. Muchas veces se le ha negado el descubrimiento a Niepce, al final de su vida se asoció con Daguerre que se acopió de las patentes y lo tomó por invento suyo, las llamó dagerrotipias, él fue quien consiguió fijar totalmente las fotografías. Solo a partir de las fotografías se puede concebir el cine. A partir de 1822 tenemos la cámara, un producto físico, y la fotografía, un producto químico, dos elementos que se habrán de combinar para hacer posible el cine. De aquí las cosas evolucionan con rapidez hasta llegar a él. El óptico Simón von Stampfer inventa el estroboscopio, consistente en una rueda o cilindro cerrado, con un muñeco en distintas posiciones, girando el tambor y mirando por las ranuras daba la impresión de movimiento, un movimiento narrativo pero cerrado y cíclico, el cine debe ser abierto y no cíclico. Posteriormente se consiguió otro aparato llamado revolver fotográfico que fue inventado por Janssen. El objetivo era conseguir disparar fotos rápidas para conseguir hacer un análisis fotográfico del movimiento, se considera el origen del tomavistas de cine. Pero él nunca pretendió proyectar las imágenes que captaba. Este invento dio lugar a una serie de fotografías debidas a Muybridge y Marey. Ejemplos son las muestras de caballo saltando y mujer con toalla, no son cine porque aunque nos da la ilusión de movimiento no hay proyector. Basándose en todos esos inventos se preocuparon de proyectar las imágenes, intervienen Alemania, Francia y Estados Unidos, el cine es fruto de los tres. El francés Charles Reunand interviene proyectando por primera vez en la historia dibujos en bandas animadas en 1892, pero no es cine, no son aún fotografías. Pero Reynand empleó procedimientos que luego se van a hacer en el cine como las bandas transparentes y perforadas, bobinas para proyectar imágenes y el hecho de que las imágenes tuvieran una alienación rectilinea y no en semicírculos. Este sistema se llamó teatro óptico, el estreno fue el 28 de octubre de 1892 en París en el llamado gabinete fantástico del museo de cera, fueron tres historias en dibujos animados. La primera proyección cinematográfica se la debemos al alemán Max Skladanowsky (1863 − 1939). Su creación la llamó Vioscópio (1892), con el que realizó la primera toma cinematográfica el 20 de agosto de 92. Esa toma era un señor en una azotea de Berlín agitando el sombrero, duraba seis segundos y constaba de 48 fotogramas, a 8 imágenes por segundo. Pero esta primera película no se proyectó. Siguió con su trabajo y el 1 de enero del 95 proyectó por primera vez en una sesión pública y comercial en una sala de fiestas de Berlín, el Wintergarten (jardín de invierno), un local que ya no existe pero que podemos ver en Variete(1925). Se proyectaron 8 películas cortas que acababan con una titulada Apoteosis, en la que los autores saludaban al público. Una de las películas se llamaba El baile italiano, ya podemos hablar de cine, fotografías proyectadas 2

sobre una pantalla blanca, había rótulos entre las películas, que estaban coloreadas a mano y llevaban un acompañamiento musical escrito expresamente. Fue un gran éxito. Se contrató a Skladanowsky para proyectarlas en el Folies Bergere, el estreno estaba previsto para el uno de enero del 96, pero unos pocos días antes, los hermanos Lumiere se adelantaron y proyectaron su cinematógrafo, cuestión de días. Skladanowsky rueda más tarde El pretendiente nocturno, la primera película de argumento, pero nunca tuvo éxito. Louis Lumiere, junto a su padre Antoine y su hermano Augusto tenía un taller fotográfico en Lion. El 13 de Febrero del 85 esta fábrica patentó el cinematógrafo, que servía como tomavistas, funcionaba manualmente, con una manivela, arrastrando la película a 16 imágenes por segundo. Con este aparato hicieron una proyección pública y comercial el 28 de diciembre del 95, es la fecha conocida como el inicio del cine. Esta primera proyección se realizó en un pequeño salón, el salón indio, situado en los bajos de una café llamado El gran café, en el nº 14 del Boulevard de los Capuchinos. Se proyectaron diez películas muy cortas, se citan siempre: Salida de los obreros de la fábrica Lumiere, La llegada del tren(provocando el pánico entre los espectadores), El regador regado (pionera de las películas cómicas). Fue un éxito increíble, su fama cundió en la sociedad parisina. Pero los Lumiere se cansaron en seguida y se pusieron a capturar imágenes por el mundo, La coronación del Zar II necesitó ocho bobinas. El tercer creador del cine fue el americano Thomas Edison, para los americanos es el auténtico. Edison comenzó en un laboratorio montado en New Jersey. Un operario suyo, Dickson, inventó en 1893 un aparato al que llamó quinetoscópio, se trataba de cabinas individuales. Edison no tuvo nada que ver pero tenía puestas a su nombre todas las patentes y se apropió de él. El quinetoscópio fue inventado para ir acompañado de otro, el fonógrafo, que si fue inventado por Edison. El quinetoscópio es básicamente una caja óptica equipada con dos ranuras (una para cada ojo). Dentro se podía ver algo aproximado al cine en imágenes pequeñas. Fue comercializado en salas especialmente acondicionadas para ello y por ello Edison intentó frenar la entrada del cine en los Estados Unidos, para seguir él ganando montañas de dinero con su invento, su empeño en apostar por los instrumentos individuales le haría arruinarse más tarde. A partir de 1893, Edison construyó en sus propiedades de New Jersey el primer estudio de cine conocido, con un nombre muy pomposo, Teatro Quinetoscópico, pero se le conocía popularmente como Black Mariah porque se parecía a los coches celulares usados para el transporte de presos. Era una habitación de madera, con un techo móvil para capturar la luz solar, siendo levantado sobre una plataforma giratoria para orientar la habitación dependiendo de la hora del día y aprovechar al máximo la luz, dentro no había ningún tipo de decorado, era todo negro para que los actores resaltaran. Lumiere, Skladanowsky y Edison son el último eslabón de una larga cadena que tiene como resultado el invento del cine, que puede ser definido como arte de la imagen dinámica, obtenida técnicamente y proyectada con un ritmo espacial y temporal, recordemos que no todo lo que pueda ser proyectado es cine. Para llegar al cine había sido necesario ciencia, técnica, física y química. Una vez hubo cine aparecieron factores de carácter ideológico que lo hicieron orientarse en un sentido u otro. A partir de aquí se desarrolla la historia del cine, una desconocida en cierta medida, ya que el 85% de los primeros trabajos desaparecieron, en ocasiones por no ser valorados como arte. 2.− LOS COMIENZOS DEL CINE: LA ÉPOCA DE LOS PIONEROS Entre todos nos interesaremos primero por Lumiere, especialmente en su Llegada del tren, lo interesante de este trabajo es que ya se han usado varios planos, desde un plano general a un medio plano, pero no por ello hay movimiento de cámara, es un travelling inverso. Dentro del cine encontraremos diferentes planos: Plano general o de conjunto, es el hecho con la cámara a unos diez metros del objeto captado, es un plano narrativo y descriptivo en el que se pueden incluir entre seis y diez personas. Plano completo, la imagen completa de un hombre.

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Plano americano, el cuerpo humano desde las rodillas para arriba. Plano medio, corta el cuerpo por el pecho. Primer plano, la cara, desde los hombros o el cuello. Primerísimo plano, o plano detallado, o plano insertado; la cámara se acerca mucho para captar un detalle específico del objeto, se usa como plano de choque (el cuchillo de Psicosis). Plano General, el que enseña un gran paisaje, es descriptivo, un ambiente en general, si una persona aparece, lo hace como un detalle más dentro del entorno. Usado muy habitualmente por John Ford. También debemos considerar el llamado espacio off, un espacio físico que está fuera del plano pero influye en él, se desarrolla en él una acción que los espectadores intuyen aunque no vean. El primer travelling lo realizó involuntariamente en 1896 un operario de Lumiere llamado Promio, estando en Venecia se le ocurrió rodar en la góndola estando esta circulando por el agua. Cuando se positivó el público se entusiasmó, a partir de aquí se usó sin parar. Travelling − movimiento de cámara obtenido colocando la cámara sobre una plataforma o carrito. Otra película fue la comida del bebé, se ve a Lumiere con su mujer dándole la comida a su hijo, una muy interesante era el regador regado, pionera del cine de humor. Las películas tienen argumento teniendo su culminación en años siguientes, pero estas primeras sirvieron para que los espectadores se cansaran de este cine, entonces los Lumiere pensaron que el cine podía servir como medio para dar a conocer acontecimientos memorables, era el origen del cine documental, se contrataban a unos operadores que se encargaban de ir a ciudades rodando los acontecimientos más importantes. Entre estas películas documentales destaca la de la coronación del zar Nicolás II. Junto a este tipo de película va a surgir uno nuevo, el de fantasía o de espectáculo debido a George Méliès. Méliès nació en París en 1861 y murió en la misma ciudad en 1938. Cuando Lumiere realizaba su primera película Méliès era una persona conocida en París que regentaba un teatro de variedades bastante famoso llamado teatro Houdini, estaba dedicado al ilusionismo. Se cuenta que Méliès quiso comprarle a Lumiere el cinematógrafo y este no aceptó alegando que el invento duraría muy poco y que él quería sacarle provecho a la patente, de manera que Méliès viajo a Inglaterra y allí compró una cámara a un óptico inglés llamado William Paul y la película la tuvo que comprar en Estados Unidos a la empresa Kodak porque en Francia no podía obtener estos aparatos. Con estos medios comenzó a rodar películas. Muchos de los hallazgos se producían por mera casualidad, rodando en París se le atascó la cámara mientras filmaba, la arregló y siguió rodando, mas tarde, visionando la película, se dio cuanta de un efecto inesperado, el autobús se convertía en un coche fúnebre en ese accidentado montaje, de aquí le vino la idea de realizar efectos en las películas de este tipo, las películas fantásticas. La primera es de 1896, El escamoteo de una dama, era una señora que da saltos y desaparece, para rodarlas él construyó un estudio cinematográfico en los terrenos que tenía en una finca en un pueblo cercano a París llamado Montreal(¿), se consideraba el segundo estudio del mundo. Las paredes eran de cristal para rodar con la luz solar, hasta 1905 no se hizo instalación eléctrica. En este estudio se rodaron unas 500 películas de las que no se conocen más de 60. Títulos: El hombre de la cabeza de goma, sobre un científico que se quitaba la cabeza, La cenicienta(1899), sobre todo: Viaje a la Luna(1902). 4

Está basada en la novela de Julio Verne, costó 10000 francos de la época y fue una película convertida en modelo para todo el cine fantástico posterior. El argumento es simple: reunión de astrónomos que se van a la luna por medio de una especie de cañón. Dura doce minutos (larguísima para la época), se incluían unas chicas muy provocativas (eran bailarinas del teatro Chotelle de París). Luego rodaría La conquista del polo (1912), una obra maestra inspirada en la película inglesa de William Paul, Viaje al Artico. Méliès se va a especializar en un cine denominado actualidades reconstruidas, se trata de representar gráficamente un hecho histórico siendo reconstruido en un estudio, no puede ser considerado cine histórico, más bien cine pseudo histórico. En esta categoría rueda en 1898 La explosión del acorazado Maine en el puerto de La Habana. Dura cinco minutos y lo más interesante son unas tomas submarinas, eso lo realizaba colocando la cámara fija después de la ... y detrás de lo que quería rodar. Otra película fue El asunto Dreyfus(1899), se reconstruye minuciosamente todo el proceso político y judicial llevado a cabo contra el político francés de la segunda república Dreyfus. Otra película es La coronación del rey Eduardo VII(1902), rodada en París, al rey le encarnó un leñador parecido y una corista a Alejandra la reina. Estas películas y las de fantasía estaban llenas de trucos, manuales o fotográficos, que serán incorporados al lenguaje cinematográfico. Dentro de estos grupos Méliès usa mucho los procesos de acelerado y ralentí, que consiste en acelerar la imagen o retardar el movimiento. Eso se conseguía mediante la manivela de la máquina, si la manivela iba lenta la imagen se veía rápida y viceversa. Junto a esto también usa los trucos fotográficos, el más usado es la sustitución que se conseguía parando la cámara y haciendo el cambio que se quería se montaba dando una sensación de continuidad. Otro truco fotográfico es la sobreimpresión, que consiste en positivar dos o más placas una sobre otra. El tercer truco es el encadenado que se utiliza para pasar de una escena a otra y que consiste en ir desvaneciendo la imagen mientras va apareciendo otra. Méliès nunca movía la cámara, se limitó exclusivamente a fotografiar lo que ocurría en el escenario, por eso sus películas se conciben como cuadros porque utiliza los elementos del teatro y no las unidades de narración del cine. Las unidades de narración del cine son: • Plano, equivale a una frase. • Escena, un conjunto de planos. • Secuencia, varias escenas que forman una unidad espacial y temporal. También nos podemos encontrar con el plano secuencia, que es un plano que se alarga mucho en el tiempo, a veces cuesta trabajo diferenciar entre escena y secuencia. Méliès después de esto seguía trabajando a su ritmo, hasta que tuvo dificultades económicas, fundó una productora llamada Star Films, la inauguró en 1903, esta productora a partir de 1911 se viene abajo y tiene que venderla, hasta 1914 pudo conservar su estudio pero acabada la 1ª guerra mundial tuvo que venderlo, vendió todo su negocio y sus películas las vendió al peso y él se dedicó a regentar un negocio de juguetes y golosinas. En 1928 el director de una revista de cine llamada Cine Journal lo descubrió en su kiosko y le realizó homenajes para intentar reparar el olvido en el que había caído Méliès, que murió finalmente de cáncer de 5

estómago en 1938. Méliès es uno de los primeros genios del cine y el creador del cine fantástico. Charles Pathé es el creador del cine como industria. Era de origen muy humilde y emigró a Argentina de la que volvió para ganarse la vida en Francia. Comenzó haciendo exhibiciones como fotógrafo y descubrió el cinematógrafo, en seguida se compró un aparato para su trabajo. El negocio empezó a irle bien y tuvo la habilidad de rodearse de una serie de realizadores y técnicos muy buenos y a rodar sus propias películas que se proyectaban bajo el título de una productora que él fundó en 1908 que se conoce con el nombre de Pathé Frère y que tenía como emblema un gallo. Con esta productora rodó comedias galantes, cine fantástico, cómico, actualidades reconstruidas y se convirtió en el productor más importante de los primeros años del siglo XX. Contrató a Ferdinand Zecca (1864 − 1947), considerado como uno de los grandes realizadores de la 1ª época, actor, guionista... En 1901 rodó una película para Pathé llamada Historia de un crimen, esta película narra un hecho real, un asesinato que se cometió en París por aquella época, reconstruye el asesinato, el juicio y la ejecución del reo. Otra película de 1905 es Pasión, la importancia está en su duración y en el uso de la cámara que la utiliza como panorámica. Otra película importante es Las víctimas del alcoholismo, de 1906, trata de un borracho que maltrata a su familia. La productora de Pathé se convertirá en Trust, que se dedicaba a la producción de películas y distribución y exhibición en 1907 − 8. Estos tres pasos se convierten en los pilares de la industria cinematográfica. León Gaumont, fue rival de Pathé, su productora tuvo como emblema una margarita. Entre sus méritos más destacables está haber contratado a la primera mujer directora de cine, llamada Alice Guy. LOS INICIOS DEL CINE EN INGLATERRA. Conocidos como la escuela de Brighton, se conocen con este nombre a un grupo de fotógrafos considerados como los pioneros del cine inglés, son: William Paul, George AG Smith, James Willianson y Alfred Callias. William Paul fue el fotógrafo que le vendió la primera cámara a Méliès. En 1903 rueda una película que se llamaba Viaje al Ártico, que inspiró a Méliès en Viaje al Polo. Ruedan un tipo de cine con unas características muy especiales. La 1ª gran novedad es que rueda al aire libre, empleando el movimiento de cámara que sustituye casi completamente a la cámara fija que usaban los franceses. Utilizan el travelling, la panorámica y un nuevo tipo de movimiento que es el contracampo, que consiste en filmar dos planos, el último de los cuales siempre se opone al punto de mira del anterior. El contracampo se emplea en dos películas por primera vez; Ataque a una diligencia en el siglo pasado y Matrimonio en Coche, que rodó Méliès. En esta última se cuenta la historia de una pareja. Para esa carrera de un coche perseguido en otro coche se utiliza el contracampo mostrando alternativamente un coche y otro, dando lugar al cine de persecución. Este empleo de contracampo se emplea también en Ataque a una misión en la China, que se rodó en 1900 por Williamson, en esta se introduce la alternación dramática de escenarios a la acción paralela, que consiste en rodar alternativamente a los perseguidos o atacados. Se cuenta la historia de una familia de pastores protestantes que son atacados en la guerra de China. Otro elemento es el primer plano como elemento dramático. Lo empleaban en una película llamada La lupa de la abuela, rodada por Smith en 1900. El primer plano se introduce cuando la lupa se acerca a la cara de una abuela hasta que el ojo ocupa la 6

pantalla completa. Otra película que hace uso del primer plano es the Big Swallow, rodada en 1900 por Williamson. La escuela de Brighton no tuvo continuadores en un principio y gran parte de sus adelantos se resaltan hasta 1914 por parte del cine alemán y norteamericano. 3. EL CINE FRANCÉS, EL FILM D'ART. Era un productora fundada en Francia en 1908 por varios banqueros llamada La Citte con el fin de salvar el cine de la mediocridad. Intentarían que los grandes escritores del momento escribieran guiones de cine y también contrataron autores de teatro para el cine. Con eso inaugura un elemento que se conoce con el nombre de Film Star, utilización de actores de prestigio consagrados para atraer a la gente. El hecho de querer arreglar el cine se debe a varias causas, no se sabía contar historias y se limitaba a reproducir los mismos argumentos. Las películas eran muy cortas, no solían pasar de los 15 minutos. El segundo problema era el anonimato del cine primitivo, era anónimo en el sentido de que nunca se firmaban las películas. Resultaba para el público que era un arte popular frente al teatro que lo consideraban culto. Eso hizo que la gente de alto rango no fuera al cine por considerarlo impropio. A este descrédito popular del cine se añade un incendio cuando se quemó una barraca de feria en París que se llevaba al bazar de la caridad, donde murieron más de 200 personas. Ante este estado de las cosas los hermanos Lacitte empezaron a contratar dramaturgos para escribir guiones. Junto con estos escritores contratarían a actores consagrados en el teatro y a músicos prestigiosos, a escenógrafos teatrales... Con todo ello intentaban dar un carácter intelectual al cine, pero fracasaron en el intento por diversos motivos: 1/ Se cayó en el mayor de los errores porque no se hacía cine sino teatro filmado. No había movimientos de cámara, el único movimiento era el de los actores. Volvieron a lo que hacía Lumiere. 2/ Los actores que contrataban no sabían actuar frente a una cámara. 3/ La mayoría de los actores de teatro no eran fotogénicos. 4/ Los guiones fallaban, porque los escritores basan su arte en la palabra. Todo esto retrasó los avances que se habían de realizar en el cine, por el contrario supuso un aumento en el nº de espectadores, aumentó también su nivel cultural y la duración de las películas. En resumen, el Film D'Art hizo un cine pretencioso, interesante para los historiadores pero que no aportaba nada nuevo al cine. Dentro de esta productora destaca El asesinato del duque de Guisse, que data de 1908, protagonizada por actores de la comedia francesa. Guión escrito por el académico Lavedaa. Esta película tuvo un enorme éxito y dio pie para que las demás productoras rodaran con el mismo estilo, así se rodó Las Miserables, El misterio de París, El hombre de los guantes blancos. Paralelamente en este cine en Francia se desarrolla otro tipo de película que da lugar al cine cómico, se inicia en Francia en 1907 y tiene como figura principal a Max Linder (1883 − 1925), se considera uno de los grandes cómicos, maestro de Chaplin, guionista y director de sus propias películas.

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Linder creó un personaje y siempre lo empleaba en sus películas, era un caballero distinguido, vestido de chaqué, botas de charol, sombrero de copa y guantes, flor en el ojal y siempre impecablemente vestido, aportando señorío a la incipiente comicidad del cine. Basa su comicidad en crear situaciones comprometidas donde él nunca pierde la compostura, esta forma de hacer reír será heredada por Keaton. Películas importantes: Max y la química (1911) El casamiento o la boda de Max (1912) Siete años de mala suerte (1914) Rodó más de 500, la mayoría de ellas auspiciadas por su nombre. Linder emigra a Hollywood en 1916 y ahí empieza su declive. Se convierte en hipocondríaco, toma drogas y en 1925 se suicida junto a su mujer cortándose las venas. 4. EL CINE ITALIANO Y NÓRDICO. 4.1. Cine italiano El cine italiano nació en 1896 con una película llamada Llegada de un tren a la estación de Milán. No se puede considerar realmente el comienzo hasta 1904, cuando se funda la primera productora italiana que se llamaba Manufactura cinematográfica Albertini Santini. Esta productora rodó en 1905 una película de argumento histórico llamada La caída de Roma, se considera el inicio de un tipo de cine fundamental llamado Colosalismo, es el origen de las superproducciones y del cine histórico. El colosalismo es lo opuesto al Film D'Art, intenta desvincular el cine del teatro y hacer un arte independiente, para ello el colosalismo intenta hacer un cine basado en decorados gigantescos, que pueden ser naturales o reproducidos en estudio, evitando en todo caso las telas pintadas tan propias del teatro. La segunda aportación es la aparición de los figurantes, es decir, un cine de masas donde trabajan gran cantidad de actores. Estas películas tienen un argumento de carácter épico donde se cuenta un tema que tenga relación con un hecho histórico importante, pero ese tema épico se mezcla al mismo tiempo con una historia intimista. Otra aportación es el metraje, la duración es ya como las de hoy en día. Movimiento de cámara, utilización de luz artificial con fines dramáticos y uso de grandes planos de conjunto que hasta entonces no habían sido empleados. Con todo esto se hacen una serie de películas: − Los últimos días de Pompeya (1908) − Cabiria (1912 − 13), es una película clave en el cine del colosalismo, la realizó Gianni Pastrane con la colaboración de un fotógrafo de segundo de Chomond y la colaboración literaria de D'Annunzio. El argumento es complicado, gira en torno a las guerras púnicas desde el punto de vista de una historia de amor entre un patricio romano, una princesa cartaginesa y un esclavo: Maciste. Las escenas son magníficas, el incendio de las ciudades romanas, erupción del Etnar y el sacrificio de niños en el templo del dios Baal, que supuso que se compusiese una sinfonía para adornar esta secuencia. Contará con 8

enormes escenografías que se realizan en cartón piedra o madera a escala real. Se emplea por primera vez un travelling como los actuales, que se debe a Chomond que colocó la cámara encima de un carrito y la desplazó por el escenario. A esta forma de desplazar la cámara se le dio en un primer momento el nombre de carello (carrito). La tercera novedad es el empleo de la luz artificial con fines estéticos y dramáticos. Angulación dramática de la cámara, la cámara siempre tiene la misma posición. La última aportación fue la simbiosis entre el aspecto épico y el intimista, esta unión se debía al guión que aunque estaba firmado por D'Annunzio fue escrito por Pastrani. D'Annunzio escribió los diálogos que es lo peor de la película. Los actores que interviene tampoco lo hacen muy bien, el mejor era un actor no profesional llamado Bartolomeo Pagano, hacía de esclavo y se hizo mundialmente famoso. La película se estrena justo antes de la 1ª guerra mundial, no tuvo mucho éxito pero después alcanza gran fama porque influye en el director americano Griffith, que se basa esta película para hacer Intolerancia. En Italia después de Cabiria se rodarán otras como Marco Antonio y Cleopatra, pero ninguna tendrá la importancia de Cabiria. Al mismo tiempo del colosalismo se desarrolla el Populismo, que se basa en argumentos que tienen el carácter de drama naturalista, cuentan siempre historias terribles y acaban en asesinatos. Pasa este tipo a películas de los años 60. Perdidos en las Tinieblas. (1914) En paralelo al populismo y al colosalismo se hacen películas de las vanguardias que son experimentos cinematográficos llevados a cabo por artistas vanguardistas europeos. Destaca Pérfidos, un gran éxito que seguía la estética del futurismo. Al cine italiano se le debe la aportación de la Diva, que es una mujer elegante, sofisticada, gesticulante, caprichosa y devoradora de hombres. 4.2. El cine nórdico. Dinamarca. El cine danés tiene su origen en una productora que se llamaba Nordisk film, que tenía como emblema un globo terráqueo coronado por un oso. Esta productora rodó entre 1906 y 1908 la 1ª película titulada La caza del león, que se rodó en una plaza de Dinamarca decorada con palmeras artificiales. El final era desagradable porque despedazaban al animal, lo que hizo que el ministro de justicia intentará prohibirla por si afectaba la sensibilidad de los espectadores. Otra película importante es Trata de blancas, de 1910, abre el camino del cine erótico. Se inventa el beso realista. Surge otra iconografía femenina, la Vamp, que se encarna en la imagen de una mujer demoníaca pero atractiva que tiene por fin destruir al hombre. La imagen de la Vamp se debe a una actriz llamada Asta Nielsen, que es la 1ª vampiresa de la historia del cine. A partir de esta película se desarrolló un cine de tipo erótico con argumentos de amores imposibles y finales trágicos, películas sin importancia hasta la aparición de Benjamin Christeasen (1879 − 1959) y Carl Theodor Dreyer (1889 − 1968). Del primero hay que decir que comenzó rodando una película policíaca ambientada en escenarios marginales hasta que en 1913 rodó su primera película importante, El secreto de la cruz misteriosa. Después rodó su obra maestra llamada La brujería a través de la historia, rodada en Suecia entre 1918 y 1921. Es una película retablo (cuenta varias historias), sobre la brujería a lo largo de la historia y están documentadas desde el punto de vista histórico porque se sacaron de archivos judiciales s.XVI−XVII. Es una película marginal, estéticamente inspirada en los cuadros de el Bosco y Bruegel, es un alegato contra la injusticia, contra la crueldad y la intolerancia. Hay imágenes muy difíciles de ver hoy en día, imágenes de torturas, aquelarres con sacrificios... El otro gran director es Dreyer, considerado como el cineasta más genial del cine danés y del cine mundial. 9

Tuvo una educación luterana que marcó su vida y sus películas. Se preocupa por la religión, la brujería y el misticismo, lo cual se refleja en sus películas. Dreyer comienza en el cine bastante pronto pero su primera película importante la rueda en 1920, se titula Páginas de Satanás, su estructura la forman 4 episodios donde se muestra al diablo bajo 4 personajes que van sembrando el mal en la tierra. Esta estructuración la toma de Griffith, que rodó como vimos Intolerancia también en 4 episodios. En 1921 rueda El cuarto casamiento de Margaret, que rodó en Noruega con capital sueco. Es una sátira en contra de una costumbre que existía en los países del norte según la cual la viuda de un pastor protestante debía de casarse con la persona que sucedía a su marido. Tuvo un éxito considerable, fue proyectada en diversos países europeos y permitió que Dreyer saliese de su país para rodar en Francia su obra maestra La pasión de Juana de Arco, en 1928, clásico dentro del cine silente. Es una película histórica porque está basada en las actas del proceso que se llevó a cabo contra Juana de Arco en Francia. Basándose en este documento histórico desarrolla una película de carácter psicológico pero real donde cuenta el proceso judicial que llevó a la santa a la hoguera. Desde el punto de vista estilístico introduce novedades, los actores actuaban sin maquillaje, la película está rodada prácticamente toda en primeros planos, también está rodada en interiores con un fondo blanco sin escenografía. Todo eso da como consecuencia una película muy simple, minimalista y muy estilizada. La película está muy bien contada pero la introducción de los rótulos rompe un poco con el ritmo de la película. La protagonista se llamaba María Falconeti. El éxito de esta película fue enorme sobre todo entre los intelectuales. En 1932 rueda La bruja Vampiro, es la 1ª película sonora de este director, le preocupa el tema de la muerte, el mal... La película termina con el muerto dentro del ataúd viendo su propio entierro, esta película fue un fracaso económico e hizo que durante varios años Dreyer no pudiera rodar más películas. En 1942 rueda Dies irrae y en 1955 otra llamada Ordet, que se rueda en Suecia y que es su última película. Dentro del cine nórdico destaca la ESCUELA SUECA, que tiene dos periodos. −1912 − 1925, marcado por una serie de películas consideradas como obras maestras de la historia del cine. −1950 − 1975, marcado por la figura de I. Bergman, que es el que crea el cine sueco de este momento. El cine en Suecia nace en 1907 pero se desarrolla a partir de 1912 con dos directores llamados Sjöström y Mauritz Stiller. Estos dos serán los creadores de la escuela sueca que se caracteriza porque hacen un cine de tradición literaria porque las películas de este periodo están inspiradas en novelas y obras de teatro. Pero al contrario de lo que ocurre en Francia se sirve de la literatura para experimentar nuevas técnicas narrativas fundadas en la indagación psicológica bien de un personaje o de un elemento. Tienen importancia el paisaje que se convierte en el protagonista de la película que influye en el resultado de la misma, en la actuación de los protagonistas y crea el drama de la película. Sjöström (1879 − 1960) vivió en Estados Unidos y volvió a su país donde trabajó en teatro. En 1917 rueda su primera película importante llamada Los Proscritos, que cuenta las desventuras de una pareja que por cuestiones sociales tienen que huir y refugiarse en las montañas de Islandia. El medio físico hostil provoca la tragedia de la película y desencadena el fin trágico de los protagonistas. Después rueda La carreta fantasma (1921). Cuenta una leyenda francesa en la que se cuenta la muerte de un hombre en la noche de San Silvestre que había muerto en pecado y como consecuencia es condenado a arrastrar una carreta y se dedica a recoger los muertos. La película se desarrolla en que ese hombre busca a una persona que haya muerto también en la noche de San Silvestre y que la pueda sustituir en su puesto. La película presenta unas novedades y es que gran parte de ella tiene un desarrollo anacrónico y para hacerlo se recurre a un procedimiento que es lo que se llama flash back, que es una vuelta al pasado. Usa también trucos fotográficos como la sobreimpresión para visualizar elementos fantásticos. También usa el encadenado que es 10

encadenar una escena con otra pero no como un cambio de tiempo sino dentro de una misma escena. Después de esta película Sjöström marcha a Hollywood y rueda La mujer marcada en 1926, que cuenta la historia de una mujer que se desarrolla en Nueva Inglaterra, posteriormente, en el 28, rueda El viento, está protagonizada por Lilian Gish y cuenta la historia de una joven que se casa con un hombre al que no quiere pero que respeta y se va a vivir a un lugar solitario. La intenta violar pero ella mata al agresor y lo entierra, el viento descubre el cadáver y desencadena el drama de la película. El viento a lo largo de toda la película sopla e influye en los protagonistas volviéndolos locos, la película está virada en varios colores. Stiller (1883−1928), era judío y procedía de una familia ruso − finlandesa. Marchó a Suecia huyendo del servicio militar. En Suecia vive hasta 1923 que es la fecha en la que se marcha a Hollywood acompañando a su musa Greta Garbo que fue descubierta por él. Stiller comenzó en el teatro y se aficionó al cine a través de las películas de Griffith. Rodó en 1919 su 1ª película importante llamada El tesoro del Arca, está basada en una leyenda del se XVII, donde se cuenta la historia de una violación de una virgen por parte de tres mercenarios. Esta película influiría en otras de Bergman. La película es muy sombría donde el elemento principal es el paisaje y que contribuye mucho al argumento de la película. En 1923 rueda La leyenda de Gösta Berling, que tendría menor importancia sino fuese por el hecho de que actúa por primera vez Greta Gustaffson que se convertiría posteriormente en Greta Garbo. 5. EL CINE ALEMÁN Se desarrolla sobre todo a partir de la poderosa industria, que dándose cuenta de la propaganda política que podía hacer el cine funda la UFA en 1917. Nació con fines políticos. En 1921 la productora contrata a un colaborador llamado Erich Pommer, que es el auténtico genio de la productora. La productora UFA da lugar a la escuela expresionista alemana que depende estilísticamente de un movimiento artístico que se desarrolla en Europa. El expresionismo es una distorsión sistemática de la realidad y consiste en distorsionar la imagen para expresar a través de ella. La película expresionista por excelencia se titula El gabinete del doctor Caligari, pero previa a esta se rueda en 1923 El estudiante de Praga. Cuenta la historia de un muchacho llamado Balduino que por crear a una mujer vende su imagen reflejada en un espejo y esa imagen se convierte en un asesino. Junto con esta película se rueda otra titulada El Golem, en 1914 que también se considera un precedente al Doctor Caligari. El Gabinete del Doctor Caligari cuenta con un argumento inspirado en una serie de crímenes de tipo sexual que se habían producido en Hanburgo. El guión en su versión original narraba los crímenes cometidos por un sonámbulo llamado Cesare que estaba bajo la hipnosis del doctor Caligari. Esta figura de Cesare es el antecedente de los zombies. Este guión fue llevado a la UFA y se le ofreció a Fritz Lang que lo encontró demasiado truculento y pasó, entonces se lo dieron a un director desconocido llamado Wienne (1881 − 1938). El guión se suavizó con un prologo y un epílogo que convertía todo en las alucinaciones de un loco internado en un manicomio que creía que el doctor al cargo es demoniaco. Este prólogo y epílogo eran necesarios por que de lo contrario parecía un alegato antimilitarista donde se denunciaba al estado alemán que había masacrado al pueblo en su propio beneficio en la 1ª guerra mundial. Una vez que el argumento estaba solucionado, Wiener trató de rodar en vanguardia y para ello contrató a 3 pintores que pertenecían a un grupo de expresionistas alemán llamado Der Sturn. Estos 3 crearon una escenografía fantástica basada en elementos distorsionados como ventanas en formas de flechas, puertas oblicuas, pero todo está pintado, incluso las sombras que producen las cosas. Parece que esto fue a causa de un problema económico. El resultado es una escenografía vanguardista que obligó a los actores a ir dando saltos para poder llegar a la zona de luz, lo que hace que parezcan mimos. Esos actores llevan un maquillaje aumentado y actúan de forma rebuscada. 11

La película sorprendió muchísimo en su momento suponiendo un éxito extraordinario y dando pie a que el cine alemán pasara a la categoría de arte. También dio paso posteriormente a otra película importante expresionista llamada El Gólem, de la que existía una 1ª versión de 1914 pero la que nos interesa es la 1920, fue escrita por Wegener, que será también el protagonista y el director. Cuenta una leyenda sobre una escultura realizada en arcilla a la que le da vida un rabino judío llamado Loew mediante procedimientos mágicos. Esta figura influye para que se evite la expulsión de los judíos de la ciudad de Praga. Toda la película se desarrolla en el barrio judío de Praga y tiene importancia porque la figura de Gólem será el futuro Frankenstein y sobre todo porque la destrucción del Gólem la lleva a cabo una niña que le entrega una manzana. El maquillaje de Gólem es espectacular. F.W.MURNAU (1888−1931).(762) Nació en el seno de una familia acomodada, estudió filosofía, literatura e historia del arte en Berlín. En 1910 entró en una escuela de teatro donde alcanzó un cierto éxito. En esta escuela de teatro fue actor y director y después de ver la película del Doctor Caligari se dedicó al cine. En 1921 rueda Nosferatu el Vampiro, su primera obra maestra, una adaptación libre de la novela Drácula que se publico en 1887. Esta película es de influencia expresionista aunque la va transformando con elementos realistas. Introduce elementos reales en una historia fantástica. El tema de la película es la obsesión por la muerte, felicidad de una pareja perturbada por mar y el papel expiatorio de la mujer que con su sacrificio derrota el mal. Está rodada en exteriores casi toda con lo cual rompe con la estética expresionista y utiliza también recursos técnicos que son de filiación vanguardista como es el acelerado y el ralentí, también el empleo del negativo para indicar el paso de lo real a lo imaginativo. Tuvo un éxito increíble, es lírica y romántica. En el 24 rueda su segunda obra maestra titulada El último. Es ya una película realista pero con algunos toques expresionistas sobre todo en la iluminación. Esta película cuenta la historia de un portero de un hotel de lujo que a causa de su edad es degradado y se le manda al servicio de los lavabos. El hombre se niega y sigue utilizando el uniforme para volver a su casa hasta que es descubierto por los dueños del hotel. Está rodada con una cámara dinámica con muchos travellings sobre todo subjetivo. Usa también los movimientos circulares de cámara y los movimientos de la grúa para utilizar el picado y el contrapicado. Después de esta rueda dos más: Tartüff (1925) y Fausto (1926), pero no son trascendentales. Marcha a Hollywood donde inicia una nueva época, rueda aquí en 1927 Amanecer, donde combina el expresionismo alemán con el expresionismo realista de Estados Unidos. Es una película muy curiosa ya que los protagonistas no tienen nombre. La historia es una aldea donde vive un matrimonio feliz hasta que aparece una mujer que seduce al marido y lo convence para que mate a su mujer, el hombre intenta matarla pero se da cuenta de su error, el azar interviene, hay una tormenta, la mujer desaparece y al hombre intenta matar a la amante. Iconográficamente la película es muy interesante, la buena es rubia y la mala morena, cosa que usan mucho los Estados Unidos. Amanecer obtuvo 3 oscars, muy bien rodada. Después se marcha a los mares del sur y rueda Tabú (1930), esta película la rueda en colaboración con un documentalista Estados Unidos llamado Flaherty. La historia cuenta los amores de dos jóvenes de la isla de Bora−bora que se enamoran y piensan casarse, pero los sacerdotes deciden que la muchacha tiene que consagrarse a los dioses y es tabú para los hombres. Los amantes huyen de la isla, los sacerdotes alcanzan la canoa, cogen a la chica y el muchacho muere ahogado. No tiene nada que ver con el cine alemán, está rodada en exteriores. Murnau rodó en escenarios prohibidos para el hombre blanco, casi le echaron una maldición que se cumplió, se estrelló con su coche cuando iba al estreno de su película. Otro de los grandes directores fue Fritz Lang (1890−1976), junto con Murnau tiene el título de maestro de cine. Estudió bellas artes y estuvo metido en un grupo de vanguardistas. En la 1ª guerra mundial fue herido y escribió guiones en el hospital. Comenzó en el cine en 1919 pero su 1ª película importante fue Las tres luces (1921), que está rodada en Sketches. Se cuentan 3 historias de unos amantes que luchan contra la muerte, en 3 épocas distintas, en la China medieval, en Bagdad en la época de las 1001 noches y en Venecia en la época de los Duce. Aunque está rodada en estética expresionista sustituye los telones pintados por decorados corpóreos que se convierten en la señal de identidad de Lang. 12

Después rueda El Doctor Mabuse, que es una película expresionista policíaca, en ella actúa como guionista la mujer de Lang, Thea Von Harbou, esta mujer trabajará con él en todas sus películas alemanas. Tras esta película rueda en colaboración con su mujer Los Nibelungos (1923−1926), que se divide en dos partes, la 1ª llamada La muerte de Sifilo y la 2ª La venganza de Crimilda, está inspirada en la ópera de Wagner y el guión está escrito por su mujer y tiene bastantes connotaciones nazis. Costó mucho dinero en su época pero la UFA la costeó porque se concibe como una epopeya alemana donde se quiso poner de relieve la supremacía de la raza aria sobre el resto de los pueblos. Para rodar la película se utilizan los interiores y lo que se hace es construir escenarios a escala natural donde se representan catedrales, pueblos y bosques. Utiliza muchos trucos como por ejemplo lagartos maquillados. En este decorado el actor queda subordinado y parece un monigote, es una película fallida desde el punto de vista estético. Otra película es Metrópolis (1926), rodada como consecuencia de un viaje que realiza a NY, le impresionaron los rascacielos y pensó hacer una película basada en la ciudad del futuro, donde las máquinas se encargan de dirigir la ciudad y los destinos de las personas. Se divide la ciudad en dos partes, un mundo exterior donde viven los grandes señores y otro subterráneo donde viven los esclavos dominados por las máquinas, así un hombre crea una mujer, Eva, que incita a los esclavos a revelarse, a destruir a las máquinas pero con un resultado negativo porque los esclavos sufren las consecuencias de su acción. La última escena se desarrolla en el atrío de una catedral con una reconciliación simbólica entre el trabajo y el capital. El mensaje es que el héroe capitalista redime a los obreros de la tiranía de una mujer robot y revolucionaria. La película costó 6 millones de marcos de oro y lo más interesante es el decorado que influyó incluso en la arquitectura real posterior. La siguiente película fue La mujer en la Luna (1929), tras ella hay un periodo de transición en el que se acomoda al cine sonoro. Es la época de M(1931), basada en una serie de asesinatos de niños e interpretada por Peter Lorre en la que fue la mejor interpretación de su vida. El fondo de la película es la culpabilidad, en el sentido de que hasta que punto un hombre es responsable de sus actos y como la sociedad puede ser a veces más cruel que el propio asesino. Es una película que tiene mucho de documental por el hecho de la exhaustiva investigación realizada por el propio Lang antes de empezar el rodaje, investigación en la que se entrevistó con delincuentes, policías y psicópatas de todo tipo. Un rodaje que llevó tan solo seis semanas, la película es de un grandiosos impresionismo plástico y fue interpretada por muchos como una parábola del nazismo, pero pudo ser estrenada sin problemas. Después de M rueda su última película alemana, El testamento del doctor Mabuse (1933), supuso problemas para el director porque su mujer le denunció por ser anti−nazi, sale de Alemania y emigra a Estados Unidos donde continuó su carrera. Películas de Lang en Estados Unidos: La mujer del cuadro (1943) Más allá de la duda (1956), película dotada de u extraordinario suspense en un estilo que recuerda en ocasiones al mejor Hitchcock, un abogado se coloca pruebas falsas que lo incriminan en un asesinato para, una vez condenado a muerte, demostrar que todo ha sido un montaje y que inocentes pueden acabar en la suilla electrica. La película está plagada de tensión y giros dramáticos asombrosos. Mientras NY duerme (1956) El tigre de Singapur (1959) LUBITSCH (1892−1947). Se inicia en el teatro donde fue actor y director. En el 13 pasa al cine como actor, su carrera como director no se inicia hasta 1918, rodando una serie de películas cómicas donde comienza a 13

desarrollar los escenarios lujosos y protagonistas de clase social alta. Posteriormente hace cine trágico sobre todo porque entra en colaboración con la actriz Pola Negri que marca mucho sus películas. Esta línea la rompe en 1923 cuando marcha a Hollywood, algo muy importante en su carrera. En Estados Unidos desarrolla una serie de películas que crean escuelas llamadas películas de alta comedia. Escenarios lujosos donde se maneja la trivialidad de los protagonistas y todo se arregla siempre en relaciones íntimas (dormitorios), por ejemplo El desfile del amor (1929) o Ser o no ser (1942) que es una auténtica obra maestra en forma de denuncia al nazismo. Los aspectos elegantes y sofisticados compondrán el llamado Toque Lubitsch. LENI RIEFENSTAHL (1902− ) merece mención aparte, directora de El Triunfo de la Voluntad, película − documental sobre Hitler y los nazis que marca la gloria y la desgracia de la extraordinaria directora; la gloria por tratarse, en opinión de muchos, de la mejor película propagandística de la historia, y la desgracia porque marcó el resto de su vida, recibiendo críticas de enorme envergadura por la naturaleza política de la misma. Riefenstahl siempre ha señalado que sus intenciones eran meramente artísticas, pero nunca se ha logrado librar de estigma nazi. Dirigiría también Olimpiada, película que abre el camino a técnicas ahora usuales como la cámara oculta, cámara lenta, hacia atrás etc... siempre al servicio de la belleza estética de los cuerpos y de la emoción de la competición. Tras el juicio de Nuremberg, donde salió absuelta, se fue a filmar tribus africanas (también recibiendo críticas por el culto a la belleza de los cuerpos) y, tal vez en un intento de evitar que le dieran por ningún lado, documentales sobre la vida submarina que, una vez más aun siendo Leni septuagenaria, abrían nuevos caminos al lenguaje cinematográfico. Pero la polémica sobre su ideología y su vinculación con Hitler han impedido que sea reconocida como merece por su inagotable genio creador. 6. EL CINE SOVIÉTICO. El cine soviético se inicia con una proyección de Lumiere en 1896, por una serie de cuestiones hasta 1907 no se inaugura el primer estudio cinematográfico en Rusia. Harán un cine anodino, copiando las películas francesas y dejándose influir por el cine alemán y danés. En 1917 todo cambia con la revolución soviética, los nuevos gobernantes se dan cuenta del enorme poder del cine y deciden firmar un decreto que nacionaliza el cine ruso en 1919 pasando el cine a depender políticamente del comisariado de educación del pueblo. En septiembre del 19 se crea en Moscú la escuela cinematográfica del estado bajo la dirección del realizador soviético Bladimir Gardia, que es el creador del cine bolchevique. Como la situación política y económica no era buena hasta 1922 no comienza realmente la producción de películas en Rusia. Se produce con una frase que lanzó Lennin que se convertiría además en una consigna: De todas las artes el cine es para nosotros la más importante. A partir de aquí un grupo de jóvenes pertenecientes a los vanguardistas, con el apoyo del gobierno soviético iniciará una revolución cinematográfica que tiene como consecuencia uno de los momentos más espectaculares de la historia del cine. DZIGA VERTOV (1896−1954). Era de origen polaco, comenzó su carrera como poeta, de ahí pasó al teatro y por último a la música. Como músico futurista fundó en 1916 un estudio que llamaba laboratorio del oído, donde hacía música concreta, que era grabar ruidos en un fonógrafo. En 1922 se pasa al cine y funda una revista filmada que llamó Kino − Pravda (cine − verdad), era una revista visual, asociada al periódico oficial del PC que se llamaba Pravda. En esta revista comienza a aplicar una forma extremista que llama el cine ojo, consiste en decir que la puesta en escena, los guiones, los actores, los estudios y el argumento eran invenciones burguesas y que había que destruirlas para conseguir el cine en su esencia más pura que era el cine objetivo, un cine que se dedicaría a representar la realidad fielmente. Eso no se puede hacer porque solo con el encuadre que hace el realizador ya estamos tratando de un aspecto subjetivo. Con este sistema de cine ojo rodó 23 Kino−pravda entre 1922 y 1925. Fotografía episodios del cuadro 14

contemporáneo que le interesan. Después se dedica al largometraje, en 1926 rueda Adelante, soviet, que narra la historia de los soviets de Moscú haciendo un montaje paralelo entre escenas del pasado y del presente. Utiliza la cámara oscura. En 1926 rueda La sexta parte del Mundo, donde descubre la grandiosidad de la URSS. En 1928 rueda El undécimo año, donde habla sobre los adelantos de la URSS a lo largo de los 11 años del triunfo de la revolución. Tiene un plano final que es una sobreimpresión donde se va hacia sobre un plano de agua que cae sobre una prensa. En 1929 rueda su obra maestra llamada El hombre de la cámara, el protagonista es la propia cámara. Lo que muestra en la película es el proceso de fabricación de una película siguiendo la trayectoria de un operador de cine que con su cámara al hombro va rodando lo que se ve en la ciudad. Se utiliza un montaje rítmico, sobreimpresión, exposición múltiple, muchos movimientos de cámara y variaciones de velocidad. Vertov cae en desgracia y pasa al olvido, pero 30 años más tarde los kico−pravda fueron traducidos al francés y dieron su nombre a una escuela de reportajes francesa y le dieron el nombre de Cinemá Verité que es lo que pone de moda en Europa Occidental el cine de Vertov y lo que reivindica su actuación vanguardista en su cine. LEV VLADIMIROVIK KULECHOV (1899−1970) Es contrario a Vertov en su concepción del cine, en cuanto él consideraba que el montaje era el principal medio de expresión cinematográfica. Defendía que el cine depende de la función que se le asigna a sus imágenes y que un plano tiene valor en sí mismo. Pero también lo tiene en relación con el plano que le precede y el que le sigue. Fue operador del noticiario del ejército rojo en 1921 entró como profesor de cine en el instituto inicial de Moscú donde desarrolló una función vanguardista que dio a conocer en 1922 que se conoce como laboratorio experimental que consistía en película sin película, es decir, realizar fotografías fijas y a través del montaje contar una historia. Lo hizo porque en Rusia no tenían películas vírgenes, pero tuvo como resultado un tipo de montaje que se difunde entre cineastas y que está en el origen de un tipo de cine de aspecto psicológico que se basa en el poder de la imagen para transmitir sentimientos, se sabe que incorporó en su laboratorio un tipo de experimento que consistía en infundir cargas emocionales de diversos siglos en un único plano inexpresivo de un actor que según el contenido del plano que se le añadía cambiaba la concepción de la imagen. Siguiendo este mismo experimento crea una mujer imaginaria con los ojos, la boca... de distintas personas. Estos experimentos no los aplicó en ninguna de sus películas que tampoco fueron muy importantes. Una de las mejores fue Las aventuras extraordinarias del señor West en el país de los bolcheviques (1924), que es una sátira sobre un viaje de un senador norteamericano en Rusia. En 1926 rueda Dura Lex, con la que tuvo problemas con la censura hasta el punto de que tuvo que apartarse del cine durante algún tiempo. En 1944 fue rehabilitado políticamente y nombrado director de la escuela de cine. S.M.EINSESTEIN. (1898−1948) Es un maestro del cine, se educó en la escuela de ingeniería de San Petesburgo, fue un gran amante del arte, fue decorador escenográfico y un excelente pintor de carteles. Su carrera profesional la inicia en el teatro presentando espectáculos teatrales de tipo vanguardista que ignoraban las reglas de las tres unidades: espacio, lugar y tiempo. Basándose en este tipo de teatro experimental en 1923 comienza su relación con el cine publicando un artículo llamado El montaje de atracciones, en el cual defendía la postura de que el cine debía emplear imágenes estéticamente agresivas para impactar el ánimo de los espectadores y con ello conseguir una mayor atracción hacia lo que se veía en la pantalla. Hasta entonces los cineastas evitaban lo desagradable, no apareciéndose en escena y se desarrollaba una elipse. Pone en práctica su teoría en su primera película titulada La huelga (1924), en la que cuenta la historia de unos huelguistas aplastados por los soldados del zar, es una película coral porque no existe un protagonista, los protagonistas son la masa. Se desarrolla entre el realismo documental e imágenes que son metáforas 15

simbólicas. La escena más famosa de la película es una donde se desarrolla un montaje paralelo, aparece representada la matanza de los huelguistas y su familia por parte de los soldados intercalada por planos donde aparece una matanza de cerdos. Fue presentada en la exposición de arte decorativo en 1925, obtuvo una medalla de oro, pero no tuvo éxito. El acorazado Potemkin (1925), considerada una obra maestra. Formaba parte en principio de un proyecto encargado por el PC soviético de rodar una especie de fresco histórico compuesto por 8 películas donde se rindiese homenaje a los acontecimientos revolucionarios de 1905. De estas 8 solo se rodó El acorazado Potemkin, que cuenta un episodio de la revolución de 1905. Durante la guerra ruso − japonesa produjo malestar entre la población rusa y se levantó un movimiento revolucionario para que Rusia se retirara de la guerra. Parte de la tripulación de un acorazado se unió a los huelguistas en contra de la guerra y participaron en una revuelta que tuvo lugar en Odessa y que acabó con el aplastamiento de la población civil. El barco pudo escapar de la persecución zarista e huir a Rumania aunque posteriormente le devolvieron a Rusia y allí fueron ejecutados sus marineros, ese final no aparece en la película. Se rodó en escenarios naturales que no eran los mismos que los de los hechos reales, para rodar las escenas del Potemkin emplearon un barco gemelo que todavía se conservaba y se dividió la película en 5 actos como si se tratase de una tragedia clásica. En el primer acto el mal estado de la carne provoca el descontento de la tripulación. En el segundo acto se muestra la represalia del comandante del buque, lo que provoca el motín dentro del barco. En el tercer acto un marinero muere y es llevado a Odessa donde surge la solidaridad del pueblo con los marineros del Potemkin. En el cuarto acto las fuerzas zaristas cargan contra la población civil en las escalinatas del teatro de Odessa y provoca la matanza de la población. En el quinto acto el barco vuelve a la mar, se encuentra con la escuadra zarista pero los marineros en solidaridad con sus compañeros del Potemkin levantan los cañones y les dejan pasar. Es una película con ausencia absoluta de movimiento de cámara a excepción de dos travellings. Es de tipo coral, los protagonistas son actores no profesionales. Crea el tiempo artificial, es decir, prolonga el tiempo real de una escena haciéndola más larga que lo que es en realidad. El interés dramático va aumentando hasta llegar a un impacto visual insuperable. La secuencia más importante es el cuarto acto, que comienza con unos primeros actos y que termina de una forma impresionante. El cierre de la secuencia es cuando los cañones del acorazado disparan contra los soldados para intentar salvar a sus compañeros. Así introduce una metáfora visual que consiste en una toma de un león de piedra primero dormido, luego despertándose y finalmente rugiendo, hace alusión al levantamiento del pueblo que no puede aguantar más su situación. La siguiente película es Octubre (1927), relata los acontecimientos de la revolución de 1917, fue un encargo del PC soviético, es también una película coral como de costumbre pero cambia el aspecto estético, es barroquizante, con montaje de tipo alegórico. La película tuvo un problema y es que salía mucho Trosky, que fue expulsado del comité y obligaron al cineasta a suprimir todas sus apariciones en escena, lo que le hizo tener que volver a montar la película con un montaje muy deficiente. Después de 1929 rueda La línea general. Es una película de tipo didáctico y propagandístico, hecha para dar a conocer los métodos de cultivo y la abundancia de la URSS. Héroe individual que lo encarna una mujer prototipo de la mujer revolucionaria. Tras esto, Einsestein marcha a Estados Unidos con la idea de estudiar el cine sonoro, una vez allí estuvo durante algún tiempo, surgen problemas con el gobierno soviético y marcha a México donde rueda Qué viva 16

México (1931−1932), que no llegó a montar por una serie de problemas. Vuelve a Rusia con bastantes problemas políticos y rueda dos películas sonoras, Alejandro Naski (1938) e Iván el Terrible (1945−1946). Estas dos últimas están concebidas como una ópera, estéticamente muy bellas pero con poco éxito. V.I. PUDOVKIN (1893 − 1953). Se formó en la facultad de física y matemáticas de la universidad de Moscú y llegó al cine a través del laboratorio de ... . Rueda tres películas importantes: La Madre (1926), es una adaptación de una novela de Gorki donde se cuenta la historia de una mujer proletaria que toma consciencia de su situación política a través de la actuación política de su hijo. El fin de San Petesburgo(1927), la hace para conmemorar los 10 años del triunfo de la revolución. El protagonista es un campesino que se convierte en revolucionario cuando llega a la ciudad en 1917. Y Tempestad sobre Asia(1928), su argumento es anticolonialista donde un cazador se revela contra los intereses de los ingleses que querían convertirlo en un líder político para que actuase en contra de su pueblo. Son tres películas de corte revolucionario pero también romántico y con una gran preocupación por lo social y psicológico, donde siempre hay un protagonista que representa siempre a una determinada clase social que toma consciencia de su situación social y política. Es un cine de actores, siempre se trata de profesionales, todas las películas de Pudovkin están realizadas sobre guiones perfectos, de hierro... que le permiten una complejidad en la acción, películas que se basan en la técnica del montaje porque decía que era esto el fundamento del arte cinematográfico. A. DOVJENKO (1894 − 1956) Dos películas importantes: Arsenal(1929), rodada en Ucrania, trata de la guerra y la revolución en este país. La tierra(1930), está centrada en el desarrollo de la vida de los campesinos. 7. LOS COMIENZOS DEL CINE NORTEAMERICANO: HOLLYWOOD Tiene su origen en la obra de Edison, que se inicia en el laboratorio de Nueva Jersey. Comenzó proyectando películas en el quinetoscópio pero por influencia europea Edison renuncia al quinetoscópio y proyecta finalmente en cinematógrafo, lo que tiene curiosas consecuencias. El problema de Edison es que tenía el control del quinetoscópio y el cinematógrafo llegó para romper su monopolio, de manera que quiso apoderarse también de su patente, para lo que inicia una ardua batalla legal, intentando agrupar bajo su mando todas las productoras americanas y los consiguió aunar bajo su productora, Trust. Todos los exhibidores estaban obligados a pagar a Trust 5000 dólares anuales y dos semanales por cada película que proyectaban, solo se podían proyectar películas rodadas por la compañía de Edison y los proyectores también debían ser producto de su elaboración. Ante tal situación , un grupo independiente se revela agrupándose en el llamado grupo los independientes que se niega a pagar el impuesto y a aceptar ninguna de las condiciones de Edison. Esto dio lugar a la llamada guerra de las patentes. Como consecuencia de la lucha parte de los productores se marchan a California, cercano a México, para poder largarse con el material al país vecino en caso de que la policía fuera a por ellos. En 1913, un productor llamado W. Fox llevó ante los tribunales de Nueva York a la Compañía de Edison acusándolos de violar una ley llamada anti − Trust firmada en 1890. En 1917 el tribunal falla a favor de los independientes y acaba teóricamente con el monopolio, lo que permite de una vez que la industria se desarrolle con normalidad. Los independientes estaban formados por personas mayoritariamente judías, 17

procedentes de Europa, ellos fueron los que dieron lugar a las grandes compañías que han llegado hasta nuestros días. En 1907, un productor y realizador llamado Selig se desplaza a Los Angeles para rodar El conde de Montecristo, poco después se trasladan otros productores a California debido a: • El buen clima. • Unos costes mucho más baratos. • Mayor diversidad de paisajes. • La cuestión ya mencionada de la proximidad con México. En 1913, Cecil B Mille marcha a California a rodar un western y descubre un establo en un pueblo llamado Hollywood, manda un telegrama a su productora para poder rodar allí, la productora acepta y ese es el origen de Hollywood. Las primeras salas de cine de América son llamadas Níquel Odeón (la entrada costaba un níquel) Dentro de los pioneros es obligado citar a Edwin S. Porter (1870 − 1941), era un marinero de origen escocés que decidió rodar películas. Era un admirador del cine de Méliès y estudió todas sus películas hasta que en 1902 filma la primera importante suya, Salvamento en un incendio, donde intercala escenas documentales reales de bomberos en incendios entre otras de ficción rodadas por él, las imágenes eran dramáticas, sobre todo la escena de una madre y su hijo dentro de una casa en llamas. Con este material montó una película con la alteración de acciones paralelas, se contaba la acción de los bomberos y la angustia de las familias. Porter utiliza muy bien la alternancia y lo hace de tal manera que sienta las bases del cine americano de suspense. Otro recurso que usa es el primer plano. En 1903 rueda su obra maestra, Asalto y robo de un tren, considerada como el primer western de la historia del cine. Establece todos los elementos obligatorios dentro del género del Oeste. El argumento es el siguiente, dos bandidos enmascarados obligan a un telegrafista a parar un tren, lo roban y salen huyendo, les persigue el Sheriff y son atrapados, la película acaba con un primer plano del jefe de los bandoleros disparándole a la cámara. La cabaña del tío Tom (1903) La cleptómana(1906), utiliza de nuevo un montaje alterno, mostrándose la distinta consideración de la ley ante una mujer rica que roba por enfermedad y una mujer pobre que roba por hambre. 8. LA ERA DE LOS ESTUDIOS: EL AUGE DE LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA NORTEAMERICANA. D. W. GRIFFITH (1875 − 1948) Comenzó trabajando como actor y en 1908 debuta como realizador en la compañía Biograph, mientras dura su contrato en esta compañía rueda películas cortas y descubre una serie de actores que trabajarán con él. Estuvo investigando el lenguaje cinematográfico, de modo que no es el inventor de muchos de estos elementos, pero sí el que los convierte en un medio de expresión. Las aventuras de Dorotea(1908), en ella emplea la acción paralela y utiliza el flash back. La conciencia vengadora(1914), utiliza mucho los primeros planos y la profundidad del foco. Ramona(1910), emplea el primer plano general de la historia del cine. 18

En colaboración con un fotógrafo llamado Bitzer empleó la luz como iluminación dramática y de contrastes, empleada por vez primera en Edgard Allan Poe(1909). Rueda su primer largometraje, llamado El nacimiento de una nación, en 1915, basado en una novela llamada El hombre del clan, de Dickson, donde se narraba la actuación del Ku Kux Klan al acabar la guerra de Secesión norteamericana. A parte de su carga racial es una película clave en la historia del cine sobre todo desde el punto de vista técnico. Dura 2 horas y 45 minutos, tenía doce rollos, empleando el montaje paralelo de forma definitiva, pero falla en la dirección de los actores y en el argumento. Intolerancia(1916) cuesta dos millones de dólares, la película en principio estaba concebida con argumento clásico, se contaba la historia de un obrero condenado a muerte que es indultado en el último momento. El propósito de Griffith era montar un alegato contra la intolerancia. Rueda tres episodios más la caída de Babilonia, la pasión de Cristo y la matanza de los luganotes(¿), tres conceptos clave donde la intolerancia religiosa supera a la razón. Con esos tres episodios y con La madre y la ley la 1ª monta la película Intolerancia. En principio tuvo un montaje de tres horas. Salta de un episodio a otro, el leif motiv es el concepto de la mano que mece la cuna. Es la 1ª película acronológica de la historia del cine y tiene una gran influencia en el campo de la literatura. Después de esta película cambia de compañía y forma United Artists, donde rueda Lirios Rotos o la culpa ajena(1919) y Las dos tormentas(1920). A partir de aquí decae su cine, que acaba con una película hablada, Abraham Lincoln(1930) 9. EL CINE SONORO Nace como consecuencia de una crisis económica, en 1926 los hermanos Warner, huyendo del crack económico, deciden incorporar a sus películas alguna novedad técnica que estimule al público en tiempos de crisis a pagar una entrada, así surge el cine hablado. La 1ª película sonora es El cantor de Jazz, protagonizada por Al Johnson, estrenada el 6 − 10 − 27. Es una película muy mediocre realizada por Alan Crosland, fue sonorizada mediante un sistema patentado por los Warner llamado Vitaphone, se trataba de grabar discos gramofónicos para grabar la voz aunque posteriormente se utiliza un sistema más adelantado que consiste en fotografiar las oscilaciones sonoras sobre la película. La implantación del cine sonoro supuso ventajas e inconvenientes, entre las ventajas esta el hecho de que se duplicó el nº de espectadores, entre los inconvenientes el desastre que supuso para muchos estudios y salas de proyección la adaptación. De cualquier modo contribuyó a aumentar el realismo del cine en cuanto desde el punto de vista narrativo se ahorraban planos innecesarios y rodeos visuales que la imagen muda necesitaba en ocasiones para indicar algo. A partir de ahora cambia la manera de hacer guiones. El cine sonoro tuvo que luchar contra los puristas del cine, que decían que el cine era el arte de la imagen y no del sonido. Para hacer cine sonoro se necesita la banda sonora de la cinta, que es donde se registra el sonido, óptica o magnéticamente. Se obtiene de forma óptica fotografiando el sonido sobre el celuloide, y magnéticamente gravando el sonido en una cinta magnetofónica muy fina que se pega a la película mediante un celuloide llamado Mezcla. Dentro de la bandas sonoras existen los llamados tres niveles de sonido: − La voz humana. 19

− Ruidos y efectos sonoros. − La música. En el primer nivel (voz humana), se entiende como tal tanto los diálogos de los personajes como los comentarios de un narrador que puede aparecer o no en pantalla. Si la persona que está hablando no aparece en pantalla es lo que llamamos voz en off, es una reminiscencia literaria, el narrador. El diálogo siempre tiene que tener una sincronía con la imagen, y obligan a la planificación de la película. El segundo nivel (ruidos y efectos sonoros) es también muy importante, se manipulan mucho los ruidos porque en una banda sonora no se pueden reproducir todos los sonidos que oímos en la realidad sino que hay que potenciar aquellos que interesan para la película, suprimiendo o degradando los otros. Los ruidos y efectos sonoros que se producen en pantalla son los llamados evidentes, los que están fuera son los llamados latentes. El tercer nivel (la música) se distingue también entre la que se produce dentro de la pantalla, la música en off y la música de fondo, es una música que nunca debe estorbar a la imagen porque actúa a un nivel sensorial diferente. La música de fondo hay que oírla pero no escucharla, vemos las imágenes, escuchamos las voces y oímos la música. (¿? ). GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS. Se entienden diversas manifestaciones de una forma de cine donde siempre existe lo obligatorio y lo prohibido. Algunos de los elementos que deben aparecer obligatoriamente en esa película para considerarla dentro de un género y otros elementos que no deben aparecer nunca. Con la evolución de los géneros esos elementos obligatorios y prohibidos han ido mezclándose. Dentro del género veremos el documental, el cómico y el del oeste, es en los Estados Unidos donde se inventa el cine de género. A. EL DOCUMENTAL El documental es creado por Flaherty (1884 − 1951). Pertenecía a una clase social acomodada pero a causa de una crisis económica emigran a Canadá donde Flaherty estuvo en contacto con la naturaleza, de ahí vino su gusto por el modo de vida salvaje. Su primera película se titula Naouk el Esquimal (1920 − 22). Rodada en Alaska, en ella se cuenta la vida de una familia esquimal. Para rodar esa forma de vida tuvo que forzar la forma habitual de vivir, con eso el documental deja de tener un carácter científico y pasa a ser un documental dramatizado. El rodaje se hizo in situ, fue duro por las condiciones climatológicas, que hacían que se congelaran las cintas, hubo que montar un estudio de revelado. No tuvo éxito en Estados Unidos pero sí en Europa. Después rueda Moaca (1925 − 26) en Samoa, se cuenta la vida de un cautivo que se enamora de la muchacha de la tribu. La importancia de la película estuvo en una cuestión de tipo técnico debida a la casualidad. Hasta este film el sistema de rodaje era ortocromático, sensible a todos los colores excepto al rojo, que se obtenía buenos contrastes entre blanco y negro pero le faltaban matices al gris. Por un problema se le acabó la película ortocromática y empezó a usar la parcromática que es sensible a todos los colores, el resultado fue bueno porque rodando con película parcromática conseguía una gran calidad en las tonalidades, se usara a partir de entonces. Después colabora con Murnau en Tabú, y en 1934, Flaherty se traslada a Europa y rueda Hombres de Arán, 20

donde se cuenta la vida de los pescadores de la isla que vivían de la pesca del tiburón. La película resulta sosa, el sonido es malo pero sigue interesando por el uso de la cámara y por la fotografía. B. CINE CÓMICO AMERICANO. El cine cómico se inventa en Francia con la regadora de los Lumiere pero alcanza su apogeo en Estados Unidos entre el 12 y el 30, que se conoce como la edad de oro de la comedia. Dentro de este periodo destacan Mack Sennett (1880 − 1960), que comienza trabajando como ayudante de Griffith pero en 1912 funda su propia productora y se dedica a hacer cine burlesco. Esta productora creada por él se llamará Keystone y con ella rodará más de 1500 películas a lo largo de 18 años. Dentro de esas películas se crean elementos clásicos de la comedia americana, basados en el chiste visual que es una situación cómica que se entiende sin necesidad de palabras. Asociado con esto se encuentra el tortazo, que cuando se emplea mucho se habla de las comedias de tarta de avena. El tortazo nació por casualidad. También se pone de moda otro elemento que son los policías burlescos que son personajes gordos con grandes bigotes que se pasan toda la película corriendo. También nos encontramos a los bañistas, que salen en la película haga falta o no. Con estos elementos el cine cómico se llena de persecuciones, caídas, porrazos, patadas, todo en lo llamado orgías de destrucción, todo se destruye porque forma parte de la esencia del cine cómico de Estados Unidos. El montaje que hacen en estas películas es muy bueno, les proporciona un ritmo trepidante que mantiene la atención del espectador. Dentro de este cine cómico destaca la figura de Charles Chaplin (1889 − 1977). Inglés de nacimiento, tuvo una dura infancia, trabajaba en circos y teatros hasta que fue contratado junto a su hermano para trabajar en Estados Unidos, donde se estableció. En 1913 entró en la compañía de Sennett y rueda 35 películas, todavía no había creado a Charlot. A partir de 1914 se independiza de Sennett y crea a Charlot, un vagabundo que lleva siempre bombín y grandes zapatos, y que siempre se mete en líos. Rodará multitud de películas como Charlot. En 1915 abandona Keystone y funda su propia productora, donde rueda 14 películas. Son películas cómicas con un fuerte carácter satírico donde se juzga a la sociedad de forma terrible. Siempre lo hace con una enorme ternura que hace que sus películas emocionen, forma elegante, inteligente y aunque manipula nuestros sentimientos no se le nota. Detengámonos en sus películas más destacadas. El Chico (1921). Es su primer largometraje, es autobiográfico porque introduce muchas cosas de su propia vida, es sentimental, argumento de folletín... muy bien rodada. Una Mujer de París (1924). No tuvo éxito porque Chaplin abandonó su personaje de Charlot y rueda como un personaje normal. Se considera como una de las primeras películas psicológicas de la historia del cine. Cuenta la historia de unos amantes que por equívocos separan y cuando vuelven a encontrarse resulta han amargado sus vidas. La Quimera del Oro (1925). Es una película tragicómica donde se muestra la soledad de un hombre en busca de la felicidad. La película ha envejecido muy mal. Tiempos Modernos (1936) El Gran Dictador (1940). Chaplin hace una sátira de Hitler y de Mussolini, una de las películas más duras contra el fascismo. Otro gran personaje del cine cómico es Buster Keaton (1895 − 1966). Durante mucho tiempo un poco a la sombra de Chaplin pero hoy tiene tanto prestigio como él. Comenzó con Seamett y fue actor. A diferencia de 21

Chaplin no crea un personaje fijo pero sí un elemento común: nunca sonríe en pantalla... ni fuera de ella (bajo contrato). El personaje que crea es un soñador inadaptado pero que a costa de su perseverancia y sobre todo de su suerte sale airoso de situaciones incómodas y embarazosas. Fue más minoritario que Chaplin y no volvió a rodar grandes obras a partir de los primeros años del cine sonoro. El Moderno Sherlock Holmes (1924). Se crea el chiste mecanizado: una motocicleta arranca y el pasajero del sidecar se da cuenta de que no hay conductor. Introduce un elemento que inspirara décadas más tarde al mismísimo Woody Allen: el cine dentro del cine. El Maquinista de la General (1926). Una de las mejores comedias de la historia. Llena de persecuciones, aporta a la guerra de secesión americana lo que Chaplin aportara a la época del oeste con La Quimera de Oro, o Griffith en El Nacimiento de una Nación. El Maquinista es, además, todo un canto al triunfo de la voluntad. Paradójicamente, la obra maestra de Keaton significó el comienzo de su declive a nivel de éxito en taquilla. Las tres Edades parece una parodia de la Intolerancia de Griffith, se muestran tres historias de amor en tres épocas distintas: la prehistoria, el imperio romano y los años 20. C. EL WESTERN El western es un género que tiene como creador a T. H. Jauce (1882 − 1924), que nació en el seno de una familia de actores y trabajó a partir de 1911 como director de cine en una productora, productora con la que acabó peleándose y comenzó a trabajar exclusivamente en cine de western estableciéndose en L. A. Potencia en América la utilización del guión, que en el cine no sonoro no era obligatorio. Dentro de los guiones, el guión es el boceto de la película. Existe el guión literario y el guión técnico. El guión literario es la expresión escrita de las imágenes contenidas en la futura película. Dentro de los guiones literarios se distinguen guiones originales (escritos exclusivamente para la película) y adaptados, en este último caso hay que reconvertir el texto a otro medio de expresión distinto de aquel para el que ha sido concebido. Las versiones son un aprovechamiento parcial de algunos elementos que aparecen en una obra de teatro, novela... a este tipo de guión se le llama también versión libre. El guión técnico es la expresión por escrito de todas las piezas técnicas de la película, aparecen los planos, su encuadre, las tomas... Cuando el guión está bien hecho la película nunca falla. A estos también se les llama guiones de hierro. El western es un género típicamente norteamericano que se crea para llevar al cine la epopeya de los pioneros norteamericanos, tiene como elemento característico que no es una apropiación de un género ya existente sino que es una manifestación artística nueva. Los argumentos siempre narran algún episodio de la historia de los Estados Unidos centrada en la época de los pioneros y colonizadores que abarcan 1865 − 1895. Al ser un periodo reciente muchos de los personajes que aparecen en los western son reales, tuvieron su nombre propio y eran famosos, eso ha llevado a historiadores del cine a pensar que el western puede ser considerado cine histórico. Los elementos visuales que participan son escenarios naturales donde se celebran grandes cabalgadas, persecuciones, tiroteos y ataques de los indios. Los personajes se dividen en buenos y malos, los buenos suelen ser los blancos y los malos indios, mexicanos. Las figuras femeninas son de dos tipos, la chica de salón y la dama elegante, que siempre viene del este y 22

aporta los valores de la civilización a un territorio no civilizado. Todos estos personajes tienen una iconografía particular, de manera que con solo verlos ya sabemos si son buenos o malos. A partir de Flecha Rota(1950) se comienza a cambiar la opinión que se tenía del indio y deja de ser el malo de la película para verlo desde un punto de vista histórico (masacre del pueblo indio) El western europeo tiene su sede en Almería, el llamado spaguetti western, un ejemplo sería El bueno, el feo y el malo. Dentro del western el director por excelencia es John Ford, como característica de sus películas destacamos en primer lugar la utilización del paisaje, casi siempre el valle monumental, en el paisaje sitúa el hombre montado a caballo que se recorta sobre el horizonte. Ford era conservador y eso se manifestaba en sus películas donde siempre ensalza el hogar, el heroísmo, el amor a la patria y a la familia... − La Diligencia (1939). Tiene una secuencia memorable, el ataque a la diligencia por parte de los indios, que no fue rodada por Ford sino por el equipo de la segunda unidad. Es un guión adaptado de una obra del escritor francés Mounpasan. − Pasión por los fuertes (1946) − Centauros del desierto (1956) Tres películas que rueda con su actor favorito: John Wayne, son: − Fort Apache − La legión invencible − Río Grande Ford no trató bien en sus películas a los indios y sus problemas hasta que en 1964 rueda El Gran Combate, donde muestra los acontecimientos desde el punto de vista de los indios. 10. LAS ESCUELAS EUROPEAS. FRANCIA (del Realismo Poético francés a la Nouvelle Vague) El grupo de cineastas franceses que se conoce como los impresionistas (no porque tenga nada que ver con el impresionismo pictórico sino para distinguirlos de los expresionistas alemanes) está formado por 5 directores: L. Delluc (1890 − 1924) G. Dullac (1882 − 1953) Epstein (1899 − 1979) M. L'herbier (1888 − 1979) Abel Gauce (1889 − 1981) Estos directores defendieron la idea de que el cine a parte de servir para contar una serie de historias podía servir para expresar problemas psicológicos facilitando el traducir imágenes a objetos, personas que hasta 23

ahora solo existían en el subconsciente o en la memoria. Delluc fue uno de los primeros grandes críticos de la historia del cine, lo consideró como el 7º arte pero realmente no fue él el primero en defenderlo sino un crítico italiano: Casudo. Delluc fue el primero que definió en su crítica que el cine era un arte totalmente distinto a la pintura, teatro... Fundó el primer cineclub de la historia en 1920 en París, fue también el fundador de la revista Cinema, que apareció en 1921, pionera de todas las literaturas sobre cine. Como director fue menos brillante: − La mujer de ninguna parte (1922). Se cuenta la vida de una mujer burguesa que por un amor abandona todo y acaba contándole su experiencia a una chica joven para evitar que esta cometa el mismo error. Dullac fue teórica y directora, trabajó en el campo del documental y se dedicó a hacer experimentos con la imagen en relación con los ismos. − La Concha y el clérigo (1927), historia de deseo, con gran cantidad de imágenes que pertenecen al sueño. Epstein era de origen polaco, cineasta, filósofo y poeta. Le interesó plasmar el pensamiento y la percepción del tiempo, lo vemos en: − El espejo de tres Lunas (1928). Tres mujeres distintas hablan sobre sus tres hombres que resultan ser la misma persona. − La Caída de la Casa Ugher (1928), basada en un cuento Alan Poe, es una película de misterio con atmósfera siniestra que se e parece al expresionismo alemán. Se experimenta con el tiempo real y con un tiempo que se produce en otra dimensión. L'Herbier comienza su carrera como guionista, pasando después a la dirección. − El Dorado (1921) es un melodrama ambientado en Andalucía, donde una bailarina española se enamora de un pintor. Se utiliza la técnica del Hov que sirve para desvanecer los contornos. Gance es uno de los directores más originales de la historia del cine, comienza en el teatro como actor y como autor, se pasa al cine en 1914 cuando la productora Film D'Art le encarga una película titulada Drama en el castillo de Acre. En 1918 rueda su 1ª gran película, Yo Acuso, basada en los horrores de la 1ª guerra mundial donde se plantea un paralelismo entre la historia amorosa y el enfrentamiento de dos pueblos que antes de la guerra eran vecinos y amigos. Tiene una escena donde los muertos se levantan de su tumba para volver a su casa. En 1927 rueda su obra maestra, Napoleón, es un tríptico que se desarrolla en torno a la figura de Napoleón Bonaparte, desde su infancia hasta el inicio de la campaña de Italia, pero se centra en la época revolucionaria. La película es muy larga pero se conoce por una versión de 225 minutos que está dividida en dos partes. Gance la concibió para ser proyectada al mismo tiempo sobre tres pantallas, en este sentido es el antecedente del cinerama, la película es de un loco enamorado de la figura de Napoleón al que trata como un héroe y todas las escenas le intentan potenciar. Es una obra muy barroca, durante mucho tiempo fue imposible de ver hasta que, en 1981, Coppola estrenó la versión restaurada por el instituto británico de cine, es la versión que actualmente se puede ver. Posteriormente al grupo de los impresionistas se desarrolla otro tipo de cine que se conoce con el nombre de realismo o naturalismo poético, cuyos argumentos se basarán en temas o espacios populares de la manera en la que lo había hecho en el siglo 19 el naturalismo literario.

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Vigo (1905 − 1934) era un hombre solitario, durante mucho tiempo se mantuvo contracorriente negándose a rodar con sonido. − A propósito de Niza (1929 − 1930) la hizo con la ayuda de un hermano de Vertov porque le interesaba experimentar con el cine ojo. Es un documento de tipo social, con un montaje muy intencionado donde se protagoniza la Niza auténtica, aquella parte que no es vendido para el turismo. − Cero en Conducta (1932 − 1933) es un recuerdo de los duros años del director en un colegio. Se cuenta el levantamiento de unos colegiales contra sus profesores y contra las autoridades civiles y militares que habían ido a poner orden. La película fue prohibida y no se pudo exhibir hasta 1946. − La Atalante (1933 − 1934) es el nombre de una barcaza del río donde se desarrolla la película. En ella se desarrolla un triángulo amoroso que acaba mal, el resultado se acabó alejando de la idea original de Vigo. R. Clair (1898 − ¿?) es uno de los grandes del cine francés. En 1924 rueda Entre Acto en estética dadanista. La fotografía fue realizada por Ray y la escenografía corrió a cargo de Picavia. − El Sombrero de Paja de Italia (1928) es un bodeville que trata de la búsqueda de un sombrero de una señora por parte de su novio, lo que se hace es una caricatura de la época y de una determinada clase social, es la última que rueda en cine mudo. A pesar de sus primeras negativas rodó finalmente en cine sonoro por la presión de la productora, así surgió Bajo los Techos de París (1930), considerada como una de las películas más hermosas de la historia del cine. Protagonizada por un cantante callejero, un chulo y una prostituta, esta hecha con una gran delicadeza plástica, es paradójico que el sonido esté tan conseguido. − Viva la Libertad. Tras esta marcha a Estados Unidos y rueda El Fantasma va al Oeste en 1935, donde narra la historia de un millonario que ha comprado un castillo en Inglaterra y lo traslada piedra a piedra a su país incluido el fantasma. Clair fue el primer cineasta que formó parte de la academia francesa. Renoir, comienza trabajando en el cine mudo, dirige Nana en 1926, una adaptación de la novela del mismo título de Zola. Marca un hito dentro del cine francés y le abre el camino para que en el año 31 ruede La Golfa, que tiene relación con el argumento del Ángel Azul, el empleado que se enamora de una prostituta y ella llega el asesinato. Toni (1934) rodada completamente en exteriores, sin actores profesionales, sin música y con un argumento pasional que se convierte en una crónica de tipo social y en alegato político. En 1936 se crea en París el Frente Popular y Renoir se integra en él. A partir de este momento comienza a hacer un cine politizado, comprometido... y problemático. La Gran Ilusión (1937), es una película considerada como un alegato pacifista donde se plantea el problema de explicar que personas que en tiempos de paz tenían los mismos intereses puedan enfrentarse en una guerra. Se cuenta a través de la relación que se establece entre un oficial alemán y un prisionero francés también oficial. − La Marsellesa.

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− Las Reglas del Juego (1939), está tratada en clave de comedia pero no es una comedia. Cuenta las relaciones de un grupo de personajes de la alta sociedad desengañados de todo pero que siguen manteniendo las apariencias, manteniendo las reglas del juego social, la película acaba con una tragedia. Estuvo prohibida durante bastante tiempo y resultó un fracaso comercial que hizo que junto con la ocupación alemana Renoir tuviera que exiliarse a Estados Unidos, donde terminaría su carrera. − El Río (1951) − Una Salida al Campo (1936) es una obra que no llega a terminar. No se estrena hasta el 46, tiene importancia porque es un homenaje a la pintura impresionista, está rodada en escenarios impresionistas. El realismo poético dura hasta finales de los 50 en Francia pero a mediados de esta década comienza a darse un movimiento en contra de este cine que da lugar a uno de los movimientos más curiosos de nuestra época llamado Nouvelle Vague (La Nueva Ola) La Nouvelle Vague. La Nouvelle Vague se origina en Francia gracias a una serie de artículos que aparecieron en la revista de cine Cahiers de Cinemá (fundada en 1951). Comenzaron a escribir una serie de jóvenes entre los que destacan Godard, Truffaut, Chabrol... Estos críticos decían que estaban en contra del carácter literario que tenía en ese momento el cine francés. Proponían hacer un tipo de cine influido por Estados Unidos que no estuviese contaminado por la tradición literaria y crear así un nuevo lenguaje de expresión. Había que hacer un cine anti intelectual, cine de escritura propia y sobre todo un cine que no estuviese sometido a los productores sino al gusto del director defendiendo el cine de autor. Estos artículos empezaron a tomar forma en 1958 cuando Chabrol rueda El Bello Sergio, otro ejemplo temprano es Los 400 Golpes, de Truffaut, que obtuvo por ella el premio a mejor director en el festival de Cannes. La Nouvelle Vague deja de ser un movimiento contestatario y pasa a convertiste en el cine más representativo de la época en Francia porque cuenta con el apoyo del gobierno y el ministro de cultura, Malraux. Desde el punto de vista de la estética es un cine típico de autor que antepone la libertad del director a cualquier tipo de exigencia comercial. La Nouvelle Vague está muy influenciada por el cine americano, sobre todo por Hitchcock, también está influida por el Neorrealismo italiano. Se ruedan exteriores e interiores naturales por una cuestión meramente económica, eso hace que muchas veces las películas sean muy simples en sus decorados. Muchas veces la película se rodará con la cámara al hombro, lo cual hace que se produzca un balanceo y de un toque de improvisación que será característico. No se respeta el radgork en la planificación profesional, sino que montan la escenificación como quieren. Los temas son anecdóticos, pero nunca tomados de la literatura. Todo esto constituye una estética muy peculiar que influye en todo el cine que se hace en este momento. J. L. Godard. Rueda en el 59 una película emblemática llamada À bout de Souffle (Al Final de la Escapada), en la que interviene Truffaut como guionista y Chabrol como consejero técnico. El argumento es de cine negro americano, cuenta la historia de un delincuente que se refugia en París en casa de una estudiante americana 26

que quiere ser periodista, la chica, que representa el amor y la muerte, para demostrar que no está enamorada del delincuente lo denuncia a la policía y estos lo matan. El montaje es muy libre y tan extraño que en un principio capta toda la atención del público que no lega a interesarse por los personajes hasta más adelante, cuando se hacen definitivamente dueños de la película. Rodada en blanco y negro, se destruye toda la gramática cinematográfica vigente en aquel momento; se pierde la noción del encuadre, el montaje, no se mantienen las normas del Rodkar. − Alphaville (1965) − Masculino, femenino (1966) − Fin de Semana (1967) Godard se convierte en un activista político y hace cine de política revolucionaria, en esta tendencia enmarcaremos sus últimas películas. Truffaut. Comienza rodando Los 400 Golpes para continuar con Jules et Jim (1961). Tras esto rueda una trilogía narrando la historia de su alter ego, Antoine Doinel, un adolescente incomprendido; la crónica de este personaje se nos presenta en la trilogía El amor a los veinte años (1962), Besos robados (1968) y Domicilio conyugal (1970). Estas películas son muy simples en aparencia pero están marcadas por una sensibilidad especial que lleva a un estudio psicológico de la sociedad y los personajes. El tema siempre es el amor, con gran frescura, lleno de fragilidad, se trata mucho el tema del desencanto. Truffaut rueda de una manera más convencional que sus compañeros debido a su admiración por el cine americano, especialmente por Alfred Hitchcock. La Sirena del Mississippi (1969) El Pequeño Salvaje (1970) Dos Inglesas y un Continente ( 1972) Alain Resnais. Es un director que en todas sus películas trata el tema de la memoria, para expresarse en imágenes idea un lenguaje cinematográfico nuevo donde se juega con el espacio tiempo. Hiroshima Mon Amour (1959) Se trata el tema de la bomba atómica a través de un amor imposible entre un japonés y una francesa. La película es prácticamente un diálogo entre ellos dos que se traduce en imágenes, saltando de la realidad a la ficción. El Año Pasado en Mariembad (1960) trata un triángulo amoroso donde hay tres personajes que cuentan su propia historia. En esta película se trabajan las imágenes que pertenecen a la realidad, imágenes que recuerdan cada uno de los protagonistas, en ocasiones inventadas por cada uno de los personajes e imágenes de historia que pudieron ocurrir pero no ocurrieron. La guerra est Tivia (1966). Expone la crisis política y psicológica de un republicano español que vive en el exilio en París y que piensa como podían haber sido las cosas si la guerra la hubiera ganado la república. El guión fue escrito por Semprún, se mezclan imágenes del presente, del recuerdo e imágenes de un hipotético futuro que nunca va a suceder. 27

11. EL NEORREALISMO ITALIANO Y EL FREE CINEMA INGLÉS. EL NEORREALISMO ITALIANO. Es el nombre que se le da a un tipo de cine nacido en Italia después del fascismo terminada la 2ª guerra mundial, cuya máxima era investigar sobre la realidad social italiana sin omitir nada que pudiese significar no mostrar la realidad tal como era. Utilizaban una estética muy particular provocada por la necesidad del material. Los rodajes están hechos al aire libre, esto fue promovido porque durante la guerra se habían destruido los estudios. Lo que en principio fue provocado por escasez material se convirtió en una característica. Los actores son en su mayor parte no profesionales y actúan sin maquillaje, vestidos como vestían normalmente. La fotografía es siempre grisácea debido a que la falta de electricidad impedía usar cámaras potentes. La iluminación era natural, a la luz del día, habiendo pocas escenas nocturnas. Estos elementos se institucionalizan y componen las características del movimiento. Umberto Barbara empleó por 1ª vez en 1943 la denominación de neorrealismo para designar a este nuevo movimiento, un cine contrario al fascista que le precedió, el llamado cine de los teléfonos blancos. Aunque el no la podemos considerar dentro del Neorrealismo, sí es cierto que Obsesión (1942), de Visconti, es un claro precedente, era una adaptación de la novela El Cartero Siempre Llama dos Veces. Se rodó en época fascista teniendo por eso grandes problemas con la censura porque retrataba la miseria que estaba a la orden del día en Italia. ROSSELLINI El Neorrealismo comienza definitivamente con Rosellini y su Roma Ciudad Abierta, rodada en 1945, película que comenzó a rodar inmediatamente después de la liberación de Roma, con un guión que todavía estaba a medio escribir, un dinero prestado y actores no profesionales. En la película se cuenta la historia de la ciudad en los últimos días de la dominación alemana a través de la vida de un cura y un anarquista. El éxito comercial de la película fue arrollador, estrenada en el 45, es presentada al año siguiente en el festival de Cannes donde tuvo también un gran éxito. Después rueda dos películas que formarán junto a la anterior una trilogía; Paisa (1946), en colaboración con Fellini, se cuenta historias de 6 pueblos italianos. Germania año 0 (1947), rodada en parte en Berlín y parte en Roma, se cuenta el sufrimiento de la población civil alemana a través de la historia de un niño que debido a la educación que había recibido por los nazis asesina a su propio padre creyendo que era un acto heroico y se suicida más tarde al darse cuenta de lo que realmente ha hecho. Strámboli (1949). Tratada bajo la estética del neorrealismo. Visconti pertenecía a una de las familias más aristocráticas de Italia. Comienza su carrera como ayudante de Renoir en Francia. La Terra Trema (1951). Cuenta la historia de una familia de pescadores y la vida del pueblo donde vive la familia. Está rodada en escenarios naturales, los actores son los mismos miembros de la familia, no existen diálogos. La película resulta monótona, lenta aunque refleja fielmente la vida de ese pueblo. 28

Bellísima (1952). Neorrealista, ambientada en el mundo del cine, trata el tema de las madres que empujan a sus hijos al cine. Visconti posteriormente se hace más barroco. Vitorio de Sica. Se inicia en el cine como actor cómico para luego pasar a ser director. El Limpiabotas (1946). Neorrealista. El Ladrón de Bicicletas (1948). Una obra maestra dentro del neorrealismo, trata del robo de la bicicleta a un obrero y todo lo que se produce como consecuencia de ello a través de unos personajes que van apareciendo, una tragedia sobre la soledad. Milagro en Milán (1950). Umberto D (1951) Marca el cambio del Neorrealismo al nuevo cine italiano de los años 60. FREE CINEMA Con este nombre se conoce un movimiento de cineastas ingleses independientes que a mediados de los 50 reivindican la tradición documentalista del cine inglés que se inicia en la escuela de Brighton. La presentación en sociedad tuvo lugar en 1956 en la cinemateca de Londres con la proyección de 3 películas que marcan el inicio de este tipo de cine. Las películas que se ruedan son muchas mediometrajes o largometrajes realizados con poco coste y al aire libre, con actores no profesionales o poco conocidos. Se tratan temas cotidianos de la sociedad como barrios económicamente degradados con personajes populares. Se rueda en blanco y negro con sonido directo, en formato de 16 o 35. En muchas ocasiones la cámara está oculta para captar más objetivamente la realidad. El resultado es un cine poco elaborado, estéticamente feo pero que tiene el valor de romper con lo anterior. Directores más destacados del Free Cinema; Clayton. Anderson. Richard Lester. Una panorámica es un movimiento de cámara en círculos, pero la cámara jira moviéndose sobre su pie.

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