PASOLINI, EL RENACENTISTA DEL SIGLO XX

JOAQUIN ROA GOMEZ

Pasolini es el artista visual completo. Ya antes del rodaje de su primera película realizada en 1960 sin apenas bagaje audiovisual, inervino en varias películas como guionista, escribió obras de teatro y había sido un más que buen pintor, dibujante y escenográfo. Por ello el director italiano es considerado como un hombre del Renacimiento en pleno siglo XX. Durante toda su cinematografía utiliza un lenguaje que traduce otros méritos artísticos como son la fotografía, la escultura y sobre todo la pintura, que cultiva durante sus años universitarios en la Facultad de Letras de Bolonia. Allí participó de las lecciones del historiador Roberto Longhi sobre pintores renacentistas como Masaccio, Mosolino o Mantenga. Es en esta época cuando aparecen sus primeros dibujos publicados entre 1942 y 1943 en la revista El Tamiz. Pinta chicos adolescentes jugando al billar, entre las cañas o a orillas del canal. Durante la Segunda Guerra Mundial abandona momentáneamente la pintura para luego retomarla una vez acabado el conflicto. Es en este periodo hasta 1948, el mayor esfuerzo profesional estimulado por su amigo el pintor Giussepe Zigaina. Cultiva retratos inspirados en los de Van Gogh, como “Autoritratto con la vechia scarpa” y “Autoritrato col garofano in bocca”, para ello utiliza técnicas y materiales diversos. En su poesía también se deja ver su amor por la pintura, dedica versos referidos a Picasso en el poemario “Las cenizas de Gramsci” así como menciones a Goya. Igualmente en su teatro, como el redecorado del segundo episodio de Calderón inspirado en “Las Meninas”. Pero es en el cine donde en mayor medida se manifiesta esa devoción por las artes plásticas, con planos que recuerdan a Piero Della Francesca, El Bosco, Brueghel o Giotto entre otros. En Accattone (1961) primera película de Pasolini, ignoraba la gramática del cine pero sí había descubierto las sensaciones provocadas por los cuadros de Piero Della Francesca, Mantenga o Giotto. Desde este momento el cine de Pasolini destacará por la poesía de las imágenes y unas composiciones íntimamente ligadas a sus conocimientos pictóricos. En este film el director lleva al cine el mismo mundo marginal de sus novelas. Narra la historia de un joven vagabundo, que vive con otros 1

muchachos de la calle entre peleas, borracheras, robo y prostitución. La convierte en una tragedia proletaria a la que le imprimió un estilo plástico con fuertes alusiones a la pintura manierista. Esta propuesta neorrealista concebida apenas sin práctica cinematográfica le sirve para revivir el estímulo que había supuesto para él las obras de Masaccio y Piero Della Francesca. También usa el denominado por Antonio Costa , generado cuando el encuadre cinematográfico recuerda a un cuadro por utilización de la luz, organización de la escena o efectos cromáticos. En este caso el efecto cuadro aparece en la frontalidad y hieratismo del encuadre de algunos planos. También dentro de la tendencia neorrealista graba su siguiente película Mamma Roma (1962), haciendo alusión al personaje que interpreta Anna Magnani que lo inunda todo y construyendo una parábola cristiana con final trágico. Narra la historia de una prostituta que hace dinero y lucha por sacar a su hijo del mundo marginal. Sin embargo el hijo es detenido por robar un hospital y muere apaleado en la cárcel. La cámara lo filma en una escena tumbado sobre una mesa de mármol desde los pies según lo pintado por Mantenga en su “Cristo muerto”. Con un uso inteligente de la cámara convierte la escena en un espacio alegórico. Durante el resto de la película apenas hay movimientos de cámara, y se rueda con un frontalismo que recuerda la pintura del Trecento y Quattrocento italiano.

1.Pasolini utiliza el punto de vista del “Cristo muerto” de Mantenga para la escena de la cárcel.

La Ricotta, es un episodio de la película Rogopag (1963), en la que se

cuenta la historia de Stracci que interpreta el papel del buen ladrón en una película sobre La Pasión dirigida por un director interpretado por Orson Welles. En la primera escena rodada en color, bajo los títulos de crédito se ve la mesa de “la Última Cena” a modo de bodegón manierista en tanto los actores bailan en torno a ella mientras suena una canción pop. En dos secuencias paralelas Pasolini recurre al para representar

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dos obras manieristas: “El Descendimiento” de Pontormo y el “Descendimiento de Cristo” de Rosso Florentino. Fiel a su ironía el director italiano desmitifica la escena recurriendo a primeros planos que muestran el aburrimiento de los actores.

2. El director recrea fielmente dos cuadros manieristas a modo de tableau vivant.

En El evangelio según San Mateo (1964) realiza otra obra de raigambre pictórica. Esta obra convertida en una parábola marxista vista por el considerado por Pasolini más realista de los evangelistas. Se convierte en una crónica visual del mundo que reflejan en sus cuadros Piero Della Francesca o Masaccio, pero también el arte negro y la pintura bizantina. Las miradas entre Jesús y los apóstoles son las miradas de los cuadros de Caravaggio. Utiliza por primera vez para filmar la panorámica lenta, para recordar más la visión renacentista. Aunque no lo reconozca así en una entrevista concedida a Miquel Porter Moix en la que comenta: .

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