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Periódico

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Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia. “El arte no es algo que se pueda tomar y dejar. Es necessario para vivir”. Friedrich Nietzsche.

Año 8 # 39. Julio - Agosto 2013.

Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com

Obra de Lorena Espitia (2006). Cortesía Ministerio de Cultura.

El Salón (inter) Nacional de Artistas se reinventa

Con artistas y curadores del país y del exterior, y dejando atrás el esquema de los Regionales, la versión 43 busca renovarse en Medellín. Página 5.

Llega el inusitado arte de Vik Muniz

Toy Soldier, 2003 (Detalle). Cortesía Subgerencia Cultural Banco de la República.

Pocos pensarían que el azúcar podría mostrar la amargura de la pobreza o que la mermelada podría darle dulzura a la Mona Lisa, pero a este artista brasileño todo parece servirle para expresar su visión del mundo. Los colombianos podremos ver su arte sorprendete, hecho con materiales para otros deleznables, en el Museo de Arte del Banco de la República. Página 4.

Cien años de misterio

Fotografía: Germán Ortegón.

Hace un siglo, con las primeras excavaciones en San Agustín, empezamos a entender que en estas tierras vivían genios de la escultura. Páginas 8-9.

ARTERIA Ed. 39

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Julio - Agosto 2013

LIBROS

EDITORIAL

NOTICIAS

Por: Nelly Peñaranda

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l Periódico ARTERIA siempre se ha pensado como un espacio para la comunicación que, dedicado a las artes plásticas y visuales, se enfoca especialmente en planteamientos relacionados con la actualidad y sus manifestaciones en el arte contemporáneo. Sin duda, una intención que se mantiene vigente y damos cuenta de eso a través de varios de los temas abordados en esta edición. Entre ellos están la apertura del espacio de residencia, investigación y creación Flora ars+natura, el desarrollo del primer laboratorio interactivo del agua, concebido como punto de encuentro para los cruces entre arte, ciencia y tecnología; la muestra del brasileño Vik Muniz en el Museo de Arte del Banco de República, y cuatro ejemplos de salones, que actúan o como lugar de encuentro para artistas o como excusa para el diálogo entre temáticas. Uno es el Salón de Arte Universitario en Bogotá, otros dos en Cúcuta, que resultan ser un caso atípico en una ciudad que no cuenta con centros de educación formal para la enseñanza de las artes. Aún así, esta ciudad avanza con ventaja sobre muchas del país, al realizar los salones ´del Agua´y ´de Fotografía´. Por otra parte comienza a sonar lo que será la versión 43 del Salón (inter) Nacional de Artistas, previsto para la primera semana de septiembre en Medellín, retomando un formato de gran evento expositivo en varias sedes de la ciudad y durante dos meses. Pero más allá de lo que pueden significar estas exhibiciones, en esta edición de ARTERIA hemos prestado también atención a la historia, que como una especie de laboratorio del tiempo nos da en su estudio, recorrido y maneras de aproximarse, otras formas de entender de qué habla el arte contemporáneo. Es el caso de la

revisión a la publicación del libro Procesos de Arte en Colombia, de Álvaro Medina, luego de 35 años de su primera edición.

Spencer Tunick tomará fotos en Bogotá

De otro lado, sea o no casualidad, son tres los museos en Bogotá que hablan de historia y de como el arte y la estética eran importantes en culturas como la Griega (Museo Nacional), los Muiscas (Museo del Oro) y lo siguen siendo en Iberoamérica (Mambo). Una situación que nos lleva a la presentación y valoración de la cultura de San Agustín, en conmemoración de los 100 años de investigación arqueológica en el departamento del Huila. Frente a tantas lecturas que en este momento se dan sobre las artes, ARTERIA desea contribuir a que se mantengan diferentes aproximaciones a sus fenómenos. Por eso esta edición se presenta como alternativa para los cruces o viajes de reconocimiento en el tiempo, para ver lo que se da hoy. Mario Vélez La trayectoria de Mario Vélez (Medellín, 1968) arranca por los años 90, luego de estudiar arte en la Universidad Hochschule für Angewandte, de Viena, ser maestro de artes plásticas en la Universidad Nacional (Medellín) y cuando se hizo finalista del concurso de Milán, ‘Oltre il Muro’. A partir de ahí, ha tenido reconocidas muestras en Europa, América y Asia. Este libro es obra del crítico Luis Fernando Valencia, profesor de las maestrías de Historia del Arte, de la Universidad de Antioquia, y de Obra Plástica, de la Universidad Nacional (Medellín). Cortesía: Christian Padilla.

‘Camera degli Sposi’ (Homenaje a Mantegna), 1958. (De Patrick B. McGinnis - New York). Sección quinientas palabras.

Sus sugerencias y comentarios son importantes www.periodicoarteria.com www.fundacionarteria.org

El libro no propone un cúmulo de sucesos ordenados cronológicamente, sino una colección de la obra pictórica en buena resolución, con una portada dura con agujeros que juega con el estilo del artista. En palabras de Valencia, “Si toda pintura debe ser testimonio de su época y además llevar detrás de sí la tradición que abandona, la pintura de Mario Vélez patentiza este hecho con elaborada resolución”. Editor: Villegas editores, 2013. 239 págs.

Consejo Editorial Juan Fernando Herrán, Carlos Andrés Hurtado, Humberto Junca, José Ignacio Roca, María Belén Sáez de Ibarra, Luisa Ungar. Editor Diego Guerrero. [email protected] Colaboran en esta Edición Camila Amado, Ricardo Arcos Palma, Germán Ortegón, Iván Camilo Ospina, Christian Padilla, María Alejandra Toro, Guillermo Vanegas. Fotografía Óscar Monsalve. [email protected] Suscripciones $25.000 Bogotá. $37.500 resto del país. 1 año (5 ejemplares)

Contactos [email protected] [email protected] [email protected] www.facebook.com/pages/ARTERIA/ twitter: @arteria_ Concepto Editorial Paulo Ramírez, Manuela Calle L.

ARTERIA cuida el medio ambiente. El papel utilizado para la impresión de este periódico es 100 % reciclable.

Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts SAS y Fundación Arteria. Proyecto apoyado por el Programa Nacional de Concertación Cultural

Santa Marta, Maicao (Guajira), Sincelejo, Tolú (Sucre), Aracataca (Magdalena) y Pamplona (Santander) tendrán laboratorios dirigidos a diseñadores, fotógrafos y artistas plásticos. ‘Sitio específico’, dirigido por el curador Javier Mejía y los artistas Aldo Hollam y Susana Bacca se instalará en Santa Marta, en el Centro Cultural Fundam, en el edificio de la antigua Gota de Leche, y en Aracataca, en el auditorio Casa Museo Gabriel García Márquez. En Sucre, en el Museo de Arte Contemporáneo de Sincelejo y en el Centro Cultural y Turístico de Santiago de Tolú. ‘Sitio específico’ hace parte del Plan de Formación Nacional del Ministerio de Cultura, con el fin de fomentar las artes visuales en las distintas regiones del país. Inscripciones: [email protected] o al celular 301 584 9550.

Para inscribirse a ‘Fronteras creativas’ se debe enviar un correo a [email protected].

Las opiniones consignadas en los artículos y correos en la presente edición son responsabilidad de cada uno de los autores y no necesariamente expresan el punto de vista del Periódico ARTERIA. Apartado Aéreo 260.193 Tel. 57 (1) 4673921 / 703 8134 Cel. (317) 638 6108 Bogotá - Colombia

Laboratorios de creación e investigación de artes, en el Caribe y Norte de Santander

‘Fronteras creativas’ será dirigido por Jaider Orsini, con el acompañamiento de Eusebio Siosi y Astrid Salamanca.  En Norte de Santader comenzarán desde el 31 de julio. Se realizarán en la Biblioteca Pública Julio Pérez Ferrero, de Cúcuta, y en la Universidad de Pamplona. En la Guajira se llevarán a cabo desde el 10 de agosto, en la Biblioteca Hermana Josefina Zúñiga, de Riohacha, y en la Casa Municipal de Cultura de Maicao.

Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia.

Directora Nelly Peñaranda R. [email protected]

El famoso fotógrafo Spencer Tunick llegará a Bogotá en septiembre. Su arribo ha estado rodeado de misterio, tal vez por lo atractivo que resulta este artista nacido en Nueva York (1967), y por la magnitud y tendencia de su trabajo en el que suele desnudar a miles de hombres y mujeres en espacios públicos de distintas ciudades del mundo. Su exploración con el cuerpo le ha valido ya cinco arrestos en su ciudad natal, pero más allá de lo espectacular o controversial que pueda resultar su propuesta artística, lo cierto es que ha podido convocar a miles de personas que admiran su labor desde lo artístico y lo humano. No en vano ha sido comisionado por entidades como Art Basel, Suiza (199), el Instituto Cultura, Barcelona (2003), la XXV Biennial de São Paulo (Brasil) (2002), The Saatchi Galleyr (2003), MOCA Cleveland (2004), Vienna Kunsthalle (2008). Dónde tomará sus fotos y qué hará sigue siendo una incógnita. A Bogotá llega por la gestión hecha por el Museo de Arte Moderno de Bogotá, con el patrocinio de la marca Bronzini (del grupo Exito) y el apoyo del Instituto Distrital de las Artes (Idartes).

Desde el 2004, el Ministerio de Cultura ha estado implementado estos laboratorios para incentivar la producción, la academia y la investigación de las artes en diferentes partes de Colombia. Sara Modiano

‘Del 9 de abril, a los diálogos de La Habana’

La Fundación Sara Modiano para las Artes (www. saramodiano.org) lanzó en Colombia el libro Sara Modiano, con más de 150 obras de la artista conceptual colombiana que falleció en 2010. La investigación fue hecha por el crítico Eduardo Serrano. Los fondos recaudados por medio de la venta serán destinados a la fundación.

Esta exposición organizada por el Centro de Memoria: Paz y Reconciliación se distribuirá en seis partes diferentes y tratará sobre luchas políticas, violencia y procesos de paz. Entre los elementos expuestos se encuentran objetos, música, pinturas, animaciones y siete videos que exponen la violencia política del país vivida desde mediados del siglo XX.

Establecida en el 2011 por los tres hijos de la artista, la Fundación Sara Modiano para las Artes (Fund Saramo) busca preservar el legado de la artista. El primer premio Sara Modiano, con la curaduría de José Roca, será entregado en ArtBo. Editor: Fundación Sara Modiano, 2013. 255 páginas.

Lo peculiar de esta muestra es que se recibirán hasta el 30 de octubre objetos, testimonios y documentos que contribuyan al esclarecimiento del origen y las causas del conflicto armado en Colombia. Entre ellos, obras artísticas. Este proyecto contará con seis salas con fotografías,

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pintura, videos, música y libros de las siguientes temáticas: ‘Los años de la Violencia (1945-1958)’, ‘Frente Nacional: del plebiscito al Estatuto de Seguridad (1958-1982)’, ‘Violencia generalizada: paramilitares, guerrillas, Estado y múltiples alianzas civiles (1982-2012)’, ‘Proceso constituyente, Los derechos de millones de víctimas’ y ‘Caminos de paz y conversaciones en La Habana’. Se recibirán, además, sugerencias para el proceso de paz. La exposición estará abierta al público gratuitamente, de lunes a viernes de 9 a.m. a 5 p.m. y sábados de 9 a.m. a 1 p.m. Irá hasta el 24 de septiembre. Mathias Doldder, en Lugar a Dudas Algo Así se trata de un local que da a la calle y que se transformará en taller y lugar de exposición para el artista  tailandés Matthias Dolder. En este sitio de tres por siete metros se montarán y desmontarán varios ejercicios artísticos de indagación del espacio, para ofrecer momentos de exposición, más que propuestas concretas o temáticas. Ese lugar donde se realizaban actividades comerciales presentará diferentes instalaciones, colocaciones de objetos y eventos. La idea del artista es, también, hacerse curador y jugar con ese espacio cotidiano. Matthias Dolder nació en Chiang Mei (Tailandia) y se estableció en Suiza por un tiempo. Ha estado en una residencia con el apoyo de Lugar a Dudas, la cual durará hasta agosto. La exposición estará hasta el 28 de julio en la carrera 10 No. 6 - 85 de 10 a.m. a 6 p.m. Bogotá estrena decreto para grafiteros

Un estudio de Idartes muestra que los artistas urbanos pintan más de 5.000 piezas al año en las calles de Bogotá. El estudio estima que hay cerca de 5.000 artistas de este tipo en la ciudad. Colombianos exponen en París ‘Una escalera de agua’, con la curaduría de Natalia Valencia y la museografía de Felipe Arturo; el artista Juan Fernando Herrán con ‘La distancia justa’, ‘Artesur: Ficciones colectivas’, con la participación de artistas como Leyla Cárdenas e Iván Argote, son obras de los colombianos que participan en ‘Nouvelle Vagues’ (Nuevas olas), proyecto del Palais de Tokio, en París. En esta ocasión, este centro para el arte contemporáneo apunta a valorar la profesión curatorial. Cuenta con 21 realizaciones, procedentes de 13 países, elegidas entre 500 propuestas. Son 60 exposiciones con más de 300 artistas que por la cantidad de propuestas cubren 32 lugares más dedicados al arte en la capital francesa. ‘Artesur: Ficciones colectivas’ es una exposición que parte de la escritura colectiva de los participantes, escogidos de la página www.arte-sur.org, cuyo propósito es la divulgación de arte latinoamericano contemporáneo. El proceso de escritura comenzó en febrero y terminó en marzo, y su producto fueron 20 obras de arte.

El artista Jaime Arango Correa fue contactado por personas interesadas en el arte de Latinaomáerica para que, luego de una exposición personal, escogiera con Sandra Miranda Pattin a artistas colombianos para una muestra. La curadora  y artista italiana Bianca Laura Pettreto, dirigió la selección e hizo la gestión como directora para que los artistas tuvieran su espacio en el B&B Museo de Arte Contemporáneo. En marzo los colombianos fueron invitados por Pettreto y el diseñador y director de pasarela en Milán Angelo Grassi para exponer en Fabbricca, centro cultural multifuncional, ubicado en Gambettola. ‘Exposición Erranti’ abrió sus puertas el 18 de abril como una exposición  colectiva en la Gallerie delle Colonne, y continuó como una exposición itinerante en la Sala del Sacchi en el mismo centro cultural, la cual fue visitada por más de 5.000 personas hasta junio. La Arteinet Casa d’aste de la República de San  Marino espera recibir la exposición, que luego circulará por el Palacio de Convenciones. En agosto se espera, llegue a Milán. Orquídeas colombianas, en España

El propósito de ‘Una escalera de agua’ es resaltar los momentos de silencio en la reflexión diaria. El título hace alusión al libro homónimo de Octavio Paz, en el que plantea dicho momento como un camino imaginario de conocimiento.

Cinco colectivos de grafiteros de Bogotá y dos cultores del street art del exterior realizarán grafitis de gran formato entre la Avenida Caracas y NQS, en Bogotá, con becas entregadas por el Instituto Distrital de las Artes (Idartes). Bogotá Street Art, M30, 20.26 DC, Vértigo Grafiti y Bicromo serán los participantes colombianos. En el proyecto también estarán la ecuatoriana Belén Jaramillo (BLN Bike) y el peruano Elliot Tupac. Este concurso responde al capítulo III – ‘Estrategias pedagógicas y de fomento’–, del Decreto Distrital 075 del 22 de febrero de 2013, “por el cual se promueve la práctica artística y responsable del grafiti de la ciudad”. La idea de esta actividad es promover entre los grafiteros el conocimiento de cuáles sitios son permitidos, las sanciones y todo lo referente a la práctica responsable del grafiti. Este trabajo fue realizado junto con la Mesa del Graffiti.

Cortesía de la artista.

El Centro Hispano Colombiano de Madrid, institución que busca la integración a través de actividades pedagógicas y culturales de los migrantes colombianos en España, junto con la Fundación Francisco Altios de Vitoria, expondrán hasta el 31 de julio ‘Tras Historias, Femme Fatale’, serigrafías de orquídeas, de 60 cm. cuadrados de la artista colombiana Hilda Piedrahíta. Esta exhibición se hará en Segovia 34 y hace referencia a las flores como elemento representativo de la feminidad. También tiene relación con la defensa de la naturaleza ante la intervención negativa del hombre por fines económicos, una temática recurrente en la artista.

El Instituto Distrital de las Artes (Idartes, de Bogotá) tiene como meta formar durante el 2013 a 21.000 niños y adolescentes en danza, teatro, audiovisuales, literatura, artes plásticas y música. Para el 2016, junto con el Ministerio de Educación, pretende formar 35.000. Las actividades se realizarán en Centros Locales de Artes para la Niñez (Clan).

María Clara Piedrahita, Ximena  González Jaramillo, Juan Manuel Baraya Gaviria, Liliana Zuccardi, Andrea  Castro, Julia Restrepo, Luz Beatriz Pedraza, María Pedraza, Ximena Castillo y Patricia Arango exponen en el B&B Museo de Arte Contemporáneo de Cerdeña.

Participe en el ‘Laboratorio Mapping 3D’ El Museo de Antioquia ha abierto las inscripciones para los artistas visuales, sonoros y plásticos que quieran participar en el ‘Laboratorio Mapping 3D’, que comenzará el 14 de agosto y terminará el 30 de octubre. El laboratorio contará con el artista Panetone (Cristiano Rosa) quien trabajará con 15 participantes en sesiones de 2 a 4 p.m., todos los miércoles, los cuales serán elegidos a partir de textos redactados y trabajos artísticos que envíen. Para este programa el Museo de Antioquia define el videomapping como “una técnica que consiste en la proyección dinámica de imágenes de video sobre superficies irregulares, las cuales dan origen a nuevos ambientes en espacios públicos y privados”. Se hablará sobre teoría del color, fotografía, video, software y hardware. Convocatoria ‘Colombia Hoy’ Se aceptan aplicaciones para ‘Colombia Hoy’, una exposición que se realizará en el Museo de Arte Moderno de Cartagena, del 7 de febrero al 7 de abril del 2014 y que hará parte de la Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo.

Vigesimoprimera Primavera en Cajicá

Apertura del primer Clan

Cortesía: Juan Manuel Baraya. Fotografía: Diego Caucayo

CONVOCATORIAS

Una guía paso a paso se encuentra en www.biaci. org/artista. A los tres días de enviada la solicitud, llegará un correo de confirmación de recibido que no significará que hayan sido seleccionados. Según la Bienal, el jurado lo conformarán Miguel González, Mariángela Méndez, Gabriela Rangel y Stephanie Rosenthal. En el mes de septiembre los artistas escogidos recibirán una notificación en su correo electrónico.

‘Melgart: arte de paseo’

Obras de colombianos van a Italia

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Podrán aplicar artistas colombianos o artistas extranjeros que tengan residencia legal en el país de cinco años o más. El plazo límite para inscribirse es el 13 de agosto a las 11:59 p.m., hora colombiana.

El programa de residencias de la Fundación Hermès tiene su lugar en este evento y cuenta con el colombiano Marcos Ávila Forero, quien hace parte de la exposición ‘Condensación’, en la que artistas jóvenes usaron materiales poco convencionales. El tema de inspiración es la interpretación de los sueños y la alquimia. ‘Nouvelle Vagues’ terminará el 9 de septiembre.

Redefinir el tema del paseo es lo que busca este proyecto en el que los integrantes del colectivo Si Nos Pagan Boys viajarán a Girardot para producir obras de arte en el viaje y en los diferentes puntos de parada. Se buscarán percepciones comunes de las ideas de viaje, paseo, ocio y otros conceptos y se les comparará con los ideales de paseo reflejados en obras de arte universal como las de Manet, Monet y Courbet. Éste proyecto es ganador de una convocatoria del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Antes habían desarrollado proyectos en Artecámara (Donde manda marinero no manda capitán) y organizaron la exposición Mánimal, en el 2012.

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El primero de los programas fue recién inaugurado en la localidad Rafael Uribe Uribe y busca atender, este año, cerca de 3.000 jóvenes, junto la Secretaría de Educación Distrital. También se abrirán otros Clan en las localidades Ciudad Bolívar, Suba, Engativá, Rafael Uribe Uribe, Fontibón, Barrios Unidos, Bosa, Tunjuelito, Kennedy, Usaquén, y Chapinero.

‘Primavera: una proyección hacia la estética muisca’ recibirá inscripciones hasta el 19 de julio. Para participar en esta exposición del Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Cajicá con artistas nacionales y extranjeros, las solicitudes se pueden enviar a escueladeartesimctc@gmail. com y a la Casa Cultura No. 2 de dicho municipio. Los artistas podrán participar en dos categorías: La primera es para estudiantes y se aceptarán obras de dibujo, pintura, grabado, técnicas mixtas, instalación, performance y graffiti. La exposición será itinerante. No puede tener contenido sexual o violento. La segunda categoría es la profesional y está destinada a mayores de 18 años y se admitirá: dibujo, pintura, escultura, grabado y fotografía no hechos antes de 2011. Además, se debe pasar una propuesta escrita para realizar talleres prácticos. Los resultados se publicarán en julio 27 de 2013. De agosto 9 a septiembre 13 se hará la exposición. Habrá primer y segundo premio para cada una de las categorías y uno para el mejor artista cajiqueño. Residencias en Estados Unidos El Vermont Studio Center ofrece residencias de estudio de cuatro a once semanas para artistas y escritores. Recibe 50 participantes cada mes. La beca es una residencia en un edificio histórico de Vermont. La próxima fecha de cierre es en Octubre primero. Mayores informes: www.vermontstudiocenter.org

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Julio - Agosto 2013 Fotografías: Subgerencia Cultural Banco de la República.

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‘Garden of Earthly Delights, after H. Bosch’ (2008). Rompecabezas gordiano.

La imagen, al estilo de Vik Muniz El Museo de Arte del Banco de la República presentará ‘Vik Muniz: “Más acá de la imagen”’. Un recorrido por una obra que no deja de ser sorprendente.

V

ik Muniz ha utilizado tantas cosas y medios para sus imágenes que resulta difícil pensar qué hará después. Hilo, alambre, plastilina, chocolate, mantequilla, basura, plata, tierra, diamantes, azúcar, fotograbado, fotografía… El Banco de la República presentará en el segundo piso de su sede en Bogotá, desde el primero de agosto hasta el 28 de octubre, ‘Vik Muniz: “Más acá de la imagen”’, una oportunidad para apreciar los trabajos de este brasileño nacido en 1961, que no deja de sorprender. La exposición mostrará distintas etapas de la obra de este artista que ha reinterpretado desde obras claves del arte universal hasta momentos que han quedado en la conciencia colectiva. Se dice que Vik Muniz llegó a la fotografía por casualidad. Su trayectoria empezó como escultor, pero al fotografiar sus obras para documentarlas se dio cuenta de que, en realidad, lo que buscaba eran las fotos. Al retratar las esculturas, buscaba la iluminación, la exposición y el ángulo perfectos para capturar el efecto que había imaginado cuando se disponía a iniciar la obra. En ‘Individuals’, realizó 52 esculturas a partir de un bloque de plastilina blanca. Cada vez que hacía una escultura, la fotografiaba y luego la destruía para volver a utilizar la plastilina. Al final, de las esculturas solo quedaba la foto. En otro proyecto, con el uso de algodón logró que los espectadores interpretaran su obra como les

pareciera, pues sus fotos se podían interpretar como algodón, nubes o imágenes de objetos. Luego, utilizó alambre para dibujar, lo que engañaba al espectador, pero solo por el momento necesario para que este se diera cuenta de que lo que veía era un alambre, lo que crea en quien ve una relación especial con el material del que está hecho el dibujo. El azúcar lo usó luego de conocer la situación miserable en la que vivían sembradores de caña en la isla caribeña de San Cristóbal. Muniz decidió reproducir las fotos que había tomado de chicos de la isla, pero utilizando azúcar. En una hoja negra espolvoreó azúcar de tal manera que se fueron perfilando los retratos de los niños, lo que señalaba el medio en el que vivían y lo que, seguramente, les esperaba al crecer. La serie la llamó Niños de azúcar. Interesado en el paisaje, decidió usar hilo mediante capas, dando la sensación de distancia y creando una suerte de perspectiva aérea de los paisajes. El chocolate líquido resultó ser un material útil pero con el que tenía que trabajar rápido pues luego de una hora se solidificaba. El movimiento indispensable para dominarlo, le recordaba la obra de Jackson Pollock. Debido a la fluidez del chocolate líquido, muchas de las imágenes reproducidas en esta serie son pinturas. En un acto poco convencional para él, decidió realizar la serie Pinturas de tinta, que presenta fotografías periodísticas famosas reproducidas con el material en el que estábamos acostumbrados a verlas, la tinta, y ampliadas hasta evidenciar el método de reproducción: los puntos de la trama utilizada para la impresión de periódicos. La razón de tomar este material fue, en parte, entender cómo los medios impresos han ido cediendo paso a los medios electrónicos que con su velocidad dejan a los espectadores

‘Mona Lisa doble’ (1999). Mantequilla de maní y mermelada.

más vulnerables, en el sentido de que cada vez tienen menos oportunidad de análisis. Estas y otras series de Muniz van mucho más allá de ocurrencias. En realidad su obra se apoya o se refiere a varios de los grandes artistas o retoman aspectos de la evolución del arte. La obra de Warhol se referencia en su trabajo con productos alimenticios: salsa de tomate, mantequilla y jalea de cacahuete, judías refritas, etcétera. Para Audiciones, realizó cuatro fotograbados – antigua técnica- que muestra algunos bustos escultóricos irónicos que representan emociones básicas y universales: felicidad, tristeza, ira y ensimismamiento, que recuerdan las esculturas sarcásticas decimonónicas del caricaturista francés Honoré Daumier.

Inspirado en las piezas de los representantes del land art de la década de 1960 y 1970, como Robert Smithson y Michael Heizer, quienes realizaron enormes obras de arte en el desierto, realizó una serie de copias de pequeño formato de obras de Smithson, Heizer y otros, y las fotografió de tal manera que era difícil distinguir las maquetas de Muniz de los originales. Es solo una muestra de la mirada de Muniz que descubre enlaces entre el arte, los objetos, los comportamientos y las personas que presenta de manera que no deja de sorprender. Una parte se verá en la exposición del Museo de Arte del Banco de la República. Con información del Banco de la República.

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El Salón (inter) Nacional de Artistas se reinventa Con creadores de Colombia y del exterior, y buscando un acercamiento a conceptos aparentemente opuestos en el arte como ‘Saber Desconocer’, el evento más tradicional de las artes visuales colombianas llega a su número 43.

U

n nuevo giro dará este año el Salón Nacional de Artistas que realizará su versión 43 en Medellín, del 6 de septiembre al 3 de noviembre, bajo el nombre oficial de Salón (inter) Nacional de Artistas Saber Desconocer. Por un lado, el Salón se abre de manera oficial al arte internacional con la invitación a cerca de 34 artistas del exterior. El hecho oficializa dentro de su nombre algo que ya había surgido en el 41 Salón Nacional, realizado en Cali, en el 2008 y 2009, en el que hubo invitados del exterior. Pero por otro lado, y tal vez sea la mayor modificación, es que este año el S(i)NA no será un resumen o selección de los Salones Regionales de Artistas, como fue hasta la pasada edición.

Esto parece quitar una limitación que tenían los curadores de salones anteriores y permite abrir la perspectiva a otros enfoques. “En esta ocasión no hay necesariamente una participación de lo regional –explica Mariángela Méndez, directora artística del Salón–. Antes, los Regionales eran una plataforma para participar en el Nacional, pero ahora se trata de empoderar a los Regionales como espacios específicos y al Nacional como otro espacio con expectativas distintas. El Ministerio decidió de separar lo regional de lo nacional. Esta es una exposición que recoge artistas nacionales y del exterior”. Finalmente, el S(i)NA tiene una variante que puede parecer arriesgada para ser un evento de arte contemporáneo y es un acercamiento a lo tradicional. Un punto de vista que origina en parte el nombre ‘Saber Desconocer’. “En el arte se ha criticado tanto a la pintura abstracta, como lo que se denomina ‘artesanía’. Se ha planteado un enfrentamiento entre lo tradicional y lo contemporáneo –dice la Directora Artística–. Creo que en este momento ya no se puede hablar más en blanco y negro. A lo mejor, estamos en un crepúsculo, que no es día ni es noche”. Florencia Malbrán, argentina cocuradora del evento, agrega que ‘Saber Desconocer’ surge

Convocados y eventos Entre los artistas convocados con su obra se encuentran los colombianos Fredy Alzate, María José Arjona, José Antonio Suárez, Kevin Mancera François Bucher, Johanna Calle, Antonio Caro, Leyla Cárdenas, colectivo Octavo Plástico, Clemencia Echeverry, Juan Manuel Echavarría, Rafael Gómezbarros, Edwin Jimeno, Mateo López, Alejandro Mancera, Libia Posada, José Alejandro Restrepo, Carlos Uribe, Wilger Sotelo y Angélica Teuta. Del exterior habrá obra de Cildo Meireles y Ernesto Neto, de Brasil; Lida Abdul, de Afganistán; Anuar Elías, de México; Jorge Macchi, de Argentina, y Claudia Andujar, de Suiza.

Obras como ‘Solo de violín’, un video de Mario Opazo, realizado en 2010, harán parte del Salón, que tendrá invitados internacionales.

de la preocupación sobre la tensión entre los distintos saberes. “Lo que ‘es’ y lo que no ‘es’ ha causado tragedias. Saber y desconocer son opuestos, pero sabemos que las dicotomías ya no funcionan: ¿qué pasa si traemos a los dos? Desconocer es tomar lo establecido y volver a cuestionarse, generar duda, ver la ambigüedad. Por ejemplo: ¿Cómo medimos el tiempo? ¿Es algo que puede repensarse? Los yanomami (tribu que habita en Brasil y Venezuela) ven el tiempo de otra manera…”. Ante tal diversidad, la idea de mejor o peor pierde todo sentido para la curaduría. Así lo deja ver Méndez al hablar de cómo escogieron obras y artistas: “Es saber que desconocemos muchas cosas. Es una selección a partir de una edición temporal, dentro de un marco referencial. Es una síntesis. La curaduría no se trata de hablar de lo mejor. Uno no es mejor que otro”. Fotografías: Cortesía Ministerio de Cultura.

Por qué Medellín Con más de 5.300 metros cuadrados para exposiciones en espacios abiertos y cerrados, Medellín albergará durante dos meses el que es, probablemente, el evento más significativo de las artes plásticas nacionales. En pleno centro de la ciudad estarán como sedes el Museo de Antioquia y el edificio Antioquia. El Museo de Arte Moderno también recibirá al Salón, lo mismo que espacios abiertos como el Jardín Botánico. La inversión para esta versión del Salón (inter) Nacional de Artistas es de 3.500 millones de pesos. “El Ministerio de Cultura aporta 2 mil millones de pesos y Medellín (por medio de la Alcaldía y la Secretaría de Cultura Ciudadana) 1.500. Medellín también fue escogida por ser una ciudad innovadora, por su capacidad de gestión y por su capacidad instalada”, explicó la ministra de Cultura, Mariana Garcés.

El equipo curatorial del Salón (inter) Nacional de Artistas Saber Desconocer está compuesto por Mariángela Méndez, como directora artística, Javier Mejía y Óscar Roldán-Alzate – ambos de Colombia- y por Florencia Malbrán, de Argentina y Rodrigo Moura, de Brasil. Según los organizadores, habrá obras de 96 creadores, 62 del país y 34 del exterior provenientes de 24 países de Europa, Asia y América. Serán cerca de 100 instalaciones, esculturas, videos, piezas de audio, fotografías y pintura. El evento es liderado por el Ministerio de Cultura y la Alcaldía de Medellín en asocio con el Museo de Antioquia, el Museo de Arte Moderno de Medellín, la Universidad de Antioquia, el Centro Colombo Americano y la Fundación Arteria.

El pereirano César del Valle presentará su obra ‘Restos de un falso desarrollo, desarrollo en papel’ (2012).

Algunas de las actividades que se destacan serán el ‘Diplomado en crítica y periodismo cultural’ y el seminario ‘Saber desconocer, vivir en oxímoron’. También habrá conversaciones con artistas. Se espera que 250.000 personas se beneficien de los diferentes eventos. La inauguración será el jueves 5 de septiembre, a las tres de la tarde.

François Bucher (Colombia-Francia). ‘La duración del presente’. Instalación (detalle). Técnica mixta. (2013).

Sebastián Antonio Restrepo Sierra. ‘De Láquesis o Décima, Diez Oh Fortuna’. Acrílico sobre madera. (2012).

José Horacio Martínez. ‘Hojas sin fecha’. Instalación de dibujos y pinturas digitales. (2013).

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Dos exposiciones en la frontera las cuerdas del alumbrado público que aún existe en buena parte de nuestras ciudades donde con el tiempo se han posado una especie de pelusas, mezcla de hierba y polvo, creando unas extrañas formas que parecen notas en un pentagrama. Estas fotos muy sencillas logran hacer una descripción urbana muy a tono con nuestra época. La foto de Tamara Clavijo, Salto de amor, es una experimentación con cierta intimidad donde el espacio cotidiano se expone de manera lúdica. Una lámpara y la luz que proyecta sirven de escenario a un personaje que salta al vacío. El personaje lleva un ramo de flores. Un dispositivo sencillo que logra realizar una imagen muy agradable y llena de poesía. Trapitos al sol, de Adriana Ortega Rolón está llena de mucho humor y literalidad: las cuerdas del alumbrado sirven para colgar una serie de prendas, que se secan al sol frente a un cielo azul.

Por: Ricardo Arcos-Palma*

Cortesía: Ricardo Arcos-Palma

Oscar Schoonewolff Romero, quien además es poeta, realizó una obra llamada Frutero de noche, en la cual vemos un juego compositivo de una máquina donde la circularidad hace pensar en la redondez de algunas frutas. Ésta tiene varias calidades plásticas y logra mostrarnos una fotografía experimental donde la psicodelia parece tomar forma. Flor Alba Peña en su obra La lección de los himenópteros logra realizar una fotografía digna de los estudios científicos de los biólogos.

Jhonatan Gorrin y Hardys Morales obtuvieron el primer puesto en el Salón de Fotografía Pedro Miguel Román con ‘Neo-inquisición’.

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l Salón de Fotografía Pedro Miguel Román y el Salón del Agua marcan dos momentos importantes en las exposiciones de arte en la capital de Norte de Santander. Ambas son organizadas por la gestora Néllyda Amparo Cárdenas Clavijo, miembro de la Asociación de Artistas Plásticos de Norte de Santander, Grupo Salvador Moreno, y apoyadas por el Ministerio de Cultura, la empresa y privada y entidades regionales del Estado. Cuarto Salón de Fotografía Pedro Miguel Román.

Las obras premiadas en esta exhibición fueron: en primer lugar, la obra Neo-inquisición, del colectivo Insumisión, conformado por Jhonatan Gorrin y Hadrys Morales. Esta obra logra abrir un espacio de reflexión con un tema de actualidad: el conservadurismo religioso frente a la apertura sexual. Un joven desnudo abraza su cuerpo con una brazo y con el otro sostiene un crucifijo que oculta su sexo. El segundo lugar se lo llevó Agujero negro, de María Belén Hernández, donde se retrata un paisaje tomado de la oxidación de ciertos materiales y objetos. La técnica es impecable. El tercer lugar fue para Don, de Hernando Cruz, donde una figura emerge del negro del fondo. El tratamiento técnico es impecable y el retratado es uno de los protagonistas de El Padrino. Cruz en este momento está realizando una obra de denuncia social en la que critica la violencia política que ha padecido dicha región del país. Séptimo Salón del Agua La séptima versión del Salón del Agua se realizó en la Biblioteca Pública Julio Pérez Ferrero. Contó con la participación de un jurado conformado por los artistas Carlos Alarcón, José Orlando Salgado y quien escribe este texto. Fueron elegidas 43 obras para la selección final. Diez obtuvieron mención y dos primeros premios. Las obras seleccionadas se apoyan en varias técnicas, principalmente en la fotografía, la instalación, la escultura, el dibujo, el vídeo y la pintura. Dentro de las obras premiadas están: Reservas, del colectivo Eon, donde aparece representada una cantimplora, en medio de un

paisaje. La sencillez conceptual y evidente de esta obra así como su ejecución pictórica, hizo que el jurado se inclinara por ella. Otro de los premios fue para el artista Oscar Iván Roque con La maleta del chamán. En ella una maleta de madera, finamente elaborada, recogía una serie de frasquitos, dibujos, pinturillas y otra cantidad de objetos que recordaban a las maletas de los pintores de la época de la exploración botánica. La carga conceptual la hizo ganadora. Otra obra que vale la pena mencionar es la instalación Jardinero, de los artistas Juan Carvajal y Guillermo Alvarado: en ella el espectador podía ver una especie de bodegón real conformado por una silla de madera, una jarra y un platón de aluminio. Los mismos objetos estaban representados en la pared mediante un dibujo realizado en papel adhesivo, pero con dos personajes que se sirven de los objetos, uno de ellos sobre la silla y el otro en el platón, recibiendo el agua que sale de la jarra y cae sobre su cuerpo. Un dispositivo muy sencillo y lleno de mucho humor. La obra What The Water Gave Me, de Néstor Blanco, es otra muy interesante por la ironía: un patito de hule yace al lado de un desaguadero de baño. El patito parece deshacerse en los amarillos y rojos que salen de su cuerpo en pintura que va chorreándose hacia el desaguadero. La fotografía de Juan Pablo Cho en Pura vida, no sorprende tanto por el tema (una tortuga sumergiéndose en el agua), sino por la factura impecable de la fotografía que hace de esta pieza una excelente obra. La instalación de Tatiana Rueda titulada El futuro rey de Sión estaba constituida por una placa de metal oxidado del tamaño de una puerta y una serie de barquitos de papel de colores amarillos, violetas, rojos y azules que se desprenden de la puerta y van a terminar en un balde de agua. Obra sencilla que tiene una carga poética indudable. De este salón hay una obra que quiero destacar, aunque solamente obtuvo mención: Temas aguados, de María Belén Hernández. Esta obra me sorprendió por el hecho de que es muy contundente conceptualmente y formalmente: una repisa pegada en la pared, soporta varios libros, una pecera y una botella de agua. En la pecera hay una pez vivo. Los libros aluden por sus títulos a temas relacionados con el agua. Esta obra muy simple, sencilla y evidente es, a mi juicio, la mejor del salón y es digna de cualquier sala internacional.

*Curador, crítico y teórico del arte. PhD de la Sorbona en Artes y Ciencias del Arte. Coordinador Académico del Maestría en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad, de la Universidad Nacional de Colombia.

La fotografía como práctica del arte contemporáneo sirve para reflexionar sobre el valor de la imagen en la sociedad. La imagen fotográfica ocupa un lugar esencial en nuestras vidas cotidianas, sobre todo cuando las redes sociales y los medios digitales han logrado democratizar el uso de este medio. Hoy, casi todos tienen de una u otra manera acceso a la práctica fotográfica. Todo es absolutamente fotográfico, han insistido los teóricos como François Soulages. Se recibieron 39 propuestas fotográficas. El jurado estuvo conformado por los artistas Florencia Alvarado, de Venezuela, José Orlando Salgado y quien les escribe. Realizamos una preselección de las obras con los siguientes requerimientos: calidades formales y técnicas, fundamentación conceptual, anonimato de las obras, relevancia frente a las otras obras, apuesta experimental y problematización de lo fotográfico. De las seleccionadas, se otorgaron tres premios y diez menciones. Estas obras conformaron la exposición, en la Torre del Reloj. Entre las propuestas destacadas están: Noches de Venezuela, de Carmen Lisbeth Niño, que, sutilmente, alude mediante nueve módulos que representan con velas encendidas amarillas, azules y rojas a la bandera de la República Bolivariana de Venezuela. El símbolo patrio es aquí simplificado y expuesto como una luz que se apaga en una oscuridad profunda. Muchas lecturas se pueden hacer sobre esta obra, pero, sin duda, la más fuerte es la que tiene que ver con la realidad política y social del país vecino. La fotografía de María Alexandra Morelli, Entre líneas, es un retrato urbano conformado por varios módulos. Cada uno revela

Cortesía: Ricardo Arcos-Palma

María Belén Hernández presentó ‘Temas aguados’ al Séptimo Salón del Agua. Obtuvo mención.

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Proyectos interdisciplinarios buscan soluciones para problemas sociales

Arte, medio ambiente y agua en la contemporaneidad

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Cortesía: Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

n una actividad poco común, cuatro equipos de desarrolladores participaron en el Laboratorio Interactivo del Agua 2013, cuya finalidad fue visibilizar las diversas problemáticas contemporáneas que el mundo afronta con respecto al líquido, mediante acciones que combinaron el arte, la ciencia y la tecnología; la creación, la investigación, la experimentación, el aprendizaje colectivo y colaborativo. El proyecto buscó generar procesos de sensibilización, análisis y reflexión sobre el manejo de las reservas hídricas, la preservación del agua y su buen uso en la cotidianidad. Fue financiado por la Alcaldía Mayor de Bogotá, la Fundación Gilberto Álzate Avendaño (Fuga), mediante su proyecto Plataforma Bogotá: Laboratorio de arte, ciencia y tecnología y la Fundación Arteria. Los equipos investigadores fueron liderados por Claudia González, Cristian Ardila, Manuel Santana, Graciela Duarte, Diana Paola Garzón y Jhon William Herrera. Cada uno recibió una bolsa de hasta quince mil dólares (27.800.000 pesos). El laboratorio realizó una programación académica que incluyó la socialización de los proyectos seleccionados, foros, conferencias y encuentros interdisciplinarios. The Water Resistence Laboratory Claudia Gonzalez Godoy, de Chile, exploró la relación entre el agua y la electrónica y produjo una máquina ‘orgatrónica’ que genera sonidos aleatorios. El prototipo es una fuente en el que el agua en su caída pasa por electrodos, que crean una síntesis sonora. El proyecto funciona como una obra de arte in situ y podría ser aplicado a gran escala en el espacio publico. Para este trabajo se desarrollaron pruebas hidráulicas y electrónicas con prototipos de toboganes planos y curvos, a partir de la inclinación y distancia variable entre los conectores metálicos y el agua, con lo que se produjeron diferentes sonidos. En este proceso el agua se conviertió en el componente central de la instalación que tomó la función de una resistencia variable para modificar y modular el sonido de los circuitos sintetizadores DIY. Cada válvula tenía asociado un sintetizador. En esta forma, al caer el agua por el tobogán, hacía contacto con los conectores metálicos y generaba una frecuencia específica, diferente para cada válvula, logrando así sonidos sintetizados en conjunto con el sonido del agua en movimiento. Viajes a través del río El proyecto nació en el seno del colectivo Echando Lápiz, conformado por Manuel Santana y Graciela Duarte, quienes se dieron a la tarea de conocer a sus vecinos en el barrio Las Cruces, a través de encuentros para dibujar la vegetación del barrio, de las casas, de las aceras y el entorno en general, en un proceso de redescubrir lo cercano y lo cotidiano. Echando Lápiz se propuso viajar a través del Río Bogotá con un lápiz y un diario de campo, para lo que contó con 11 colaboradores de diferentes disciplinas, como abogados, administradores, ecólogos, artistas y literatos. Durante el proceso se interactuó con la comunidad de El Chircal, logrando implementar varias propuestas pedagógicas y lúdicas para la consecución de dibujos y nuevas miradas al río que nacieran desde la población. Aquí se idearón proyectos como ‘El localizador de zona de siembra, proyecto de agricultura urbana’. Una balsa por

Artistas, ingenieros y expertos en distintas áreas trabajaron en proyectos que buscaban encontrar mejores formas de actuar con el medio ambiente.

medio de la que se dibuja el río, y una exposición abierta al público que dio cuenta de los resultados en los diarios de viaje. Esta experiencia tuvo acogida, por lo que decidieron llevarla a Puerto Berrío (Antioquia) y Moravia (Medellín), donde sus habitantes se encuentran en situación de vulnerabilidad en el contexto social y ambiental. Asimismo, exploraron en lugares en donde encontraron población en montañas de basura y en la rivera de los ríos en situación de alta contaminación. Reutilizando el agua residual de la ducha Denominada RAR, este sistema logra de forma automática reutilizar el agua residual de la ducha, utilizando una plataforma para la recolección previa del agua, provista de un sensor de nivel y una bomba sumergible y complementada con un tanque en altura como acumulador. Este lleva por gravedad el agua al inodoro. Dicho tanque cuenta con un sensor de nivel máximo y el sistema en general tiene un mecanismo de control de desbordamiento que actúa cuando los tanques alcanzan su máxima capacidad de almacenamiento. Gracias a la colaboración del equipo formado por diseñadores, artistas, ingenieros y administradores, el proyecto modificó su configuración en la distribución y elementos que conforman el sistema. Se cambió el tanque en altura por uno con estructura

apoyado al suelo, el cual evita intervenir en los acabados (como romper el enchape del baño), y también permite acomodarlo de acuerdo a las diferentes distribuciones de espacios. El proyecto ‘BioLodosDC’ El proyecto ‘BioLodosDC’ nace de la necesidad de mitigar una problemática social: descontaminar total o parcialmente los lodos dragados del río Bogotá, que presentan cargas de contaminantes orgánicos e inorgánicos, entre estos últimos, metales pasados. Se trata ce sembrar especies que influyeran en el estado del río. En el momento de presentar la propuesta el proyecto estaba en fase de caracterización, con pruebas de laboratorio y a la espera de resultados para realizar la siembra con las condiciones adecuadas. Al comenzar el laboratorio Agua 2013 se inició la experimentación, se determinaron las especies para utilizar y la forma de siembra correcta. Se sembraron y se dejaron las especies durante 15 días en los lodos para, posteriormente, realizar su análisis. Se espera que el proyecto pueda realizarse en el sitio y así analizar detalladamente el proceso. El proyecto, además, abre una línea investigativa acerca del aprovechamiento del residuo vegetal ya que se espera que pueda llegar a ser utilizado en la producción de nuevos materiales, como el icopor orgánico.

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Se cumplen cien años de las primeras excavaciones arqueológicas

San Agustín: la perfección de

Texto y fotos: Germán Ortegón*

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quinientos años después de haber sido descubierto el complejo arqueológico de San Agustín, esta cultura sigue siendo todo un misterio. Desde cuando el español Francisco García de Tobar, quien se encontró con la estatuaria y dio aviso del hecho diciendo “otro México”, hasta hoy, cuando los habitantes del municipio del Huila esperan los resultados del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (Icanh) sobre la más reciente investigación. Los primeros textos que hacen referencia a la estatuaria de San Agustín fueron escritos por el cronista fray Juan de Santa Gertrudis, a finales del siglo XVII. Asimismo, en el siglo XVIII el sabio Francisco José de Caldas informó sobre estos complejos funerarios. El parque arqueológico fue creado en 1931 bajo la administración del Servicio Arqueológico Nacional del Ministerio de Educación, con el fin de investigarlo y protegerlo. Desde ese momento es una de las zonas arqueológicas mejor investigadas y el sitio más representativo del patrimonio arqueológico colombiano. Desde la creación del Parque de San Agustín la región ha sido estudiada intensamente por arqueólogos interesados en entender esta cultura y su estatuaria de gigantes. Entre los más destacados sobresalen el antropólogo

El investigador Konrad T. Preuss inició las excavaciones en San Agustín. El sitio es considerado Patrimonio Cultural de la Humanidad.

alemán Konrad Theodor Preuss, seguido por el arqueólogo español José Pérez de Barradas y los antropólogos colombianos Gregorio Hernández de Alba, Luis Duque Gómez y Julio César Cubillos, mismos a los que el Icanh realizó un homenaje durante la celebración de los 100 años de investigación. Un siglo de estudio El Icanh está celebrando los cien años de excavaciones en la zona arqueológica de San Agustín. Para los investigadores, este es el mayor complejo de monumentos megalíticos de la América precolombina y está conformado por un grupo de yacimientos arqueológicos dispersos en una amplia región del valle alto del río Magdalena, en el suroccidente de Colombia.

Algunas esculturas parecen mostrar personas de diversas culturas, lo mismo que animales.

En 1995 San Agustín fue reconocido por la Unesco como Patrimonio Cultural de la Humanidad, gracias a que esta cultura simboliza la capacidad de las sociedades prehispánicas del norte de Suramérica para crear y expresar en las esculturas monolíticas, los montículos de tierra y los corredores funerarios su particular forma de organización social y su visión del mundo.

Para el guía del parque Miguel Ángel Tovar, “la estatuaría presente en San Agustín da muestras de un homenaje a los muertos, rito común en nuestra América indígena, con imágenes donde se representan cerca de 34 fenotipos humanos de diversos sitios del planeta y algunos animales no presentes en Suramérica, como gorilas y elefantes”.  Según las investigaciones del Icanh la zona fue ocupada por comunidades desde el cuarto milenio a.C. Las esculturas y complejos funerarios presentes en San Agustín se construyeron durante el período denominado como Clásico o Intermedio, entre el año 200 a.C. y el 800 d.C., aproximadamente. Esos mismos estudios han señalado que se trataba de una sociedad cuyo principal medio de subsistencia era la agricultura.

como la geología, la ingeniería, la arquitectura, la gastronomía y la matemática. Para Miguel Ángel -quien relata conocimientos como si se tratara de un texto de estudio- es muy importante ver todos estos complejos megalíticos como la conjugación perfecta de diferentes formas como círculos, cuadrados y rectángulos. “Ellos elegían la piedra, hacían un primer boceto, luego dividan la roca en dos cuadrados, esos cuadrados los dividían en rectángulos, y la parte de los ojos eran círculos perfectos. Esta es una formula matemática y se repite en gran parte de la estatuaría”, afirma el guía.

Piedras que hablan

De acuerdo con los informes del Icanh, anualmente más de 60 mil personas de diversas regiones de Colombia y de otros países han apreciado directamente los vestigios de esta enigmática cultura ya desaparecida.

De manera sorprendente, el guía Miguel Ángel explica que la estatuaria de San Agustín hace parte de toda una obra geométricamente perfecta y que la zona arqueológica tiene que ser vista a partir de muchas ciencias y disciplinas, debido a que confluyen conocimientos tan diversos

La ‘Capital Arqueológica de Colombia’, como se conoce a San Agustín, está ubicada en las estribaciones del Macizo Colombiano, entre los municipios de San Agustín e Isnos, entre las cordilleras Central y Oriental, en el sur del departamento del Huila.

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la escultura

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Un ‘Solo de concertina’, en el Colombo Americano de Bogotá

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La concertina de uso militar, no el instrumento musical, pasó de ser móvil a un elemento de seguridad estático y pesimista en nuestro paisaje. La obra de Ximena De Valdenebro recuerda su existencia. La línea ondulada de la concertina delimita lo público de lo privado, contiene y aprisiona pero a la vez expulsa y protege.

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Ahora plantea trabajos que retan al ojo por sus efectos vibrantes o que sugieren un movimiento que, en realidad, no existe.

http: / /a rte.un infarte@ iandes.edu.co uniande rEg r Ad Carrera s.edu.co o En Ar primera TE / Pr # 18A -7 Te o g r Am lefax (5 0 C o 7 A d E Pr nmu 1) 3 Eg r Ad o Extensió tador (571) 3 3 32 4450 En H IST n 2626 94949 / / Especi o rIA d E 99 alizació L ArTE n 2636 Bogotá, Colomb ia

Especializ

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El Op Art fue un movimiento artístico que tuvo su auge en la década de los 60 y se extendió, en menor medida, en los años 80. Básicamente, se trataba de la realización de obras de arte a partir

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*Periodista, productor de televisión. Durante cerca de 20 años ha recorrido Colombia para contar historias de la cultura del país.

E

l proyecto más reciente de Barbarita Cardozo,   titulado ‘Geometría pura mente consumista’, que se presenta en la galería Nueveochenta, de Bogotá, es el resultado de una relación entre arte y moda. Su propuesta es abordada a través de la geometría abstracta e inspirada en el Op Art (arte óptico) con materiales usados en la producción textil.

La mayoría de la obra de Cardozo ha tratado temas relacionados con la moda, en exposiciones anteriores había centrado su atención en el trato injusto que según ella, reciben los trabajadores de maquilas orientales y el efecto de esta situación en el mercado. Para la exposición ‘Made In’ (‘Hecho en’), del 2009, pegó en la obra Care Instructions (‘Instrucciones de cuidado’), diferentes impresiones sobre acrílico que simulaban ser marquillas como las que vienen en la ropa con indicaciones de lavado y planchado, solo que las suyas eran de mayor tamaño y aludían a la situación de la mano de obra de la producción textil en países como Sri Lanka, China, India y Vietnam.

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Es un ejemplo importante del arte escultórico de San Agustín, Está ubicada a cuatro kilómetros al norte del poblado de San Agustín, sobre la cuchilla que separa la quebrada El Tablón, del cañón del río Magdalena. Es un singular conjunto de figuras naturalistas, humanas y animales, talladas sobre las paredes de las enormes rocas volcánicas naturales del lugar. Mira al cañón del Magdalena, que pasa 200 metros abajo, directamente al este del monumento. Sobresalen tres grandes figuras humanas en relieve, talladas en un bloque, con los brazos y los pies hacia los lados, como en adoración.

de los patrones textiles de los diseñadores de la época. No es la primera vez que Barbarita se inspira en el Op Art. En ‘Optical Power’ (‘Poder óptico’), la artista se interesó en establecer la relación entre el arte y la moda, por la inspiración que múltiples diseñadores de vanguardia lograron extraer de movimientos artísticos.

n M u ltiM

http: //cr e eacion-m d ia ultimedia 3 39 49 .uni 49 / 99 extensión andes.edu.co/ 263 6 - 2 6 04 Universidad de los andes - personería jUrídica: res . no. 28 del 23 de febrero de 1949, minjUsticia pregrado en arte código SnieS 1527 • pregrado en hiStoria del arte SnieS 91386 eSpecialización creación MultiMedia código SnieS 7026

rTE S y H

La Chaquira

Barbarita Cardozo juega con la mirada

Alto de los Ídolos Es después de las mesitas, los sitios con mayor densidad de tumbas, montículos y estatuas de la cultura arqueológica de San Agustín. Fue reportado por primera vez por Konrad T. Preuss. Está localizado en el municipio de Isnos, cinco kilómetros al noreste de la cabecera municipal de San Agustín (15 kilómetros por carretera) y cuatro al suroeste de la cabecera municipal de Isnos. Alberga una sede administrativa y un museo etnográfico a cargo del Icanh. Lo conforman siete montículos funerarios asociados a varios sarcófagos monolíticos y a, por lo menos, veintitrés estatuas. Los montículos fueron erigidos sobre una loma en forma de herradura, nivelada con una gran terraza artificial.

Para Padilla, De Valdenebro logra encontrar la poética del elemento y reflexiona sobre las dicotomías que este plantea, sin negar el hecho de los ritmos de sus ondulaciones y brillos, convirtiendo la concertina en una excusa para sus obras sensuales.

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La fuente ceremonial de Lavapatas es un conjunto de placas talladas sobre el lecho de la quebrada del mismo nombre. Los canales por donde corre el agua forman siluetas de lagartijas y serpientes, y caen, a manera de fuente, a tres estanques. Su función debió relacionarse con cultos al agua y sus elementos asociados.

Ubicado entre el cerro de El Purutal y la vertiente noroeste del cerro de La Pelota, este sitio arqueológico está constituido por dos áreas monumentales del periodo Clásico Regional. Cada una tiene un montículo funerario artificial construido sobre promontorios naturales unidos por un terraplén artificial de aproximadamente 230 metros de longitud. El área de El Purutal fue parcialmente excavada en 1984 por Julio César Cubillos y está compuesta por tres estructuras: una tumba y dos “templetes” o dólmenes, cada uno conformado por una estructura de lajas y una escultura policroma, recientemente afectadas por vandalismo.

FA C u LT A

La fuente de Lavapatas

El Purutal La Pelota

La finalidad de la concertina es la defensa de una sociedad aterrorizada que vive en pequeños muros restrictivos pero se queja de las fronteras y de las grandes murallas que representan la fobia al extranjero, al racismo, al fascismo y a las diferencias de clase.

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Complejos funerarios en San Agustín

Christian Padilla, quien escribió el texto de presentación para la exposición que realizará De Valdenebro en el Centro Colombo Americano, en Bogotá, a partir del 8 de agosto, recuerda que “Delimitar el territorio hace parte de la naturaleza de los seres vivos para generar distancias críticas que garanticen la supervivencia, observación de Deleuze y Guattari en sus Mil mesetas: ‘hay que tener en cuenta simultáneamente dos aspectos del territorio: no sólo asegura y regula la coexistencia de los miembros de una misma especie, separándolos, sino que también

hace posible la coexistencia de un máximo de especies diferentes en un mismo medio, especializándolas’”.

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Los escultores hacían bocetos y empleaban fórmulas para tallar la piedra.

Cortesía: Ximena De Valdenebro

os últimos trabajos de Ximena De Valdenebro se han concentrado en un objeto con un significado ambivalente y contradictorio: la concertina. Esa reja, que se podía expandir rápidamente para obstaculizar al enemigo y guardarla ágilmente para replegar tropas y avanzar, tiene en el nombre una conexión con el instrumento musical del mismo nombre que se puede expandir para llenarse de aire.

El Parque Arqueológico de San Agustín está conformado por cuatro mesitas (mesitas A, B, C y D), el Alto del Lavapatas y el Bosque de las Estatuas, donde se pueden encontrar diversos vestigios arqueológicos. Se destacan grandes figuras o estatuas talladas en piedra, muchas de las cuales hacen parte de conjuntos funerarios monumentales. Se trata de esculturas caracterizadas por diseños que combinan rasgos humanos y animales, cuya presencia evoca lo ritual, la procreación, las transformaciones, el culto a los animales y a la muerte.

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En ‘Echar por tierra’ Eduard Moreno muestra el lado oscuro de la minería Así como la tierra es sacada de las minas, el artista bogotano quita el pigmento del papel carbón para imprimir fotos que conforman una obra que, precisamente, habla de la extracción minera.

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os bandas transportadoras de 15 metros cada una se cruzan en diagonal en el primer piso de la galería NC-arte, en Bogotá. Ambas fueron traídas de una mina de carbón de la sabana bogotana, pero en vez de piedras, ahora transportan de una esquina a otra de la galería cerca de 40 mapas de regiones de Colombia, impresos en formas continuas de papel carbón. Las hojas tamaño carta se apilan sobre el piso y, en un caso, sobre un escritorio típico de oficina pública. Una vez terminan su viaje, el proceso se repite hacia el extremo contrario. Mientras las máquinas mueven de un lado a otro esas representaciones de la tierra colombiana, una fila de fotografías de cabezas de mujeres y hombres negros, de perfil, con una batea para sacar oro puesta en la cabeza, permanecen en una pared cercana. Las 15 fotos, también impresas en papel carbón, caen en cierto desorden hacia el piso.

Fotografía: Andrea Marín.

Por: Diego Guerrero Es una modalidad que ha continuado desde el comienzo, como la banda sin fin que arrastra las formas continuas con sus mapas. “Es un modelo de explotación en la que los negros de hoy parecen cargar una herencia. Es gente que hace lo que hicieron sus ancestros, que viven en poblaciones muy pobres donde las regalías nunca llegan”, dice el artista. Moreno trabajó con modelos negros, algunos, allegados a personas desplazadas de zonas mineras por cuenta de diversos grupos armados. Para él, “no tiene sentido que haya tanta gente pobre en medio de tanta riqueza que se va para afuera. Para mí es una desilusión. Es algo que se cae por su propio peso”. Por eso tiene sentido que las hojas con mapas vayan cayendo por “su propio peso”, lo mismo que las fotos de rostros de los hombres y mujeres que parecen hacer fila puestos en la pared y que van cayendo naturalmente hacia el piso.

La hilera de fotos muestra solo las cabezas de los fotografiados y no sus cuerpos: “Solo es la cabeza porque esto es un problema de colonización, que es un problema ideológico”. En la pared del fondo está Cielo abierto, una obra de 2,40 m. por 2,60 m., compuesta por 56 hojas de papel carbón. Muestra un grupo de mineros negros alrededor de un hoyo gigantesco, mientras en el cielo se ven imágenes de ángeles pintados por Miguel Ángel Buonarroti para El juicio final. Así es, por lo menos en buena parte, ‘Echar por tierra’, exposición de Eduard Moreno, curada por Conrado Uribe. Para Moreno su obra es una metáfora de la historia de la minería en Colombia y del problema que ha generado. “La minería empezó como algo colonial y hoy todavía lo es. En la minería se dice: ‘Esto es mío y me lo llevo’”, explica. Agrega que siempre ha generado desplazamiento, antes de indígenas y luego de esclavos traídos de África, y ahora de poblaciones que resultan afectadas por grupos armados.

Esa fila alude a un hecho que parece traído de la época de la Colonia o de la nefasta casa Arana. En el Cauca y Chocó, hay sitios de minería que han sido monopolizados por grupos ilegales, dice el artista y continúa: “Los habitantes siempre han sacado oro de ahí, pero ahora son los que tienen las armas los que los autorizan, entonces tienen que hacer fila para poder explotar la mina y luego deben pagar algo”. Aún con toda la desilusión que le causa, Moreno tiene paciencia para buscar la belleza mediante un trabajo cuidado de cada hoja (ver recuadro). Tal vez porque para él, más que la crítica social de un tema que, de alguna manera, es conocido, lo más importante son las personas. “Yo no lo veo tanto como una crítica social. Para mí, es un homenaje a todos ellos”, concluye.

Eduard Moreno utiliza bandas transportadoras y fotos en papel carbón para hacer una metáfora de la minería.

Un proceso de extracción para el arte Si la minería consiste en remover capas de tierra para encontrar los minerales preciados, lo que hace Eduard Moreno es algo similar. Remueve el pigmento del papel carbón para formar su obra. Cuando empezó, hace algunos años, lo hacía directamente con algodón y disolventes, creando sus pinturas. Ahora lo hace con un intrincado proceso mediante el uso de software y una simple impresora de punto. Luego de tomar la foto y procesarla digitalmente, la máquina imprime la imagen sacando un poco de pigmento del papel carbón. Para lograr la impresión correcta de los tonos cada

fotografía debe pasar alrededor de 15 veces por la impresora. Por eso, cada imagen de estos mineros es un verdadero proceso de extracción. Así sucede con las fotos de los mineros y con los ángeles de Buonarroti que vuelan en su cuadro Cielo abierto. La exposición incluye una segunda parte con videos que muestran el impacto de la minería en Colombia y una instalación con cachuchas bordadas en hilo de oro, que alude a la manera en que Europa se enriqueció con la extracción de tesoros de América.

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Cómo es el nuevo proyecto expositivo de José Roca A mediados de agosto, abrirá en el barrio San Felipe, de Bogotá, Flora ars+natura, un espacio para el arte contemporáneo, con énfasis en la relación entre arte y naturaleza. Una entrevista con su director artístico.

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Precisamente su carrera y reconocimiento es lo que ha generado una gran expectativa en torno a Flora ars+natura, una iniciativa que, según escribe en una carta abierta en su sitio web, nace de una reflexión que le llevó a entender la relevancia de los curadores institucionales que pueden “crear o consolidar contexto local a través de un proceso continuado”, como el de un curador independiente que puede “trabajar con quien quiera y negociar las condiciones de su afiliación temporal”, aunque-admite “una buena exposición de un curador independiente, en el mejor de los casos, marca un momento, mas no crea un tejido duradero”. Así que con  Flora ars+natura pretende ubicarse en “una posición híbrida. La de curador institucional independiente”. Aunque a nivel personal es también un proyecto familiar en el que hace parte su esposa Adriana Hurtado como directora ejecutiva. Para entender este espacio, el periódico ARTERIA habló con José Roca: ¿Con qué exposición abrirá Flora ars+natura? Flora abrirá con una exposición en torno al libro Walden, o la vida en los bosques (1854), de Henry David Thoreau. Es una exposición colectiva titulada  ‘Ninguna forma de vida es inevitable’, y reúne obras que se refieren a cuestiones como las utopías personales o colectivas, el aislamiento voluntario, los ermitaños, y las conexiones más esenciales con la naturaleza. Según dice, flora tendrá una biblioteca especializada en arte y naturaleza, un auditorio, un jardín con especies nativas, una sala de exposiciones, un espacio para el arte sonoro, y un estudio para residencias de artistas y curadores. ¿Los diferentes espacios

Cortesía: José ignacio Roca.

osé Roca no necesita presentación en el mundo del arte: director del área de Artes del Banco de la República, en Bogotá, Director artístico de Philagrafika 2010 (Filadelfia, EE. UU.) Curador General de la octava Bienal de Mercosur (Portoalegre, Brasil) y actual Curador Adjunto Estrellita B. Brodsky de arte latinoamericano en la Tate Modern, de Londres.

estricto del término, sino que será el resultado de las residencias en Honda (Tolima). Inclusive hemos pensado que tres o cuatro semanas es muy poco tiempo para algunos artistas, así que en la sala de proyectos se presentarán “puestas en público” del proceso, y no necesariamente obras terminadas. En la vitrina y en la cabina de sonido tendremos obras comisionadas, que se escogerán a partir de convocatorias.  El corazón de Flora ars+natura será la bibliotecacentro de documentación, que es un espacio de consulta y de trabajo. Esperamos que se convierta en un sitio de reunión de los artistas, de discusión, y de producción. Habrá que ver qué efectos tiene todo esto en el pensamiento artístico local.

La sala de exposiciones de Flora ars+natura presentará los proyectos de las residencias artísticas.

enteraran a funcionar de manera inmediata o se irán abriendo según los requerimientos y exposiciones? Se irán abriendo poco a poco, pues una obra de adecuación es compleja y costosa, y lo hemos estado haciendo conforme a las posibilidades económicas nos lo han permitido. Los artistas y el público nos darán retroalimentación y así podremos ir adecuando lo que falta, que se irá abriendo por etapas. Pero lo esencial estará listo (¡espero!) el 17. ¿A qué se refiere con que Flora ars+natura tendrá un carácter inclusivo? La idea es que sea un espacio abierto para reunir a los artistas. Es inclusivo en el sentido en que todas las actividades son gratuitas y en que trabajaremos con todas las facultades de arte, con los vecinos del barrio y con aquellos que nos propongan proyectos que nos parezcan relevantes y pertinentes. ¿Por qué el interés en el tema de la naturaleza y cómo cree que enfocarse en este influirá en los procesos del arte?

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El tema de naturaleza siempre me ha interesado, no necesariamente desde el arte: siempre me gustaron las plantas, la fauna, los zoológicos, los acuarios, los jardines, el paisajismo, el género del paisaje, la cartografía, los relatos de viajeros, la literatura de viajes, etc. Pero también me interesa cómo se ve el mundo natural desde el arte, y he organizado varias exposiciones colectivas e individuales con artistas que tratan este tema. Nos pareció que podía ser un buen marco de referencia. Pero no queremos que sea una camisa de fuerza, y si durante las residencias surgen proyectos que se salgan de este marco, no hay problema, los apoyaremos. Es como el Drawing Center en Nueva York o el Fabric Workshop en Filadelfia, que parten de una especificidad de medio para abrirlo a otros campos. ¿Qué puede esperar la gente de Flora ars+natura?¿Tiene un enfoque diferente de la exposición de arte? ¿Piensa que moverá el pensamiento artístico de una manera diferente? El programa expositivo está ligado directamente al programa de residencias, así que lo que se mostrará no será curado en el sentido más

¿Qué entidades colaboran y patrocinan, y qué busca  Flora  ars+natura   al realizar proyectos con instituciones como la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, la Casa del Lago (centro cultural experimental de la UNAM, en México) y el premio arteBA (Argentina)? La mayoría de las residencias provienen de alianzas con instituciones públicas o privadas, como la Casa del Lago de la UNAM, en México; la Galería Gabriela Mistral, de Chile; el Ministerio de Cultura de Colombia, a través de su programa de estímulos, ArtBo, PArC, arteBA, etc., y de varios benefactores que han querido apoyar este proyecto de diversas maneras. La idea es que a través de las alianzas se puede hacer más y ampliar el radio de acción, pues, por ejemplo, para el proyecto con Chile se involucran  Flora ars+natura, la GGM, el Centro Cultural de España en Santiago y el Ministerio de Cultura de Colombia, dándole a los artistas seleccionados la oportunidad de mostrar su trabajo tanto en Chile como en Colombia. ArtBO dará una beca de un año para tener en  Flora a uno de los artistas participantes en arteCámara, lo cual es un incentivo extra para los artistas seleccionados (que fueron escogidos por Juan Sebastián Ramírez, no por nosotros). Y así, en cada caso, además de ayudar a financiar las actividades de Flora, las alianzas permiten que las acciones tengan más impacto al tener varias esferas distintas involucradas en el proyecto.

ARTERIA Ed. 39

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Julio - Agosto 2013