PIEZA DEL MES FEBRERO 2011 LA MODERNIDAD EN EL MUSEO: ESCULTURA DE ARISTIDE PETRILLI Días 5, 12, 19 y 26 de Febrero a las 12:30 por Lourdes González Hidalgo

Ventura Rodríguez, 17 28008 Madrid

LA MODERNIDAD EN EL MUSEO: ESCULTURA DE ARISTIDE PETRILLI

INTRODUCCIÓN El marqués de Cerralbo comenzó su gran colección durante su infancia y ya entonces ahorraba su paga semanal para comprar monedas antiguas. Con el tiempo se convirtió en el coleccionista del que “se sabía que era un rebuscador de joyas artísticas, que pagaba siempre a buen precio y que los artistas hallaban siempre en él un decidido protector” (1). En 1872 hereda de su abuelo su fortuna y su marquesado, lo que le permitió, a partir de 1876 (2), dedicarse plenamente al coleccionismo, su pasión. Texto: Loudes González Hidalgo Coordinación: Cecilia Casas Desantes Maquetación: Gráficas Pedraza © Museo Cerralbo, 2010 N.I.P.O. 551-11-001-7

El grueso de su colección se reunió entre 1875 y 1885, y el testamento que otorgó el Marqués el 26 de junio del año 1878 ya menciona la gran colección de objetos que guardaba en su palacio y que legaba, en caso de su fallecimiento, a su 3

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mujer (3). Hacia 1893 traslada las colecciones desde su casa de la calle Pizarro nº 19 a su nueva residencia construida en la calle Ventura Rodríguez, Nº 2 (actual 17), donde hoy pueden ser admiradas. Es aquí donde hacia el año 1910 incorporó probablemente una nueva escultura a su colección, un busto femenino realizado por Aristide Petrilli, escultor modernista. EL MODERNISMO O ESTILO NUEVO La escultura de dama realizada por Aristide Petrilli corresponde a un periodo de transición entre siglos y a un cambio estético y de mentalidad que se refleja en las artes en general, y que generó un arte nuevo, burgués y de alto precio. Este arte se impuso contra el periodo denominado historicista, el cual pretendía la recuperación de los estilos del pasado incorporándole algunas características culturales del momento y que se dieron a conocer por Europa como “neoestilos”. Entre estos podemos destacar diversas corrientes como la neobizantina, neobarroca, neomudéjar, de gran importancia en España, o neogótica, que destacó especialmente en Inglaterra. Si bien para conocer las raíces del estilo modernista hay que remontarse a las décadas de 1870, 1880 y 1890 en Inglaterra, y a la figura de William Morris, un importante precedente lo encontramos en William Blake (1757- 1827), poeta, pintor, grabador y místico inglés que impulsó el grupo denominado los prerrafaelistas en torno a la Hermandad Poética, formulando una protesta moral e intelectual contra la frivolidad y la opresión académica. Su fin era recuperar un arte más espontáneo y amante de la naturaleza, cuyo culmen creían ver en Rafael, por lo que sus obras hacían gala de un minucioso

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realismo. También favoreció el renacimiento gótico, e introdujo lo artístico en la producción en masa, expandiéndose así sus ideales hacia todas las ramas del arte. Por su parte William Morris (1834-1896), artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, y activista político que defendió el papel de la artesanía, y propulsó el movimiento Arts & Crafts, nacido como reacción contra la industrialización y la tecnología dominantes durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. Morris reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Sin duda, la situación social imperante en Inglaterra daba pie a aquellas ideas utópicas que podemos resumir en democratizar la belleza o socializar el arte, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva impuestas tras la revolución industrial. Morris intentó hacer realidad ese modelo ideológico que evocaba una Edad Media idealizada, como el arquitecto Ruskin, que también defendió la salvación de las formas tradicionales heredadas de estilos pasados e intentó solucionar los problemas sociales derivados de la nueva situación. Para ello Morris fundó talleres, aprendió las diversas técnicas artesanales, y creó objetos exquisitos accesibles a las clases más pudientes, a pesar de su afirmación, reflejo de un ideario romántico: "No quiero el Arte para unos pocos". Esta paradoja se debía a que la artesanía no podía competir con los sistemas de producción industrial, mucho más económicos. Como estamos viendo, los artistas modernistas son “artistas integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino su decoración de interiores, los muebles y otros enseres de uso

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diario; por ello son también diseñadores. Consecuentemente el modernismo se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.). Las características que en general permiten reconocer el modernismo decorativo son en primer lugar la inspiración en la naturaleza, con profusión de elementos de origen vegetales entrelazándose con el motivo central; así como el uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Son también importantes características la estilización de los motivos, más frecuente que la representación realista; el uso libre de motivos exóticos, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como la japonesa; y una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, que se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. Son las Musas del Art Nouveau que padecían el “mal du siécle”: la melancolía. Eran mujeres sofisticadas, y eran presentadas con dramática sensualidad, posando en éxtasis con los párpados entornados. La mujer era el icono de evolución social, asociada a los ritos de fertilidad y se la representaba estilizada, de hombros estrechos, con una actitud que frecuentemente tenía un guiño hacia lo erótico. Estas características estilísticas se pueden observar en el mobiliario, en la arquitectura, en la escultura, en los afiches o pósters promocionales, e incluso en los mismos objetos de uso cotidiano, en los que el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora. Por todo ello el estilo modernista crea una estética nueva inspirada en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades heredadas de la revolución industrial. Sus denominaciones fueron distintas

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en cada país, por ejemplo en España e Hispanoamérica se conoció como Modernismo, en Bélgica y en Francia Art Nouveau, en Alemania y Países Nórdicos Jugendstil, en Austria Sezessionstil, y en Inglaterra Modern Style. En Italia, donde nació Aristide Petrilli, autor del busto, se conoció como Floreale y en Estados Unidos Stile Liberty, en referencia a la tienda de Arthur Liberty creada en 1875 en Londres.

Entrada a la Exposición Universal de Paris de 1900.

La exitosa Gran Exposición Universal de París del año 1900 (celebrada entre el 12 de abril al 12 de noviembre) fue un hito importante porque es a partir de entonces cuando el estilo empezó a conocerse mundialmente como Art Nouveau, tomado del nombre de una tienda de muebles y Artes Decorativas abierta en París en 1890 por Samuel Bing. Hasta ese momento el contacto entre arte y técnica había sido superficial, pero con el Art Nouveau existe un intento claro de revertir la situación reconciliando ambos. La tensión entre arte y técnica se resolvió finalmente gracias a un nuevo desarrollo

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de las técnicas constructivas, el empleo masivo de materiales y a las nuevas facilidades de reproducir objetos en serie con resultados de alta calidad. Después del primer cuarto del siglo XX el estilo comenzó a abandonarse por ser muy decorativo y caro de producir y dejó paso a otro estilo con trazos más simples y rectos, propios del diseño industrial, y una estética más austera, acorde con la sensibilidad del periodo de Entreguerras: el Art Decó. ARISTIDE PETRILLI, ESCULTOR EN LA FLORENCIA DEL CAMBIO DE SIGLO En este ambiente histórico artístico de cambio y búsqueda de nuevos modelos, al mismo tiempo, impregnado del pasado, nace en Tívoli en 1868 Aristide Petrilli. Su periodo de formación se inicia en la ciudad de Florencia, ciudad de glorioso pasado histórico, cultural y artístico que marcaría su trayectoria. Con dieciocho años entra a estudiar en el Instituto de Arte, y a partir de 1890 se prepara en la Academia de Bellas Artes de la mano del profesor Augusto Rivalta. Durante este período coincide con el también escultor Vittorio Caradossi (1861- defunción desconocida). Ambos exponen en la Exposición Universal de París del año 1900, Caradossi con una estatua del pintor renacentista Desiderio da Settignano, y Petrilli con Juana de Arco, y ambos coinciden con la temática más representativa del arte y la escultura del momento: figuras femeninas desnudas de estilo etéreo y vaporoso (4).

e Industriales (dirigida por Camillo Boito), sin olvidar que figura en las listas de miembro de la Junta Superior de Artes Decorativas de Florencia. Respecto a su técnica escultórica destacamos dos claves cruciales, en primer lugar el uso de diferentes tipos de piedras duras para acentuar los contrastes y, por otra parte, la repetición de una temática clásica e histórica que recuerda a la escultura romana, concretamente inspirada en la Dinastía Antonina (1ª mitad del siglo II d.C.).

En 1898, con treinta años, es nombrado académico honorario por su reconocido talento y es entonces cuando se asocia con la Galería Raffaello Romanelli. Nos consta que tuvo un estudio en la Via dei Serragli de Florencia, cerca del río y el Puente Viejo, colaboró en la revista italiana de Artes Decorativas

En efecto, en la escultura retratística de época de Adriano (117-138 d.C.) empiezan a verse rasgos marcadamente helenísticos, como el hecho de marcar el iris en los ojos, y se aprecia la utilización del relieve hondo hecho con trépano para el cabello y la barba. El trabajo de la piedra se lleva a cabo con

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Escultura Estrella Fugaz de Vittorio Caradossi.

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instrumentos punzantes con los que se incide en la materia directamente o a través de un martillo, tales como el puntero, que conduce al desbastado inicial del material; varias clases de cinceles, de filo recto o bien dentado, con dientes puntiagudos o rectos, para ir conformando las superficies; el taladro, para perforaciones profundas, o el trépano, para algunos agujeros. Por otra parte, para alcanzar el acabado final se requiere la utilización de limas, escofinas y piedras para pulir, como la piedra pómez, el esmeril y materiales abrasivos con los que frotar, con objeto de alcanzar la textura deseada en las superficies. Las piedras de colores se usan para acentuar el realismo. También en este momento crece el busto hasta el nivel del pecho, ampliándose la tipología del retrato romano. Las técnicas del trabajo de la piedra permanecen prácticamente invariables desde la antigüedad hasta nuestros días, pero es indudable que el estilo romano pervive en el estilo renacentista que recupera el artista florentino Aristide Petrilli a finales del siglo XIX. Otro rasgo identitario del artista es que suele incorporar a sus obras enigmáticas frases; buen ejemplo de ello es su grupo escultórico Mujer con querubines. Titulada Sogno (“Sueño”) según la placa que presenta en la base, se trata de un grupo de mármol blanco de Carrara con una joven durmiendo en un banco rodeado de querubines que le presentan cestas de flores y una caja de joyas, cantan, e incluso le susurran al oído. El banco ostenta un friso con representaciones de las musas, figuras de león en las esquinas, y máscaras en los laterales. La placa metálica reza: “SOGNO / Gall. Prof. A. Petrilli / FIRENZE”. Además, la escultura presenta la poética inscripción “EMPER NON SEMPER”, que se podría traducir como "pero no siempre". De entre las obras más destacadas de Petrilli hay algunas que se asemejan a la pieza escultórica que nos ocupa tanto por sus materiales como por ser de medio busto. Podríamos citar 10

Busto con diadema de Aristide Petrilli.

en primer lugar Juana de Arco, cuya participación en la Exposición Universal de París ya hemos mencionado, y que representa a la heroína francesa mediante un busto de mujer hasta la altura de los hombros, realizado en mármol blanco de Carrara, y adornado con una cadena y medallón dorados, todo ello sobre una base de bronce. Otras obras similares serían María Antonieta o Busto de dama con diadema. También esculpió obras de cuerpo entero, entre las que podemos citar Estrella Fugaz, que representa a una mujer, desnuda, en actitud sensual y sugerente, sobre una estrella de mármol blanco de Carrara, o Napoleón, que muestra su victoria sobre el Monte Noble con el título de "Ha llegado el día de la gloria". Por su parte, Beatriz, figura de cuerpo entero 11

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de mármol blanco de Carrara para la cara y las manos, y de mármol jaspeado para el vestido, es un buen exponente de escultura realizada en materiales diversos, al igual que la pieza del Museo Cerralbo objeto de estudio. Está de pie, mirando hacia abajo, con las manos juntas que sostienen un libro. Esta técnica de combinar diferentes tipos de piedras duras se usó ya en la antigüedad, pero también fue una de las artes decorativas punteras del renacimiento, el denominado mosaico de piedras duras, en cuyo desarrollo precisamente la ciudad de Florencia tuvo un papel determinante. Podemos citar otras piezas conocidas con muy diferente tipología, como el monumento funerario de Mariano Petrilli que se encuentra en el cementerio de San Miniato de Florencia, o una placa conmemorativa de los Caduti para la Asociación Deportiva Sempre Avanti de Florencia. Además Petrilli también realizó otro tipo de obras decorativas como chimeneas con cenefa. En una de ellas, de forma cóncava, se esculpe un friso con una escena de querubines báquicos, todo ello surmontado una cinta unida a un borde recubierto con caña. El borde interior es de hojas talladas y las jambas están decoradas con follaje y lazos atados a trofeos emblemáticos de la Música y la Pintura. UNA ESCULTURA DE PETRILLI EN EL SALÓN CHAFLÁN DEL PALACIO CERRALBO

Actualmente, gracias al inventario realizado por Juan Cabré, a la documentación fotográfica y al minucioso trabajo de recuperación del equipo del museo, las salas del Cerralbo se muestran tal y como las concibió y legó el Marqués. En la década de los años 40, de acuerdo con los conceptos museológicos del momento, se alteró la ubicación original de

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las piezas que decoraban el palacio. La escultura de dama se trasladó del Salón Chaflán a la entonces denominada Sala de Porcelanas (hoy Salita Imperio).

Imagen del busto con las peanas originales, hacia 1930.

Sala de Porcelanas en septiembre de 1999.

También cabe mencionar que al Marqués le gustaba crear sus propios montajes decorativos y museográficos; en nuestro caso, tenemos un documento gráfico de hacia 1930 en el cual se exhibe la dama con su montaje original, que actualmente se ha recuperado, expuesta sobre un capitel con volutas, con una alcachofa o piña en madera dorada y sobrepuesto a una peana con cuatro garras de león. Retiradas estas piezas del montaje cuando la escultura se trasladó a la Salita Imperio, si bien la escultura retorna a Chaflán en el 2004, la basa y el capitel se han recuperado en 2010. En el Salón Chaflán las piezas recuperan su personalidad, adaptándose perfectamente al estilo de la sala, ya que esta 13

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escultura modernista es un icono de mujer grácil y bella, evocadora de las damas de principios de siglo XX invitadas por la familia Cerralbo (5). En efecto, el Salón Chaflán es un espacio cuya función principal era reunir a las visitas del marqués cuando había recepciones en el palacio y se bailaba en el Salón de Baile. Entre sus muebles hay que destacar la sillería de estilo Regencia, las cortinas y alfombra Aubusson, los jarrones de porcelana china y un reloj con guarnición de porcelana de Meissen. Los pintores José Soriano Fort y Máximo Juderías Caballero decoraron el techo y las paredes con pinturas sobre lienzos adheridos al muro que representan alegorías de la Bellas Artes y episodios de la vida cotidiana en torno al palacio de Santa María de Huerta (Soria), propiedad de la Marquesa de Cerralbo, donde el Marqués se dedicaba a la jardinería, la agricultura y la cría de caballos. Los marcos de las puertas y

Vista del Salón Chaflán del Museo Cerralbo en 2010.

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espejos se adornan con esculturas de putti realizadas por Juderías Caballero.

Detalle del escote con collar de colgantes.

Vista lateral de la obra en la que se aprecia el brazalete en forma de serpiente enrollada.

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La escultura del Profesor Petrilli es un busto de mujer con la cabeza girada a la izquierda y de mirada ensimismada. Peinada con el pelo recogido hacia atrás con una cinta que lo recoge en un moño abultado y con raya en medio y hacia los lados dos tirabuzones. Está adornado con un medallón circular que cae en la frente. El cuello se cubre con un gran collar de doble cinta y varias alturas, una en la garganta y otra sobre el pecho, con colgantes de motivos naturales. Está vestida con una túnica con escote en forma de V y grabado con rocallas. En el brazo izquierdo lleva un brazalete en relieve en forma de áspid o serpiente enrollada. La base es el lugar elegido para tallar la firma: “Prof: A Petrilli, FIRENZE”.

en forma de rocalla, el collar del cuello suspendido en varias cintas de largos distintos de donde cuelgan formas vegetales y también el adorno del pelo circular suspendido por cinta fina que le cae sobre la frente.

Los materiales usados para la pieza son varios tipos de mármol: el mármol blanco de Carrara italiano para la cara, el cuello y el escote consigue un realismo natural para la dama, y el mármol rosso levanto italiano con veta color blanco y morado para el vestido juega con ese contraste tan característico de la época y de su obra. Por último la base octogonal es de mármol arabescato italiano en color blanco y negro. Como hemos visto, la combinación de diferentes materias en una escultura pétrea tenía una larga tradición en Florencia, y el Opifizio delle Pietre Dure florentino, manufactura artística fundada en 1588, conservó esta tradición no sólo hasta la época de Petrilli, sino también hasta nuestros días, en los que ejerce su función de institución puntera en restauración de obras de piedras duras.

Pegatinas turísticas conservadas por la familia Cerralbo tras sus numerosos viajes.

Las técnicas utilizadas para tallar una escultura en bulto redondo exenta consisten en esculpir a mano o trabajar materiales duros, como en este caso el mármol, con un cincel para el busto, y por otro lado, grabar o señalar los detalles con una incisión, en este caso los estampados de la tela del vestido 16

En conclusión, el artista Arístide Petrilli supo aunar perfectamente en la ejecución el estilo nuevo de su época con la tradición técnica de la escultura romana y renacentista. Y según las indicaciones de Pilar Calzas Cintero (6) basadas en los recuerdos de viaje conservados en el Museo, hemos podido conocer los viajes que realizaron el marqués de Cerralbo y su familia. Florencia, ciudad natal de Aristide Petrilli, fue muy visitada por ellos, concretamente en los años 1890, 1896 y 1897, pudiendo coincidir con el artista e incluso visitar su taller. También estuvieron en París en los años 1883, 1889, 1899 y 1900, este último año coincidiendo con la Exposición Universal donde el artista expuso su ya mencionada Juana de Arco, posiblemente conocida por la familia, y en 1901, 1902 y 1903. En el año 1907 el Marqués pasa una larga temporada en dicha ciudad francesa para escribir su discurso de entrada en la Academia de la Historia, pero además en esta época compra varios objetos que envió a través de los transportistas Hijos de Iglesias a Madrid. Posteriormente, en el intervalo comprendido entre el año 1908 y 1912 viajó a París en repetidas ocasiones. 17

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Podemos suponer que en alguna de estas frecuentes excursiones a la capital francesa, centro del mercado del arte en Europa, adquiriría la escultura de dama que el Museo Cerralbo alberga y custodia para el disfrute de todos los ciudadanos.

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NOTAS (1)

Antonio Zozaya, “El legado del prócer”, en La Libertad, 29 de noviembre, 1922.

(2)

Vid. GRANADOS ORTEGA, M. A.: “Mecenazgo en una casa-museo de coleccionista: El Museo Cerralbo”, en el que se alude a la Liquidación y partición de los bienes relictos por defunción del Excmo. Sr. Don José de Aguilera y Contreras, Marqués que fue de Cerralbo, protocolizada el 22 de julio de 1876 por el notario Vicente Reyter. Archivo Histórico de Protocolos de Madrid (A.H.P.M.), T.33941, ff. 3668-3679.

(3)

Vid. GRANADOS ORTEGA, M. A.: “Mecenazgo en una casa-museo de coleccionista: El Museo Cerralbo”, en el que se alude a la Escritura. Testamento abierto otorgado por el Exco. Sr. Don Enrique de Aguilera y Gamboa. Marqués de Cerralbo y Almarza, Conde de Villalobos, natural de la villa y Corte de Madrid y vecino de la misma, el 26 de junio de 1878. Notaria de Don Celedonio Miguel Gómez, Rúa 38, Salamanca, nª 317, copia, clúsulas décimas y undécima. Archivo Histórico del Museo Cerralbo (A.H.M.C.) Carpeta “Testamentos del Marqués de Cerralbo de los años 1878, 1918, 1922 y codicilio de este último testamento”

(4)

Para más información sobre el autor y las piezas que salen al mercado del arte se puede consultar la página Web de la casa de subastas Christie`s.

(5)

Artículo de ACOSTA MARTÍN, J., VAQUERO ARQÜELLES, L., Recuperación de ambientes originales. Campaña 2004-2005, Madrid, 2005.

(6)

Comunicación personal.

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GLOSARIO Arts & Crafts El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910.

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Relieve hondo El relieve “estilo hondo” significa hecho a trépano o en relieve muy profundo, que permite crear zonas con claroscuro de gran realismo, como es el caso de las pupilas, los volúmenes de la barba y los rizos del cabello.

Helenismo Término con que se designa la civilización griega y especialmente la cultura común que se desarrolla en el Mediterráneo por influencia de la Grecia clásica. El proceso de helenización de los pueblos orientales y la fusión o asimilación de rasgos culturales orientales y griegos tuvo continuidad durante el Imperio romano. Mármol de Carrara Piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto por el cual se pueden obtener distintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza. Es un material bastante perdurable y por ello fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento. Prerrafaelista Movimiento artístico, surgido en Inglaterra a mediados del siglo XIX, que se erigió contra del academicismo de la cultura oficial y el convencionalismo victoriano. El objetivo de los pintores prerrafaelistas era recuperar un arte más espontáneo inspirado en la naturaleza, tomando como modelo a Rafael, de quien procede el nombre.

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BIBLIOGRAFÍA

NAVASCÚES BENLLOCH, P. de, CONDE DE BEROLDINGEN GEYR, C., Museo Cerralbo. Electa, Madrid, 2000.

ACOSTA MARTÍN, J., VAQUERO ARQÜELLES, L., Recuperación de ambientes originales. Campaña 2004-2005. Ministerio de Cultura, Madrid, 2005.

PANZETTA, A.: Nuovo Dizionario degli Scultori Itialiani Dell Ottocento e del primo Novecento. Adarte, Turín, 2003, p. 690.

ACOSTA MARTÍN, J., VAQUERO ARQÜELLES, L., “La renovación de salas del Museo Cerralbo. Criterios de intervención en un palacio-museo” en Museos.es, nº 2, 2006.

SANZ PASTOR Y FERNÁNDEZ DE PIÉROLA, C., La gran ampliación del Museo Cerralbo. Hauser y Menet, Madrid, 1948.

AZCUE BREA, L.: “La escultura italiana del siglo XIX y el coleccionismo privado en Madrid. I. Adamo Tadolini y Lorenzo Bartolini”. Boletín de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, nº 106-107, Madrid, 2008, pp. 83-129. CABRÉ AGUILÓ, J.: “El Marqués de Cerralbo”. Boletín de la Sociedad Española de Excursiones, Tomo XXX, III Trimestre, 1922, pp. 1-2. CEREZO GALÁN, P.: Mal de siglo: el conflicto entre Ilustración y Romanticismo en la crisis finisecular del siglo XIX. Edición Biblioteca Nueva, Barcelona, 2008. GRANADOS ORTEGA, Mª A.: “Mecenazgo en una casa-museo de coleccionista: El Museo Cerralbo”. Museos y mecenazgo: nuevas aportaciones. Universidad Rey Juan Carlos, Madrid, 2007, pp. 91113.

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CRÉDITOS FOTOGRÁFICOS PORTADA. Busto femenino. Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo. Fotógrafía Ángel Martínez Levas. CONTRAPORTADA. Detalle del busto femenino, firma del autor. Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo. Fotógrafía Ángel Martínez Levas. Pág. 7:

Entrada a la Exposición Universal de Paris de 1900. http://es.wikipedia.org/wiki/Exposici%C3%B3n_Universal_de_Par%C3%ADs_ (1900)

Pág. 9:

Escultura Estrella Fugaz de Vittorio Caradossi. http://kevinalfredstrom.com/art/v/sculpture/Caradossi_Vittorio_Shooting_Stars.jpg.h tml

Pág. 11:

Imagen del busto hacia 1930. Archivo fotográfico Museo Cerralbo.

Pág. 13:

Busto con diadema de Aristide Petrilli. http://www.askart.com/AskART/artists/search/Search_Repeat.aspx?searchtype=IMAGES&artist=11161782

Pág. 13:

Sala de Porcelanas en septiembre de 1999. Archivo fotográfico Museo Cerralbo.

Pág. 14:

Salón Chaflán en 2010. Archivo Digital Museo Cerralbo. Fotógrafía Ángel Martínez Levas.

Pág. 15:

Detalle del escote, Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo. Fotógrafía Ángel Martínez Levas.

Pág. 15:

Vista del brazalete, Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo. Fotógrafía Ángel Martínez Levas.

Pág. 17:

Pegatinas turísticas. Archivo Museo Cerralbo.

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