1. Michelangelo Merisi Caravaggio Pintor proveniente de Italia perteneciente del Barroco, reconocido no solo por su pintura si no que también por los fuertes episodios que le ocurrieron en la vida. Fue un artista manierista y rey del tenebrismo, hizo uso del claro oscuro en las figuras y objetos que pintaba, hacia del realismo su principal objetivo trataba de mostrar un reflejo del propio espectador. Rechazaba la belleza, pintaba las cosas tal cual las veían sus ojos, para el fue ir por el camino de la verdad. Caracterizaba sus cuadros en escenas tales como bodegones, teatros o mesas con naturaleza muerta. Ya desde el principio se notaba que le gustaba representar juegos de luces y sombras, las utilizaba para darle volumen y profundidad a los dramatismos que intentaba representar.

Principalmente pintaba obras de tipo religioso y trabajaba para grandes comités de la época. Algunas de sus obras maestras fueron rechazadas por las iglesias ya que les parecían muy vulgares y excedían de naturalismo deseado. Aunque si existían quienes se opian al clero y si veían la belleza de sus pinturas tal cual como las veía Caravaggio aunque no eran la mayoría.

En sus obras se puede interpretar muy bien la acción dramática que quería representar. También conocido por utilizar óleo en la mayoría de sus obras y trabajar sobre lienzo.

Para sus trabajos no solo hacia de lo religioso algo vulgar si no que también rompía con uso de personas contratadas o bellas, al contrario de esto Caravaggio presentaba en sus cuadros a personas enfermas, en mal estado o prostitutas de la calle.

El tenebrismo en ese momento estaba caracterizado por los contrastes de luz de luz violentos, se denomino así también por la gran cantidad de sombras y oscuridad que brindaban esas pinturas. Se utilizaban para darle intensidad, y resaltar el volumen y la profundidad de los personajes.

1.2 Vocación de San Mateo

En esta obra se pueden distinguir los planos, el superior regido por una venta y el inferior en donde están las personas. La luz que proviene del lateral derecho, no parece una luz dorada y nada mas da la sensación de ser un personaje mas en esta obra, esta sirve para representar aun mas el dramatismo de la pintura, aunque en el fondo aparecen las tinieblas o sombras, estas son las que le dan profundidad volumen a los personajes. Se ve nota que en esa época el negro era un color base en las pinturas y los colores iban por arriba. Toda esta representación da sensación de que esas personas están en una penumbra repleta de oscuridad cortada por ases de luz blanca con un toque dorado que dan realismo a las caras y los gestos que estaban haciendo los personajes en ese momento.

Parece ser que en esta pintura el artista no busco un tipo de hombre determinado si no que juntabas a los jóvenes con los mas viejos, vestidos con ropa de la época en la que estaba situada la obra y se nota la interpretación del color, los colores se ven representados oscuros ya que así los veía el pintor, como se nombro antes era

realismo puro y por falta de luz se notan unos verdes y rojos mas oscuros de lo normal.

2. Annible Carracci

Pintor Barroco italiano y principalmente polo opuesto de Caravaggio, a Carrcci le aceptaron las pinturas desde el primer día, el para los ojos del clero si sabia representar lo idea y la belleza, para el no todo lo real debería ser representado en sus obras, el se dedicaba a corregir la naturaleza, quitaba todo tipo de imperfecciones y le interesaba representar las cosas como deberían ser o como le gustaría verlas a los demás. Se lo consideraba un pintor ecléctico porque le gustaba representar en sus obras las características que las le gustaban de otros artistas ya reconocidos, buscaba equilibrio en sus obras y para eso estudiaba la composición de cada una, le gustaba la estructura clásica de las personas a las que pintaba no buscada conmover al espectador y al contrario de Caravaggio hacia uso de la luz de una maneras mas uniforme, el rechazaba los contrastes, se ve claramente que fue un hombre al que le gustaba el dibujo ya que representaba con gran claridad sus obras.

La mayoría de sus obras eran del tipo mitológico, religioso y lo hacia al igual que Caravaggio con óleo. También se lo consideraba un pintor manierista, por la armonía con la que pintaba y se veía vitalidad en sus obras el pertenecía al clasicismo.

2.1 Triunfo de Baco y Ariadna

En esta obra se puede observa la gran diferencia entre la pintura de Caravaggio y esta de Carracci, se pueden ver que el negro deja ser de el el centro de la atención con ases de luces que lo atraviesan, esta vez se puede observar luz plena, repleta de colores calidos con sombras que apenas aparecen para destacar detalles de la misma obra. Además se puede destacar la manera en la que el pintor destaca los cuerpos humanos desnudos, se nota tenia la intencion de representar la belleza en estas personas, destaco sus cuerpos voluminosos además de querer destacar un triunfo rodeado de personas que le dan poder. No los respresnto como unas personas cualquiera si no como mitologicas y hasta sensuales con podes que llaman la atención.

3. Edgar Degas

Pintor del siglo XIX neoclasicista en un principio y más tarde fundador del impresionismo. Como tuvo una formación un tanto clásica con la cual rechazo el aire libre para pintura como lo hacían otros artistas de la época, el se dedico a pintar en su taller, le gustaba pintura temas variados, la mayoría de sus obras pasaron en teatros, cafés, centros de danza y ballet, carreras de caballos, desnudos sobre todo de mujeres en su mayoría buscaba prostitutas de la época.

El simplemente intentaba atrapar lo que estaba ocurriendo en el momento como si fuese una fotografía, para esto utilizaba pasteles con colores de lo mas brillantes trataba de pintar rostros con gran expresividad. Le apasionaban las escenas con luz artificial algo que en ese momento ya no se estaba utilizando con frecuencia, ademas de eso abndona formalmente el oleo para dedicarse plenamente al pastel aunque mas tarde cuando empieza a hacer retratos de mujeres desnudas vuelve a hacer uso del oleo

3.1 La clase de danza

La danza fue uno de los temas mas frecuentes en las obras de Degas, le gustaba pintar ensayos y descansos. Este cuadro hace que una pintura se la parezca lo mas parecida a una fotografía capto con lujos de detalles toda la escena, se perfecto como un profesor da una clase mientras algunas alumnas escuchan y otras practican, se nota que para representar esta imagen el artista tuvo que realizar varios bocetos, ya que no debe ser de gran facilidad representar tantos detalles y además detalles físicas como la realización física de las alumnas para ser representada con claridad de una sola vez. Esto es lo que ayuda al pintor a poder detallar parte por parte de esta obra de

arte.

Para esto uso tonalidades un tanto pastel y una cantidad de reflejos lumínicos que realzan la vestimenta de las bailarinas. Además de los colores tierras que apareen resaltados con colores mas vivos visibles sobre todo en los lazos de las faldas de las bailarinas. Son increíbles los detalles que se encuentran en esta pieza, desde las bailarinas terminando el ensayo, hasta las que ya acabaron, también aparece un pequeño perro, un piano con una bailarina encima, todo hace parecer que fue una pintura espontánea aunque no lo sea así.

Uno cuando ve esta obra piensa en el gran protagonista al maestro de las bailarinas pero si uno mira con un poco mas de atención se puede destacar que la profundidad es el protagonista parece un salón interminable, quizás sea por las líneas diagonales con las que jugo para realizar el suelo del espacio hasta se llega a ver un gran parte del zócalo del techo mientras que del otro lado no se puede apreciar esto hace mas alusión todavía a que esto podría ser tranquilamente

una fotografía, otras de las

cualidades que son protagonistas son los movimientos que pudo captar el artista y además que la mayoría de las bailarinas tengas poses diferentes y todo esto también gracias a la luz que ayuda a visibilidad de estas bailarinas, esta luz proviene de la venta derecha del salón esto es así ya que el mismo pintor puso un espejo que la refleja esto deja que el lugar parezca mas amplio y que se puedan ver bien todas las bailarinas en sus puestos.

4. Joseph Mallord William Turner

Artista Ingles, del 1775, amante del romántico otro gran fundador del impresionismo y sobre todo un paisajista por excelencia. Es reconocido por ser el pintor de la luz, no solo era conocido por sus pinturas en óleo si también por las que hacia con acuarelas. Le interesaba la pintura sublime, les interesaba retratar los desastres naturas, así como catástrofes, hundimientos de barcos y entre otros factores en sus lienzos. Aparecen muchas obras con le poder violento del mar tirando barcos y hundiéndolos. En sus pinturas representaba y generaba luminosidad, fluidez. Con el tiempo fue dejando de lado el óleo y se centro en la luz pura este si que es la oposición de Caravaggio.

Por otro lado la llegada de la pintura en pomo es la que permite a los artistas dejar sus talleres para poder pintar con facilidad el mundo exterior que los rodeaba, es por ese muchos de estos pintores eran paisajistas y Turner era uno de ellos.

Da la sensación de que Turner tenía una fascinación por el terror o un respeto por los desastres que traía la naturaleza, de hecho es una repetición continua la cantidad de obras que tratan sobre estos temas en su colección. Este artista deja completamente el color negro como su fuente principal como lo hacían algunos de los artistas anteriormente nombrados, el por su parte tenia una ausencia absoluta del negro de hecho las sombras las hacia de una manera mas translucida y hasta con colores mas calidos. Sus imágenes se vuelven un tanto mas abstractas mas mística muestra con naturalidad algo a lo que los humanos le tienen mucho miedo ya que no hay nada de pueda parara una catástrofe.

4.1 Lluvia, vapor y velocidad

Este cuadro esta hecho en lienzo con óleo, se que la figura principal es un ferrocarril que va hacia donde estaría el espectador pasando por su propio vapor y por la lluvia como bien lo dice el cuadro. Si se lo mira una sola vez pueden parecer muchas manchas en este cuadro pero hasta se tomo el momento para hacer un barquito que esta en el agua a la izquierda de este cuadro, también parece un pequeño puente, da la sensación de ser como una especie de tren fantasma que se va perdiendo con el tiempo. Las tonalidades de los colores claros dan un aspecto de profundidad.

Se podría decir que este cuadro se puede apreciar en dos partes, la inferior en donde esta la tierra y se ve el barquito y el tren y por otro lado la superior en donde se puede destacar el cielo. Y esto aparece gracias

a las tonalidades y a la cantidad de

iluminación que se ve destacada en el cuadro, esto hace que el cielo contraste con el suelo, para esta obra utilizo colores mas bien del tipo claros, amarillentos y entre los mas oscuros aparece el azul todo esto en el cielo y en la tierra aparecen rojizos y marrones que serian un tanto mas oscuros, al igual que Degas esta obra y los objetos que la constituyes no parecen estar estancados como es el caso de las pinturas de Carracci y Caravaggio en este caso se ve perfectamente que el objeto principal del cuadro se encuentra en pleno movimiento y hasta se cree que es la primera veza que aprecio un ferrocarril en una pintura. Esto da una fase por la cual se estaba transitando en ese momento la era de la revolución industrial y obviamente contrastando esta industrialización con lo que esta misma produce en el ambiente natural y los problemas que van a afectando a la naturaleza que también son representados en sus obras.

La verdadera figura principal en esta obra al igual que en la pintura de Degas es la luz que le da unos efectos impresionantes en esta pintura, las pinceladas con las que trabaja parecen ser rápidas y bien empastadas. Este cuadro no parece haber sido rasqueteado en las pastes mas oscuras para llegar a los mas claro del lienzo.

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