RADIO 13 26-05-2016 1- NADA de por JULIO SOSA 2:49 Tango 1944 Música: José Dames, Letra: Horacio Sanguinetti Julio Sosa Datos generales Nombre real Julio María Sosa Venturini Nacimiento 2 de febrero de 1926 Origen Las Piedras, Canelones, Uruguay Nacionalidad Uruguaya Muerte 26 de noviembre de 1964 (38 años) Buenos Aires, Argentina Ocupación Cantante Género(s) Tango y Milonga Instrumento(s) Voz Período de actividad 1947-1964

Julio María Sosa Venturini (Las Piedras, Uruguay, 2 de febrero de 1926 – Buenos Aires, Argentina, 26 de noviembre de 1964), más conocido como Julio Sosa y apodado El Barón del Tango, fue un cantante uruguayo de tango que alcanzó la fama en Buenos Aires y Uruguay en las décadas de 1950 y 1960.

Biografía: Primeros años; Nació en el seno de una familia humilde, hijo de Luciano Sosa, peón de campo, y Ana María Venturini, lavandera. En su juventud, a causa de la pobreza, ejerció varios empleos (popularmente conocidos como "changas").

En 1942 se casó, con tan sólo 16 años, con Aída Acosta, de quien se separó tres años más tarde, en 1945.

Carrera: Sus comienzos profesionales fueron como vocalista en la orquesta de Carlos Gilardoni en la ciudad de La Paz. Se fue a Buenos Aires en 1949. Llegó a triunfar en el Río de la Plata, siendo considerado uno de los cantores de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Durante sus 15 años de trayectoria en Argentina, Sosa fue cantor de tres orquestas. La primera, Francini-Pontier (1949-1953), con la que realizó 15 grabaciones en RCA Victor, entre ellas Por seguidora y por fiel, Dicen que dicen, Viejo smoking y El hijo triste (única grabación a dúo de su discografía, junto a Alberto Podestá); la segunda, la de Francisco Rotundo (1953-1955), con el que grabó 12 temas en el sello Pampa, entre ellos Justo el 31, Mala suerte, Secreto, Yo soy aquel muchacho y Bien bohemio; y la 1

tercera, la de Armando Pontier (1955-1960), ya desvinculado de Francini. En esta etapa Sosa grabó en total 33 registros, 8 de ellos para RCA Victor (1955-1957) y los 23 restantes en el sello CBS Columbia (1957-1960). Algunos temas destacados son: Tiempos viejos, Araca París, Cambalache, Al mundo le falta un tornillo, Padrino pelao, Tengo miedo, Margot, El rosal de los cerros, Brindis de sangre y Azabache.

La única película en la que participó fue Buenas noches, Buenos Aires, un filme musical dirigido en 1964 por Hugo del Carril. Fue bautizado por el periodista Ricardo Gaspari como El Varón del Tango, llamándose así también su primer disco de larga duración. Leopoldo Federico hizo que el cantor se volviera famoso a través de sus composiciones.

Vida privada: En 1958 se casó con Nora Edith Ulfeldt, con quien tuvo una hija, Ana María, divorciándose poco después y poniéndose en pareja con Susana "Beba" Merighi. En el año 1960 escribió su único libro, Dos horas antes del alba.

Muerte: Julio María Sosa Venturini, Villa del Parque, chocó a considerable velocidad contra el semáforo de Avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla (ciudad de Buenos Aires, Argentina) el 26 de noviembre de 1964. El auto pasó sobre el monolito que resguardaba el semáforo (que quedó quebrado) y paró contra el Arzobispado Ortodoxo, 50 metros más allá.

Fue internado en el hospital Fernández y trasladado al sanatorio Anchorena, a las 7 AM. Tenía hundimiento de 4 costillas, lesión grave en el pulmón izquierdo y conmoción cerebral. Por la tarde lo operaron dos veces para liberar un pulmón de la presión de dos costillas, pero a las 21.30 del 26 murió sin recobrar el conocimiento.

Recorte fotográfico de la Revista Así en el velatorio de Julio Sosa.Su esposa, Susana Merighi, afirmó tiempo después que el coche de su marido había sido embestido por otro vehículo antes de chocar con el semáforo, dicha declaración tuvo como base un peritaje mecánico y dio lugar a un nuevo sumario caratulado como "Homicidio Culposo".

2- QUERO, QUERO de y por MARTINHO DA VILA 3:41Martinho da Vila

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Martinho José Ferreira (nacido en Duas Barras el 12 de febrero de 1938), conocido como Martinho da Vila, es un cantante y compositor brasileño.

Biografía: Sambista de la escuela de Vila Isabel de Río de Janeiro (pese a haber nacido en el interior del estado de Río), comenzó su carrera en el III Festival de Música de la cadena de televisión Record, en 1967, en el que concursó con la canción "Menina moça". Repetiría la experiencia en 1968 y 1969. En ese último año salió al mercado su primer álbum de larga duración: Martinho da Vila, que incluía los explosivos partidosaltos "Casa de bamba" y "O pequeno burguês" y los sambas-enredo en estilo compactado "Iaiá do cais dourado" y "Carnaval de ilusões", que alteraban el formato tradicional.

Su fama se amplió en 1974 con Canta, canta, minha gente, disco que incluía la samba "Disritmia", que fue muy pinchada por las emisoras de radio. En 1981, mirando a un público que buscaba un repertorio más romántico, grabó el disco Sentimentos, que incluye el tema "Ex amor". En 1988 la escuela de samba de Vila Isabel fue la campeona con el samba-enredo "Kizomba, festa da raça", escrita por Martinho. El mismo año lanza el disco Festa da raça con CBS y al año siguiente explota con la samba "Dancei", popularizado por la telenovela Tieta, de la cadena de televisión Globo.

Tá delícia, tá gostoso, de 1995, que incluye los éxitos "Mulheres", "Cuca maluca", "Devagar, devagarinho" y el corte que da título al álbum, fue un nuevo hito en la carrera del compositor, con más de un millón de copias vendidas. En 1997, abrió un bar en el barrio de Vila Isabel, el Botiquim do Martinho, que se convirtió pronto en un lugar de encuentro de sambistas. Al año siguiente, el lanzamiento de 3.0 turbinado ao vivo por parte de la casa discográfica Sony sirvió de recapitulación de su carrera, al incluir antiguos éxitos ("Quem é do mar não enjoa", "Vem chegando, chega mais", "Casa de bamba", "Canta, canta minha gente") y clásicos de la samba ("Batuque na cozinha", de João da Baiana y "Pelo telefone", de Donga y Mauro de Almeida).

Con sus enormes ventas, Martinho rompió con el tabú que había en la escena de la música brasileña de que los sambistas necesitaban voces intermediarias para llegar a las masas.

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3- EL CARRETERO de y por BUENA VISTA SOCIAL CLUB 3:37 Buena Vista Social Club Datos generales Origen La Habana, Cuba Género(s) son cubano, bolero, guajira, salsa Período de actividad 1966 - presente Buena Vista Social Club es el nombre de un club social muy popular de La Habana, Cuba, cuyos miembros practicaban el baile y la música. También es el nombre de una agrupación musical creada en la década de 1990, casi 50 años después de que el club cerrase, que inspiró una grabación hecha por el músico cubano Juan de Marcos González y por el guitarrista estadounidense Ry Cooder con músicos cubanos tradicionales, muchos de ellos antiguos miembros del club en el que se presentaron cuando su popularidad estaba en la cumbre.

La grabación, llamada Buena Vista Social Club, por esa institución de La Habana, fue un éxito internacional, y el grupo se presentó con su formación completa en Ámsterdam, Países Bajos, en 1998. El director de cine alemán Wim Wenders grabó la presentación, seguida de un segundo concierto en el Carnegie Hall, de Nueva York, concierto éste que fue la cumbre del documental que resultó del trabajo de Wenders. El documental también incluye entrevistas con los músicos llevadas a cabo en La Habana. La película de Wenders, también nombrada Buena Vista Social Club, fue aclamada por la crítica y recibió una nominación al Óscar al mejor documental largo y numerosos galardones, entre los que se incluye Mejor Documental en el European Film Awards.

Tanto el éxito del álbum como el de la película produjeron un gran interés por la música cubana tradicional y la música latinoamericana en general, en todo el mundo. Algunos de los músicos cubanos lanzaron después álbumes en solitario que fueron bien acogidos, y grabaron otros en colaboración con diversas estrellas de la música internacional de distintos géneros. El nombre "Buena Vista Social Club" se convirtió en un término que abarcaba este tipo de presentaciones y lanzamientos en colaboración, además de relacionarse con una etiqueta que encapsula la llamada "Edad de Oro de la música cubana", entre la década de 1930 y la de 1950. El nuevo éxito fue efímero para la mayoría de los miembros del grupo: Manuel "Puntillita" Licea, Compay Segundo, Rubén González, Ibrahim Ferrer y Pío Leyva murieron pocos años después, a los 73, 95, 84, 78 y 88 años, respectivamente; Licea en 2000, Segundo y González en 2003, Ferrer en 2005 y Leyva en 2006. Se mantienen vigentes otros de los miembros principales: 4

Omara Portuondo, Eliades Ochoa, Manuel "Guajiro" Mirabal, Amadito Valdés, Barbarito Torres, Ry Cooder, Joachim Cooder, Juan de Marcos González y Papi Oviedo.

Club social: El Buena Vista Social Club se ubicaba en el populoso barrio de Buena Vista 31 núm. 4610, entre las calles 46 y 48, Marianao. El primer presidente de esta sociedad era de apellido Travieso, del que queda vivo su hijo Raulito, dicho por Roberto González Sardiñas "El Pikin", quien asistía al jardín de infancia que por la mañana ahí se abría en la década de 1940. Según Juan Cruz, un antiguo maestro de ceremonias del club nocturno "Salón Rosado Benny Moré", y del Ex-Salón Mambí del cabaret "Tropicana" que bautizó a los Pikin's y trajo a la Orquesta Aragón de Cienfuegos a La Habana, cuando los músicos Ry Cooder, Compay Segundo y el equipo de rodaje intentaron identificar la ubicación del club, en los años 1990, las personas que por allí vivían no llegaban a un acuerdo sobre dónde se encontraba.

El club se hallaba en la región de un cabildo, una cofradía que databa del colonialismo español. Los cabildos de Cuba se desarrollaron hasta convertirse en "Sociedades de Color", clubes sociales en los que los miembros se clasificaban según su etnia, en una época en la que la esclavitud y la discriminación contra los afrocubanos era algo institucionalizado. Existieron sociedades de negros a lo largo de toda Cuba, y La Habana disponía de un número de organizaciones sólidamente encadenadas entre sí: el Marianao Social Club, la Unión Fraternal, el Club Atenas - entre cuyos miembros se hallaban médicos e ingenieros - y el propio Buena Vista Social Club.

Según Ry Cooder, "La sociedad cubana y caribeña e incluso la de New Orleans, que yo sepa, estaba organizada alrededor de estos clubes sociales. Había clubes de envolvedores de cigarrillos, de jugadores de béisbol y jugaban cartas y practicaban deportes y tenían sus mascotas, como perros. En el caso del Buena Vista Social Club, allí se reunían músicos, como en los clubes de los EE.UU. Además, tenían actividades de baile y muchas otras más."

Varios músicos consagrados tocaron en el club durante los años 1930 y 1940, incluso el bajista Cachao López y el líder de banda, Arsenio Rodríguez. El pianista de Rodríguez, Rubén González, que tocó el piano en las grabaciones en los '90, describió los '40 como "una edad de verdadera vida musical en Cuba, donde no había mucho dinero para ganar, 5

pero tocaban porque realmente lo querían". Esa era vio nacer al mambo influenciado por el jazz, la charanga, y formas de baile como la pachanga y el cha-cha-cha, así como el desarrollo de los tradicionales estilos musicales afrocubanos como la rumba y el son, que más tarde fue modificado por el uso de instrumentos adicionales, llevado a cabo por Arsenio Rodríguez, para volverse son montuno El son, descrito como "el cimiento de la música cubana", ha transformado gran parte de la música latinoamericana del siglo XX.

Cierre de los sitios sociales: Poco después de la Revolución Cubana de 1959, el nuevo presidente cubano Manuel Urrutia Lleó empezó un programa de cierre o nacionalización de tiendas de juego, clubes nocturnos y otros establecimientos asociados al estilo de vida hedonístico de La Habana. Ello tuvo un impacto inmediato para los que así se ganaban la vida. Como el gobierno cubano rápidamente se movió hacia el comunismo, que incrementó el control social dejando poco margen para actividades privadas, muchos de los centros sociales y culturales fueron abolidos, incluso las sociedades de color afrocubanas de ayuda mutua, en 1962, para abrir camino a sociedades racialmente integradas. Las festividades en privado fueron limitadas a fiestas de fines de semana y se confiscaron los subsidios para las organizaciones. Dichas medidas significaron el cierre del Buena Vista Social Club. Aunque el gobierno cubano seguía apoyando la música tradicional tras la revolución, se hicieron concesiones al políticamente emotivo Nueva Trova y a compositores como Silvio Rodríguez. La aparición de la música popular y de la salsa, un estilo derivado de la música cubana pero desarrollada en los Estados Unidos, significó que el son quedó lejos de la apreciación de las autoridades cubanas.

4- VIVO PER LEI de por ANDREA BOCELLI y LAURA PAUSINI 4:26 Vivo per lei Sencillo de Andrea Bocelli del álbum Romanza Grabación 1995 Autor(es) Gatto Panceri, Valerio Zelli "Vivo per lei" (Español: "Vivo por ella") es el nombre de una canción de 1995 grabado por el artista italiano Andrea Bocelli como dúo con Giorgia para su álbum "Romanza". La canción fue lanzada como dúo también por otras artistas femeninas, incluyendo a la francesa Hélène Segara en los países de habla francesa, Judy Weiss en los países de habla alemana, Marta Sánchez en España y Sandy Leah Lima en portugués brasileño. Y, en esta versión con su compatriota Laura Pausini.

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La versión con Marta Sánchez encabeza la lista de singles española en 1996 bajo el título "'Vivo Por Ella'" y está disponible en su álbum "Un paso más cerca". La versión con Segara fue lanzada en diciembre de 1997 y se convirtió en un éxito en Bélgica (Valonia) y Francia, donde alcanzó el número uno en las listas de éxitos. Era el quinto single del primer álbum de estudio de Segara, Coeur de verre. La versión con Judy Weiss también fue número uno en Suiza en 1997.

5- CALLE ANGOSTA de J. Zabala por MERCEDES SOSA 3:21 Mercedes Sosa Datos generales Nombre real Haydée Mercedes Sosa Nacimiento 9 de julio de 1935 Origen pueblo de Monteros, provincia de Tucumán, Argentina Muerte 4 de octubre de 2009 (74 años), Buenos Aires, Ocupación cantante folclórica Información artística Tipo de voz Contralto dramática Instrumento(s) voz, percusión, guitarra criolla Período de actividad 1950-2009 Haydée Mercedes Sosa, (Tucumán, 9 de julio de 1935 - Buenos Aires, 4 de octubre de 2009) conocida como Mercedes Sosa, fue una cantante de música folclórica argentina, reconocida en América, considerada la mayor exponente del folklore argentino, cumbre de la Historia de la música folclórica de Argentina y una de las principales e infaltables cantantes de la música popular de Latinoamérica. Se la conoce como La Voz de América Latina.

Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva canción latinoamericana. Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», en lo que fue una distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral).

Ese ideal fue expresado por Mercedes Sosa en los títulos de sus álbumes como Canciones con fundamento y Yo no canto por cantar. Entre las interpretaciones con que se ha destacado en el cancionero latinoamericano se encuentran «Al Jardín de la República», «Canción con todos», «Alfonsina y el mar», «Gracias a la vida», «Como la

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cigarra», «Zamba para no morir», «Solo le pido a Dios», «La maza», «Todo cambia», «Duerme negrito», «Calle angosta». Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971), Cantata sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad (1997), su interpretación de la Misa criolla (2000) y Cantora (2009). Cantora su último trabajo, lanzado poco antes de su muerte, es un álbum doble donde interpreta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el Himno nacional argentino.

6- IL PLEURE DANS MON COEUR (Il plere dan mon quer) (Llanto en mi corazón) 2:37 de y por LEO FERRÉ Léo Ferré Datos generales Nacimiento 24 de agosto de 1916, Mónaco, Nacionalidad Francesa Muerte 14 de julio de 1993 (76 años), Castellina in Chianti, provincia de Siena, Italia Ocupación Cantante, poeta, compositor de canciones, compositor, cantautor, escritor, conductor radiofónico y dirección de orquesta Género(s) chanson Instrumento(s) piano, voz Léo Albert Charles Antoine Ferré (Mónaco, 24 de agosto de 1916 - Castellina in Chianti, 14 de julio de 1993) fue un autor, compositor, intérprete, pianista y poeta francés. Al haber compuesto más de cuarenta álbumes originales en un período de 46 años, Léo Ferré es el cantautor más prolífico de la lengua francesa. Definiéndose a sí mismo como anarquista, esta forma de pensar inspiró grandemente su obra. Junto con el belga Jacques Brel (1929-1978) y con Georges Brassens (1921-1981) es considerado uno de los grandes compositores de la chanson.

Biografía: Infancia[editar]Hijo de Joseph Ferré, director del personal del Casino de Monte Carlo, y de Marie Scotto, costurera de origen italiano, junto con Lucienne, dos años mayor que él.

Léo Ferré se interesó en la música desde edad temprana. A los cinco años, se unió al coro de la Catedral de Mónaco como soprano. Descubrió la polifonía a través de las obras de Palestrina y de Tomás Luis de Victoria. Su tío, Albert Scotto, antiguo 8

violinista de la orquesta de Monte Carlo y director de teatro del Casino, lo hace asistir a las representaciones y ensayos con lugar en la Ópera de Monte Carlo, que en ese momento era la Meca de la vida musical internacional. Allí escuchó la voz de Fiódor Chaliapin, presencia la dirección de Arturo Toscanini, y descubre a Beethoven. Pero aquello que le impresiona más es la presencia del compositor Maurice Ravel.

A los nueve años entró al colegio cristiano de San Carlos de Bordighera, donde permaneció por ocho años. Después escribiría sobre su infancia solitaria y encerrada en una ficción autobiográfica titulada Benoît Misère (1970). Aumentó su conocimiento sobre la teoría de la música y, a la edad de 14 años, compusó el Kyrie de una misa y la melodía para un poema de Verlaine, Soleils couchants.

En secreto, él lee a los autores considerados subversivos por los padres del colegio: Voltaire, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, Mallarmé. De regreso a Mónaco para obtener su título, se volvió un escritor independiente para el periódico Le Petit Niçois, como crítico musical, lo que le permitió acercarse a maestros de orquesta tan prestigiosos como Antal Dorati o Mitropoulos. En esta época descubrió Daphnis et Chloé y el Concerto pour la main gauche, de Ravel, bajo la dirección de Paul Paray, así como el Boléro y la Pavane pour une infante défunte, dirigidos por el compositor en persona.

Formación: En 1935, viaja a París para asistir a la escuela de leyes. Poco interesado en los acontecimientos políticos de su época, continúa sus lecciones de piano de manera autodidacta, al mismo tiempo que madura en su redacción. Con una licenciatura en ciencias políticas regresa a Mónaco en 1939, un año antes de ser reclutado. Es asignado a la infantería y dirige un grupo de tiradores argelinos. Su vocación como compositor se afirma después de este momento.

En 1940, con motivo de la boda de su hermana, escribió un Ave María para órgano y violonchelo, y comienza a componer la música para canciones escritas por un amigo suyo. Con este material se presenta por primera vez en público, el 26 de febrero de 1941, en el Teatro de Bellas Artes de Monte Carlo, bajo el nombre de Forlane. Sus primeros textos personales datan de este año. Al final de un concierto 9

en Montpellier donde se presentaba el cantante Charles Trenet (1913-2001), Ferré le cantó tres de sus canciones, pero Trenet le aconsejó que no cantara, y que se contentara con escribir para los demás.

Él terminó consiguiéndose una buena reputación, no sin dificultades, para llegar sus canciones a la voz de algunos de los artistas de la época: Edith Piaf, Henri Salvador, Giraud Yvette, Les Frères Jacques. Pero fue en la cantante Catherine Sauvage que él encuentra a la embajadora más leal, apasionada y persuasiva de su obra.

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