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Danza flamenco / Sala Roja

CAYETANA, SU PASIÓN Ballet Flamenco de Cecilia Gómez Del 31 de agosto al 18 de septiembre Duración: 90´

Sobre el espectáculo La bailarina Cecilia Gómez inicia la andadura de su propia compañía con el espectáculo Cayetana, su pasión, un homenaje a la figura de la Duquesa de Alba y a su gran afición por el baile flamenco. Llamar Cayetana como nombre propio a este espectáculo evidencia que ser Duquesa no le ha condicionado su amor a la danza, al toreo, a la pintura o al flamenco. Un recorrido por las artes que han formado parte de su vida, desde sus primeros pasos de baile de la mano de Enrique, El Cojo, hasta sentirse bailaora. Durante este recorrido se verá una mujer llena de talento, intuición y creatividad, con una gran esencia, de enorme personalidad. Los cuadros llevarán a la pintura, los poemas a la literatura, el baile flamenco con su acercamiento al mundo del toro y su entrega a todas estas artes serán repartidas en siete actos ilustrados mediante la danza. En este primer proyecto, Cecilia Gómez está respaldada por un elenco extraordinario de bailarines y músicos. Además, cuenta con el apoyo y la colaboración especial de Antonio Canales, Jesús Quintero poniendo voz a los poemas de Pascual González y Diego Carrasco, Antonio Gallardo y José Jiménez, El Viejín entre otros en la música y letra. Mientras que en el vestuario son los prestigiosos diseñadores españoles Victorio&Lucchino quienes visten con sus diseños exclusivos la totalidad de la obra.

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Sobre la compañía Cecilia Gómez nació en La Línea de la Concepción (Cádiz) el 21 de octubre de 1974. Fue allí donde empezó a dar sus primeros pasos en el mundo del baile hasta desplazarse a muy temprana edad a Málaga para estudiar clásico español, dando de esa forma por empezada una carrera que en el tiempo se prolonga y que ha recibido la influencia de maestros como Ciro, Manolete, Javier La Torre, Azorín, Antonio Reyes, Manuel Reyes, Antonio, El Pipa, Cristóbal Reyes, Maica Moyano, Jose Granero, Juan Andrés Maya, Carl Paris y Sara Baras. Con su influencia y con su propia manera de expresar el baile se ha subido a los escenarios de medio mundo con el Ballet de Manuel Ruiz Bernal, de Carmen Mota, de Joaquín Cortés, de Paco Peña, de Antonio el Pipa y de Sara Baras, con espectáculos tan importantes como Juana, La Loca, Mariana Pineda, Sueños, Sabores, Baras Carreras, Carmen, Pasión gitana, Musa gitana. Con los que ha recorrido países de los cinco continentes actuando como solista. Sin embargo, ha sido en el año 2010 cuando definitivamente se ha lanzado a la creación de su propia compañía en la que ejerce como directora y artista principal del espectáculo Cayetana, su pasión. Un espectáculo de siete actos inspirado en la figura de la Duquesa de Alba, el cual se estrenó con éxito en el Teatro Lope de Vega de Madrid. Ficha artística Ayte de dirección: Antonio Canales / Coreografía: Cecilia Gómez / Vestuario: Victorio y Lucchino / Voz en off: Jesús Quintero / Texto: Pascual González / Música original: David Cerreduela y músicos de la compañía / Letras: Miguel De La Tolea, Juañares Carrasco, Guadiana / Colaboración especial: Paco de Lucía, Diego Carrasco, Moraito Chico, José Jiménez el Viejín / Bailarina solista: Cecilia Gómez / Cuerpo de baile: Antonio López, Adrián Santana, José Manuel Fernández, Desiree Pérez, Vanesa Cortés / Guitarras: David Cerreduela e Israel Cerreduela / Cante: Miguel de la Tolea, Saúl Quirós, Jacob Quirós / Violín: Thomas Potirón / Percusión: Antonio Losada / Director musical: Miguel de la Tolea Más información en: www.teatroscanal.com www.ceciliagomezdanza.com

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Teatro comedia / Sala Verde

EL PISITO Juan José Seoane Producción y Distribución, S.L. Del 1 al 25 de septiembre Duración: 1h 45´

Sobre el espectáculo Rodolfo y Petrita son una de tantas parejas de novios que en el Madrid de los años cincuenta y después de quince años de noviazgo no pueden casarse porque su precaria economía no alcanza para comprar ni alquilar un piso. Rodolfo pide ayuda al jefe de su oficina y la única barbaridad que se le ocurre es que se case con la patrona de su pensión, una anciana de 87 años, y así cuando ella muera heredará el piso y, ya viudo, se pueda volver a casar, pero esta vez ya con su Petrita. Afortunadamente los tiempos en el día de hoy han cambiado, cuando una pareja de enamorados quieren tener su propio pisito, no es necesario que se case él con una anciana y esperar cuatro o cinco años. Hoy este problema está solucionado casándose con un banco para treinta años…o más.

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Sobre el director, Pedro Olea (Bilbao, 1938) Director de cine español. Estudió ciencias económicas en Bilbao, pero abandonó la carrera para asistir en Madrid a la Escuela Oficial de Cinematografía. Los primeros trabajos como aficionado los realizó en 8 y 16 mm, y fue crítico en revistas cinematográficas. Trabajó varios años en televisión y en publicidad antes de pasar al cine, con poco éxito al principio. Su primera película, Días de viejo color (1967) pasó desapercibida, y hubo de esperar hasta No es bueno que el hombre esté solo (1972) para encontrar el éxito. Su cine se caracterizó por un tema: la opresión del individuo bajo las fuerzas sociales, aunque en algunas películas se inclina por el cine de intriga. Otras películas suyas son El bosque del lobo (1970), Tormento (1974), Un hombre llamado flor de otoño (1977), Bandera negra (1986), El maestro de esgrima (1992), Morirás en Chafarinas (1995) o Tiempo de tormenta (2003). En 1994 se le entrega el Premio Telón de Madrid al Mejor Director Revelación, otorgado por profesionales de la escena. Reparto Don manuel Honorio Rodolfo Petrita Don Luis Rosa Dimas Doña Martina Voz del padre Voz del Padre Arteche

José María Álvarez Manuel Millán Pepe Viyuela Teté Delgado Jorge Merino María Felices Rafael Núñez Asunción Balaguer Juan Luis Galiardo Juanjo Seoane

Ficha artística Autor: Rafael Azcona / Director: Pedro Olea / Versión teatral: Juanjo Seoane y Bernardo Sánchez / Escenografía: Wolfgang Burmann / Vestuario: Javier Artiñano / Iluminación: Juan Gómez-Cornejo (A.A.I.) / Ayudante de dirección: Humberto Fernández. Mas información en www.teatroscanal.com www.juanjoseoane.com

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Danza ballet / Sala Roja

LA CENICIENTA Ballet Nacional de Cuba 23, 24 y 25 de septiembre Duración: 1h 45´

Sobre el espectáculo La Cenicienta es la única música de Johann Strauss compuesta expresamente para un ballet, a pesar de que otras obras suyas han sido usadas frecuentemente, con éxito, en obras coreográficas. El coreógrafo cubano Pedro Consuegra presentó por primera vez una versión coreográfica de la obra en 1988, en la Opera de Marsella. Para el Ballet Nacional de Cuba, Consuegra revisó sustancialmente esa coreografía, y enriqueció los aspectos técnicos y dramáticos. Esta nueva versión, fue estrenada en La Habana el 9 de marzo de 1996. Sobre la compañía El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiosas compañías danzarinas del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea. El rigor artístico-técnico de sus bailarines y la amplitud y diversidad en la concepción estética de los coreógrafos, otorgan a esta agrupación un lugar

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relevante entre las grandes instituciones de su género en la escena internacional. La compañía surge en 1948, con Alicia Alonso como principal fundadora y primerísima figura. En 1950 se crea la Escuela Nacional de Ballet Alicia Alonso, anexa a la compañía profesional. Desde los inicios, la línea artística del Ballet Nacional de Cuba partió del respeto a la tradición romántica y clásica, estimulando al mismo tiempo el trabajo creativo de coreógrafos que seguían una línea de búsquedas en lo nacional y contemporáneo. Ya en esta temprana etapa, el montaje de las versiones completas de clásicos como Giselle, El lago de los cisnes o Coppélia, estuvo acompañado de obras procedentes del movimiento renovador de los Ballets Rusos de Diáguilev, como Petruschka o La siesta de un fauno; y de ballets creados por coreógrafos nacionales. El advenimiento de la Revolución en 1959 marcó el inicio de una nueva etapa para el ballet cubano. Ese año, como parte de un nuevo programa cultural, se reorganiza la compañía con el nombre de Ballet Nacional de Cuba, y ha tenido desde entonces un auge vertiginoso, enriqueciendo su repertorio y promoviendo el desarrollo de nuevos bailarines, coreógrafos, profesores y de otros creadores en otros géneros relacionados con la danza, como las artes plásticas y la música. Junto al perfeccionamiento del repertorio tradicional, se ha incentivado un pujante movimiento coreográfico, con obras que se ubican dentro de los más significativos logros de la coreografía contemporánea. Además de su intensa actividad en Cuba, donde ha logrado proyectar socialmente su arte a nivel popular, el Ballet Nacional de Cuba desarrolla anualmente un programa de giras internacionales, que lo lleva a escenarios de diversos países de Europa, Asia y América. Importantes galardones, como el Grand Prix de la Ville de París y la Orden «Félix Varela», de la República de Cuba, se suman a la aclamación de los más destacados representantes de la crítica especializada y a las distinciones recibidas por sus figuras, de manera individual, en concursos y festivales internacionales. El Ballet Nacional de Cuba es la máxima expresión de la escuela cubana de ballet, que sobre la base del legado cultural que brindan varios siglos de tradición en la danza teatral, ha logrado una fisonomía propia en la cual esa herencia se funde con los rasgos esenciales de la cultura nacional. Ficha artística Coreografía y libreto: Pedro Consuegra, inspirado en el cuento homónimo de Charles Perrault / Música: Johann Strauss (hijo) / Diseños: Armin Heinemann / Intérpretes: Ballet Nacional de Cuba. Más información en: www.teatroscanal.com www.pepser.es

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Música contemporánea / Sala Verde

FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA DE MADRID Asociación Madrileña de Compositores 25 de septiembre, 2 y 30 de octubre

Sobre los conciertos Las obras más recientes de compositores nacidos o residentes en Madrid se podrán escuchar este año en los Teatros del Canal. La Asociación Madrileña de Compositores (AMCC), celebra la XIII edición del Festival Internacional de Música Contemporánea, COMA´11. Una cita de primer orden con la creación artística madrileña que ofrecerá tres conciertos en los Teatros del canal, concebidos dentro de un programa que incluye otros conciertos en Madrid, mesas redondas con ponencias y debates. En los Teatros del Canal se darán cita formaciones musicales como la Orquesta de Cámara Sic, dirigida por Sebastián Mariné; El grupo Mad4clarinets, dirigidos también por Sebastián Mariné, y el Cuarteto Areteia, con interpretaciones de obras de autores como Tomás Marco, Antón García Abril, o José Luis Turina, entre otros. - Concierto 25 de septiembre Director: Sebastián Mariné / Intérpretes: Orquesta de Cámara SIC Laberinto marino Cuaderno de jardin (estreno) Reflexión Imprinting (estreno) Obra a determinar

Tomás Marco Sebastián Mariné Agustín González Acilu Jesús L. Álvaro Javier Jacinto

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- Concierto 2 de octubre Director: Sebastián Mariné / Interpretes: MAD4clarinets Ebony Quartet (estreno) Cuatro cuartetos Cuarteto de sol Dos bagatelas de noches (estreno) Constelación V “El agua es una llama mojada” Girándula

José Susi José Luis Turina Zulema de la Cruz José Zarate Santiago Lanchares Jacobo Durán-Loriga

- Concierto 30 de octubre Intérpretes: Cuarteto Areteia Trío en cuestión (estreno) Cuarteto de Agrippa Improvisación en torno a: “Acrílico y óleo sobre papel nº 3” Obra a determinar

Rafael Cavestany Antón Gª Abril Alejandro Moreno Ángela Gallego

Sobre los intérpretes Orquesta de Cámara SIC Magdalena Llamas (mezzo-soprano) / Guillermo Pastrana (violonchelo), Alfredo García (concertino) Mad4clarinets Salvador Salvador, Josep Arnau, Pablo Fernández, Justo Sanz, Guillermo Pastrana (violonchelo) y Alfredo García (concertino) Cuarteto Areteia Alfredo García (violín), Pedro Garbajosa (clarinete), Víctor Gil (violonchelo) y Elena Aguado (piano). Más información en: www.teatroscanal.com http://amcc.jimdo.com/

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Danza ballet / Sala Roja

EL LAGO DE LOS CISNES Ballet Nacional de Cuba Del 28 de septiembre al 2 de octubre Duración: 1h 55´

Sobre el espectáculo El lago de los cisnes, una de las más famosas obras del repertorio tradicional que se estrenó en el Teatro Bolshoi de Moscú en 1877. Fue reestrenada en una nueva y exitosa escenificación en 1895, en el Teatro Marinski de San Petersburgo, con los actos primero y tercero coreografiados por Marius Petipa, y el segundo y cuarto actos por Lev Ivánov. En la versión creada por Alicia Alonso, la conocida estructura argumental, coreográfica y musical Petipa-Ivánov-Chaikovski se sintetiza en tres actos y un epílogo. De acuerdo con la estética del Romanticismo, su argumento es una cándida historia que incluye prodigiosas transformaciones, encantamientos y monstruos malignos, pero en la que reaparece el amor como fuerza triunfante sobre el mal. Una obra maestra que perdura como ejemplo excepcional del estilo y los modos expresivos de la danza de toda una época. En El lago de los cisnes existe un contraste entre el ambiente realista de los actos primero y tercero, y la atmósfera sublunar y misteriosa de los llamados ―actos blancos‖. En la versión de Alicia Alonso el primer acto y el tercero también tienen cualidades muy distintas. El telón abre en el primer acto —después del famoso preludio elegíaco—, con la fiesta organizada por los campesinos en plena ebullición. Los bailes de este acto poseen un carácter popular, franco y extrovertido, en tanto en la celebración del tercer acto, en el palacio, se respira una atmósfera más contenida, cortesana, en un estilo claramente diferenciado. Al concluir el primer acto ya está expuesto el conflicto entre la Reina Madre y el Príncipe Siegfried, y sugerido el mundo fantástico en el que el joven va a penetrar en el segundo acto, lo cual contribuye a la continuidad del argumento y a la

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comprensión de la historia. La Alonso aplica aquí el recurso del teatro dentro del teatro, y enriquece así un acto que puede considerarse modélico en cuanto a progresión dramática. Después de los bailables de los campesinos, que ocurren no por casualidad a la hora del ocaso, el paso de la bandada de cisnes provoca un estado de encantamiento general imbuido de cierta melancolía, que anuncia la atmósfera del acto siguiente. Por otra parte, en los actos segundo y cuarto, la coreografía ideada por la Alonso para los cisnes hace énfasis en la línea recta: triángulos, diagonales, cruces en filas..., elementos estructurales que plásticamente evocan el dinamismo, la acción, el movimiento, y en ocasiones, la fortaleza, ideas que entroncan con el maleficio que ha caído sobre el lugar y del cual son víctimas las doncellas de aquel reino. Estilísticamente, los cisnes, en la versión de la Alonso, son inconfundibles con los de otras versiones. En algunas poses, las manos se mantienen con las muñecas quebradas, evocando la cabeza del cisne. En lo que respecta al tercer acto, lo más distintivo de la coreografía cubana es el pas de deux entre Odile y Siegfried, de notable dificultad técnica. Un detalle característico, es la famosa secuencia de sautés arabesque sur les pointes. El cuarto acto, en la coreografía de Alicia Alonso, es sustituido por un epílogo que sucede sin interrupción al tercer acto. Esto contribuye a la fluidez y continuidad en el desarrollo de la trama, y a una síntesis más acorde con las exigencias de la escena contemporánea, ya que en ese punto del desarrollo de la obra, lo esencial está dicho, y se impone una rápida conclusión. A diferencia de otras versiones, aquí el amor y el bien triunfan sobre las fuerzas del mal: Siegfried logra vencer a von Rothbart y conjurar el hechizo, y los cisnes vuelven a convertirse en hermosas doncellas, desaparecen las ruinas que rodean el lago, y el palacio de la princesa Odette emerge intacto de las aguas, en una conclusión que se aviene también perfectamente a la estética romántica. Sobre la compañía El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiosas compañías danzarinas del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea. Ver información completa en página 8. Ficha artística Coreografía: Alicia Alonso, sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivánov / Música: Piotr Ilich Chaikovski / Escenografía: Ricardo Reymena / Vestuario: Francis Montesinos y Julio Castaño / Luces: Ruddy Artiles. Más información en: www.teatroscanal.com www.pepser.es

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Teatro negro / Sala Verde

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS Teatro Negro Nacional de Praga Del 29 de septiembre al 9 de octubre Duración: 1h 40´

Sobre el espectáculo Este espectáculo puramente mágico, no verbal, es una muestra visual que combina actores que dominan de una manera especial el teatro negro, los efectos teatrales, una gran pantalla de proyección de animación y trucos originales. Esta producción se ha presentado a audiencias en más de treinta países en tres continentes con su imaginación, poesía y la impecable técnica de los efectos especiales. No es una trascripción literal de la historia, pero en realidad comienza cuando Carroll la dejó. El espectáculo permite, a través de la fantasía, dos mundos separados por un espejo con una Alicia adulta que ve a su primera niñera, su despertar a la madurez y a los conocimientos y las desilusiones de la vida. Todo esto tiene lugar en la atmósfera de la antigua Praga, con sus joyas arquitectónicas, y la riqueza de su historia secreta que se entronca con los mitos y leyendas de las culturas cristiana y judía. La Catedral de San Vito y el legendario Carlos IV pasaran a través de los escondites secretos del cementerio judío o volará sobre la ciudad con los actores.

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La presentación artística, la amplia pantalla de proyección diseñada especialmente para esta producción, las películas de animación, los títeres, trucos y los originales efectos de luz del teatro negro, así como la hermosa música de Petr Hapka, se combinan para crear una experiencia teatral totalmente inusual, diferente de cualquier otra cosa que se haya visto. Esta producción se ha presentado en Praga y en muchas ciudades de todo el mundo. Sobre la compañía En 1983 funda la compañía de teatro negro Pan Optikun. Es guionista, director, actor y además inventa mecanismos para los trucos de escena (por ejemplo, las máquinas que permiten volar a los actores). Viaja por Europa, Asia y otros continentes con sus proyectos multivisuales. Esta compañía crea una verdadera magia visual y una inolvidable fantasía. Se fundó en Praga tras la ―'Revolución del Terciopelo‖'. Sus componentes habían trabajado en Estados Unidos utilizando esta técnica de Teatro y desde entonces han producido, siempre con gran éxito de público y crítica, diversos espectáculos: Alicia en el país de las maravillas, basada en el famoso libro de Lewis Carol; Made by Homo Sapiens, sobre el texto de Las locas aventuras del Barón Munchhausen; El jardín de las Delicias, representación del cuadro de El Bosco. Sobre el director del montaje, Pavel Marek Cofundador del teatro, productor y director artístico de teatro. Nació en Olomouc el 5 de julio de1956. Se graduó por la Facultad de la Academia de Artes Teatrales en Praga. Pocos años después de haber terminado los estudios cofunda el teatro vanguardista Pod stanem (Debajo de la carpa) que sobrevive durante un par de años y al que el régimen comunista impone silencio por razones políticas. La falta de libertad para la manifestación verbal se torna en motivo de búsqueda de un lenguaje escénico, un lenguaje de símbolos, alegorías, enigmas y metáforas. . Pocos años después de Reparto Veronika Miklova Alicia Martin Kalous Mago Pavel Marek jr Payaso Intérpretes negros: Jakub Marek, Nencev Dragan, Carvanova Krystina, Boida Petr, Pavel Marek y Sluneckova Ludmila Ficha artística Dirección escénica: Pavel Marek / Dirección musical: Petr Hapka / Música original: Petr Hapka, Ondrêj Soukuo y Gabriela Osvaldová / Escenografía y diseño de vestuario: Emma Srncová / Diseño de iluminación: Jaroslav Benês / Diseño de sonorización: Pavel Marek Más info en: www.teatroscanal.com www.fantasyproduction.cz

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Danza - teatro / Sala Roja

LA DUARTE Eleonora Cassano Ballet Del 6 al 16 de octubre Duración: 1h 50´

Sobre el espectáculo La Duarte es espectáculo de danza- teatro creado especialmente por Silvia Vladimivsky para Eleonora Cassano, sobre una idea original de Lino Patalano. Una mirada especial sobre la vida de una mujer que comenzó en el barrio de Los Toldos y finalizó en la cúspide del lujo y del poder. Pasa por algo el rigor histórico, político y cronológico, para detenerse en la personalidad de un ser que modificó, desde su accionar, la vida de los argentinos durante el siglo XXI. En La Duarte, Vladimivsky rescata a una Eva Mujer con su sexualidad, sus pasiones, sus conflictos, sus amores, sus odios, sus resentimientos y, sobre todo, su objetivo de vida. Una mujer que pudiéndose quedar en la comodidad de su lujoso vestuario y de sus joyas, prefirió cambiarlos por un traje sastre para darle, a través de su lucha, una identidad a una gran parte del pueblo que, hasta ese momento se hallaba sojuzgada por una clase alta poderosa e ignorada por una clase media indiferente. La música original fue compuesta por Sergio Vainikoff, la escenografía fue diseñada por Lucía Trevisacce y Carlos Bustamante y el vestuario por Mónica Mendoza. Los trajes de Eleonora Cassano son realización de Elsa Serrano recreados a partir de modelos originles de la época.

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Sobre Eleonora Cassano Sus principales maestros fueron Mirta Furioso, Karemia Moreno, Lidia Segni, Graciela Sultanik y Wilhelm Burmann. Desde 1998, alterna su carrera de primera bailarina clásica, con espectáculos realizados especialmente para ella por Ana María Stekelman y su compañía Tangokinesis, con quienes realiza giras por Europa y América al tiempo que actúa con Julio Bocca y el Ballet Argentino en el Luna Park y en el Teatro Colón. Reconocidos coreógrafos como Mauricio Wainrot y Alejandro Cervera montan especialmente para ella obras como Sin Tiempo y Diálogo respectivamente. El vasto repertorio de Eleonora Cassano incluye -entre otras- las siguientes obras: Romeo y Julieta, Don Quijote, Giselle, El Lago de los Cisnes, Other Dances, El Joven y la Muerte, Kuarahy, Carmen y Adiós Hermano Cruel, La Bayadere, Manon, Cascanueces, La Bella Durmiente, Raymonda , Tango de burdel, salón y calle, espectáculo que estuvo en la programación de Teatros del Canal en septiembre de 2010. Eleonora Cassano ha sido distinguida con la Medalla de Plata -Primer Premio Categoría Mujeres- en el Festival de New York (1987), el Premio Gino Tanni (1990) y el Leonard Massine (1991) en Italia y la Fundación Iberoamericana de Danza la eligió en 1990 como la Mejor Bailarina Clásica en Barcelona, España. En el año 2005, es declarada Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires recibiendo la Medalla de Oro del Senado de la Nación. En febrero de 2010 recibe la distinción de Visitante Ilustre de la ciudad de Mar del Plata. Eleonora Cassano, junto a bailarines de los principales cuerpos de ballet del mundo, participó en la función despedida de Julio Bocca, realizada en el Obelisco de Buenos Aires el 22 de diciembre de 2007. Ficha artística Primera bailarina: Eleonora Cassano / Coreografía y dirección: Silvia Vladimivsky / Música: Sergio Vainikoff / Escenografía: Lucia Trevisacce y Carlos Bustamante / Vestuario: Mónica Mendoza / Realización de trajes de Sra. Cassano: Elsa Serrano / Coordinador general: Sergio Albertoni / Idea original y producción artística: Lino Pantalano Más información en www.teatroscanal.com www.maipo.com.ar

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Teatro negro / Sala Verde

LAS AVENTURAS DEL BARÓN DE MÜNCHHAUSEN Teatro Nacional de Praga Del 11 al 16 de octubre Duración: 1h 40´

Sobre el espectáculo Las Aventuras del Barón Munchaussen recoge los anhelos de vivir en un planeta limpio y de abundancia, el sueño que todos compartimos: un medio ambiente natural libre de polución, océanos claros, bosques verdes y frescos, fragantes praderas...Tan elevadas preguntas son trasladadas sobre el escenario al realismo cómico de una sala de hospital psiquiátrico. Allí los papeles se intercambian y el enfermo guía al doctor en excursiones fantásticas, tan locas como Las Aventuras del Barón Munchaussen que son, en este caso, el punto de referencia para el desarrollo de la representación. Sobre la compañía En 1983 funda la compañía de teatro negro Pan Optikun. Es guionista, director, actor y además inventa mecanismos para los trucos de escena (por ejemplo, las máquinas que permiten volar a los actores). Viaja por Europa, Asia y otros continentes con sus proyectos multivisuales. Esta compañía crea una verdadera magia visual y una inolvidable fantasía. Se fundó en Praga tras la ―'Revolución del Terciopelo‖'. Sus componentes habían trabajado en Estados Unidos utilizando esta técnica de Teatro y desde entonces han producido, siempre con gran éxito de público y crítica,

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diversos espectáculos: Alicia en el país de las maravillas, basada en el famoso libro de Lewis Carol; Made by Homo Sapiens, sobre el texto de Las locas aventuras del Barón Munchhausen; El jardín de las Delicias, representación del cuadro de El Bosco. Sobre el director del montaje, Pavel Marek Cofundador del teatro, productor y director artístico de teatro. Nació en Olomouc el 5 de julio de1956. Se graduó por la Facultad de la Academia de Artes Teatrales en Praga. Pocos años después de haber terminado los estudios cofunda el teatro vanguardista Pod stanem (Debajo de la carpa) que sobrevive durante un par de años y al que el régimen comunista impone silencio por razones políticas. La falta de libertad para la manifestación verbal se torna en motivo de búsqueda de un lenguaje escénico, un lenguaje de símbolos, alegorías, enigmas y metáforas. Reparto Pavel Marek Barón Martin Kalous Doctor Jakub Marek Sultán Veronika Miklová Condesa Jan Kezelka El loco Dragan Nencev Pescador Pavel Marek jr. Soldado Lidmila Slunécková Bailarina 1 Kristina Carvanová Bailarina 2 Intérpretes de negro: Jakub Marek, Nencev Dragan, Carvanova Krystina, Boida Petr, Pavel Marek, Sluneckova Ludmila Ficha artística Dirección escénica, traducción y adaptación: Pavel Marek / Dirección musical y música original: Petr Hapka / Escenografía y diseño de vestuario: Emma Srncová / Coreografía: Jana Hudeckova / Diseño de iluminación: Jaroslav Benes / Diseño de sonorización: Pavel Marek / Más información en www.teatroscanal.com www.fantasyproduction.cz

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Música recital de piano / Sala Roja

CICLO DE JÓVENES INTÉRPRETES Fundación Scherzo 18 de octubre, 22 de noviembre, 7 de febrero y 13 de marzo Duración: 2h

Sobre el ciclo El Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Scherzo lleva desde el año 2002 dando oportunidad de debutar en Madrid a jóvenes pianistas españoles y extranjeros. Supone una apuesta por la promoción de jóvenes valores que están en un estado de madurez interesante y, en consecuencia, estos recitales les ayudan a darse a conocer y a abriles las puertas al mundo profesional. Por el ciclo de Jóvenes Intérpretes han pasado pianistas que están desarrollando una importante carrera como son: Paul Lewis, Yuja Wang, Javier Perianes, Kirill Gerstein, Judith Jauregui, David Fray,Iván Martín, entre otros. Programa del Ciclo 18 de octubre 22 de noviembre 7 de febrero 13 de marzo

Francesco Piemontesi Josu de Solaun Olga Scheps Víctor y Luis del Valle

Más info en www.teatroscanal.com www.fundacionscherzo.es

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Música pop rock / Sala Roja

CONCIERTOS RETRATOS Teatros del Canal / Grupo Galileo Clamores Del 20 al 23 de octubre y 7 y 8 de noviembre

Sobre los conciertos Una vez más, el ciclo Conciertos Retratos Mahou despierta la curiosidad por acercarse a los artistas más reveladores de la escena musical española del momento. Los Teatros del Canal acogen la 3ª edición de este ciclo realizado en colaboración con la Sala Galileo y la Sala Clamores, ambas de gran solera en Madrid. Una iniciativa que se desarrolló en 2009 y por la que han pasado artistas como Pereza, Iván Ferreiro, Love of Lesbian, Nena Daconte o Vinilla von Bismark & The Lucky Dados. Una apuesta por los artistas consagrados y emergentes que tienen cosas que retratar. Entre otros artistas, este año contará con la presencia de Pablo Alborán. Los artistas están por confirmar las fechas Más info en www.teatroscanal.com www.conciertosretratos.com

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Música / Sala Roja y Verde

CICLO KAROL SZYMANOWSKI Sinfonía Varsovia, Royal String Quartet y Cuarteto Bretón 23 de octubre, 20 y 28 de noviembre y 4 de diciembre

Sobre el ciclo Karol Szymanowski (1882-1937) es uno de los más importantes compositores del siglo XX, reverenciado como padre de la música clásica contemporánea polaca. Su obra vive en los úlitmos años un verdadero renacimiento gracias, sobre todo, al empeño de sir Simone Rattle, director de la orquesta de Birmingham, en la propagación de la obra del compositor. Sus óperas, conciertos y música de cámara suenan este año en todas las grandes salas europeas, como uno de los eventos de la Presidencia Polaca en el Consejo de la UE. Este concierto de la Orquesta Sinfonia Varsovia viene dirigido por Jerzy Maksymiuk, con Kuba Jakowicz al violín. Lo acompaña la Royal String Quartet Izabella Szałaj-Zimak (I violín), Elwira Przybyłowska (II violín), Marek Czech (viola) y Michał Pepol (violonchelo), y el Cuarteto Bretón. - 23 de octubre y 20 de noviembre Intérpretes: Cuarteto Bretón Adagio y fuga C menor Cuarteto n. 2 Cuarteto n. 1

W. A. Mozart J. Guridi K. Szymanowski

- 28 de noviembre Intérpretes: Sinfonía Varsovia Obertura Don Giovanni II Concierto para violín y orquesta op.61 III Sinfonía

W.A. Mozart K. Szymanowski L. V. Beethoven

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- 4 de diciembre Intérpretes: Royal String Quartet Cuarteto de cuerdas n. 1en Do mayor, op. 37 K. Szymanowski Cuarteto de cuerdas en Sol menor, op. 10 C. Debussy Cuarteto de cuerdas op. 62 n. 1 Already it is dusk H. M. Górecki Sobre los intérpretes Cuarteto Bretón Anne- Marie North, Iván Martín, John Stokes y Antonio Cárdenas Sinfonía Varsovia Marc Minkowski, Krzysztof Penderecki, Janusz Marynowski Royal String Quartet Izabella Szałaj-Zimak, Elwira Przybyłowska, Marek Czech, Michał Pepol Más info en www.teatroscanal.com www.culturapolaca.es

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Teatro humor - cabaret / Sala Verde

ENNIO MARCHETTO Ennio Marchetto Del 26 de octubre al 6 de noviembre Duración: 1h 10´

Sobre el espectáculo Después de actuar y triunfar en más de 70 países, con sus memorables interpretaciones de nuestros personajes favoritos, por fin tendremos la oportunidad de disfrutar del nuevo show de Ennio Marchetto en España. Un show en el que un solo hombre llena el escenario de forma inigualable. Inspirado por los dibujos animados de Disney que veía de niño, la moderna coreografía de Pina Bausch y el colorido y cambiante carnaval de su Venecia natal, Ennio Marchetto revolucionó el mundo del transformismo con sus fantásticas interpretaciones de iconos populares. Sus extravagantes vestidos y máscaras, creados a partir de la técnica del origami, unidos a una banda sonora sorprendente y una interpretación magistral de personajes populares le proporcionaron numerosos premios internacionales y lo han transformado en un fenómeno global. Ennio ha actuado en los Premios de la MTV en Berlín junto a artistas que hoy forman parte de su repertorio como Prince, George Michael y Björk. También compartió escenario en un concierto benéfico para la BBC con las Spice Girls y Brian Adams, o más recientemente con Elton John en Oxfordshire para la Fundación anti-SIDA que preside Elton. Ennio recrea a más de 100 personajes populares incluyendo: Mona Lisa, Lady Gaga, Marilyn Monrroe, Celine Dion, Kanye West, Dolly Parton, Amy Winehouse, Tina Turner, Elvis, Eminem, Freddie Mercury, Elton John, Beyonce Knowles y muchos más.

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Sobre el protagonista, Ennio Marchetto Ennio Marchetto nació en 1960, en la ciudad de Venecia, junto a la casa de Carlo Goldoni. Hijo de un técnico reparador de máquinas de café expreso, todos esperaban que Ennio continuara con la tradición familiar, excepto él. Inspirado por los dibujos animados de Disney que solía ver niño, las modernas coreografías de Pina Bausch y en el ambiente del carnaval de su Venecia natal, Ennio soñaba despierto con visiones de Marilyn Monroe vestida con papel blanco, entreteniendo su familia y amigos. Paso a paso consiguió que su sueño se convirtiera en realidad, creando su primer espectáculo de cabaret: el espectáculo fue galardonado nada menos que con el León de Oro en el Festival de Venecia y el premio Mosquito de Oro otorgado a la comedia. Más tarde conoció a su colaborador Sosthen Hennekam, con quien creó suficientes personajes de papel como para montar un espectáculo de una hora. Un año más tarde, el agente londinense Glynis Henderson invitó a Ennio a participar en el Festival de Edimburgo, donde cosechó un gran éxito, recibiendo críticas entusiastas y convirtiéndose en un artista de culto. Desde entonces, Ennio ha actuado en más de 70 países, desde Broadway (Estados Unidos) a Nueva Zelanda. Sus desternillantes interpretaciones de nuestros famosos más queridos junto a su adaptabilidad a las diferentes culturas de los países que visita, han despertado el interés de la realeza, de las celebrities y de la comunidad teatral internacional. Más allá de los escenarios teatrales más importantes del mundo, Ennio ha participado en eventos para el Royal Variety Performance, los premios MTV, El Lifeball, el ―White Tie and Tiara Ball‖ de Elton John y para la BBC. Ennio es un hombre fascinante con una historia increíble. Su gira mundial le ha convertido en un fenómeno global, ganando un gran número de fans y seguidores alrededor del mundo. Ficha artística Dirección y creación: Ennio Interpretación: Ennio Marchetto.

Marchetto

y

Sosthen

Hennekam

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Más información en www.teatroscanal.com www.enniomarchetto.com

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Danza neoclásico / Sala Roja

SAMSARA Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid Del 27 de octubre al 6 de noviembre Duración: 1h 45´

Sobre el espectáculo Samsara es una abstracción de los sentidos que permite, a través de la conjunción del movimiento corporal y la música, trasladar al espectador a aquellos lugares de donde procede el diverso repertorio de músicas étnicas que conforman este ballet: Egipto, Irán, India, Nepal, China, Japón… ―La danza me sirve de nexo entre culturas dispares para aportar pinceladas de ritmo, belleza y crítica social a la situación de este conjunto de países que he visitado a lo largo de tantos años y cuyo recuerdo e influencia han marcado mi vida. Una vez más, me decido a continuar el círculo de la vida y la muerte a través de la danza, mi instrumento de expresión. Más que darle un significado a Samsara, sencillamente he tratado de interpretar lo que sentí en momentos delicados y cruciales de mi vida, en los que, postrado en una mesa de operaciones, creyendo que todo se acababa, mi mente se dirigió a Oriente. Ahora, gracias a la profesionalidad de mis bailarines puedo expresar esto sobre un escenario y compartirlo con el público‖. Víctor Ullate Sobre la compañía Compañía de ballet fundada en 1988 por el bailarín, coreógrafo y maestro de danza Víctor Ullate. Se presenta en sociedad con 22 bailarines en el Teatro Arriaga de Bilbao, el 28 de abril de 1988. Desde entonces y hasta nuestros días, Víctor Ullate ha conseguido inculcar a su ballet una

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personalidad propia que se ha visto reflejada en las diferentes coreografías. En enero de 1997, Víctor Ullate Ballet se convierte en el ballet de la Comunidad de Madrid. Desde su debut con un programa basado en coreografías neoclásicas, la Compañía no ha dejado de cosechar éxitos con producciones cada vez más ambiciosas. Actualmente, y tras más de 20 años de trayectoria, se halla en un espléndido momento nacional e internacional, realizando entre 70 y 100 actuaciones anuales. Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid está integrado por 26 bailarines de diferentes países, ya que son muchos los profesionales de la danza que quieren formar parte de esta Compañía que destaca por ser una de las más exigentes y, por ende, reconocidas en todo el mundo. Versátiles profesionales que dominan un amplio abanico dentro del mundo de la danza. Desde sus inicios, la Compañía se ha caracterizado por su estilo y por la perfección de sus integrantes, provenientes muchos de ellos del Centro de Danza que Víctor Ullate dirige en Alcobendas. Posteriormente, ha abierto sus puertas a bailarines de los cinco continentes, convirtiéndose en la principal Compañía de danza privada del país. En el año 2010, la Comunidad de Madrid premió esta labor de internacionalización de la Compañía con el Premio a la Excelencia Europea. A lo largo de los más de 20 años de trabajo, Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid ha conseguido marcar un estilo propio caracterizado por la perfección en sus ejecuciones tanto en danza clásica (con grandes obras de repertorio como Giselle o Don Quijote) como en montajes más neoclásicos: coreografías como Jaleos, Seguirilla, Arrayán D’Araxa, El Amor Brujo, Arraigo, Ven que te Tiente o Sur. En 2011, la Compañía está llevando de gira, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, seis espectáculos diferentes: Beethoven, Samsara, 2 You Maestro, Wonderland, El Arte de la Danza y Coppélia Ficha artística Coreografía: Víctor Ullate / Música: Varios Autores / Escenografía: Paco Azorín / Iluminación: Nicolás Fischtel (A.A.I) / Diseño de vestuario: Anna Güel / Profesor de Tai-chi: Pedro Valencia / Construcción de escenografía: Taller de Escenografía Sant Cugat. Más información en www.teatroscanal.com www.victorullateballet.com

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Música, danza, arte y cine / Teatros del Canal

TEMPOLISZT Teatros del Canal 27 de noviembre Duración: 12h

Sobre el maratón de música, danza, arte y cine Tras la gran acogida del maratón Chopinissimo, un homenaje celebrado la pasada temporada al compositor y pianista polaco Frédéric Chopin, los Teatros del Canal presentan esta vez una jornada de puertas abiertas de similares características dedicada al músico húngaro Franz Liszt (1811-1886), con motivo del bicentenario de su nacimiento. Durante todo el día se ofrecerán conciertos y recitales de piano, representaciones de danza y propuestas orientadas al público infantil. Entre las propuestas musicales, la Orquesta de la Comunidad de Madrid ofrecerá un concierto. Por su parte, la formación Grup Mix Tour ofrecerá Lisztour Aniversario, con piezas basadas en la obra de Liszt, escritas por tres jóvenes compositores, y un Réquiem con la colaboración del Coro de Voces Graves de Madrid. Además de una exposición conmemorativa, habrá pases de películas basadas en la figura de Liszt y otras que incluyen piezas del compositor en sus bandas sonoras. Teatros del Canal, en colaboración con las embajadas de la República de Hungría y Austria, la Escuela Superior de Música Reina Sofía, el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y el de Real Conservatorio de Danza de Madrid. Más info en www.teatroscanal.com

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Teatro clásico / Sala Verde

MACBETH UR Teatro Del 30 de noviembre al 18 de diciembre Duración: 1h 40´

Sobre el espectáculo ―Una obra de siempre. Una de las más grandes tragedias de Shakespeare que nos proponemos servir al público de hoy con imaginación, rigor y compromiso. Una nueva mirada, necesariamente profunda, a la historia de este héroe convertido en villano que es Macbeth. Su periplo de ascensión y caída, guiado por una ambición desmedida nos concierne. Macbeth, en su alocada carrera contra la incertidumbre que supone el vivir, no sólo se destruye a sí mismo y a cuanto le rodea, sino también, la ilusión que impulsa a la humanidad a ponerse en pie cada día, negociando con dignidad con nuestra vida mortal. Elegir ser un canalla puede parecer más rentable, desde un punto de vista práctico, que elegir ser honesto. Shakespeare nos abre una ventana a través de la que contemplamos cómo operan los mecanismos del mal y espera que saquemos nuestras propias conclusiones. La siempre poderosa palabra shakespeariana se alía, en esta ocasión, con composiciones de la ópera de Verdi del mismo título, interpretadas por el Coro de Voces Graves de Madrid y, con otros temas creados por el director musical del espectáculo; Iñaki Salvador, en un diálogo que contribuirá a dar cuenta del contraste de atmósferas, emociones y sentimientos que pueblan esta magnífica obra‖. Helena Pimenta

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Sobre la compañía La compañía UR fue creada en Rentería en 1987. Con Helena Pimenta como directora artística ha realizado 16 producciones propias de autores clásicos y contemporáneos, sin contar la participación del equipo de dirección artística en proyectos de otras instituciones públicas y privadas. Ha recibido más de 30 premios nacionales e internacionales, y el reconocimiento de la crítica y del público. Reparto Macbeth Lady Macbeth Duncan / Macduff Banquo / medico Ross / asesino Malcom Lady Macduff / enfermera

Jose Tomé Pepa Pedroche Oscar S. Zafra Javier Hernández-Simón Tito Asorey Belen de Santiago Anabel Maurín

Ficha artística Versión y dirección: Helena Pimenta / Escenografía y dirección audiovisuales: José Tomé / Diseños audiovisuales: Emilio Valenzuela y Eduardo Moreno / Iluminación: Felipe Ramos / Vestuario: Alejandro Andújar / Dirección musical: Iñaki Salvador / Dirección del coro: Juan Pablo de Juan / Interpretación coral: Coro de Voces Graves de Madrid. Más info en www.teatroscanal.com www.urteatro.com

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Danza ilusionismo / Sala Roja

MOMIX REMIX Momix Del 1 de diciembre al 1 de enero Duración: 2h

Sobre el espectáculo Con motivo del 30° aniversario de Momix, el siempre genial Moses Pendleton propone una caleidoscópica compilación de los números más significativos, originales y sugestivos, seleccionados de entre todas las producciones realizadas por la compañía a lo largo de su historia: desde la primera original, mágica y sorprendente Momix Classics, a la última y espectacular Bothanica! Para la ocasión crea dos nuevas obras: Termas de Caracalla y If you need some body Sobre la compañía Conocida en el mundo entero por sus obras de excepcional creatividad y belleza, Momix es una compañía de bailarínes – ilusionistas, dirigida por Moses Pendleton. Desde su fundación ha obtenido un gran éxito por su capacidad de evocar un mundo de imágenes surrealistas utilizando el cuerpo, el vestuario, los atrezos y los juegos de luces. La compañía toma el nombre de un solo creado por Pendleton – en esa época, miembro fundador del Pilobolus Dance Theatre – para los Juegos Olímpicos Invernales de Lake Placid de 1980. En el curso de estos años, la formación y las dimensiones de la compañía han conocido diversos cambios, pero el compromiso de desarrollar el arte de la danza y de divertir al público ha quedado intacto. En 1992, Momix presenta Passion, un espectáculo con música de Peter Gabriel, que en muy poco tiempo se convierte en un éxito mundial. El mismo año el famoso equipo de béisbol ―San Francisco Giants‖ le confía a Momix la realización de una coreografía para la inauguración de la temporada deportiva. El resultado es la creación en 1994 del espectáculo Baseball.

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En febrero 1996 estrena en Milán el espectáculo Supermomix. En el nuevo milenio se presenta una nueva versión de Supermomix y otra del renovado Passion 2000. En febrero 2001 el Joyce Theatre de New York acoge el estreno mundial de Opus cactus, recibido por crítica y público con gran entusiasmo. Obtuvo un récord absoluto de espectadores en los países donde fue representado en los últimos años. En 2004 la compañía realiza una compilación de sus mejores creaciones hasta ese momento en la historia de Momix, llamada The best of MOMIX. La compañía ha realizado muchos proyectos especiales y televisivos. En Italia participó en muchos programas de la Rai que se trasmitieron en Mundovisión. Participó además en el Hommage à Picasso en París y fue elegida para representar a los Estados Unidos en el Centro Cultural Europeo de Delfos (Grecia). Participa en numerosas convenciones internacionales, entre ellas las fiestas del centenario de la Fiat Auto en Turín en julio de 1999, con un programa completamente nuevo y con una formación de 15 bailarínes. Además de sus anuales presentaciones en el Joyce Theatre de New York, la compañía realiza giras en los Estados Unidos, Canadá, España, Italia, Grecia, Francia, Inglaterra, Austria, Suiza, Irlanda, Holanda, Portugal, Argentina, Brasil, Chile, Australia, Rusia y en muchos países del Lejano Oriente. Ficha artística Director artístico: Moses Pendleton / Codirector artístico: Cynthia Quinn / Vestuario: Phoebe Katzin, Moses Pendleton, Cynthia Quinn / Atrezos: Michael Curry y Alan Boeding / Luces: Joshua Starbuck, Howell Binkley, Woodrow F. Dick III y Moses Pendleton. Más info en www.teatroscanal.com www.momix.com

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Cabaret / Sala Verde

FOREVER CRAZY Le Crazy Horse Paris Del 21 de diciembre al 8 de enero Duración: 1h 30´

Sobre el espectáculo En 2011, Forever crazy, un preciado espectáculo que incluye los mejores números del repertorio histórico y moderno de Le Crazy Horse, iniciará una gira mundial de primera clase. El espectáculo contiene noventa minutos de números coreográficos de una picardía sorprendente y deliciosa, ejecutados de forma sensual por un total de hasta diez atrevidas artistas, así como varias actuaciones ejecutadas por una artista de variedades de renombre internacional. Los espectáculos de Le Crazy Horse Paris cuentan con bailarinas de formación clásica, elegidas específicamente por sus atributos estéticos, su talento en el escenario, su carisma y un cierto "je ne sais quoi‖ difícil de expresar en palabras. En el escenario, se realza, celebra y revela su feminidad para deleite voyerista del público. Los espectáculos de Le Crazy Horse Paris combinan una serie de viñetas donde las deslumbrantes bailarinas o sus siluetas representan fantasías universales. Durante la actuación, sus cuerpos se ven bañados por un diseño de iluminación con texturas y colores vivos tan impresionante que se hace difícil determinar dónde termina la piel y empiezan los reflejos... Las actuaciones captan tanto la imaginación como la mirada. Sobre la compañía Ubicado en el corazón del Triángulo de Oro, en la prestigiosa avenida George V, el Crazy Horse original fue fundado por Alain Bernardin en 1951.

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Desde entonces ha sido el cabaret más insigne y verdaderamente erótico del mundo. A lo largo de los años, la compañía ha diversificado sus actividades y ha desarrollado su estilo y conocimientos únicos también fuera de Francia. Además del recinto original en París, Le Crazy Horse tiene un segundo espectáculo permanente en el MGM Grand Casino de Las Vegas, Nevada, desde 2001. Le Crazy Horse Paris presenta también espectáculos de una forma semi-permanente (Singapur, Lisboa...) o para eventos privados y corporativos en todo el mundo. En los últimos 60 años, sus diversos espectáculos han seducido a más de 15 millones de apasionados espectadores, entre los que se cuenta una lista interminable de celebridades internacionales como Warren Beatty, Elvis Presley, Elizabeth Taylor, el presidente John F.Kennedy, Jackie y Aristóteles Onassis, Salvador Dalí, Sting... y, más recientemente, Madonna, Christina Aguilera, Sharon Stone, Kylie Minogue, Kayne West, Beyoncé, Steven Spielberg, Pink, Marc Jacobs, Daniel Buren, Elie Saab, Sonia Rykiel, Albert Elbaz, Paolo Coelho, Pedro Almodóvar, Jean Paul Gaultier... Más info en www.teatroscanal.com www.lecrazyhorseparis.com

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Danza / Sala Roja

LE SONGE Les Ballets de Monte Carlo Del 6 al 14 de enero Duración: 2h

Sobre el espectáculo Una comedia onírica que planea sobre las alas de los deseos más locos. Para los amantes de los universos paralelos, aquellos que aman flirtear con lo improbable y deslizarse en equilibrio sobre las fronteras del sueño. Jean Christophe Maillot pone aquí en acción las tres fuerzas motrices de su imaginación: teatro, música y danza para orquestar este desorden fascinante. Sensibles, bromistas, ingeniosos, brillantes, truculentos o serios, tres generaciones de bailarines representan un microcosmos humano que se entrelaza con humor y gracia en la red de sus pulsiones. Hada, animal, bailarín.... ¿si todo esto fuera el hombre? Sobre la compañía Les Ballets de Monte Carlo es una compañía de ballet clásico creada en 1985 por Su Alteza Real la Princesa de Hannover, de acuerdo con los deseos de su madre, la princesa Grace de Mónaco. En 1992, Jean-Christophe Maillot se unió a los Ballets de Monte Carlo, primero como asesor artístico. Fue ascendido oficialmente al rango de director y coreógrafo en septiembre de 1993. Cuatro años más tarde, gracias a su visión y su energía, los Ballets de Monte Carlo abandonó el

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edificio que había sido su hogar histórico, que para entonces había quedado pequeña, y se mudó a su propio centro de danza: L'Atelier. Además, en diciembre de 2000, que inauguró su temporada de ballet por primera vez en el gran escenario de la Sala de los Príncipes en el nuevo centro de congresos de Mónaco, el Grimaldi Forum. Estos dos puntos de inflexión en la historia moderna de los Ballets de Monte-Carlo, y el comienzo de una era nueva danza en Mónaco. Ficha artística Coreografía y puesta en escena: Jean-Christophe Maillot / Colaboración a la puesta en escena: Nicolas Lormeau de la Comédie-Française / Músicas: Felix Mendelssohn (El sueño de una noche de verano), Daniel Teruggi y Bertrand Maillot / Escenografía: Ernest-Pignon Ernest / Vestuario: Philippe Guillotel / Luces: Dominique Drillot. Más info en www.teatroscanal.com www.balletsmonte-carlo.com

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Teatro / Sala Verde

TIO VANIA L´Om Imprebis Del 11 al 22 de enero Duración: 2h

Sobre el espectáculo La metáfora que Chejov creó en Tío Vania va de lo particular de una Rusia, que parece intuir un fin de ciclo, a lo universal de los sentimientos y emociones del ser humano. También la Europa actual parece estar abocada a un cambio de ciclo. Ante ello podemos reaccionar o aceptar la situación con cierto fatalismo. Reaccionar o resignarse. De la mano de Santiago Sánchez, los últimos espectáculos de L‘Om Imprebís –Galileo, de Brecht, Quijote de Cervantes o Calígula de Camushan tratado del idealismo y la utopía. De su necesidad y de sus riesgos. Ahora, en Tío Vania, con su peculiar ironía y sentido del humor Chejov parece advertirnos del peligro de perder toda posibilidad de idealismo y aceptar, sin más, una realidad que acaba aplastándote. L‘Om Imprebís plantea una sencilla y poética puesta en escena en la que destaca la fuerza de la interpretación de los actores habituales de la compañía que pone en valor el texto de Chejov; una sugerente escenografía de Dino Ibáñez; el cuidado vestuario de Elena Sánchez Canales; el color y plasticidad de las luces de Rafael Mojas y la música en directo de Víctor Lucas, todos ellos bajo la dirección de Santiago Sánchez.

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Sobre la compañía L‘Om Imprebis ha cumplido los veinticinco años de trayectoria desde sus inicios en Valencia en 1983 con el estreno profesional de Mort accidental d’un anarquista de Dario Fo. Creada por su director Santiago Sánchez con el nombre L‘Om-Teatre figura con el número 2 en el primer registro de empresas teatrales que se configuró en Valencia en 1986. El crecimiento del proyecto artístico y empresarial de la compañía ha sido constante. En la actualidad reúne con carácter estable en sus diferentes montajes a 20 actores procedentes de tres continentes y ha consolidado un repertorio que combina dos líneas de acción: montajes de textos europeos de primer orden y la creación en directo sobre el arte de la improvisación. Títulos como Galileo o Quijote, en el primer caso, o Imprebís o Monty Phyton en el segundo, recorrieron en las últimas temporadas las principales salas de la Red Nacional, los circuitos autonómicos e importantes Festivales Internacionales. Con una cuidada factura de producción y presentación, han merecido una entusiasta respuesta de público, que se ha identificado con un teatro comprometido con la actualidad, con contenidos maduros y servidos de una forma fresca, original y directa para el espectador. Una media superior a las 300 representaciones anuales, con más de trescientos cincuenta mil espectadores en los últimos cinco años, una gira en el extranjero por países como Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Cuba, El Salvador, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Guinea Ecuatorial, Holanda, Honduras, Italia, México, Perú, Venezuela… y los diferentes premios recibidos, otorgados por crítica, instituciones públicas y asociaciones de espectadores avalan la trayectoria de L‘Om Imprebis. Reparto Nacho Fresneda, Carles Montoliu, Sandro Cordero, Vicente Cuesta, Carles Castillo, Garbiñe Insausti, Savitri Ceballos, Xus Romero, Paca Ojea. Ficha artística Músicos: Marina Barba y Victor Lucas / Diseño de escenografía: Dino Ibáñez / Diseño de vestuario: Sue Plummer y Elena S. Canales / Diseño de Iluminación: Rafael Mojas y Félix Garma / Técnico Iluminación: Kike Mañas / Realización Vestuario: Cornejo / Realización Escenografía: Castells y Pascualín SL / Creación musical: Jesús Salvador ―Chapi‖ / Movimiento de objetos: Edu Borja / Diseño gráfico: Mínim Comunicación / Prensa: Silvia Espallargas / Fotografía: Jordi Pla y Jose Manuel Vert / Audiovisuales: Croma Audiovisuales / Distribución: Emilia Yagüe Producciones / Producción: Ana Beltrán / Versión y Dirección: Santiago Sánchez. Más info en www.teatroscanal.com www.imprebis.com

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Teatro / Sala Roja

EL TIEMPO Y LOS CONWAY Pérez de la Fuente Producciones Del 18 de enero al 5 de febrero Duración: 1h 55´

Sobre el espectáculo El tiempo y los Conway cuenta la historia de una familia inglesa que vive en Newlingham, un barrio fabril en las afueras de Londres. Abarca de un modo muy particular el período que va desde 1919 hasta 1937. El autor hace transcurrir esta franja temporal de un modo sorprendente e inquietante. Acto I Año 1919.- La Sra. Conway y sus hijos festejan con entusiasmo y alegría el cumpleaños de Kay, una de las hermanas. Acto II Año 1937.- La familia Conway se reúne una vez más con el fin de celebrar otro de los cumpleaños de Kay. Producto de esos 18 años transcurridos, se ha producido un desgaste y agotamiento en las relaciones familiares y una erosión profunda en cada uno de ellos, las heridas que el tiempo ha infringido a los Conway. Acto III Año 1919.- Continuación del Acto I. El espectador asiste atónito al devenir de cada uno de los miembros de la familia, cuando ya conoce el final… En palabras del autor, ―el tercer acto puede ser sumamente conmovedor en su dramática ironía‖. La obra, denominada originalmente Time and The Conways y conocida por los espectadores de lengua castellana como La herida del tiempo (título que le dio Luis Escobar cuando la tradujo al castellano en 1942), se sitúa en la Inglaterra del período de entreguerras. Calificado por el propio autor como un texto con deudas chejovianas, El tiempo y los Conway remueve las entrañas por el paralelismo que pueda tener con los tiempos actuales.

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Si, el tiempo es escurridizo y huye, se escapa como una sombra, se oculta en cada nueva arruga, en cada una de las líneas que surcan nuestras manos, se camufla entre los pliegues de los recuerdos hasta alcanzar esa inmortalidad que pretendía Priestley, siguiendo las teorías de Dunne, la escuela serialista que sostiene que el tiempo es multidimensional y acerca al hombre hacia una virtual inmortalidad a través de una secuencia infinita de niveles superpuestos. Sobre el director del montaje, Juan Carlos Pérez de la Fuente En 1980, funda una compañía de teatro independiente con la que inicia sus primeros pasos como director. En 1985 se titula como actor y director por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, y cuatro años más tarde obtiene la plaza de Director de la Escuela de Teatro del Centro Cultural de las Rozas. Entre 1990 y 1996 desarrolla una intensa actividad como director de un importante número de producciones: Asamblea general, de Lauro Olmo, en el Centro Cultural de la Villa, La dama del alba, de Alejandro Casona, en el Teatro Bellas Artes de Madrid (con María Jesús Valdés en su regreso a los escenarios); La tierra de Alvargonzález, de Antonio Machado, en el Gran Teatro de la Habana (Festival "La huella de España"); El abanico de Lady Windermere, de Oscar Wilde, en versión de Ana Diosdado, en el Teatro Alcázar; La viuda es sueño, de Tono y Llopis; Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, de nuevo en el Gran Teatro de la Habana (Premio José Martí a la mejor dirección); Las de Caín, de los hermanos Alvarez Quintero en el Teatro La Latina; Fortunata y Jacinta, de Benito Pérez Galdós en versión de Ricardo López Aranda, por encargo del Festival Internacional de Santander; El canto de los cisnes, de Alexei Arbuzov, en versión de Rodolf Sirera, en el Teatro Alcázar (con Alberto Closas, en el que sería su último trabajo, que compartía cartel con Amparo Rivelles); Es mi hombre, de Arniches en La Latina; Fortunata y Jacinta, en el Teatro Español de Madrid; El amor es un potro desbocado, de Luis Escobar, en el Teatro Alcázar; La locura de don Juan, de Arniches, en La Latina; Los padres terribles, de Jean Cocteau, en versión de Rodolf Sirera y Mujeres frente al espejo, de Eduardo Galán, en el Teatro Alcázar. De 1996 a 2004 ocupa el cargo de Director del Centro Dramático Nacional. A esta etapa corresponden sus montajes: Nostalgia del paraíso, en homenaje a Antonio Gala, sobre textos del propio autor (1996); Pelo de tormenta, de Francisco Nieva (1997); San Juan,de Max Aub (1998); La Fundacion, de Antonio Buero Vallejo (1998); La visita de la vieja dama, de Friedrich Dürrenmatt, en versión de Juan Mayorga (2000), con un extenso reparto encabezado por María Jesús Valdés; El cementerio de automóviles, de Fernando Arrabal, Premio Ercilla al Mejor Espectáculo 2000; La muerte de un viajante, de Arthur Miller, con María Jesús Valdés y José Sacristán (2000); Carta de amor (Como un suplicio chino), monólogo de Fernando Arrabal, de nuevo con María Jesús Valdés (2002) e Historia de una escalera, de Antonio Buero Vallejo (2003). Ha recibido varios galardones: entre ellos Premio ADE de Dirección 1997, por Pelo de Tormenta; Premio Celestina al Mejor Director 1998, por Pelo de

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Tormenta; Premio del Público de Madrid al Mejor Director 1998, por San Juan; Premio Cultura Viva de las Artes Escénicas 1998, por San Juan; Premio del Público de Madrid al Mejor Director 1999, por La Fundación; Medalla de Oro de las Bellas Artes 1999, por su trayectoria profesional; Premio de Teatro de Telemadrid 2003; Premio ADE de Dirección 2003 y Premio Mayte 2004, por Historia de una escalera. Este año de 2004 deja la Dirección del Centro Dramático Nacional y retoma su profesión de forma privada. En 2005 vuelve a la escena en su faceta de director y de productor con Oscar o la felicidad de existir, de Eric-Emmanuel Schmitt, con Ana Diosdado, en el Teatro Liceo de Salamanca, formando parte de la programación del I Festival de las Artes de Castilla y León. En 2006 dirige El mágico prodigioso, de Calderón de la Barca, con motivo del 400 Aniversario del Teatro Principal de Zamora. En 2007 dirige ¿Dónde estás, Ulalume, dónde estás? de Alfonso Sastre y El León en Invierno de James Goldman. En 2008, dirige a la Compañía Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid en La vida es sueño, de Calderón de la Barca, y Puerta del Sol, un Episodio Nacional, espectáculo teatral para la Conmemoración del Bicentenario del Dos de Mayo de 1808 basado en la tercera parte de los Episodios Nacionales de Benito Pérez Galdós Reparto Luisa Martín Nuria Gallardo Alejandro Tous Juan Díaz Chusa Barbero Débora Izaguirre Ruth Salas Alba Alonso Román Sánchez Gregory Toni Martínez

La señora Conway Kay Alan Robin Madge Hazel Carol Joan Helford Ernest Beevers Gerald Thornton

Ficha artística Dirección y escenografía: Juan Carlos Pérez de la Fuente / Versión: Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño / Vestuario: Javier Artiñano / Iluminación: José Manuel Guerra / Espacio sonoro: Luis Miguel Cobo / Ayudante de dirección: Esther Ríos / Ayudante de escenografía: Esperanza Sanabria. Más info en www.teatroscanal.com www.perezdelafuente.es

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Teatro / Sala Verde

EL PÚBLICO y COMEDIA SIN TÍTULO Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Bogotá) Del 25 al 29 de enero Duración: 2h

Sobre el espectáculo ―Con estos dos dramas de García Lorca, que en su totalidad se publicaron 40 años después de su muerte, pasó algo así como lo que pasa con la mayoría de las obras de vanguardia. La guerra contra la ―estética burguesa‖, hoy cuando todo está permitido, perdió sentido. La transgresión a la sociedad, en el contexto de lo que se puede ver en los teatros, por lo menos a partir de los sesenta, se asocia más con aquel jueguito del ―doctor‖ en una arenera. Los lemas como ―El teatro es de todos. Ésta es la escuela del pueblo‖, hoy suenan ridículos, porque en la práctica sabemos, que del teatro nadie aprendió nada, de pronto sólo los actores sus roles. La ruptura con la construcción dramática académica, la negación a narrar cuenticos, y la prioridad a la pura forma, ya no despiertan emociones. Eso ya lo vimos, y fue mucho más atrevido. ¿Entonces por qué montar estas dos piezas? Porque sencillamente estos dos dramas, completos o bosquejados, brillan con una especial, atemporal y universal belleza. Son una maravillosa reflexión sobre la creación y el artista. Lo que dice el director sobre el teatro en la última escena de El Público es absolutamente único y no comparable con nada, aunque se haya escrito sobre este tema muchas miles de palabras. En este tiempo, cuando los artistas del teatro dejaron de ser demiurgos, y ni siquiera alcanzan la

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categoría de artesanos, solamente cumpliendo su patético papel de payasos, divirtiendo cada vez más a sus irreflexivos espectadores, que se convirtieron en el verdadero Dios, en el ídolo del teatro, esta reflexión, hecha hace 70 años, es muy penetrante. Una razón más: a Lorca lo han tratado como un exponente popular gitano, un poeta light, un autor melodramático, que conmueve sobre todo a exaltados adolescentes; con estos dos dramas se confirma que no es así. Y otra cosa más, sí alguien escribe: ―Tu puedes tenderte detrás de aquel gran capitel. No te lo había dicho nunca. Allí hay una vaca que guisa comida para los soldados‖, o ―¡Ay! Vosotros no sabéis que yo he descubierto una bebida maravillosa que solamente conocen algunos negros de Honduras‖; significa que seguramente tiene un gran sentido del humor. ¡Es por eso!‖. Pawel Nowicki Sobre la compañía Este montaje es la primera producción teatral que realiza el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y con éste el Teatro inicia su segundo año de vida. Para tal fin contrató a Pawel Nowicki, director polaco nacionalizado en Colombia, y reunió al grupo de actores con el que Nowicki viene trabajando desde hace unos 20 años. Este colectivo de actores se ha preguntado varias veces qué tipo de colectivo es, y después de muchas vueltas concluyo que es un Club de Actores. Un club que se inició en el sector de La Candelaria en Bogotá, en la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENAD) con Hojarasca, un trabajo de grado que resultó ser el germen de un proceso que ya lleva cerca de dos décadas. En algún momento se llamaron Corporación Estudio Teatro, y con ese nombre hicieron varios montajes. Luego intentaron, gracias al patrocinio del Teatro Camarín del Carmen, el proyecto de compañía teatral. Allí con una adaptación de Drácula de Bram Stocker dieron inicio a un trabajo que se prolongó por aproximadamente diez años. Después de una pausa, desde hace cuatro años regresaron con algunas obras, que han puesto en diferentes espacios. Reparto Robinson Díaz, Ana María Sánchez, Ania Nowicka, Elkin Díaz, John Alex Toro, Ramsés Ramos, Alberto Rodríguez, Alberto Barrero, Bernardo García, Nury Márquez, Ella Becerra, Jenny Lara, Ximena Argotty, José Luis García. Ficha artística Autor: Federico García Lorca / Dirección: Pawel Nowicki / Diseño de vestuario: Adam Martínes / Música: Jimmy Pulido/ Asistente de dirección: Rocío Blanco. Más info en www.teatroscanal.com www.teatromayor.com

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Teatro improvisación / Sala Verde

CORTEN. Las patrañas efímeras del Manifiesto Corten ImproMadrid Teatro Del 1 al 5 de febrero Duración: 1h 20´

Sobre el espectáculo Tres elegantes personajes se encuentran en el escenario y se proponen crear una obra de teatro en directo, sin un texto previo. Para conseguirlo pedirán diferentes sugerencias al público que deberán aparecer en la historia creada. Del mismo modo, la historia que inventen tendrá que atenerse al ―Manifiesto Corten‖: todo ha de crearse en el momento y a la vista del público. A partir de entonces, todos los elementos teatrales (historia, escenografía, iluminación, vestuario, música…) se irán creando en directo para conseguir el objetivo que estos tres personajes se han marcado. El público presenciará y participará de esta obra de teatro, así como descubrirá los mecanismos de la creación en directo. La banda sonora de Corten está en manos de Nacho Mastretta, quien improvisará la música en directo. Corten es un lienzo en blanco sobre el que SUSO33 pintará la escenografía de cada escena. Corten es un reto, un precioso y divertido riesgo dramático que comparten los actores y el público.

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Sobre la compañía Es una compañía dedicada a la investigación de las técnicas de improvisación teatral. Sus objetivos; difundir sus conocimientos y hallazgos a través de talleres y cursos y sobre todo, a crear y exhibir espectáculos de Improvisación teatral. Espectáculos frescos y originales en los que los actores crean, sin guión previo y ante los ojos del público, piezas de teatro únicas e irrepetibles. Impromadrid Teatro ha puesto en escena nueve producciones diferentes y organizado cuatro festivales internacionales de improvisación teatral (FESTIM, el último en 2010 en los Teatros del Canal de Madrid): en las últimas temporadas ha puesto en escena El nuevo Catch de Impro (2007), con dos temporadas en el Teatro Alfil y más de 150 funciones; La familia García de la Impro (2006) que tras hacer temporadas en el Nuevo Teatro Alcalá, recaló también en el Teatro Alfil de Madrid haciendo la función durante cuatro meses; Teatruras (2004) improvisación teatral para niños y FESTIM 010 (Cuarta edición del Festival Internacional de Improvisación Teatral de Madrid) en los Teatros del Canal de Madrid. Ficha artística Creación y Dirección: Impromadrid Teatro (Ignacio López, Ignacio Soriano y Jorge Rueda) / Autores/actores (en directo): Ignacio López, Ignacio Soriano y Jorge Rueda / Música en directo: Nacho Mastretta / Escenografía en progreso: SUSO33 / Vestuario en directo: Tatiana de Sarabia / Dirección técnica: Daniel Espinosa / Sonido: Antonio Sánchez / Producción: Impromadrid Teatro. Más info en www.teatroscanal.com www.impromadrid.com

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Danza neoclásica / Sala Verde

EL ARTE DE LA DANZA Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid Del 8 al 19 de febrero Duración: 1h 30´

Sobre el espectáculo Es fácil caer en la concepción de la danza como la etérea gracia de una sílfide sobre unas puntas. Una Odette llorando por Sigfrido. Y es parte de la danza pero no es lo único que forma parte de este rico y variado mundo. La disciplina y el academicismo del ballet clásico son una parte importante, básica para cualquier bailarín y muy conocida y reconocida por el público. Pero no se queda ahí la forma y los lenguajes para transmitir emociones a través del movimiento. La rabia y la energía de los bailes de calle, el fuego y la pasión de la escuela española, la sensualidad y la plasticidad de los bailes latinos son también parte de El Arte de la Danza. Víctor Ullate y Eduardo Lao han querido reunir las diferentes disciplinas que forman parte de la vida de un bailarín desde que comienza a sentir la curiosidad por la danza hasta que consigue triunfar dentro de una compañía. Una dinámica mezcla de músicas y estilos que reflejan todas sus experiencias, sus retos, las clases, las audiciones… Sin dejar de lado la limpieza y la perfección del clásico, Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid presenta un espectáculo rico en matices, ritmos y pasos, para que el público pueda disfrutar con todos los estilos que El Arte de la Danza puede ofrecer. Sobre la compañía Compañía de ballet fundada en 1988 por el bailarín, coreógrafo y maestro de danza Víctor Ullate. Se presenta en sociedad con 22 bailarines en el Teatro Arriaga de Bilbao, el 28 de abril de 1988. Desde entonces y hasta

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nuestros días, Víctor Ullate ha conseguido inculcar a su ballet una personalidad propia que se ha visto reflejada en las diferentes coreografías. En enero de 1997, Víctor Ullate Ballet se convierte en el ballet de la Comunidad de Madrid. Desde su debut con un programa basado en coreografías neoclásicas, la Compañía no ha dejado de cosechar éxitos con producciones cada vez más ambiciosas. Actualmente, y tras más de 20 años de trayectoria, se halla en un espléndido momento nacional e internacional, realizando entre 70 y 100 actuaciones anuales. Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid está integrado por 26 bailarines de diferentes países, ya que son muchos los profesionales de la danza que quieren formar parte de esta Compañía que destaca por ser una de las más exigentes y, por ende, reconocidas en todo el mundo. Versátiles profesionales que dominan un amplio abanico dentro del mundo de la danza. Desde sus inicios, la Compañía se ha caracterizado por su estilo y por la perfección de sus integrantes, provenientes muchos de ellos del Centro de Danza que Víctor Ullate dirige en Alcobendas. Posteriormente, ha abierto sus puertas a bailarines de los cinco continentes, convirtiéndose en la principal Compañía de danza privada del país. En el año 2010, la Comunidad de Madrid premió esta labor de internacionalización de la Compañía con el Premio a la Excelencia Europea. A lo largo de los más de 20 años de trabajo, Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid ha conseguido marcar un estilo propio caracterizado por la perfección en sus ejecuciones tanto en danza clásica (con grandes obras de repertorio como Giselle o Don Quijote) como en montajes más neoclásicos: coreografías como Jaleos, Seguirilla, Arrayán D’Araxa, El Amor Brujo, Arraigo, Ven que te Tiente o Sur. En 2011, la Compañía está llevando de gira, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, seis espectáculos diferentes: Beethoven, Samsara, 2 You Maestro, Wonderland, El Arte de la Danza y Coppélia Ficha artística Coreografía: Víctor Ullate y Eduardo Lao / Iluminación: Paco Azorín / Vestuario: Víctor Ullate, Eduardo Lao, Pedro Moreno y Carlos Javier Martín / Música: varios autores Más información en www.teatroscanal.com www.victorullateballet.com

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Teatro / Sala Roja

LOS INTERESES CREADOS Centre Teatral de la Generalitat Valenciana Del 9 al 19 de febrero Duración: 1h 45´

Sobre el espectáculo Los intereses creados, de Jacinto Benavente, narra la historia del criado Crispín, interpretado por José Sancho, y su señor Leandro. Ambos llegan en la ruina a una ciudad en la que se harán pasar por un gran señor y su escudero. El engaño tiene tal éxito que consiguen favores y apoyos e incluso que el mejor partido de la ciudad, la hermosa Silvia, se enamore de Leandro. Los farsantes son descubiertos y detenidos, pero gracias a los intereses y dependencias que han generado respecto a su propia fortuna, los timadores quedaran en libertad. Puesto que como dice la obra ―mejor que crear afectos es crear intereses‖. ―Cuando Jacinto Benavente (Premio Nobel de Literatura 1922) escribió ―En este mundo mejor que crear afectos es crear intereses‖, apenas había transcurrido el primer cuarto del siglo XX. Hoy, cerca de cien años más tarde, Los intereses creados, toma aire y sale de su retiro para enseñarnos a vivir entre la realidad y la farsa, es decir, entre la verdad y la mentira, entre ricos y pobres, entre buenos y malos, entre amores y desamores, entre honrados y granujas sin escrúpulos... pero esencialmente Los intereses creados, nos recuerda con jocosa insistencia que a la vida hay que hacerle frente con la cara bien alta, sin el rubor que genera no estar entre los elegidos. Al fin y al cabo la elección también la hacemos los seres humanos.

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Tras Enrique IV, de Luigi Pirandello –otro Premio Nobel- propuse a Teatres de la Generalitat la puesta en escena de Los intereses creados, la obra más representativa de su autor y en la que los actores tienen la hermosa y complicada labor de transmitir a los espectadores cuanto tenemos de humanos, de muñecos, de fantoches y de seres en constante evolución, para poder distraer ilustrando, reflexionar sonriendo y actuar complaciendo, que en definitiva es la razón primordial de nuestro trabajo. Como es mi obligación de director, he elegido a los mejores actores y actrices entre los que han aceptado participar en el proyecto. A todos agradezco su entrega, su esfuerzo y lo fácil que han hecho mi trabajo. Vaya también mi gratitud al equipo técnico y de producción del Centre Teatral de la Generalitat y al equipo artístico quienes con su aportación creativa han enriquecido esta producción de Teatres de la Generalitat Valenciana. Mención especial merece el esfuerzo de Francis Montesinos, quien ha conseguido arañar tiempo entre sus múltiples actividades artísticas para hacerse cargo del diseño y realización del vestuario. Como actor, como director y como valenciano que trabaja y conoce el funcionamiento del teatro público y privado en todas las comunidades de España, es siempre un placer volver a los escenarios de mi tierra, donde me siento en casa. Gracias‖. José Sancho Sobre la compañía El Centro Teatral es la unidad de producción escénica pública creada por la Generalitat Valenciana a partir de la Ley de Ordenación de Teatro y Danza, vigente desde febrero de 2007. Con la finalidad de llevar a cabo una de las funciones prioritarias que le corresponden como ente dedicado a la gestión pública del teatro en la Comunitat Valenciana, el ente público Teatres de La Generalitat realiza a través del Centro Teatral de la Generalitat, en cada temporada teatral, producciones propias y coproducciones con otras entidades públicas o privadas, en las que mayoritariamente cuenta con profesionales y empresas valencianas, y cuyo objetivo habrá de redundar en la mejora cuantitativa y cualitativa de la oferta de espectáculos teatrales en la Comunitat Valenciana. Con la reciente rehabilitación del Teatro Rialto de Valencia, concluida en 2008, este espacio escénico se configura como la sede preferente de la producción propia del Centro Teatral de la Generalitat, sin excluir por ello la posibilidad de producir en otros espacios de gestión pública. La realización de giras de ámbito autonómico o estatal y la práctica de intercambios de producciones entre unidades públicas de producción de carácter estable, intentan conjugar a un tiempo la necesidad de una cooperación territorial y la de optimizar al máximo los recursos disponibles en este sentido. Reparto Crispin Leandro Moza Hostelero Arlequín Capitán

José Sancho José Montesinos Elena Vela Juansa Lloret Manolo Ochoa Fabrizio Meschini

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Mozo Dña Sirena Colombino Laura Risela Polichinela Sra. de Polichinela Silvia Sr. Pantalón Doctor

Jorge Sanfélix Alicia Ramírez Elena Seguí Paula Bares Estela Martínez Paco Alegre Cesca Salazar Núria Herrero Martín Cases Vidal Joan Carles Rosell

Ficha artística Dirección escénica: José Sancho / Diseño/realización de vestuario: Francis Montesinos / Diseño de escenografía: Josep Simón / Diseño de iluminación: Juan Gallego / Ayudante de dirección: Joan Carles Roselló / Ayudante de escenografía: Eduardo Díaz / Efectos y Grabación de Banda Sonora: Alberto Suesta (TGV) / Cartel/Imagen: Estudio Eusebio López / Fotografía: Vicente A. Jiménez / Caracterización: Inma Fuentes / Realización de escenografía: Locura Producciones. Más info en www.teatroscanal.com www.teatres.gva.es

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Música teatro / Sala Roja

IL DIVINO Ara Malikian Productions y José Manuel Zapata Del 22 de febrero al 4 de marzo Duración: 1h 25´

Sobre el espectáculo El divino es una obra musical que narra con lenguaje lírico e instrumental las peripecias y hazañas de dos personajes que han hecho historia en el mundo musical por su genialidad, pero también por su divinidad, infundada por el gran público y por ellos mismos. El amor por su trabajo y por alcanzar la eternidad con la fama provocará escenas disparatadas donde demuestran, en una competencia casi feroz sus atributos y virtuosismo a través del lenguaje clásico. Una vez más, Ara Malikian, ahora en compañía del tenor José Manuel Zapata, hará disfrutar al gran público con el lenguaje teatral que caracteriza y complementa su genialidad musical. Sobre Ara Malikian, director musical Nacido en Líbano en el seno de una familia Armenia, Ara Malikian posee un formación solida como violinísta clasico, y abarca a su vez otros estílos musicales como el Jazz o el flamenco. Le han concedido diversos premios internacionales. Con Warner music, tiene una amplia discografía. Coproduce con Yllana Paganini, espectáculo con el que lleva realizadas aproximadamente 500 funciones. Le han dado los Premios de la Música que organiza la SGAE en la edición del 2006-Mejor Álbum de Nuevas Músicas por La felicidad con José Luis Montón y en la edición 2007- Mejor Intérprete de música clásica por el album Insúla Poética. Ara Malikian ha demostrado desde siempre un especial interés en acercar la música, tanto clásica como

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no clásica, a todos los públicos, para ello creó Mis primeras cuatro estaciones una versión dramatizada de las Cuatro estaciones de Vivaldi que se ha representado por toda España con gran éxito de público y crítica y en el año 2009 estrenó Cuentos del Mundo, Armenia un nuevo concierto-narrado familiar que está realizando gira por España. Entre sus discos más recientes podemos encontrar El Concierto para Violín y Orquesta de Aram Khachaturian con la Orquesta Sinfónica de Extremadura dirigida por Jesús Amigo así como el disco Seasons en el que se recogen Las cuatro estaciones Porteñas de Piazolla, el último trabajo discográfico ha sido Con los ojos cerrados… en el que se hace acompañar por el guitarrista argentino Fernando Egozcue, donde estos dos virtuosos realizan un interesante recorrido por las corrientes que van desde el jazz hasta el tango. Ficha artística Dirección artística: Marisol Rozo / Dirección musical: Ara Malikian y José Manuel Zapata / Músicos y actores: Ara Malikian, José Manuel Zapata y Juan Francisco Padille Más info en www.teatroscanal.com www.yosoycomunicacion.es

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Teatro clásico / Sala Verde

DOCTOR FAUSTUS Rakatá Teatro en coproducción con los Teatros del Canal Del 23 de febrero al 11 de marzo Duración: 1h 30´

Sobre el espectáculo La sed de poder y de riqueza es una constante humana. Christopher Marlowe ya lo expresó con Doctor Faustus, que cuenta el mito del hombre que vendió su alma al diablo para obtener todo lo que ansiaba en su vida. Vende su alma siendo consciente de su condena, y no enmienda su camino en ninguna de las oportunidades que se le ofrecen. Dejando a un lado la temática religiosa por un momento, la obra tiene una relevancia indiscutible para la sociedad actual, ya que estamos viendo las consecuencias de vender nuestro futuro por la mera consecución de bienes a corto plazo. La actual crisis económica global se desenlaza como la trágica historia de la vida y muerte del doctor Doctor Faustus. El mundo financiero eligió cerrar los ojos ante los problemas que su mala gestión pudiera acarrear, y así obtener las recompensas materiales que buscaba en ello. Al igual que Doctor Faustus, que ignoró todos los avisos y desaprovechó todas las oportunidades de salvarse que se le presentaron hasta el último

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instante, el mundo financiero prefirió ignorar todas las advertencias que fueron saliendo a su paso conduciéndole inexorablemente a la autodestrucción. Esta singular historia moderna nos lleva de nuevo al drama de Christopher Marlowe, quien demuestra como el exceso de orgullo de Doctor Faustus le ciega y destruye. EI montaje de Doctor Faustus se mantendrá fiel al mundo isabelino del texto, pero buscará generar un ambiente sugerente en el que se pueda desenvolver un mundo que sea tan contemporáneo como clásico. Doctor Faustus es un texto donde ecos del coro clásico enfocan la narrativa, por tanto el trabajo se potencia con el elenco de actores para generar un montaje ágil apartado de convenciones de escena que lo estanquen. Con un grupo de diez actores en total, un actor representando el papel de Doctor Faustus y los demás encarnando a la multitud de figuras que acompañan a Doctor Faustus en su caída, se da al texto la movilidad y fluidez necesaria. Todo el elenco de actores representa el papel de Mefistófeles durante la función. La razón es obvia, dado que en la actual crisis todos compartimos algo de culpa por generar una sociedad en esencia materialista, es más significativo que Mefistófeles sea una presencia maligna que nos envuelva a todos en vez de localizarlo en una sola persona. Así vemos como converge el mundo contemporáneo con el clásico de manera fluida. Doctor Faustus es la tragedia de un individuo como aviso a una sociedad en peligro. El montaje tratará de a un nivel más social que individual, pero la consigna es la misma, y tristemente cada día se demuestra que este aviso sigue siendo de extrema urgencia. Sobre la compañía La compañía Rakatá cumple su séptimo aniversario renovando su compromiso con el teatro clásico. La compañía Rakatá es una compañía cuyo objetivo es la creación y puesta en escena de montajes teatrales basados en un lenguaje escénico adaptado al espectador del siglo XXI. Para ello cuenta, siempre en la consideración del actor como pilar fundamental del hecho teatral, con profesionales de cada una de las áreas que integran las artes escénicas (actores, directores, escenógrafos…), cuyas distintas formaciones y tendencias permiten tanto el recurso a la tradición, como la experimentación de nuevos lenguajes, favoreciendo, así, el enriquecimiento a través la creación de espectáculos o de la formación continua. Rakatá nació como proyecto de teatro con la necesidad de hacer del deseo una realidad, de intentar buscar con valentía y determinación qué queremos realmente, qué amamos; en definitiva, quienes somos.

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Reparto Ernesto Arias, Emilio Buale, Luís Moreno, Bruno Ciordia, Alejandra Mayo, Jesús Fuente, Jesús Teyssiere, Candela Arroyo. Ficha artística Equipo de Dirección: Simon Breden / Asesor de Dirección: Will Keen / Adaptador: David Desola / Adjunto a la dirección: Rodrigo Arribas / Diseñadora de vestuario: Susana Moreno / Diseñador de escenografía: Dick Bird / Asistente de escenografía: Almudena López Villalba / Diseñador de iluminación: Chahine Yavroyan / Diseñador de maquillaje y peluquería: Leticia Rojas / Composición musical: Alberto Matesanz / Coreógrafa: Juana González / Diseñador gráfico: Miguel Angel Triguero / Fotógrafo: Alejandra Duarte / Soporte educacional: Marta Cobos / Edición del Texto: Fundación Marlowe / Versión: Simon Breden-Rakatá. Más info en www.teatroscanal.com www.rakata.es

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Lírica / Sala Roja

CANDIDE. OPERETA EN ESPAÑOL Producción del Festival de Verano del Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial y los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid 11, 14, 16 y 18 de marzo

Sobre el espectáculo “Candide (Cándido) fue el tercer musical que Leonard Bernstein estrenó en Broadway; anteriormente había dado a conocer On the Town (Un domingo en Nueva York, tal como se llamó entre nosotros la versión cinematográfica de esta pieza de 1944, que contó en la gran pantalla con la maestría de Frank Sinatra y Gene Kelly) y Wonderful Town (1952). Tras estas obras, vendría, en 1957, el más formidable éxito teatral del músico, West Side Story. Cándide se dio a conocer en Nueva York, en el Martin Beck Theater, el 1 de diciembre de 1956, por lo que ha cumplido el medio siglo de existencia. La obra se basaba en una adaptación de la sátira dieciochesca (1759) de Voltaire, trasladada a nuestros días nada menos que por Lilian Hellman, y a diferencia de las dos páginas precedentes no fue un éxito comercial. El joven protagonista, Cándide, de bien expresivo nombre, practica un optimismo ciego guiado por su tutor, el Doctor Pangloss, que le asegura que todo es para bien en el mejor de los mundos posibles. Llevando a su bien sonante novia, Cunegunda, de la mano, y al referido Doctor Pangloss, Cándide viaja a Lisboa, París, Buenos Aires y hasta al

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mítico El Dorado, descubriendo a su paso la maldad, la bajeza, la envidia, el sufrimiento y hasta el crimen. Despojado de su idealismo, termina por recalar en Venecia acompañado por la inefable Cunegunda, y sus últimas palabras en la obra, consagrado a su jardín, proclaman: ―Y antes de morir tratemos / de dar sentido a esta vida. / No somos sabios ni buenos: / hagámoslo lo mejor que sepamos.‖ Ni el sofisticado libreto de Hellman –realmente notable– ni la música – espléndida– de Bersntein eran especialmente fáciles o sencillas para el público de Broadway, y la pieza, para considerable tristeza de su creador musical, que nunca ocultó su enorme cariño por la obra, duró poco en el cartel. Cándide renació de sus cenizas en 1973, con una versión revisada del libreto original debida a Hugo Wheeler, con nuevas canciones cuyo texto se debía a Stephen Sondheim –que para entonces ya había colaborado con Bernstein en West Side Story– y con una orquestación que rebajaba los considerables efectivos requeridos en el original. Cándide pasó a ser, de esta nueva guisa, más musical que opereta –que, sin pretenderlo abiertamente, es lo que era en su primera versión–, y conoció por fin el éxito… aunque sea lícito preferir el original, con el primigenio libreto de Lilian Hellman. Pero Cándide llegaba ahora precedida de un éxito sensacional, el de su Obertura, que el propio Bernstein había presentado aisladamente, en concierto de la Filarmónica de Nueva York al año del fallido estreno, esto es, en 1957. La burbujeante, enérgica Obertura, iniciada con una fanfarria que se escucha otras tres veces en la pieza, resume la frenética actividad de la obra, con su idas y venidas, sus batallas y desencuentros, y con el recurrente tema de la natural bondad de Cándide. Y aunque la página se ha paseado por los atriles de la mayor parte de las orquestas, la Filarmónica neoyorquina guarda una especial relación con esta partitura, que se tocó sin director (!) en un concierto a la memoria de Bernstein, fallecido en 1990, y que desde entonces se ha convertido en una tradición, ya que la orquesta, siempre sin rector en el podio, ha tocado la obra no menos de 20 veces en estos quince años. Cándide es, por ende, una síntesis del humor y el ingenio de su creador, que incluso se permite una (disparatada) referencia en nuestro idioma –le fue sugerida por su esposa, la chilena Felicia Montealegre– cuando la Vieja Dama canta ―My father was born in Rovno–Gubernia, / me muero, me sale una hernia‖ (sic), indecible manifestación de la jovialidad de Bernstein‖ Por Paco Mir.

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Sobre el director de escena, Paco Mir ―Nací en el 57 y enseguida vieron que era varón y que tendrían que llamarme Francisco, que era lo tradicional en la rama Mir de la familia. De pequeño pasé por una etapa de ―Currito‖(para diferenciarme de mi padre, a quien llamaban Curro) e incluso por una de ―Currito de Oro‖ que años más tarde, todo se aprovecha, utilicé como pseudónimo de un personaje que era torero. Finalmente todo el mundo se puso de acuerdo y me llamaron Paco. Iba para estudiante de Bellas Artes, aunque en realidad lo que me gustaba era dibujar tiras cómicas, cuando tropecé casualmente con el teatro y, hoy en día, después de patear escenarios de todo el mundo durante más de 30 años, de crear siete obras con TRICICLE, de escribir tres, de ganar dos premios Max, de producir varias series de televisión, de crear campañas de publicidad y de adaptar y dirigir (con un cierto éxito) un pequeño montón de teatro y zarzuela, aún tengo la sensación de que estoy en este mundo por casualidad. Por si las moscas, no he dejado de dibujar‖. Paco Mir Sobre el director musical, Manuel Coves Manuel Coves es uno de los jóvenes directores de orquesta más destacados del panorama español con una importante dedicación a la ópera y la zarzuela así como una profunda implicación en el mundo teatral. Se ha formado como director al lado de grandes maestros como José Ramón Encinar, Miguel Roa, Alejandro Posada, Miguel A. Gómez Martínez o Manuel Galduf. En el año 2009 dirigió el espectáculo Una noche en el Canal, en este mismo teatro dirigió la antología de la zarzuela Viva Madrid. Ha dirigido la antología de la zarzuela Adiós Julian, la recuperación y reestreno de las Zarzuelas Quo Vadis? y Plus Ultra de R. Chapí y S. Delgado en la Universidad Carlos III de Madrid. Con la compañía de teatro L‘om Imprebis ha colaborado en diversos espectáculos como Don Juan Tenorio y Calígula, así como el espectáculo Ellas dicen que Puccini Recientemente ha vuelto a los Teatros del Canal con la obra Amadeu, espectáculo creado y dirigido por Albert Boadella.

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Reparto Pangloss/Voltaire (actor) Pangloss/Voltaire (cantante) Candide Cunegunde Maximiliam Vieja Dama Paquette Vanderdendur/Gobernador Barón/Inquisidor/Judío

Jordi Bosch Xavier Ribera-Vall Antoni Comas María Rey-Joly Axier Sánchez Eva Diago Anna Mateo Juan M. Cifuentes César San Martín

Ficha artística Director de escena: Paco Mir / Director musical: Manuel Coves / Coreógrafo: Francesc Abós / Escenógrafo: Rafael Garrigós / Figurinista: Ana Güell / Iluminador: Nicolás Fistchell / Traducción: Marius Serra. Más info en www.teatroscanal.com

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Teatro comedia / Sala Verde

¡QUÉ DESASTRE DE FUNCIÓN! La Projectora Del 22 de marzo al 8 de abril Duración: 1h 40´sin intermedio

Sobre el espectáculo ¡Qué desastre de función! (Noises off) es, posiblemente, la comedia más divertida jamás escrita. Desde su estreno en Londres en 1982 y después de 5 años en cartel en esta ciudad, se ha estado representando continuamente en algún lugar del mundo: el total de espectadores es, hoy por hoy, incalculable. Se ha traducido a 28 idiomas y representado en más de 50 paises. Incluso se ha hecho una adaptación en cine, Noises off, dirigida por Peter Bogdanovich, con Michael Caine, Christopher Reeve y Carol Burnett entre otros. Es una máquina perfecta para producir el efecto más difícil, pero a la vez más deseado de nuestra existencia: la risa. Los responsables de la versión y traducción – Paco Mir y el director, Alexander Herold – han revisado el texto minuciosamente, incorporando todos los cambios a la nueva versión, y procurando introducir expresiones y situaciones, a veces tópicas, características de nuestro país a fin de facilitar el hecho de diferenciar el vodevil que los actores están ensayando de la obra de teatro. El éxito ha acompañado siempre a ¡Qué desastre de función! (Noises off), aunque hay que reconocer que cuando se estrenó en 1982 en el Lyric Theatre en Hammersmith (Londres), y antes de trasladarse al Savoy, el empresario dudaba de si aguantarían las seis semanas previstas: ¡estuvieron más de cinco años! En Barcelona se representó por primera vez en 1985 en el Teatro Condal, con un gran reparto encabezado por Juanjo Puigcorbé, Mario Gas y Montse Guallar. Posteriormente la obra se repuso con distintos repartos y siempre con gran éxito en los años 1996 y 2002 En realidad son dos comedias en una. La primera, un vodevil bastante vulgar titulado ¿Me enseñas la sardina? La segunda muestra las

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dificultades de todo tipo que sufre la compañía para montar y girar esta magnífica obra. Pero, por si todo esto no fuera suficiente, Michael Frayn nos reserva una sorpresa: en el segundo acto da la vuelta al decorado para mostrarnos la farsa delirante que tiene lugar entre bambalinas: actores y actrices peleándose en silencio mientras entran y salen del escenario para continuar la función como si dentro no estuvieran casi matándose. Sobre la compañía La Projectora es una empresa de producción teatral que se formó con el objetivo de producir comedias que reunan calidad y comerciabilidad. Los dos socios que conforman La Projectora, Anexa (Toni Albaladejo y Mercedes Pascual) y Hold Principal (Abel Folk y Gloria Casanova), tienen una larguísima trayectoria por separado en el panorama teatral de nuestro país. Entre sus producciones encontramos Pel Davant i Pel Darrera (Noises Off de Michael Frayn), 20 anys i una nit con Nina, Mentiders (The Lying Kind de Anthony Neilson), Pels Pèls (Shear Madness de Paul Pörtner), Ex (Ils se sont aimés de Muriel Robin) con Àngels Gonyalons y Abel Folk, y Què musical dirigido por Àngel Llàcer con música de Manu Guix. La Projectora es también una de las empresas coproductoras del espectáculo Stalin, adaptación teatral de Josep Maria Flotats de la última novela de Marc Dugain Une exécution ordinaire. Ficha artística Autor: Michael Frayn / Versión: Paco Mir / Dirección: Alexander Herold / Reparto: Pep Planes, Rosa Gamiz, Carles Martinez, Anna Barrachina, Mónica Pérez, Enric Majó, Miquel Sitjar, Dafnis Balduz y Saïda Mancha / Ayudante de dirección: Saïda Mancha / Apuntes escenográficos: Xavi Erra / Vestuario: Miriam Compte / Peluquería: Toni Santos / Diseño estructura: Pep Codolosa / Acabados escenografía: Joan Jorba / Diseño gráfico y fotografía: Quim Boix y BBCR / Administración: Jordi Folk / Producción: La projectora Más info en www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Verde

LA REGENTA Marina Bollaín y Producciones Come y Calla Del 29 de marzo al 15 de abril Duración: 1h 30´

Sobre el espectáculo Ana Ozores, un conocido personaje de la vida social actual, pasará del reconocimiento y adulación general al desprecio público, propagado hasta el infinito en las tertulias televisivas y las redes sociales. Vetusta es una ciudad en la que todo se comenta y la vida privada no existe: un mundo de habladurías y rumores corre paralelo a la realidad, hasta el punto de que sus ciudadanos caminan por la frontera entre lo que son y lo que los demás dicen que son. La barrera entre lo público y lo privado se ha ido difuminando hasta desaparecer y las vidas de Vetusta han pasado a ser un asunto de ―todos‖. El mundo provinciano de La Regenta no es tan distinto del que vivimos ahora, en el que una imagen impactante, un comentario de un político o un deportista, o simplemente de un ―famoso‖ llenan los periódicos digitales primero, las televisiones luego, las radios y prensa escrita después, para pasar luego a los blogs, tweeters y demás redes sociales, y volver otra vez a la información digital retroalimentando este gran patio de vecinos en que se ha convertido nuestra actualidad mediática. En otras palabras, ―la provincia‖ se ha hecho global, pero los comentarios y discusiones son a menudo aún más triviales que aquellos que animaban las tertulias a finales del XIX.

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Sobre la directora, Marina Bolláin Marina Bollain nace en Madrid donde estudia Filología Alemana. Posteriormente reside durante once años en Berlin donde estudia Dirección de escena y Canto. Ha realizado la dramaturgia y dirección de escena de los espectáculos La ópera de 3 peniques de Kurt Weil Bertolt Brecht en los Teatros del Canal de Madrid; Adios Julian en el Teatro Albéniz de Madrid, La Verbena de la Paloma en el I Festival Internacional de San Lorenzo de el Escorial, Hárragas estrenado en el Festival Madrid Sur y en el Festival de Teatro de Sevilla, entre otros, VI Gala de Premios Líricos Teatro Campoamor de Oviedo, Cuerpos Deshabitados con música de José María Sánchez-Verdú estrenado en la Residencia de Estudiantes de Madrid y los espectáculos musicales infantiles La gallina submarina e Historia de Yuco estrenados en los festivales de teatro infantil Teatralia de Madrid y Fetén de Gijón. Además ha trabajado como soprano en la Komische Oper de Berlin, la Opera de Rostock y la Opera de Leipzig y realiza numerosos conciertos para delegaciones españolas en el extranjero. Ha trabajado como actriz en distintas producciones cinematográficas y para televisión en Madrid y Sevilla y recibió el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Gijón en 1992. Como asistente de dirección ha trabajado con Albert Boadella en los Teatros del Canal de Madrid en el espectáculo inaugural Una noche en el Canal; con Francisco Nieva en el Teatro Real de Madrid en La Señorita Cristina de Luis de Pablo; con Götz Friedrich en la Deutsche Oper de Berlin en Luisa Miller de Verdi y en el Teatro de la Ópera de Roma en Fedora de Giordano. Ficha artística Dirección: Marina Bollain / Dramaturgia: Marina Bollain, Vanessa Montfort / Escenografía: Ricardo Sánchez-Cuerda / Vestuario: Rosa García Andújar / Producción: Producciones Comeycalla/ Teatros del Canal. Más info en www.teatroscanal.com

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Música zarzuela / Sala Roja

AMADEU Teatros del Canal Del 13 de abril al 6 de mayo Duración: 1h 30´

Sobre el espectáculo Un periódico de Barcelona encarga a un joven periodista aficionado al rock duro un artículo sobre el gran compositor de zarzuelas Amadeo Vives. La investigación sobre el famoso músico catalán, del que no conocía ni su existencia, lleva al joven periodista a imaginarse de manera real la vida y la obra de Vives. A través de un argumento entre dramático y humorístico, van apareciendo los pasajes de zarzuelas como Doña Francisquita, Bohemios, Maruxa o La Generala, así como las canciones y coplas eróticas creadas en la juventud del compositor. A medida que aumenta su fantaseada relación con Vives, el joven periodista tan aficionado antes a la música heavy, va cambiando sus conceptos sobre el arte, la vida y la política. Sobre Amadeu - Por Albert Boadella, dirección y dramaturgia La música de Amadeo Vives figura como una de las más penetrantes e inspiradas entre los compositores liricos del siglo XX. Sin embargo, como la historia tiende a repetirse, el personaje y su obra poseen también un interés especialmente significativo en el actual contexto español. Nacido en un pequeño pueblo de Cataluña a los pies de la montaña de Montserrat, el compositor se inicia en la música popular de su tierra para posteriormente instalarse en Madrid donde obtiene sus mayores éxitos con obras de raíz

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tan profundamente española como Doña Francisquita. En este sentido, la estructura básica que sustenta este espectáculo musical se desarrolla vinculando los rasgos de su personalidad humana y social con sus mejores partituras, tales como Doña Francisquita, Bohemios, Maruxa o las canciones populares creadas en su juventud. - Por Miguel Roa, dirección musical La selección de números musicales ha sido hecha por el autor de la obra, Albert Boadella, sobre una base infrecuente: utilizar la música como urdimbre en el devenir del espectáculo con el fin de que éste acabe ―en flecha‖. Amadeu no es una de esas antologías de Zarzuela con las que tanto nos han castigado, no: es un espectáculo en el que el público percibe desde el primer momento que el texto no se usa para justificar la música, si no que este se imbrica en él de una forma lógica y sin estridencias, logrando complicar el nudo y dar paso al desenlace. En ningún momento se utiliza la acción dramática para intercalar esos números tan conocidos que nuestros abuelos tarareaban a la salida de los teatros. El primero de los tres bloques que agrupan la música de esta producción comprende fragmentos significativos de obras tan conocidas como Bohemios, Doña Francisquita, Maruxa y La Generala, además de un bolero de La primera del barrio, título con el que Vives iniciaba en 1898, su triunfal carrera. En el segundo, quizá el más relacionado con las circunstancias menos conocidas de la vida del compositor, escucharemos el Virolai, antiguo canto mariano e himno ―oficial‖ de la Virgen de Montserrat y dos canciones muy conocidas: L’emigrant (1894) y La Balanguera (1926). La primera de ellas se hizo muy popular gracias a las grabaciones de las mejores voces de la época, y la segunda se ha convertido en el himno de las Islas Baleares. Este bloque se completa con piezas de otro género decididamente más frívolo: el Dúo de fumadoras de La Chipén, el Ya Viene de La fresa, y un número, que, aun hoy podría ser calificado de ―políticamente incorrecto‖. Se trata del Chotis del higo, de los maestros Rosillo y Mollá, perteneciente a La pipa de oro. El tercero y último apartado incluye citas puntuales de sus admirados R. Chapí, T. Bretón, y M. de Falla, así como ejemplos de Beethoven, Verdi, Rossini y J. S. Bach. Creemos que estos puntos de apoyo ayudarán a nuestros espectadores a entrar en una existencia tan dura y compleja cuanto laboriosa y triunfal, como fue la del Maestro Amadeo Vives. Reparto Amadeu Vives Antoni Comas Jordi Raúl Fernández Jefe de Redacción Chema Ruiz Solistas: Yolanda Marín (soprano), Auxiliadora Toledano (soprano), Lola Casariego (mezzosoprano), Joana Thome (mezzosoprano), Israel Lozano (tenor), Francisco Corujo (tenor) / JORCAM ACADÉMICA.

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Ficha artística Dirección y dramaturgia: Albert Boadella / Dirección musical: Miguel Roa y Manuel Coves / Dirección del Coro JORCAM ACADÉMICA: Félix Redondo / Coreografía: Ramón Oller / Escenografía: Ricardo SánchezCuerda / Iluminación: Rafael Mojas / Vestuario: Rafael Garrigós / Caracterización: Joel Escaño / Ayudantía de dirección y espacio sonoro: Ángel Ojea / Regiduría: Mar Eguiluz / Maestro repetidor y maestro de luces: Borja Mariño / Utilería y atrezzo: Ana María Serpa / Construcción escenografía: MAMBO Decorados / Makking off: Animal´s House / Producción ejecutiva: Leticia Martín Más info en www.teatroscanal.com

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Música zarzuela / Sala Verde

EL DÚO DE LA AFRICANA Teatros Arriaga - Sala BBK Del 27 de abril al 6 de mayo Duración: 1h 20´

Sobre el espectáculo En una compañía ambulante de ópera italiana, el encargado del escenario, Pérez, pone orden entre los indisciplinados miembros del coro, que no reciben ningún sueldo por su trabajo. El empresario Querubini llega muy enfadado, recriminando a los coristas por la mala calidad de los ensayos de La Africana de Meyerbeer que debería representarse esa noche. La Antonelli, esposa del empresario y tiple principal y el tenor Giuseppini mantienen una relación que es coreada por toda la compañía. Como su marido está muy encolerizado, la Antonelli intenta calmarle, aunque no puede por menos que enojarse ante los arrumacos de Giuseppini aprovechándose del ensayo, con la correspondiente hilaridad de los coristas. En el cuadro segundo, el bajo, vestido de su personaje, persigue a Amina, la hija de Querubini, de la que está enamorado, aunque la muchacha a quien ama realmente es a Giussepini, lo que genera todavía una mayor inquina del empresario hacia al tenor. Sin embargo, y tras pensar en la situación, casi prefiere que el tenor se case con su hija para que deje en paz a su mujer. Pero Giuseppini no quiere oír hablar de matrimonio. Amina descubre a la Antonelli y a Giuseppini en un diálogo con demasiada intimidad y se lo cuenta a su padre. En plena representación, aparece Doña Serafina, la madre del tenor que no acepta ver a su hijo en lo que ella valora como una compañía de tercera y les acusa de sinvergüenzas. En plena persecución a Amina, el Bajo

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cae sin querer en los brazos de Doña Serafina lo que sólo sirve para horrorizar más a la venerable viuda. En el cuadro tercero, durante la representación del célebre cuarto acto de La Africana de Meyerbeer, Querubini hace bajar el telón al constatar que el tenor o exagera su actuación junto a su mujer o está abusando de la situación. En ese momento aparece un inspector de policía que acusa de fraude al empresario. Ante el enojo del público que, desde la platea, muestra de forma contundente su disgusto, el telón se cierra, pero al retomarse el dúo irrumpe Doña Serafina que abraza a su hijo lo que de nuevo corta la representación. Reparto ANTONELLI GIUSEPPPINI QUERUBINI El INOCENTE PÉREZ AMINA LA BARONESA DOÑA SERAFINA MARISA LA SASTRA PEPA LA SASTRA BAJO DE LA COMPAÑÍA COMISARIO DE POLICIA CORO

Ainhoa Zuazua Javier Tomé Felipe Loza Lander Iglesias Itxaso Quintana Gurutze Beitia Loli Astoreka Esther Velasco Mitxel Santamarina Aritza Rodríguez Rossini

Ficha artística Música: Manuel Fernández Caballero / Libreto: Miguel Echegaray / Piano y dirección musical: Rubén Fdez. Aguirre / Dirección de escena: Emilio Sagi / Escenografía: Daniel Biano / Figurinista: Genoveva Vidal / Ayte. de dirección: Carlos Roó / Maestro repetidor: Mario Lerena. Más info en www.teatroarriaga.com www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Verde

ANGELS IN AMERICA Teatridiithalia y Teatro dell´Elfo Del 8 al 10 de junio Duración: 6h 30´

Sobre el espectáculo Best-seller del teatro estadounidense, premiado tanto en la versión teatral como en la televisiva (en 1993 Premio Pulitzer, dos Premios Tony Awards, 5 Golden Globe y 11 estatuillas Emmy Awards), Angels in America triunfa también en Italia en la creación del Teatro de Elfo, dirigida por Bruni/De Capitani. El autor, Tony Kushner, pinta un retrato extraordinario del Nueva York de los ‗80, febril y omnívoro, el receptáculo de las preocupaciones de una época que abarca también hasta el día de hoy (o hasta nuestros días): el SIDA se convierte en una metáfora de la incertidumbre generalizada, de la crisis de las identidades étnicas, sexuales y religiosas, de la desintegración social y política de toda una generación. Millennio Un espectáculo colosal que ha ganado todos los principales premios de teatro italiano, provocativo y conmovedor, terrible y magnífico. En un espacio casi vacío, animado por las proyecciones imaginativas, toman forma los conflictos de dos parejas: la homosexual de Prior Walter, enfermo de SIDA, y Louis Ironson y la de los cónyuges Pitt, un abogado mormón y su joven esposa deprimida. Sus historias se entrelazan a la de Roy Cohn, sórdido abogado protegido del senador McCarthy, y Belize, enfermero y ex travesti: todos son los

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representantes del melting pot de la Gran Manzana, los emblemas actuales y universales de la humanidad que sufre. Perestroika El descenso en la vorágine de la América de Reagan continúa con la segunda parte del proyecto: encontramos, por lo tanto, en el Nueva York de los años 80, los personajes a los que los espectadores estuvieron apegados: Prior Walter, solo y enfermo de SIDA, y Louis, su ex novio, ahora amante del abogado Joe Pitt; la joven esposa de este último, que. presa de la depresión, se construye una identidad imaginaria, y su suegra Hannah, rígida mormona obligada a ampliar sus propias miras. Mientras tanto el SIDA ha afectado también Roy Cohn, el abogado corrupto, realmente culpable de haber enviado a la muerte a los cónyuges Rosenberg durante la era McCarthy. Con la presión de la muerte, sus sueños están llenos de pesadillas y de fantasmas: será sólo la aparición de su víctima más famosa, Ethel Rosenberg, la que lo acompañará hasta el final. Sobre la compañía Elfo/Teatridithalia es una anomalía del teatro italiano: es uno de los más importantes teatros ―estables‖ de nuestro país, pero no renuncia a mantener una sólida conexión con su historia y sus raíces de ―grupo‖; es una tribu de artistas que ha soñado desde sus primeros pasos (corría el año 1972) con crear en Milán un gran teatro de arte sobre el modelo de los más prestigiosos teatros europeos, pero partiendo desde abajo, con tan sólo la fuerza de las ideas y del talento. A principios de los 70, parecía un reto demasiado grande, y sin embargo el grupo, hoy guiado por Bruni y De Capitani, con etapas importantes como la fusión del ‘92 con el Teatro milanés de Portaromana – que ha dado vida a Teatridithalia – ha llegado a realizar su sueño. En marzo de 2010, inauguró (justamente con la versión integral de Angels in America de Tony Kushner que veremos en el Teatro Valle) su nueva sede: el Teatro Puccini del siglo XVIII, vuelto a proyectar radicalmente como teatro de arte contemporáneo. Las tres salas, dedicadas a Shakespeare, Fassbinder y Pina Bausch, ejemplifican el manifiesto artístico y programático de Elfo: la convicción práctica de la dramaturgia contemporánea, la programación interdisciplinar, la atención hacia las nuevas tendencias internacionales, la compactibilidad del núcleo artístico y el trabajo con y para las nuevas generaciones de actores, directores y espectadores. Ficha artísitca Autor: Tony Kushner / Dirección: Elio de Capitani y Ferdinando Bruni. Más info en www.teatroscanal.com www.elfo.org

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Danza / Sala Roja

BACH / PARABELO Grupo Corpo 15, 16 y 17 de junio Duración: 1h 40´

Sobre el espectáculo BACH Un juego entre lo que se oye y lo que se ve, donde el barroco de Bach y el barroco de Minas Gerais, en Brasil, se llevan a cabo como danza. La coreografía aspira a lo que está por encima, y la música, a lo que está dentro de las partituras de Bach, y que Marco Antônio Guimarães, el compositor, nos ayuda a descubrir. Entre azules, dorados y oscuros, una danza que celebra la arquitectura de la vida: un flujo continuado del que emergen construcciones cinéticas sorprendentes. PARABELO De cantos de trabajo y devoción, de la memoria acompasada del bahiano y un exuberante y omnipresente entramado de puntos y contrapuntos rítmicos, emerge una escritura coreográfica que se prodiga en juego de cintura y marcación de pie, en una arrebatadora afirmación de la madurez y fuerza expresiva de la gramática construida a lo largo de los años por el arquitecto de Missa do Orfanato y Sete ou Oito Peças para um Ballet.

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La estética de los ex-votos de iglesias del interior sirve de inspiración a Fernando Velloso y Paulo Pederneiras en la composición de los dos paneles, de 15m x 8m, que dan soporte escenográfico al espectáculo. Con la intensidad de los colores velada por un tul negro y que se revela únicamente en el espacio exiguo e imperativo de las zapatillas, la diseñadora de vestuario Freusa Zechmeister crea el juego de luz y sombra que viste a los bailarines en la primera parte de Parabelo, mientras que en la recta final y explosiva de la danza, las mallas se liberan de su velo, ensalzando la temperatura jubilosa y alta de sus colores. Sobre la compañía Considerada la más importante compañía de danza contemporánea del Brasil y una de las más prestigiosas internacionalmente. El Grupo Corpo, fundado en Belo Horizonte por los hermanos Rodrigo y Paulo Pederneiras en el año 1975, es una compañía de danza contemporánea eminentemente brasileña en sus creaciones. Su primer espectáculo, María María, con coreografía de Oscar Araiz y música de Milton Nascimento, fue un récord en la producción local: recorrió catorce países y fue bailado en Brasil desde 1976 hasta 1982. A partir de 1981 Rodrigo Pederneiras asume la coreografía de la mayor parte de las creaciones del grupo. Las producciones de Corpo tienen una dimensión cuasi operística, en el sentido de una colaboración estrecha entre las artes. Un núcelo creativo trabaja en conjunto: Paulo Pederneiras, Fernando Velloso, Freusa Zechmeister y Rodrigo Pederneiras. Desde 1992 diferentes musicos han sido invitados a escribir sus obras especialmente para cada ballet. Música, escenografía, vestuario y coreografía van siendo construidos simultáneamente. Cada espectáculo es el resultado de esa interacción. Ficha artística Bach Coreografía: Rodrigo Pederneiras Música: Marco Antonio Guimaraes (sobre obra de J. S. Bach) Parabelo Coreografía: Rodrigo Pederneiras Música: Tom Zé y Zé Miguel Wisnik Más info en www.teatroscanal.com www.grupocorpo.com.br

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Música / Sala Roja y SaLA Verde

TEMPORADA MUSICAL ORCAM / JORCAM

Sobre la temporada musical La Temporada Musical de los Teatros del Canal se consolida con esta 3ª edición, en la que estarán presentes la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) y la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM). El Ciclo Canal de la ORCAM, uno de los más destacables, se compone esta temporada de seis conciertos, tres de ellos protagonizados por el Coro a capella, dirigido por directores invitados, y otros tres sinfónicos basados en piezas de Joaquín Rodrigo y obras más recientes de otros tres autores españoles: Antonio Ruiz Pipó, Francisco Otero y David del Puerto. Los programas se abrirán y cerrarán con obras pertenecientes al más genuino repertorio de autores como Chabrier, Ravel, Bernstein, Gershwin, Rimsky-Korsakov y Tschaikowsky. Por su parte, la JORCAM ofrecerá una vez más sus propuestas con jóvenes promesas. Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Y Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) Director titular ORCAM: José Ramón Encinar Director del Coro ORCAM: Jordi Casas Más info en www.teatroscanal.com www.orcam.org www.jorcam.org

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Música, danza, teatro / Sala Roja y Sala Verde

CAMPAÑA ESCOLAR Teatros del Canal

Sobre la campaña escolar Un año más, con la campaña dirigida a estudiantes, los Teatros del Canal ofrecen una serie de espectáculos de teatro, danza y música de carácter didáctico, con la intención de despertar el interés por las artes escénicas entre los escolares. Una propuesta que ha tenido gran acogida y que, por segundo año consecutivo, se ofrece con la intención de complementar una programación dirigida a todos los públicos. El Quijote (Luis Hostalot) 2, 3 y 4 noviembre, 14 y 16 de diciembre de 2011 Tel. 619 593 305 Teatruras (Impromadrid Teatro) Fechas por confirmar Tel. 91 543 73 63 Macbeth (Ur Teatro) 13 y 15 de diciembre de 2011 Tel. 91 567 17 22

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Escolares (JORCAM) 21 de diciembre de 2011, 24 y 25 de enero y 16 y 17 de febrero de 2012 Tel. 91 525 18 93 El arte de la danza (Víctor Ullate BalletComunidad de Madrid) 15, 16 y 17 de febrero de 2012 Tel. 91 490 12 90 Abrevia-2 (Teatro del Biombo) 29 de febrero, 1 y 2 de marzo, 18, 19 y 20 de abril de 2012 Tel. 91 814 17 36 Trasmúsica (ORCAM) Del 24 al 27 de abril de 2012 Tel. 91 382 06 80 *Los centros escolares pueden contactar directamente con las compañías en los teléfonos facilitados para la formación de grupos

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Área de Comunicación de los Teatros del Canal Beatriz Clemente Sonsoles Abascal 91 308 99 99 / 61 [email protected] Consulta nuestra programación en www.teatroscanal.com

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