SEMINARIO INTERNACIONAL MÚSICA Y TRANSFORMACIÓN SOCIAL

MARIA CLAUDIA PARIAS SYLVIA OSPINA

Dirección General

COMITÉ ACADÉMICO JUAN DAVID CORREA

ENTIDADES ORGANIZADORAS

MARIO FERNANDO LÓPEZ

FUNDACIÓN NACIONAL BATUTA

BRITISH COUNCIL

MARÍA CLAUDIA PARIAS DURÁN

TOM MISCIOSCIA

Presidenta Ejecutiva

Gerente

CATHERINE SURACE

JUAN CAMILO LLANO ADRIANA MONROY

LUISA RAMÍREZ HERNÁNDEZ

Directora Académica

Asistentes de Gerencia

Gerente Administrativa y Financiera

LUISA RAMÍREZ

PAULA QUIÑONES

Director Revista Arcadia Semana

Coordinadora Financiera

Gerente de Desarrollo

CATHY GRAHAM

CATHERINE SURACE

HEIDY YOBANNA MORENO

Directora de Música del British Council

Coordinadora Mesas de Trabajo y Talleres

Directora Jurídica

ALEJANDRO MANTILLA

ANA MARÍA GÓMEZ LONDOÑO

SILVIA JULIANA SÁNCHEZ

Coordinadora de Contenidos

Jefe de Comunicaciones

LUCIA GONZÁLEZ VICTOR MANUEL RODRIGUEZ

ORLANDO ENRIQUE CARVAJAL LINARES

Directora General de la Orquesta Filarmónica de Bogotá

Equipo de Relatoría académica del seminario

FRAY MARTÍN CONTRERAS

SYLVIA OSPINA

ANA MARÍA RUÍZ GUILLERMO CUELLAR

MARIA JOSÉ DURÁN

Coordinador Área Música Ministerio Cultura SANDRA MELUK

Directora de Artes del British Council MARÍA CLAUDIA PARIAS

Presidenta Ejecutiva de la Fundación Nacional Batuta MAURICIO PEÑA CEDIEL

Jefe de la Sección de Música Subdirección Banco de la República LUIS ARMANDO SOTO BOUTIN

Director de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores CATHERINE SURACE

Directora Académica de la Fundación Nacional Batuta CLAUDIA TONI

Asesora Cultural de la Universidad de San Pablo MARIANO VALES

Director del Programa de Música en la Organización de Estados Americanos (OEA)

Brújula Comunicaciones Coordinación General de Comunicaciones JORGE ARIZA MITCHELL GARCÍA

Coordinación de Producción GEMA TOURS

Operador Logístico

APOYO TÉCNICO HEIDY MORENO

Gerente Regional Norte Gerente Regional Oriente Gerente Regional Occidente LUZ AMPARO RAMÍREZ ORDOÑEZ

Gerente Regional Bogotá-Antioquia MARÍA CRISTINA RIVERA CADENA

Directora Departamento de Educación Musical JUAN PABLO VALENCIA HEREDIA

Director Departamento de Orquestas JORGE ERNESTO ARIZA TRUJILLO

Director Departamento Producción, Biblioteca y Publicaciones MARTHA SOFÍA RIVERA CADENA

Jefe del Area Jurídica

Coordinadora Nacional de Ensambles

PAULA QUIÑONES

RAMÓN GONZÁLEZ JAIMES

Gerente de Desarrollo

Coordinador Nacional de Coros

SILVIA SÁNCHEZ

ADRIANA CARDONA CANO

Jefe de Comunicaciones

Coordinadora de Gestión Social

GLADYS GARZÓN

GLADYS GARZÓN CIFUENTES

Directora Financiera

Directora Departamento de Gestión Financiera

EDGAR ANDRÉS GUARÍN

SANDRA MORENO SILVA

Coordinador de Compras y Logística FABIÁN VELA

Coordinador de Sistemas

Directora Departamento de Gestión Humana WWW.FUNDACIONBATUTA.ORG CALLE 9 NO. 8-97, LA CANDELARIA BOGOTÁ D.C.

Director Colombia SYLVIA OSPINA

Directora de Artes PAULA SILVA

Gerente de Artes e Industrias Creativas LUIS GONZÁLEZ

Gerente de Artes JOHANNA BERMÚDEZ

Coordinadora de Comunicaciones WWW.BRITISHCOUNCIL.CO @COBRITISHARTS CARRERA 9 NO. 76-49, PISO 5 BOGOTÁ DC., COLOMBIA

ENTIDADES ASOCIADAS MINISTERIO DE CULTURA MARIANA GARCÉS CÓRDOBA

Ministra ZULIA MENA

Viceministra ENZO ARIZA AYALA

Secretario General GUIOMAR ACEVEDO

Directora de Artes ALEJANDRO MANTILLA

ORQUESTA FILARMÓNICA DE BOGOTÁ SANDRA MELUK

JOSE DARÍO URIBE ESCOBAR

Directora General

Gerente General

MARÍA JULIANA MARTÍNEZ GONZÁLEZ

Subdirectora Administrativa MARÍA CATALINA PRIETO VÁSQUEZ

Subdirectora Sinfónica VICTORIA GÓMEZ

Asesora de Mercadeo y Comunicaciones

WWW.MINCULTURA.GOV.CO CARRERA 8 NO. 8-55 BOGOTÁ D.C.

WWW.FILARMONICABOGOTA.GOV.CO @FILARMONIBOGOTA CALLE 39 BIS NO. 14-57 TELÉFONO 2883466 BOGOTÁ D.C.

SECRETARIA DISTRITAL DE CULTURA, RECREACIÓN Y DEPORTE

INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES -  IDARTES

Coordinador del Área de Música

BANCO DE LA REPÚBLICA

JUNTA DIRECTIVA MAURICIO CÁRDENAS SANTAMARÍA

Ministro de Hacienda y Crédito Público CARLOS GUSTAVO CANO SANZ ANA FERNANDA MAIGUASHCA OLANO ADOLFO MEISEL ROCA CESAR VALLEJO MEJÍA JUAN PABLO ZÁRATE PERDOMO ALBERTO BOADA ORTIZ

Secretario de la Junta Directiva FERNANDO VARGAS HERRERA

MARÍA CLAUDIA LÓPEZ SORZANO

JUAN ANGEL

Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte

Director General

JENNY SUÁREZ ACERO

MARIA CATALINA RODRIGUEZ

Subsecretaria de Cultura

Subdirectora de Artes (E)

MARÍA CLAUDIA FERRER

GIOVANNA CHAMORRO

Directora de Arte, Cultura y Patrimonio

Gerente de Música

NATHALIA BONILLA

LEONARDO GARZÓN ORTÍZ

Subdirectora de Arte, Cultura y Patrimonio VÍCTOR MANUEL RODRÍGUEZ

Director Observatorio de Culturas de Bogotá D.C. WWW.CULTURARECREACIONYDEPORTE.GOV.CO ESQUINA CARRERA 8, CL. 10 BOGOTÁ D.C.

Coordinador General Programa Formación Artística, Niños y Adolescentes AMANDA PAOLA VARGAS

Asesora Proyecto Arte Para la Transformación Social WWW.IDARTES.GOV.CO @IDARTES CARRERA 8 NO. 8-52 BOGOTÁ D.C., COLOMBIA

Gerente Técnico JOSE TOLOSA BUITRAGO

Gerente Ejecutivo ÁNGELA MARIA PEREZ MEJÍA

Subgerente Cultural NATALIA RUIZ RODGERS

Directora Departamento  Red de Bibliotecas MAURICIO PEÑA CEDIEL

Jefe de la Sección de Música WWW.BANREPCULTURAL.ORG CALLE 11 NO. 4 - 14, LA CANDELARIA  BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO  MUSEOS Y COLECCIONES DEL BANCO DE LA REPÚBLICA  BOGOTÁ D.C., COLOMBIA

Índice

84 Mesas técnicas 88 Mesa Líderes 90 Mesa Aportes de las artes para la construcción de paz 92 Mesa Música y educación

14 Presentación 16 Comité académico 22 Entidades organizadoras 24 Entidades asociadas 28 Entidades aliadas

94 Talleres 34 Conferencias 36 38 40 42

Educación musical Música y neurociencia Música e historia Música y paz

44 Paneles 46 50 56 62 66 70 74 78

Música, territorio y ciudadanía Música en clave de vida comunitaria Músicas y orquestas como modelo de sociabilidad Diseños sociales y experimentación sonora Música para desaprender la guerra Músicas corresponsables Orquestas sin esmoquin Historias de vida

96 Taller Liderazgo en las artes 97 Taller Emprendimiento e innovación en la música 98 Taller de práctica vocal: World Voice 100 Taller de percusión corporal 102 Taller Déjate tocar por la música 104 Taller de pedagogía orquestal 106 Taller de composición musical contemporánea 108 Conciertos

110 Perfiles de los panelistas 128 Relatoría Académica

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l Ministerio de Cultura, en cumpli- buscando garantizar el derecho a la formiento de su misión institucional, mación, práctica y disfrute de la música, ha promovido el desarrollo cultural con énfasis en la educación musical de de la sociedad colombiana como dimen- la ciudadanía, en el fortalecimiento de sión fundamental en la construcción del las practicas musicales, en el fomento al proyecto colectivo de nación y del sen- desarrollo musical del territorio y en la tido de ciudadanía. Las escuelas de mú- diversificación del espacio profesional sica junto a las bibliotecas, a los museos, de la música. Durante este lapso se han a las radios comunitarias, a los vigías del creado 992 escuelas municipales de múpatrimonio, a las casas de cultura, cons- sica con una población beneficiaria de tituyen el equipamiento de políticas, de 128.909 personas. Así mismo, 997 muprogramas, de infraestructuras y de par- nicipios han recibido dotaciones instruticipación social, que va democratizan- mentales representadas en más de 12 mil do los procesos de creación y expresión instrumentos de música. Este proceso cultural y fortaleciendo los proyectos ha tenido como soporte la actualización de vida de la población. La música, por constante de los docentes de las escuesu naturaleza simbólico-expresiva y su las, el diseño de lineamientos de formaarraigo en la estructura social y cultural, ción para distintos niveles y prácticas y tiene una incidencia determinante en la la profesionalización de 1.011 músicos construcción de los valores individuales en ejercicio. El proceso ha posibilitado y colectivos y por tanto, en la transforma- que los municipios, la población local ción de condiciones efectivas e intelec- y el sector de los músicos enriquezcan tuales del conglomerado social. su vida cotidiana a través del desarrollo Por espacio de 14 años continuos, perceptivo, cognitivo y emocional, conel Ministerio ha implementado una po- tribuyendo al reconocimiento de la dilítica cultural prioritaria de carácter pú- versidad, al fortalecimiento de la creatiblico, de cobertura nacional y de alcan- vidad y la expresión, como fundamentos ce innovador, a través del Plan Nacional de la integración y la convivencia en el de Música para la Convivencia (PNMC), territorio nacional. Mariana Garcés Córdoba Ministra de Cultura

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a música nos acompaña desde la primera infancia, es fundamental en la construcción de subjetividades e identidad y ayuda a definir nuestra forma de ser, estar en el territorio y en comunidad. La experiencia de la música es en esencia colectiva y, en ese sentido, juega un papel fundamental en el reforzamiento de los vínculos afectivos y en la construcción del tejido social. Tiene un enorme poder transformador social. Dentro de las artes, la música es la de mayor convocatoria e impacto. Bogotá es una ciudad vital y diversa, fruto de grandes migraciones, aquí converge todo el país. Las personas han traído consigo su cultura, convirtiendo a la ciudad en un gran laboratorio de innovación social. La música ha contribuido

visiblemente a la transformación de la ciudad y de sus imaginarios. Hoy por hoy, es imposible imaginarse a Bogotá sin sus Festivales Musicales al Parque, sin la explosión de diversos géneros musicales y sin su agitada vida nocturna. No podemos imaginar a Bogotá sin los jóvenes y sus estéticas como el rock o el hip-hop y sin los nuevos mestizajes sonoros que nacen del diálogo entre lo local y lo universal. El Seminario Internacional “Música y Transformación Social” nos da la oportunidad única de compartir las experiencias de ciudad con otras de diversos lugares del mundo. Este intercambio será enriquecedor pues permitirá ampliar nuestros horizontes y pensar en nuevas estrategias para potenciar el poder transformador de la música. María Claudia López Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte

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l British Council es la organización internacional del Reino Unido para las relaciones culturales y oportunidades educativas con países extranjeros. Establecido por decreto real como una organización independiente, trabaja en conjunto con el British Government’s Foreign & Commonwealth Office y con la Embajada Británica en los más de 100 países. Su propósito es crear oportunidades internacionales para las personas del Reino Unido y de otros países, así como construir lazos mundiales de confianza. Con esta misión, en Colombia lleva funcionando 77 años. Para el British Council es un gran honor ser el socio principal de la Fundación Nacional Batuta en la organización del Seminario Internacional de Música y Transformación Social. La creación de un encuentro académico de este nivel concuerda con nuestro compromiso con el país y nuestros objetivos en música,

que son el fomento y la creación de espacios para el intercambio de ideas, la transferencia de conocimiento, la formación y las colaboraciones creativas en una de nuestras líneas estratégicas que apunta a resaltar el rol de las artes en la transformación de las sociedades. Adicionalmente, Colombia atraviesa un momento histórico, cuyo principal reto es desarrollar espacios para la construcción de paz. En este contexto, el British Council tiene la certeza de que la música posee la capacidad de transformar vidas y es herramienta vital para la acción social. El Seminario Internacional de Música y Transformación Social contribuirá a la generación de encuentros, debates y a la creación de vínculos entre entidades pares. Se espera que este seminario propicie nuevas oportunidades y experiencias inspiradoras y que promueva el desarrollo de las industrias creativas, la sostenibilidad de los proyectos musicales y la cohesión social. Tom Miscioscia Director Colombia British Council

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ara la Fundación Nacional Batuta es un honor haber organizado, de la mano del British Council y gracias al apoyo decidido del Ministerio de Cultura, la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá, el Instituto Distrital de las Artes (IDARTES), la Orquesta Filarmónica de Bogotá, el Banco de la República y distintas universidades de Colombia, un escenario de reflexión que nos permitirá comprender cuáles han sido los propósitos y cuál, el camino seguido por entidades o individuos que han hecho de la música el ethos para alcanzar cambios sociales que han marcado diferencias importantes en diversas comunidades del mundo.

Todos y cada uno de los proyectos y personas convocados al Seminario Internacional de Música y Transformación Social han producido intervenciones comunitarias notables desde la música; es decir, han impactado positivamente la geografía humana de escenarios sociales caracterizados por diversas conflictividades, tensiones, diferencias o situaciones de vulnerabilidad. Mediante este encuentro, hemos querido conocer de primera mano sus formas de ser y estar en los contextos urbanos o rurales donde tienen lugar; generar vínculos de largo aliento entre entidades pares; procurar la réplica de algunas de las experiencias en otros

países o ciudades y generar un debate académico sobre el impacto de la música y su poder transformador en lo cultural, lo social y lo cognitivo. Adicionalmente, el Seminario Internacional de Música y Transformación Social se propuso, como uno de sus objetivos prioritarios, alimentar la discusión sobre el papel de las artes y, en particular, de la música en la construcción de paz. Ello, tanto en virtud de la importancia que reviste profundizar en este tipo de reflexión, dadas las actuales circunstancias históricas de Colombia, como en términos del valor que tiene intercambiar metodologías y saberes entre diversos terrotorios, culturas y realidades sociales. De otra parte, el Seminario busca que los jóvenes gestores culturales y músicos en formación cuenten con referentes novedosos que inspiren y motiven la formulación de proyectos orientados al desarrollo integral de comunidades, estimulen su pensamiento creativo y potencien sus habilidades para el

emprendimiento. Por tanto, fue diseñado como un gran espacio de encuentro que convoca académicos, especialistas, responsables de políticas públicas, secretarios de cultura, gerentes, gestores culturales, profesores y jóvenes, cuyas vidas, intereses o trabajos guardan –en distintos niveles– una conexión con la música como campo de saber, de experimentación y de trabajo. En sus 25 años de existencia, la Fundación Nacional Batuta ha contribuido a generar conocimiento e inspirar iniciativas innovadoras en el campo de la música, la transformación social y la construcción de paz. Para ello, ha contado con el valioso acompañamiento de un comité académico de alto nivel, entidades rectoras de la cultura, carreras de música de prestigiosas universidades y expertos –conferencistas, panelistas, moderadores y relatores– a quienes extendemos un agradecimiento enorme por sus aportes en la construcción de este particular relato, al cual les damos la más cálida y cordial bienvenida. María Claudia Parias Durán Presidenta Ejecutiva, Fundación Nacional Batuta

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Presentación

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n el marco de la actual movilización por la reconciliación y la paz en Colombia, el Seminario Internacional de Música y Transformación Social trasciende su dimensión de debate académico para convertirse en un foro público en la capital del país. En este sentido, el Seminario se estructuró desde de tres pilares fundamentales: el primero, el eje académico-conceptual (conferencias magistrales y paneles) que busca proveer información especializada sobre la música y su poder transformador en lo cultural, lo social y lo cognitivo; el segundo, el componente programático (mesas técnicas), que reúne a agentes especializados en política pública de cultura y profesionales del campo artístico para que construyan lineamientos y propuestas concretas de gestión, de cara a los nuevos desafíos del país; el tercero, el eje pedagógico-experiencial (talleres y conciertos), que ofrece espacios de profundización para músicos, profesores y ciudadanos en el campo de la música y la transformación social. El Seminario Internacional convoca, en primera instancia, una reflexión profunda mediante cuatro conferencias magistrales que abordarán la incidencia de la música en el desarrollo de la estructura del pensamiento humano

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(neurocognitivo) y en diferentes procesos históricos y de construcción de paz. Igualmente, se considerará la educación musical como una forma plural de intervención contundente en la transformación social. Por otro lado, y gracias al acompañamiento de un comité académico de alto nivel, se identificaron las experiencias que, a través de la música, han logrado una destacada participación ciudadana y nuevas propuestas de socialización y cohesión comunitaria, implementadas en entornos vulnerables con problemáticas derivadas no solo de la guerra sino de las múltiples violencias rurales y urbanas. Por tal motivo se ofrecen PANELES Y CONVERSATORIOS, que animarán la construcción colectiva de referentes a partir de la presentación de los haceres y resultados de 49 experiencias y agentes de alto impacto y reconocimiento, del nivel local, nacional e internacional. Junto a equipos de expertos en investigación, innovación en cultura y desarrollo, se realizarán las MESAS TÉCNICAS DE TRABAJO orientadas a la preparación de lineamientos sobre el aporte de la música a la construcción de paz y para el liderazgo en las artes y la educación musical. De igual forma, se buscará establecer acuerdos de colaboración y, eventualmente, proyectos de mediano y

largo alcance que favorezcan el desarrollo de redes entre experiencias hermanas y replicables. Por último, en torno al pilar pedagógico, se ofrecerán talleres con expertos nacionales e internacionales que han desarrollado propuestas innovadoras y suficientemente validadas para proveer nuevas herramientas en el campo del

emprendimiento, las industrias creativas, la práctica coral y orquestal, la percusión corporal y la composición musical contemporánea. Estos talleres están dirigidos a profesores y formadores en distintas prácticas musicales y de gestión cultural y a todos los participantes interesados, para que puedan enriquecer su ejercicio profesional cotidiano.

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Comité académico

Juan David Correa

Cathy Graham

DIRECTOR DE LA REVISTA ARCADIA (COLOMBIA)

DIRECTORA DE MÚSICA DEL BRITISH COUNCIL (REINO UNIDO)

Es autor de cinco libros, entre ellos, las Después de obtener un grado universinovelas Todo pasa pronto (2007) y Casi tario en Música por la Birmingham Uninunca es tarde (2013) y la memoria li- versity, Cathy Graham estudió dos años teraria El barro y el silencio (2010). Ha acompañamiento de piano en el Royal sido columnista literario del diario El Es- Northern College of Music. Se desempectador por diez años y de la edición peñó como música profesional en Estocolombiana de la revista Esquire. Así colmo durante catorce años, durante los mismo, ha trabajado en diversos medios cuales fue profesora, entrenadora vocal y de comunicación como periodista y edi- pianista en compañías de ópera y teatro. tor, entre los que se cuentan Cromos, El A su regreso al Reino Unido, en 1992, se Espectador, Semana y Arcadia. Durante estableció rápidamente en la escena musitres años fue el Director Cultural de la cal de Londres trabajando para ENO ConFeria Internacional del Libro de Bogotá temporary Music Studio y en Almeida (FILBO) y actualmente es el Director de la Opera como representante de artistas. En revista cultural Arcadia de Publicaciones 1994 se convirtió en la Directora EjecutiSemana, en Colombia. Es socio fundador va de la Sociedad para la Promoción de la de la editorial colombiana El Peregrino. Nueva Música (Society for the Promotion

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of New Music -SPNM-) y recibió el galardón Prudential Award for the Arts. De 1997 a 2006 fue la Directora General de la London Sinfonietta. Durante este tiempo hizo extensas giras nacionales e internacionales, aumentó su repertorio, perfil y audiencia e inició el sello discográfico del ensamble. Desde noviembre de 2006 ha sido la Directora de Música del Consejo Británico en Londres, trabajando en proyectos para crear confianza y entendimiento entre el Reino Unido y el resto del mundo. Es la presidenta de la reconocida obra de caridad Streetwise Opera que utiliza la música para ayudar a la gente sin hogar mediante la inclusión a proyectos en escena de ópera que les permita avanzar nuevamente con su vida. Es miembro de la Junta Directiva de la Sociedad Internacional de Artes Escénicas (International Society for Performing Arts - ISPA-) y asesora nacional de música en el Consejo de Artes de Gales.

Alejandro Mantilla COORDINADOR DEL ÁREA DE MÚSICA Y DEL PLAN NACIONAL DE MÚSICA PARA LA CONVIVENCIA DEL MINISTERIO DE CULTURA (COLOMBIA)

Sociólogo de la Universidad Nacional de Colombia, Pedagogo Musical de la Universidad Pedagógica. Obtuvo su Magister en Gestión y Administración Cultural en la Universidad de Barcelona. Por más de veinte años se desempeñó como Director Coral para el fomento de la creación y divulgación de repertorios. En este campo, desarrolló una estrategia de fortalecimiento de la práctica coral mediante programas de formación y actualización a 400 directores corales en las distintas regiones de Colombia. Como líder público de cultura, participó en la redacción del Plan Decenal de Cultura de Colombia “Hacia una Ciudadanía Democrática Cultural” 2001-2010 y en la concepción y diseño del Programa Iberoamericano de Fomento a las Músicas (IBERMÚSICAS). Junto a un equipo compuesto por Claudia Mejía, Janeth Reyes y María Rosa Machado, fue el creador del Plan Nacional de Música para la Convivencia del Ministerio de Cultura, que orienta el fomento de políticas y programas de desarrollo musical para todos los municipios y departamentos del país.

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Sandra Meluk

Sylvia Ospina

María Claudia Parias Durán

Mauricio Peña Cediel

DIRECTORA GENERAL DE LA ORQUESTA FILARMÓNICA DE BOGOTÁ (COLOMBIA)

DIRECTORA DE ARTES DEL BRITISH COUNCIL (COLOMBIA)

PRESIDENTA EJECUTIVA DE LA FUNDACIÓN NACIONAL BATUTA (COLOMBIA)

DIRECTOR DE ARTES MUSICALES DEL BANCO DE LA REPÚBLICA

Músico profesional de la Pontificia Uni- Historiadora del Arte graduada en la versidad Javeriana de Bogotá y candidata American University of Paris. Fue Direca Magister en Dirección Universitaria de tora del Teatro Colón y Oficial de Cultura la Universidad de los Andes, en Bogotá; e Información de la Embajada de Suecia. ha sido gestora en organizaciones cultu- Fue directora del Teatro Municipal Jorge rales de gran reconocimiento nacional e Eliécer Gaitán (2001-2005). Entre 1999 internacional. Con una amplia capacidad y 2001 fue encargada de asuntos internapara liderar y desarrollar proyectos de cionales de la Comisión Nacional de Tegran envergadura en el ámbito artístico, levisión; gerente de la Orquesta Sinfónica se ha desempeñado como Directora de de Colombia y de la Banda Sinfónica NaProgramación del Teatro Julio Mario cional (1998) y Directora del Teatro MeSanto Domingo (2010-2016), Directora tropolitano de Medellín (1995-1998). En General de la Fundación Víctor Salvi y Inglaterra se desempeñó como consultora Directora ejecutiva del Cartagena Festi- de arte y cultura; y en Abu Dhabi exploró val Internacional de Música. Fue coordi- la gestión de proyectos de desarrollo culnadora musical de la Orquesta Sinfónica tural. Fue gerente de Artes en Candlestar Nacional de Colombia y, en el campo Ltd. y directora de Angela Flowers Gallery, académico, se desempeñó como Direc- destacada instancia de arte contemporátora de la Carrera de Estudios Musica- neo con sedes en Londres y Nueva York. les de la Pontificia Universidad Javeriana En Francia trabajó como representante y de Bogotá y como docente de música. promotora de artistas jóvenes, con cuya Actualmente, es Directora General de la obra participó en ferias de arte como la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Foire Internationale d’Art Contemporain (FIAC) y Art Basel. Se desempeñó como asistente de dirección de la Galerie Karsten Greve y la Galerie Corianne en París.

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Comunicadora Social y Periodista de Estudió Música y relaciones internacionala Universidad de la Sabana, con Es- les en la Universidad de New Hampshire pecialización en Gestión Cultural de la y administración artística en la UniversiUniversidad del Rosario y Maestría en dad de Columbia de New York. Cuenta Gerencia Cultural de la Universidad de con amplia experiencia en el Sector PúBarcelona. Ha trabajado como Directora blico y Privado de las ates y con estudios de Fomento Regional del Ministerio de complementarios de gerencia en la UniCultura, Directora de Asuntos Cultura- versidad de los Andes Colombia. Desde les del Ministerio de Relaciones Exte- 2010, en su condición de Director de Arriores, Directora General de la Orquesta tes Musicales del Banco de la República, Filarmónica de Bogotá y asesora cultural organiza alrededor de 100 conciertos del Convenio Andrés Bello. Ha sido ase- de música de cámara, jazz, músicas del sora de entidades y eventos culturales de mundo y música infantil y juvenil como Colombia, como el Festival de Teatro de responsable de las temporadas de músiManizales, el Festival de Artes de Cali, ca del programa cultural del Banco de la el Festival de Danza Contemporánea República. Asesoró, junto con su equipo, de Barranquilla y el Servicio de Acción a la red de bibliotecas y centros culturaCultural de la Embajada de Francia en les del Banco en torno al desarrollo de Colombia. Fue Directora General de la sus servicios musicales, sus colecciones, revista Arte Internacional del Museo de la programación de conciertos y la artiArte Moderno de Bogotá y periodista culación interinstitucional en los territocultural de la revista Cambio16 Colom- rios. En los Estados Unidos trabajó para bia y el diario El Espectador. Ha sido la New York City Opera y la Brooklyn miembro de juntas directivas de distin- Academy of Music (BAM). En Colombia, tas instituciones culturales y actualmente en la Orquesta Sinfónica Nacional como hace parte de la junta directiva de la Or- responsable de los programas de educaquesta Sinfónica Nacional de Colombia ción musical y del personal artístico. Para y de la International Society for the Per- la Secretaría de Cultura, Recreación y Deforming Arts (Nueva York). porte de Bogotá en la coordinación de los programas musicales. Entre 2003 y 2004 fue Director General de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

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Luis Armando Soto Boutin

Catherine Surace

Claudia Toni

Mariano Vales

DIRECTOR DE ASUNTOS CULTURALES DEL MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES (COLOMBIA)

DIRECTORA ACADÉMICA DE LA FUNDACIÓN NACIONAL BATUTA (COLOMBIA)

ASESORA CULTURAL DE LA UNIVERSIDAD DE SAN PABLO (BRASIL)

DIRECTOR DEL PROGRAMA DE MÚSICA EN LA ORGANIZACIÓN DE ESTADOS AMERICANOS (OEA)

Licenciado en Filosofía y Letras por la Maestra en Música y oboísta de la PontiUniversidad Santo Tomas de Aquino, ficia Universidad Javeriana, con estudios en Bogotá. Director de Asuntos Cultu- de Maestría en Interpretación de Oboe rales y secretario ejecutivo de la Comi- de la Universidad de Michigan. Becasión Colombiana de Cooperación con ria del Ministerio de Cultura en 1999 Unesco en el Ministerio de Relaciones para realizar estudios en el exterior y de Exteriores de Colombia. Previamente la Beca Carolina Oramas para Jóvenes fue Ministro Consejero en la Embaja- Talentos. Como intérprete, ha ofrecido da de Colombia en España y asesor del recitales en los auditorios Luis Carlos despacho en el Ministerio de Cultura Galán, Pablo VI y Félix Restrepo de la (1997 - 2007), con énfasis en asuntos Universidad Javeriana, así como en el relacionados con políticas culturales y ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Biasuntos internacionales. Entre 1996 y blioteca Luis Ángel Arango de Bogotá. 1997 fue asesor de la Dirección del Ins- En varias oportunidades trabajó como tituto Colombiano de Cultura y, antes de oboísta para la Orquesta Filarmónica de ello, editor de ciencias sociales y profe- Bogotá, orquesta con la que también acsor de humanidades. En el Ministerio de tuó como solista. Entre 1997 y 2014 fue Relaciones Exteriores dirige, desde hace profesora de planta del Departamento cuatro años, una iniciativa de intercam- de Música de la Pontificia Universidad bios musicales con el exterior para niños Javeriana y Directora de la Carrera de y jóvenes vulnerables al reclutamiento Estudios Musicales entre 2001 y 2010. armado, convirtiéndolos en embajadores Ha sido la gestora de las tres versiones de tradiciones musicales de Colombia. del Encuentro Nacional de Oboístas de Colombia. Se encuentra finalizando sus estudios de Maestría en Musicología en la Universidad Nacional de Colombia. Desde 2012 se desempeña como Directora Académica nacional de la Fundación Nacional Batuta.

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Especialista en Políticas Públicas Culturales, con estudios de Historia en la Director musical del DC Youth Orchestra Universidad de San Pablo. Ha tenido Program, el programa de orquestas de una larga carrera en el área de la gestión mayor diversidad en Estados Unidos. cultural y las artes en instituciones mu- Trabaja como especialista en la Unidad sicales desde 1977 (Teatro Municipal de de Prevención de la Violencia, DepartaSan Pablo, Mozarteum Brasilero, Mu- mento de Seguridad Pública de la Orseo de Arte Contemporáneo de la Uni- ganización de los Estados Americanos versidad de San Pablo). Fue Directora (OEA). En el último año, ha participado Ejecutiva de la Orquesta Sinfónica de en el diseño del Programa InteramericaSan Pablo, donde implementó un mo- no, especialmente en la construcción de delo de administración pública pionero un catálogo basado en evidencia de bueen el sector cultural de Brasil, enfocado nas prácticas de prevención, con énfasis al entrenamiento de gestores culturales en iniciativas de habilidades para la vida para atender necesidades específicas del para niños y jóvenes. En este se destaca ensamble sinfónico. Entre 2003 y 2005 OASIS un programa de inclusión social fue Consejera de la Gobernación del a través de la música que ha promovido Estado de San Pablo en asuntos cultu- iniciativas de orquesta y coro en Haití, rales y entre 2005 y 2006 trabajó como Santa Lucía, Jamaica y El Salvador, con Consejera especial para la Secretaría de la cooperación técnica de la Fundación Cultura de la Ciudad de San Pablo, en Nacional Batuta de Colombia. Vales es el teatro de la ciudad. Es miembro de también libretista y compositor, especiala International Society for the Perfor- lizado en el teatro musical de conteniming Arts (ISPA) y trabaja como consul- do social. Su última obra se centró en tora para diferentes instituciones en la la “trata de personas” y fue estrenada planeación de actividades en el área de en junio de 2015 en el teatro GALA de la administración cultural. En 2010 fue Washington D.C. y posteriormente nogalardonada con la Chevalier de L’ordre minada a cinco premios Helen Hayes. national du Mérite de Francia. En 2016 fue galardonada con el Premio al Mérito Cultural por ISPA, por su contribución al desarrollo local, nacional e internacional de las artes. También recibió la Orden al Mérito Cultural del gobierno de Francia.

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Entidades organizadoras Fundación Nacional Batuta Fue creada en 1991 por iniciativa del Gobierno Nacional en alianza con la empresa privada. Trabaja por el desarrollo integral y la mejora de la calidad de vida de niños, niñas, adolescentes y jóvenes en zonas vulnerables, por la construcción de tejido social, la generación de espacios de reconciliación y convivencia, y por la construcción de capacidades individuales útiles para ejercer una participación activa en la sociedad desde una formación musical basada en el modelo orquesta-escuela. El objetivo principal de los fundadores fue fortalecer e incrementar el disfrute, la práctica y la enseñanza de la música en el país y generar mayores oportunidades para el ejercicio de los derechos culturales de los niños y niñas colombianos. El Sistema Nacional de Orquestas Sinfónicas

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British Council Juveniles e Infantiles-Batuta ha permitido implementar proyectos de formación musical y tener una importante presencia en el país gracias a la gestión de proyectos de gran envergadura en todo el territorio nacional y a la cooperación de las organizaciones departamentales Batuta: Fundación Batuta Caldas, Corporación Batuta Risaralda, Corporación Batuta Huila, Corporación Batuta Amazonas y Corporación Batuta Meta. En la actualidad, la Fundación Nacional Batuta atiende un promedio anual de 43 mil niños, niñas, adolescentes y jóvenes. Desarrolla sus programas en 194 centros musicales ubicados en 102 municipios de los 32 departamentos de Colombia y ha creado y opera 45 orquestas sinfónicas, 380 coros infantiles y 700 ensambles de iniciación musical.

Es la organización internacional del Reino Unido para las relaciones culturales. Establecida por decreto real como una organización independiente, trabaja en conjunto con el British Government’s Foreign & Commonwealth Office y con la Embajada Británica en más de 100 países. Desde 1940 trabaja en la construcción de lazos de confianza y cooperación con América. Hoy en día tiene presencia en 12 países del continente con un personal humano de más de 320 personas. Sus acciones

están dirigidas a ayudar a que los gobiernos, las corporaciones y las instituciones puedan responder a los retos que enfrenta el mundo como la transformación de la educación y la construcción de sociedades más igualitarias. Lidera y apoya proyectos para la enseñanza del inglés, la internacionalización de colegios y universidades y el intercambio recíproco de propuestas artísticas que construyan economías más creativas y ayuden a ver el mundo y a los otros de nuevas maneras.

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Entidades asociadas

Ministerio de Cultura Es la entidad rectora del sector cultural colombiano y tiene como objetivo formular, coordinar, ejecutar y vigilar la política del Estado en materia cultural. Sus acciones propenden por una Colombia creativa y responsable de su memoria, donde todos los ciudadanos sean capaces de interactuar y cooperar con oportunidades de creación, respaldo a las expresiones culturales, en condiciones de equidad y respeto por la diversidad.

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Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte Es la entidad que lidera el sector público distrital de cultura, recreación y deporte para lograr la garantía de los derechos y la promoción de las libertades culturales de los habitantes de Bogotá, mediante la formulación concertada de políticas públicas y su gestión integral con enfoque territorial y poblacional como condiciones esenciales de la calidad de vida, la sostenibilidad y la democracia en la ciudad.

Observatorio de culturasIDARTES Secretaria Distrital de Cultura, Recreación y Deporte El Instituto Distrital de las Artes de BoEl Observatorio de Culturas de la Secretaria de Cultura Recreación y Deporte se propone como objetivo fundamental generar conocimiento de ciudad útil para la formulación, seguimiento y diseño de políticas públicas. En tal sentido, las investigaciones que orienta esta dependencia corresponden a temas propios del sector cultura, recreación y deporte o temas transversales como cultura ciudadana y cultura democrática. Las investigaciones del Observatorio de Culturas se realizan a luz del desarrollo y la exigencia de políticas distritales que se requieran para transformar realidades, actitudes o percepciones que afectan a los residentes de la capital.

gotá (IDARTES) es una entidad ejecutora adscrita a la Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte encargada de fortalecer la apropiación de las artes y garantizar el acceso a la oferta de las áreas artísticas de literatura, artes plásticas, artes audiovisuales, arte dramático, danza y música. Recientemente la institución formuló el proyecto "Arte para la transformación social: Prácticas artísticas incluyentes y descentralizadas al servicio de la comunidad" que ha puesto en marcha la línea estratégica Arte y paz para responder a las necesidades de reparación, encuentro, búsqueda de símbolos, cambios de valores e imaginarios y reconstrucción individual y colectiva a través de nuevas narrativas en Bogotá.

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Orquesta Filarmónica de Bogotá

Subgerencia Cultural del Banco de la República

Entidad adscrita a la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte que ejecuta de manera concertada las políticas de la administración distrital y difunde el repertorio sinfónico universal y nacional. Actualmente tiene dos orquestas juveniles y una banda, una orquesta pre juvenil y una Infantil. Los coros infantil y juvenil promueven y fortalecen la música académica, la música sinfónica y el canto lírico. Así mismo cuenta con un programa de formación musical para casi 19 mil niños en la Jornada Única en colegios distritales de la ciudad. Su objeto principal es pluralizar y diversificar la cultura de la música en la ciudad de Bogotá.

Dirige la labor cultural del Banco de la República en Colombia. Su acción se extiende de manera directa a 28 ciudades en las diferentes regiones del país a través de áreas culturales que ofrecen el acceso a 19 bibliotecas públicas en red, salas de exposición, salas de música, museos, entre otros espacios de desarrollo cultural. En la ciudad de Bogotá cuenta con la Biblioteca Luis Ángel Arango (la más grande de Colombia), el Museo de Oro y el Museo Botero (referentes culturales de Colombia a nivel internacional), la colección de Arte del Banco de la República y Casa de la Moneda.

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Entidades aliadas

Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores

Agencia Presidencial para la Cooperación Internacional de Colombia, (APC)

En coordinación con las misiones diplomáticas de Colombia diseña e implementa la acción cultural que se lleva a cabo en desarrollo del Plan de Promoción de Colombia en el Exterior a través de alianzas con instituciones, organizaciones e individuos de los sectores público y privado que aportan a la consecución de los objetivos de la política exterior en cultura del Ministerio de Relaciones Exteriores.

Instancia del gobierno de Colombia que tiene por objetivo gestionar, orientar y coordinar técnicamente la cooperación internacional pública, privada, técnica y financiera no reembolsable que reciba y otorgue el país; así como ejecutar, administrar y apoyar la canalización y ejecución de recursos, programas y proyectos de cooperación internacional, atendiendo los objetivos de política exterior y el Plan Nacional de Desarrollo.

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Universidad Nacional de Colombia

Universidad Central

La Universidad Central es una Institución La Universidad Nacional de Colombia de Educación Superior en Bogotá, fundafue creada en 1867 con régimen espe- da en 1966 por un grupo de prestigiosos cial, de carácter público y perteneciente educadores colombianos que buscaban al Estado. La institución está constitui- extender el acceso a todos los sectores de da por ocho sedes hasta la fecha. En su la sociedad. La Universidad Central se ha condición de centro de vida intelectual propuesto formar profesionales idóneos y cultural se encuentra abierta a todas que sean, a la vez, ciudadanos íntegros y las corrientes de pensamiento y a todos líderes aptos para dirigir y orientar procelos sectores sociales, étnicos, regionales sos socioculturales como los que requiere y locales. Contribuye a la promoción y al la construcción de un nuevo país. En este fomento del acceso a educación superior sentido, cuenta con el “proyecto de artide alta calidad a través de la cooperación culación de ciudad” y de “país ecológicacon otras universidades e instituciones mente viable” que le permiten respaldar del Estado y promoviendo el desarrollo iniciativas de trascendencia pública como de la comunidad académica nacional el Seminario Internacional de Música y con su articulación internacional. Transformación Social.

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EAFIT

Universidad de los Andes

Universidad del Rosario

Universidad UNIMINUTO

Institución de Educación Superior en Medellín (Colombia) fundada por empresarios preocupados por el avance de la educación en la ciudad mediante la creación de una escuela para la formación de los administradores del patrimonio público y económico del país y de la región antioqueña. Tiene como misión contribuir al progreso social, económico y cultural del país en un ambiente de pluralismo ideológico y de excelencia académica. La Escuela de Humanidades de la Universidad EAFIT fue fundada en 1998, y creó la primera maestría de música en Colombia. La formación impartida tiene como propósito la formación de músicos y ciudadanos comprometidos con el arte y con la sociedad que puedan cumplir un papel transformador en la ciudad, en el país o fuera de él, a través de la música tanto tradicional como contemporánea.

Primera institución de educación superior privada en Colombia de carácter laico e independiente de los partidos políticos, fundada en 1948. Es una institución autónoma, independiente e innovadora que propicia el pluralismo, la tolerancia y el respeto de las ideas. Se reconoce por su excelencia académica e imparte a sus estudiantes una formación crítica y ética para afianzar en ellos la conciencia de sus responsabilidades sociales y cívicas, así como su compromiso con el país. El Departamento de Música de la Universidad de los Andes es un espacio académico, artístico y humanístico que fomenta el desarrollo de músicos en diferentes áreas de especialización tanto en el campo práctico como en el campo teórico a través de una sólida preparación teórica, técnica y estética. Cuenta con una maestría de música con énfasis en composición, musicología o instrumento y un programa infantil para formación de niños de 6 a 16 años.

Fundada en 1653 por parte de frailes dominicos. La organización del Colegio Mayor del Rosario es similar al Colegio Mayor de Salamanca (España) que funciona como una institución privada, autónoma y gobernada por sus estudiantes: los Colegiales, quienes a la manera de fellows de los colegios ingleses, ocupan cargos de responsabilidad en el Claustro. En convenio oficial entre la Universidad del Rosario y la Universidad de Barcelona, la Universidad ofrece la Especialización en Gerencia y Gestión Cultural, una de las áreas formativas de mayor interdisciplinariedad y significación de la actividad profesional de Bogotá. En este sentido, la Universidad del Rosario tiene presencia en el Sistema Distrital de Arte, Cultura y Patrimonio Bogotá D.C. y hace parte de la Red Colombiana de formación en gestión y estudios culturales auspiciada por el Ministerio de Cultura de Colombia. Los egresados del programa han realizado acciones de impacto en el sector cultural con profesionales de la gerencia y gestión cultural en entidades públicas y privadas de la ciudad.

La Corporación Universitaria Minuto de Dios (UNIMINUTO) fue fundada por el Centro Carismático Minuto de Dios y la Congregación de Jesús y María (Padres Eudistas) como parte del compromiso cristiano con los pobres de la obra Minuto de Dios. El Proyecto Educativo Institucional busca promover el desarrollo integral de la persona humana y de las comunidades marginadas, tanto urbanas como rurales. Cuenta con sedes en Antioquia, el Eje Cafetero, Atlántico, Cundinamarca, Huila, Llanos Orientales, Norte de Santander, Tolima, Valle y dos en Bogotá, y ofrece diferentes modalidades de formación a nivel técnico profesional, tecnológico y universitario hasta niveles de maestría a los colombianos.

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Cámara de Comercio de Bogotá (CCB)

Escuela Galán para el Desarrollo de la Democracia (CEG)

Entidad privada sin ánimo de lucro que promueve el desarrollo sostenible de Asociación civil con participación mixta y Bogotá a través de servicios que apo- de carácter privado con la misión de foryan las capacidades empresariales y el talecer la gobernabilidad democrática, el mejoramiento del entorno de negocios liderazgo y el desarrollo social, por medio y actividades culturales con incidencia de la ejecución de procesos de formación en política pública. En términos sectoria- para la investigación, la promoción de les, la CCB trabaja por el fortalecimiento una cultura de paz y la legalidad. La CEG de las industrias creativas, culturales y cualifica a los líderes para desempeñar de comunicación gráfica cuya actividad cada vez mejor su importante papel en económica es la creación, producción, la búsqueda del bienestar común y en la promoción y distribución de bienes y participación efectiva de los colombiaservicios de contenidos creativos, cul- nos en las decisiones que los afectan. La turales y gráficos que utilizan la creativi- CEG se asocia con otras organizaciones dad, la propiedad intelectual, la cultura públicas, privadas y de la cooperación iny la conectividad como sus principales ternacional para desarrollar programas y insumos. Este sector está integrado por proyectos que tienen gran impacto. más de 23.300 empresas registradas en la CCB, de las cuales el 93% está ubicado en Bogotá y el 7% en la región. Entre las estrategias de fomento se cuentan ARTBO (Feria de Arte de Bogotá), Arte Cámara, Bogotá Music Market (BOmm) y Bogotá Audiovisual Market.

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Fondo de Cultura Económica (FCE) Institución editorial del Estado mexicano encargada de la edición, producción, comercialización y promoción de obras de la cultura nacional, iberoamericana y universal a través de redes de distibución propias y ajenas. Sus acciones se orientan a la creación, transmisión y discusión de valores e ideas, así como a la formación de lectores, estudiantes y profesionales. En Bogotá, el FCE tiene como sede el Centro Cultural Gabriel García Márquez, que cuenta con un total de 9.500 m2 y con la Librería FCE de 1.200 m2 –con más de ciento veinte mil libros disponibles–, la Sala de Exposiciones Débora Arango, el Auditorio Rogelio Salmona con capacidad para 324 personas junto con el Auditorio Porfirio Barba Jacob, el Patio José Eustasio Rivera y las aulas María Mercedes Carranza y León de Greiff, donde se programan más de 350 actividades culturales gratuitas al año.

Revista Arcadia Arcadia es la primera revista de periodismo cultural en Colombia. Creada en 2005, durante once años ha liderado la agenda pública en los temas de las artes en general con escritores de primer nivel y columnistas que, desde diversas disciplinas, miran la realidad desde un ángulo cultural.

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Conferencias

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PANELES

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Educación musical BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 MARTES 4 DE OCTUBRE, 9:30 A 10:30 A.M.

Keith Swanwick PROFESOR EMÉRITO, INSTITUTO DE EDUCACIÓN - UNIVERSIDAD DE LONDRES (REINO UNIDO)

Profesor Emérito de la Universidad de Londres. Después de graduarse con distinciones en la Royal Academy of Music, enseñó en escuelas y universidades y se ha desempeñado como director musical, coral y orquestal y organista de iglesia. Tiene un Doctorado en Música y Educación de las Emociones. Entre 1984 y 1998, con John Paynter, fue editor del British Journal of Music Education, cuando fue nombrado primer presidente de la Asociación Nacional para la Educación de las Artes y presidente del Consejo de Educación del Reino Unido. Desde la publicación de A Basis for Music Education (Bases para la Educación Musical) en 1979, ha sido reconocido como la principal referencia mundial en teoría y práctica de la educación musical. El atractivo internacional de sus ideas sobre las bases fundamentales de la música es altamente reconocido en invitaciones para hacer presentaciones, realizar talleres especializados o dar asesorías como consultor internacional en más de veinte países. Durante 1998 fue Profesor Visitante en la Universidad de Washington y, entre 1999 y 2001, fue Profesor Asesor del Institute of Education en Hong Kong. En 2004 llevó a cabo una pasantía universitaria en la Sociedad Japonesa para la Promoción de la Ciencia en Tokio (Japanese Society for the Promotion of Science). En 2011, el gobierno brasilero suministró a los profesores de música copias de su libro Enseñar música musicalmente (Teaching Music Musically, 1999) y el texto fue acogido como referencia de orientación pedagógica para el país por parte del Gobierno de Brasil. Entre otras publicaciones, se encuentran: Música, mente y educación (Music, Mind, and Education) y Conocimiento musical (Musical Knowledge); como editor publicó la obra Educación musical (2012) y una colección de cuatro volúmenes sobre este tema. En 2016 publicó una selección de sus textos titulada Un discurso en desarrollo en educación musical.

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CONFERENCIAS

La pluralidad de la educación musical La música no es una entidad unitaria: está envuelta en una pluralidad infinita de sonidos que corresponden a la producción de sonido dentro de estilos múltiples, siempre en evolución, que se manifiestan en varios espacios culturales. La música permea todo el espectro social, desde las discotecas hasta las celebraciones en las iglesias, desde el rap de la calle hasta la ópera. La educación de la música tiene un lugar nacional y legalmente constituido en el currículo general de las escuelas. Igualmente existe la enseñanza instrumental y vocal en escuelas especializadas en música y también la educación impartida por profesores privados, en sus propios estudios. Después hay proyectos especiales, como el de la Fundación Nacional Batuta, El Sistema y otros esquemas de formación donde la música se concibe como una forma de intervención social. Estas iniciativas pueden atraer el interés político y de los medios de comunicación. También en las escuelas, universidades y comunidades podemos encontrar ensambles formales

e informales que tienen muchos estilos y audiencias diferentes y, así mismo, involucran un rango de profesores o líderes muy variado. De la misma manera, todos los individuos tienen diferentes maneras de relacionarse y aprender música. Cualquiera que sea el contexto educativo específico, todos los individuos venimos de diferentes lugares con diferentes capacidades, experiencia y expectativas. En su presentación, el Doctor Keith Swanwick explorará el significado y el potencial de estas singularidades y sugerirá algunos principios que pueden guiar a los educadores de la música, a profesores que probablemente trabajen en una gran variedad de lugares o ambientes y a estudiantes con orientaciones e inclinaciones muy diferentes. Él considera que la calidad de la educación musical depende de establecer diferencias en las múltiples transacciones. Estas son fundamentales para cualquier programa cuyo objetivo sea conducir y orientar transformaciones sociales a través de la música.

CONFERENCIAS

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Música y neurociencia

La música como Tecnología Transformadora de la Mente: Perspectiva de la Neurociencia

BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 MIÉRCOLES 5 DE OCTUBRE, 9:00 A 10:00 A.M.

A pesar de que la música es una parte antigua y vital de la experiencia humana, es solo recientemente que se ha convertido en un foco de investigación en el campo de la neurociencia. La arqueología revela que nuestra especie ha sido musical por más de 40,000 años, y muchos (incluyendo a Charles Darwin) han sugerido que la música humana se remonta a un tiempo incluso anterior, al mismo origen de la especie. Desde la perspectiva de la evolución, los humanos parecemos tener la necesidad de ser musicales, tal vez merced al importante papel que cumple la música en la congregación de grupos sociales. En cuanto al aspecto práctico, una pregunta de gran interés en el joven campo de la neurociencia musical es “¿cómo el comportamiento musical moldea el cerebro dentro de la duración de la vida de un individuo?” Esta pregunta trata de la neuroplasticidad: la

Aniruddh D. Patel PROFESOR, DEPARTAMENTO DE PSICOLOGIA, UNIVERSIDAD DE TUFTS INSTITUTO PARA ESTUDIOS AVANZADOS (CANADÁ)

Como neurocientífico cognitivo, su investigación se enfoca en la relación entre la música y el lenguaje, usando esta interfaz para explorar los cimientos mentales de estas dos habilidades distintivamente humanas. Patel ha usado un amplio rango de métodos en su trabajo, incluyendo mapeo cerebral, análisis teórico, investigación acústica, y trabajo comparativo con otras especies. Se desempeña como Presidente de la Sociedad para la Percepción y Cognición Musical, y ha publicado más de 70 artículos de investigación, además del libro académico Música, Lenguaje y el Cerebro (2008, Oxford University Press), que ganó un premio ASCAP Deems Taylor. Recientemente publicó un compendio de 18 conferencias magistrales titulado La música y el cerebro (2015, The Great Courses), dirigido al público en general. En 2009 recibió el premio Music Has Power del Instituto para la Música y la Función Neurológica de Nueva York; en 2016 fue nombrado miembro del Instituto Canadiense para la Investigación Avanzada (CIFAR), Programa Azrieli para el Cerebro, la Mente y la Conciencia. Patel obtuvo su doctorado en biología evolutiva y organísmica en la Universidad de Harvard. Antes de vincularse a la Universidad de Tufts, fue becario sénior del Programa Esther J. Burnham en el Instituto de Neurociencias, institución en investigación de San Diego, California, dirigido por el difunto Premio Nobel Gerald M. Edelman.

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CONFERENCIAS

asombrosa habilidad del cerebro para cambiar sus aspectos estructurales y funcionales como resultado de la experiencia. Existe cada vez mayor evidencia de que el entrenamiento musical puede influenciar el desarrollo de otras habilidades cerebrales – como el lenguaje. Esto quiere decir que el entrenamiento musical desarrolla más que las habilidades musicales: es una “tecnología transformadora de la mente” que refuerza la capacidad cognitiva de manera mucho más amplia. Estos efectos tienen su mayor alcance en niños pequeños, ya que sus cerebros se desarrollan rápidamente. Durante la charla, el Dr. Patel visita algunos de los resultados clave de la investigación en esta área, y presenta el marco teórico (hipótesis OPERA) que trata de explicar cómo y por qué el entrenamiento musical puede transformar otras funciones cerebrales.

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Música e historia BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 JUEVES 6 DE OCTUBRE, 9:00 A 10:00 A.M.

Carmen Pardo PROFESORA DE HISTORIA DE LA MÚSICA, UNIVERSIDAD DE GIRONA (ESPAÑA)

Investigadora posdoctoral en la unidad IRCAM-CNRS de París (1996-1998), donde lleva a cabo una investigación sobre el espacio sonoro en la música contemporánea. Se hizo cargo de la edición y traducción de John Cage, Escritos al oído (1999) y es autora de La escucha oblicua: una invitación a John Cage (2001, versión francesa en Approche de John Cage. L’écoute oblique, 2007, galardonado en 2008 con el Coup de Coeur en Publicaciones de Música Contemporánea de la Academia Charles Cross); Robert Wilson (en colaboración con Miguel Morey, 2003); Las TIC: una reflexión filosófica (2009) y En el mar de John Cage (2009). Ha colaborado en obras colectivas, entre ellas Présences de Iannis Xenakis (2001); Musiques, Arts, Technologies. Pour une approche critique (2004, versión inglesa en Music, Arts, Technologies. Toward a critical approach y versión castellana en Músicas, Artes, Tecnologías. Por una aproximación crítica); La parole sur scène. Voix, texte, signifié (2008); Estética: perspectivas contemporáneas (2008); Encuentros de Pamplona 1972: Fin de fiesta del arte experimental (2009) y Desbordamiento de Val del Omar (2010). Sus artículos, que toman como eje el arte contemporáneo, particularmente la música y el arte sonoro, se encuentran en revistas especializadas de ámbito nacional e internacional. Como traductora se ha encargado, entre otros, de la obra de Michel Chion, El arte de los sonidos fijados o la música concretamente (2001) y de Peter Szendy, Grandes éxitos. La filosofía en el jukebox (2009, en colaboración con Miguel Morey). Ha organizado y coordinado diversos encuentros internacionales, como La Calle (Madrid, 1998) o Músicas, artes y tecnologías: por una aproximación crítica (Barcelona/Montpellier, 2000); Art Media Bosque Sonoro: Homenaje a John Cage (Barcelona, 2003); Ciclo John Cage; Esto llamado… música minimal… y otros; Música en la noche; La Música de la Arquitectura: Varèse, Xenakis, Dusapin (colaboración en Músicadhoy/La Casa Encendida, Madrid, 2006, 2008, 2009, 2010); Night of the Electroacoustic Music; El sonido en la cueva (Sorderas) y Sonidos del poder; Escuchas del miedo (en colaboración con la Orquestra del Caos, Bruselas 2008 y Barcelona 2008 y 2009). Ha sido comisaria adjunta (sección música) de la exposición Encuentros de

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Pamplona 1972: Fin de fiesta del arte experimental realizada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, del 28 de octubre de 2009 al 22 de febrero de 2010 y en el Museo de Navarra, la Ciudadela de Pamplona y el CIVICAN del 25 de marzo al 13 de junio de 2010.

Música y barbarie: una reflexión crítica de la música en tiempos de guerra Uno de los mitos fundacionales de la historia de la música es el de Orfeo, el cantor tracio que a través de su música seducía a seres humanos, animales y vegetales, el mismo cantor que desciende al Hades en busca de su amada Eurídice, aunque finalmente no logra rescatarla. Orfeo encarna el poder mágico de la música y, al mismo tiempo, permite mostrar el carácter paradójico que este poder encierra: su capacidad de construcción y destrucción. Teniendo como trasfondo este mito, la conferencia tiene por objeto atender las formas sonoras de componer, escuchar, y entonar en tiempos de barbarie. Tanto la barbarie como las formas sonoras que la habitan presentan un aspecto multiforme, que es analizado tomando como modelo el

papel de la música durante el Tercer Reich. Este período de la historia reciente y, particularmente, los campos de concentración implantados en él sirven de paradigma para mostrar la paradoja fundamental que encierra el poder de la música. El nuevo descenso de Orfeo al infierno sonoro de los campos de concentración da cuenta del repertorio sonoro que invadió los campos de exterminio, al tiempo que pone de manifiesto el efecto ambivalente de la música en un espacio en el que toda experiencia estética ha sido suprimida. Desde esta óptica, y teniendo como punto de partida lo sonoro, la Doctora Carmen Pardo hará posible pensar las distintas formas de barbarie que habitamos y habita en las sociedades contemporáneas.

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Música y paz BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 VIERNES 7 DE OCTUBRE, 9:00 A 10:00 A.M.

Craig Robertson Investigador de la Escuela de Medios y Comunicaciones de la Universidad de Leeds, en West Yorkshire, Inglaterra, y Doctor en Sociología Musical por la Universidad de Exeter, Reino Unido. Obtuvo distinciones en Estudios de la Música Contemporánea en el Goldsmiths College de la Universidad de Londres. Su campo de investigación es el de la música y la trasformación de los conflictos y cuenta con indagaciones específicas sobre música y diáspora; música, comida e identidad; procesos de construcción de paz en Bosnia y Herzegovina y en las naciones del norte de África afectadas por la Primavera Árabe. Es miembro del consejo editorial de la Revista de la Música y las Artes en Acción. Pertenece a los grupos de investigación en Sociología de las Artes, a la Asociación Internacional de Investigación para la Paz y a la Asociación de Investigadores de Paz de Asia y el Pacífico. Anteriormente trabajó en un proceso de reconstrucción de conflictos con la Unidad de Desarrollo (PRDU) y la Escuela de Política de la Universidad de Nueva York, gracias a una beca del British Council mediante la cual indagó por el rol de las artes en los eventos de la Primavera Árabe. En diciembre de 2013 fue finalista del Premio Exeter, otorgado a investigadores y equipos experimentados por su impacto excepcional en Arte y Cultura. Entre sus más recientes publicaciones se encuentran: Música, poder y libertad: el sonido, el canto y la melodía como instrumentos de cambio (Music, Power and Liberty: Sound, Song and Melody as Instruments of Change); es coeditor y coautor de Música y transformación. Relaciones entre Identidad, memoria emociones y creencias (Musical Processes and Social Change: Reflexive Relationships with Identity, Memory, Emotion and Beliefs); Cuál música, cuál país: música, movilización y cambio social en el norte de África (Whose Music, Whose Country Music, Mobilisation and Social Change in North Africa); Música, religión y reconciliación, todos publicados en 2015; y de Sounds of Dissent: Music as Protest (2014); Cultura conflicto y cambio en el Norte de África (2013) y “Tratar de ser normal: Música y transformación de conflictos en Bosnia”, en Música y las artes en acción (2010).

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CONFERENCIAS

Música y construcción de paz La música a menudo se ha utilizado tanto que la comunicación, las relaciones sigen nombre de la paz como de los conflic- nificativas compartidas, la mediación tos. El poder de la música en esos contex- ideológica y la integración social son tos es aún poco conocido, aunque existe elementos clave en cualquier iniciativa un creciente acervo de literatura que in- de construcción de la paz. tenta abordar este tema. En ese sentido Las relaciones públicas se relaciose hace necesario el conocimiento y la nan con la comunicación estratégica y la comprensión de cómo la música afecta de gestión de la reputación. Hasta hace remanera efectiva el comportamiento social lativamente poco las relaciones públicas en el marco de las actividades orientadas se tenían en cuenta únicamente a nivel hacia la construcción de la paz. profesional. Hoy en día, cada vez más, La música es una forma de comu- están siendo analizadas de manera crítica. nicación. Algunos han equiparado la Fundamentalmente, las relaciones públimúsica a un tipo de idioma, pero esto no cas se consideran una forma de comues exacto por muchas razones. Una de nicación y sus practicantes también son ellas es la idea de la traducción: un texto vistos como intermediarios culturales, ya en cualquier idioma puede ser traducido que median en las relaciones sociales y a cualquier otro idioma, pero la música crean un significado simbólico. Por conno. Otro es el hecho de que la música siguiente, como podemos ver, existe una activa más áreas del cerebro que cual- clara conexión entre la música y las requier otra actividad social. Es probable laciones públicas, y entre las relaciones que la actividad musical sea anterior al públicas y la música y la construcción desarrollo lingüístico. Por lo tanto, ¿qué de la paz. Tanto la música como las rehace la música? De acuerdo con Brown y laciones públicas “satisfacen” algunos Volgsten (2006), “la música es una pro- de los requisitos previos que los promotora asociativa de la comunicación fesionales de la construcción de la paz a nivel de grupo”. En otras palabras, la necesitan para llevar a cabo su trabajo. música que está asociada a la comunica- Ambas ejercen influencia a través de las ción de grupo, mejora la comunicación. emociones, reforzando el significado y Esto tiene una relación estrecha la ideología y ambas reconocen y actúan con las necesidades de experiencias intrínsecamente dentro de la fluidez del orientadas a la construcción de la paz. significado contextual. Se requiere de Existe un creciente consenso entre los emociones, significados e ideologías aliconstructores de la paz -que están inte- neadas para una paz sostenible. Por lo resados en enfoques gana-gana acerca tanto, la música y las relaciones públicas de los conflictos, en contraste con los deberían jugar un papel importante en la modelos de enfoque militarista o econó- construcción de la paz, pero todavía no mico para la resolución de conflictos- de hemos puesto en marcha este proceso.

CONFERENCIAS

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Paneles

Música, territorio y ciudadanía BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 MARTES 4 DE OCTUBRE, 10:30 A 11:30 A.M.

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Este panel se relaciona con experiencias que tienen lugar en territorios urbanos (Londres, Medellín, Bogotá) y que atienden población en condición de vulnerabilidad social desde iniciativas con un alto contenido creativo. En el panel se discutirá la manera como estas iniciativas contribuyen, desde las artes, al fortalecimiento de la participación ciudadana y a la construcción de tejido social. ¿Cómo se producen intersecciones entre música y vulnerabilidad social?, ¿cómo construyen transformaciones sociales de impacto medible los proyectos musicales en entornos urbanos?, ¿cómo se trasmuta una condición social conflictiva en una oportunidad para lograr cambios internos y de los contextos inmediatos desde la música?, ¿qué relación guardan estas experiencias con la música como mecanismo de cambio social y construcción de ciudadanía?

Streetwise Opera HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/USER/STREETWISEOPERA

Es una organización benéfica fundada en 2002 por el crítico de ópera Matt Peacock, uno de los activistas londinenses más influyentes que utiliza la puesta en escena de óperas y musicales para ayudar a personas sin hogar y habitantes de calle en centros especializados alrededor de Inglaterra y Gales. Las óperas de la compañía han recibido galardones de cuatro y cinco estrellas en la prensa nacional, pues conjugan de igual modo el mérito artístico y el social. Como entidad cultural, su consigna es “enfocarse en los logros de las personas, más que en sus necesidades”. El programa internacional de Streetwise Opera “With One Voice” busca ayudar a construir habilidades musicales en talleres de canto y actuación a lo largo de Inglaterra y Gales y proveer medidas de satisfacción en quienes han experimentado ansiedad y depresión por un largo tiempo o el trauma de la exclusión desde la infancia. En 2016 el programa ha intervenido en centros comunitarios de atención en New Castle/Gateshead, Middlesbrough, Manchester, Nottingham, Cardiff y Londres. El Programa atiende a más de 700 personas al año; de estas, el 76% tiene problemas de salud mental, el 36% pasa por dificultades en el aprendizaje y el 65% cuenta con problemas de salud física. En su balance de gestión e impacto social se establece que en el período 2015-2016 han desarrollado 451 talleres de voz y actuación y 36 performances y han creado 70 puestos de trabajo. El 95% de los participantes consideró que había incrementado su sentido de pertenencia, su creatividad y su interacción en comunidad.

Crew Peligrosos HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=I_QTSSIN1JW

Agrupación musical de hip-hop fundada por el breakdancer y vocalista colombiano Henry Arteaga en 1999. El grupo está compuesto por Dani Key (teclado), Cándelo (batería), Cohete (bajo) y Henry Arteaga (líder vocal); los productores son RatRace y Hunter. Su producción musical y el álbum Medayork adquieren relevancia en el campo musical como “Mejor artista/agrupación hip-hop de Colombia” en 2013. Este colectivo artístico, inspirado en la filosofía de compartir el conocimiento como un detonante de crecimiento colectivo, funda la

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escuela barrial 4 Elementos Skuela (4ESkuela), dedicada a cuatro expresiones artísticas del hip-hop: MCing (rap), DJing, B-Boy y Graffiti. La Skuela funciona en el barrio Aranjuez de 5 de la tarde a 9 de la noche y propone alternativas artísticas contra la violencia en los barrios de más alto riego de criminalidad en Medellín (Colombia). Atiende a más de 400 jóvenes en un área urbana de Medellín y otros corregimientos cercanos, como Palmitas, Manrique, San Cristóbal y El Retiro. Por sus programas de formación han pasado a la fecha más de cuatro mil jóvenes. Actualmente hay más de 600 beneficiarios de sus programas, con un porcentaje aproximado de 40% de participación femenina, cuando el hip-hop se ha considerado un género preeminentemente masculino.

Por qué cantan las aves: Mujeres, conflicto armado y resistencias desde la música en Bogotá (ALEJANDRA QUINTANA, BECA DE INVESTIGACIÓN EN MÚSICA 2015, IDARTES)

“El impacto del conflicto armado en Colombia ha producido desplazamiento forzado y todo tipo de violaciones a los derechos humanos, situación que ha afectado de manera significativa y diferenciada a las mujeres rurales y afrocolombianas, entre muchas otras, quienes han tenido que dejarlo todo y buscar nuevos rumbos, llegando en su recorrido a distintas localidades de Bogotá. Para muchas de ellas, la dura experiencia del desplazamiento y el tener que empezar de nuevo, las ha impulsado a reconstruir sus liderazgos y generar procesos de resistencia en la Capital. Este es el caso de tres mujeres afrocolombianas, Daira Elsa Quiñones Preciado, Virgelina Chará y Luz Aida Angulo Angulo, quienes han encontrado en la música una manera de expresar, denunciar y de cierta manera ‘sanar’ las heridas de la guerra y el desplazamiento. Con arrullos, currulaos, alabaos y distintos aires cantados, propios de sus raíces negras, la voz se convierte en el principal instrumento de memoria, denuncia y transformación de ellas y su entorno [...]. Como aves que con sus cantos guían bandadas a nuevos rumbos, estas mujeres impulsan espacios para apoyar e inspirar a otras víctimas; y siembran con su canto un discurso que revive, transforma, construye y sueña con paz, verdad, justicia y la reparación”.

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Moderadora: Doris Sommer, Ph.D. en Literatura comparada de la Rutgers Unirvestity. Estudió Literatura inglesa e hispánica en la Universidad Hebrea de Jerusalén. Es fundadora y directora de la iniciativa “Agentes Culturales” para el fortalecimiento de la participación cívica y ciudadana a través de las artes y las humanidades en la Universidad de Harvard, y se desempeña como profesora de lenguas romances y literatura y estudios afroamericanos en la misma universidad. Es asesora de arte para el programa “Ciudades más seguras” de HABITAT (ONU), que se enfoca en el desarrollo de un abordaje multidimensional para la prevención del crimen urbano y la violencia entre los jóvenes. Directora de Pre-textos, un programa de entrenamiento basado en las artes y la literatura para el desarrollo del pensamiento crítico y la ciudadanía dirigido a maestros y funcionarios públicos. Entre sus publicaciones se cuentan Ficciones fundacionales: la novela nacional en América Latina (1991); Estética bilingüe: una nueva educación sentimental (2004) y recientemente, El trabajo del arte en el mundo: agencia cívica y humanidades públicas (2014), que orienta la interpretación humanística del filósofo alemán Friedrich Schiller, entre otros autores, en torno a la función del arte en la construcción de la libertad política, para proponer que los ciudadanos colaboren activamente en la co-creación de un mundo más justo y más bello.

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Música en clave de vida comunitaria BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 MARTES 4 DE OCTUBRE, 12:00 A 1:00 P.M.

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as experiencias que se recogen en este panel corresponden a proyectos de desarrollo regional orientados a la identificación y preservación de ecosistemas culturales, entendidos como aquellos que generan valor a través de la preservación de las tradiciones y su relación con los habitantes de un territorio en el marco de sus particularidades sociales, históricas y culturales. ¿Es posible promover la preservación del patrimonio cultural al tiempo que generar estrategias de inclusión y emprendimiento?, ¿puede utilizarse la tradición musical como un campo para la resolución de conflictos y la revitalización de lazos comunitarios?, ¿es posible hablar de una sociabilidad del hacer, escuchar y difundir la música?

ECOS de México HTTP://SC.JALISCO.GOB.MX/ECOS/INDEX.HTML

es un programa de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Jalisco que promueve el aprendizaje formal de la música como una herramienta para el desarrollo social. El programa crea, opera y mantiene una red estatal de núcleos en los que se ofrecen servicios gratuitos de formación musical a niños y jóvenes de entre los 6 y 16 años. Su objetivo es desarrollar mejores seres humanos que exploren todas sus capacidades y talentos y contribuir con ello al desarrollo personal de los propios alumnos y a la renovación de la vida comunitaria del Estado. Funciona por medio de la instalación o adopción de núcleos comunitarios de enseñanza musical en delegaciones y colonias marginadas de Jalisco y gracias al método de enseñanza y las actividades que se organizan dentro de los núcleos ECOS, los alumnos, sus familias y la comunidad se ven involucrados en una sinergia positiva que favorece la reconstrucción del tejido social y el acompañamiento integral de niños y jóvenes jaliscienses. ECOS

Ingoma Nshya HTTPS://VIMEO.COM/17879818

Ingoma Nshya significa Iniciativa de Mujeres y representa un proyecto visionario animado por la directora de teatro, actriz, cineasta y activista Odile Gakire Katese, quien se encargó de configurar una cultura reparadora del recuerdo en Ruanda, después del genocidio que se perpetró allí. Esta iniciativa consistió en la fundación del primer grupo de mujeres tamborileras del país y contó con más de 150 miembros que rompieron el tabú de utilizar un instrumento sagrado que cuidadosamente había sido seleccionado para ser tocado por hombres. Esto, unido a otra iniciativa de mujeres, que consistió en la creación de la fábrica de helados más representativa de Ruanda, llamada “Dulces sueños”. Actualmente, la agrupación central de tamborileras quedó concentrada en 20 mujeres. Las demás asumieron un rol estratégico y comercial en la fábrica de helados. El proyecto de transformación social a través de la música de Ingoma Nshya tiene diferentes metas: sanación, reconciliación, empoderamiento social y financiero

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Cantadoras del Pacífico Sur HTTP://WWW.REDCANTADORASSUR.ORG/

de las mujeres para reconciliarse con el pasado violento de su país y con las tragedias personales. En este sentido, es una propuesta de intervención cultural y psicosocial que concibe la percusión y la producción de helados como un camino directo a la “alegría” y un medio para “limpiar la tristeza y la depresión”. Es una forma de terapia colectiva para ellas y los espectadores. Como ha declarado Felicity Thompson, produce “una felicidad con exuberancia contagiosa que nadie puede quedarse quieto, y usted se va a ver de inmediato sonriendo como un loco ¡y pronto se hallará de pie!” Igualmente, el proyecto crea nuevos espacios para compartir y socializar, después de la división de la guerra. En este sentido, sus participantes declaran que les ha servido a su reconstrucción tanto moral como física y así ha servido a la sociedad. La experiencia de Ingoma Nshya ha sido objeto de una especial producción cinematográfica realizada por los hermanos Lisa y Rob Fruchtman en 2012. Sweet Dreams (Dulces sueños) es una película de corte documental que narra la jornada de Ingoma Nshya. En palabras de sus directores, la película indica principalmente “cómo son estos pequeños proyectos, más que los grandes proyectos de gobierno, los que pueden realmente cambiar vidas[...] Sentimos que la película es acerca de la resiliencia, la esperanza, la fortaleza, la recursividad y la capacidad de cambiar el curso de nuestra propia vida”.

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La voz y el canto son dos acciones permeadas por la espiritualidad que caracterizan la actividad musical de las ceremonias y velorios a los muertos, donde simultáneamente se canta y ora por el alma del difunto. En Colombia, estas tradiciones etnomusicales de las comunidades afrocolombianas del Pacífico se conocen como alabaos. Con el nombre “cantadoras” se designa a las mujeres que asumieron la voz de estos aires musicales tradicionales del sur de Colombia. La Red de Cantadoras del Pacífico Sur es un programa de desarrollo cultural regional promovido y dinamizado por la Fundación Canapavi, el cual está orientado al reconocimiento y la valoración de la música y los cantos tradicionales, como el arrullo, el alabao, el chigualo, el bambuco viejo. Esta iniciativa surge como parte de una estrategia integral creada en 2008, llamada La Ruta de la Marimba, que recibió inicialmente apoyo del Ministerio de Cultura de Colombia y se concretó en una política cultural para el territorio del Pacífico sur colombiano, con el fin de promover la organización y el liderazgo de agrupaciones, cantadoras y cantadores, destacando sus elementos simbólicos, espirituales y de cohesión social. Como red cultural, buscan exaltar y reivindicar el papel de la mujer cantadora como trasmisora y guardiana del conocimiento ancestral en diferentes espacios sociopolíticos y con ello alentar su participación en sus comunidades. Esto con el fin de visibilizar las potencialidades del territorio y demostrar que esta red no es solo para cantar. Canapavi ha logrado la configuración de 12 organizaciones comunitarias sin ánimo de lucro, que velan por la recuperación de niños y jóvenes víctimas del conflicto armado colombiano a través de las expresiones artísticas. Por otro lado, han realizado emprendimientos culturales de difusión del patrimonio musical y gastronómico. Actualmente, la red cuenta con 280 mujeres y hombres del Pacífico sur que han establecido espacios culturales para el intercambio de conocimientos, la visibilidad y la circulación de los procesos comunitarios. Así mismo, promueve la investigación, la divulgación y el fomento de actividades encaminadas a la unidad y el desarrollo social para la paz territorial del Pacífico sur colombiano.

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Moderadora: Gretchen Amussen es Directora de Relaciones Internacionales del Conservatorio Nacional de Música y Danza de París. Líder internacional con experiencia en el campo cultural y educativo, experta en facilitar el diálogo y la cooperación intercultural para la construcción de amplios proyectos multilaterales. Fue vicepresidente de la Asociación Europea de Conservatorios y actualmente es miembro de la junta directiva del Consejo de Música Europeo. En los últimos veinte años ha dirigido y ayudado a promocionar el Conservatorio Nacional de París a través de una extensa red mundial de organizaciones educativas y culturales. Como presidente en grupos de trabajo financiados por la Comisión Europea, ha desarrollado programas temáticos sobre las implicaciones de la Declaración de Bolonia en torno a la educación artística, la música en la sociedad y el emprendimiento cultural como aprendizaje para la vida de los músicos, así como otros aspectos relacionados con la investigación artística. Por su parte, en el Foro Mundial de Música, realizado en Estonia, presentó la ponencia “De los conservatorios a los innovatorios: Europa y el músico del mañana” (2011). Actualmente se enfoca en temas de emprendimiento en las artes, en especial, en el campo de las artes escénicas, para construir comunidad.

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Músicas y orquestas como modelo de sociabilidad BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 MIÉRCOLES 5 DE OCTUBRE, 10:00 A 11:30 A.M.

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ste panel reúne cuatro proyectos que derivaron de un inspirador modelo de orquestas comunitarias, el Sistema de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela. A lo largo del tiempo, cada uno de ellos adquirió características únicas, marcadas por las particularidades culturales de sus lugares de asentamiento. La mayoría de programas basados en El Sistema han logrado un alto impacto local y representan escenarios para generar nuevas formas de sociabilidad y proyectos de vida para la infancia y la juventud en lugares marginales de Venezuela, Brasil, Chile y Colombia. ¿Son estas, experiencias pedagógicas que generan oportunidades para la prevención de la violencia juvenil?, ¿es la orquesta un modelo de sociabilidad?, ¿prevalece en los proyectos la construcción de tejido social o el interés por crear generaciones de músicos de gran capacidad interpretativa?, ¿son los proyectos mecanismos para el posicionamiento de un territorio?

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El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles: Fundación Musical Simón Bolívar (Venezuela) HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?TIME_ CONTINUE=3&V=9GVYGLTLIPA

El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela es un programa social y cultural del Estado venezolano, perteneciente a la Fundación Musical Simón Bolívar, entidad adscrita al Ministerio del Poder Popular para el Despacho de la Presidencia y Seguimiento de la Gestión de Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela. Este modelo pedagógico, fundado en 1975 por el maestro y músico José Antonio Abreu, concibe las orquestas y coros como escuelas de vida social y personal para la formación de aptitudes y actitudes positivas, valores éticos, estéticos y espirituales -desde la más temprana edad- a los individuos que integran la sociedad. A lo largo de 41 años, El Sistema se ha convertido en el programa de responsabilidad social más sólido de Venezuela con la más alta calidad artística. A él se suman maestros de la dirección orquestal como Gustavo Dudamel, Diego Matheuz, Christian Vásquez, Rafael Payare y solistas de la talla de Edicson Ruiz y Francisco Flores, entre otros. La Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela considerada como una de las más importantes del mundo. El Sistema atiende a niños y jóvenes de todas las clases sociales, sin distinción de ningún tipo, en un 75% provenientes de hogares con escasos recursos económicos y condiciones sociales adversas, y para 2019 espera beneficiar a un millón de estudiantes. Así mismo, articula programas innovadores de intervención social a través de lo cultural: capacita a jóvenes en la fabricación y reparación de instrumentos musicales (Programa de Lutería), atiende a población discapacitada y recluida (Coro manos blancas y orquestas penitenciarias), brinda asistencia a pequeños y jóvenes que permanecen en centros de salud (Programa de atención hospitalaria) y, al mismo tiempo, estimula el desarrollo prenatal a través de la música en el sistema de salud (Programa de Nuevos Integrantes de El Sistema). Por último, atiende la promoción y conservación de música tradicional en Venezuela (Programa alma llanera). El impacto mundial de El Sistema, sus orquestas y coros se ve reflejado en la adopción de este modelo en otros países de América Latina, en sus jóvenes músicos que pertenecen a los más prestigiosos escenarios artísticos del mundo y por sus galardones, entre ellos el Premio Príncipe de Asturias de Las Artes y el Premio Internacional de Música Unesco.

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FOJI HTTP://WWW.ORQUESTAJUVENIL.CL/ FOJI/QUIENES-SOMOS/HISTORIA/

Fundación de derecho privado dependiente de la Dirección Socio Cultural de la Presidencia de la República, la FOJI administra directamente 17 orquestas en Chile. Paralelamente, apoya la creación y el fortalecimiento de aproximadamente 500 orquestas comunales que no dependen financieramente de la Fundación. Cuenta con cursos de perfeccionamiento a instructores, directores, intérpretes, profesores y gestores hasta talleres de luthería que permitan un conocimiento integral de la actividad musical. Desde el año 2015, inicia el proyecto de ACADEMIA, el cual da formación musical profesional a niños y jóvenes y consigue mayores recursos con un proyecto multilateral con fondos de bienes públicos regionales del Banco Interamericano de Desarrollo. Igualmente, busca lograr un vínculo sustentable que permita un intercambio efectivo con otros países y proyectos similares para potenciar los propósitos de este modelo de orquesta escuela.Cada año participan 12 mil niños y jóvenes en orquestas y un millón de personas asisten a cerca de 3.000 conciertos ofrecidos por orquestas juveniles e infantiles en 190 comunas del país. El Programa de Becas de la Fundación favorece a niños y jóvenes de escasos recursos que conforman orquestas y a jóvenes músicos de nivel superior. Anualmente se realiza un concurso que entrega 1.500 becas a niños de todo el país.

Escuela de Música Desepaz HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=XYFZRZG9CFM

La Escuela de Música Desepaz brinda la posibilidad de tener una oferta extracurricular estructurada para niñas, niños y jóvenes de escasos recursos económicos en la ciudad de Cali, Colombia. Desde la visión de Desepaz, la enseñanza musical, al igual que la práctica de otras artes o deportes, es una excelente opción para ocupar de manera constructiva el tiempo libre de un joven. Si bien es cierto que la oferta de enseñanza musical ha mejorado a nivel local, todavía son pocas las posibilidades para los jóvenes de empezar desde temprana edad a dedicarse al aprendizaje de un instrumento. La Escuela de Música Desepaz ha tomado como ejemplo para construir su modelo de formación gratuita a El Sistema desde la óptica de la entidad, lo que representa una garantía de éxito en su reproducción y adaptación al entorno caleño.

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Fundación Nacional Batuta HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=6RGSSLNWUA8

La Fundación Nacional Batuta fue creada en 1991 por iniciativa del Gobierno Nacional en alianza con la empresa privada. Ana Milena Muñoz de Gaviria, Primera Dama de la Nación en la época, lideró el proyecto que tuvo como modelo inspirador a El Sistema de Venezuela, gracias a la asesoría directa y el acompañamiento del maestro José Antonio Abreu. El objetivo principal de los fundadores fue fortalecer e incrementar el disfrute, la práctica y la enseñanza de la música en el país y generar mayores oportunidades para el ejercicio de los derechos culturales de los niños y niñas colombianos. El Sistema Nacional de Orquestas Sinfónicas Juveniles e Infantiles-Batuta ha permitido implementar proyectos de formación musical y tener una importante presencia en el país gracias a la gestión de proyectos de gran envergadura en todo el territorio nacional y a la cooperación de las organizaciones departamentales Batuta: Fundación Batuta Caldas, Corporación Batuta Risaralda, Corporación Batuta Huila, Corporación Batuta Amazonas y Corporación Batuta Meta. La Fundación Nacional Batuta contribuye significativamente al mejoramiento de la educación musical en Colombia, no solamente a través de su proyecto educativo sino también desarrollando talleres de capacitación para profesores, directores y luthiers de todos

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los proyectos sinfónicos del país, en alianza con instituciones públicas y privadas, permitiendo a la vez, el crecimiento y sostenibilidad de la actividad orquestal del Sistema. En la actualidad, la Fundación Nacional Batuta atiende un promedio anual de 43 mil niños, niñas, adolescentes y jóvenes; desarrolla sus programas en 194 centros musicales ubicados en 102 municipios de los 32 departamentos de Colombia; y ha creado y opera 45 orquestas sinfónicas, 380 coros infantiles y 700 ensambles de iniciación musical.

Guri Santa Marcelina

Moderador:

HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=ICMOK9KPFHC

El Programa Guri tiene como misión la educación musical y la inclusión sociocultural de niños y adolescentes en el Gran San Pablo en Brasil. Lanzado en 2008, el programa parte de una iniciativa de la Secretaría Cultura del Estado de San Pablo adoptada por la organización social de cultura, Santa Marcelina. Por medio de la educación musical de calidad, apoyado por un servicio de atención social, el programa se ofrece a niños y jóvenes de 6 a 18 años de edad y representa una oportunidad real de crecimiento cultural y de transformación social.

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Mariano Vales trabaja como especialista en la Unidad de Prevención de la Violencia, Departamento de Seguridad Pública de la Organización de los Estados Americanos (OEA). Su trabajo se fundamenta en el diseño, negociación e implementación de programas de prevención de la violencia juvenil a través de iniciativas culturales y de orquestas en los ámbitos escolar y penitenciario. En el último año, ha participado en el diseño del Programa Interamericano de Prevención de la Violencia y el Delito, especialmente en la construcción de un catálogo basado en evidencia de buenas prácticas de prevención, con énfasis en iniciativas de habilidades para la vida para niños y jóvenes. En este se destaca Oasis, un programa de inclusión social a través de la música que ha promovido iniciativas de orquesta y coro en Haití, Santa Lucía, Jamaica y El Salvador, con la cooperación técnica de la Fundación Nacional Batuta de Colombia. Vales es también libretista y compositor, especializado en el teatro musical de contenido social. Su última obra se centró en la trata de personas y fue estrenada en junio de 2015 en el teatro GALA de Washington D.C. y posteriormente nominada a cinco premios Helen Hayes. Vales cuenta con una maestría en Dirección Orquestal de la Universidad de Yale y ha dedicado gran parte de su carrera de director de orquesta al tema de la inclusión social de los jóvenes, especialmente en su función de Director Musical del DC Youth Orchestra Program, el programa de orquestas de mayor diversidad en Estados Unidos.

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Diseños sociales y experimentación sonora BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 MIÉRCOLES 5 DE OCTUBRE, 12:00 A 1:00 P.M.

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n este panel participan músicos contemporáneos y artistas electrónicos que presentan proyectos innovadores de beneficio social y comunitario, incluso en contextos rurales. Estas prácticas musicales y sonoras de creación colectiva articulan nuevas modalidades de interacción y aprovechan el aporte de otras disciplinas, como el diseño, la electrónica, las artes plásticas y visuales, entre otras. Las experiencias se relacionan con el binomio arte-diseño contemporáneo y surgen del contacto interdisciplinario entre músicos, artistas y científicos sociales que se inspiran para trabajar en conjunto en la modalidad de laboratorio y para pensar proyectos de alcance social, incluso en el marco de la atención a población en condición de discapacidad. ¿Puede la tecnología incrementar el impacto social de los proyectos?; ¿cómo surgen iniciativas innovadoras en la relación música/impacto social?; ¿por qué y para qué trabajar desde la mirada trans-disciplinar a la luz de la cuarta revolución industrial?

Centro Experimental Oído Salvaje (Ecuador) El Centro Experimental Oído Salvaje es una plataforma interdisciplinar activada en 1995 desde Ecuador por artistas de diferentes medios, disciplinas y geografías. El colectivo tuvo su origen en 2001 en los laboratorios, audio-foros e intervenciones en espacios públicos promovidos por la Radio Artística Experimental Latinoamericana (RAEL). El Centro reúne a creadores, investigadores y gestores de proyectos de experimentación sonora y audiovisual entre los que se encuentran Mayra Estévez Trujillo, Fabiano Kueva (Ecuador) e Iris Disse (Alemania), como jóvenes gestores que se involucran en la experimentación radial, lo cual que les permite ampliar su intervención más allá del entorno en el que se suscriben sus ideas. Entre las estrategias de gestión y líneas de trabajo desarrolladas por este centro se cuentan: Navegantes del Éter, primer programa de arte sonoro en la radio ecuatoriana; Poesía Mano a Mano, archivo sonoro de 30 escritores y 20 compositores ecuatorianos; Laboratorio Iquitos, residencia para artistas sonoros emergentes de Ecuador, Colombia y Perú; Estudios Sonoros Latinoamericanos, de investigación en proceso, y Territorio y Radialidad, laboratorio sonoro portátil activado entre Ecuador, Colombia y Argentina. Los integrantes de Oído Salvaje han recibido 15 premios y becas internacionales, han participado en eventos, simposios y bienales de arte sonoro, poesía, músicas tradicionales y radio experimental y ya cuentan con algunas investigaciones críticas sobre prácticas sonoras en el ámbito regional.

Drake Music HTTP://WWW.DRAKEMUSIC.ORG/SHOWCASE/VIDEOS/

Con más de 20 años de experiencia, el grupo posee un vasto conocimiento en el uso de la tecnología para crear nuevas oportunidades de creación musical a personas con discapacidad. Ejemplo de ello es el invento del músico en condición de discapacidad John Kelly –investigador y desarrollador de Drake Music–, quien realizó un software para poder tocar guitarra ante la ausencia de manos. El principal pilar de su labor es su creencia en el desarrollo de oportunidades adecuadas para que todos pueden desarrollar su potencial creativo, es decir, la adopción de los principios de la “plástica social” para promover el desarrollo de capacidades. Su trabajo se concentra en la creación de una cultura musical que integra a músicos discapacitados y no discapacitados, al tiempo que defiende activamente sus derechos.

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Drake Music puso en marcha el primer curso de “música accesible” en el Reino Unido con más de seis años de trabajo continuo y un total de 66 estudiantes acreditados. De esta manera, On the Go (sobre la marcha) es otra de las opciones de formación que ofrecen para capacitar en producción e interpretación musical a la comunidad del noroeste del país. El proyecto dio la posibilidad a productores musicales discapacitados de colaborar con Matthew Halsall, un artista de jazz proveniente de Manchester y nominado por Music of Black Origin (MOBO) en el uso de la tecnología de música de asistencia. Los participantes probaron, remezclaron e interpretaron elementos del catálogo de las antiguas grabaciones de Matthew, con el apoyo del mismo Matt y de un equipo de músicos asociados. El proyecto se llevó a cabo en dos de los principales escenarios de La Haya: Band on the Wall y Z-Arts. El enfoque de Drake Music incluye el trabajo colaborativo con una amplia gama de organizaciones y personas, incluyendo escuelas, universidades, organizaciones de arte, autoridades locales, servicios de música y desarrolladores de software, al igual que músicos, compositores y artistas de otras disciplinas. Su objetivo es compartir el conocimiento y ampliar su red de socios para mejorar el acceso a la música en condiciones de igualdad contando con un equipo especializado en tecnología de música de asistencia. Así mismo, implementan prácticas de investigación para el desarrollo de nuevos instrumentos musicales y tecnologías. Como organización pionera en el desarrollo de enfoques innovadores para la enseñanza y la creación musical integrada, recibe el apoyo de la Cartera Nacional para el Consejo de las Artes de Inglaterra y también se financia a través de Youth Music.

Desde fuera del centro HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=MEBLSGCGMSY

“Desde fuera del centro” es un proyecto artístico, pedagógico y social desarrollado por un grupo de músicos talentosos y destacados de Chile, principalmente con niños de quinto y sexto año básico de la Escuela Básica Rural “Renacer” G-94, ubicada en la localidad de Quebrada de Herrera, comuna de Putaendo, V región. Mediante la composición de música contemporánea en contextos rurales, Desde fuera del Centro creó un documental de su intervención experimental, así como composiciones del Ensamble Taller de Música Contemporánea de obras como “Lego” de Andrés Núñez, “Desde fuera del centro” de Francisco Silva y “Cumpleaños” de Juan Pablo Orrego, todas estas escritas para instrumentos de juguete. El director del proyecto es Francisco Silva y su equipo de trabajo está conformado por Camila Roa, Juan Pablo Orrego y Andrés Núñez.

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Moderador: Felipe Cesar Londoño, Rector de la Universidad de Caldas. Ph.D. en Ingeniería Multimedia de la UPC de Barcelona, España. Arquitecto y Profesor Titular del Departamento de Diseño Visual de la Universidad de Caldas, Colombia. Ha sido un promotor pionero en Colombia en el campo de las artes electrónicas como director del Festival Internacional de la Imagen, el evento más importante en Colombia sobre diseño, arte, ciencia y tecnología, que cuenta con 19 años de trayectoria. Entre sus actividades como rector está la coordinación de la Orquesta Sinfónica de Caldas y el Taller de Ópera que articula las tres escuelas de Música, Artes Escénicas y Danza. Igualmente, asesora al Centro de Estudios e Investigaciones de Música Electroacústica Jaqueline Nova, el Laboratorio Sensor encargado de la creación de ambientes poli-perceptivos construidos a partir de la relación entre medios sonoros, visuales y tangibles soportados por tecnologías digitales. Ha publicado varios libros, entre ellos Interfaces de las comunidades virtuales, Paisaje y nuevos territorios en red (con la editorial Anthropos, Barcelona, España); y las investigaciones de “Videojuegos, diseño y ciudadanía”, “Diseño Digital: metodología para la creación de proyectos interactivos”, y “Expresión visual en las ciudades del bahareque”. Ha participado como curador en muestras de diseño y artes electrónicas en San Pablo (Brasil), Buenos Aires (Argentina), Albuquerque (EE.UU.), Montreal (Canadá), Barcelona y Madrid (España).

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Música para desaprender la guerra BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 JUEVES 6 DE OCTUBRE, 10:00 A 11:00 A.M.

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n este panel interactúan los líderes de tres experiencias de reparación simbólica a través de la música que se desarrollan en sociedades desgarradas por la guerra (Afganistán, Irlanda y Colombia). Con ellas se alienta a la reflexión sobre oportunidades de reconstrucción social que se promueven en entornos de alta violencia desde las artes. De igual manera, se trata de proyectos que forman y transforman las vidas de sus beneficiarios desde una mirada que valora la música como elemento fundamental para la cohesión social, la valoración de la tradición y la consolidación de un sentido identitario. ¿Por qué la música puede funcionar como elemento esencial en el marco de las posviolencias y las posconvivencias?, ¿cómo inciden estos proyectos sobre otras violencias más allá de la guerra?, ¿puede ser la violencia objeto de creación en el campo artístico?

Afghanistan National Institute of Music HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=CQMDUDGVNEC

A través del proyecto de recuperación de música afgana, el Instituto Nacional de Música de Afghanistan (ANIM) es un programa pionero en Kabul creado gracias al soporte inicial del Monash Asia Institute de la Monash University en 2006. Es la primera institución enfocada en educación musical tradicional de los niños y jóvenes afganos que por primera vez integra a niñas y mujeres adolescentes, sin importar sus circunstancias sociales ni económicas. Desde 2010 el número de niñas registradas en el ANIM ha incrementado exponencialmente. Ellas estudian materias académicas de música a un alto nivel. El 50% de las estudiantes provienen de orfanatos y de la calle. El instituto está conformado por un equipo de educadores internacionales de música encargados de capacitar estudiantes y profesores locales en música instrumental y ensambles y en impartir cursos académicos de música tradicional. Actualmente consta de salones de práctica a prueba de sonido, una moderna biblioteca, sala de computadores y salón multimedia, salones de clase y un espacio de almacenamiento para los instrumentos musicales tradicionales de los estudiantes. Pronto estos espacios se complementarán con un nuevo edificio para ensayos, una sala de conciertos y dormitorios para niñas. El instituto está a cargo de organizar el Afghanistan Annual Winter Music Academy, festival educativo muy representativo de la comunidad de Kabul que ayuda a los estudiantes a presentarse con sus ensambles y trabajar con los artistas internacionales invitados. La historia del ANIM ha sido documentada por el cineasta Polly Watkings y su historia “Dr. Sarmast’s School of Music” fue reconocida en el Festival Internacional de Cine de Sidney en 2012. En 2013, el ANIM fue escogido para llevar sus ensambles musicales de gira por Estados Unidos, en conciertos realizados en el Kennedy Center en Washington, el Departamento de Estado, el New England Conservatory en Boston, Massachusetts y el Carnegie Hall en Nueva York.

Beyond Skin Organización con sede en Belfast, Irlanda del Norte, que recurre al uso de las artes desde una óptica de la interculturalidad, por lo cual se sivre de la música, la danza y los nuevos medios de comunicación para abordar problemas asociados al racismo y el sectarismo mediante la promoción y el reconocimiento de la diversidad cultural. La creación de Beyond Skin estuvo influenciada por artistas y activistas muy inspiradores, entre los que se cuentan: 1) el ícono del rock y activista de derechos humanos Peter Gabriel, fundador de la organización pionera El Mundo de la Música, las Artes y la Danza (World Of Music,

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Arts & Dance -WOMAD-) que simboliza el más alto estándar de las artes internacionales promotoras de la interculturalidad; 2) el proyecto musical y cinematográfico en dúo 1 Giant Leap, para la unidad en la diversidad; y 3) el músico, productor y activista Nitin Sawhney, para quien su identidad e historia se definen más allá de la nacionalidad, la religión y el color de la piel. Con más de once años de experiencia, Beyond Skin se ha dado a conocer como una organización innovadora, ética y de vanguardia. Sus formatos de acción incluyen experiencias interactivas de música del mundo (World Music), festivales, talleres de arte y danza, radio, proyectos internacionales de producción radial, la oferta de cursos acreditados por la OCN, capacitación en diversidad, conciertos de World Music en vivo y proyectos internacionales de trabajo colaborativo. Actualmente desarrolla proyectos con diferentes aliados para la configuración de: la red de emisoras radiales Homely Planet; el proyecto Parallel Versing (comunicación paralela), relacionado con Sri Lanka, que utiliza la música para cambiar la trayectoria de vida de niños afectados por el legado del conflicto; y el programa WOMAD NI de artes interculturales para el fomento de las relaciones de Irlanda del Norte, en asocio con la fundación de Peter Gabriel; y La Orchestre des Réfugies et Amis, un proyecto que genera espacios acogedores para artistas en condición de refugiados o en busca de asilo.

Escuela de Música Lucho Bermúdez de Carmen de Bolívar Ubicada en uno de los municipios más afectados por el conflicto interno de Colombia, la Escuela de Música Lucho Bermúdez es un lugar creado por el Ministerio de Cultura, en asocio con los entes territoriales y organizaciones de la sociedad civil, para estimular las prácticas artísticas, particularmente en el campo de la música. La Escuela de Música Lucho Bermúdez ofrece a los niños y jóvenes del municipio de El Carmen de Bolívar y cuatro de sus corregimientos (El Salado, El Hobo, San Isidro y Caracolí) la posibilidad de acceder a procesos de formación musical. Desde la óptica de la Ministra de Cultura, Mariana Garcés Córdoba, “la música como proceso de apropiación cultural, constituye una alternativa para afianzar la democracia con perspectiva de equidad y para fortalecer las iniciativas de convivencia, en la medida en que aporta equilibrio de oportunidades de práctica, formación y expresión musical entre las diferentes regiones del país y los diversos grupos poblacionales”. La Escuela es, en efecto, producto de la política pública del Plan Nacional de Música para la Convivencia (PNMC) que “pretende favorecer una presencia más activa de la música en la realización de los proyectos de vida, individuales y colectivos, así como promover vínculos de convivencia basados en el respeto a la diversidad, la valoración de la creación cultural y la participación social en condiciones de equidad.”

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Moderadora: Después de obtener un grado universitario en Música por la Birmingham University, Cathy Graham estudió dos años acompañamiento de piano en el Royal Northern College of Music. Se desempeñó como música profesional en Estocolmo durante catorce años, durante los cuales fue profesora, entrenadora vocal y pianista en compañías de ópera y teatro. A su regreso al Reino Unido, en 1992, se estableció rápidamente en la escena musical de Londres trabajando para ENO Contemporary Music Studio y en Almeida Opera como representante de artistas. En 1994 se convirtió en la Directora Ejecutiva de la Sociedad para la Promoción de la Nueva Música (Society for the Promotion of New Music -SPNM-) y recibió el galardón Prudential Award for the Arts. De 1997 a 2006 fue la Directora General de la London Sinfonietta. Durante este tiempo hizo extensas giras nacionales e internacionales, aumentó su repertorio, perfil y audiencia e inició el sello discográfico del ensamble. Desde noviembre de 2006 ha sido la Directora de Música del Consejo Británico en Londres, trabajando en proyectos para crear confianza y entendimiento entre el Reino Unido y el resto del mundo. Es la presidenta de la reconocida obra de caridad Streetwise Opera, que utiliza la música para ayudar a la gente sin hogar mediante la inclusión a proyectos en escena de ópera que les permita avanzar nuevamente con su vida. Es miembro de la Junta Directiva de la Sociedad Internacional de Artes Escénicas (International Society for Performing Arts -ISPA-) y asesora nacional de música en el Consejo de Artes de Gales.

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Músicas corresponsables BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 JUEVES 6 DE OCTUBRE, 11:30 A.M. A 12:30 P.M.

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l panel está constituido por organizaciones de carácter social que lideran intervenciones para personas que han sufrido diversos tipos de violencias y exclusiones sociales. Estas emprenden acciones solidarias y de asistencia social en Irlanda del Norte, Palestina, Ruanda, Tanzania, Kosovo, entre otros lugares. Así mismo, han estructurado programas específicos en contextos marginales o de posguerra, para la reintegración social y cultural de prisioneros, entre otras intervenciones. ¿Cómo opera la idea de filantropía en el siglo XXI en el contexto de geopolíticas diferenciales?, ¿en qué sentido se habla de propósito social en el marco de estos proyectos musicales?, ¿son sostenibles estas experiencias que parten de solidaridades voluntarias?, ¿por qué y cómo se concibe un proyecto para trabajar desde la música con personas profundamente adoloridas?

Buskaid HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=HVP-VQSG1PI HTTP://CNNESPANOL.CNN.COM/VIDEO/ CNNEE-TAL-CLASSICAL-MUSIC-BUSKAIDOF-SOWETO-SOUTH-AFRICA/

Fundación registrada en 1992 tanto en Sudáfrica como en el Reino Unido por la violista inglesa Rosemary Nalden en una respuesta de filantropía social suscitada por un reportaje de la BBC en el cual se declaraban las dificultades que tenían algunos músicos de cuerdas frotadas en Diepkloof-Soweto, Johannesburgo. En 1992, Rosemary obtuvo el apoyo de 120 de sus colegas y propulsó una iniciativa de busk, expresión coloquial que significa “cantar en la calle”, en 16 estaciones del British Rail para el recaudo de fondos que permitieran apoyar a jóvenes del municipio. En dos horas recaudaron 6.000 libras. Esta experiencia fue inspiradora para continuar el ejercicio para amparar en 1992 a músicos africanos. La escuela de Buskaid se abrió a principios de 1999 y consta de siete estudios, una biblioteca de música y una actividad cultural. La mayoría de los instrumentos han sido donados a través de la estrategia Buskaid-Confianza, en particular los violines. Con los años ha recibido instrumentos de organizaciones de Sudáfrica, Reino Unido, Irlanda. Alemania, EE.UU. y Nueva Zelanda. Sin embargo, los más grandes -violas, violonchelos y contrabajos– fueron comprados con la contribución de la Lotería Nacional de fondo fiduciario británico. Por otro lado, el Ensamble Buskaid fue catalogado por la revista Gramophone como una de las diez orquestas más inspiradoras del mundo, junto a la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Londres, la orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. Desde entonces, la fundación apoya a talentos con becas en Inglaterra, talleres de luthería y auspicia otros proyectos artísticos y discográficos. Actualmente esta entidad cuenta con115 estudiantes y una docena de profesores vinculados.

Music in Prisons Música en las Prisiones parte del principio de que la música puede contribuir fundamentalmente en procesos de resocialización y reintegración de personas que están o han estado en las cárceles. En este sentido, aprovecha las dimensiones colaborativas y creativas de la música para generar un poderoso impacto en la vida de las personas, al darles seguridad y nuevas destrezas sociales que

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incrementan sus aspiraciones futuras. Fundada en 1995 por el presidente de la Corte Suprema, Lord Peter Taylor, la Fundación Irene Taylor ofrece proyectos musicales creativos intensivos y de alta calidad que contribuyen al proceso de rehabilitación social, educación y formación de habilidades para la vida de prisioneros, exprisioneros y jóvenes que han tenido circunstancias difíciles que están en, o cerca de, el Sistema de Justicia Penal en el Reino Unido. Actualmente trabajan en las cárceles nacionales y en los institutos para menores infractores otorgándoles la oportunidad de formar una banda y generar su propia música. Igualmente, les permiten grabar profesionalmente y trabajar en proyectos intensivos con músicos residentes que desarrollan un trabajo comunitario en Londres. Mediante el programa de capacitación Sounding Out para exprisioneros, los participantes realizan proyectos creativos y presentaciones para adquirir experiencia práctica laboral como músicos de apoyo en diferentes agrupaciones. Igualmente, desarrollan Making Tracks (Creando Música), un programa musical creativo compuesto de sesiones semanales de seguimiento intensivo y apoyo individualizado dirigido a los jóvenes entre 16 y 25 años de edad que habitan en Lambeth y en Tower Hamlets. Estos programas ayudan a los jóvenes a avanzar hacia la obtención de un empleo, ofrecen posibilidades de educación, capacitación o la consecución de un voluntariado. En 2013, la gestión de Music in Prisions fue reconocida por la Real Sociedad para la Salud Pública con un galardón especial de las Artes y la Salud. Lord Woolf, expresidente del Tribunal Supremo, destacó la manera como esta iniciativa “contribuye a romper el círculo vicioso de la transgresión, el encarcelamiento, la liberación y la reincidencia”, en definitiva, por su contribución en procesos de resocialización y reintegración social de los reclusos atendidos.

activo desde 2008, reúne a la juventud serbia y albanesa a través de la pasión por la música rock y es la única institución cultural interétnica en la ciudad; 2) Palestine Community Music (Ribera Occidental, Palestina): activa desde 2008, actúa en los campos de refugiados y pequeñas poblaciones aisladas de la ribera occidental, capacitando a líderes jóvenes, trabajadores sociales y profesores en música de la comunidad y en torno a habilidades de liderazgo; 3) Rwanda Youth Music: desde 2012 capacita jóvenes portadores de VIH como líderes de música de la comunidad y ayuda empoderarlos como hacedores de cambio en sus propias comunidades; 4) Music Bridge (Derry, Londonderry, Irlanda del Norte): desde 2013 trabaja por borrar las viejas divisiones en Irlanda del Norte, en donde siglos de conflicto han dejado heridas profundas. Actualmente, en cooperación con Cultúrlann Uí Chanáin, los capacitadores del programa extienden sus esfuerzos para reintegrar a la comunidad de refugiados o desplazados de regiones devastadas por la guerra; finalmente, 5) en su programa Capacitación de Capacitadores Músicos sin Fronteras, forma músicos, terapistas y otros profesionales de la música que quieran involucrarse en la iniciativa.

Musicians without Borders HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=1PHEP-UVOHE

Músicos sin Fronteras es una organización que trabaja en áreas afectadas por la guerra desarrollando acercamientos innovadores para construir paz a través del poder de la música. Con el lema “La guerra divide y la música conecta”, Músicos sin Fronteras ha adelantado esta labor por más de 15 años en Holanda; con oficinas regionales en Jerusalén, Belgrado y Kigali, también dirige sus esfuerzos a los Balcanes y Europa occidental, el Medio Oriente y África oriental central. Hace parte de una red internacional que enfoca su labor en acercamientos innovadores para construir paz con la música y conectar comunidades, cerrar brechas y divisiones ideológicas y sanar heridas. Dentro de sus programas de intervención social se encuentran los siguientes: 1) Mitrovica Rock School (Kosovo):

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Moderador: David Codling ha dirigido la estrategia del British Council en el área de las artes en el continente americano desde septiembre del 2011. La interacción entre las artes, la política y los asuntos sociales ha sido una característica constante de su trabajo para el British Council en varios países desde 1987: en Turquía (en dos ocasiones, y con trasfondos políticos muy distintos) así como en España, Palestina, Egipto, Sudán y la India. Antes de unirse al British Council, David era coordinador de programas de la Organización Mundial de la Salud, y anteriormente trabajó para una fundación cultural palestina que operaba en varios países del Mediterráneo oriental con sede en Jerusalén. Oriundo de la región fronteriza de Escocia e Inglaterra, David estudió filología inglesa en el University College London y luego estudió árabe en el School of Oriental and African Studies, también en Londres.

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Orquestas sin esmoquin BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 VIERNES 7 DE OCTUBRE, 10:00 A 11:00 A.M.

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l panel propone un ejercicio de identificación de acciones de liderazgo de las artes, especialmente de las prácticas orquestales, en contextos de exclusión social, desigualdad, pobreza y marginalidad. Las experiencias convocadas han desarrollado proyectos arriesgados e innovadores que contribuyen no solo a la atención, sino a la dignificación de personas y colectivos y, por tanto, resaltan sus capacidades artísticas y productivas como parte integral de la sociedad. Ya sea que se trate de orquestas sinfónicas convencionales, proyectos de alto impacto social o de orquestas que trabajan con poblaciones diferenciales o en contextos no habituales, todas ellas suponen miradas altamente comprometidas con cambios en la sociedad. ¿Es posible incorporar la música clásica y sinfónica en contextos de alta diferencia cultural y social?, ¿es pertinente el uso de la música clásica en el marco de realidades sociales muy ajenas a su entorno habitual?, ¿cómo se producen procesos de dignificación desde estas prácticas?, ¿cuáles son los factores de éxito de este tipo de intervención?

Orquesta Cateura (HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=7AONZB7ZLJI)

“El mundo nos envía basura, nosotros le devolvemos música” es el slogan de este proyecto musical que ha alcanzado, en los últimos años, un destacado reconocimiento internacional. Este es un proyecto que surge de manera innovadora y espontánea en desarrollo del Proyecto Procicla del Banco Interamericano de Desarrollo en el vertedero Cateura de Asunción (Paraguay) en 2006 y 2007. Su fundador se desempeñaba como técnico especializado y comenzó a enseñar música a los hijos de gancheros del vertedero, hasta que posteriormente nació la Orquesta de Instrumentos Reciclados. La Orquesta está conformada por niños, niñas, adolescentes y jóvenes de escasos recursos que viven en la comunidad del Bañado Sur, ubicada alrededor del vertedero de Asunción. La característica distintiva del grupo es la interpretación de obras musicales con instrumentos reciclados elaborados a partir de basura. Los instrumentos de la Orquesta imitan violines, violas, chelos, contrabajos, guitarras, flautas, saxofones, trompetas e instrumentos de percusión. Entre su repertorio ejecutan música clásica, folclórica, paraguaya, latinoamericana, de los Beatles, de Frank Sinatra e interpretan música para películas.

Orquesta Filarmónica de Bogotá HTTP://WWW.FILARMONICABOGOTA.GOV.CO/NEWSITE/ CONTENT/LA-ORQUESTA-FILARMONICA-DE-BOGOTA

La Orquesta Filarmónica de Bogotá, patrimonio cultural de la ciudad, inició sus labores como Fundación Filarmónica Colombiana en 1966. Hoy es una entidad adscrita a la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte que ejecuta de manera concertada las políticas de la administración distrital y difunde el repertorio sinfónico universal y nacional. Actual­mente tiene dos orquestas juveniles y una banda, una orquesta prejuvenil y una infantil y los coros infantil y juvenil, que promueven y fortalecen la música académica, la música sinfónica y el canto lírico. Así mismo, cuenta con un programa de formación musical para casi 19 mil niños en colegios distritales de la ciudad y ofrece oportunidades a los profesores jóvenes para la práctica de la música de cámara, la dirección y la difusión de la música sinfónica a través de los programas de formación y estímulos académicos.

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Su objeto principal es pluralizar y diversificar la cultura de la música en la ciudad de Bogotá. La Orquesta ha estado presente en todas las locali­dades marginales de Bogotá en diferentes escenarios, parques, corre­dores culturales, centros educativos y espacios públicos.

Paraorchestra HTTP://WWW.PARAORCHESTRA.COM/ VIDEO.PHP?REF=VIDEOS

Es el primer ensamble profesional conformado por músicos con discapacidad en el Reino Unido. Fue fundado por el director orquestal Charles Hazlewood y Claire Whalley en 2011. Son pioneros a nivel mundial como un movimiento de reconocimiento y exposición para músicos de extraordinaria habilidad. Trabajan en el cambio de percepción de la discapacidad, creando una plataforma para proyectos artísticos y musicales de primer orden mundial.

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Moderador: Phloeun Prim, Director del Cambodian Living Arts Center. Nacido durante el genocidio, Phloeun se enorgullece de haber regresado a Camboya y de formar parte del movimiento que a través de las artes propicia la reparación de las víctimas y promueve el desarrollo económico por medio del trabajo y la reactivación de la tradición oral e identidad cultural de la región. Este trabajo colaborativo tiene como objetivo crear un ambiente donde las artes camboyanas empoderan y transforman a los individuos y a las comunidades, promoviendo el conocimiento de las artes tradicionales y abogando por ellas frente a entidades a cargo de la creación de políticas públicas de cultura. Como empresario cultural y visionario, Phloeun lideró la transformación de la agencia Artes Vivas de Camboya (Cambodian Living Arts -CLA-), la cual pasó de ser un proyecto de base que pretendía reactivar las artes tradicionales hasta convertirse en la principal agencia cultural de Camboya. Después de haber establecido una visión estratégica y un plan de trabajo, llevó a la organización a ampliar el número de participantes activos en la comunidad para lograr la transición de la antigua generación de maestros a la nueva generación de líderes, artistas y empresarios emergentes, fomentando la transmisión directa de las tradiciones al estímulo de la expresión y la innovación artística. Phloeun participa de manera permanente en diálogos globales relacionados con las artes y el desarrollo para promover la relación de Camboya con el mundo. Ha asistido a prestigiosos foros internacionales, desde el Instituto Aspen hasta el Seminario Global de Salzburgo. En 2016, la CLA convocó a líderes culturales de todo el mundo a Phnom Penh para llevar a cabo el foro internacional sobre las artes vivas y contextos de posconflicto.

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Historias de vida BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO, BANCO DE LA REPÚBLICA CALLE 11 NO. 4-14 VIERNES 7 DE OCTUBRE, 11:30 A.M. A 1:00 P.M.

Baldomero Anaya Su testimonio de vida se centra en cómo su vocación musical le ha dado una oportunidad de reconstruir su vida como víctima del conflicto armado en Colombia. Proviene de una familia de guitarristas y compositores. Ha compuesto alrededor de 50 canciones, 12 de las cuales han sido grabadas por artistas reconocidos. Actualmente es guitarrista ganador de varios festivales. Baldomero ha ganado premios varias veces como Rey de la canción inédita y como guitarrista profesional en los diferentes festivales de la región Caribe colombiana: en el 2003 ganó el título de Rey de la canción en el municipio de Chibolo; en el 2004 obtuvo el primer puesto como guitarrista haciendo parte del trío Escala Caribe en Codazzi, Cesar; en el 2013, ganó el premio a la canción inédita en el marco de Festival Sentimiento Provinciano. Como guitarrista ha tocado en diferentes agrupaciones. Actualmente pertenece al grupo vallenato Código Diez junto con el cantante Jairo García y el acordeonero Jasir Salgado, con quienes trabaja en Chibolo, Magdalena.

Eileen Eastaugh-Mascoll Se vincula con el programa del Fondo Irene Taylor Música en las Prisiones (Music in Prisons -MIP-) a raíz de una visita de la organización a la prisión en la que estaba recluida, reanimando su amor por la música de manera inevitable. A través de este programa iniciaría una secuencia de proyectos creativos en donde se destaca el libro de canciones para niños titulado Más Allá de la Puerta Secreta. Esta publicación fue el detonante para reactivar su carrera artística como cantante habitual

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en pubs y clubes de la localidad turística de Great Yarmouth y como ganadora del concurso de talentos Anglian Idol en East Anglia. Actualmente se desempeña como miembro de Platform 7, una banda de exprisioneros que recibe el apoyo del programa Sounding Out del proyecto Música en la Prisiones, gozando de amplio reconocimiento y aceptación en el circuito musical de Londres y compartiendo escenario con figuras como Mark Knopfler de la banda de rock Dire Straits y con Police Dog Hogan, una banda musical ecléctica compuesta por siete músicos que fusionan country, pop, folk y bluegrass urbano en estilo de rock. Eileen Eastaugh-Mascoll tiene una trayectoria artística diversa enriquecida por numerosas experiencias. Entre ellas ha logrado participar en numerosos conciertos de caridad, concursos artísticos en Jamaica, Estados Unidos e Inglaterra, que la han llevado a compartir el escenario con algunos de los nombres más relevantes en el ámbito musical internacional como Harry Belafonte, Salt’n Pepa y Al Green antes de ir a prisión.

Melody Alondra Jerez Carrasco Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), Chile Nace en Curanilahue (Chile) el 19 de marzo de 1986. Inicia sus estudios de violín a los 9 años en la Orquesta Juvenil de Curanilahue, donde se desempeña como concertina y solista. Realizó sus primeras incursiones como monitora de violín en la Orquesta Infantil de Contulmo (1999 y 2000) y la Orquesta Semillero de Curanilahue (2000 al 2002). Sus estudios superiores los realizó en la Universidad de Talca graduándose con Distinción Máxima en la carrera de Licenciatura en Música con mención en violín, dirección orquestal y pedagogía en música (20042009). Comenzó su carrera profesional en la ciudad de Chonchi (2009) como profesora de violín y viola y Directora de la Orquesta Filarmónica de esta ciudad, logrando posicionarla como una de las más destacadas de la región, por lo cual es seleccionada por la productora Fábula para contar su historia en un cortometraje dirigido por Marialy Rivas, titulado Melody. Paralelamente, imparte clases de violín en el conservatorio de la Universidad (2004-2007), el Hogar de niñas San José (2006) y la Orquesta Infantil Ludovico Rutten (2007). Dentro de sus conciertos destacados está la Gala junto con la orquesta de Emsland (Alemania) en Curanilahue (1999) y su gira por ciudades de Alemania y España (2000). En 2015 fue galardonada por la Fundación de Orquestas por su aporte al programa de Orquestas Juveniles en su 14° Aniversario.

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Georgina Germania Yolanda Ávila Naranjo Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), Chile HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=1CRHRPN3ZAA

Su testimonio de vida se centra en cómo su vocación musical y la experiencia de vinculación con su maestra Melody Alondra le han permitido desarrollarse plenamente a su corta edad. Nació en Chonchi el 25 de septiembre de 2001. El año 2010 inicia sus clases de viola con la profesora Melody Jerez en la Orquesta Filarmónica de Chonchi.Por motivos laborales su familia emigra a la ciudad de Mejillones (2011), al norte del país, pero a los pocos meses regresa a Chonchi bajo la tutela de sus profesores Cristian Pereira y Melody Jerez. Fue seleccionada para integrar la Orquesta de Cámara Municipal de Chonchi (2012) y becada por la Fundación de Orquestas Juveniles Infantiles de Chile (2013- 2014) para participar de la Master Class con el maestro Joaquín Riquelme, violista de la Orquesta Filarmónica de Berlín (2014). El documental Melody relata parte la vida de su maestra y su especial consagración para tocar viola. Desde 2015 integra el Grupo de Cámara Chonchi, agrupación integrada por los profesores y alumnos más destacados de la Orquesta, y es promovida como jefa de fila de las violas en las tres agrupaciones en las que participa.

Jeyffer Rentería Lozano, "Don Popo" Don Popo es un líder nato y formado, con pensamiento estratégico y habilidades gerenciales, de una profunda inteligencia emocional, comunicación asertiva y proactiva. Tiene 18 años de experiencia en la gestión de recursos, el relacionamiento público y privado nacional e internacional, la alta dirección de proyectos sociales, de industrias culturales y de emprendimiento, cumpliendo metas bajo presión, con calidad, eficiencia y eficacia, cuidando su recurso humano. Con 26 años de carrera artística y 8 CDs producidos, es uno de los líderes fundadores del movimiento Hip Hop en Colombia. Es Director de la Fundación Familia Ayara; representante y productor ejecutivo de 150 agrupaciones artísticas; consultor con un MBA en creación y detección de empresas; y formador en derechos humanos, posconflicto y paz.

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Oscar Zuluaga, San José del Guaviare Nacido en Anserma, Caldas, el 9 de octubre de 1969. Inició sus estudios musicales en la banda de su pueblo a la edad de 12 años y se vinculó desde muy joven a varias orquestas y agrupaciones musicales. En 1993 se radicó en el municipio de Miraflores, en el Departamento del Guaviare, región azotada por la violencia, donde creó la banda de músicos. A causa del conflicto armado tuvo que salir desplazado hacia Villavicencio, donde asumió como director de la banda departamental de músicos de San José del Guaviare en 1996. En 2010 fue nombrado Secretario de Cultura y Turismo del Departamento del Guaviare y en 2012, Secretario de Educación Departamental. Creador de un gran compendio de obras para banda y un destacado gestor de la música en los confines de la geografía colombiana.

Dinko Matute Dinko Matute es un líder social, creador de Rancho Aparte, fundación que ofrece alternativas de vinculación con la música tradicional del Chocó colombiano a jóvenes que conforman y han conformado pandillas violentas. Con su agrupación musical, integrada por diez músicos chocoanos, Matute le canta al desplazamiento forzado y a la deforestación de la selva, entre otras preocupaciones sociales que comprometen su lírica política. Al mismo tiempo, está a cargo de la cultura festiva de su región con los ritmos revulú, bunde, chirimía y contradanza, que se bailan durante 20 días de rumba en las fiestas de San Pacho en Quibdó. Con su grupo Rancho Aparte fue invitado al Womex - World Music Expo en Budapest, con los instrumentos típicos de la chirimía tradicional: el bombardino, el clarinete y el redoblante. En este panel nos presentará su historia de vida.

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Moderador: Juan Luis Mejía, Rector de la Universidad EAFIT, Medellín, Colombia. Abogado de la Pontificia Universidad Bolivariana de Medellín, con estudios de Administración de Proyectos Culturales en Brasil. Ha estado ligado a la educación y la cultura, habiendo sido Director de la Biblioteca Pública Piloto de Medellín, director de la Biblioteca Nacional de Colombia, director de la Cámara Colombiana del Libro, director de Colcultura, Secretario de Educación de Medellín, Ministro de Cultura y Cónsul de Colombia en España. Pertenece a las juntas directivas de la Fundación Universia, EPS Sura, Consejo Directivo de Proantioquia, Fundación Mi Sangre, Medellín Cultural-Teatro Metropolitano, Casa Museo Pedro Nel Gómez, Inexmoda e Interactuar. También es integrante del comité cultural de Suramericana.

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Mesas técnicas

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l Seminario Internacional Música y Transformación Social se ha propuesto como uno de sus objetivos prioritarios alimentar la discusión sobre el papel de las artes -en particular, el papel de la música- en la construcción de paz por el valor que tiene intercambiar experiencias metodológicas replicables entre países donde -en años recientes- experimentaron conflictos armados, confrontaciones bélicas y actos de terrorismo que atentan contra el derecho internacional humanitario. Países que han recurrido a las prácticas artísticas para alcanzar transformaciones significativas en sus habitantes. Esta es la razón por la cual también se llevarán a cabo tres mesas técnicas con agentes especializados en política pública de cultura y profesionales del campo artístico y cultural para que construyan propuestas de cara a los nuevos desafíos que enfrenta el país y nos permita recoger aspectos fundamentales de las mejores prácticas. Así, las mesas técnicas de trabajo están orientadas a la construcción de paz y las transformaciones sociales desde diversas prácticas musicales, así como a la educación musical en su más amplia dimensión. Tanto la mesa Líderes como la mesa de aportes desde las artes para la construcción de paz propenderán por generar documentos que la Fundación Nacional Batuta distribuirá entre las entidades públicas y privadas que puedan estar interesadas en los resultados obtenidos; la Fundación también hará un seguimiento -con el apoyo del Ministerio de Cultura, la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá y el Instituto Distrital de las Artes- sobre los acuerdos alcanzados.

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Mesa Líderes CLAUSTRO DE SAN AGUSTÍN CARRERA 8 NO. 7-21 4, 5 Y 6 DE OCTUBRE , 2:30 A 6:00 P.M.

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on el apoyo de la Agencia Presidencial para la Cooperación Internacional y metodologías de trabajo del Programa de Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD) enfocadas a la determinación de factores de éxito de proyectos sociales, se realizará esta mesa en la que trabajarán los directivos de las experiencias participantes en el Seminario, bajo dos propósitos esenciales: 1. Identificar los aspectos de éxito de la experiencias convocadas para generar un intercambio genuino y productivo de conocimiento entre ellas. 2. Orientar acuerdos estratégicos de colaboración entre las experiencias participantes que animen la proposición de nuevos proyectos. PARTICIPANTES DE LA MESA:

• Claudia Toni. Asesora Cultural de la Universidad de Sao Pablo, Brasil • Sylvia Ospina, Directora de Artes, British Council • Janeth Reyes, Componente de Gestión, Plan Nacional “Música para la convivencia”, Área de Música, Ministerio de Cultura • Jorge Franco, Componente de Investigación, Plan Nacional “Música para la convivencia”, Área de Música, Ministerio de Cultura • María Claudia Ferrer, Directora de Arte, Cultura y Patrimonio, SCRD • Matt Peacock, Streetwise Opera • Diego Escobar, ECOS de México • Rodrigo Rubilar, FOJI • Paulo Zuben, Guri Santa Marcelina • Beatriz Barros, Escuela de Música Desepaz • Lennar Acosta, El Sistema, Venezuela • María Claudia Parias, Fundación Nacional Batuta • Sandra Meluk, Orquesta Filarmónica de Bogotá • Sara Lee, Music in Prisons • Rosemary Nalden, Buskaid • Laura Hassler, Musicians without Borders • Fabiano Kueva, Oído Salvaje • Carien Meijer, Drake Music • Francisco Silva, Desde fuera del centro • Favio Chavez, Orquesta de Cateura • Lloyd Coleman, Paraorchestra

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Coordinador: Alfons Martinell/Apoyo: PNUD-APC Fue Director General de Relaciones Culturales y Científicas de la Agencia Española de Cooperación Internacional, Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España (2004 - 2008). Presidente de la Fundación INTERARTS, Observatorio Políticas Culturales Urbanas y Regionales de Barcelona, institución dedicada a la investigación y orientación sobre políticas culturales territoriales y el fomento a la cooperación cultural internacional (1995 – 2004). Experto en el campo de la formación de gestores culturales, cooperación cultural y desarrollo, políticas culturales territoriales y cultura y educación. Ex vicerrector de Formación Continuada de la Universidad de Girona y Director General de la Fundación Privada UdG: Innovación y Formación (1999 – 2002). Profesor Titular de la Universidad de Girona (1992 – 2014). Actualmente es Profesor Emérito. Director Académico de los Campus Euroamericanos de Cooperación Cultural realizados en Barcelona (2000), Cartagena de Indias–Colombia (2002), Sevilla (2003) y Buenos Aires (2009) organizados conjuntamente por la Organización de Estados Iberoamericanos y la Fundación INTERARTS. Director de los seminarios de Formación de formadores en gestión cultural organizados por la Red Iberformat, Organización de Estados Iberoamericanos, Unesco, CONACULTA (México), Ministerio de Cultura de Chile, entre otros. Autor de libros, artículos y trabajos en el campo de gestión cultural, políticas culturales, cultura y desarrollo, cooperación cultural internacional, la educación en el tiempo libre, gestión municipal y la educación social.

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Mesa Aportes de las artes para la construcción de paz AUDITORIO HUITACA, ALCALDÍA MAYOR DE BOGOTÁ D.C. CARRERA 8 NO. 10-65 4, 5 Y 6 DE OCTUBRE, 2:30 A 6:00 P.M.

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ste panel busca generar una discusión propositiva sobre la construcción de paz y las transformaciones sociales desde las prácticas musicales. En la mesa participarán las experiencias que guardan una mayor relación con las situaciones de posconflicto o de extrema vulnerabilidad, así como participarán los representantes de las Ciudades Creativas de la Música: Salvador de Bahía (Brasil); Kingston (Jamaica); Medellín y Bogotá D.C., (Colombia) lo que permitirá crear un escenario de comunicación entre las ciudades de la Red nombrada por la Unesco para promover el intercambio de modelos, experiencias y conocimientos con los demás participantes del Seminario. PARTICIPANTES DE LA MESA:

• David Codling, Director Regional de Artes, British Council • Craig Robertson. Experto en Música y Construcción de Paz. University of Leeds Inglaterra • Carmen Pardo. Experta e Música e Historia. Universidad de Girona España • Cathy Graham.Directora de Música. British Council Inglaterra • Claudia Mejía, Componente de Formación, Plan Nacional “Música para la convivencia”, Área de Música, Ministerio de Cultura • Juan Ángel, Director del Instituto Distrital de la Artes, IDARTES • Iván Benavides, Coordinador Bogotá Ciudad Creativa de la Música, SCRD • Diana Castro, Asesora IDARTES • María Orlanda Aristizabal, Asesora del Ministerio de Cultura para “Música para la reconciliación”, Fundación Nacional Batuta/Ministerio de Cultura • Alejandra Quintana, “Mujeres, conflicto armado y resistencias desde la música en Bogotá” • Phloeun Prim, Director Camboyan Living Arts • Odile Katese, Odile Gakire Katese. Directora Woman Cultural Centre (WCC) • Darren Ferguson, Director “Beyond Skin”, Irlanda del Norte • Alfonso Cárdenas, Director Escuela de Música Lucho Bermúdez, Carmen de Bolívar • Paola Navia, Red de Cantadoras del Pacífico Sur • Henry Arteaga, Crew Peligrosos, Medellín

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• Lina Botero, Coordinadora Medellín, Ciudad Creativa de la Música • Dominic Cobran, Kingston, Ciudad Creativa de la Música • Soraya Pessino, Salvador de Bahía, Ciudad Creativa de la Música

Coordinador: Alberto Abello Vives Economista de la Universidad Externado de Colombia y Magister en Estudios del Caribe por la Universidad Nacional de Colombia. Ocupó la Decanatura de la Facultad de Ciencias Económicas y Administrativas de la Universidad Tecnológica de Bolívar (Cartagena de Indias, Colombia), dirigió la Maestría en Desarrollo y Cultura (UTB), el Nodo Coordinador Cartagena de Indias de la Red de Desarrollo y Cultura con sede en la misma universidad y es Codirector del Laboratorio Iberoamericano de Investigación e Innovación en Desarrollo y Cultura (L+iD). Entre 1998 y 2004 se desempeñó como director del Observatorio del Caribe Colombiano, donde dirigió la revista Aguaita. En su quehacer investigativo se ha especializado en estudios sobre el Caribe desde un enfoque interdisciplinar (economía, cultura y sociedad). Ha sido consultor del Banco Mundial y del Programa de Naciones Unidas para el Desarrollo, y ha prestado asesorías al Departamento Nacional de Planeación de Colombia.

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Mesa Música y educación FONDO DE CULTURA ECONÓMICA, AUDITORIO ROGELIO SALMONA CALLE 11 NO. 5-60 4,5 Y 6 DE OCTUBRE, 2:30 A 6:00 P.M.

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a Dirección Académica de la Fundación Nacional Batuta, en colaboración con el Departamento de Música de la Pontificia Universidad Javeriana, desarrolla esta mesa de trabajo para alentar una reflexión en torno a diversas prácticas de formación musical. En ella participarán el Ministerio de Cultura, el Ministerio de Educación y la Secretaría de Educación de Bogotá, junto con líderes de proyectos educativos en el campo de la música. Con una mirada integral de los ámbitos académicos, de formación tradicional y educación no formal, los miembros de la mesa son convocados a desarrollar un trabajo colaborativo y sistemático que -a través de la metodología de marco lógico- permita establecer una definición amplia sobre la educación musical y sus posibilidades transformadoras a la luz de futuros trabajos articulados en red con los participantes. PARTICIPANTES DE LA MESA:

• Keith Swanwick, Profesor Emérito, Universidad de Londres • Alejandro Mantilla, Coordinador del Área de Música, Ministerio de Cultura • Federico Demmer Colmenares, Director del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional • Carmen Barbosa, Directora de la Maestría de Musicoterapia de la Universidad Nacional de Colombia • Omar Beltrán, Director Departamento de Música, Universidad Pedagógica Nacional de Colombia • Iván Darío Gómez, Subsecretario de Calidad y Pertinencia, Secretaría Distrital de Educación • Leonardo Garzón, Coordinador General, Programa Clan, IDARTES • Ligia Asprilla, Investigadora, Universidad Distrital Francisco José de Caldas • Leonidas Valencia, Director Licenciatura Música y Danza, Universidad Tecnológica del Chocó • Ahmad Sarmast, Director Instituto Nacional de Música de Afganistán • Mariano Vales, Director del Programa de Música en la Organización de Estados Americanos, OEA.

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Coordinadores: Catherine Surace, Directora Académica, Fundación Nacional Batuta (ver página 20).

Andrés Samper Profesor del Departamento de Música en la Pontificia Universidad Javeriana (PUJ) y Presidente del capítulo colombiano del Foro Latinoamericano de Educación Musical (FLADEM). Entre 1997 y 2001 forma parte de la Orquesta de Guitarras de Montreal y del dúo de guitarras Hora Zero. Ha realizado presentaciones como solista en varias salas de Colombia y Norte América. En 2009 publica un disco compacto con piezas para guitarra de compositores colombianos. Es especialista en Gerencia y Gestión Cultural de la Universidad del Rosario y Magister en Educación de la Pontificia Universidad Javeriana. Es profesor de planta de la PUJ donde ha formado parte de las cátedras de guitarra, apreciación de la música y educación musical. Hace parte del grupo de investigación en educación artística de la Facultad de Artes. Entre 2006 y 2009 coordina el Programa Infantil y Juvenil de Artes de la Universidad Javeriana; entre 2010 y 2013 dirige el Departamento de Música de esta institución. Ha presentado conferencias sobre apreciación de la música y educación musical en varias instituciones culturales y educativas de América Latina, y ha participado como jurado en varios concursos musicales promovidos por gobernaciones departamentales y por el Ministerio de Cultura a nivel nacional. Desde 2004 dirige el programa de radio “Una guitarra, mil mundos” transmitido por la Emisora Javeriana. Es doctorando en Educación Musical en el Instituto de Educación de la Universidad de Londres, bajo la tutoría de la profesora Lucy Green. Sus intereses investigativos se centran en la didáctica instrumental, el aprendizaje informal de la música, las músicas tradicionales y la evaluación en educación musical.

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Taller Liderazgo en las artes TALLERISTA: KATHERINE ZESERSON

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n Colombia el sector cultural ha ido creciendo como una alternativa de desarrollo sostenible y en respuesta a las necesidades crecientes de participación y exploración de un sector con un potencial enorme como agente de desarrollo y oportunidades. En esa línea se necesita desarrollar el liderazgo de personas con habilidades que descubran nuevos caminos, proyecten innovación y capitalicen las situaciones de cambio. Este taller está dirigido a estudiantes, académicos, artistas, gestores, entre otros, para potenciar las habilidades necesarias que permitan diseñar proyectos sostenibles y promuevan el diálogo entre segmentos productivos que encuentren en las artes en general un aliado estratégico para la consecución de metas.

Katherine Zeserson, asesora cultural independiente en el área de música Katherine Zeserson está comprometida con el logro del empoderamiento humano a través de la práctica de la música. Como Directora del área de aprendizaje y participación en Sage Gateshead, fue responsable del diseño estratégico, dirección e implementación de este programa desde 2002 hasta 2014. Internacionalmente es conocida como entrenadora, educadora musical y asesora. Ha dirigido programas y proyectos para comunidades de diversos contextos educativos y sociales con distintos grupos etarios desde preescolar hasta posgrado. Desde 2009 ha desarrollado proyectos de entrenamiento con el British Council en San Pablo, Brasil, para Guri Santa Marcelina. Sus publicaciones incluyen Inspiring Music for All, una revisión de la educación musical básica en Inglaterra comisionada por la Fundación Paul Hamlyn Foundation (2014), y capítulos en Debates in Music Education (2012), Making Music in the Primary School (2011) y A Practical Guide to Teaching Music in the Secondary School (2009).

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TALLERES

Taller Emprendimiento e innovación en la música TALLERISTA: JOHANNA PINZÓN

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n la actualidad, el concepto de industrias culturales y creativas se ha instalado en Colombia y toma como insumo principal los activos culturales locales y el patrimonio intangible. Las industrias culturales se están integrando al sector productivo, convirtiéndose en una oportunidad de desarrollo sostenible y en una opción innovadora y enriquecedora para los artistas. Éstos necesitan herramientas para poder identificar las oportunidades a su alrededor asi como comprender el acceso a ellas de una manera novedosa, lo cual representa un desafío para los nuevos emprendedores. Mediante un taller participativo, dirigido a músicos y al público en general, se compartirá la experiencia de la joven emprendedora colombiana Johanna Pinzón, creadora de Poliedro, industria creativa que ha explorado en el manejo de la tecnología y su aplicación para proyectos musicales que se orientan a un abanico de artistas amateurs y músicos profesionales.

Johanna Pinzón Psicóloga con énfasis en psicoanálisis. Fue coordinadora de Rock al Parque, Jazz al Parque, Hip-Hop al Parque, Salsa al Parque y Colombia al Parque entre 2010 y 2012. Fue asistente de la Dirección de Artes y Coordinadora de circulación, estímulos y cooperación internacional del área de música del Ministerio de Cultura entre 2006 y 2009. Es pianista de jazz y sonidos electrónicos. Considerada una de las más destacadas emprendedoras en el campo de la música y las artes, es creadora y directora de la firma Poliedro, una empresa de innovación en contenidos creativos.

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Taller de práctica vocal: World Voice TALLERISTA: JANE WHEELER

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strategia para que el canto coral sea una herramienta útil de aprendizaje en la escuela, para el despertar cultural y para el desarrollo de la musicalidad de niños en edad escolar. A través de un taller práctico, los asistentes aprenderán estrategias y herramientas pedagógicas que hacen del canto un aliado permanente para el aprendizaje. Está dirigido a maestros de primaria o secundaria sin conocimientos musicales previos que estén abiertos a incluir herramientas novedosas y complementarias en su labor docente, para apoyar la enseñanza en general.

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Jane Wheeler Es directora de Living Song (www.livingsong.co.uk). Es una apasionada del canto como fundamento de la educación musical y como una experiencia compartida para construir armonía en entornos individuales y comunitarios. Dirige varios coros y proyectos musicales en Londres y sus alrededores trabajando de forma independiente. Entre el 2004 y 2008 fue asesora musical para el Distrito Londinense de Newham organizando proyectos de música creativa luego de trabajar durante diez años como Directora Musical para una escuela del centro de la ciudad de Londres, enseñando música en el Sixth Form College y en la Universidad de East London. De 2008 a 2011 creó el programa de música para las escuelas ARK, incluyendo su programa de canto a nivel múltiple y el coro avanzado SPARK, formando profesores y artistas vocales y dirigiendo la Alianza Coral de Londres entre el 2010 y 2012. Como parte de sus actividades, Jane dirige el Coro Juvenil Comunitario New YVC en Stratford Circus y cada año dirige también el curso de Enseñanza y Dirección Coral CME con sede en la ciudad de Londres. El año pasado fue Fellow del programa Teach Through Music (Enseñar a Través de la Música), dirigido por el Conservatorio Trinity Laban y Sound Connections. Actualmente se desempeña como Líder Vocal para el programa World Voice, dirigido por el British Council, con los maestros y los niños en el Reino Unido y en todo el mundo para crear conciencia acerca de la diversidad cultural a través del canto, involucrando a los maestros en la práctica reflexiva en su pedagogía y facilitando el desarrollo de alianzas locales en curso y la participación del programa World Voice más allá de los confines de sus visitas.

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Taller de percusión corporal TALLERISTA: TÚPAC MANTILLA

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a percusión corporal se ha convertido en los últimos años en una de las actividades rítmicas mas utilizadas a nivel mundial debido a su amplia versatilidad de aplicación en contextos que van desde lo artístico y educativo hasta lo terapéutico. Esto ha facilitando espacios inclusivos de interacción por medio de una práctica que mantiene una estrecha relación entre el movimiento, la exploración y la creatividad corporal sonora. Este lenguaje universal que facilitó la evolución del ser humano, recobra protagonismo, constituye el punto de partida de todos los contenidos de la red global de percusión PERCUACTION, la cual ha desarrollado uno de los métodos rítmicos de percusión corporal mas completos e integrales de la actualidad. El taller dictado por el percusionista colombiano Túpac Mantilla, director artístico de PERCUACTION para el Seminario Internacional de Música y Transformación Social, esta basado en los contenidos del método de percusión corporal esta organización y de su primer libro: Percbody. Este taller se enfocará en el trabajo y desarrollo de herramientas artísticas y pedagógicas a partir del lenguaje corporal sonoro y verbal y desde su aplicación directa en entornos sociales y comunitario. El elemento de interacción mediante el trabajo colectivo que promueve el taller al servicio de una meta común convierte este tipo de proyectos en un laboratorio social en donde la concertación, la tolerancia, el respeto, la diversidad y la resolución pacífica de conflictos juegan un papel fundamental, desarrollando estructuras de comportamiento que se van cimentando en el individuo, permitiendo hacer su transferencia a situaciones cotidianas presentes y futuras.

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Túpac Mantilla El percusionista colombiano Túpac Mantilla es reconocido hoy en día por la crítica internacional como uno de los artistas más versátiles y creativos de su generación, elogio que respalda con una prolífica y activa carrera musical que en los últimos años, además de acreditarle una nominación al Grammy americano, incluye colaboraciones con artistas de la talla de Bobby McFerrin, Bill Cosby, Savion Glover, Zakir Hussain, Reinhard Flatischler, Lisa Fischer, entre muchos otros, al igual que importantes apariciones en festivales, instituciones y teatros tales como Carnegie Hall, el Montreux Jazz Festival y las universidades de Harvard y de Stanford en Estados Unidos. Además de una activa carrera como intérprete, pedagogo y tallerista de la escena internacional, Mantilla dedica gran parte de su tiempo a proyectos sociales, culturales y educativos por medio de su organización PERCUACTION (Global Percussion Network), haciendo uso de diversas actividades relacionadas con prácticas rítmicas y de percusión en todo el mundo. Su experiencia como docente universitario incluye las universidades de Harvard, Stanford, New England Conservatory, Berklee College Of Music, New York University (NYU), y las universidades colombianas Pontificia Universidad Javeriana, Universidad Nacional y Juan N. Corpas y en esta ocasión, es invitado especial para este evento de escala nacional.

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Taller Déjate tocar por la música TALLERISTA: MARÍA CRISTINA RIVERA

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on una metodología lúdica, activa, participativa e incluyente en el aspecto musical, el taller “Déjate tocar por la música” se dirige a ejecutivos de distintas disciplinas, personas que lideran organizaciones y al público general. Este taller cuenta con más de 15 años de experiencia en su desarrollo e implementación en conjunto con la Universidad de los Andes. Con el acompañamiento experto de la tutora María Cristina Rivera se ofrece una experiencia única dictada por niños para la conformación de un ensamble de iniciación musical con el cuál es posible interiorizar y aprender sobre las dimensiones de uno mismo (self ), la construcción de relaciones afectivas, la generación de entornos organizacionales saludables y el desarrollo de capacidades de gestión estratégica.

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María Cristina Rivera Licenciada en Música de la Universidad Pedagógica Nacional. Integrante de grupos de música andina colombiana como intérprete del tiple, dentro de las que se encuentra la Orquesta Colombiana, Ruth Marulanda Trío, Nogal Orquesta de Cuerdas Colombianas y Cuarteto Cuatro Palos, entre otros. Desde 1991 ha estado vinculada a la Fundación Nacional Batuta de manera activa en la estructuración del modelo pedagógico, en el diseño y ejecución de talleres para la formación continuada de docentes de ensambles de iniciación, y en el diseño y elaboración de materiales pedagógicos requeridos para el desarrollo de programas. Ha participado en las publicaciones Matrimonio de gatos, Batuta en Navidad, El abrazo y 24 arreglos para ensamble (volúmenes 1, 2 y 3), las cuales constan de CD interactivo y libro de partituras. Su contenido nutre los repertorios de los centros musicales de la Fundación. María Cristina ha participado desde 2010 en proyectos desarrollados por el área de música del Ministerio de Cultura tales como Cuerpo Sonoro, SSonidos Escolares (programa de profesionalización para músicos y docentes) y Colombia Creativa, conjuntamente con la Universidad Pedagógica Nacional. Entre 2015 y 2016, ayudó con la elaboración de los Lineamientos de iniciación musical y los Lineamientos de formación básica, dirigidos a los docentes de las escuelas municipales de música. Asimismo, participa como coinvestigadora en el proyecto Alondras y ruiseñores desarrollado por la Universidad Distrital, la Fundación Éxito y la Fundación Nacional Batuta, con el apoyo de Colciencias.

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Taller de pedagogía orquestal TALLERISTA: JUAN FELIPE MOLANO

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n la actualidad, los proyectos de orquestas infantiles y juveniles han multiplicado su presencia en Colombia. Son procesos que complementan y enriquecen la formación integral de niños y jóvenes lo cual ha hecho que proyectos tanto públicos como privados incluyan dentro de sus procesos de formación la conformación de prácticas musicales colectivas como la orquesta de cuerdas y la orquesta sinfónica. Esta actividad ofrece retos a los formadores especializados respecto a las necesidades de contar con herramientas pedagógicas y metodológicas adecuadas para la asignación de repertorio así como la consecución de recursos efectivos que permitan el liderazgo de un grupo instrumental-orquestal y la formación en técnica instrumental, lenguaje orquestal y el montaje de obras e interpretación musical. El taller está dirigido a músicos profesionales o estudiantes que se preparan para su desempeño profesional. Mediante un taller práctico coordinado por el maestro Juan Felipe Molano de la Orquesta Metropolitana Batuta Bogotá, los participante se verán enfrentados a los desafíos de la dirección integral de una agrupación durante el Seminario Internacional de Música y Transformación Social.

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Juan Felipe Molano Graduado con honores del Conservatorio de Viena. Fue nombrado por concurso internacional por la Filarmónica de Los Ángeles como Director de las Orquestas Juveniles de Los Ángeles desde 2014. Durante el 2016 ha sido Director de la Orquesta Jóvenes Músicos de Claremont, Director de las orquestas del Festival Take a Stand y Director Residente de la Orquesta Juvenil Americana. Durante 6 años fue el Director Nacional de Orquestas de la Fundación Nacional Batuta y fue director de la Filarmónica Joven de Colombia y de la Orquesta de Cámara de Caldas. Como Director de la Orquesta Sinfónica de Yucatán (México) entre 2003 y 2008, llevó esta institución a convertirse en una de las orquestas más destacadas de ese país con un ecléctico repertorio sinfónico y de ópera. Ha trabajado entre otros con artistas como Plácido Domingo, Eric Aubier, De Pasquale, Ryu Goto o el Cuarteto Latinoamericano. Ha dirigido en diferentes países de Europa, Asia y América en orquestas como: Filarmónica de Los Ángeles, Sinfónica de Monterrey, Sinfónica de la Radio Eslovaca, Sinfónica del Conservatorio de Viena, Sinfónica El Sistema Japón, Sinfónica Via dei Concerti, Sinfónica Nacional de Colombia, Filarmónica de Medellín, Filarmónica de Bogotá, Filarmónica de Cali, Sinfónica de la Universidad de Nuevo León, Sinfónica de Morelia, Orquesta de la Universidad Michoacana, Sinfónica del Politécnico Nacional, YOA Orquesta de las Américas, Joven Orquesta de la Comunidad Valenciana, entre muchas otras. Además de su actividad como director, Molano tiene una gran pasión por la educación. Actualmente es profesor de la maestría en educación de la Longy School of Music of Bard College y ha sido profesor de dirección orquestal en varias Universidades de Colombia, Estados Unidos y México, así como frecuente conferencista y asesor en eventos relacionados con los sistemas de orquestas juveniles en Estados Unidos, Corea, Argentina, Colombia y Noruega. Juan Felipe reside en Los Ángeles con su esposa y dos hijas.

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Taller de composición musical contemporánea TALLERISTA: FRANCISCO SILVA

“Desde Fuera del Centro” es un proyecto artístico, pedagógico y social realizado para el entorno rural con el fin de descentralizar el acceso a la música y la experimentación contemporánea tanto en niños como adultos. Los Talleres serán dictados por el compositor y profesor chileno Francisco Silva Cárdenas, quien es Director General del proyecto. Los asistentes a los Talleres tendrán la posibilidad de conocer en profundidad la iniciativa para reflexionar acerca del rol del juego en la enseñanza y en la composición. Por otro lado, discutir acerca de la habilidad de la escucha y de lo que ésta significa tanto para la Música como para la Pedagogía. Por medio de esta experiencia centrada en la Música Contemporánea, “Desde fuera del centro” ofrece nuevas maneras de comprender el acto de “improvisar” y “experimentar” a través de la composición de obras para instrumentos de juguete entre otras propuestas pedagógicas innovadoras de los jóvenes creadores Andrés Núñez, Juan Pablo Orrego y Francisco Silva. La metodología de los talleres será una combinación de clases expositivas, talleres experimentales y rondas de discusión dirigida a músicos intérpretes, compositores, profesores de música de educación básica.

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Francisco Silva Estudió Composición en la Universidad de Chile y en la Pontificia Universidad Católica (1997-2002). En el año 2008, participa de una gira por Alemania junto al Ensamble Taller de Música Contemporánea UC, cuando presenta obras de compositores chilenos en las ciudades de Múnich, Oldenburgo y Colonia. Durante el 2009, junto a los compositores Juan Pablo Orrego y Andrés Núñez, funda la editorial de partituras Figura Ediciones Musicales, en donde se desempeña como miembro del comité editorial a la fecha ha publicado 22 obras de compositores chilenos. Sus proyectos de creación y difusión de música contemporánea han sido seleccionados en diversas oportunidades por el Fondo para el Fomento de la Música Nacional y sus obras fueron premiadas en el Concurso de Composición Luis Advis, el Concurso Latinoamericano de Composición del Goethe Institut y la convocatoria de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción. En 2013 es elegido Ciudadano Destacado por la Ilustre Municipalidad de Los Andes, Chile, y en 2015 es invitado al Festival Nuevas Música por la Memoria en Buenos Aires, Argentina, a exponer y exhibir el documental sobre el proyecto Desde Fuera del Centro de su creación.

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Conciertos

Jueves 6 de octubre

Martes 4 de octubre

TEATRO MÉXICO, UNIVERSIDAD CENTRAL 7:00 P.M.

ORQUESTA METROPOLITANA BATUTA BOGOTÁ (OMBB)

ENSAMBLE DE CUERDAS PULSADAS CLAN AUDITORIO MARIO LASERNA UNIVERSIDAD DE LOS ANDES 7:00 P.M.

Grupo que surge como parte de los procesos de formación musical implementados en 2015 desde le Idartes bajo la dirección del Maestro Carlos Augusto Guzmán, en los Centros Locales de Artes para la Niñez y la Juventud (CLAN) del barrio El Polo y las Ferias de Bogotá. El Ensamble de cuerdas pulsadas está integrado por bandolas tanto andinas como llaneras, tiples, cuatros, guitarras y bajos, respondiendo a una conformación instrumental conocida como estudiantina. De manera particular, con instrumentos de las zonas andina y llanera conviven otros de la familia de los vientos, como es el caso de clarinetes. El repertorio escogido para este concierto representa las dos regiones colombianas: • Guacharaca, golpe tradicional llanero. • El colombiano, pasillo de Antonio Silva Gómez. • Bochica, bambuco de Francisco Cristancho Camargo. • Otro buchipluma, pasillo/ Joropo de Anselmo Alvarado. • Noches del Tolima, bunde de José María Tena. • Satanás, pasillo de Juan Abarca. • Puerto Careño, golpe tradicional llanero.

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La Orquesta Sinfónica Metropolitana Batuta (OMBB) presentará un repertorio que incluye obras de Shostakovich, Rimsky-Korsakov y obras musicales de Colombia en formato sinfónico bajo la dirección de los maestros Juan Pablo Valencia y Juan Felipe Molano. La OMBB nació en 2002 con el propósito de generar un espacio académico de desarrollo musical sinfónico avanzado para los estudiantes más destacados de los Centros Musicales de la Fundación Batuta del Distrito Capital. La Orquesta está Integrada por jóvenes entre 13 y 22 años de edad provenientes de los Centros de Fontibón, Puente Aranda, Kennedy, Ciudad Bolívar, Gaitana, Teusaquillo, San Rafael y Santa Bibiana, así como jóvenes vinculados a otros procesos de formación musical de otras instituciones y universidades de la capital. En 2011 la OMBB participó en el Festival Young Euro Classic de Berlín y en el Festival Italiano Itinerante La Via dei Concerti. Ha hecho parte de proyectos con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Orquesta Filarmónica de Bogotá e interactuado, entre 2013 y 2015, junto a reconocidos solistas como el pianista ruso Alexander Moutouskine, el violinista japonés Ryu Goto, la pianista China Zhang Zuo, la flautista colombiana Laura del Sol Jiménez y la maestra Totó la Momposina, entre otros. En 2014 se

unió a la D.C. Youth Orchestra de Washington en una gira de conciertos por Colombia. En 2015, veinte de sus integrantes participaron en un concierto en Nueva York organizado por la ONU que contó con Lang Lang como solista así como con el maestro venezolano Manuel López-Gómez como director.

Viernes 7 de octubre CHIRIMÍA RANCHO APARTE PUNTO DE ENCUENTRO. BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO PUERTA CALLE 11 CARRERA 5 ESQUINA 4:30 PM - 5:30 P.M.

La agrupación Chocoana pertenece a la Fundación Rancho Aparte, una organización sin ánimo de lucro dedicada a la creación y gestión de proyectos sociales relacionados con la cultura musical del municipio de Quibdó (Colombia). A través de su programa "Bunde sin Barreras", la fundación propone que jóvenes pertenecientes a pandillas violentas se vinculen con la creación musical para “derribar las fronteras invisibles que se

han creado con la guerra”. El nombre “Rancho Aparte” tiene un contenido social que connota la de acción armar una iniciativa independiente o “a parte” cuando las costumbres limitan la realización y aceptación de una nueva interpretación sobre lo tradicional. Esto fue exactamente lo que ocurrió con un grupo de jóvenes músicos de la ciudad de Quibdó- Chocó que intentó interpretar la música tradicional del Pacifico norte colombiano hasta llevarla a un formato comercial. La oposición de su comunidad fue contundente dado que la credibilidad en torno a la interpretación de ritmos tradicionales solo era concedida a personas de mayor edad. Sin embargo, estos jóvenes insistieron en crear una agrupación música tradicional del Pacifico norte (Chirimía) para, a partir de allí, proyectar musicalmente su territorio. Dicen sus integrantes: “decidimos hacer un rancho aparte, crear una visión propia de nuestra música y nuestro propio sonido, respetando siempre los patrones de los maestros que nos han legado esta música tradicional ”.

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Perfiles de los panelistas

Matt Peacock

Alejandra Quintana Martínez

FUNDADOR DE STREETWISE OPERA (REINO UNIDO)

PROYECTO “POR QUÉ CANTAN LAS AVES” BECA DISTRITAL DE INVESTIGACIÓN EN MÚSICA, 2015 (BOGOTÁ-COLOMBIA).

Músico graduado en Reid School es crítico de opera y uno de los activistas londinenses más influyentes que utiliza la puesta en escena de óperas y musicales para ayudar a personas sin hogar y habitantes de calle en centros especializados alrededor de Inglaterra y Gales. Ha sido perfilado en el libro Britain´s Every Day -Héroes británicos de todos los días- por sus servicios a la música y a personas sin vivienda. Fue condecorado en 2011 con la Orden del Imperio Británico (MBE) directamente por la Reina y por la Royal Society for Public Health. Las óperas de la compañía Streetwise Opera han recibido galardones de cuatro y cinco estrellas en la prensa nacional, pues conjugan de igual modo el mérito artístico y el social. Como líder de la agrupación cultural su consigna es “enfocarse en los logros de las personas, más que en sus necesidades”.

Música con énfasis en Historia graduada de la Universidad Javeriana y concluyó sus estudios de Magister en Estudios de Género en la Universidad Nacional de Colombia. Sus áreas de trabajo, investigación y docencia se han concentrado en comunicación, educación y musicología desde la perspectiva de género, el enfoque diferencial y de derechos de las mujeres. En 2008 fue ganadora de la Beca Nacional de Investigación en Música del Ministerio de Cultura de Colombia con el proyecto “Perspectiva de género en el Plan Nacional de Música para la Convivencia” y ganadora junto con Adrián Villa Dávila de la Beca Distrital de Investigación en música 2015 con el Proyecto “¿Por qué cantan las aves?, Mujeres, conflicto armado y resistencias desde la música en Bogotá”.

Henry Arteaga

Diego Escobar

FUNDADOR Y DIRECTOR ARTÍSTICO Y VOCAL DE CREW PELIGROSOS Y “4ELEMENTOS SKUELA” (MEDELLÍN-COLOMBIA)

DIRECTOR GENERAL DE DESARROLLO SECTORIAL Y VINCULACIÓN, SECRETARÍA DE CULTURA DEL ESTADO DE JALISCO (MÉXICO)

Breakdancer y vocalista colombiano. Fundador de Crew Peligrosos (Medellín) grupo compuesto por Dani Key (teclado), Cándelo (batería), Cohete (bajo) y él como líder vocal junto con los productores RatRace y Hunter. A través de la promoción amplificada de la cultura hip-hop ha transformado la cultura del narcotráfico en Medellín como líder social y artístico de jóvenes en Colombia. Con su programa de intervención social “4ESkuela”, dedicada a cuatro expresiones artísticas del hip-hop: MCing (rap), DJing, B-Boy y Graffiti, ha contribuido a la creación de nuevas escuelas en otras ciudades de Colombia, como Cartagena, Sincelejo, Apartadó, Barranquilla, Bucaramanga, Barrancabermeja y Santa Marta. Actualmente lidera el proyecto de creación de una red juvenil que él denomina “el ejército de artistas y líderes pacíficos” por Colombia. Su producción musical y el álbum Medayork adquieren relevancia en el campo musical como “Mejor artista/ agrupación hip-hop de Colombia” en 2013. En los programas de formación que ofrece con “·4Eskuela” han pasado a la fecha más de cuatro mil jóvenes.

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PERFILES

Músico con grado en Filosofía y Ciencias Sociales. En 2010 realizó su Maestría en Filosofía y Políticas Públicas en la London School of Economics and Political Science. Ha colaborado en investigaciones y proyectos de intervención sociocultural con ONU- HÁBITAT, la Universidad de Guadalajara, el Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación (CONAPRED), Giving Evidence y el Evidence for Policy and Practice Information and Co-ordinating Centre (EPPI-Centre) en Londres. Igualmente, en el Programa de Derechos Humanos del Distrito Federal, el Programa de Educación Básica para Niñas y Niños de Familias Jornaleras Agrícolas Migrantes (PRONIM) y el Programa de Atención a la Demanda de Educación para Adultos (INEA). Actualmente es el Director del Programa ECOS que pertenece al sistema de Ensambles, Coros y Orquestas Sinfónicas comunitarias de la Secretaría de Cultura del Gobierno en cada una de las 46 colonias marginales del estado de Jalisco, en el que ofrece servicios gratuitos de formación musical a niños y jóvenes de 6 a 16 años defendiendo el principio de “orquestación de la vida”, para integrar la música a la familia, a la escuela, al servicio comunitario, y como espacio para la preservación de su identidad cultural.

PERFILES

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Paola Andrea Navia Casanova

Odile Gakire Katese

CREADORA Y GESTORA DE LA RED DE CANTADORAS DEL PACÍFICO SUR (COLOMBIA)

FUNDADORA DE INGOMA NSHYA, TAMBORES QUE CURAN (RUANDA)

Antropóloga de la Universidad del Cauca y líder dedicada al acompañamiento de procesos culturales enfocados en la Manifestación de Músicas de Marimba y Cantos Tradicionales del Pacífico Sur Colombiano como el arrullo, el alabao, el chigualo y el bambuco viejo. Actualmente es la directora la Red de Cantadoras que cuenta con 280 mujeres y hombres del Pacífico colombiano y de la Fundación Canapavi que ha logrado la configuración de 12 organizaciones comunitarias, sin ánimo de lucro, que velan por la recuperación de niños y jóvenes víctimas del conflicto armado colombiano a través de las expresiones artísticas. Por otro lado, ha realizado emprendimientos culturales de difusión del patrimonio musical y gastronómico. Con su gestión, la Red de Cantadoras acaba de lanzar la producción musical Canto Pazcífico. Voces de resistencia, trayectos de Paz, el poder sonoro y resiliente del Canto.

Paulo Zuben COMPOSITOR Y DIRECTOR PEDAGÓGICO-ARTÍSTICO DE SANTA MARCELINA CULTURA (BRASIL)

Doctor en Musicología de la Universidad de San Pablo (USP), cuenta con estudios de Composición y Administración de Empresas realizados en Harvard Business School, la Universidad de Texas y la Ross School of Business de la Universidad de Michigan. Es autor de dos libros sobre composición y análisis musical, publicados en 2004 y 2005. Estudió en el Instituto de Investigación sobre Acústica y Música de París (IRCAM, por sus siglas en francés) en 2004 y fue pasante de National Arts Strategies (NAS) en Washington D.C. a través del Chief Executive Program de 2011 a 2013. Fue premiado como Caballero de las Artes en 2013. Se desempeña como director de programa Guri Santa Marcelina una iniciativa de la Secretaría Cultura del Estado de San Pablo (Brasil) acogida por la organización social de cultura Santa Marcelina, que ampara a 13 mil niños de barrios marginales del área metropolitana (programa GURI) y una escuela preuniversitaria de música para 1.300 estudiantes (programa EMESP).

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PERFILES

Directora de teatro, dramaturga, actriz, cineasta, poeta y activista humanitaria. Está asociada al Centro Universitario de Arte y Teatro de Universidad Nacional de Ruanda. Nació en Ruanda y huyó con su familia al Congo durante el genocidio. Ella y sus hermanos fueron criados en el exilio, pero, con el tiempo, Odile usó su patrimonio para crear en Ruanda una cultura artística. Entre sus esfuerzos se destacan: la creación de la obra de teatro Des espoirs (Deseos para la esperanza), obra de danza-teatro realizada en Francia, Burundi, Kenia, Tanzania, Uganda, República Democrática del Congo y Ruanda; la fundación de Amizero Kompagie, la primera compañía profesional de danza contemporánea en Ruanda, y posteriormente la creación de Ingoma Nshya, primer grupo de mujeres tamborileras del país que contó con más de 150 mujeres que rompieron el tabú de utilizar un instrumento sagrado seleccionado para ser tocado por hombres. Otra iniciativa suya fue la creación de la fábrica de helados más representativa de Ruanda, llamada Dulces sueños: una propuesta de intervención cultural y psicosocial que concibe la percusión y la producción de helados como un camino directo a la “alegría” y un medio para “limpiar la tristeza y la depresión”, una forma de terapia colectiva para ellas y los espectadores. Dentro de sus más recientes creaciones se encuentra la obra de danza-teatro Ngwino Ubeho (Ven para estar vivo), apoyada por el Sundance Institute Theatre en Lab 2009, donde invita a un retorno a la vida a través de la reconciliación con los muertos.

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Rodrigo Rubilar Campos

Beatriz Eugenia Barros

SUBDIRECTOR DE ORQUESTAS JUVENILES E INFANTILES FOJI (CHILE)

DIRECTORA DE LA ESCUELA DE MÚSICA DESEPAZ - ASOCIACIÓN PARA LA PROMOCIÓN DE LAS ARTES, PROARTES (CALI – COLOMBIA)

Licenciado en Música con mención en Composición, graduado en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha sido vicepresidente, director y secretario ejecutivo de la Asociación de Directores de Enseñanza Musical ademus que agrupa 18 universidades chilenas, y se ha desempeñado como profesor de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación (UMCE) en la carrera de Pedagogía Musical. Rubilar comenzó su carrera como compositor musical para obras de teatro, entre otros autores, de Pedro Calderón de la Barca y Albert Camus, y ha sido asesor para la creación de siete esculturas sonoras en el Cementerio General de Chile (proyecto el Patio 29), entre otras actividades que mantiene como músico-creador. Fue antiguamente el asesor académico y musical para la creación de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile FOJI que tiene a cargo de 17 orquestas en Chile y apoya la creación y el fortalecimiento de aproximadamente 500 orquestas comunales.

María Claudia Parias

Administradora de Empresas con especialización en Tecnología Educativa de la Universidad de Nueva York. Actualmente está encargada de apoyar la administración de la Orquesta Infantil y Juvenil Desepaz del Programa Desarrollo Seguridad y Paz de la Alcaldía de Cali. Cuenta con más de 30 años de experiencia laboral en gestión de proyectos interinstitucionales, con énfasis en las áreas cultural y educativa. Mediante la coordinación de equipos interdisciplinarios, ha sido gerente del proyecto Museo de Memoria de la Región Vallecaucana, asesora en cultura ciudadana para la implementación de los lineamientos del Plan de Cultura en la Alcaldía de Santiago de Cali. Como directora de programación y producción con experiencia en la televisión regional (Telepacífico) y en la Nacional (Inravisión), ha desarrollado el documental El país de los wayuu y ha sido asesora de educación y cultura en mesas de trabajo para el Proyecto de Señal Colombia PROCEM. Se desempeña como directora de la oferta extracurricular estructurada para niñas, niños y jóvenes de escasos recursos económicos Desepaz y Directora Ejecutiva de Proartes en Cali.

PRESIDENTA EJECUTIVA, FUNDACIÓN NACIONAL BATUTA (COLOMBIA)

Laura Hassler

Ver perfil en Comité Académico.

FUNDADORA Y DIRECTORA, MÚSICOS SIN FRONTERAS (HOLANDA, KOSOVO, PALESTINA, BELGRADO E ISRRAEL)

Nació y creció en Nueva York. Desde temprana edad tuvo una participación muy activa en movimientos pacíficos norteamericanos en defensa de los derechos civiles. Estudió Antropología Cultural y Música, y cuenta con amplia experiencia en la protección de los derechos humanos desde las artes en Estados Unidos y Europa. Fue miembro del comité directivo de la Red por la Diversidad, en Holanda; Directora de la oficina de Enlace para la delegación vietnamita para la paz budista en Nueva York y París y Secretaria Ejecutiva del Comité de Responsabilidad para Niños Vietnamitas Heridos en Guerra. Se desempeña como directora de Músicos sin Fronteras, organización que trabaja en áreas afectadas por la guerra desarrollando acercamientos innovadores para construir paz a través del poder de la música.

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Sara Lee

Rosemary Nalden

DIRECTORA CREATIVA, MUSIC IN PRISIONS (REINO UNIDO)

FUNDADORA Y DIRECTORA DE LA ACADEMIA MUSICAL BUSKAID EN SOWETO (SUDÁFRICA)

Después de graduarse en la Escuela Guildhall de Música y Drama en Londres, gracias a una presentación en la cárcel Wormwood Scrubs en torno a los premios de la prisión Butler Trust, fue identificada por el presidente del Tribunal Supremo Peter Taylor, quien tenía un interés particular en la reforma penal y la música. Tras la muerte de Irene, la esposa de Taylor, en 1995, se le ofreció la oportunidad de desempeñar el cargo de directora artística y establecer el programa Música en las Prisiones. Desde entonces apoya y ejecuta la labor de la organización con los prisioneros, exprisioneros y jóvenes en condición de riesgo. Lidera el proceso de diseño y puesta en práctica de estrategias artísticas en equipo, realizando un acompañamiento continuo a las personas que quieren vencer sus limitaciones escribiendo e interpretando su propia música. Durante los últimos cuatro años ha expandido el trabajo de la organización a Estados Unidos, colaborando con los músicos de la Orquesta Sinfónica de Chicago con el fin de integrar a la iniciativa a jóvenes en detención temporal y de la comunidad, y para difundir esta experiencia. En 2012 recibe una beca de la Guildhall School of Music y se hace acreedora de una pasantía Winston Churchill en 2015 para viajar a EE.UU. y Noruega a estudiar formalmente el rol que puede desempeñar la música en la prevención del delito y en la resocialización de reclusos. Actualmente, es miembro de la Real Sociedad de las Artes y su labor es reconocida en el Reino Unido.

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Nació en Inglaterra y se educó en Nueva Zelanda, en donde obtuvo su licenciatura en Idiomas, antes de estudiar viola y canto en el Real Colegio de Música de Londres. En 1992 fundó Buskaid tanto en Sudáfrica como en el Reino Unido como una respuesta filantrópica suscitada por un reportaje de la BBC en el cual se evidenciaban las dificultades de estudio que tenían algunos músicos de cuerdas frotadas en Diepkloof-Soweto, Johannesburgo. La mayoría de los instrumentos de la Escuela que fundó en 1999, han sido donados a través de la estrategia Buskaid-Confianza, en particular los violines. Con los años, ha recibido instrumentos de organizaciones de Sudáfrica, Reino Unido, Irlanda. Alemania, EE.UU. y Nueva Zelanda. Sin embargo, los más grandes –violas, violonchelos y contrabajos– fueron comprados con la contribución de la Lotería Nacional del fondo fiduciario británico. Por otro lado, el Ensamble Buskaid fue catalogado por la revista Gramophone como una de las diez orquestas más inspiradoras del mundo, junto a la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Londres, la orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. En su calidad de principal recaudadora de fondos de Buskaid, Rosemary ha sido la responsable de generar los recursos para el sostenimiento de la Fundación Buskaid durante los últimos 19 años. En reconocimiento de su labor con Buskaid, en 2002 recibió el galardón Miembro del Imperio Británico, estuvo en la lista de Honor del Jubileo de Oro de la Reina y en 2012 recibió la membresía honoraria de la Real Sociedad Filarmónica, solo concedida a 137 músicos en 200 años de existencia de la organización británica.

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Ahmad Sarmast

Alfonso Cárdenas

FUNDADOR Y DIRECTOR DEL INSTITUTO NACIONAL DE MÚSICA DE KABUL (AFGANISTÁN)

ESCUELA DE MÚSICA LUCHO BERMÚDEZ (MONTES DE MARIA – COLOMBIA)

Ph.D. en Etnomusicología de la Universidad de Monash University (Clayton Campus). Obtuvo su Magister en Artes en el Conservatorio del Estado de Moscú con una tesis sobre música tradicional afgana y su lugar entre las culturas musicales de Oriente Medio y Asia del Sur. En el Gnisinkh Music College de la capital rusa obtuvo su grado universitario en Educación y Teoría Musical. Ahmad es el primer afgano en obtener un título de Doctorado en Música y Artes que regresa a Afganistán para liderar una iniciativa de educación y diálogo cultural en la región como fundador del Instituto Nacional de Música de Afganistán(ANIM). Recientemente fue escogido por la Unesco como orador principal en Bulgaria para orientar el planteamiento en torno al rol de la juventud en la conservación de la herencia cultural tangible e intangible. Desde 2005 es investigador asociado en el Instituto Asia de Monash University a cargo del proyecto Revival of Afghan Music y de las investigaciones en torno a música tradicional afgana, música del norte de India y tradiciones musicales de Asia Central. Entre sus investigaciones publicadas se encuentran: Historia de la música afgana, con una especial referencia a la música artística del siglo 1000 A.D. (2007); Naghma-ye Chārtuk de Afganistán. Una nueva perspectiva sobre el origen del género instrumental solista de música asiática (2007); Un asunto de terminología: música persa o Khorasani (2007); la historia de Ustād Mohammad Salim Sarmast: un compositor afgano del siglo XX y la primera partitura sinfónica de Afganistán (2000); y su trabajo Fairies and Fiddlers: Un-Told Story of Indian Female Singing-Dancers, Musicians and Entertainers in Afghanistan (2008) en torno a la historia no contada de mujeres cantantes, músicas y educadoras de Afganistán.

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Estudió Educación Musical en la Universidad de Antioquia y en la Escuela Popular de Arte de Medellín. Como músico popular, perteneció a agrupaciones como Los Gigantes del vallenato, Los hermanos Gil Montoya, Ever Vargas, El vallenato de Iván Calderón, Fruco y sus tesos. Sus composiciones “Lamentos de la sierra” y “Retorno”, que lloran la masacre de El Salado y otras tristezas de la tierra, anticipaban que el maestro Cárdenas había de regresar a su natal Carmen de Bolívar. En efecto, fue seleccionado como Director de la Escuela de Música Lucho Bermúdez en la que enseña música a casi quinientos niños y jóvenes, la mayoría de los cuales son víctimas del conflicto armado colombiano. Alfonso Cardenas señala que en Carmen de Bolívar -como en todas las veredas y pueblos de los Montes de María flageladas por el conflicto armado colombiano-, “la música está ahí en cada familia, en cada cuadra y el dolor y la guerra van quedando en los imaginarios que se transforman en canciones, baile y fandango: una celebración de vida”.

Sandra Meluk DIRECTORA GENERAL DE LA ORQUESTA FILARMÓNICA DE BOGOTÁ (COLOMBIA)

Músico profesional de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y candidata a Magister en Dirección Universitaria de la Universidad de los Andes, en Bogotá. Ha sido gestora en organizaciones culturales de gran reconocimiento nacional e internacional. Con una amplia capacidad para liderar y desarrollar proyectos de gran envergadura en el ámbito artístico, se ha desempeñado como Directora de Programación del Teatro Julio Mario Santo Domingo (2010-2016), Directora General de la Fundación Víctor Salvi y Directora Ejecutiva del Cartagena Festival Internacional de Música. Fue coordinadora musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y, en el campo académico, se desempeñó como Directora de la Carrera de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y como docente de música. Actualmente, es Directora General de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

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Darren Ferguson

Fabiano Kueva

FUNDADOR DE BEYOND SKIN (IRLANDA)

MIEMBRO DEL CENTRO EXPERIMENTAL OÍDO SALVAJE (ECUADOR)

Músico, voluntario en trabajo comunitario y asistencia para el desarrollo. Gracias a su experiencia de trabajo en diversas organizaciones no gubernamentales, usó la articulación de elementos sociales y de creación artística para fundar Beyond Skin a raíz de lo ocurrido en el año 2004, cuando Belfast figuró en los titulares de prensa internacionales como la capital más representativa del “odio racial” de Europa. Mientras trabajaba para Concern Worldwide, encontró inspiración en el poder de la música como constructor de paz y desarrollo comunitario. De esta manera, se inspiró en el trabajo de artistas y activistas como Peter Gabriel, el dúo 1 Giant Leap y Nitin Sawhney, para crear Beyond Skin. Mediate esta organización, ha contribuido concretamente a mitigar los prejuicios raciales y ha logrado que Irlanda del Norte sea percibida como una sociedad intercultural más pacífica y creativa. Actualmente se dedica al desarrollo de experiencias interactivas de músicas del mundo (World Music), festivales, talleres de arte y danza, radio, proyectos internacionales de producción radial y la oferta de cursos acreditados por la OCN, asi como proyectos internacionales de trabajo colaborativo. Entre los trabajos de gestión cultural más recientes se encuentran la red de emisoras radiales Homely Planet; el proyecto Parallel Versing que utiliza la música para cambiar la trayectoria de vida de niños afectados por el legado del conflicto en Sri Lanka; y el programa Womandi de artes interculturales para el fomento de las relaciones de Irlanda del Norte, en asocio con la Fundación de Peter Gabriel y la Orchestre des Réfugies et Amis, un proyecto que genera espacios acogedores para artistas refugiados o en busca de asilo.

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Nació en Quito 1972. Es artista, curador y productor que vive y trabaja en Ecuador. Fundador de la plataforma interdisciplinar conformada por artistas de diferentes medios, disciplinas y geografías. En 1995, junto con Mayra Estévez Trujillo, e Iris Disse (Alemania), fundó Oído Salvaje como proyecto derivado de los laboratorios, audioforos e intervenciones en espacios públicos promovidos por la Radio Artística Experimental Latinoamericana (RAEL) pues todos se involucran con la experimentación radial, lo cual les permite ampliar su intervención más allá del entorno local. Ha desarrollado los proyectos Navegantes del Éter, primer programa de arte sonoro en la radio ecuatoriana; Poesía Mano a Mano, archivo sonoro de 30 escritores y 20 compositores ecuatorianos; Laboratorio Iquitos, residencia para artistas sonoros emergentes de Ecuador, Colombia, Perú. En este momento, desarrolla la investigación Estudios Sonoros Latinoamericanos que contempla el fenomeno del “Territorio y Radialidad”, así como el primer laboratorio sonoro portátil activado entre Ecuador, Colombia y Argentina. Recibió el Premio Radiodrama en la III Bienal Latinoamericana de Radio (México, 2000); el Premio París en la IX Bienal Internacional de Cuenca (Ecuador, 2007); Premio Nuevo Mariano Aguilera (Ecuador, 2015). Ha sido participante en la X Bienal de la Habana (Cuba, 2009), la Bienal de Montevideo (Uruguay, 2014) y la Bienal No. 57 de Venecia (Italia, 2015). Igualmente ha realizado residencias artísticas en Apexart (Nueva York), Villa Waldberta (Múnich) y Lugar a Dudas (Cali). Recientemente recibió el Prince Claus Fund Grant en 2010.

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Francisco Silva MIEMBRO FUNDADOR “DESDE FUERA DEL CENTRO”

Estudió Composición en la Universidad de Chile y en la Pontificia Universidad Católica (1997-2002). En el año 2008, junto al Ensamble Taller de Música Contemporánea UC participa de una gira por Alemania, en donde presenta obras de compositores chilenos en Múnich, Oldenburgo y Colonia. Durante el 2009, junto a los compositores Juan Pablo Orrego y Andrés Núñez, funda la editorial de partituras Figura Ediciones Musicales, en donde se desempeña como miembro del comité editorial, que a la fecha ha publicado 22 obras de compositores chilenos. Su propuesta se concentra en programas de iniciación a la música contemporánea dirigidos inicialmente a niños de quinto y sexto año básico de escuelas rurales para que puedan relacionarse con el sonido como fenómeno físico. A través de actividades lúdicas propias de la práctica musical, se profundiza en la experiencia y en la conceptualización de la audición, la interpretación y la figura del compositor. Igualmente ofrece maneras de comprender los actos de “improvisar” y “experimentar” a través de la composición de obras para instrumentos de juguete propuestas por él y dos jóvenes amigos compositores: Andrés Núñez y Juan Pablo Orrego, con los que integra el colectivo. En 2013 es elegido Ciudadano Destacado por la Municipalidad de Los Andes, Chile, y en 2015 es invitado al Festival Nuevas Músicas por la Memoria en Buenos Aires, Argentina, a exponer y exhibir el documental sobre el proyecto “Desde Fuera del Centro”.

Lloyd Coleman PARAORCHESTRA

Lloyd Coleman, de 24 años, está construyendo rápidamente una reputación como uno de los principales músicos británicos de su generación. Asistió a la Escuela de Música de Chetham en Manchester antes de estudiar composición con Gary Carpenter en la Real Academia de Música de Londres. Su música ha sido interpretada por muchos de los conjuntos más importantes del Reino Unido, incluyendo la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, la Orquesta Nacional Juvenil de Vientos de Gales, la Orquesta Aurora y Endimion. También colabora con grupos de cámara como el Cuarteto Sacconi, el Nuevo Conjunto de Cámara de Londres, Hermes Experiment y Total Brass.

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En 2015 se convirtió en el primer compositor en escribir una nueva pieza específicamente para Paraorchestra, con quien también interpreta el clarinete. El encargo llevó a los músicos de Paraorchestra a colaborar con Southbank Sinfonia. El trabajo, titulado Hacia la Armonía, ha sido aclamado por la crítica y tendrá su segunda presentación con la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham a principios de 2017. Otros puntos destacados del último año incluyen un homenaje de medianoche a David Bowie en Glastonbury, con la Heroes Symphony de Philip Glass, y un homenaje a la música de compositor Barry Gray, de los Thunderbirds, en el Festival de Música BBC 6 en Bristol. En paralelo a su actividad como compositor e intérprete, Coleman comparte su pasión por la música como locutor. El pasado verano hizo su debut en la presentación de televisión en la BBC Proms de Londres, cubriendo en vivo un concierto interpretado por la Orquesta Nacional Juvenil de Gran Bretaña - de la que fue miembro entre 2008 y 2009.

Carien Meijer DIRECTORA GENERAL DE DRAKE MUSIC (REINO UNIDO)

Durante 10 años ha estado al frente de este trabajo con música y tecnología para ampliar el acceso a personas con discapacidad de todas las edades promoviendo enfoques innovadores de enseñanza, aprendizaje y realización musical. El principal pilar de su labor es su creencia en el desarrollo de oportunidades adecuadas para que todos puedan desenvolver su potencial creativo. Su trabajo se concentra en la creación de una cultura musical que integra a músicos discapacitados y no discapacitados, al tiempo que defiende activamente sus derechos. Igualmente, con Drake Music puso en marcha el primer curso de música accesible en el Reino Unido con más de seis años de trabajo continuo y un total de 66 estudiantes acreditados. Carien fue directora de Epping Forest Arts durante siete años, estableciendo la agenda de la autoridad local en torno a las artes y la recaudación de fondos para la puesta en marcha de proyectos participativos. También fue asesora políticas para las artes y asuntos culturales. A lo largo de su carrera ha trabajado con una serie de festivales internacionales, como el London International Festival of Theatre (LIFT), el Eurokaz y el Festival de Yemen, al igual que en diversas iniciativas de producción artísticas con organizaciones como ArtsAdmin y Chisenhale Dance Space.

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Favio Chávez

Lennar Acosta

DIRECTOR Y FUNDADOR DE LA ORQUESTA DE RECICLADOS DE CATEURA (PARAGUAY)

DIRECTOR (E) SISTEMA NACIONAL DE LUTHERIA. SISTEMA NACIONAL DE ORQUESTAS Y COROS JUVENILES E INFANTILES (VENEZUELA).

Nacido en Buenos Aires (Argentina) en diciembre de 1975, vivió desde su infancia en la Ciudad de Carapeguá, Paraguay. Estudió música en el Instituto Municipal de Arte de Asunción y Dirección Orquestal con Miguel Ángel Gilardi y León Burke, entre otros, y culminó sus estudios de Ingeniería en Ecología Humana en la Universidad Nacional de Asunción y Filosofía en la Universidad Católica. Participó en cursos y seminarios de gestión y administración de orquestas juveniles, en Buenos Aires y Montevideo (Uruguay). En 2001, con el apoyo del Centro de Información y Recursos para el Desarrollo (CIRD), desarrolló un proyecto piloto de clasificación de residuos sólidos domiciliarios en origen y reciclado en disposición final, en Carapeguá y, entre 2006 y 2007, desarrolló el Proyecto Procicla del Banco Interamericano de Desarrollo en el vertedero Cateura de Asunción (Paraguay), como técnico especializado. Favio comenzó a enseñar música a los hijos de gancheros del vertedero de Cateura y así fundó la Orquesta. También es fundador de la Orquesta de Cámara de Carapeguá, la Orquesta de Cámara de la Universidad Católica de Carapeguá y la Orquesta del 9 Departamento de Paraguarí. Por varios años se ha desempeñado como Director del Coro de la Catedral de Carapeguá. Como innovador social ha participado en destacadas publicaciones del Programa de Naciones Unidas de Paraguay, como El informe nacional sobre desarrollo humano en Paraguay, y ha publicado y participa en la revista internacional de pedagogía musical Música y Educación.

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Lennar Acosta es uno de los más apreciados beneficiarios y trabajadores del Sistema Nacional de Orquesta y Coros de Venezuela. Estando recluido en el Instituto Nacional del Menor (INAM) -a causa de delincuencia infantil y drogas- , recibió los beneficios del Proyecto del Sistema de Orquestas que trabaja en las penitenciarías juveniles. Allí se incorporó a clases y continuó su aprendizaje de clarinete hasta los 18 años. El maestro José Antonio Abreu, fundador del sistema le propuso viajar a Bonn (Alemania), donde obtuvo una beca para estudiar órgano y especializarse en la restauración y reparación de piezas. Terminó su formación técnica en Bonn en la Orgelbau Klais (2012). De esta manera, hoy es el único venezolano formado para esta labor por sus habilidades con la madera. Por sus logros, en 2008, el maestro Abreu lo nombro director de Los Chorros, el lugar donde estuvo recluido y donde Lennar conformó una Orquesta que refleja el impacto cultural que tiene el sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles a través de su propio testimonio, pues el sistema le dio esperanza, lo sacó de la delicuencia y de las drogas para convertirlo en un ejemplar gestor musical para la transformación social con más de 17 años de labor y recientemente, como coordinador Regional del Sistema Nacional de Orquestas (Municipio Sucre - Venezuela).

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Relatoría Académica Lucía Victoria González Duque RELATORA ACADÉMICA DEL SEMINARIO INTERNACIONAL DE MÚSICA Y TRANSFORMACIÓN SOCIAL

Estudió Arquitectura y Antropología Cultural. Su misión ha estado siempre enfocada en el arte y la trasformación social, fundiendo siempre una y otra dimensión. Se ha desempeñado en cargos de dirección en entidades culturales como la Orquesta Filarmónica de Medellín, el Pequeño Teatro, el Teatro Pablo Tobón Uribe, el Museo de Antioquia y en entidades sociales como las organizaciones no gubernamentales Presencia Colombo Suiza, Viva la Ciudadanía y el Museo Casa de la Memoria de Medellín, con el cual, gracias a su gestión recibió el Premio Franco Alemán a los Derechos Humanos. Trabajó en la dirección social durante la reconstrucción del Eje Cafetero después del terremoto y en la recuperación del país luego del fenómeno de la “Niña”, desde la coordinación técnica. Fue directora de Planeación de Antioquia y Consejera para la Vida, la Reconciliación y la Convivencia de la Alcaldía de Medellín. También trabajó en la Oficina del Alto Comisionado para la Paz como asesora. Ha hecho parte de las juntas de entidades culturales como Cantoalegre, Fundación Nacional Batuta, Son Batá y Danza Concierto. Actualmente trabaja como coordinadora de la Secretaría Técnica del Consejo Nacional de Paz.

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RELATORÍA ACADÉMICA

Apoyan: Observatorio de Culturas DIRECTOR VÍCTOR MANUEL RODRÍGUEZ Y GRUPO DE INVESTIGADORES ASOCIADOS

El Observatorio de Culturas es la dependencia de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de la Alcaldía de Bogotá encargada de generar conocimiento sobre las prácticas culturales, artísticas y recreativas de los habitantes de la ciudad. Realiza estudios sobre la transformación social y la cultura ciudadana, asi como acompaña a entidades públicas y privadas en la formulación, implementación y seguimiento a proyectos de transformación cultural. Es responsable del diseño e implementación de la Encuesta Bienal de Culturas, que se ha convertido en el instrumento más significativo para el análisis de las culturas de la ciudad. Desde este marco institucional, el Observatorio de Cultura asesora al Seminario Internacional de Música y Transformación Social en la orientación, sistematización y construcción de una memoria social de esta experiencia. A través de su director, Víctor Manuel Rodríguez Sarmiento, y el grupo de investigadores adscritos, se llevarán a cabo laboratorios e intercambios metodológicos con el fin de elaborar el documento final del Seminario Internacional.

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Ana María Gómez Londoño COORDINADORA DE CONTENIDOS DEL SEMINARIO INTERNACIONAL MÚSICA Y TRANSFORMACIÓN SOCIAL

Es artista, psicóloga e investigadora Ph.D. (Magna Cum Laude) en Ciencias de la Cultura de Freie Universität Berlín. Es especialista en memoria cultural, enfoque interdisciplinario desarrollado en Alemania para el estudio de tecnologías simbólicas de larga transmisión generacional. Cuenta con estudios de Alta Dirección Pública en Gestión Cultural (PADP) de la Escuela de Política y Alto Gobierno adscrita al Instituto Universitario Ortega y Gasset además de una Maestría en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Ha desarrollado proyectos de investigación sobre la formación histórica del campo cultural colombiano y programas artísticos como miembro del Instituto de Estudios Sociales y Culturales PENSAR de la Pontificia Universidad Javeriana (2003-2013), y actualmente como coordinadora de la Corporación Devincio, adscrita a la fundación científica alemana Wissen-Schafft-Werte E.V.(2013-2016). Se desempeña como consultora de convenios internacionales relacionados con políticas intersectoriales de cultura en torno a los Objetivos de Desarrollo Sostenible (Agenda 2030), la Seguridad social en salud y en programas de cultura democrática, ciudadana y reparación simbólica y psicológica a través de las artes. Algunos de sus proyectos fueron galardonados con Mención de Honor en el Premio Prodigy de las Artes (ArtBo), el Centro Nacional de Memoria Histórica CNMH y el Premio Distrital de Periodismo Cultural (2014). Así mismo, reconocidos por el Departamento Nacional de Ciencia y Tecnología (Colciencias 2003-2005), el Instituto Caro y Cuervo (2006), Colfuturo y el Servicio de Intercambio Académico alemán DAAD (2007-2010).

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