TEMA 4: LOS NUEVOS COMPORTAMIENTOS ARTISTICOS TRADICIONALES DEL ARTE: EL VIDEO ARTE Y EL NET ART

EN

LOS

ESPACIOS

1. INTRODUCCION La pintura como expresión artística privilegiada era una herencia cultural que los artistas del s. XX cuestionarían desde la aparición de las vanguardias históricas. El origen de este argumento radica en el desarrollo de la técnica y la era maquinista. Hay que hacer un análisis de las relaciones entre arte y técnica en el s. XX. Existieron dos visiones contrapuestas de los artistas, acerca de las nuevas técnicas como medio de expresión: • •

Aquellos que demonizan la tecnología y creen que no tiene que ver con los fines del arte > Dadaístas. Aquellos para los que la tecnología constituye un factor intrínsecamente relacionado con el arte -> Futuristas.

Para el movimiento futurista, la tecnología era el instrumento que permitiría romper con la tradición política y artística que aseguraba la abolición del pasado. Mediante la exaltación del coche se representaba el triunfo del progreso tecnológico sobre la naturaleza. Para el movimiento dadaísta, la tecnología encarnaba la visión de aquellos que desconfiaban del progreso técnico. Quieren descubrir sus contradicciones y consecuencias sociales. Critican la invasión del instrumento capitalista en la vida cotidiana, su capacidad de manipulación y la aparición de una sociedad de consumo. En muchas de sus obras, se muestran seres humanos representados como máquinas y autómatas (complejos mecanismos improductivos) Lo que estaba claro era que el arte heredado ya no era valido -> Crisis del arte como representación de la realidad. Ej.: Obras de Braque y Picasso, que incluyan fragmentos de realidad en los cuadros (periódicos), para ampliar el contenido de la obra. La actitud del artista se transformaría para considerar la experimentación como un elemento esencial, a raíz de la era maquinista -> Asimilaron rápidamente los nuevos medios tecnológicos (video, cine, fotografía). En consecuencia, Danto declaró el “fin del arte” cuando se reconoció que éste no debía ser de un modo determinado. Todos estos avances que nacen con la fotografía estaban relacionados con la plasmación del movimiento y la posibilidad de trabajar sobre “el tiempo” -> La fotografía congelaba la realidad y captaba en un instante una imagen de nuestra vida. El cine, mediante la sucesión de fotografías (imagen estática) a una velocidad determinada conseguía la ilusión de una imagen en movimiento. La producción mecánica del movimiento conseguía lo que muchos artistas habían intentado, como los futuristas, cuya búsqueda del movimiento estaba vinculada a la crono fotografía. Para el filosofo Bergson, el “tiempo real” no podía entenderse como una sucesión de estados en reposo. Al decir que la esencia del tiempo es que pasa, lo enviaba a la metafísica. Su percepción dependía de la “intuición”, en la que reconocía la facultad de “conocimiento” para aquello que se escapaba a la ciencia. Para él, el presente tiene una parte en el pasado y otra en

el futuro -> “Proceso”, que será una parte central de las prácticas artísticas desde mediados del S XX. 2. VIDEO ARTE Y NET ART Se analiza la incidencia de las nuevas tecnologías en el arte contemporáneo. Dos de sus manifestaciones más importantes son el Video Arte y el arte computacional (Net Art). 2.1. Video Arte El Video Arte (arte del vídeo) es aquel que utiliza en la plasmación de sus objetivos artísticos un nuevo soporte, la pantalla televisiva y un nuevo objeto, el televisor. Es una nueva manifestación que a su relación con las artes escénicas (cine, etc.), con la TV y los mass media, añade la coherencia con la tradición artística heredada -> Se sitúa entre la obra de arte y el mass media. Surge en los años 60 en USA, con la proliferación de imágenes filmadas por artistas Fluxus, y especialmente, desde que Nam June Paik expusiese sus cintas electrónicas en NY en 1965. En este acto, Paik proyectó la grabación que había realizado de la visita del Papa a NY. Eran imágenes captadas sin ningún guión preestablecido, donde la consideración del arte derivaba fundamentalmente de la actitud del artista y del hecho de que éste lo considerase como tal -> Actitud inaugurada con Duchamp. Desde el punto de vista del objeto, el hecho de que la obra podía ser reproducida y copiada, es una muestra de la ruptura con la noción histórica de arte postmoderno -> Visión de Benjamín: “Lo que se atrofia (en la obra de arte) es su aura”. Aura derivada del contexto ritual del que la obra surgía, que había constituido históricamente el concepto de su autenticidad. A la aparición de la fotografía, el arte respondió con la teoría del “arte por el arte” -> Arte puro que rechaza cualquier función social y toda determinación por medio de un contenido objetual. El triunfo de los nuevos medios y especialmente del cine modificó la relación del arte con la sociedad, instalando una presencia masiva donde anteriormente existía una presencia irrepetible. 2.1.1. Cine y televisión. De la conformación de un nuevo lenguaje a la imposición de una nueva realidad La atracción que muchos artistas sintieron hacia el cine tendría como consecuencia un nuevo lenguaje artístico y una alianza del arte con la tecnología. El cine podía controlar las reacciones emocionales del espectador, por medio de la manipulación de la forma -> Surge como una “obra de arte total”, que aunaba imagen, música, literatura y expresión corporal y se dirigía a proporcionar una experiencia vital completa. Muchos artistas plásticos, como Dalí o Man Ray, experimentaron con el cine y ayudaban a desarrollar este lenguaje, aplicando las investigaciones formales vanguardistas. A mediados de los años 60 casi toda la población estadounidense tenía un televisor en casa => Profundo cambio de la sociedad en relación con las imágenes, que modificaban las relaciones y el comportamiento de la vida privada. Con esta “democratización” de la imagen, la televisión pasó a convertirse en la mejor arma del capitalismo, a través de la comercialización de los espacios televisivos, generando nuevas necesidades en una población que se identificaría con la etiqueta de “sociedad de consumo” -> Nos cuesta creer lo que no se ve y creemos todo lo que vemos.

Con esta transformación de la sociedad, se amplia tanto el concepto tradicional de “medio” (prolongación de nuestro propio ser) como el de mensaje (todo cambio que la aparición del medio produce en las relaciones humanas). Los nuevos medios eran nuevos lenguajes adquiridos que configuraban una nueva realidad. => El objeto de muchas de las primeras obras realizadas con la incorporación del video era revelar las trasformaciones que la televisión y los medios audiovisuales imponían a la sociedad. Autores y obras: Los artistas Fluxus incorporaron las imágenes a sus propuestas -> Fluxfilmes, que muestran actos triviales, como el parpadeo de un ojo, con una actitud neo-dadá, que buscaba comprometer el concepto de arte heredado. Nam June Paik (uno de los padres del Video Arte), presentó en 1962 su obra Zen para el cine. Esta instalación consistía en un piano de pared, un chelo y la proyección de una película virgen sobre una pantalla -> Crítica al cine por la manipulación de imágenes. El objetivo era liberar al público de la manipulación, dando al espectador espacio a las asociaciones libres. Con el video, el artista tenía por primera vez un instrumento de grabación asequible. Permitía un control inmediato sobre la imagen, que visualizarse en tiempo real. Al ser la cámara un objeto portable, todo podía ser objeto de una grabación mucho más acorde con la experiencia de la realidad. Además, la proyección simultánea de imágenes proporcionaba una sensación caótica similar a la que tenemos en nuestra vida cotidiana. Esta misma actitud de Paik respecto al cine la tendrá también con la música y en la TV. Ej.: Pieza para violín arrastrado por el pavimento; Solo para violín sólo. Dada la capacidad de penetración de la TV y la percepción pasiva del publico-consumidor, el objetivo de Paik es cuestionar la propia experiencia televisiva y hacer visible el entramado de intereses que lo sustentaba. Una vez la TV es liberada del control comercial, queda abierta a la creatividad, tanto como soporte de imágenes como en su naturaleza objetual. Nam June Paik, Familia Robot, (1986): Esculturas realizadas con aparatos viejos de TV y radio, con pantallas ensambladas que proyectaban videos -> Quiere romper con el carácter comercial y banal de la TV como paso previo a su inserción como medio artístico legitimo. Wolf Vostell, TV-Burying, NY (1963): Vostell es otro de los padres del Fluxus. Encarna una actitud combativa hacia la tecnología. Sus acciones, como esta, deben ser entendidas como una metáfora de la destrucción que trae consigo la tecnología. La idea que subyace es el deseo de destruir físicamente todos los objetos tecnológicos. En esta intervención, entierra un aparato de TV, envuelto en alambre de espinos, junto a un filete de pavo y un atril. Los artistas del Fluxus tenían dos actitudes encontradas frente a la tecnología: • •

La de Paik es una postura optimista, reconciliadora del hombre con la tecnología (la humaniza). La de Vostell es una visión neodadaista, que se enfrenta al conformismo con una guerra violenta y declarada.

2.1.2 El Vídeo como soporte artístico

A partir de los 60, las manifestaciones artísticas trabajaron todos los ámbitos que afectan al hombre -> El video abría nuevas posibilidades. Identificando el adoctrinamiento La crítica hacia la televisión se convirtió en uno de los temas preferidos por los videoartistas hasta mediados de los 80. Sobretodo se revisó satíricamente la noción de “verdad” que procedía de los mass media. Autores y obras: Daug Hall, El discurso (1982): Siguiendo la línea iniciada por grupos como Ant Farm (El fotograma eterno, que resaltaba la fascinación de los espectadores por los mitos y la imagen televisiva), parodió el espectáculo político. El artista, sobre una tribuna presidida por un televisor, imita al presidente de los EEUU en su alocución del 4 de julio, completando un discurso vacío -> Denuncia el control de la información por parte de los medios y cuestiona el poder del lenguaje en la época del espectáculo público. Michael Smith, Mike construye un refugio (1985): Nos introduce en el absurdo de la sociedad televisiva y en la manipulación que ejercen los medios. “Mike” es un personaje mediocre y muy vulnerable a los mensajes comerciales -> Victima del individualismo. El espectador se identifica con él. En esta obra, se analiza la relación entre el miedo y el poder en las democracias occidentales. Se centra en la política de construcción de refugios nucleares promovida por USA durante la Guerra Fría -> Relacionado con la política contra el terrorismo a partir del 11-S. La acumulación de productos para la supervivencia entronca con la denuncia de muchos artistas a esta dictadura del miedo, con el que legitiman su poder y estimulan el consumismo. Max Almy, Perfect Leader (1983): Resalta la importancia que tiene la imagen televisiva para los dirigentes, que hace que su idoneidad dependa de ella => El líder debe convertirse en imagen, en un signo al que se asocian valores apreciados por la sociedad. Esta obra recoge la visión del autor sobre el proceso de construcción de la imagen política y las técnicas de marketing que se aplican. Un ordenador que busca el candidato perfecto mediante la unión de tres prototipos: un buen chico, un evangelista y un dictador. Klaus von Bruch, Das Duracellband (1980): En esta obra se trata de desvelar los poderes e intereses que se esconden tras la imagen televisiva. Esta imagen capta la atención del espectador y trivializa los acontecimientos. Bruch muestra imágenes de la II Guerra Mundial y de su propio rostro a un ritmo constante de un bucle de un anuncio de pilas Duracell (pila que se cierra violentamente = Violencia del capital y la guerra. Entre lo público y lo privado En los 60 se generalizaron las performances, donde se resaltaba el deseo de romper con las tradicionales barreras entre arte y vida. Como eran efímeras, los artistas se valieron de la fotografía y el vídeo para documentar su existencia. Autores y obras:

Chris Burden, Shoot (1971): Explora los límites de su cuerpo hasta el extremo. En esta obra, recibe un balazo en un brazo. En Suavemente por la noche, se arrastra con las manos atadas a la espalda por una calle llena de cristales rotos. El video es un medio que posibilita una nueva forma de entender las acciones -> La imagen se convierte en portadora de acción, haciendo que el artista trabaje en un entorno privado para posteriormente mostrar al publico la imagen grabada. John Baldessari, I am Making Art (1971): Con el video, se observaba el cuerpo en el acto de la creación => Prolongación del gesto artístico (concepto asociado al expresionismo abstracto). A diferencia de lo que ocurría en el expresionismo abstracto (mitificación del artista como un ser especial a través del gesto), para los artistas conceptuales, como John Baldessari, lo que se resalta es la falsedad del arte como algo especial. En esta obra, Baldessari parte de la premisa de que todo puede ser arte, incluyendo las cosas generalmente consideradas como no artísticas. El autor se sitúa en pie frente a la cámara y hace movimientos comunes, mientras repite para sí mismo “estoy haciendo arte” (I am making art). Vito Acconci, Open Book (1974): Artista conceptual que investiga sobre el papel del cuerpo en el arte y la vida. Descubre la falsa sensación de intimidad de las imágenes televisadas, a través de un dialogo con la cámara que destaca la relación entre el sujeto observado y el espectador. En esta obra, el espectador se enfrenta a una boca abierta que le exhorta a traspasar la pantalla y entrar en un espacio abierto, quizás su interior, con frases como “ven dentro”. Pero se produce una sensación de rechazo inmediata -> Las palabras están cerradas y el espectador esta preso de una trampa del lenguaje. Explorando el medio Autores y obras: Nam June Paik, Magnet TV (1965): Paik fue uno de los protagonistas de la humanización de la TV -> Quiso descubrir su naturaleza electrónica por medio de la manipulación de imágenes y del propio objeto. En esta obra, presenta un aparato de TV abierto, con los componentes a la vista. Los espectadores transformaban las imágenes, usando imanes en la pantalla. Algunos pintores abstractos, se sintieron atraídos por estas imágenes alteradas -> Ed Emshiwiller creía que la tecnología electrónica debía entenderse como una nueva técnica a disposición de los artistas. Usaba sintetizadores de video e informática para crear imágenes alteradas. Steyna y Woody Vasulka, Golden Voyage (1973): Exploraron el medio del video incorporando técnicas de coloreado y creación de imágenes electrónicas. Discursos personales El enfrentamiento entre arte y tecnología seria superado, una vez asimilado el vídeo como medio artístico, por algunos artistas que trabajaran en cuestiones vinculadas a lo artístico, como los misterios del hombre y su relación con el mundo. Autores y obras:

Bill Viola, The Nantes Tryptic (1992): Es el mejor exponente de esta actitud. Parte de un avanzado uso de la tecnología pero su aplicación esta condicionada a su discurso -> El video es una herramienta, un medio de expresión muy personal, con el que explora la identidad psíquica y su relación con el medio que lo rodea. Con una actitud cercana al misticismo oriental, sus obras versan sobre la memoria y la tradición, con una estética muy cuidada. En esta video instalación, hecha al poco de morir su madre y nacer su hijo, gira en torno a la creencia de la continuidad entre los diferentes estados de la existencia, la muerte como cambio y la vida como recorrido entre dos extremos. En ella, tres pantallas a modo de tríptico medieval, muestran un parto (izquierda), la muerte en la cara de su madre (derecha) y un hombre suspendido en el agua (centro) -> Existencia transitoria. 2.2 Net art La implantación de la informática y de Internet abrirá un nuevo campo para el arte. Los fundamentos de la relación arte-tecnología siguen siendo validos -> Algunos aspectos importantes derivados de la informática son los siguientes: • •

La naturaleza de los nuevos medios obligaba a los artistas a trabajar con un material muy alejado de los medios artísticos tradicionales => Se han introducido nuevos sujetos cuya relación con la tradición histórico-artística es nula. Internet ha transformado la estructura de la sociedad, haciendo que su motor de desarrollo sea la de los mercados globales. Junto al libre comercio de bienes, circula el libre intercambio de pensamientos.

Las propuestas artísticas desarrolladas en Internet son muy heterogéneas con un fuerte carácter conceptual: Desde actitudes neodadaistas (para desmitificar el medio a través de la exposición de sus mecanismos), hasta de activismo político por medio de la figura del hacker, pasando por un interés por lo lúdico. Autores y obras: Johan Heemskerk y Dirk Paesmans, Jodi.org (1995): Es la primera obra Net art reconocida. Esta obra que a primera vista nos parece ininteligible, que entendemos como un error en la programación. Al explorar el código fuente vemos que entre el lenguaje de programaciones se había insertado el dibujo de una bomba nuclear a base de puntos y guiones -> Lo que se esconde tras el “milagro” de Internet es una bomba en sentido figurado. Además hace una reflexión conceptual sobre la manipulación del medio. Olia Liliana, My Boyfriend Came Back from the War (1996): Muestra otra constante del net art: la interactuación con el público. El visitante deber reconstruir la historia de dos amantes separados por la guerra, con imágenes y fragmentos de texto, creando una narrativa temporal y espacial distinta cada vez. Mouchette.org (desde 1996): Otro aspecto crucial modificado por Internet es la facilidad para crear en la red un personaje ficticio. En una supuesta joven de aspecto triste que se declara artista nos introduce en su universo. Busca la interactividad con el visitante a través de juegos de preguntas y del e-mail. La idea del suicidio está muy presente, así como la sexualidad => Reacciones en pro y en contra. Se desconoce el autor de esta obra.