Febrero / February 2016

EXCELENTE

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Escritorio: Pedro Rus para W18Studio; retrato Grace: Arthur Elgort (2000), cortesía de Phaidon

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En el estudio de

Arte

Estilo

Moda

Relojes

Motor

Gastro

Bar

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Este mes, la Familia Plómez nos da una clase de tipografía en su estudio del centro madrileño

Nuestra experta Ángela Molina analiza la fuerte conexión que se da entre el arte y los videoclips

Sería imposible no hablar de amor en febrero, aunque Cupido no siempre cumpla su labor

Las casas de más prestigio rompen con los diseñadores estrella. Se busca creador anónimo

¿Quién compró el reloj más complicado del mundo? Andrés Moreno nos da una pista

Las impresoras 3D son ya una realidad que se asoma también al futuro de la automoción

La gran pantalla no pasa hambre, y menos en las películas que nos aconseja José Carlos Capel

Exploramos el universo del Jerez con un poco de literatura y alguna que otra confesión

Discover traditional printing methods with the Familia Plómez in their workshop in Madrid

Expert Ángela Molina examines the complex connections between art and music

It would be impossible not to mention love in February, but there’s also time for heartbreak

What’s in a name? Why fashion’s top houses are stepping away from big-name designers

Our own Andrés Moreno ponders the mysterious owner of the world’s most complex watch

How 3D printing is becoming the future of the automotive industry

José Carlos Capel explores the changing face of gastronomy on the silver screen

Everyone pretends to like sherry, but no one drinks it. A tragedy, when the quality is better than ever

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Desayuno De la tierra con Rich pickings Breakfast with

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Sueños de conservación

Sleep of the blessed

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Arte para Tradición cambiar el mundo de barro Art to change the world

Feat of clay

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El director de ARCO Carlos Urroz da las claves de la edición 2016

En la Finca Rosa Blanca, a tan solo una hora de San José de Costa Rica, el café tiene el sabor de la naturaleza tica

Hórreos abandonados de Galicia y Asturias serán alojamientos del Camino de Santiago gracias a un proyecto de micromecenazgo

Desde el anonimato, el artista parisino JR se ha propuesto crear una realidad mejor y, a juzgar por sus obras, lo está consiguiendo

Diego Valles quiere moldear el futuro de Mata Ortiz (México), que hace décadas recuperó la alfarería de los indios Paquimé

Carlos Urroz, director of contemporary art fair ARCO Madrid

In Costa Rica, the local passion for coffee is matched by farmers’ dedication to maintaining the natural environment

A crowdfunding project is converting abandoned granaries in Galicia and Asturias into unique lodgings on the Camino de Santiago

Parisian artist JR is trying to create a better world, pasting up massive black-and-white photos in public places all over the globe

Having rediscovered the pottery art of its ancestors, a village in Mexico has become a thriving centre of the country’s ceramics scene

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JR: JR, cortesía de Phaidon; vasija: Raechel Running; café: Daniela Linares

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COLABORADORES FRANCESCA MENICHELLI MAQUETISTA La maquetista italiana Francesca vive en Budapest, pero viaja por Europa trabajando con fotógrafos y escenógrafos. Su mayor pasión son las miniaturas: crear pequeños mundos con paciencia y dedicación. Este mes, ha vuelto a demostrar el lado impredecible de su trabajo y nos ha sorprendido con su talento haciendo el espectacular hórreo de la portada. Italian model-maker Francesca is based in Budapest, but travels all around Europe working for photographers and set designers. Her biggest passion is creating miniatures; these small, intricate worlds require serious patience and dedication. This month, she wowed us with her talent by building the beautiful model hórreo (traditional grain store) on the cover. “Pensando en dormir en cualquier sitio, me gustaría hacerlo en un armario alguna vez: será oscuro y calentito”. ‘It sounds strange but if I could sleep anywhere, I’d spend a night in a wardrobe. It would be so dark and cosy.’

ANDONI ALDASORO PERIODISTA Aficionado a los aeropuertos y a coleccionar todo tipo de folletos de hoteles y aviones, Andoni ha querido trabajar en revistas de viajes desde que recuerda. Lo ha logrado, aunque aún no ha podido convertirse en el nuevo Ernesto Sábato (el otro sueño de este mexicano). Varios de sus artículos han recibido ya premios, así que no va por mal camino. Fond of airports and hotel brochures, Andoni has wanted to work in travel magazines for as long as he can remember. With his Mexico feature in this issue, he has succeeded, though he has not yet become the new Ernesto Sábato (his other dream; Sábato was a great Argentinian writer). Having received writing awards, though, he is well on his way. “Una vez traté de dormir a la intemperie, entre arañas, en un desierto de Hidalgo (México): la peor noche de mi vida”. ‘I once tried to sleep outdoors, among spiders, in a desert in Hidalgo (Mexico). It was the worst night ever.’

DANIELA LINARES FOTÓGRAFA Después de explorar la fotografía de moda, arquitectura y publicidad, Daniela decidió lanzarse a explorar el mundo y dirigió su carrera hacia los viajes. Con su cámara, captura el espíritu de los lugares, desentrañando los sentimientos que provocan. Nadie mejor que ella para mostrar cómo produce café la Finca Rosa Blanca, en Costa Rica. Having photographed everything from ad campaigns to fashion and architecture, Daniela decided to go and explore the world, focusing on travel. With her camera, she captures the spirit of places, unravelling the feelings they provoke. So who better to show us how Finca Rosa Blanca in Costa Rica produces its delicious coffee? “Pasaría la noche en el volcán Nyiragongo del Parque Nacional Virunga (República Democrática del Congo)”. ‘If I could sleep anywhere, I’d spend a night in the Nyiragongo volcano, in the Virunga National Park (DR Congo).’

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REINVENCIÓN Febrero / February 2016

EDITORIAL

ADVERTISING

INK

Director – Jesús Huarte

Head of Print

[email protected]

Germán Marín Alberca

Chief Executives Michael Keating y Simon Leslie

Editora en inglés

Advertising Director

CFO – Jim Campbell

Imogen Rowland

Patricia Herranz

Subdirector

[email protected]

Group Creative Director Toby Skinner

Santiago Suárez-Viñuela

+44 (0)20 7625 0825

Edición – Ana Valls y

Senior Sales Executives

Steve Handley

Almudena García, Alfredo

Intern – Fátima Deus

Ezquerra, Eduardo Requena,

ARTE Director de Arte Antonio Gálvez [email protected]

Portada/Cover FOTO: Liz McBurney MAQUETA: Francesca Menichelli

08-09 Contributors AV_IRS JF2.indd 8

Editora de Fotografía Regina Wolek

Ernesto Santana y Ana Cañedo Digital and Onboard/Ambient Edith Collins

Group Editorial Director Kerstin Zumstein Group Design Director Jamie Trendall Director of Photography Julia Holmes Sales Director Steve Rowbotham

[email protected]

Group Advertising Director Chris Davies

PRODUCCIÓN

Editado, publicado e impreso por Ink

Responsable – Ana López

Blackburn House,

IBERIA

Reprografía – Mike Gibbon

Blackburn Road,

Director – Juan Cierco

Responsable de Impresión

London, NW6 1RZ, UK

Coordinación – Carolina Moreno

Pete Murphy

+44 (0)20 7625 0700

[email protected] ink-global.com © Ink. Todo el material está sujeto a derechos de autor. Queda terminantemente prohibido distribuir el contenido de la revista o una parte de éste sin autorización expresa del autor. Se ha comprobado la información, precios y datos concretos para que sean correctos en el momento de la publicación. De no ser así, Iberia no es en ningún caso responsable de fallos editoriales. Las opiniones expresadas en Excelente no tienen por qué ser las de Iberia y la compañía aérea declina cualquier tipo de responsabilidad por todo el contenido editorial y publicitario. Depósito Legal: M-17735-2013

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En el estudio de

Familia Plómez FOTO: Pedro

Rus para W18Studio

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Tras conocerse en un curso organizado en la Imprenta Municipal de Madrid, este grupo de amantes de la tipografía fundó en 2010 la Familia Plómez (hoy con 10 miembros). Desde su taller, estos artistas producen obras personales y proyectos comerciales. Además, se han marcado el objetivo de difundir sus técnicas de impresión y tipografía, para lo que se sirven de espectacular maquinaria vintage y, sobre todo, de talento y ganas de divertirse.

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After meeting one another on a course at Madrid’s premier print school, Imprenta Municipal, a group of typography enthusiasts founded the Familia Plómez studio in 2010. Now numbering 10, they produce personal work and commercial projects, and run workshops from their Madrid base. They do all this using a wealth of vintage equipment, from a 1960s proofing press to hand-set type and composing sticks.

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El calendario interminable está compuesto de piezas móviles que encajan en un servilletero. This perpetual calendar is made up of cards holding dates, months and days of the week, enterprisingly set in a napkin holder. La máquina de imprimir es una Korrex Berlin Special de 1960, que llegó de una escuela alemana e imprime hasta 50x70cm. This 1960 Korrex proofing press, which came from a German school, prints at 50cm x 70cm.

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UNA ASOCIACIÓN DE TIPÓGRAFOS RINDE CULTO A LA TRADICIÓN EN MADRID IN THE STUDIO WITH THE FAMILIA PLÓMEZ, MADRID’S BIGGEST FANS OF MOVEABLE TYPE

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El grupo hizo este cartel de gótica estrecha de Koch en 2012, en su primer taller de caligrafía, impartido por Oriol Miró. The group made this poster, set in a Narrow Gothic typeface, in 2012, during its first calligraphy workshop, led by Oriol Miró.

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Este cartel en cuatricomía fue realizado por Vero Gorri. La plancha en linóleo (al lado) se talló con gubias. This four-colour poster was made by Vero Gorri. The lino cut that created it (carved with a gouge) is adjacent.

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En el molde se combinan tipos de madera para el grueso del texto y de plomo para la cabecera. Different sizes of wooden type are placed in a frame for the text, with lead used to hold them in place and ensure correct spacing between lines.

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El grupo colecciona grabados antiguos, como este de una escena de fútbol, que cuentan la historia de las propias imprentas. The group collects antique prints, like this football scene, which tell the story of the print shops.

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Los elementos de esta caja vienen directamente de Wisconsin, regalo del creador Scott Moore. The type ornaments in this case came directly from Wisconsin, a gift from their creator, Scott Moore.

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Regletas y lingotes de distinto grosor y tamaño, funcionan como espacios e interlineado. Different sizes of lead bar separate lines of text. They don't protrude as far as the type, so don't pick up ink.

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Al finalizar un taller con la Familia Plómez, los estudiantes reciben su Diplómez, no homologado (aún). At the end of a workshop, students receive an informal diploma.

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Estos ejemplares de cuadernos para notas están inspirados en la portada del Manuale Tipográfico de Bodoni. These notebooks are inspired by the cover of Giambattista Bodoni’s 1818 Manuale Tipográfico.

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Las reglas de medida están divididas en puntos Didot y cíceros, unidades que sigue la tipografía clásica. Didots and ciceros were two of the first measuring units used to define type size and line spacing.

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Para componer palabras y textos de forma especular (que al imprimir podamos leerlos correctamente), los tipos se colocan uno a uno. Type pieces are set one by one, backwards, in the composing sticks, to form words that read correctly once printed.

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El orden que siguen los tipos en esta caja tipográfica (letra, espacio o signo de puntuación) tiene que aprenderse de memoria. The location of each type piece in this case – letter, space or punctuation mark – must be memorised.

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ÁNGELA MOLINA CRÍTICA DE ARTE DE EL PAÍS @AngelaMolina2

El videoclip resucita a las estrellas de la radio

En el mundo del deporte, los artistas son contratados para diseñar las ceremonias olímpicas o cubrir de gloria a deportistas famosos como si fueran papas y reyes. En 2006, los videoartistas Douglas Gordon y Philippe Parreno realizaron un filme sobre el jugador de fútbol Zidane, que fue rodado en tiempo real durante el partido Real Madrid-Villarreal. Para su ejecución hicieron falta 17 cámaras sincronizadas preparadas para seguir los movimientos del futbolista francés. Algunos críticos calificaron la película de “gran obra de arte”, mientras que otros no vieron más que el retrato en movimiento del que entonces se consideraba el jugador con

más talento del mundo. Gordon y Parreno no habían inventado la pólvora. En 1971, el aclamado realizador Hellmuth Costard firmó la película Football As Never Before sobre el jugador irlandés del Manchester United George Best, con un total de 8 cámaras de 16mm.

Imagen de All is Full of Love (1997), de Björk, de la retrospectiva sobre la artista en el MOMA: Cortesía de Wellhart Ltd & One Little Indian

En nuestra civilización del espectáculo, el arte adquiere tal fuerza que sobrepasa los límites tradicionales de la modernidad –la obra como una forma cerrada, distanciada, intelectualizada– para entrar en una dinámica de superoferta en campos como la publicidad, la moda, la música y el deporte. Hoy, la escenografía de las exposiciones tiene más importancia que la obra presentada, incluso el museo ya no es suficiente para satisfacer los caprichos del artista-estrella, que prefiere exponer en palacios suntuosos y prisiones legendarias, como ocurrió con la retrospectiva de Jeff Koons en Versalles, en 2008 (justo el año del crack financiero), o más recientemente Ai Weiwei, quien diseñó a distancia desde su casa en Pekín –donde cumplía arresto domiciliario– una irónica macroinstalación para la cárcel de Alcatraz, con cometas en forma de dragón y urinarios que eran jarrones de flores.

El cine encapsulado, el videoclip, ilustra el fortalecimiento de la lógica del business en la industria del disco. Madonna contrató los servicios del videoartista Chris Cunningham para la realización de Frozen (1998), una joya del minimalismo. La cantante islandesa Björk también recurrió al cineasta inglés para contar la historia de amor de dos robots (All is Full of Love, 1997). Cuatro años después, en el marco de la Bienal de Arte de Venecia de 2001, Cunningham presentó por segunda vez su controvertido Flex, un vídeo que muestra un agónico baile sexual entre dos cuerpos desnudos con el sonido de fondo del gran Aphex Twin. Britney Spears puso en manos de Chris Marrs Piliero su I Wanna Go (2011), cuyas secuencias finales recuerdan a la cinta futurista de James Cameron Terminator. Más reciente, el rapero canadiense Drake usa como escenario de su pegadiza Hotline Bling las instalaciones de luz del artista James Turrell; y el dúo de Seattle Macklemore & Ryan Lewis nos recuerda en Downtown cómo el centro de la ciudad se ha convertido hoy en un espacio festivo en el nuevo orden transestético. ¿Se acuerdan de aquella canción de The Buggles que repetía de forma machacona que el vídeo había matado a la estrella de la radio? Pues no era eso.

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Imagen de All is Full of Love (1997), de Björk, de la retrospectiva sobre la artista en el MOMA: Cortesía de Wellhart Ltd & One Little Indian

Video made the radio stars In our entertainment-mad world, art has become so powerful that it regularly surpasses its traditional limits – viewing the work as a closed shape, distanced and intellectualised – resulting in its incorporation into the fields of advertising, fashion, music and sport. Today, an exhibition’s venue is almost more important than the work itself, and even the museum is no longer enough to satisfy the whims of the artist-star, who prefers to exhibit his works in sumptuous palaces and legendary prisons. Think of Jeff Koons’ retrospective at Versailles in 2008 (the year the economy tanked). A more recent example is Ai Weiwei, who worked remotely from his home in Beijing – where he was under house arrest – on a huge, ironic installation for Alcatraz, featuring dragon-shaped kites and urinals like flower vases. In the world of sport, artists are hired to design Olympic ceremonies or to heap glory on famous athletes as if they were popes or kings. In 2006, the video makers Douglas Gordon and

Philippe Parreno made a film about the football player Zinedine Zidane, shot in real time during a match between Real Madrid and Villarreal. They needed 17 synchronised cameras trained on Zidane to keep up with his movements. Some critics called the film a ‘great work of art’, while others saw nothing but a motion portrait of the world’s then most talented football player. But Gordon and Parreno’s piece wasn’t anything new; in 1971, the acclaimed director Hellmuth Costard directed the film Soccer as Never Before about Irish-born Manchester United player George Best, which he filmed with eight 16mm cameras. The music video – essentially a short film – illustrates the extension of ‘business logic’ in the music industry. Madonna hired the video artist Chris Cunningham to direct Frozen (1998), a masterpiece of minimalism. The Icelandic singer Björk also turned to Cunningham to recount a love story between two robots (All Is

Full of Love, 1997). Three years later, Cunningham presented his controversial Flex – a video of two naked bodies dancing (or having sex or fighting) to a soundtrack by Aphex Twin, the Erik Satie of electronic music – at the Venice Biennale. Britney Spears brought in Chris Marrs Piliero for I Wanna Go (2011), whose final sequences are reminiscent of James Cameron’s futuristic Terminator. More recently, the Canadian rapper Drake has used James Turrell’s light installations as the stage for his catchy hit Hotline Bling, and the Seattle duo Macklemore & Ryan Lewis’s over-the-top Downtown reminds us how, in the new transaesthetic order, city centres are now public partying venues. It all brings to mind the 1980 song by Buggles that kept repeating over and over that video killed the radio star – only, this time, that’s evidently not the case. Ángela Molina is an art critic for El País 13

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Ángela recomienda/Ángela recommends

Sala de Lina Bo Bardi PERMANENTE/PERMANENT MUSEU DE ARTE DE SÃO PAULO ASSIS CHATEAUBRIAND masp.art.br

La remodelación de la sala de pintura Lina Bo Bardi es la protagonista de Picture Gallery in Transformation. El centro exhibe 119 obras que datan desde el siglo IV antes de Cristo a 2008, en los caballetes de cristal que se presentaron al abrirse el museo en su actual ubicación, en 1968. “El montaje de la arquitecta brasileña marcó un antes y un después en la forma de contemplar la pintura en un museo” The remodelling of the Lina Bo Bardi room is the focus of Picture Gallery in Transformation. The São Paulo museum is showcasing 119 works dating from the fourth century BC to 2008, exhibited on the glass easels used when the museum first opened in its current location in 1968.

Ignasi Aballí HASTA/UNTIL 27/3 MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA, MADRID museoreinasofia.es

Con la muestra Ignasi Aballí: sin principio/ sin final, el museo echa una mirada a la producción del artista a lo largo de la última década. Pinturas, fotografías, vídeos, collages e instalaciones cuestionan la carencia de significado de las imágenes en nuestra sociedad actual. “En la obra de Aballí, la pintura es un hecho y una situación ilimitados” In this new exhibition, Without Beginning/ Without End, the museum focuses on Barcelona-born artist Ignasi Aballi’s work from the last decade. Paintings, photos, videos, collages and installations point out the meaninglessness of our society’s images. ‘In Aballí’s work, painting is an act and a situation, both unlimited’

Leonor Antunes HASTA/UNTIL 17/4 CAPC, BURDEOS capc-bordeaux.fr

Making Africa HASTA/UNTIL 21/2 GUGGENHEIM BILBAO guggenheim-bilbao.es

La primera retrospectiva de la artista francesa en Francia es un diálogo con el espacio circundante, en el que el visitante también participa. Las instalaciones esculturales de la muestra Le plan flexible reflexionan sobre la herencia del modernismo y las diferentes formas de la arquitectura.

El centro bilbaíno analiza en la exposición Making Africa. Un continente de diseño contemporáneo toda la proyección africana en cuanto al arte se refiere, desde objetos y muebles hasta ilustraciones, fotos, cine y artesanía, con una mirada hacia el futuro.

“Antunes hace saltar la nave central de un edificio de piedra sin apenas tocarlo”

“¡Qué error referirse a África como continente! Son 54 países múltiples y múltiplos”

France’s first retrospective of the French artist is also a dialogue with space that the visitor takes part in. The sculptural installations in The Pliable Plane reflect on the legacy of Modernism and architectural forms.

In Making Africa – a Continent of Contemporary Design the museum analyses the totality of Africa’s art. The exhibition includes a variety of media, from furniture to illustrations, photos, films and crafts.

‘With minimal effort, Antunes blasts open the central space of a stone building’

‘What a mistake to think of Africa as one continent. It’s 54 wholly diverse countries’

MASP: Eduardo ortega; Aballí: Cortesía del artista; Antunes: F. Deval, Mairie de Bordeaux; Africa: Obra de Cyrus Karibu fotografiada por Carl de Sauza/AFP/Getty Images

‘The Brazilian architect’s exhibition transformed the way paintings would be looked at in a museum’

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MARLBOROUGH, ARCOMADRID En la próxima edición de ARCOmadrid (24-28 de febrero) Marlborough contará con piezas de artistas internacionales como Richard Estes o Frank Auerbach, así como de Manolo Valdés o Juan Genovés. Tendrán también cabida jóvenes fichajes como Tadanori Yamaguchi, Hugo Fontela, Pablo Armesto y Joaquín Barón. Novedad es la incorporación del legado del artista Antoni Clavé, que tendrá exposición en la galería de Madrid durante ARCO mostrando por primera vez en una exposición conjunta escultura, pintura y sus experimentales e innovadores grabados, que fueron un referente indiscutible. Marlborough se fundó en Londres en 1946 y abrió sedes en Nueva York y Madrid en 1962 y 1992 respectivamente. En la capital española, la calle Orfila acogió su inauguración por Pierre Levai, director de las galerías Marlborough de Nueva York, abriendo al público con una exposición de Francis Bacon. En Nueva York, Marlborough cuenta con tres sedes, en la 57ª Avenida, en Chelsea y en Broome St; en Londres, en Albemarle St.; y Barcelona acoge desde mayo de 2014 un centro en la calle Enric Granados. Taking place from 24-28 February, the 2016 edition of the ARCOmadrid art fair will feature works from Madrid’s Marlborough Gallery, including those by international artists such as Richard Estes, Frank Auerbach, Manolo Valdés and

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Juan Genovés Unísono Acrílico sobre lienzo 130 x 130 cm

Juan Genovés. Young talent will also be showcased, with works by Tadanori Yamaguchi, Hugo Fontela, Pablo Armesto and Joaquín Barón on display. In addition, at the gallery itself during ARCOmadrid there will be an innovative exhibition of works by Catalan artist Antoni Clavé, including prints, sculptures and paintings. The Marlborough Gallery was originally founded in London in 1946, before opening branches in New York in 1962 and Madrid in 1992. In the Spanish capital, Pierre Levai, the director of the New York branch, opened the gallery on Orfila Street with an exhibition of Francis Bacon paintings. Today, New York boasts three galleries, on 57th Avenue, in Chelsea and on Broome Street. The London branch is located on Albemarle Street, and the latest outpost opened in Barcelona’s Enric Granados street. in May 2014.

Galería Marlborough Orfila, 5 Madrid +34 913 191 414 www.galeriamarlborough.com

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Estilo®

JAVIER FERNÁNDEZ ANGULO DIRECTOR DE GENTLEMAN MÉXICO

All you need is love?

Ya en 1580, Góngora se refería a Cupido en un poema como “ciego que apuntas y atinas, caduco dios y rapaz, vendado que me has vendido y niño mayor de edad”. Más de cuatro siglos después, seguimos en manos de este pequeño tirano, que sirve para que el mundo tome, por un día, forma de corazón. Lo que empezó como una inocente y laica tradición anglosajona, ha terminado en una fiesta católica muy comercial. Lo saben desde los vendedores de bombones hasta Ágatha Ruiz de la Prada y los hoteles cinco estrellas con jacuzzi a pie de cama. Los grandes almacenes se ponen en pie de guerra –o mejor dicho de amor– y mientras Macy’s nos aconseja perfumes de múltiples fragancias, Harrods, más picante y más inglés, apuesta por la lencería luxury, y comestible. Tiffany’s nos tiene fichados a todos: ya sabe si somos románticos, exploradores o modernos. Según perfil, aconseja regalo, algunos convertidos en clásicos como el Open Heart de Elsa Peretti, una sabia del metal. La neoyorquina Saks bascula entre el inocente cupcake con Cupido como guinda o los vertiginosos Louboutin, que dan más juego. Pero si temes equivocarte, los grandes almacenes Harvey Nichols en Londres han creado el “happiness hint generator”, que ayuda a dar en el clavo a la hora de regalar. Gracias a este sistema, las mujeres señalan el regalo que siempre

Back in 1580, the Spanish poet Luis de Góngora referred to Cupid in a poem as ‘blind, who aims and hits, an outdated, blindfolded and predatory god, an overgrown child...’ Of Cupid’s victims, he asked, ‘Wretched lovers, members of this brigade, tell me, what guidance can you get from one who is blind?’ More than four centuries later, we’re still under the control of this little tyrant, now used primarily to guilt trip us into making what should be spontaneous romantic gestures. What started out as an innocent and secular tradition in the English-speaking world has become an all-embracing commercial party. And everyone knows it, from the hawkers of heart-shaped bonbons to five-star hotels with bedside Jacuzzis. Department stores gear up for a battle – to conquer your wallet as you win your lover’s heart. Macy’s suggests designer perfumes, naughtier Harrods offers edible lingerie, and Tiffany’s will match your gift to your personality, depending on whether you’re a romantic, adventurous or modern type. An Open Heart by jeweller Elsa Peretti will probably fit all three. Saks flits between recommending its innocent Cupidtopped cupcake and its sky-high Louboutin spikes. But if you’re a disaster at picking out the right gift, there’s a solution at hand: the digital hint generator, created by 17

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han querido y al generoso le llega la pista –si no acierta, es porque no quiere. En versión española, el Corte Inglés permite mandar flores 24 horas al día, para los que solo se acuerdan del amor cuando cae la noche. Sin embargo, ha sido en México donde se ha hecho la campaña más sincera por parte de unos grandes almacenes, la de la declaración de Palacio de Hierro: “Amamos San Valentín”. No reconocerlo es un error, tan grave como los que cometen algunos hombres despistados cuando regalan a sus medias naranjas planchas, sartenes, depiladoras o tratamientos anti-celulíticos. Estos presentes son tan difíciles de aceptar como un champú anti-caída o una prenda del ex: golpes directos al ego. Decían los Beatles que “All you need is love”, pero hay quien se resiste y prefiere a Góngora: “Déjame en paz amor tirano, déjame en paz, de envidia de mi señora, que no me persigas más”. En este caso, el divorcio es el mejor regalo.

Harvey Nichols. Apparently most men have no idea what to buy for their Valentine, and most women aren’t happy with what they receive. With this system, a woman can send a hint about their desired gift to the lucky guy who gets to buy it. In Spain, the El Corte Inglés department store takes orders for flowers 24 hours a day, an easy solution for procrastinators and those who can’t count to 14. However, Mexico is home to the wisest Valentine’s Day marketing campaign, with upscale department store Palacio de Hierro’s slogan, ‘We love Valentine’s’. You’d be mad not to, given the hell awaiting gift-challenged men who buy the love of their life a frying pan or anti-cellulite kit. The Beatles told us, ‘All you need is love’, but besieged by florists, perfumers and jewellers on all sides, some might go with Góngora: ‘Leave me alone, tyrant love, leave me alone, from envy of my lady, and pursue me no more.’ Maybe a divorce is the best gift after all... Javier Fernández de Angulo is editor of Gentleman México

Colaboración/Collaboration

Lujo sobre ruedas La bicicleta es el medio de transporte urbano por excelencia. Por eso, Montblanc se ha unido al fabricante de bicis artesanas Schindelhauer y ha creado la cartera Pannier Case en piel de becerro italiano, que solamente se fabricará por encargo.

LUXURY ON WHEELS The bicycle is the preferred transport of the well-heeled modern urbanite. That’s why Montblanc has partnered with the smallscale bike maker Schindelhauer to create this pannier case, crafted in soft Italian vachetta leather and only available on request.

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EMOCIÓN INTEGRAL.

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Carretera de Logroño, 32 50011 ZARAGOZA Tfno.: 976 300 046

Avenida General Avilés, 36-38 46015 VALENCIA Tfno.: 963 479 199

Calle del Motor, 1, Plg.Ind. Ctra. Amarilla 41007 SEVILLA Tfno.: 954 554 501

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Ctra. Madrid-Irún km 234, Polígono Los Pedernales 09001 BURGOS Tfno.: 947 267 085

TRIDENTE Alameda dos Oceanos, lote 4.65.01 - 1990-203 LISBOA Tfno.: +351 964 149 480

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De viaje/Travel

En forma Perfecta para los que viajan, GymForLess ya está presente en España, Italia, Francia, Alemania y México. La app permite comprar pases diarios a gimnasios y suscripciones mensuales, sin matrícula ni permanencia. Su G4L Club es la primera tarifa plana de centros fitness, con acceso a más de 400.

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Lanzamiento/ Lanzamiento/Launches

Raíz de lujo Jo Malone presenta su nuevo Orris & Sandalwood, diseñado por el maestro perfumero Pierre Négrin. Descrito como la esencia de las colinas toscanas, el perfume unisex cuenta con uno de los ingredientes más valiosos del mercado: la raíz de orris, una planta que crece solamente en las afueras de Florencia, en la Toscana italiana. “El orris se extrae de la raíz y no de la flor, por eso es fascinante. Es profundo y floral al mismo tiempo”, dice Négrin.

Tradición familiar Ramón Monegal, cuarta generación de una familia de perfumeros histórica de Barcelona –trabajaban en su día para la Casa Real española–, lanza su colección en Harrods y un nuevo perfume masculino, Bravo, con esencia de madera, cedro y cassis. “En su origen, la creación es un estado de ánimo bravo. Mi desafío es interpretar ese estado”, asegura Monegal.

THE LUXURY ROOT Jo Malone presents its new Orris & Sandalwood, designed by master perfumer Pierre Négrin. Described as the essence of the Tuscan hills, this unisex perfume has one of the most costly ingredients on the market: orris root, from an iris that grows only on the outskirts of Florence. ‘Orris is fascinating because it’s extracted from the root and not the flower,’ says Négrin. ‘It’s deep and floral at the same time.’

FAMILY TRADITION As the fourth generation of a family of Barcelona perfumers, who have in the past worked for the Spanish royal family, Ramón Monegal launches his new range at Harrods. His latest perfume is the very masculine Bravo, with essences of wood and touches of leather, cedar and cassis. ‘The idea was to create a scent that evokes that valiant, slightly wild bravo state of mind,’ says Monegal.

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Realistas de Ma drid Amalia Avia Antonio López Francisco López Julio López María Moreno Esperanza Parada Isabel Quintanilla

Museo Thyssen-Bornemisza 9 de febrero a 22 de mayo de 2016 Colabora:

No.129696 Museo Thyssen 1pp.indd 1

Antonio López Lavabo y espejo, 1967 Museum of Fine Arts, Boston, Melvin Blake and Frank Purnell Collection © Antonio López, VEGAP, Madrid, 2016

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Moda

KIM CÁCERES COLABORADORA DE ELLE MÉXICO Y HARPER’S BAZAAR EN ESPAÑOL @KimCaceresUSA

Marca conocida busca director desconocido En la industria de la moda, como en el ajedrez, detrás de cada cambio de directores creativos, por más arriesgado que sea el movimiento, siempre hay una estrategia bien pensada. Descifrarla es el gran enigma. Hoy, cuando las grandes marcas buscan diseñadores desconocidos, se habla de una nueva tendencia de privilegiar el diseño sobre el márketing. Esto explicaría el reemplazo de la diseñadora estrella de Gucci, Frida Giannini, por el desconocido Alessandro Michele, que se ha traducido en un éxito tanto creativo como financiero. O el caso de otro gigante de la moda, Balenciaga, que ha dejado ir a Alexander Wang (quien con su sello homónimo había facturado 25 millones de dólares –23 millones de euros– a los 25 años y más de 100 –unos 92– en 2013, y que también colaboró con el gigante textil sueco H&M) para contratar al diseñador georgiano Demna Gvasalia, un nombre muy poco conocido en el medio y que llega a la casa francesa después de su quinta temporada en Vetements, colectivo de moda parisino. Sin embargo, ¿es éste el verdadero motivo que pone en jaque la permanencia de los directores creativos en icónicas firmas europeas? ¿O lo son las presiones a las que están sometidos continuamente? La búsqueda inquieta y desmesurada de mercados y ventas de las compañías, al final del día, pasan factura a quienes cargan con la responsabilidad primordial de ofrecer ideas nuevas seis veces al año con cada temporada (pues hace tiempo dejaron de ser solamente

las que marca el calendario). Me vienen a la mente numerosas entrevistas a diferentes diseñadores a quienes se les enciende la mirada cuando hablan del aspecto creativo de su rol e inmediatamente les cambia el semblante ante la incógnita de si una colección será vendible o no. La cuestión cobra actualidad con la partida de Raf Simons de Dior, la cual sugiere un balance más proporcionado entre la creatividad y el tiempo del que se dispone para incubar ideas. Y una de las más sorprendentes, el adieu! de Alber Elbaz después de 14 años a Lanvin, una marca francesa que el diseñador prácticamente revivió con su inconfundible chic y quien aparentemente no estaba de acuerdo con la dirección de los gerentes. Últimamente se han ido despidiendo también de los legendarios logos europeos nombres como Esteban Cortázar de Ungaro, Marc Jacobs de Louis Vuitton y hasta el excéntrico John Galliano, a quien se le argumenta su conocido exabrupto como consecuencia de las presiones que conllevaba su rol en Dior. Incluso la reconocida periodista de moda Suzy Menkes ha salido a la defensa de los creativos diciendo que, “a los diseñadores –por su naturaleza sensible, emocional y artística– se les está exigiendo demasiado”. Lo positivo es que algunos de ellos como Tom Ford, han probado que hay vida después de Gucci y encontrado una vía de escape a su talento con la libertad de llevar al frente su propio nombre, a una menor escala eso sí, pero no por ello menos relevante. Que Frida Giannini tome nota. 23

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Tough at the top In the fashion industry, as in any high-stakes game, there’s always a well-thought-out strategy behind every move, no matter how risky it might seem to the untrained eye. The difficulty is in figuring out that thinking. Recently, with big-name brands hiring littleknown creative directors, there seems to be a move towards raw talent over star power. This would explain why Gucci showed star designer Frida Giannini the door and replaced her with little-known Alessandro Michele, a move that has resulted in both creative and financial success. Balenciaga is another example: the fashion giant released Alexander Wang (whose eponymous brand raked in $25m dollars when he was just 25 and more than $100m in 2013, and who set up the collaboration with high-street giant H&M), hiring in his place Denma Gvasalia – a virtual unknown – who had been with Vetements for five seasons. Promoting an unknown to dizzy heights and getting great results is obviously appealing to Europe’s flagship fashion companies, but there’s a more compelling reason that the job security of creative directors is on the line: the unrelenting pressure they’re subjected to. The companies’ never-ending search for markets and sales ultimately takes its toll on the people responsible for launching fresh ideas six times a year. Yes, I said six: it’s been a long time since the fashion industry followed the four-season calendar the rest of us use. Numerous interviews with designers

come to mind: men and women whose faces light up when they talk about the creative aspect of their job, and then immediately fall when asked whether a collection is marketable. The issue is more pertinent than ever with Raf Simons’ departure from Dior and the surprise exit of Alber Elbaz after 14 years at Lanvin, the French label that Elbaz helped revive with his unmistakable chic designs – differences with management, apparently. It all suggests the need for a better balance between creativity and the time available for coming up with ideas. In recent times, Esteban Cortázar at Ungaro, Marc Jacobs at Louis Vuitton and even enfant terrible John Galliano have been shown the door, the latter more obviously due to the bad press Dior received because of his severe case of foot-in-mouth disease. The renowned fashion journalist Suzy Menkes is blaming impossible pressure: ‘Designers – by their nature sensitive, emotional and artistic people – are being asked to take on so much. Too much.’ The positive side is that some of them, such as Tom Ford, who has proven that there is life after Gucci, have been able to use their talent to work under their own name. And, while the scale is much smaller, it has proven to be no less relevant. Something Frida Giannini should take to heart. Kim Cáceres writes for Elle México and Harper’s Bazaar en Español

Edición limitada/Limited edition

Talento colombiano Recién cumplidos los 100 años de la llegada de Salvatore Ferragamo a Hollywood, la firma del legendario zapatero ha invitado al creador de Colombia Edgardo Osorio a una colaboración inédita. El resultado combina el homenaje a pares clásicos del creador con la exuberancia y la sensualidad latinas.

COLOMBIAN TALENT

Celebrating the centenary of Salvatore Ferragamo’s arrival in Hollywood, the legendary shoemaker’s company has invited Colombian designer Edgardo Osorio to take part in an unusual partnership. The result combines a tribute to classic style with Latin exuberance and sensuality. 24

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En el entorno actual de tipos de interés en mínimos históricos y de alta volatilidad en los mercados, obtener rentabilidad sin asumir riesgo se ha convertido en una quimera, por lo que es necesario utilizar estrategias de inversión que busquen limitarlo de una manera eficaz.

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Lanzamiento/Launch

Imágenes icónicas La directora creativa de Vogue Grace Coddington ha trabajado con fotógrafos de la talla de Cecil Beaton, Irving Penn, Bruce Weber o Mario Testino, ilustrando la historia de la moda. Por ello, la editorial Phaidon acaba de reeditar Grace: Thirty Years of Fashion at Vogue, donde pueden verse algunos de sus mejores trabajos que han marcado toda una época.

ICONIC IMAGES

This celebration of Vogue creative director Grace Coddington’s work with photographers such as Irving Penn, Mario Testino and Bruce Weber also features insider tales of working with fashion’s biggest names. Now reissued by Phaidon, Grace: Thirty Years of Fashion at Vogue is filled with images that defined an era.

En esta página, siguiendo el sentido de las agujas del reloj desde arriba, imágenes de / On this page, clockwise from top left, images by: Ellen von Unwerth (1992); Arthur Elgort (2001); Steven Meisel (1992); Arthur Elgort (2000)

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Relojes

ANDRÉS MORENO COLABORADOR DE RELOJES EN DAPPER, ESQUIRE, FUERA DE SERIE Y ROBB REPORT @_Andres_Moreno

Reloj complejo para comprador anónimo Quien haya pasado antes por esta columna ya sabrá de mi afición por las listas. Pues bien, una de las más populares, la de los relojes más complicados del mundo, ya tiene nuevo rey. La suiza Vacheron Constantin reunió el pasado año a un pequeño grupo de periodistas para presentarlo. Mi primera impresión de la pieza fue que no es un reloj muy cómodo: tiene un diámetro de diez centímetros por cinco de grosor y pesa casi un kilo; un volumen necesario para acoger los más de 2.800 componentes que guarda en su interior. En total reúne 57 complicaciones entre funciones para garantizar su buen funcionamiento, indicaciones repartidas entre sus dos esferas y unos cuantos ingenios más que mejoran su uso. Su fabricación ha merecido la dedicación exclusiva de tres de los mejores relojeros de Vacheron Constantin durante ocho años. Muchas de las funciones que acoge el Reference 57260 –así se llama– ya estaban presentes en otros modelos del mercado, pero en este aparecen en un formato más exclusivo. La sonería, por ejemplo, tiene cinco tonos diferentes y se activa automáticamente en posición de silencio durante las horas nocturnas (al hablar de cambio “automático”, recordemos que lo hacemos de una pieza mecánica donde no hay ni rastro de electrónica). Sin embargo, el elemento técnico que más llama la atención es la inclusión de un calendario hebreo, un complejo sistema basado en el

ciclo lunisolar metónico de 19 años, que trajo de cabeza a los relojeros porque no existían antecedentes de ningún mecanismo de estas características en la historia de la relojería. Apetecible, ¿verdad? Pues –y lo siento mucho– sepan que es imposible comprarlo. Vacheron Constantin, y aquí viene la parte más increíble de la historia, lo ha realizado a petición de un cliente. Aunque parezca difícil de creer, las manufacturas cuentan con medios limitados para desarrollar sus piezas, principalmente por el reto de encontrar relojeros capaces de fabricarlas. Que la firma haya dedicado parte de ese potencial a la elaboración de un único reloj –y que lo haya mantenido completamente en secreto durante casi una década– es algo que solo merece admiración. Por supuesto, esta exclusividad tiene un precio, aunque nosotros no podamos saberlo: el acuerdo firmado por la manufactura y su comprador exigía no publicar el importe pagado por el mismo, ni tampoco dar a conocer el nombre de su dueño o procedencia. Una cláusula así despierta de inmediato todo tipo de especulaciones. Se cree que el comprador, obviamente judío, vive en la costa este de Estados Unidos. Y, en cuanto al precio, se comenta en el sector que rondaría entre los 5 y los 10 millones de dólares (de 4 a 9 millones de euros), cifras tan complicadas de reunir como el mismo corazón de la joya. 29

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Complicated watch, mystery buyer

Anyone who has read this column before is aware of my fondness for lists. One of my favourites – the list of the world’s most complicated watches – has a new leader, and last September, Vacheron Constantin brought together a small group of journalists to unveil it. My first impression was that it probably isn’t terribly convenient to carry. It’s a pocket watch with a diameter of 10cm, is 5cm thick and weighs nearly a kilo, all of which is needed to hold its more than 2,800 components. Altogether, it boasts 57 ‘complications’ (functions beyond time and date) with displays on two faces. Crafted by three of Vacheron Constantin’s finest watchmakers, who worked on it full-time for eight years, many of the features of the Reference 57260, as it’s called, are common on many models, but here they’re presented all-singing and all-dancing. The alarm, for example, has five different tones and automatically switches to silent during night-time hours – and let’s not forget that we’re talking about a mechanical, not electric, timepiece. However, its most striking technical element is the inclusion of a Hebrew calendar, a complex system based on the wholly obscure 19-year Metonic lunisolar cycle, a real challenge to the watchmakers because it’s

the first time such a mechanism has been attempted in the history of watch making. Fancy one for Christmas? Sorry, it isn’t for sale. Vacheron Constantin created it at a customer’s request, which is more remarkable than it may seem. Top watch manufacturers have limited production resources at their disposal, mainly due to the challenge of finding watchmakers capable of really intricate work. The fact that the firm has spent part of this potential on the development of a single watch – and kept it under wraps for nearly a decade – is worthy of notice. Of course, such exclusivity has a price, even if we don’t know what it is: the agreement signed between manufacturer and purchaser forbids disclosure of the amount paid or the name and origin of the purchaser. This kind of thing immediately arouses speculation. It’s believed that the buyer – probably Jewish, given the calendar – lives on the east coast of the United States. As for the price, the industry estimates $5m–$10m, figures as complicated to reconcile as the heart of this clockwork jewel. Andrés Moreno writes about watches in Dapper, Esquire, Fuera de Serie and the Robb Report

Noticias/News

De premio Coincidiendo con la celebración de los 200 años de la marca, A. Lange & Söhne ha otorgado su galardón Watchmaking Excellence de 2015. En esta edición, la sexta, el estudiante finlandés Reima Koivukoski ha ganado los 10.000 euros del premio por el diseño de un indicador del calendario semanal que imita la inclinación axial de la Tierra.

Rolex/Daniel Forster

PRIZE-WINNING TIME Coinciding with the celebration of 200 years of the brand, A. Lange & Söhne has awarded its Excellence Award for 2015. The sixth annual prize went to Finnish student Reima Koivukoski, who received €10,000 for designing a weekly calendar that displays the axial tilt of the Earth in relation to the Sun.

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“LEVANTAR LA MANO PARA PARAR UN TAXI ES UN GESTO VINTAGE” MYTAXI REVOLUCIONA LA MOVILIDAD DE LAS CIUDADES ¿Cómo ha evolucionado la app mytaxi en el mercado? mytaxi se lanzó en el 2009 como la primera Taxi app del mundo que conectaba de pasajeros con taxistas sin intermediarios. Lo que empezó como un experimento acabó cambiando hábitos y ahora mismo está transformando la movilidad de las ciudades. ¿Qué ventajas ofrece al usuario? emos conseguido simplificar todo el proceso de pedir y pagar el taxi digitalizándolo. Levantar la mano ya se ha convertido en un gesto vintage y pagar con tarjeta ya forma parte del pasado. Buscamos que la experiencia tanto de uso de la App como dentro del taxi ofrezca a nuestros usuarios una solución cómoda, segura y adaptada a las necesidades de cada uno.

valores y una forma más adaptada al ecosistema actual de las ciudades a través de la tecnología. ¿Qué objetivos tenéis para 2016? Por supuesto, seguir creciendo, seduciendo y conquistando. Desde la adquisición por parte de Daimler en 2014, el foco ha estado en la expansión. El año pasado, mytaxi abrió en dos nuevos países (Italia y Portugal) y sumó nuevas ciudades, entre ellas Valencia y Sevilla en España y Cracovia en Polonia. Con estas nuevas aperturas reforzamos nuestro posicionamiento como la App de taxis líder en Europa conectando a más de 50.000 taxistas con miles de nuevos usuarios. Este año nuestro objetivo es seguir expandiéndonos por Europa.

¿Y al taxista? Tenemos claro que nuestro principal activo son los taxistas y que sin ellos mytaxi no existiría. La aplicación les permite organizarse su agenda (a través de las reservas anticipadas) o crearse su propia cartera de clientes. Además, recientemente hemos incorporado un programa de incentivos según su rendimiento. ¿Qué tipo de promociones hacen y qué respuesta tienen? La más conocida es nuestra campaña del 50% en la que regalábamos a los usuarios la mitad del coste de la carrera. También tenemos un programa en el que pueden recomendar la aplicación a quienes quieran regalando un código de descuento y en caso de ue éste se utilice, ellos también se benefician del mismo descuento. Pretendemos dinamizar el sector del taxi, porque aún hay mucha gente que piensa que moverse en taxi es caro. Con estas campañas hemos comprobado que los usuarios se animan a utilizarlo más. ¿Qué valor tiene para mytaxi la opinión de los usuarios? Lo que hemos hecho es darles el poder a ellos. Ahora los usuarios pueden valorar y opinar sobre el servicio prestado al momento. Esto nos sirve para tener un control de la calidad que estamos ofreciendo. Gracias a sus opiniones podemos aprender de sus hábitos de consumo y así poder ofrecerles el mejor servicioPor otro lado, los taxistas también pueden aprender de estas valoraciones para ofrecer un servicio más ajustado a las expectativas de los pasajeros. ¿En qué se diferencia mytaxi de otras apps como Uber? La principal diferencia es que mytaxi trabaja e clusivamente con licencias de ta i oficiales de manera totalmente legal y legítima. No somos un elemento ajeno al taxi, formamos parte de la comunidad ofreciendo nuevos

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HÉCTOR IZQUIERDO JEFE DE SECCIÓN DE MOTOR DE GQ ESPAÑA @Infhector

¿Me imprime este coche? Miguel Ángel, el genial artista de la época del Renacimiento, solía explicar que su oficio consistía, básicamente, en eliminar de un sillar de mármol la piedra que le sobraba. Tradicionalmente, el trabajo de los diseñadores de coches se ha fundamentado en lo mismo, aunque en su caso, la materia prima ha sido siempre, por su ductilidad, un gran bloque de arcilla de automoción. En 1988, Ford se fijó en una incipiente tecnología que podía cambiar este método centenario de sustracción por otro de adición: la impresión en 3D. Desde entonces, el invento ha alcanzado tal grado de madurez que ya es una herramienta imprescindible en los centros de I+D de todas las marcas, para ensayar distintas soluciones técnicas o estéticas. Muchas de las piezas de los concept cars que admiramos en los salones del automóvil llevan su sello: parrillas delanteras que parecen un bajorrelieve futurista, llantas de aleación dignas de ser colgadas en un museo de arte moderno o interiores que se asemejan al puesto de mando de la nave Enterprise… Sin la impresión en 3D, que permite confeccionar casi cualquier cosa que se pueda dibujar en un ordenador, tales fantasías habrían sido imposibles. Por añadidura, representa un considerable ahorro de tiempo y dinero –lo que antes

llevaba tres días de trabajo manual ahora lo hace un robot en dos horas y media. Es poco probable que conduzcamos en un futuro cercano coches de serie que se fabriquen íntegramente de este modo, pero su manufactura artesanal ya es posible. Gracias a las novísimas impresoras 3D de metal, no hay pieza que se resista –las máquinas tradicionales utilizan distintos tipos de material plástico. Audi, por ejemplo, acaba de reproducir –a mitad de su tamaño original– una réplica del Auto Union Type C de 1936 y no sería de extrañar que, en los próximos años, alguna pequeña compañía se anime a ofrecer kit cars individualizados. Ojear un catálogo, elegir un modelo y pedir que nos lo impriman ha dejado de ser ciencia ficción. Por el momento, ya es una tecnología vital a la hora de producir piezas complejas o de ampliar el abanico de opciones de personalización; y será clave también en la fabricación de repuestos a medida, sin duda una gran noticia para los amantes de los clásicos. Los conductores golosos también están de enhorabuena: un grupo de ingenieros españoles acaba de desarrollar una impresora 3D de cacao. No creo que ningún gobierno vaya a homologar un coche de chocolate, pero nadie va a negar que suena delicioso, ¿no?

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Motor

Audi ha creado una réplica a escala 1:2 del modelo de carreras Auto Union Type C de 1936, usando una impresora 3D de metal Audi has created a 1:2 replica of the 1936 Auto Union Type C using a 3D metal printer

Baby you can print my car The great Renaissance sculptor Michelangelo used to explain that his craft consisted of chipping away all the extraneous marble until the figure hidden inside was revealed. Traditionally, the work of automotive designers has been more or less the same thing – although, because they need to work with a mouldable medium for their scale models, they used clay. In 1988, however, Ford identified an emerging technology that would change this centuries-old technique of creation by subtraction to one of addition: 3D printing. Fast-forward almost 30 years, and the invention has matured to the point that it is now an essential tool in every automaker’s R&D department as the company tests different techniques and aesthetic approaches. Many of the parts in the concept cars we love to gawk at in auto shows bear

the signature of the 3D printer: front grilles that look like a futuristic basrelief, alloy wheels that would fit in at a museum of modern art, and interiors that remind you of the bridge of the starship Enterprise. Without 3D printing – which makes it possible to manufacture almost anything you can draw on a computer – such fantasies would have been impossible. Just as important, it offers a significant saving of time and money; what used to take a worker three days can now be done by a robot in two hours. Though early 3D printers used plastic, the latest generation can produce almost any part needed by building up layers of metallic powder. Audi, for example, has just recreated a 1936 Auto Union Type C racing car – albeit at half-size. 3D printing has already become an important

tool for creating complex parts and increasing the range of personalised options. It won’t be long before it’s used to manufacture replacement parts – great news for classic car lovers. While it’s unlikely we’ll all be driving entirely 3D-printed cars any time soon, small-scale manufacturing is already perfectly possible. Some start-up may begin to offer a personalised build-your-own service. Leafing through a catalogue, picking out a model and asking for it to be printed is no longer science-fiction. Chocolate-loving drivers are also in luck: a group of Spanish engineers has just developed a 3D chocolate printer. There’s probably no chance of ever driving one, but a chocolate car certainly sounds tasty. Héctor Izquierdo is the motoring editor of GQ Spain 33

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Gastro

JOSÉ CARLOS CAPEL CRÍTICO GASTRONÓMICO DE EL PAÍS Y PRESIDENTE DE MADRID FUSIÓN @JCCapel

Gastronomía de cine Pocas películas me siguen resultando más actuales que Playtime (1967), a pesar de contar con medio siglo a sus espaldas. En el París de finales de los 60, la inauguración de un restaurante da pie al director Jacques Tati para regodearse en escenas tan mordaces como divertidas. El caos de un pretencioso servicio de sala, capaz de flamear varias veces un mismo rodaballo ante la perplejidad de comensales indefensos y el efecto de sillas de diseño que rasgan los vestidos de elegantes clientas son caricaturas de situaciones a las que, confieso, yo mismo he asistido en directo. La gran pantalla no siempre acierta al hablar de comida: uno de sus mayores errores culinarios quedó de manifiesto en el famoso El festín de Babette (1987), dirigido por Gabriel Axel y protagonizado por su musa sentimental Stéphane Audran. Una cocinera, al preparar el plato estrella de la cena –codornices en hojaldre–, introduce las aves ¡crudas! dentro de volovanes listos para comer que vuelven a ser horneados hasta su carbonización absoluta, resultado que el filme oculta. Más coherente es la receta de salsa de tomate que se describe en El Padrino (1972), de Francis Ford Coppola. El capo Peter Clemenza, aparte de ajo y tomates frescos, incorpora vino y un pellizco de azúcar (su toque secreto). Siempre que en algún lugar se anuncia una reproducción de la hilarante película Muslo o pechuga (1976), de Claude Zidi,

interpretada con desparpajo por Louis de Funès, me apunto a verla. Es otra de mis favoritas. El tiempo no pasa para disfrutar con los gestos de un presunto inspector de la guía Michelin que intenta pasar inadvertido en su visita a los restaurantes. Debido a mi devoción por el arte de cortar pescados he visto también Comer, beber, amar (1994) dirigida por Ang Lee, un filme más profundo de lo que aparenta. Recomiendo también la comedia Deliciosa Martha (2001), dirigida por Sandra Nettelbeck, y su segunda versión, Sin reservas (2007) dirigida por Scott Hicks e interpretada por Catherine Zeta-Jones, de menor valor que la primera, a mi juicio. Eso sí, en ambas la cocina se trata de manera muy seria. Entre mis preferidas también figuran Nueve semanas y media (1986), El cartero siempre llama dos veces (1981) y Como agua para chocolate (1992), que de manera directa o velada replantean la –inexistente en mi opinión– relación entre sexo y comida. Pero es que las asociaciones son libres: en estos dos últimos años, al degustar las especialidades de la nueva casquería que han impulsado dos cocineros de la talla de Javi Estévez (La Tasquería, Madrid) y Francis Paniego (Hotel Echaurren, La Rioja), con lenguas, entrañas, morros y riñones, no he podido evitar acordarme de Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) en El silencio de los corderos (1991), aunque lo de revolver estómagos, mejor para otra columna… 35

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Lights, camera, dining

Despite its age, few films appear more relevant to me than Playtime (1967). In the Paris of the late 60s, a restaurant opening lets director Jacques Tati revel in scenes that are as scathing as they are hilarious. The chaos of snooty table service, the turbot – flambéed and re-flambéed to the bewilderment of the defenceless diners – and the effects of the designer chairs tearing their elegant clothing are caricatures of scenes that I’ve actually experienced. The big screen doesn’t always get food-related matters right, though: one of its biggest culinary errors took place in the famous Babette’s Feast (1987), directed by Gabriel Axel and starring his muse, Stéphane Audran. When the titular Babette (played by Audran) prepares quail in puff pastry, she puts the raw (!) birds into already-baked puff pastry. In the oven, the pastry would be burnt to a crisp before the birds were cooked – a conclusion the film doesn’t

show you. A more convincing, and indeed useful, recipe is the ‘meatball Sunday sauce gravy’ described in Francis Ford Coppola’s The Godfather (1972); along with garlic and fresh tomatoes, the mob boss Peter Clemenza adds a splash of wine and a pinch of sugar (his secret touch). Whenever there’s a screening of Claude Zidi’s hilarious The Wing or Thigh? (1976), I’m sure to stay up past my bedtime. It’s never too late to enjoy the adventures of a Michelin Guide restaurant critic – masterfully played by Louis de Funès – who tries to remain anonymous while visiting restaurants. Because of my devotion to the art of cutting fish, I’ve also seen Eat Drink Man Woman (1994) on numerous occasions. Directed by Ang Lee, it’s far more profound than it initially appears. I also recommend the comedy Mostly Martha (2001), directed by Sandra Nettelbeck, and its adaptation, Scott Hicks’s No Reservations (2007) starring Catherine

Zeta-Jones. Not quite as good as the original, but that said, food is treated quite seriously in both. Other favourites include 9½Weeks (1986), The Postman Always Rings Twice (1981) and Like Water for Chocolate (1992), all of which – directly or indirectly – rethink the non-existent relationship between sex and food. But free association is not limited to the screen: over the last two years, when I’ve sampled the specialities of the ‘new offal’ offered by two chefs – Javi Estevez (La Tasquería) and Francis Paniego (Hotel Echaurren) – featuring tongue, entrails, snout and kidneys, I couldn’t help but think of Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) in The Silence of the Lambs (1991), though if we want to talk about turning stomachs, I’ll need a whole other column. José Carlos Capel is a food critic for El País and president of Madrid Fusión

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LA SOLUCIÓN DEFINITIVA PARA RECUPERAR TU PELO: EL ROBOT ARTAS Y LA EXCELENCIA DE LA CLÍNIC A IMEMA THE DEFINITIVE SOLUTION TO RESTORE YOUR HAIR PERMANENTLY: THE ARTAS ROBOT AND THE EXPERTISE OF MADRID’S CLÍNIC A IMEMA Clínica IMEMA ha sido la primera clínica europea en recibir la acreditación como Artas Clinical Excellence. En un acto presidido por el Consejero de Sanidad de la Comunidad de Madrid, el vicepresidente mundial de Restoration Robotics entregó al Dermatólogo Eduardo López Bran, Director de IMEMA, la acreditación de excelencia en trasplantes de pelo con robot. IMEMA es la primera Clínica en Europa en disponer de la segunda generación del Robot Artas. El Dr Eduardo López Bran es uno de los cinco miembros del Consejo Asesor Médico Mundial para el desarrollo de mejoras en la tecnología robótica. Con el robot Artas y la experiencia de Clínica IMEMA se logran trasplantes de pelo definitivos, indetectables, sin cicatrices, utilizando la tecnología más avanzada. Clínica IMEMA was the first clinic in Europe to be awarded the Artas Clinical Excellence accreditation.The company was given this accreditation in robotic hair transplants in a ceremony led by the Minister of Health of the Community of Madrid. The global vice president of Restoration Robotics presented it to dermatologist Eduardo López Bran, director of IMEMA. Clínica IMEMA is the first centre in Europe to have the secondgeneration Artas robot. Dr Eduardo López Bran is one of the five members of the world medical advisory board developing robotic technology.The Artas robot, along with the experience of the team at Clínica IMEMA, means they can achieve undetectable hair transplants without leaving scars, using the most advanced technology.

Dr. Eduardo López Bran (Doctor y Fundador de Clinica IMEMA) Jesús Sánchez Martos (Consejero de Sanidad de la Comunidad de Madrid) Mr. Brent Nixon (Vicepresidente de Restoration Robotics, Inc)

Clínica IMEMA Juan Hurtado de Mendoza 15, Madrid, Spain +34 91 359 77 07, imema.es

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ALBERTO FERNÁNDEZ-BOMBÍN GASTRÓFILO, SUMILLER Y PROFESOR DE CATA

Jerez, el Ulysses del vino Confieso que cuando tenía 17 años, en un verano burgalés especialmente aburrido, el padre de un amigo, catedrático de literatura para más señas, me recomendó “la mejor novela en lengua inglesa del siglo XX”: el famoso Ulysses de James Joyce (1922). Tras 100 páginas, abandoné por KO técnico –era mirarlo de reojo y sentir unas irremediables ganas de dormir. Casi 30 años después de mi fugaz experiencia, se sigue considerando como una de las novelas más importantes de la historia y, su lectura, tarea imprescindible para los defensores del canon literario occidental. Ahora les contaré un secreto: es mentira, es uno de esos libros que muchos dicen haber leído, pero que pocos han terminado. Con los vinos de Jerez pasa algo parecido. Cuando le preguntan a algún profesional del sector (cocinero, sumiller...) por sus vinos favoritos, en la lista siempre aparece Jerez, y al igual que con la lectura del Ulysses, también es mentira. No me malinterpreten. A diferencia de lo que me pasa con Joyce, desde hace dos décadas no imagino la vida sin un par de botellas de Jerez en la nevera, pero los cientos de ellas que he descorchado con gusto en todos estos años no han sido suficientes para subir la media. Un rápido vistazo a las estadísticas demuestra que, desde mediados del siglo XX, se bebe muy poco Jerez en España. Paradójicamente, este fracaso explica en parte por qué Olorosos, Amontillados y Palos Cortados de talla mundial han podido evolucionar

lentamente, afinándose durante décadas en la oscuridad de las bodegas jerezanas, convirtiéndose por el camino en los mejores vinos del mundo, al menos para el que esto escribe. Afortunadamente las cosas están cambiando y poco a poco los jereces están colonizando las cartas de vinos de los mejores restaurantes del mundo. La revolución está en marcha. Busquen las Palmas de González Byass o cualquiera de las “sacas” del Equipo Navazos. Sobornen a quien sea necesario para hacerse con una botella de Toneles de Valdespino o de Reliquia de Barbadillo. Atrévanse con las rarezas de Willy Pérez. Potencia, elegancia, complejidad, finura, intensidad, carácter, equilibrio, magia... Encontrarán todo eso y mucho más en una copa de Jerez, y a unos precios ridículos si los comparamos con cualquiera de los grandes vinos del mundo. En 1976, en el denominado “juicio de París”, algunas de las mejores narices de Francia confundieron los ahora famosos cabernet de Nappa Valley con los grandes vinos franceses. Tamaña herejía sería imposible hasta para el catador menos avezado, con un fino, una manzanilla o un Pedro Ximénez jerezano. Su singularidad los convierte en absolutamente inconfundibles hasta para un principiante. Y esto, en un mundo globalizado como en el que vivimos, donde los vinos se parecen cada vez más entre sí, es algo impagable. 39

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Sherry, the Ulysses of wine

A confession: during a particularly boring summer when I was 17, a friend’s father (who was an English Lit professor) recommended ‘the best English-language novel of the 20th century’: James Joyce’s immortal Ulysses, published in 1922. I gave it my best for 100 pages, but soon surrendered to the interminable yawns provoked by just looking at the tome. Nearly 30 years after that fleeting experience, it’s still considered one of the most important novels ever and is required reading for lovers of the Western literary canon. But let me share a dirty little secret: it’s all a lie. Ulysses is one of those books that everyone claims to have read but very few actually have. Sherry is no different. When you ask restaurant industry professionals to name their favourite wines, sherry often makes the list, but – like Ulysses – it’s a lie. Don’t get me wrong: unlike my relationship with Joyce, for the last two decades I’ve been unable

to imagine life without a couple of bottles of sherry stashed in my fridge, but the hundreds of them I’ve lovingly uncorked have done surprisingly little, if anything, to increase the average global consumption rate. A quick glance at the stats shows why: since the mid-20th century, Spaniards have been drinking very little sherry. Paradoxically, this lack of demand has allowed world-class Olorosos, Amontillados and Palos Cortados to slowly evolve and refine themselves in Jerez’s dim wine cellars, becoming along the way (in this writer’s humble opinion) the world’s finest wines. Fortunately, things are slowly changing and sherries are gradually appearing on the wine lists of some of the world’s top restaurants. The revolution has begun. Get a hold – if you can – of González Byass’s Palmas, or any of Equipo Navazos’ sacas (‘extractions’ – sherry was once called ‘sack’ in English, from this word). Bribe

whoever you need to in the hopes of scoring a bottle of Valdespino’s Toneles or Barbadillo’s Reliquia. Take your chances with Willy Pérez’s idiosyncratic offerings. Power, elegance, complexity, finesse, intensity, character, balance, magic… You’ll find all that – and more – in a glass of sherry, and at ridiculously good prices when compared to any of the world’s great wines. In 1976, at the so-called ‘Judgement of Paris’, some of France’s finest noses confused the now famous Napa Valley Cabernet with great French wines. This blasphemy would be simply impossible – even for the less experienced taster – with a fino, a manzanilla or a Pedro Ximénez. Their uniqueness makes them absolutely unmistakable, even for the rankest of novices. And – in a globalised world where wines are becoming increasingly indistinguishable – that’s utterly priceless. Alberto Fernández-Bombín is a sommelier and gastrophile

Para iniciarse/Find out more PUEDES LEER/READ

Jerez, Xerez, Sherish

Libro de Manuel Mª González Gordon

Sherry, Manzanilla & Montilla: A Guide to the Traditional Wines of Andalucía

Guía de Jesús Barquín (co-responsable de Equipo Navazos) y Peter Liem

PUEDES VER/WATCH

Jerez y el misterio del palo cortado/ Sherry and the Mystery of Palo Cortado Documental de J.L. Linares

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Carlos Urroz TEXTO: Jesús Huarte FOTO: Juanjo Molina

Con motivo de la 35ª edición de la feria internacional de arte contemporáneo ARCOmadrid, que se celebra en la capital entre los días 24 y 28 de este mes, hablamos con su director sobre coleccionismo, regeneración y, cómo no, sobre arte ¿Cuál ha sido la evolución de ARCO en los cinco años que llevas como director? La feria se ha adaptado a la actual situación económica, se ha vinculado más a Madrid –la ciudad, las instituciones y la gente– y se ha orientado a Latinoamérica. Hay una sección dedicada a artistas latinos y un encuentro entre museos de Europa y América Latina desde los contenidos hasta las compras de la Fundación ARCO, las charlas y los invitados. ¿Cómo habéis enfrentado la crisis? Como no había un mercado local fuerte, hemos importado demanda y traído a muchos coleccionistas invitados. Vienen casi 300 parejas que compran arte, grupos de museos de Norteamérica, compradores institucionales… Además a la gente le encanta venir a Madrid y disfrutar, de paso, del Reina Sofía, el Prado o el Thyssen. ¿Quién compra en ARCO? La feria es un vínculo entre Latinoamérica y Europa, fruto de mucha investigación. Esto se traduce en que coleccionistas europeos vienen en busca del arte latino, y muchos latinos vienen a comprar obras de artistas europeos que no llegan a sus países. Y el arte español, ¿a quién interesa más hoy? Es verdad que hay varios artistas españoles que atraen mucho en Latinoamérica, y sobre todo en Europa Central, pero yo creo que cada artista tiene que encontrar su territorio. Hay algunos que destacan en EE UU por su proyección. Otros gustan más en Asia, como Secundino Hernández. ¿Y el mejor artista de esta edición? No sería uno solo, sino 35 galerías con dos creadores cada una, que forman la sección Imaginando otros futuros, un destilado de 42

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lo que han supuesto estos años de ARCO. Es pronto para decirlo, pero hay proyectos muy interesantes de colaboración de artistas y creadores que están inspirados el uno en el otro.

El desayuno de Carlos “Té rojo chino Pu-erh y una tostada con jamón”

¿Se puede llegar a prever el resultado de una feria como esta? Una feria es un collage de galerías. Todas tienen algo interesante, pero de repente hay una que te sorprende con un solo de un artista y piezas increíbles. Esa sorpresa es la magia del evento y el mayor reclamo para descubrirlo in situ, viendo cómo el arte interactúa con el público y el espacio. Con este aniversario, ARCO sale de IFEMA. Sí, otros años ha sido el país invitado el que ha hecho la labor de expandirse. Este año, al no tener país invitado por el aniversario, era nuestra obligación salir a la ciudad. Nuestro comisario Javier Hontoria ha hecho un proyecto estupendo. Hemos contado además con la complicidad del Ministerio de Cultura que nos ha dejado diferentes espacios a los que luego se han añadido otras instituciones. ¿Cuáles son espacio y propuesta preferidas? Me gusta la exposición del brasileño Adriano Amaral en La Tabacalera. Es también muy interesante volver a montar una pieza histórica de los años 70 de Fina Miralles, una artista conceptual catalana, que se instalará en el Museo Arqueológico. ¿Qué aconsejas a un coleccionista novel? Si va a comprar algo muy caro, que se asesore, pero lo fundamental es que lo que compre le guste, que le transmita algo, que lo que le cuenten sobre el artista y el galerista le interese. Hay que comprar con los ojos, pero también con los oídos. 42

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Desayuno con

Carlos Urroz, fotografiado en la Tabacalera

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Breakfast with...

Carlos Urroz TEXT: Jesús Huarte PHOTO: Juanjo Molina

The 35th edition of the ARCOmadrid contemporary art fair is being held on 24–28 February. We sit down with its director to talk about art, collectibles and regeneration How has ARCO evolved over your five years as director? The fair has adapted to today’s economic situation; it’s been linked more to Madrid – the city, its institutions and people – but also orientated towards Latin America. There’s a section dedicated exclusively to Latin American artists, and a confluence between European and Latin American museums. How have you dealt with the recession? As there wasn’t a strong local market, we imported demand and invited foreign collectors. We’re visited by almost 300 couples who buy art, we bring in groups from US museums, institutional buyers... we take advantage of the fact that Madrid is such a great host city: people love to come and enjoy the Reina Sofía, Prado and Thyssen museums alongside the fair. Who buys at ARCO? The fair is a link between Latin America and Europe. This means that many European collectors come because of their interest in Latin American art, and many Latin American collectors come to buy works by European artists working with major galleries that don’t always make it to their countries. We do a lot of research on new collectors and curators. What about Spanish art; who are today’s hot artists? There are several Spanish artists who have followers in Latin America and Europe – especially Central Europe – but I think every artist has to find his or her own territory. Some are more popular in the US, and there are others with more fans in Asia, like Secundino Hernández.

Carlos’s breakfast ‘A cup of pu-erh tea and toast with ham’

What’s the most important name this year? It’s not an artist, but 35 galleries – each with two artists – which have been key in the history of ARCO. These make up the Imagining Other Futures section, which attempts to distil what these 35 years at the fair have meant. This year, ARCO goes beyond its usual home at the IFEMA exhibition centre… Yes, usually it’s the guest country’s job to expand the event, but this year there’s no guest country, so it fell to ARCO, and we’ve made our city the big feature. Curator Javier Hontoria has put together a fantastic project: Año 35. Madrid. We’ve also enjoyed the support of the Department of Culture, which has made unusual spaces for contemporary art available to us. What are you most looking forward to? I like the sound of Adriano Amaral’s exhibition, which will be held in the Tabacalera [Madrid’s imposing tobacco factory turned cultural centre]. He’s a very young Brazilian artist and it’s going to be something completely new. Another interesting project is the reassembly of an installation from the 70s by the Catalan conceptual artist Fina Miralles in the Archaeological Museum. The idea of the archaeology of the recent past in a place full of ancient history will add a new nuance to the piece. Any advice for novice collectors? If you’re going to spend a lot of money on something, get an expert opinion, but the main thing is to like what you buy. It should speak to you, and you should find the artist and their work interesting. You have to buy with your eyes and your ears.

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RICH PICKINGS IN COSTA RICA, THE LOCAL PASSION FOR COFFEE IS MATCHED BY FARMERS’ DEDICATION TO MAINTAINING THE NATURAL ENVIRONMENT

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DE LA TIERRA

EN LA FINCA ROSA BLANCA, A TAN SOLO UNA HORA DE SAN JOSÉ DE COSTA RICA, EL CAFÉ TIENE EL SABOR DE LA NATURALEZA TICA TEXTO: Michelle

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Soto

FOTOS: Daniela

Linares

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La Finca es un ejemplo perfecto de turismo sostenible: se cultiva café orgánico sin hacer uso de pesticidas y se cuenta con un plan de reciclaje y regeneración Finca Rosa Blanca is a perfect example of sustainable tourism: organic coffee is grown without the use of pesticides, adhering to a strict green ethos

Basta dar el primer sorbo a una taza de café tico para sentir cómo colma el paladar la tradición de Costa Rica. El gusto proviene de la naturaleza de la región y, en él, también se puede percibir un tipo de acidez que se nutre del protegido suelo volcánico, de la lluvia, de las aves y del café mismo. Por eso no es de extrañar que en la Finca Rosa Blanca, frente a la exuberancia de unas vistas de postal, la infusión se disfrute despacio, como si a cada sorbo los lugareños intentaran tomar también un poco del paisaje. En tan solo 12 hectáreas, Rosa Blanca ejemplifica como nada la cultura cafetera nacional con 200 años de historia, y contando. La Finca comulga a la perfección con los esfuerzos de conservación tan actuales en el país –desde su nacimiento en 1985, el proyecto ha buscado la sostenibilidad con un plan propio de regeneración y reciclaje. Hoy tiene el nivel más alto de certificación ecológica (cinco hojas verdes), en un país que prácticamente inventó, sin saberlo, el concepto de ecoturismo. El complejo fue fundado por una pareja de californianos, Teri y Glenn Jampol, una chef y un constructor que se enamoraron de la zona y decidieron cultivar su

propio café (hoy certificado como orgánico por la Rainforest Alliance), en lo que soñaron como “un templo de la naturaleza”. Alojarse en el paradisíaco enclave de Santa Bárbara de Heredia, a menos de una hora de la capital costarricense, San José, y apenas a 20 minutos del Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, no solamente permite degustar la rica producción. Huéspedes y visitantes pueden además conocer de primera mano todo el proceso de elaboración del café, desde la siembra de los cafetos hasta la recolecta a mano y el tueste, en lo que la Finca ha venido a llamar el Tour de Café. “Mezclamos la idea de naturaleza con las mejores prácticas de agricultura y eso, junto con el turismo, nos permite enseñarles a las personas que viven en las ciudades y ni siquiera saben de dónde viene su comida, cuál es el aspecto de la planta que les da el café que toman para desayunar cada mañana. Este turismo que practicamos aquí es un concepto educativo, recreativo y cultural”, comenta Glenn. Desde su llegada a Costa Rica, el propietario de la Finca se ha empapado de la cultura del café

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El Tour de Café organizado por Rosa Blanca muestra a huéspedes y visitantes cómo los arboles que circundan al cafeto influyen en el sabor de las semillas o cerezas del café The Finca Rosa Blanca tour shows guests and visitors how the trees that surround the coffee plants influence the flavour of the beans

It takes just one sip of Costa Rican coffee to experience the island’s tradition flooding your palate. That flavour, with its distinctive acidity, is born of the land, its protected volcanic soil, the rain and the wildlife, as well as the coffee bean itself. So it’s not surprising that guests at Finca Rosa Blanca, a plantation and eco-holiday resort 20 minutes from Juan Santamaría airport, savour their coffee slowly, as if trying to take in the verdant landscape with each sip. Rosa Blanca is a fine example of the country’s coffee culture, 200 years old and counting. The farm, with just 12 hectares of coffee fields, is perfectly in tune with the country’s current conservation efforts: since its founding in 1985, it’s worked towards sustainability with its own regeneration and recycling plan. Today, it boasts Costa Rica’s highest level of environmental certification in a country that practically invented the concept of ecotourism without even knowing it. The venture was founded 31 years ago by Teri and Glenn Jampol, a Californian builder and his chef wife who fell in love with the area and decided to

grow their own coffee (now certified organic by Rainforest Alliance) on land that they conceived of as a ‘temple of nature’. Situated in the idyllic district of Santa Bárbara de Heredia, Rosa Blanca not only allows guests to enjoy drinking the fruits of their labour, they can also have a first-hand look at the entire coffee production process, from planting the trees to harvesting the beans by hand and roasting them. ‘We mix the concept of nature with the best practices in agriculture,’ says Glenn. ‘This, along with tourism, allows us to teach people who live in cities – people who don’t even know where their food comes from – about the plant that gives them the coffee they enjoy for breakfast every morning. The experience is designed to be educational, recreational and cultural.’ Tourist guide Ulises Zúñiga agrees, saying that visitors get a taste of the real Costa Rica via its beloved drink. ‘Costa Ricans drink a lot of coffee. Traditionally, we don’t drink much espresso, cappuccino, mocha and the like. We tend to prefer black coffee or coffee with milk, hopefully made with 49

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“ES POSIBLE PRODUCIR CAFÉ DE MANERA ORGÁNICA Y DEFENDER EL MEDIO AMBIENTE”

y lo disfruta a la tica. “El costarricense bebe mucho café. Tradicionalmente no tomamos tanto expresso, capuccino, mocha o similar. Aquí lo que siempre se encuentra uno es el café negro solo o con leche, y, muchas veces, chorreado”, comenta Ulises Zúñiga, guía turístico local, sobre la forma más típica de filtrar la infusión en Costa Rica: a través del chorreador, un instrumento formado por un marco de madera y un filtro de tela. La variedad de Finca Rosa es arábiga. Desde 1989, en Costa Rica solo se siembra este tipo de café, y dado que por una cuestión geográfica el país no puede competir en cantidad, se ha hecho una apuesta por ser los mejores en calidad. “Esta plantación está ubicada a 1.300 metros sobre el nivel del mar. La temperatura a esta altitud –entre 16 y 24 grados– endurece la semilla y hace que aguante más tiempo en el tostador y libere aún más los olores y sabores. Su cultivo se combina con el de otras plantas como mano de tigre y lirios amarillos, así como con 50 especies de árboles nativos como porós y guarumos. Las plantas y árboles fijan los nutrientes al suelo. Sus hojas y 50

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En la página opuesta: el ecosistema creado en el complejo natural costarricense promueve la convivencia de un sinfín de aves, felinos y de diferentes árboles y plantas. En esta página: el proceso de producción del café en la Finca comienza con la recolecta a mano de los frutos, a los que se quita la parte exterior para obtener la semilla Opposite: the natural ecosystem of the plantation promotes a large variety of wildlife, trees and plants. Above: fruit is hand-picked, then shelled to separate the beans

the traditional chorreador,’ he explains, referring to the typical way of making coffee here, using a drip-bag system. The bean comes from Coffea arabica, the only species planted in Costa Rica since 1989. Because of its geography, the country can’t compete with other producers in terms of quantity, so it’s made a commitment to quality. Arabica tastes better than the more common Robusta, but is more sensitive to bugs and gives a lower yield. At Rosa Blanca, this delicate, premium crop has a perfect home. ‘The plantation is 1,300m above sea level,’ says Ulises. ‘This altitude is the reason for the temperature of 16ºC to 24ºC that toughens the seeds and makes it possible for them to undergo the extra roasting that brings out more aromas and flavours.’ The coffee here is grown alongside other plant species like cheese plant and yellow flag, as well as 50 species of native tree. The plants and trees fix nutrients in the soil and prevent them from draining away, and their leaves and fruit, when they fall, break down in the soil and fertilise the coffee plants. The trees also provide shade for the plants and attract birds that eat insects, meaning no pesticides are needed on the plantation.

In this balanced ecosystem, large predators such as coyotes, ocelots and snakes share the habitat with deer, armadillos and porcupines. Researchers from Cornell University (USA) were recently able to count 70 species of bird in just two hours, the length of the Rosa Blanca’s birdwatching tour. ‘A lot of the people who visit us have the preconceived notion that we monocrop and use chemicals,’ says Ulises, ‘but when they visit a farm like this, they realise it’s possible to farm organically and combine production with caring for the environment.’ The harvest – ‘always done by hand,’ says labourer Gerardo Pérez – ended a few weeks ago. Once they’ve been washed, the seeds will spend eight days on raised ‘African’ beds, drying in the sun until their water content is reduced to 10%, enough for them to expand in the roaster without burning. Waste products are then used as fertiliser, and so the cycle begins again, as the old plant matter breaks down and enriches the land, ready for a new crop. This new batch will go to be roasted, and the air will once again be heavy with citrus and floral aromas, plus hints of wood, walnuts, peanuts and chocolate. ‘It’s our story in a cup of coffee,’ says Ulises. 51

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Tras la recolección, las semillas son secadas al sol durante una semana en “camas africanas”, un sistema natural y más ecológico, antes del tueste y molido final After harvesting, the beans are dried in the sun for a week on ‘African’ beds, before they are sent for roasting and grinding

frutos, al caer, se incorporan a la tierra y eventualmente, al grano de café. Los árboles también proporcionan sombra a los cafetos y atraen a las aves, que se alimentan de insectos. Esto explica por qué en la finca no se utilizan plaguicidas. El cafetal entero es un ecosistema tan equilibrado que incluso grandes depredadores como coyotes, tigrillos y serpientes, comparten hábitat con venados, puercoespines y armadillos. Investigadores de la Universidad de Cornell (Nueva York) llegaron a contabilizar 70 especies de aves en solo dos horas, lo que dura el recorrido. “Mucha gente llega con la idea del café como monocultivo que utiliza químicos y cuando visitan una finca como esta, se dan cuenta que sí es posible producir de

manera orgánica y unir la producción a la defensa del medio ambiente”, destaca Ulises. Hace unas semanas terminó la cosecha en Finca Rosa, “siempre a mano”, como apunta el campesino Gerardo Pérez. Ya lavadas, las semillas se secan ocho días al sol en unas mesas conocidas como camas africanas. Solo les quedará el 10% de agua, suficiente para que se expandan en el tostador sin quemarse rápidamente. Las últimas capas se reutilizarán como fertilizantes, mientras La Casa del Café, donde se tuesta, se volverá a inundar de aromas cítricos y florales, incluso a madera, nueces, maní y chocolate, “así en una taza de este café está nuestra propia historia”, afirma Ulises.

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OTRAS VISITAS CAFETERAS CERCA DE SAN JOSÉ / OTHER COFFEE TOURS NEAR SAN JOSÉ Doka Estate Coffee Tours Incluye una visita a la planta procesadora, que fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 2003. This tour includes a visit to the processing plant, which was declared a World Heritage Site in 2003. dokaestate.com Britt Coffee Tour Para sibaritas, el Coffee Lovers Tour muestra en cuatro horas cómo preparar bebidas con café gourmet. The four-hour Coffee Lovers Tour shows visitors how to prepare drinks with gourmet coffee. coffeetour.com Espíritu Santo Coffee Tour Incluye una demostración del “chorreado”, forma de preparación tradicional típica de Costa Rica. Discover the traditional way of making coffee in Costa Rica with a demonstration using a chorreador. espiritusantocoffeetour.com

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SUEÑOS DE CONSERVACIÓN HÓRREOS ABANDONADOS DE GALICIA Y ASTURIAS SE CONVERTIRÁN EN ALOJAMIENTOS DEL CAMINO DE SANTIAGO, GRACIAS A UN PROYECTO DE MICROMECENAZGO

SLEEP OF THE BLESSED ABANDONED GRANARIES ACROSS NORTHERN SPAIN ARE ABOUT TO GET A NEW LEASE OF LIFE AS ACCOMMODATION FOR PILGRIMS ON THE CAMINO DE SANTIAGO

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TEXTO: Jesús Huarte RETRATOS: Juanjo Molina

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Horizonte verde: hay contabilizados 30.000 hórreos en Galicia, 10.000 en Asturias, 300 en León y solamente 30 en Cantabria Room to grow: there are 30,000 granaries in Galicia, 10,000 in Asturias, 300 in León and 30 in Cantabria, all candidates for conversion to mini-hotels

La distancia de casi 450 kilómetros que separa Madrid de Ribadeo, Lugo, en línea recta se le antoja esta mañana mucho más corta a Nacho Gias. El arquitecto madrileño lleva meses promoviendo un proyecto de micromecenazgo a través de la web Verkami (plataforma de crowdfunding dedicada a proyectos creativos), y hoy se incorpora al trabajo después de saber que Walk & Hórreo –así se llama su campaña– ha recaudado lo suficiente para arrancar la obra y rehabilitar su primer hórreo. La tradicional edificación, una de las construcciones típicas de la arquitectura rural en la cornisa cantábrica, servirá como modelo para ir restaurando otras similares y convertirlas en alojamiento. Nacho necesitaba 8.500 euros para dar el primer paso y su propuesta ha logrado superar la cifra en 217. El joven de 30 años, que estudió en Madrid y Florencia y vivió y trabajó en Londres, Pekín y París, lleva medio año de vuelta en Madrid, desde donde explora la relación de la arquitectura con la vida y el contexto social. El año pasado presentó

Walk & Hórreo a un concurso en la Factoría Cultural –institución para la creación y desarrollo de iniciativas empresariales de arte, comunicación y nuevas tecnologías instalada en Matadero Madrid–, que la eligió frente a otras 130 candidaturas y le otorgó una beca de asesoramiento en temas legales y de comunicación, entre otros. Llama la atención que el objeto de la propuesta fueran estas edificaciones –documentadas por primera vez en España en el año 800– construidas para preservar el grano y la comida del suelo húmedo y los animales, y que aún se elevan hoy sobre los verdes paisajes de los campos de Asturias y Galicia, de los que forman parte esencial. Sorprendentemente, el madrileño no tiene ninguna conexión familiar con la región, pero el valor para la tradición y el folclore de estos antiguos edificios elevados de piedra y madera –los más antiguos datan del siglo XVI– conquistaron su imaginación. “Los hórreos son una solución inesperada a las condiciones de la zona por parte de gente sin conocimientos de arquitectura. Y a pesar de su importancia, están desapareciendo a un ritmo

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Según Nacho, la decoración en los hórreos era muy atrevida, al contrario que en las propias casas, mucho más conservadoras Nacho says the creative freedom of granary conversion is striking: ‘People are conservative in their homes but more daring in their granaries’

‘THESE GRANARIES ARE A SERENDIPITOUS SOLUTION TO LOCAL CONDITIONS CREATED BY PEOPLE WITH ABSOLUTELY NO KNOWLEDGE OF ARCHITECTURE’

This morning, architect Nacho Gias is wishing that the 443km journey between Madrid and Ribadeo, Galicia, was shorter. For months he’s been promoting his project, Walk & Hórreo, through the Verkami crowdfunding website, and today the total has finally reached the amount he needs to start work, rehabilitating a traditional granary, or hórreo. The building – typical of Spain’s northern coastal region – will serve as a model for the conversion of other similar rural structures. Nacho needed €8,500 for the first step of the renovation, and now his crowdfunding page has passed the target by €217, he’s eager to get to Ribadeo and start work. Walk & Hórreo is a good example of his approach to architecture. The 30-year-old – who studied in Madrid and Florence, and then, after stints working in London, Beijing and Paris, returned to Madrid six months ago – explores the relationship between architecture and life; a building’s place within its social context. Last year, the hórreo project got started after he entered a competition at the Factoría Cultural, an incubator for the creation and development of projects related to art, communication and new technologies, located in Madrid’s prestigious Matadero arts centre. His project won, beating over 130 other candidates, and giving him a year’s placement working at the Factoría, an invaluable opportunity to use its resources and learn from its experts. 57

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Los hórreos gallegos son tradicionalmente más alargados que los asturianos. Por el tamaño de la edificación, se podía saber incluso el nivel social de la familia Galician granaries are traditionally more elongated that those in Asturias. The size of the granary was originally a sign of the family’s social status

alarmante. En Cantabria, que también contaba con los suyos, prácticamente no queda ninguno”, explica el arquitecto, quien asegura que cada día aparecen más y más hórreos abandonados. El plan de restauración que Nacho tiene en mente, no se queda en lo formal. El diseñador quiere darles un nuevo uso: convertirlos en alojamientos para los peregrinos del Camino de Santiago y otros visitantes, que se puedan quedar a dormir en ellos por un precio de 35 euros por noche, haciendo uso de una aplicación que se lanzará próximamente y que permitirá a los usuarios localizar hórreos por el camino, entrar en contacto con sus propietarios y hacer reservas y pagos. El proyecto supondrá así un apoyo al turismo, al intercambio cultural e incluso al empleo, y contribuirá a regenerar la zona y la economía de los dueños de estas construcciones. Aunque la búsqueda de personas interesadas en la idea supuso un problema al principio. “A la gente el proyecto le interesaba mucho, pero nadie quería ser el primero en meter el dinero”, recuerda Nacho sobre cómo surgió la idea del crowdfunding. En esta coyuntura, un

“A PESAR DE SU VALOR, EN CANTABRIA CASI NO QUEDA NINGÚN HÓRREO. CADA DÍA MÁS Y MÁS SON ABANDONADOS”

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Walk & Hórreo – his winning proposal – focused on these traditional raised structures, protecting grain from the damp ground and hungry animals. In some parts of Asturias and Galicia, hórreos are still an essential part of the region’s landscape. Even so, it’s surprising to learn that this Madrid native has no family connection to the area. Instead, it was the deeply rooted tradition of these raised buildings that fired his imagination; they go back to at least the 16th century. ‘These granaries are a serendipitous solution to local conditions created by people with absolutely no knowledge of architecture. And – despite their historic importance – they are disappearing at an alarming rate. In Cantabria, there are virtually none left,’ he says. His plan is not simply to restore them, but to give them a whole new purpose, turning them into accommodation for pilgrims on the Camino de Santiago. Later this month Nacho will launch an app that will let users locate the granaries, contact the owners, book stays and make payments, which will be around €35 a night.

The project will support tourism, cultural exchange and even employment, while simultaneously helping to regenerate the area. Despite having visited Asturias and Galicia several times, Nacho says that finding the right granary to launch the project was difficult. ‘People were interested in the idea, but no one wanted to be the first to actually invest the money,’ he explains. That led him to look into crowdfunding as an alternative. Around the same time, a friend introduced him to Lucía Erice, a 30-year-old Madrid-born English teacher, and her partner Miguel Pérez, 42, an Asturias native who owns a local adventure-activities company. The couple live in El Carboeiro on her family’s old farm, five kilometres from Ribadeo, and are renovating the property little by little. They sleep in one granary – which they renovated on their own – and they own a second, which they agreed could be the first in Nacho’s project. They say their decision was motivated by their sadness at seeing how the local hórreos were falling apart, especially as local young people 59

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LAS ENTRAÑAS DEL PROYECTO El proceso del proyecto de convertir un hórreo en alojamiento Walk & Hórreo está siendo retratado en una serie de documentales dirigidos por el cineasta Gonzalo Bernal Avellán, junto a sus socios Francisco Javier Ruiz y José Luis Velasco. Gonzalo, amigo de Nacho, confiesa que cuando el arquitecto le contó su idea le pareció un plan imposible, “pero también una genialidad –apunta. De hecho, vi interesante poder grabarlo y mostrarlo incluso si fracasaba, por la fuerza de la historia”. A lo largo de estos meses trabajando juntos, el optimismo del equipo audiovisual fue en aumento, convirtiendo los documentales en una parte esencial a la hora de que el proyecto lograra la beca de La Factoría y para que el crowdfunding se promocionara. El primer documental, de 30 minutos titulado A dos metros del suelo, se estrenó en Matadero Madrid el 22 de diciembre. El siguiente ya está en producción, junto al desarrollo de la construcción de Nacho. BEHIND THE SCENES The ins and outs of the Walk & Hórreo project to convert old granaries into one-room hotels are being portrayed in a documentary series directed by Gonzalo Bernal Avellán (pictured above). Gonzalo, a friend of Walk & Hórreo’s Nacho Gias, confesses that when the architect told him about his idea, he thought it was completely impossible, ‘but also a stroke of genius. I thought it would be interesting to record the attempt, even if it failed, just because it’s a great story.’ Throughout the months working together, the optimism of the film team grew, and the documentaries became an essential part of the project, helping to win the Factoría Cultural grant and get crowdfunding. The first documentary of the series – which lasts 30 minutes and is entitled A dos metros del suelo (‘Two Metres Above Ground’) – premiered at the Matadero Madrid arts centre last December. The next instalment, focusing on the building stage, is 60 now in production.

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“ESTE PROYECTO

VA A PERMITIR COMPARTIR UNA EXPERIENCIA CON LOS LUGAREÑOS Y DISFRUTAR DE LA TRADICIÓN Y LA GASTRONOMÍA”

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Lucía y Miguel (otra página) han estado durmiendo en un hórreo que ellos mismos han acondicionado durante los últimos seis meses, aunque sin electricidad Lucía and Miguel have been sleeping in a granary for the last six months. They don’t have electricity but they’ve insulated the walls with clay

amigo le presentó a Lucía Erice, una profesora de inglés madrileña de 30 años, y a Miguel Pérez, un asturiano de 43 que tiene una empresa de actividades de aventura en la región, y quien veía con tristeza cómo los hórreos se estaban abandonando, especialmente con el éxodo de los jóvenes a las ciudades. La pareja, residente en El Carboeiro, la antigua finca de la familia de ella, a cinco kilómetros de Ribadeo, está tratando de rehabilitar la propiedad. Duermen en un hórreo que ellos mismos han acondicionado y tienen un segundo, que será el que Nacho rehabilite y que se convierta en el “piso piloto” del proyecto (después, cualquier dueño de hórreo podrá formar parte de la app que administrará el propio arquitecto). “Queremos que sirva para que más personas se unan a la red”, cuenta Lucía, ilusionada con la idea de recibir visitantes. “Hay muchos tipos de alojamientos en el Camino, pero esta iniciativa va a permitir compartir una experiencia con los lugareños y disfrutar de las costumbres, la tradición y la gastronomía. Y todo eso tiene un impacto positivo en la conservación”, explica Miguel. El mayor reto que afronta ahora Nacho en la transformación del edificio es que parte de una

contradicción: “El hórreo tiene su estructura para mantenerse fresco, pero nosotros queremos aislarlo para que esté caliente –relata el arquitecto. Eso sí, a nivel estético no va a ser una caricatura, vamos a preservar lo que existe y poner lo nuevo usando un lenguaje contemporáneo”. La obra ya está en proceso y el diseñador calcula que estará terminada para la primavera. Entonces, los 120 mecenas que han participado en el crowdfunding recibirán diferentes recompensas dependiendo del dinero que hayan aportado; desde un diploma si la cantidad ha sido de 12 euros, hasta una noche para dos personas en el hórreo por 60, o dos noches y una ruta en bici por la región si han contribuido con 240 euros. Mientras tanto, otros propietarios ya se están interesando en participar en el proyecto. Podrán contar con el conocimiento de Nacho o rehabilitar ellos mismos sus hórreos y aprovechar la infraestructura y la app de Walk & Hórreo. Según el cálculo de sus pioneros, recuperarían la inversión en menos de dos años. “El micromecenazgo ha servido como un estudio de mercado para poder estimar cuál será la demanda futura”, dice Nacho, que sueña con que la red haga del patrimonio del pasado de estas regiones un activo para el futuro.

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‘THERE ARE LOTS OF TYPES OF ACCOMMODATION ALONG THE CAMINO, BUT THIS INITIATIVE WILL LET PILGRIMS INTERACT WITH THE LOCALS AND ENJOY OUR CUSTOMS AND CUISINE’ move away to the cities. ‘We want it to attract more people to join the network,’ says Lucía, already excited about the idea of hosting visitors. ‘There are lots of types of accommodation along the Camino, but this initiative will let pilgrims interact with the locals and enjoy our customs, traditions and cuisine,’ agrees Miguel. ‘It opens you up to everything, and that has a positive impact on conservation.’ The biggest challenge Nacho faces in converting the building comes from an inherent contradiction: ‘The granary’s structure is designed to keep it cool, but we want to insulate it so that it stays warm. Of course, we aren’t going to make a caricature of it aesthetically; we plan to preserve what exists but translate it into contemporary language.’ The work is already underway, and Nacho hopes it will be completed by spring.

That’s when the 120 patrons who contributed to the crowdfunding will be able to start enjoying the return on their investment, which varies from a purchase of one night’s stay for two people for €60 to a two-night stay and a bicycle tour for €240. Meanwhile, other hórreo owners are showing an interest in participating in the project. If they do, they will be able to take advantage of Nacho’s know-how, or rehab their granaries themselves by leveraging Walk & Hórreo’s infrastructure and app. Based on the response to the pioneer project, they should be able to recoup their investment in less than two years. ‘The crowdfunding served as market research to estimate what the demand might be,’ says Nacho. In the meantime, his work will convert the heritage of the past into an asset for the future. walkandhorreo.com; nachogias.com 63

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ARTE PARA CAMBIAR EL MUNDO

Cortesía de Phaidon

DESDE EL ANONIMATO, EL ARTISTA PARISINO JR SE HA PROPUESTO CREAR UNA REALIDAD MEJOR Y, A JUZGAR POR ESTAS OBRAS, LO ESTÁ CONSIGUIENDO

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Cortesía de Phaidon

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ART TO ARTIST JR IS CHANGE PARISIAN TO CREATE A THE TRYING BETTER WORLD, ONE WORLD PIECE OF ART AT A TIME FOTOS: JR

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JR RESALTA EL PAPEL ESENCIAL DE LA MUJER EN LA SOCIEDAD, EN EL PROYECTO “WOMEN ARE HEROES”

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Favela Morro da Providência, Río de Janeiro, Brasil, 2008

JR’S ‘WOMEN ARE HEROES’ PROJECT WAS INTENDED TO HIGHLIGHT WOMEN’S PIVOTAL ROLE IN SOCIETY

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Robert Evans, Downtown, Los Ángeles, USA, 2011

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La foto de 1930 salió a la luz cuando JR pidió a los habitantes del barrio Belle de Mai en Marsella fotos antiguas de sus álbumes. 54 Rue Clovis Hugues, Marsella, Francia, 2013 This beach scene from the 1930s came to light after JR asked the residents of Marseille’s Belle de Mai district to look in their old photo albums in 2013

“AL VER LA FOTO PENSÉ

EN MI PROPIO VIAJE DESDE AFGANISTÁN DE 2008 A 2010” –ALI AHMAD AHMADI, QUIEN SELECCIONÓ LA IMAGEN

‘THIS PHOTO REMINDED ME OF MY OWN JOURNEY HERE FROM AFGHANISTAN BETWEEN 2008 AND 2010’ – ALI AHMAD AHMADI, WHO SELECTED THE PHOTO

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Nave y cúpula del Panteón, París, Francia, 2014 The nave and (right) cupola of Paris’s Pantheon

JR ELIGIÓ MILES DE FOTOS QUE LA GENTE SUBIÓ A LA WEB PARA EL PROYECTO DEL PANTEÓN 70

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THE ‘INSIDE OUT’ PROJECT SAW A PHOTOBOOTH TRAVEL THROUGH FRANCE. IMAGES OF ITS OCCUPANTS WERE THEN DISPLAYED AT THE PANTHEON IN PARIS

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El tren pasando por Kibera, Kenia, 2009, pone ojos a los rostros de los tejados A train adds eyes to the faces on the roofs of Kibera, Kenya, 2009

“LA MAYORÍA DE ESTOS OJOS SIGUEN HOY EN LOS TEJADOS. AL SER DE VINILO, PROTEGEN LAS CASAS DE LA LLUVIA” ‘MOST OF THESE EYES ARE STILL ON THE ROOFS OF KIBERA TODAY. THEY ARE PRINTED ON VINYL AND PROTECT THE HOUSES FROM THE RAIN’

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BASADO EN LAS REVUELTAS DE PARÍS DE 2005, SU CORTO “LES BOSQUETS” UNE LA DANZA Y LA CALLE JR’S ‘LES BOSQUETS’ IS A BALLET-MEETS-STREET DANCE SHORT FILM BASED ON THE 2005 PARIS RIOTS 74

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Bailarines del Ballet de la Ópera de París, en el tejado del Palais Garnier, París, 2014 Dancers from the Paris Opera Ballet on the roof of the Palais Garnier

Phaidon se pregunta si el arte puede cambiar el mundo en JR: Can Art Change the World?, recién publicado. El libro es la primera gran retrospectiva monográfica del artista, fotógrafo y activista parisino, detrás de algunos de los proyectos fotográficos a gran escala más impactantes del mundo. Phaidon recently published JR: Can Art Change the World?, the first major retrospective on the enigmatic Parisian photographer, artist and activist behind some of the world’s most provocative – and biggest – public photography projects.

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TRADICIÓN DE BARRO EL CERAMISTA MEXICANO DIEGO VALLES QUIERE VOLVER A MOLDEAR EL FUTURO DE SU PUEBLO NATAL, MATA ORTIZ, QUE HACE DÉCADAS LOGRÓ SOBREVIVIR AL RECUPERAR LA PRODUCCIÓN ALFARERA DE LOS INDIOS PAQUIMÉ

Brilla el despiadado sol norteño, pero el viento que sopla a lo largo del estado mexicano de Chihuahua lo ha cubierto todo de polvo. A Diego Valles no le importa: “La magia de algunos lugares no se aprecia a simple vista. Los tomas por áridos, inhóspitos, carentes de arte y hasta de cultura”. Se refiere a Mata Ortiz, un pueblo situado al sur de la municipalidad de Casas Grandes, labrado en tierra y lodo, y dedicado a la cerámica, de cuyo trabajo él es el último exponente. El barro ha marcado la vida de la zona. Primero, con las ollas de la cultura prehispánica del asentamiento de Paquimé (hoy Casas Grandes, que llegó a tener unos 2.500 habitantes en su época de apogeo entre 1060 y 1340) y, en nuestra era, desde que el lugareño Juan Quezada, buscando leña hace 60 años, encontrara en el interior de una cueva los cuerpos de un matrimonio momificado procedente de esa cultura y rodeado por diversas vasijas, que comenzó a replicar y vender. “Por necesidad, los primeros alfareros de Mata Ortiz fueron antes saqueadores de Paquimé –afirma Diego, sin despegar los ojos de la vasija a la que está dando forma en la rueda. Después se empezaron a crear piezas originales disfrazadas de

FEAT OF CLAY DECADES AGO, A TINY VILLAGE IN MEXICO REDISCOVERED THE POTTERY ART OF ITS ANCESTORS IN THE PREHISPANIC TOWN. TODAY, THE VILLAGE IS A THRIVING CENTRE OF MEXICO’S CERAMICS SCENE

TEXTO: FOTOS:

Andoni Aldasoro Raechel Running

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El asentamiento arqueológico de Paquimé, a medio kilómetro de Casas Grandes, se convirtió en un gran centro de la cultura alfarera mexicana entre los siglos XI y XIV The archaeological site of Paquimé in northern Mexico was a great centre of pottery between the 11th and 14th centuries

“LOS PRIMEROS ALFAREROS DE MATA ORTIZ FUERON ANTES SAQUEADORES DE ARTE PREHISPÁNICO DE PAQUIMÉ POR NECESIDAD”

cerámica antigua auténtica”. En el proceso, Juan enseñó esta labor artesanal a todo Mata Ortiz, ofreciendo una alternativa al trabajo en las maquiladoras –fábricas textiles– y en las huertas de fruta. Además logró poner a este pequeño pueblo mexicano en el mapa del arte mundial, gracias al antropólogo Spencer MacCallum, que en los años 70 conoció sus vasijas y se dedicó a promoverlas en diversos museos de Estados Unidos. En el interior de la casa de Diego, se aprecian ollas en diversos momentos de su proceso de creación. “Yo hago de todo, desde recolectar el barro hasta quemar las piezas, pasando por el modelaje y la pintura”, cuenta. Aunque trabaja siguiendo la tradición, sus creaciones representan la versión más contemporánea de Mata Ortiz. “Hay un cambio en la mentalidad de los artesanos, vemos que es posible la libertad de tener un estilo propio, por el que poner precio a las creaciones, sin permitir regateos, ni reverencias a nadie”, explica el alfarero, que estudió Ingeniería Electromecánica y que cree que su disciplina y conocimiento de los materiales y sus propiedades le vienen de la universidad. Diego está convencido de que la educación y la cultura

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Diego Valles (segundo por arriba), máximo exponente de la alfarería mexicana, quiere abrir su propia escuela en Mata Ortiz y ya ofrece clases a todo el que quiera aprender Potter Diego Valles (top right) offers classes to anyone who wants to learn and is planning to open his own pottery school in Mata Ortiz

The northern sun beats down without mercy and Chihuahua’s winds have blanketed everything with dust, but Diego Valles knows appearances can be deceiving. ‘A place’s magic can’t be seen by the eyes alone. To the naked eye, it appears dry and barren, devoid of art and even culture,’ he says. He’s talking about Mata Ortiz, a Mexican village in the municipality of Casas Grandes dedicated to making pottery, a timeless craft which he has spent years mastering. Pottery was once a key part of pre-Hispanic life here, as evinced by a multitude of ancient clay vessels from the nearby archeological site of Paquimé, which in its heyday between 1060 and 1340 was home to more than 2,500 inhabitants. This long-lost ceramic tradition was rediscovered by villager Juan Quezada, who, some 60 years ago, was searching for firewood when he stumbled upon a cave holding the grave of a mummified married couple surrounded by a variety of clay vessels. Inspired by their unique design, he began to replicate and sell them. ‘Of necessity,

the first potters in Mata Ortiz were looters of Paquimé pre-Hispanic art,’ says Diego, without taking his eyes off the vessel taking shape on the wheel. ‘Later, they started to create original pieces disguised as authentic ancient pottery.’ Along the way, Juan Quezada taught the craft to everyone in Mata Ortiz, creating an alternative to working in the local factories. It also put the town on the map of world culture, thanks to US anthropologist Spencer MacCallum, who discovered the pottery in the 70s and set out to promote it in several US museums. Inside Diego’s house are pots at various stages of completion. ‘I do everything, from collecting the clay to shaping and painting the pieces and firing them,’ he says. Although his method of working is traditional, his pieces show a more contemporary interpretation of the Mata Ortiz style. ‘There is a change in the mindset of the artisans; we see that it’s possible to have our own style, one that lets us set our own price and that doesn’t allow for haggling or for bowing down to anyone,’ he 79

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La centenaria tradición alfarera de Mata Ortiz continúa hoy de la mano de numerosos artesanos que plasman su propio estilo en ollas y vasijas de barro The centuries-old Mata Ortiz pottery tradition continues today in the hands of a multitude of artisans, who bring their own interpretations of the traditional style

pueden sacar adelante a muchas personas. Por eso, tiene pensado abrir su propia escuela de cerámica en Mata Ortiz. “Di mi primera clase en 2007, un año después de abandonar la ingeniería para dedicarme a tiempo completo a la cerámica. Impartir talleres nos pone en contacto directo con personas que ya están interesadas en nuestra cultura y eso nos brinda un sinfín de posibilidades. ¡Es traer el mundo a Mata Ortiz!”, exclama ilusionado. La creación de la escuela la quiere financiar a través de talleres que ya está organizando en Santa Teresa, a las afueras del pueblo, y que reciben a personas tan variopintas como la parisina Florence Lucchini, quien decidió tomar clases de alfarería mientras recorría México, o Jonathan Wright, que tiene una tienda de botánica en Flagstaff, Arizona. “Una amiga publicó un artículo sobre la obra de Juan Quezada y me habló de Mata Ortiz”, explica el joven, quien no solo aprendió a preparar el barro y crear vasijas, sino que también fabricó un cepillo tradicional para pintar las ollas. La pervivencia de esta tradición estaría a priori asegurada, gracias al interés de lugareños como Diego y el de los visitantes por aprenderlo.

Sin embargo, la mayor amenaza que hoy enfrentan los artesanos les viene impuesta. Hace dos años, se puso la primera piedra de la que será la presa Palanganas. Esta regulará el caudal de agua del río del mismo nombre, vital para que –el otro río– Casas Grandes, que pasa por Mata Ortiz, no se seque y siga permitiendo formar arcilla a sus habitantes. “Una amiga me dijo que los ríos son las arterias que conducen la sangre del planeta. Pues yo digo que las presas son como infartos al corazón de la tierra, coágulos que detienen el flujo vital”, declara Diego con seriedad. Hace una pausa y deja en una mesa la vasija que estaba acariciando. Se ve que trata de encontrar las palabras, así como recorre los barrales en búsqueda de las mejores piezas de arcilla. “Sin el río Palanganas, el río Casas Grandes dejaría de existir y entonces, ¿qué va a ser de nosotros? El agua corre por mis venas, igual que corrió por las de los antiguos pobladores de Paquimé y debería correr por las de mis hijas Regina y Victoria”. Diego y su familia esperan convencer con sus creaciones sobre la necesidad de mantener el cauce del agua y evitar que el arte de la región termine, por segunda vez en la historia, enterrado bajo la tierra seca.

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says, commenting that his studies in electromechanical engineering have been important to his discipline and his knowledge of the materials he uses and their properties. This experience has convinced him that education and culture can bring positive change to people’s lives, and is the reason he plans to open his own pottery school in Mata Ortiz. ‘I gave my first class in 2007, a year after leaving engineering to work fulltime making pottery. Giving workshops puts us in direct contact with people who are already interested in our culture, and that offers endless opportunities. It’s like bringing the world to Mata Ortiz,’ he smiles. He says he intends to fund the school with workshops in Santa Teresa, on the outskirts of the town, with students like Parisian Florence Lucchini – who decided to take pottery classes while she toured Mexico – or Jonathan Wright, who has a flower shop in Flagstaff, Arizona. There’s plenty of enthusiasm for the local pottery tradition, thanks to locals like Diego maintaining it and visitors like Jonathan learning it, but these craftsmen face a serious threat. Two

years ago, the cornerstone of what will be the Palanganas Dam was laid. The dam will regulate the flow of water to the River Palanganas, and in turn, the local River Casas Grandes, but posing the danger of it drying out and making the collection of clay impossible. ‘A friend said to me that the rivers are like arteries carrying the blood of our planet. And I say that dams are like clots that stop them from flowing, that give Earth a heart attack,’ says Diego, sombrely. He stops for a moment, setting down the pot he’s been holding, searching for the right words, just as he searches for the right clay. ‘Without the River Palanganas, the River Casas Grandes will disappear… and what will become of us? The water flows through my veins, just like it did for the ancient inhabitants of Paquimé, and just like it should for my daughters Regina and Victoria.’ Diego and his family hope that their creations will convince the powers that be of the need to preserve the river and prevent the disappearance – for the second time – of their art, buried beneath the dusty soil of the village of Mata Ortiz. 81

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Desmontando la portada

Buenas noches TEXTO: Jesús Huarte FOTO: Liz McBurney

Por no dormir, hemos preferido entregarnos a soñar. Y lo hemos hecho guiados por el entusiasmo de Nacho Gias, quien ha compartido con nosotros (y más de 100 mecenas que han participado en el crowdfunding) su proyecto de restaurar un hórreo. El edificio alojará a huéspedes dispuestos, también, a soñar en los verdes campos de Ribadeo e inspirará a dueños de otros hórreos a recibir visitantes en los suyos. Deconstruyendo la portada, nos ha caído la noche… Una suerte que esta vez teníamos cama. NIGHTY-NIGHT This issue we have been daydreaming of a stay in a converted hórreo or grain store, thanks to Nacho Gias and his ambitious crowdfunding project featured on p54. Soon, his investors will be able to spend a night in the green fields of Ribadeo, northern Spain, but in the meantime they will have to make do with our cover model. Its creator, Francesca Menichelli, is still having nightmares about its delicate parquet flooring... 82

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