EL RENACIMIENTO. EL CINCUECENTO

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LA PINTURA EN EL CINQUECENTO

Florencia continúa siendo la capital del arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor mecenas, o viajan por diversas ciudades. Mejor manejo del color, perdiendo su imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen dándoles mayor importancia que otras escuelas. La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior. Las formas son ya redondeadas, no con apariencia tan plana como antes, gracias al claroscuro de luces y sombras se consigue el volumen, junto con otros recursos (como poner el brazo en primer plano). Ya no obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo. Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares, etc. La composición es clara, con frecuencia triangular, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única escena o destacando claramente la principal. Se produce una cierta evolución a lo largo del periodo clasicista ( 1490 / 1530 ) Al inicio se desarrolla el gusto CLASICISTA. La filosofía y el humanismo posibilitó la representación del DESNUDO. Se busca LA BELLEZA IDEAL Los escenarios donde anteriormente se experimentaba con la perspectiva lineal, ahora serán sustituidos por la MONUMENTALIDAD de las figuras. Se prescinde de lo ACCESORIO. A partir de 1530 empiezan a cambiar ciertos elementos: se introduce EL MOVIMIENTO, se resalta la FUERZA EXPRESIVA. Una de las aportaciones más importantes es EL TRATAMIENTO DE LA LUZ y la introducción de la PERSPECTIVA AÉREA. Se introduce el CLAROSCURO. Roma y Venecia se convierten en capitales del arte ya que son dos centros de fuerte dominio económico.

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LEONARDO DA VINCI El tránsito del Quattrocento al Cinquecento lo encarna de modo excepcional Leonardo da Vinci, que ha sido considerado siempre uno el arquetipo de hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber, fue científico, escritor y artista. Le interesaba: las ciencias, tecnología, la literatura, la filosofía etc. Discípulo de Verrochio, duda entre la escultura y la pintura, pero aunque cultiva las dos, se siente especialmente pintor e ingeniero. Como pintor su gran creación es el “ESFUMATO”, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento, y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. El paisaje adquiere así una misteriosa dimensión, y los personajes un encanto distante y enigmático. Tuvo muchísimos imitadores, su influencia fue definitiva para artistas de primer orden como Rafael o Correggio. Representa el tránsito de un siglo a otro y es el prototipo de sabio del renacimiento: cultiva todas las disciplinas, tenía una enorme curiosidad por todo lo que le rodeaba.Como pintor es creador del: SFUMATO y la PERSPECTIVA AÉREA. Suponen un rechazo a la construcción del espacio matemáticamente. OBRAS: LA VIRGEN DE LA ROCA LA ULTIMA CENA LA GIOCONDA SANTA ANA, LA VIRGEN Y EL NIÑO. LA DAMA DEL ARMIÑO

LA VIRGEN DE LAS ROCAS COMPOSICIÓN: Piramidal. Contribuye a la belleza ideal. Las figuras aparecen interrelacionadas a través de las miradas. Visión muy poética del tema: las figuras aparecen en la penumbra de una gruta solitaria. Ambiente de humedad propia del estanque que hay a la entrada de la gruta Equilibrio complementario con las luces y el color Se muestra como gran maestro de la composición triangular y de los juegos de luces, las figuras se destacan de la penumbra de la cueva que hay tras ellas, lo que le da un aire de misterio. Una de sus obras paradigmáticas por la composición equilibrada, la idealización de los modelos y la perspectiva aérea, las figuras no tienen perfil, sus límites se pierden en una neblina conocida como “ESFUMATO”.

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LA GIOCONDA O MONNA LISA Uno de los retratos más famosos del mundo, busto prolongado con las manos en primer plano. Dibujo difuminado mediante suaves contrastes de luces y sombras que además prestan volumen y un aire enigmático a las figuras, logra un “esfumado” perfecto. La suave y enigmática sonrisa produce esa misma impresión poco precisa, susceptible de interpretaciones diversas. No menos admirable es el lejano paisaje y sus efectos lumínicos, interponiendo atmósfera y perspectiva aérea entre la dama y su entorno. IDENTIFICACION: Titulo: Gioconda o Mona Lisa. Tipo: Pintura sobre tabla / óleo.Cronología: 1503 / 1505 Soporte: Tabla. Estilo: Renacimiento Cinquecento ANALISIS FORMAL: TEMA: retrato: esposa de Francesco el Giocondo, banquero florentino. El cuadro refleja la belleza serena tanto física como formal. COMPOSICIÓN: pirámide perfecta. Búsqueda de la profundidad mediante la llamada CONTRAPPOSTO: ligeramente vuelta para evitar el frontalismo. Composición sencilla: mujer sentada en una silla con brazos, frente a un paisaje. La señora gira su cuerpo hacia un lado y dirige una enigmática sonrisa hacia el espectador. Lo complejo es que nada parece inmóvil, incluso en el paisaje se fusionan las formas. La figura está pintada y concebida desde dentro. El punto donde convergen todas las líneas es en el rostro de la mujer, aunque también las manos modeladas y entrelazadas. ELEMENTOS PLÁSTICOS: La mirada y la enigmática sonrisa atraen al espectador. En la cara la ausencia de cejas atrae mucho. En la realización Leonardo empleará múltiples capas de pintura muy diluida dándole efectos de luz y sombra. Mediante el SFUMATTO difuminará los ojos, los labios y también los rizos el chal, el acueducto etc. Se recrea loe efectos sutiles de la luz sobre la piel y el paisaje. La LUZ entra por la izquierda y deja espacios en sombra, diferencia volúmenes, ilumina el rostro y las manos. Una luz mortecina e irreal además de la paleta de colores oscura, contribuye a lo enigmático de la persona. Refleja su concepto de belleza ideal EL PAISAJE: Los dos lados del cuadro no coinciden , no es el mismo paisaje. La línea del horizonte de la derecha no coincide con el de la izquierda. Esto tiene consecuencia: la mujer parece más alta según se mire en un lado o en otro. Contornos difuminados y se pasa sin violencia entre unos espacios y otros. Este concepto borroso da sensación de una atmósfera húmeda. Paisaje inquietante, irreal etc.

ÚLTIMA CENA DE STA. MARÍA DE LAS GRACIAS DE MILÁN Gran fresco reducido hoy casi a ruinas por las malas condiciones de conservación y por la nueva técnica empleada por Leonardo, mezcla oleosa sobre temple. IDENTIFICACIÓN: Pintura al fresco. Fecha: 1495 / 1497. Tema: La última cena. Se elige el momento en el que se van a pronunciar las palabras “ alguno de vosotros me va a traicionar “. Encargo de Ludovico Sforza para el convento de los dominicos de Santa maría de la Gracia de Milán. Estado de conservación pésimo. ANALISIS FORMAL: TEMA: Ha elegido el momento más dramático: “ Uno de vosotros me va a traicionar “ Esto causa un enorme revuelo entre los Apóstoles. Unos se asombran, otros se levantan, otros se espantan y al final Judas retrocede porque se da por aludido A ambos lados de Jesucristo, aislados en forma de triángulo y destacados con colores rojo y azul, están los apóstoles, agrupados de tres en tres. COMPOSICIÓN: Representación del espacio mediante una caja que se abre horizontalmente por uno de los lados se colocan dentro las figuras. Leonardo elige el punto de vista del espectador. Consigue un espacio real mediante la perspectiva, utiliza el dibujo y la geometría. Todas las líneas convergen en la cabeza de Jesús. Agranda el cenáculo ópticamente. La mesa con los trece personajes se enmarca en una arquitectura clásica representada con exactitud mediante la PERSPECTIVA LINEAL CENTRAL Se amplía la arquitectura mediante el TRAMPANTOJO. Lo consigue gracias al suelo y los tapices de la pared junto con los casetones del techo. LA LUZ Viene a través de las ventanas del fondo. El cielo que se ve es CREPUSCULAR. Empleo una técnica mixta sobre pared. La humedad y la disolución de los pigmentos hace que esté en mal estado. Estudia los rostros, los gestos, la emoción del momento LA DAMA DEL ARMIÑO El retrato una amante de LUDOVICO EL MORO Mecenas de Leonardo. Se llamaba Cecilia Gallerani y por la cantidad de símbolos que tiene se pueden relacionar con el erotismo. La mano acaricia un animal, el armiño, la forma en que lo acaricia es muy erótica. La banda de oro de la frente, la cinta negra, el velo, el collar hace alusión a la mujer cautiva, sometida , a su papel de concubina del Mecenas. El animal que acaricia Cecilia, y que da título al cuadro, es un armiño, que simboliza la pureza y la limpieza, por aquello de que prefería la muerte antes que manchar EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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su piel. El animal que vemos en los brazos de Cecilia es, por lo tanto, un emblema del hombre al que está unida social y sexualmente; observamos su mirada vigilante, su fuerte pata musculosa y sus garras extendidas sobre la manga roja de la joven. Como hace con frecuencia, Leonardo representa con tanta fuerza lo emblemático que esto revierte sobre lo real, de forma que vemos el armiño como un depredador, lo que es en la naturaleza y lo que era Ludovico"

RAFAEL SANZIO Es reconocido como el pintor que mejor representó el clasicismo. En sus obras consiguió unir , asimilar el mundo cristiano con el mundo pagano.Se forma con el Perugino como se ve en una de sus primeras obras: los desposorios de la virgen / inspirado en la entrega de llaves a San Pedro. En su fase florentina recibió el influjo de Leonardo en el SFUMATTO, en las composiciones triangulares, en sus madonas y Sagradas familias. Desde 1508 se traslada a Roma para trabajar con Julio II, aquí recibe la influencia de Miguel Ángel del que tomará LA MONUMENTALIDAD con una estética más expresiva y mayor fuerza interior. Su obra es enorme, tratando gran cantidad de temas: religiosos, retratos y grandes composiciones. No es un innovador, sino un artista que lleva a su perfección los descubrimientos de los anteriores, siendo quizá el artista que representa mejor que nadie la perfección del clasicismo. Destaca sobre todo por el encanto de sus “Madonnas”. En sus obras coexiste el dibujo y el color muy rico y variados. No es un pintor innovador. Perfecciona lo anterior. Se destaca por el tratamiento de la Luz, la composición y la perspectiva. Cultivará todos los temas: religiosos, la decoración de las Estancias Vaticanas, el retrato etc. Respecto al retrato escritores, papas, mujeres etc. Capta la psicología de los personajes. OBRAS: LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN / LA ESCUELA DE ATENAS / EL INCENDIO DEL BORGO / LA MADONNA DEL GRAN DUQUE / LA VIRGEN DEL JILGUERO / EL RETRATO DEL CARDENAL DEL PRADO

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LA ESCUELA DE ATENAS Tema: Una arquitectura renacentista que enmarca una escena con personajes vestidos a la clásica. Se encuentra en los muros de la Estancia de la Firma en el Palacio del Vaticano. Fecha: entorno al 1509 / 1510. Tipo: pintura CINQUECENTTO: etapa clasicista. Contexto: el humanismo se extendía por toda Europa. Roma se convertirá en el foco económico, cultural y capital del cristianismo. COMPOSICIÓN: bajo un arco de medio punto y en medio de una arquitectura clásica aparecen los personajes distribuidos de forma simétrica y en diferentes planos: unos más próximos al espectador. Otros en un espacio intermedio y otros grupo en tercer plano. Cada uno de ellos desarrollan posturas anatómicas complejas. La arquitectura es monumental , bóvedas de cañón con casetones, hornacinas con esculturas. Platón y Aristóteles en medio de un espacioso encuadre arquitectónico, alegoría de la Filosofía. Considerada la obra maestra de Rafael y el prototipo de la pintura del Pleno Renacimiento por su armonía y perfección: perspectiva, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de los gestos, colorido, etc. La fusión del paganismo, la filosofía con el cristianismo. Los sabios de la antigüedad aparecen reflejados con las dos figuras centrales: Platón ( rostro de Leonardo ) y Aristóteles. Todos los personajes más importantes de su tiempo y de la antigüedad están retratados en este conjunto: Bramante, Vitrubio, Hipatia, Rafael, Miguel Ángel etc

EL INCENDIO DEL BORGO Pintura al fresco pintada en 1514 con un anchura de más de 6 metros y que forma parte de las llamadas ESTANCIAS DEL VATICANO. TEMA: Representa un milagro ocurrido en 847 atribuido a León IV. Se había declarado un incendio y el Papa lo sofocará haciendo la señal de la cruz desde la ventana del Vaticano. COMPOSICIÓN: Tres planos. En primer término, una serie de ciudadanos huye del fuego, mientras otros cogen agua para sofocar las llamas. Este primer plano es agitado y dramático. Hay mujeres que gritan, con los brazos en alto, una de ellas arrodillada en gesto de desesperación, hombres que se escapan del fuego arrojándose por las ventanas como el joven desnudo de la izquierda. Junto a él, una mujer pone a salvo a su bebé, lanzándoselo a una figura masculina que alza los brazos. Justo delante, a la izquierda, se ve a un hombre joven con otro anciano a cuestas, se trataría de un eco del tema clásico de ENEAS con su padre ANQUISES. Alusión a que Roma sería la nueva Troya. Significa: la piedad del hijo con los padres En el plano medio hay toda una serie de ciudadanos que se dirigen hacia la basílica de San Pedro para pedir ayuda al Papa. Al fondo aparece la antigua basílica de San Pedro. Se produce una confrontación entre la arquitectura clásica con los tres órdenes con el viejo edificio Paleocristiano del fondo. Interés del pintor sobre la arquitectura clásica. En estos momentos se estaban sentando las bases de la Catedral de San Pedro y se estudiaba el libro de VITRUBIO sobre la arquitectura clásica.Rafael planificó e ideó toda esta sala, pero quienes la realizarán serán dos discípulos suyos: Penni y Giulio Romano pintores manieristas.

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LA MADONNA DEL GRAN DUQUE Se llama a si porque pertenecía al Gran Duque Fernando III, que no se separaba de ella y siempre la llevaba de viaje con él. Es una composición sencilla destacando sobre un fondo oscuro. Las radiografías demuestran que el fondo oscuro fue añadido en el siglo XVIII y que el original tenía una ventana la izquierda con arco que daba paso a un paisaje y a la altura de los costados de la virgen había un asiento de piedra. El Color: rojos y azules temperado por colores cálidos con los fríos. El Modelado en los pliegues y el brazo de la Virgen imita las formas de Miguel Ángel. Tiene una iluminación frontal que hace que parezca que la figura sale del cuadro, que emerge de la oscuridad. Figura dulce reflejada en el afecto de madre e hijo.

LA VIRGEN DEL JILGUERO LA VIRGEN DEL JILGUERO IDENTIFICACION: Autor: Rafael Técnica: óleo sobre tabla. Cronología: 1507. Estilo: Pintura Cincuecento. Medidas: 107 x 77 ctms . Ejemplo perfecto de la pintura del siglo XVI. TEMA Una Madonna con san Juan y el niño Jesús. La virgen sostiene un libro y se le identifica como SEDE DE LA SABIDURÍA. El JILGUERO recuerda la futura muerte violenta que tendrá Cristo. Se observa la influencia de Leonardo en muchos rasgos como es la composición piramidal y en el CLAROSCURO. También se observa en la forma de cómo se trata el paisaje del fondo con brumas en el horizonte . EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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Los rostros del Bautista y de Cristo se observa la influencia de Leonardo al igual que EL SFUMATO que le rodea. COMPOSICIÓN: Típica, clásica, geométrica, un triangulo perfecto. Esta estructura piramidal, creada por Leonardo y seguida por muchos pintores, es la mejor forma de jerarquizar y representar a los personajes del primer plano. Predomina en la obra la línea curva por lo que la obra se dota de movilidad y ritmo. Se nos presenta a la virgen como una mujer de su época, joven, llena de amor, de ternura hacia su hijo y San Juan Bautista que desnudos o semidesnudos juegan con un jilguero, mientras que ella sostiene un libro abierto. La anatomía es todavía esa redondez blanda, pero que denota un gran conocimiento de la anatomía humana. LOS COLORES: Los colores son claros, suaves, transparentes, con dominio de lo cálido. Toda la composición se llena de un notable equilibrio y serenidad, paisaje idealizado brumoso, equilibrio, serenidad, belleza ideal

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI Fundamentalmente escultor, por lo que sus figuras conservan la importancia del dibujo, el deseo de movimiento y la apariencia más escultórica que pictórica. Ya se conoce la obra como Arquitecto y como escultor. Con la pintura ejercerá una enorme influencia en pintores posteriores. El se consideraba ESCULTOR por ello su pintura es fundamentalmente escultórica. La obra de este autor se destaca por la gran importancia que le dio al DIBUJO . El color para él era un auxiliar para crear volumen en los cuerpos. Esto es un rasgo característico de sus pinturas en la capilla Sixtina. Sus figuras son poderosas, se disponen en posiciones difíciles, sus escorzos son complejos y sus perspectivas difíciles. Sus obras más importantes las pintará en Roma: los frescos para la capilla Sixtina encargo del Papa Julio II. Aquí reflejará sus interés por el mundo clásico con sus famosos IGNUDI o desnudos, sus PUTTI o cupidos tomados o inspirados en la escultura antigua muy especialmente en el grupo del Laocoonte. Ejercerá una influencia capital en artistas contemporáneos y posteriores, sobre todo del Manierismo.

+ FRESCOS DE LA BÓVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA La Capilla Sixtina fue levantada durante el pontificado de Sixto IV (1471-1484), del que recibe su nombre. Tenía dos funciones: a.- religiosa como Capilla Palatina. b.- y defensiva como puesto avanzado fortificado del conjunto de edificios colocados alrededor del patio del Papagayo, que constituían el núcleo más antiguo de los palacios apostólicos. Fue erigida en el lugar en que se levantaba la "Capilla Magna" del palacio construido por Nicolás III. La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda, pero fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo Testamento, junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo. En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos (pechinas) por encima de éstos se situarían los antepasados de Cristo, mientras que en las pechinas de los rincones la bóveda se narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel

Todas estas escenas se encuentran rodeadas por diferentes figuras desnudas (ignudi), profetas y sibilas. Las diferentes escenas, que van de pared a pared de la bóveda, están distribuidas en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida La tensión y la fuerza de sus personajes caracteriza la pintura de Miguel Ángel un convencido escultor que se dedica a la pintura por capricho del Papa Julio II.

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Se especula con que el artífice indirecto de este cambio de actividad fueron Bramante y Rafael quienes, celosos del éxito que estaba cosechando Miguel Ángel, recomendaron al pontífice que M. Ángel realizara una decoración al fresco, pensando que el resultado iba a ser el fracaso. Los dos artistas salieron perdiendo con su reto, al afianzar Miguel Ángel su fama en la corte papal debido a su éxito en la Sixtina

La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube arrebatada, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflado de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella. Su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la humanidad

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FRESCOS DEL JUICIO FINAL DE LA CAPILLA SIXTINA

IDENTIFICACION Título: EL JICIO FINAL / Autor: Miguel Ángel / Cronología 1536/ 1541/ Estilo: Cincuecento / clasicismo Técnica: Pintura al fresco / Tema: religioso Bíblico / Localización: Capilla Sixtina ANALISIS FORMAL: Más de 400 figuras emergen de un fondo azul donde parecen flotar. Los distintos personajes están situados en diferentes planos pintados mediante acentuados escorzos que anticipan el manierismo. Alrededor de la imagen de Cristo aparecen un conjunto de profetas y santos entre los que destacan San Pedro con las llaves, San Lorenzo con la parrilla , San Bartolomé llevando su propia piel y dentro el rostro desfigurado del pintor. En la parte izquierda se encuentran los condenados que son lanzados al infierno por los ángeles vengadores. En el infierno les espera Caronte que con su barca, se encarga de llevar las almas impuras ante el juez infernal Minos figura con serpientes en la esquina. En el lado derecho presenta a los bienaventurados que suben al cielo con ciertas dificultades y ayudándose unos a otros. En los lunetos de la parte superior pinta a los ángeles que llevan los símbolos de la pasión: la columna, la corona de espinas, los clavos, la cruz etc. En esta obra refleja la visión sombría y pesimista del momento en que fue realizada, mediados del siglo XVI: el Dios de la Justicia, totalmente desnudo (cubierto por Volterra), castiga con fuerza a sus detractores, alrededor una riada humana en variadas formas y actitudes en movimiento. Colosalismo y gran

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dinamismo, carencia de espacio para las figuras y sensación de angustia, dramatismo, en todos estos rasgos encontramos ya las raíces del Manierismo. EL CIELO

LA TIERRA.

ESCUELA VENECIANA. A.- Rasgos Generales: Venecia es una república que basa su poder económico en el comercio. El mercenazgo del Dux es fundamental para la pintura. Tendrá esta escuela una enorme influencia en España y en Flandes. Varios rasgos hay que destacar: El propio país: climatología, neblina, protagonismo del color. La historia socioeconómica: metrópoli que comercia con otros territorios de Oriente- Ciudad rica festiva: fiestas procesiones, banquetes, denotan alegría por vivir. Los artistas: la anterior generación de pintores se centraba en captar las telas, los detalles de la luz diaria, expresa tonalidades de luz y color. Culto al color: desarrolla cromatismos claros. Importancia de los temas secundarios: se presta atención a la anécdota, al detalle a los fondos. Culto al lujo y a la riqueza: ambientes palaciegos, los ambientes musicales EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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Utiliza la pincelada suelta y el sfumatto como técnicas. Introduce el desnudo femenino delicado y sensual. Siempre representan atmósferas luminosas y llenas de color. Los principales pintores serán: En el siglo XV los Bellini y Carpaccio ponen las bases de la escuela, caracterizada por su culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo. En el siglo XVI los grandes maestros, Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto, descubren en la pintura posibilidades que se explotarán en el Barroco. D) Giorgione Sus obras suponen un gran adelanto comparada con la de los pintores "quattrocentistas, la mayoría compuestas por una figura o un grupo de figuras integradas en paisajes amplios. Sus pinturas, a diferencia de obras anteriores del mismo tipo, utilizan la luz de un modo innovador, produciendo un gran lirismo: se trata de una luz suave y tamizada, más destinada a crear una atmósfera determinada dentro de la composición que a definir los objetos dentro de la escena. Supone el tránsito entre el s. XV y el XVI. Recoge la herencia de los Bellini. Implantará una técnica suelta y desenfadada en la pintura. Utilizará el sfumatto y le dará mucha importancia a la luz y el color. Empleará la perspectiva aérea en sus pinturas. Pintaba prescindiendo de bocetos y de dibujos previos, aplicaba directamente el color sobre la tabla o sobre el lienzo.Introducirá la temática de la Diosa Venus dormida representándola desnuda aunque mezclada con otras figuras vestidas a la moda del s. XVI. Sus innovaciones en el tratamiento de los temas tuvieron especial importancia en dos áreas: el paisaje y el desnudo femenino.

La Virgen de Castelfranco En esta obra se muestra ya como un maestro del paisaje, motivo que se transforma en protagonista gracias a la situación elevada de la Virgen en la composición. Concierto Campestre: Mezcla de paisaje y desnudo femenino que dejará escuela en Venecia. Colorismo de gran suavidad típicamente veneciano. LA TEMPESTAD Obra maestra en la que apreciamos sus características generales, vistas más arriba. IDENTIFICACIÓN: Fecha: 1506 / Estilo Pintura cincuecento / escuela Veneciana. / Técnica: Oleo sobre lienzo. ANÁLISIS FORMAL: Tema: relacionado con las pastorales. Se puede tratar también de la expulsión del Paraíso o de la huida de Egipto. Pintura a partir del color. Aprende de Leonardo el Sfumatto: las sombras aparecen coloreadas, se crean atmósferas poéticas y sugestivas. Paisaje idealizado. Luz y color crea una atmósfera mágica. Los elementos del primer plano nos recuerda su interés por las ruinas. Las columnas significan fortaleza y hacen referencia a la figura de Sansón. Hay ciertos elementos para preguntarse: la mirada intensa de la mujer al espectador, la mirada del pastor / bastón hacia la mujer. La tempestad es el elemento esencial del paisaje: la luz del relámpago impacta sobre la ciudad. La tempestad amenaza la tierra, pero las figuras están ajenas a ella- El rayo… refleja la ira de Dios ? La cigüeña símbolo de castidad, pureza vigilancia. ¿ qué significa en el cuadro? Venus dormida: Nuevo tipo iconográfico de gran éxito posterior, es una de las primeras obras modernas dentro del arte en la que un desnudo femenino constituye el tema principal de un cuadro. TIZIANO: Principal pintor de la escuela veneciana. Su pintura evolucionará según el contexto del momento. Sus orígenes se enmarcan dentro del clasicismo puro: espacios amplios, perspectivas puras, figuras y composiciones geométricas puras etc. Posteriormente luz y color serán sus preocupaciones. La EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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contrarreforma le influirá en su pintura: los contrastes de luz y sombras, figuras desdibujadas, dramatismo que anticipará el barroco. Sus pinturas exalta la belleza de Fidias, colorido rico, sensual, se exaltan las formas naturales. Crea un mundo mágico de apariencias. Deshace la forma mediante el color. Cultiva todos los géneros: el retrato, los temas religiosos, la mitología, etc Es el retratista de la escuela, en sus retratos los elementos de encuadre (paisajes, cortinas, joyas, etc.) son tan importantes como el propio retratado. Así mismo es el maestro de las formas blandas y redondas, de los desnudos femeninos e infantiles, sobre todo en composiciones de temática mitológica. También trató los temas religiosos. Su paleta evolucionó en sus últimas obras hacia una factura cada vez más pastosa, más gruesa, de manchas, técnica claramente impresionista que aún tardará varios siglos en madurar. Obras: Carlos V en Mulhberg La Emperatriz Isabel

Carlos V en Mulhberg Inspirado en las famosas estatuas ecuestres del Quattrocento. Tiziano crea como retratista un tipo de descripción solemne y opulenta, realizando una síntesis entre la captación de la psicología y temperamento del personaje y la atención a los detalles de vestuario y al escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada. La Emperatriz Isabel de Portugal: uno de sus famosos retratos, junto con los de Carlos V o Felipe II. Flora: Muestra de su colorido cálido, de flexibilidad de las telas, de la suavidad de la piel. BACANAL Tema: El dios Baco ( Diónisos ) llega a la isla de Andros. Sus habitantes lo reciben con una fiesta. Ariadna se despierta en primer plano tras haber sido abandonada por Teseo. En el centro se ve el séquito de Baco que llega y se enamorará de Ariadna y ella le corresponderá. Tiziano transforma la llega en una fiesta campesina y popular. La mitología: pretexto para mostrar el concepto de lujo y de fiesta que tenían en Venecia. Danza, música, vino y exotismo. Exaltación de la luz, el color, el movimiento, le da mucha importancia al paisaje y a la anécdota. Composición caótica, su centro es la jarra de cristal. Se busca el contraste entre las figuras reposadas de primer plano y otras en agitado movimiento. La pincelada es pastosa y el dolor se sitúa por encima del dibujo. Destacan brillos y telas así como temas secundarios. Escenas de gran sexualidad

IDENTIFICACIÓN. Autor: TIZIANO / Título: Danae recibiendo la lluvia de oro / Cronología: 1553. / Estilo: Pintura Renacimiento / Cincuecentto. Escuela Veneciana. / Soporte Lienzo / Técnica: Oleo. EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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ANALISIS FORMAL. TEMA: Danae recibe la visita de Zeus que se metamorfosea en forma de lluvia dorada. Contrata el cuerpo de la Dane con la de la Sirviente negra. La obra capta un instante: la llegada del Dios Zeus para seducir a la muchacha. Viene acompañada de una luz sobrenatural. RASGOS: Dominio del color frente al dibujo. Luz dorada procedente del cielo que baña el cuerpo desnudo de Danae. Desnudo tema principal del cuadro, perfecto y nacarado. Sensualidad del cuadro expresada a través del Sfumato. COMPOSICIÓN: existe una relación entre todos los elementos: la lluvia dorada que se dirige a Danae y además la sirviente negra intenta atraparla. Otras obras: La corona de espinas Autorretrato Venus y Adonis Retrato de Joven

VERONÉS Es el gran decorador de la escuela veneciana. Gran colorista prefiere la gama cálida y fría en contraste con las tonalidades intensas y cálidas del Tiziano. Concibe sus pinturas en medio de grandes escenarios que exaltan las glorias de la ciudad. La influencia de Palladio es patente en sus pinturas: grandes escenarios, palacios villas. Sus TEMAS: son religiosos con multitud de personajes, a veces los protagonistas se pierden en todo el conjunto. El motivo religioso queda diluido y solo se aprecia del cuadro el acontecimiento normal de la vida veneciana En sus composiciones se destacan los detalles anecdóticos, el lujo, la ostentación, desviando la atención del tema principal. Los detalles se superponen al tema principal. Escenas donde proliferan grandes palacios, joyas, tocados alhajas. Reflejan la refinada vida de la ciudad. Sus obras más conocidas están en la decoración del Palacio Ducal. OBRAS: Venus y Adonis Cristo ante los Doctores

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TINTORETTO. Ya crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones de rasgos manieristas: maestro de las luces violentas, de los contrastes de luces y sombras, de los escorzos, del movimiento tenso e inestable, del paisaje romántico, de la profundidad conseguida por contrastes lumínicos o utilizando un punto de vista bajo, acusando así la lejanía del fondo. Artista que recogió mejor la influencia de Miguel Ángel y que lleva a la práctica las características del manierismo. En sus cuadros se presentan las anatomías rotundas de Miguel Ángel y la distorsión y el movimiento de otros pintores. Del Veronés toma la capacidad narrativa en sus cuadros. Muy aficionado a la luz, al color, al paisaje. Realiza grandes lienzos de ejecución rápida de temas bíblicos y evangélicos. Expresividad, posturas forzadas, y volumen son tres rasgos de sus pinturas. Utilizará en sus cuadros fuertes contrastes de luz y sombras. Composiciones en diagonales, espacios de grandes fondos, desplazando el tema principal. Crea escorzos artificiales y perspectivas amplias. Es un excelente retratista de magistrados, funcionarios y hombres vinculados a las letras ya las artes. Influirá mucho en el Greco OBRAS: El Lavatorio. La traslación del cuerpo de San Marcos. Lienzos para la decoración de San Rocco de Venecia.

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[ LA PINTURA EN ROMA Y VENECIA ]

IDENTIFICACIÓN: Autor: TINTORETTO / Título: El Lavatorio / Cronología: 1547 / Técnica: pintura de oleo sobre lienzo. / Género: Pintura religiosa / Estilo: Pintura Renacimiento: escuela veneciana / manierismo ANÁLISIS FORMAL. Tema: La ultima cena / aunque aparece en primer término el tema anecdótico: el descalzarse de los apóstoles. Los personajes en primer término ( un discípulo descalzándose, en el otro Jesús San Pedro y otros discípulo ) sirven para el encuadre del conjunto e introducen al espectador en el cuadro. Las figuras aparentemente en diferentes grupos están entrelazadas por las miradas y las actitudes. Se trata de una pintura que recoge un cuadro dentro del cuadro. El tema principal es la Última cena pero esta aparece en una habitación lateral casi pasando desapercibida. La Composición: El escenario está inspirado en las arquitecturas de Serlio, está dominado por un intenso escorzo de la mesa. Las losetas de diferente tamaño, convergen hacia el fondo atrayendo la atención hacia el canal y las construcciones del fondo. Color: Dominio del color sobre el dibujo. Riqueza de tonalidades y gamas. La gama de colores es amplia y vemos como combina colores cálidos ( como los rojos, rosas, carnes y marrones y fríos (como los azules) y los distintos grados de saturación de éstos. El espacio: Está perfectamente representado por medio de una forzada perspectiva cónica en la que el punto de fuga se coloca muy desplazado del centro de la imagen, dentro del arco de triunfo que aparece a la izquierda del cuadro. La escena se sitúa en una sala cuyo fondo se abre y desde el que vemos una arquitectura fantástica de referencias clásicas ,que parece inspirarse en un grabado del teórico renacentista de la arquitectura Serlio, pero que con el canal y la barca que se desplaza por él, también evoca a Venecia.. En este cuadro de Tintoretto Vemos como lo anecdótico cobra presencia con el perro ya mencionado o la escena aparentemente trivial y poco decorosa, del apóstol ayudando a otro a quitarse las calzas. Al fondo a la derecha aparece representada en una habitación en penumbra y con una perspectiva que parece no coincidir con la del resto de la imagen, la escena de La Última Cena que sucedería inmediatamente a este episodio del Lavatorio ANÁLISIS NO FORMAL Contexto: Venecia es una república que basa su poder económico en el comercio. El mercenazgo del Dux es fundamental para la pintura. La historia socioeconómica: metrópoli que comercia con otros territorios de Oriente- Ciudad rica festiva: fiestas procesiones, banquetes, denotan alegría por vivir.Los artistas: la anterior generación de pintores se centraba en captar las telas, los detalles de la luz diaria, expresa tonalidades de luz y color. Repercusiones:Tendrá esta escuela una enorme influencia en España y en Flandes.Varios rasgos hay que destacar: El propio país: climatología, neblina, protagonismo del color. Enorme influencia sobre la pintura barroca posterior en la composición, en los grandes escenarios, en el uso de los colores, en el uso de la pincelada suelta. Entre sus seguidores estarán Rubens IDENTIFICACIÓN Título: El Traslado del Cuerpo de San Marcos. Autor: Tintoretto. Cronología: 1562 / 1566. Estilo: Renacimiento cincuecento escuela Veneciana. Técnica: óleo sobre lienzo

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ANALISIS FORMAL TEMA: Según el evangelio, San Marcos, obispo de Alejandría por San Pablo, no fue muy apreciado por el pueblo, que le tomó por charlatán y hechicero. Por esto sería cruelmente arrastrado por las calles de la ciudad y arrojado a un calabozo donde moriría por efecto del martirio recibido. Aunque los pocos cristianos que fueran sus seguidores robaron el cuerpo, enterrándolo en la iglesia que él mismo había fundado. Siglos posteriores se dio la oportunidad de raptar el cuerpo cuando al desatarse una gran tempestad en la ciudad sus habitantes huyen a refugiarse a cubierto, momento que aprovechan los venecianos para llevarse a San Marcos, que a pesar del tiempo transcurrido se encontraba incorrupto y en perfecto estado. COMPOSICIÓN: Es una composición manierista, es decir composiciones de gran profundidad, lateralidad asimétrica, y desplazamiento de las figuras hacia los lados, con grandes vacíos espaciales en medio de las escenas, lo que en realidad recrea auténticos escenarios teatrales. Repertorio de luces tenebrosas y fantasmales; atmósferas tormentosas, y espacios arquitectónicos extraños e irreales, que completan un mundo extravagante, como ensoñado, que por lo mismo tanto seduciría a los pintores surrealistas del S. XX. Es una composición manierista, es decir composiciones de gran profundidad, lateralidad asimétrica, y desplazamiento de las figuras hacia los lados, con grandes vacíos espaciales en medio de las escenas, lo que en realidad recrea auténticos escenarios teatrales. La composición queda ladeada por la situación de los personajes, que en rítmico paralelismo, huyen hacia los pórticos laterales asustados por la tormenta. Lo que por otro lado abre un típico pasillo de vacío espacial, tan habitual en las obras manieristas. LA LUZ: Repertorio de luces tenebrosas y fantasmales; atmósferas tormentosas, y espacios arquitectónicos extraños e irreales, que completan un mundo extravagante. Es una luz encendida y en violento claroscuro, que anuncia ya el Barroco. Lo mismo que el color, intenso y ácido, típicamente veneciano. Una luz y un color que recrean por sí solos otro elemento protagonista de la obra: la atmósfera que envuelve la escena, preludio de tormenta y cargada de la misma tensión que antecede al rasgamiento del primer relámpago.

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