UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR FACULTAD DE ARTES CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS

RECURSOS DIDÁCTICOS LÚDICO-INTERACTIVOS PARA LA ENSEÑANZA-APRENDIZAJE DE LAS OBRAS DE ARTE

TRABAJO TEÓRICO DE TITULACIÓN PREVIO A LA OBTENCIÓN DE LA LICENCIATURA EN ARTES PLÁSTICAS

JUAN DANIEL CHISAGUANO CHISAGUANO

TUTOR: DAVID JARAMILLO LÓPEZ

QUITO, ENERO 2016

DEDICATORIA

Con cariño, a todos los niños, niñas y adolescentes de todas partes; porque mañana se sientan más felices en la escuela.

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AGRADECIMIENTO. Este trabajo no hubiera sido posible sin la colaboración de muchas personas, pero, antes, quisiera agradecerle a Dios, por protegerme y bendecirme en todo momento. Asimismo, quisiera agradecer a los maestros y maestras por su labor y entrega a la hora de brindar sus conocimientos y experiencias. Gracias por enriquecer nuestro aprendizaje con sus enseñanzas. De la misma manera, deseo agradecer infinitamente a mis padres por apoyarme en todo momento y no dejar que renunciara a mis sueños. Por último, quisiera agradecer de manera especial a mis hermanos, amigos y compañeros, que supieron alentarme con sus palabras. Mil gracias a todos ellos.

Juan Daniel Chisaguano.

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AUTORIZACIÓN DE LA AUTORÍA INTELECTUAL

Yo, Juan Daniel Chisaguano Chisaguano en calidad de autor del trabajo de teórico de investigación realizado sobre “Recursos didácticos lúdico-interactivos para la enseñanza-aprendizaje de las obras de arte”, por la presente autorizo a la UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR, hacer uso de todos los contenidos que me pertenecen o de parte de los que contienen esta obra, con fines estrictamente académicos o de investigación.

Los derechos que como autor me corresponden, con excepción de la presente autorización, seguirán vigentes a mi favor, de conformidad con lo establecido en los artículos 5, 6, 8; 19 y demás pertinentes de la Ley de la Propiedad Intelectual y su Reglamento.

Quito, enero 2016

……………………… Firma C.C. 1720288586

Telf.: 3018299

Email: [email protected]

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APROBACIÓN DEL TUTOR

En mi carácter de tutor del trabajo de titulación, presentado por Juan Daniel Chisaguano Chisaguano, para optar el título de licenciado en Artes Plásticas, cuyo tema es “Recursos didácticos lúdicointeractivos para la enseñanza-aprendizaje de las obras de arte” Considero que dicho trabajo reúne los requisitos y méritos suficientes para ser sometido a la presentación pública y evaluación por parte del jurado examinador que se designe. La línea de investigación en que se enmarca este trabajo es: Investigación en fundamentos pedagógicos y didácticos para la enseñanza de las artes plásticas.

Quito, enero 2016

…………………………… FIRMA David Jaramillo López C.C. 1711973741

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ÍNDICE DE CONTENIDOS Páginas Preliminares Dedicatoria…………………………………………………………………………………………..ii Agradecimiento…………………………………………………………………………………..…iii Autorización de la autoría intelectual……………………………………………………………….iv Aprobación del tutor………………………………………………………………............................v Índice de contenidos……………………………………………………………………………...…vi Índice de anexos…………………………………………………………………………………...viii Índice de tablas…………………………………………………………………………...………....ix Índice de figuras…………………………………………………………………………...…….…..x Resumen………………………………………………………………………………...…………..xi Abstract………………………………………………………………………………………….....xii Introducción………………………………………………………………………………………….1 CAPÍTULO I: EL PROBLEMA 1.1 Planteamiento del problema……………………………………………………………….……..3 1.2 Preguntas directrices……………………………………………………………………………..3 1.3 Objetivos…………………………………………………………………………………………3 1.3.1 Objetivo general…………………………………………………………………….…4 1.3.2 Objetivos específicos……………………………………………...……………….…..4 1.4 Justificación………………………………………………………………………………….......4 1.5 Marco teórico. ………………………………………………………………………………...…4 1.6 Metodología………………………………………………………………………………….…..5 CAPÍTULO II: PEDAGOGÍA DEL ARTE 2.1 El arte enriquece a la educación………………………………………………………………....6 2.1.1 La inclusión de las artes en el sistema educativo…………………………………….……8 2.1.2 Contribuciones de las artes en el desarrollo de la mente………………………..….….….11 2.1.3 El juego como una oportunidad para aprender………………………………….….….….13 2.1.4 Arte y juego para un aprendizaje integral…………………………………….….……..…14 2.2 El valor de la historia del arte en la educación………………………………………….…..……16 2.2.1 Breve repaso de la historia del arte como disciplina académica……....…….….…..…17 2.2.2 Enseñar la historia del arte por medio de una micro-muestra…………….…….……..20 2.2.3 ¿Cuál es el sentido de mirar hacia el pasado?................................................................22 vi

2.3 El arte se mira a sí mismo…………………………………………………………...………..…23 2.3.1 La apropiación…….………………………………………………………..…….…..24 2.3.2 Arte referencial…...…………………………………………………………....……..27

CAPÍTULO III: UNA MICRO-MUESTRA LÚDICO INTERACTIVA 3.1 Recursos didácticos de la historia del arte……………………………….………..……………29 3.1.1 Antecedentes y motivaciones………………………………………………………...30 3.1.2 Rompecabezas………………………………………………...……………….……..31 3.1.3 Personajes de Felpa…………………………………………………………………..40 3.2 Proceso de fabricación de los recursos didácticos.…….………….……………………………44 3.2.1 Rompecabezas………………………………………...………………………….…..44 3.2.2 Personajes de felpa……………………………………...……………………………45 3.3 Micro-muestra de la historia del arte…………………………………………………....48 CAPITULO IV: CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES 4.1 Conclusiones...…………………………...……………………………………………………..51 4.2 Recomendaciones………………………………………………………………………………51

MATERIALES DE REFERENCIA Bibliografía……………………………………………………………………………..…………..52 Anexos…………………………………….…………………………………………..……………54

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ÍNDICE DE ANEXOS ANEXOS:

Pág.

1. Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, Por Daniel Chisaguano, 2013……………....54 2. Círculos concéntricos de Vasili Kandinsky. Por Daniel Chisaguano, 2013……………….54 3. Autorretrato con oreja vendada de Vincent van Gogh. Por Daniel Chisaguano, 2013…....55 4. La fuente de Marcel Duchamp. Por Daniel Chisaguano, 2013...………………….……....55 5. Venus de Willendorf. Por Daniel Chisaguano, 2016…...………………………………….56 6. Cabeza colosal de la cultura Olmeca...………………………………………………..…...57 7. Caballo, Fernando Botero …………………………………………………………..……..57 8. Personaje masculino consumiendo alucinógenos cultura Jama Coaque…………………..58 9. Tres estudios de figuras en la base de una crucifixión, Francis Bacon……………………58 10. Araky Nobuyoshi ………………………………………………………………….………59 11. El Taj Mahal o ‘El Palacio de la Corona’……..…………………...………………………59 12. Exposición ‘interactuar, jugar y sentir (arte)’, 2014……………………….……………....60

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ÍNDICE DE TABLAS

TABLA:

Pág.

1. Malla Curricular Educación General Básica.……..……………………………..……...…..9 2. Tabla comparativa de similares propuestas apropiacioncitas……………………..…….....26

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ÍNDICE DE FIGURAS FIGURA:

Pág.

1. Laocoonte y sus hijos. 500 d.C…………………………………………………………….19 2. La Victoria de Samotracia, Nathan Sawaya……………………………………………….21 3. L.H.O.O.Q, Marcel Duchamp, 1919……...……………………………………………….26 4. Venus de los trapos, Michelangelo Pistoletto, 1967……………………………………….27 5. Spiral Jetty, Robert Smithson, 1970……………………………………………………….28 6. Lechuguines, Gabriela Cabrera y Graciela Guerrero, Palenque, 2000………….…..……..28 7. El primer rompecabezas de la historia, John Spilsbury…………………………….……...31 8. Calle 14……………………………………………………………………………….........32 9. El grito……………………………………………………………………………………..33 10. Sin título (Los amantes perfectos)…………………………………………………............34 11. Dar la vuelta a los propios ojos...………………………………………………………….35 12. Como explicar los cuadros a una liebre muerta…………………………………..………..36 13. Sin título (Hombres calvos)………………………………………………………………..37 14. Alison Lapper embarazada………………………………………………………………...38 15. Lago agrio…………………………………………………………………………….……39 16. El primer osito de peluche…………………………………………………………………40 17. Pieza Antropomorfa de la Cultura Tolita, 300 a. c- 800 d. c ……………..…….…………41 18. Personaje de felpa …………………………………………………...………....………….41 19. Exposición de fin de semestre, 2014……………………………………………...……….42 20. Elefante, Jeff Koons, 2003………………………………………………………………...43 21. Elefante de felpa ………...……………...………………………………………………....43 22. Diseño de corte de los rompecabezas, 2013……………...………………………………..45 23. Estructura de cartón del Elefante…………………………………………….………….…46 24. Patrones de cartulina del Elefante…………………………………………….…………...47 25. Confección y relleno del Elefante de felpa………………………………………………...47 26. Exposición de fin de semestre, 2013……………...……………………………...………..48 27. Exposición de fin de semestre, 2013………...………………………………...…………..49 28. Estudio para exposición de fin de semestre, 2014…………………………………………49 29. Exposición Museo Camilo Egas, 2014..……………………………………………...……50

30. Semana Internacional de la Educación Artística, 2015………………………….…..…….50

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UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR FACULTAD DE ARTES CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS

RECURSOS DIDÁCTICOS LÚDICO-INTERACTIVOS PARA LA ENSEÑANZA-APRENDIZAJE DE LAS OBRAS DE ARTE Autor: Juan Daniel Chisaguano Tutor: David Jaramillo López 5/1/2016

RESUMEN La pedagogía del arte es una propuesta contemporánea que contribuye a la enseñanza-aprendizaje de las prácticas artísticas y la historia del arte. Las artes no son muy valoradas por la sociedad, un mayor compromiso por parte del sistema educativo puede ayudar a cambiar esta realidad. Más aun, el mundo de hoy, en el cual se educan los estudiantes podría mejorar si se tomara en cuenta los aspectos emocionales e intelectuales que encontramos en la enseñanza-aprendizaje del arte, ya que la educación artística brinda oportunidades significativas para el mejoramiento educativo. Esta investigación indaga las ventajas y contribuciones que obtienen los estudiantes en la escuela cuando trabajan con las artes. Rompecabezas y personajes felpa son recursos didácticos elaborados para la enseñanza-aprendizaje de las obras de arte. Los mismos que tienen el propósito de contribuir a que los espectadores puedan estimar de mejor manera las obras del arte.

PALABRAS CLAVES

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UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR FACULTAD DE ARTES CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS LUDIC-DIDACTIC-INTERACTIVE RESOURCES FOR TEACHING AND LEARNING ABOUT ART WORKS Author: Juan Daniel Chisaguano Tutor: David Jaramillo López 5/1/2016

ABSTRACT Pedagogy of art is a contemporary proposal that contributes to the teaching-learning process of artistic practices and art history. Generally, art is not valued by society, that is why more commitment from the educative system can help change that reality. Further, today’s world – a place where young people are being educated, could be improved if took into account the emotional and intellectual aspects that are part in the learning process about art. This kind of instruction (art) offers significant opportunities for educational improvement. This research deals with the advantages and contributions students obtain while they are in school working with arts. Jigsaws and plush characters are didactic resources which have been created to teach and learn about art works. These tools have the aim to contribute for the audience be able to value said art works.

KEY WORDS

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INTRODUCCIÓN “Cualquier sociedad, que viva en ausencia del Arte, sin la conciencia de la Cultura que va generando, será una sociedad incapaz de proyectarse, una sociedad sin sueños” Guido Ripamonti Las artes plásticas no son muy valoradas en nuestro medio local, un mayor compromiso por parte del sistema educativo puede ayudar a cambiar esta realidad. Más aun, el mundo en el que viven hoy en día los estudiantes de primaria y secundaria podría mejorar si se tomara, también, en cuenta los aspectos emocionales e intelectuales que encontramos en el aprendizaje del arte. Años atrás y aun en la actualidad, podemos mirar que existe un desequilibrado interés curricular, que jerarquiza a las asignaturas. Pues, existe una clara inclinación por la enseñanza de las matemáticas, las ciencias y el inglés. Estas asignaturas solo alimentan los aspectos racionales de los estudiantes. Sin embargo, los aspectos emocionales que encontramos en el arte, el juego y el deporte no despiertan mayor interés curricular.

Por otra parte, grandes teóricos enmarcan una relación directa y profunda del arte con la enseñanzaaprendizaje de los estudiantes. Pues se considera que la educación artística es muy importante para el desarrollo integral de los niños, niñas y adolescentes. Siendo esta una de las razones que motiva a la presente investigación. Teóricos como: Rudolf Arnheim, Elliot Eisner y John Dewey se pronuncian al respecto. El Dr. Rudolf Arnheim, fue un teórico de renombre que ha realizado aportaciones al campo de la educación artística. Considerando que el arte, no solo desarrolla las destrezas de los estudiantes, sino también afirma que la enseñanza del arte potencia la imaginación y la invención de los estudiantes. A su vez, el educador Elliot Eisner indaga la importancia de las artes en el currículo educativo. Pues, considera que las artes contribuyen al desarrollo más completo de la mente de los estudiantes. Por su parte John Dewey propone estrategias de enseñanzaaprendizaje a través de la experiencia, y considera; que para aprender hay que hacer, ya que los seres humanos tenemos capacidades innatas de aprendizaje.

Está investigación se fragmenta en tres capítulos: El primer capítulo es un pequeño cuerpo de la investigación y se divide en: planteamiento del problema, preguntas directrices, objetivos, justificación, marco teórico y metodología a aplicar. El segundo capítulo profundiza la labor de la educación artística en el currículo educativo. Este capítulo lo vamos a encontrar dividido en tres postulados: El arte enriquece la educación, el valor de la historia del arte en la educación y el arte se mira a sí mismo. En el primer postulado explicó el valor de la enseñanza artística en la educación; además de exponer algunas de las contribuciones del arte y el juego en el desarrollo mental y 1

emocional de los estudiantes. El segundo postulado refuerza al primero y anticipa la finalidad del capítulo 3. Aquí, podemos encontrar: definiciones y antecedentes de la historia del arte en cuanto a disciplina académica; además, la estrecha relación que guarda la historia del arte con otras asignaturas. El tercer postulado aclara el concepto de como el arte se mira a sí mismo, para ello citaré las prácticas de la apropiación y el arte referencial de años recientes. Esto con el objetivo de exponer que el trabajo práctico de esta investigación puede ser calificada como una práctica del arte referencial y apropiacionista. Finalmente, en el capítulo 3 se da paso a la exposición de una micromuestra lúdico-interactiva de recursos didácticos inspirados de la historia del arte; así mismo, aquí podemos encontrar: los antecedentes, motivaciones y el proceso de fabricación de los rompecabezas y personajes de felpa.

Esta micro-muestra lúdico-interactiva para la enseñanza-aprendizaje de la historia del arte tiene la finalidad de ser situado en el arte contemporáneo por su valor pedagógico. Durante años recientes ha ido creciendo el interés de los artistas por enseñar el arte y con ello sus prácticas. En palabras de María Acaso & otros:      

Que un profesor es a la vez un artista. Que un artista es a la vez un profesor. Que un estudiante es a la vez un espectador. Que un espectador es a la vez un estudiante. Que un proyecto educativo es a la vez una obra de arte. Que una obra de arte es a la vez un proyecto educativo. (2011; 9)

De acuerdo con esto, actualmente, gran número de artistas motivados por la enseñanza de las artes se han encaminado a nuevas oportunidades de trabajo pedagógico. De hecho, la pedagogía del arte es un campo nuevo que abre sus puertas a profesionales educativos y artistas. Entonces es importante para los educadores artísticos conocer el papel de las artes en la educación.

Por la experiencia que encontré en mi formación educativa de primaria y secundaria, logre observar que las artes no fueron muy apreciadas por profesores, estudiantes y padres de familia. Si se cambiase esta realidad existirían mayores oportunidades para estimar de mejor manera las artes. Habría que decir también, que las artes aportan al desarrollo mental y cognitivo de los estudiantes en la escuela. Para finalizar, quisiera decir que, como estudiante de artes plásticas de la Universidad Central del Ecuador me gustaría aportar a la enseñanza-aprendizaje de las artes en la escuela; que se les dé mayor protagonismo en el currículo educativo de educación inicial, media y bachillerato, ya que siento, que las artes, han aportado en mi desarrollo emocional, intelectual y cognitivo de muchas maneras satisfactorias.

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CAPÍTULO I EL PROBLEMA

1.1 Planteamiento del problema No todos los espectadores estiman las obras y expresiones de arte. Esto se debe a la falta de educación artística que recibimos en nuestro proceso inicial de aprendizaje. En el cual, al sistema educativo solo le interesa potenciar el aspecto lógico, científico y racional de los estudiantes. El aspecto emocional que encontramos en las artes, el juego y el deporte no son de mayor interés curricular. Al revisar la oferta educativa ecuatoriana podemos encontrar un limitado interés por fomentar el arte. Años atrás la enseñanza artística no era tan importante en el currículo educativo. Aunque actualmente se puede ver un interés por enseñar las prácticas artísticas, todavía no llegan a ser tan importantes como las otras asignaturas. Esto ha generado vacíos curriculares en los niños, niñas y adolescentes. Creo firmemente, que la educación artística ayuda a los niños, niñas y adolescentes a desarrollar sus capacidades motrices, emocionales e intelectuales. Existen varios teóricos, que sostienen, que la educación artística aporta de muchas maneras al desarrollo integral de los seres humanos. En respuesta a esta problemática lo que pretendo con esta presente investigación es contribuir a una educación más comprometida con la enseñanza-aprendizaje de las artes y la historia del arte. Pues

creo que las artes pueden ayudar a cambiar el mundo cuando hace de nosotros, los seres humanos mejores ciudadanos. Es decir, cuando las artes con sus conocimientos ayudan a sembrar ciertos valores éticos en la sociedad. Ya que considero que las artes ayudan a la humanidad a vivir en un mundo de armonía y respeto.

1.2 Preguntas directrices ¿Pueden las artes enriquecer la educación? ¿Qué nos enseña la historia del arte en educación? ¿Se puede estimar las obras de arte mediante la fabricación de recursos didácticos?

1.3 Objetivos

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1.3.1 Objetivo general Fabricar recursos didácticos para presentar una micro-muestra lúdico-interactiva, que toman como referencia ciertas obras y expresiones de la historia del arte.

1.3.2 Objetivos específicos 

Investigar la importancia de la educación artística en el currículo educativo de educación básica y bachillerato.

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Contribuir a la enseñanza-aprendizaje de la historia del arte mediante la fabricación de recursos didácticos.

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Revalorizar ciertas obras y expresiones de la historia del arte cambiándoles su formato tamaño y material.

1.4 Justificación Desde mi punto de vista, las artes deben de ser mejor apreciadas por la sociedad. Ya que las artes en la educación brindan oportunidades muy significativas para que los estudiantes logren desarrollar su mente de una manera integral. Por esta razón, desde mi punto de vista, la educación artística debe tener mayor protagonismo en el currículo de educación básica y bachillerato. La inclusión que actualmente se le da en el currículo educativo no debería perseguir únicamente fines de recreación, ocio e ilustración. Sino también fomentar con sus enseñanzas valores éticos, ya que las artes son el legado de saberes y costumbres que evidencia la madures y reflexión de las diferentes culturas del mundo. Y esto ha permitido, que la humanidad desarrolle sus capacidades motrices, emocionales e intelectuales de mejor manera. Por otra parte, mediante está presente investigación mostraré los aportes y contribuciones de la educación artística y la historia del arte para una educación más integral. Además de esto, trabajo en la fabricación de recursos didácticos, los cuales son una invitación a participar de un encuentro sensorial entre espectador y obra artística. Una manera divertida de aprender la historia del arte mientras te diviertes. Pues, es a través del juego que los seres humanos exploran, descubren y aprenden a interactuar con los múltiples objetos y problemas que forman parte de su desarrollo como individuos.

1.5 Marco teórico La educación artística ha sido de interés de grandes pensadores y educadores; además, del sistema educativo en general. Pero, también es importante reconocer la labor de los artistas a la hora de compartir sus destrezas y conocimientos. Como quiera que sea, el arte en función de la educación siempre fue abordado de diferentes perspectivas. Sin embargo, una parte de las reflexiones y postulados de todos ellos aportaran a la siguiente investigación. Antes debo decir que existen tres 4

temas que voy a desarrollar: Uno tiene que ver con la relación del arte y la educación, para ello tomaré los aportes de Rudolf Arnheim, Elliot Eisner y John Dewey quienes son importantes teóricos que hablan del arte en función en la educación. Del mismo modo tomaré las contribuciones de Gabriela Augustowsky, Edgar Céspedes y Noemi Paymal; quienes plantean que las artes son una estrategia de enseñanza-aprendizaje en la escuela. Ya que toman a las prácticas artísticas como una poderosa herramienta pedagógica. Las artes como actividades experienciales que genera aprendizaje. Además los aportes de Johan Huizinga, quien considera que el ser humano también se construye a través del juego. Para el segundo y tercer tema del valor de la historia del arte en la educación y el arte se mira así mismo, tomare los aportes de Erwin Panofsky, Udo Kultermann y Juan Martin Prada quienes en los últimos años han cambiado los paradigmas del arte.

1.6 Metodología La metodología persigue dos finalidades: la una es investigar la relación entre el arte y la educación; y la segunda es fabricar recursos didácticos que ayuden al espectador a estimar el arte de manera divertida. Así, para la relación entre el arte y la educación partiremos de la investigación de textos, videos y páginas web; en cambio, para la fabricación de recursos didácticos partiremos del imaginario de algunos juguetes infantiles. A continuación explicare en qué consiste cada uno de ellos: El primer recurso didáctico toma las ideas de fabricación de los ositos de felpa, el cual es un animalito de juguete relleno de plumón (en nuestro medio conocido como animalito de peluche). Los mismos que recrean animales y personajes de series animadas. La diferencia entre estos personajes de felpa y los del mercado, es que, los personajes de felpa van a recrear las obras y narrativas de la historia del arte. El segundo recurso didáctico es la elaboración de rompecabezas, en los cuales también podemos encontrar representado algunas obras de arte. Esto con el propósito de recrear la historia del arte de una manera lúdica. Fabricar recursos didácticos puede ayudar a estimular la curiosidad del espectador para que se interese por conocerse, conocer su cultura y conocer la cultura de los demás. Finalmente, a través de esta metodología se pretende resaltar que una educación más integral y comprometida con la enseñanza-aprendizaje de las prácticas artísticas y la historia del arte ayudara a formar individuos más sensibles y creativos con el mundo que les rodea.

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CAPÍTULO II PEDAGOGÍA DEL ARTE

1.1 El arte enriquece a la educación “Si enseñamos a los estudiantes de hoy como enseñamos ayer, les estamos robando el mañana” John Dewey Pedagógicamente hablando, la educación artística cumple una función vital en el crecimiento de los niños, niñas y adolescentes, porque enriquecen su ser cuando aporta a su desarrollo y perfeccionamiento como seres humanos. Habría que decir también, que las artes son un medio de comunicación para expresarnos libre y creativamente. Los aportes de las artes en la comprensión del mundo de hoy, nos hacen repensar las prácticas de enseñanza. La idea de educar en artes adecuadamente a la niñez y juventud se ha logrado gracias a los aportes de varios teóricos; que han dedicado una parte de su vida a la producción de textos, materiales didácticos y herramientas tecnológicas que ayudan al proceso de enseñanza-aprendizaje. Pues, han elaborado recursos educativos empleando metodologías artísticas para el mejoramiento de la educación. Educar no es una tarea fácil, se necesita de vocación, paciencia y respeto.

De acuerdo con esto, durante años recientes el papel de las artes en la educación ha reforzado varios procesos de aprendizaje. La experiencia positiva que pueden sentir los niños y las niñas en las diferentes escuelas es de poderosa ayuda para su fortalecimiento educativo. En la escuela, los niños y las niñas escuchan palabras, palpan objetos y miran su entorno; hacen una relación entre lo que perciben y lo que conocen, y lo que no conocen lo descubren. Sus primeros ejercicios de percepción comienzan a través de sensaciones. Logrando así que ellos encaminen su mente, su cuerpo y sentimientos hacia su propio bienestar y confort. Entonces, el reto de la educación artística es contribuir a que los niños y las niñas tengan numerosas oportunidades de crecimiento, mediante experiencias significativas y oportunas, también relacionadas con las experiencias artísticas.

En respuesta a esto, y compartiendo los mismos ideales, existen algunos modelos pedagógicos, que buscan en la enseñanza artística una oportunidad para mejorar y avanzar a una educación de calidad. 6

Por ejemplo, en los recientes años, la pedagogía 3000 está renovando y aportando a una educación más significativa y humana. En la cual, el aprendizaje artístico juega un rol protagónico. Con respecto a esto y según el profesor Eisner: La educación, a su vez, es el proceso de aprender a crearnos a nosotros mismos; y esto es lo que fomentan las artes entendidas como proceso y como los frutos de ese proceso. El trabajo en las artes no sólo es una manera de crear actuaciones y productos; es una manera de crear nuestras vidas ampliando nuestra conciencia, conformando nuestras actitudes, satisfaciendo nuestra búsqueda de significado, estableciendo contacto con los demás y compartiendo una cultura. (2004; 19) De acuerdo con Eisner (2004), podemos considerar que, cuando los niños y las niñas trabajan con las artes en la escuela obtienen grandes resultados. Así, por ejemplo: 

Cuando trabajan con arcilla, tienen la oportunidad de desarrollar habilidades mentales y motrices.



Cuando trabajan con colores, tienen la oportunidad de expresarse libre y creativamente.



Cuando les incitamos a dibujar, les damos la oportunidad de expresar sus sentimientos sin temor.



Cuando les enseñamos obras de arte, les damos la oportunidad de conocerse, de conocer a los demás y conocer el mundo con el cual van a interactuar.



Cuando aprenden historia del arte, tienen la oportunidad de conocer su realidad y su pasado, para luego comprender mejor su historia.

Dicho brevemente, las artes enriquecen a la educación con sus saberes, lenguajes y técnicas. En palabras de Patricia Maciulaiti “A través de la enseñanza artística obtendremos un adulto sano, creativo, profundo, fuerte y generoso, capaz de hacer y de amar” (P, Maciulatti en Paymal, 2014; 30). De acuerdo con la educadora, cuando la enseñanza artística anima a los niños y las niñas a crear un producto artístico, ellos están comprometidos a entregar todo lo que esté a su alcance para sentirse satisfechos con el resultado. Al mismo tiempo ellos valoran su trabajo y el de los demás; porque pueden reconocer las complejidades que existen al momento de hacerlos; para luego así aprender a amar su trabajo y respetar con amor el de los demás. A su vez y Según Céspedes: Un curso de Educación Artística –en el caso que nos ocupa, orientado hacia las artes visualestiene justificado lugar en el currículo de formación y actualización de educadores, de educadoras, porque el acercamiento a las artes apoya los procesos cognitivos; el arte –como área de interés, como actividad creadora y como lenguaje- es un puente ideal para la comprensión entre las personas y entre las culturas; y porque las artes visuales fortalecen las capacidades para la participación en el mundo contemporáneo, apoyando los procesos de comunicación, de expresión de sentimientos y de la valoración de las obras de los otros y las otras. (2009; 7) 7

Finalmente, se pretende considerar también, que la educación artística orienta a niños, niñas y adolescentes a ampliar sus capacidades para resolver problemas; a tomar decisiones sin miedo a equivocarse y a mirarse a sí mismo para luego transformarse. Definitivamente el incorporar el aprendizaje artístico da sentido a la educación y la enriquece de manera positiva. Entonces, la educación artística asume la difícil pero no imposible tarea de revisar sus prácticas de enseñanza.

2.1.1 La inclusión de las artes en el sistema educativo “En las artes y en el resto de la educación, el mejor profesor no es el que comparte todo lo que sabe o el que se guarda todo lo que podría dar, sino el que, con la sabiduría de un buen jardinero, observa, juzga y echa una mano cuando su ayuda es necesaria” (R, Arnheim, 1993; 95)

En la necesidad de contribuir a una educación de calidad, durante muchos años se han generado fuertes críticas al sistema educativo ecuatoriano, el cual está reglamentado por el Ministerio de Educación. Habría que decir también, que tales estructuras educativas se han manejado desde el poder y no necesariamente desde las necesidades de los ciudadanos. Por otra parte, hace pocos años atrás se podía evidenciar algunas falencias y problemas en el plan nacional de educación. Según el economista ecuatoriano Galo Viteri “La situación de la educación en el Ecuador es dramática, caracterizada, entre otros, por los siguientes indicadores: persistencia del analfabetismo, bajo nivel de escolaridad, tasas de repetición y deserción escolares elevadas, mala calidad de la educación y deficiente infraestructura educativa y material didáctico” (G, Viteri, 2006). Con respecto a esto, se puede observar que tales estructuras educativas fueron reglamentadas inadecuadamente por parte del Ministerio de Educación; a causa de esto, actualmente, antecede un malestar educativo.

Un malestar que generó vacíos curriculares que no se han podido llenar. Causando en los niños, niñas y adolescentes un bajo rendimiento escolar que afecta su integridad y autoestima; debido al interés de la oferta educativa de priorizar sus enseñanzas. Más aun, reconociendo que en la malla curricular ya existe una estructurada jerarquía de enseñanza entre asignaturas. Esto lo podemos apreciar en la malla curricular de Educación General Básica del Ministerio de Educación. (Véase en la Tabla 1). A lo mejor con esto se logre creer que ya se está mejorando la calidad educativa. Cambiar esto y aportar al mejoramiento de la educación ecuatoriana es una tarea de todos. Hoy queremos cambiar esta realidad, enriqueciendo el currículo educativo con la enseñanza de las artes. A continuación mostraremos la realidad educativa. Para luego intentar responder. ¿Qué aportes les puede brindar las artes al sistema educativo? y ¿Cuáles son las contribuciones que los niños y las niñas pueden obtener cuando trabajan con las artes?

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Tabla.1. Malla Curricular Educación General Básica Fuente: (Página web del Ministerio de Educación, 2015)

En la actualidad, la educación artística como experiencia en los centros educativos está ligada al campo de artes plásticas, el teatro la música y la danza, constituyendo una parte sustancial del día a día escolar. Se tratan de actividades de libre esparcimiento, también vistas tanto por estudiantes como por educadores como actividades de ocio y recreación. Para posteriormente adoptar una posición secundaria, desinteresada y podríamos decir un tanto marginal con respecto de otras asignaturas como las matemáticas, las ciencias y el lenguaje. Sea como fuere, la enseñanza de las artes se abarcan dentro de las asignaturas de Educación Estética y Clubes con un total de 5 horas semanales entre las dos asignaturas. Igualándose con Educación Física la cual persigue fines de salud, bienestar y deporte. En los dos casos, tanto Educación Artística como Educación Física no deberían perseguir únicamente fines de ocio y recreación como actualmente se puede evidenciar, pues estas asignaturas pueden considerarse muy importantes y necesarias para algunos estudiantes.

Aunque la oferta educativa ecuatoriana ha puesto más interés en la enseñanza de las artes plásticas aún no se pueden considerar materias básicas y necesarias. Más aún, cuando en nuestro medio local la mayoría de las personas poco o nada conocen respecto a temas de arte, dando como resultado un grado de desconocimiento y desinterés. Sin duda cada vez más se viene arrastrando un déficit de enseñanza artística por parte del sistema educativo. De ahí que actualmente las personas no tienen la voluntad de interesarse en temas relacionados al arte. Como consecuencia no existe una cultura de asistir a exposiciones, conciertos y espectáculos. Sin embargo, esto cada vez ha ido cambiando paulatinamente. Así por ejemplo, en la oferta educativa del Ministerio de Educación del Ecuador ya existe un compromiso en fomentar la educación artística:

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En el Subnivel Inicial 2 de la Oferta Educativa de Educación Inicial encontramos un interés por fomentar la educación artística en uno de los objetivos de aprendizaje. “Disfrutar de su participación en diferentes manifestaciones artísticas y culturales a través del desarrollo de habilidades que le permitan expresarse libremente y potenciar su creatividad". En la Oferta Educativa de la Educación General Básica, la educación artística también se hace presente y nos dice que los jóvenes serán capaces de: “Demostrar sensibilidad y comprensión de obras artísticas de diferentes estilos y técnicas, potenciando el gusto estético” (Página web del Ministerio de Educación 2015). Cabe destacar que estos objetivos de aprendizaje son fruto de los últimos 5 años. Por lo tanto, desde estos objetivos educativos la enseñanza artística cobra fuerza. El compromiso de promover la enseñanza de las prácticas artísticas a los niños, niñas y adolescentes es evidente. Sin embargo, la realidad actual aún sigue siendo otra. Es decir, estos compromisos solo se han quedado en palabras del Ministerio de Educación, pocas son las instituciones que incluyen las artes en su currículo educativo. Todavía estos objetivos de enseñanza artística no han llegado a las totalidades de las escuelas, de las aulas y menos al oído de los niños, niñas y adolescentes. En otras palabras, se pone énfasis al escribir los objetivos de aprendizaje, pero son ignorados en la práctica, puesto que su presencia en horas semanales de clase por asignatura es muy corta con relación a las otras asignaturas.

Por otra parte, la UNESCO ha expresado que las artes son importantes en el aprendizaje; la Hoja de Ruta para la Educación Artística que es el fruto de las deliberaciones realizadas en el marco de la conferencia mundial sobre la educación artística realizada en Lisboa (Portugal) en el 2006. Tiene como objetivo explorar la posible contribución de la educación artística para satisfacer las necesidades de creatividad y sensibilización cultural en el siglo XXI. En el cual, uno de los objetivos de la educación artística para desarrollar capacidades individuales nos dice: Cuando una persona en fase de aprendizaje entra en contacto con procesos artísticos y recibe una enseñanza que incorpora elementos de su propia cultura, esto estimula su creatividad, su iniciativa, su imaginación, su inteligencia emocional y, además, le dota de una orientación moral (es decir, de la capacidad de reflexionar críticamente), de la conciencia de su propia autonomía y de la libertad de acción y pensamiento. La educación en y a través de las artes también estimula el desarrollo cognitivo y hace que el modo y el contenido del aprendizaje resulte más pertinente para las necesidades de las sociedades modernas en las que vive el que lo recibe. (Unesco, 2006; 2) Este argumento da credibilidad a la importancia de la educación artística en el mejoramiento de las capacidades cognitivas de los niños, niñas y adolescentes. De hecho, podemos considerar que las artes son una magnífica oportunidad para el desarrollo de la creatividad de los niños, niñas y adolescentes. Dicho de otro modo y según Augustowsky: “Abordar el arte como experiencia en la escuela implica enseñar a los chicos, chicas y jóvenes a crear con sentidos propios, conectados consigo mismos pero a la vez involucrados con su entorno y con los otros; implica además asumir el 10

reto de formarlos para que sean receptores lúcidos, críticos, curiosos, informados, deseantes y capaces también de vibrar de emoción” (2012; 18). De acuerdo con Augustowsky, la experiencia significativa vivida por los estudiantes al momento de abordar las artes en la escuela les ayuda a crearse como seres activos, capaces de conocer su historia y su realidad; porque las artes generan un espacio de interacción, diálogo, juego y aprendizaje, que les hace vibrar de emoción. De ahí que las artes se consideran una ventana para descubrir el mundo, porque les ayuda a cada uno de los estudiantes a crecer, caminar y ser mejores. Siendo curiosos, críticos y reflexivos con el mundo que van a descubrir y con el cual van a interactuar.

2.1.2 Contribuciones de las artes en el desarrollo de la mente. “La mente es igual que un paracaídas, solo funciona si se abre” Albert Einstein

Las niñas, niños y adolescentes desarrollan sus mentes cuando tienen la oportunidad de experimentar con objetos y situaciones del diario vivir. Estas experiencias influyen en su manera de pensar y actuar frente al mundo. Así, la mente es y ha sido estudiada por psicólogos, antropólogos, filósofos y educadores; sin embargo, Jean Piaget y Lev Vygotsky a través de sus estudios en el campo del aprendizaje fueron los que más se preocuparon en teorizarla. Para ellos, el desarrollo pleno de la niñez y juventud se realiza a través de los procesos cognitivos. A continuación, este sub capítulo muestra algunas contribuciones de las artes al desarrollo mental de los estudiantes. Pero antes será importante conceptualizar la mente. Del latín mens y puede definirse como la naturaleza del pensamiento.

Personalmente pienso que, la mente es la encargada de generar conciencia y de posibilitar un accionar distinto de los seres humanos frente al mundo. La mente a través de la recopilación de experiencias vividas con anterioridad y almacenadas en el cerebro, ayuda a reaccionar de diferentes maneras frente a nuevas situaciones y problemas que se van presentando. Además, estas nuevas experiencias pueden ser premeditadas, reflexionadas y proyectadas mediante el aprendizaje de los sucesos y percepciones de las experiencias del pasado. Dicho brevemente, la mente humana pude corregir la posibilidad de errar otra vez a través del aprendizaje que nos dejan las experiencias del pasado. Habría que decir también que la mente llega a estar presente desde las primeras etapas de nuestra infancia y que luego ira desarrollándose, hasta en el momento en que dejamos de existir.

A lo largo de la historia, la mente humana despierta y posibilita nuevas manera de pensar, de imaginar y de soñar. Por el contrario, las artes a través de sus diferentes medios de expresión han posibilitado numerosas maneras de invención. Así, por ejemplo: cuando Leonardo da Vinci intentaba trasmitir 11

todos sus descubrimientos, tenía que elegir el medio más apropiado para su entendimiento y el de los demás. Un pedazo de mármol o un trozo de papel habrían sido distintos medios de comunicación. Según Arnheim: “Los materiales y los vehículos usados para la actividad artística también tienen caracteres específicos a los que se responde de forma muy parecida a como una persona responde a otra. Unos nos atraen, otros nos repelen y muchos no son indiferentes” (1993; 65). De acuerdo con este argumento, la gran variedad de materiales artísticos, auxilian a que los niños, niñas y adolescentes despierten su creatividad; para luego lograr expresar nuevas y diferentes formas de invención. Así, cuando un niño busque expresar sus sentimientos tendrá que decidir también qué medio será el más adecuado. Un par de lápices o un trozo de plastilina pueden ser distintos medios de comunicación. Según Eisner: “Con cada nuevo medio debe ocurrir una nueva invención. Por esta razón, un árbol representado con un trozo de plastilina, por ejemplo, tendrá un aspecto muy distinto a un árbol representado en un dibujo a lápiz. El niño o la niña inventa una nueva forma de usar el medio para hacer el trabajo que quiere hacer, y normalmente lo hace con gran inteligencia y economía (E, Eisner en Arnheim, 1913; 15). De ahí que las artes brindan experiencias muy satisfactorias en el desarrollo de la mente, a través de los límites y posibilidades de sus medios (materiales de arte). Por otra parte, ¿cómo pueden las artes contribuir al desarrollo mental de los estudiantes en la escuela? Dejaremos al profesor Eisner que nos explique este argumento de mejor manera. El tipo de mente que la gente desarrolla o llega a tener está profundamente influenciado por las experiencias de su vida. Los cerebros son biológicos, la gente viene al mundo con un cerebro pero no con una mente. Las mentes se desarrollan a través de experiencias, para los niños, la experiencia que obtienen en la escuela está profundamente influenciada por el currículo que se les ofrece. El currículo básicamente es un plan para la mente, es una manera de cambiar la manera de pensar de la gente. […] El primer punto que quisiera tocar es que las mentes se hacen y con los cerebros se nace. Y las escuelas tienen la función de crear mentes. (E, Eisner; video, 2012)

De acuerdo con Eisner (2012), el objetivo primordial de la educación es crear mentes, o por lo menos dar oportunidades para que los alumnos puedan desarrollarlas. Entonces, la educación artística contribuye al desarrollo mental de los estudiantes cuando siembra en ellos la imaginación, la emoción y el pensamiento. Por lo tanto, las prácticas artísticas y la historia del arte contribuyen al desarrollo mental de los estudiantes cuando: a través de sus medios, técnicas y lenguajes les ayuda a expresar sus sentimientos con libertad, creatividad y economía; cuando a través de sus conocimientos, enseñanzas y prácticas les brinda la oportunidad de desarrollar la mente, el corazón y las manos; y por último, cuando a través de sus manifestaciones artísticas les incita a conocerse, conocer a los demás para luego compartir una cultura.

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Eisner (2012) considera que, una de las más importantes contribuciones de las artes en el desarrollo de la mente es permitir a los estudiantes trabajar en problemas que tienen varias soluciones, lo cual les ayuda a pensar en varias posibilidades de respuesta, lo cual les puede ayudar a resolver algunos problemas en su vida. De ahí que, la educación artística exige más protagonismo en la educación del mañana.

2.1.3 El juego como una oportunidad para aprender “Es en el juego y sólo en el juego que el niño o el adulto como individuos son capaces de ser creativos y de usar el total de su personalidad, y sólo al ser creativo el individuo se descubre a sí mismo” Donald Winnicott El juego anima el cuerpo, la mente y las emociónes de las personas a hacer algo con el solo fin de entretenerse y divertirse. El tema del juego ha sido estudiado a lo largo de la historia, comenzando por Jean Jaques Rousseau y Gadamer. Sin embargo, uno de los primeros en teorizar el juego fue Johan Huizinga a través de su libro Homo Ludens publicado en 1938. Considerando que el ser humano se define no sólo por su capacidad de pensar (homo sapiens), ni tampoco por su capacidad de hacer o fabricar (homo faber), sino también por su capacidad de jugar (homo ludens). Para Huizinga la cultura humana nace y se desarrolla a través del juego. Pues cuando el juego empieza como función creadora, se van iniciando reglas, que se vuelven costumbres y tradiciones; las mismas que van dando forma a las diferentes culturas. En otras palabras, el juego es un medio universal para generar cultura. Del mismo modo Huizinga considera el juego como: Una acción u ocupación libre, que se desarrolla dentro de unos límites temporales y espaciales determinados, según reglas absolutamente obligatorias, aunque libremente aceptadas, acción que tiene su fin en sí misma y va acompañada de un sentimiento de tensión y alegría y de la conciencia de “ser de otro modo” que en la vida corriente. (J, Huizinga en Bernabeu & Goldstein, 2009; 29)

De acuerdo con Huizinga, el juego es una actividad lúdica que está sujeta a cambios impredecibles, los mismos que pueden cambiar el curso de su destino, de tal modo que las personas en el momento de jugar vivan experiencias de risa, incertidumbre y aprendizaje. La risa como la expresión más libre y placentera de la felicidad, la incertidumbre por la preocupación de conocer lo que va a ocurrir y el aprendizaje como toda la experiencia significativa vivida. Entonces, considerar el juego como una herramienta pedagógica de la niñez y juventud también puede ser significativo y oportuno. Un aprendizaje lúdico que les ayude a sentirse bien consigo mismos y con los demás. Para luego repensar el mundo en el cual se desarrollan. ‘Aprehender’ por el simple hecho de jugar. 13

De la misma manera, el juego en el contexto educativo ayuda a la niñez y juventud a promover la imaginación, entablar relaciones, propiciar reflexión, producir placer y generar diversión. Actualmente, el juego y las actividades lúdicas en la escuela son muy valoradas, pero lamentablemente estas actividades lúdicas van desapareciendo cuando los alumnos pasan de curso y crecen en edad curricular. El juego que en sus inicios se consideraba una actividad sana, divertida y vital; posteriormente, pasa a convertirse en una actividad impropia del aula escolar para finalmente adoptar una posición secundaria que luego dará paso al trabajo y sus responsabilidades. Por otra parte el juego como una estrategia educativa en todos los niveles de enseñanza, proporciona abundantes ventajas. Así, por ejemplo:      

Facilita la adquisición de documentos. Dinamiza las sesiones de enseñanza-aprendizaje, mantiene y acrecienta el interés del alumnado ante ellas y aumenta su motivación para el estudio. Fomenta la cohesión del grupo y la solidaridad entre iguales. Favorece el desarrollo de la creatividad, la percepción y la inteligencia emocional, y aumenta la autoestima. Permite abordar la educación en valores, al exigir actitudes tolerantes y respetuosas. Aumenta los niveles de responsabilidad de los alumnos, ampliando también los límites de libertad. (Bernabeu & Goldstein, 2009; 54)

Para precisar aún más, el juego y las actividades lúdicas cumplen una función terapéutica, que relacionado con el aprendizaje, les ayuda a que ellos, los estudiantes puedan sentirse más saludables, espontáneos y felices. Por esta razón es fundamental que los amantes de la enseñanza propongan más actividades lúdicas como estrategias de enseñanza-aprendizaje en cada clase.

2.1.4 Arte y juego para un aprendizaje integral. “Las personas con habilidades emocionales bien desarrolladas tienen más probabilidades de sentirse satisfechas y ser eficaces en su vida, y de dominar los hábitos mentales que favorezcan su propia productividad” Daniel Goleman La relación que existe entre el arte, el juego y el aprendizaje ha sido y es de interés para psicólogos y educadores en los recientes años. Como resultado el arte-terapia y el arte-enseñanza, que son nuevas herramientas frecuentadas en el campo de la salud mental y la educación. Pues se piensa que ambas pueden ayudar al mejoramiento de la conducta y el aprendizaje. “El arte-enseñanza y el arteterapia abarcan la escultura, la pintura, la cerámica y todo lo que concierne a las Bellas Artes. Utilizan muchas técnicas diferentes y se pueden asociar con movimientos, música y todo proceso de 14

creatividad que se nos ocurra o que se les ocurra a los niños” (N, Paymal, 2014; 28). Sin duda, sigue siendo cierto, que las artes y el juego se asocian a los procesos de expresión, creatividad e imaginación que están latentes en todo ser humano.

Construir metodologías que generen un aprendizaje a través de este accionar de actividades puede aportar al mejoramiento de la educación; más aún, si el docente reconoce el poder de estas herramientas pedagógicas. De manera semejante, las arte y el juego se consideran actividades que descargan emociones las mismas que dan pasó a nuevas reflexiones de enseñanza-aprendizaje que están íntimamente relacionadas con la mente o inteligencia emocional. Según Daniel Goleman: En un sentido muy real, todos nosotros tenemos dos mentes, una mente que piensa y otra mente que siente, y estas dos formas fundamentales de conocimiento interactúan para construir nuestra vida mental. Una de ellas es la mente racional, la modalidad de comprensión de la que solemos ser conscientes, más despierta, más pensativa, más capaz de ponderar y de reflexionar. El otro tipo de conocimiento, más impulsivo y más poderoso — aunque a veces ilógico—, es la mente emocional. (1996; 11)

De acuerdo con Goleman, podemos considerar que para un aprendizaje integral es necesario ejercitar y enriquecer los dos tipos de mentes. Objetivo que es ajeno a nuestra realidad educativa, ya que aún no se considera necesario cultivar nuestras emociones. Así mismo, Goleman (2012) se refiere que mente racional es la encargada de tomar las decisiones más importantes que intervienen en el éxito profesional de nuestras vidas. Sin embargo, él dice la mente racional con frecuencia se equivoca. Por lo cual, propone escuchar más a las decisiones de nuestra inteligencia emocional para que todo nos salga bien en la vida. Entonces, el reto de hoy es proponer metodologías que despierten nuestras emociones. Aspiración que no es ajena, si es en el arte y el juego que siempre se está tomando decisiones. Finamente, esto se puede conseguir en la práctica tomando en cuenta que: 

El arte y el juego generan un espacio único de interacción, experimentación y aprendizaje, en donde los niños, niñas y adolescentes aprenden a ser ellos mismos, demostrando todo lo que sienten y lo que piensan antes de tomar una decisión.



El arte y el juego son poderosas herramientas pedagógicas que fortalecen el aprendizaje de los estudiantes. Ya que, a través de las experiencias artísticas y lúdicas todo conocimiento aprendido nunca desaparece.

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2.2 El valor de la historia del arte en la educación. En los últimos años, ha crecido el interés curricular por enseñar historia; y con ello fomentar la enseñanza de la historia del arte. Pues, se considera que la historia del arte incita a los estudiantes a mirar el pasado para luego aprender a valorar su historia y su realidad cultural. Casi siempre se puede encontrar en los textos escolares imágenes referentes a esta disciplina, obras de arte en sus diferentes lenguajes, destacándose así lo más significativo de la pintura, la escultura y la arquitectura. Por ejemplo, se pueden encontrar obras de Miguel Ángel y Leonardo da Vinci; además, obras del antiguo Egipto, la antigua Grecia y el arte prehistórico. Conjuntamente a estos textos educativos se suelen encontrar imágenes de las obras de artistas locales a cada país. En el caso ecuatoriano, siendo el más conocido y destacado Oswaldo Guayasamín. Por otra parte, estos textos escolares emplean las imágenes de la historia del arte como ilustraciones para hacer de los mismos unos textos más didácticos y así contribuir a un aprendizaje más significativo. Hay que mencionar además, que la historia del arte no se considera una asignatura como tal del plan de estudios educativo. Pero, uno de los campos que actualmente abarca esta asignatura es educación artística de los primeros años de educación básica y bachillerato. Al mismo tiempo la enseñanzaaprendizaje de la historia del arte se relaciona también en la escuela con otras asignaturas como: las ciencias sociales, la literatura y la historia. Parece ser evidente que el interés por enseñar la historia del arte va creciendo. Sin embargo, todavía no existen estándares de enseñanza que incorporen la historia del arte como una asignatura del currículo educativo de nivel básico y bachillerato. Por otra parte, personalmente creo que la enseñanza de la historia del arte en la mayoría de los textos educativos está ganando territorio. Ya que en una revisión rápida de los mismos, podemos encontrar ciertas obras de arte; y llega a ser evidente que guarda una relación cercana con otras asignaturas. Por esta razón, no sería extraño que la historia del arte en los próximos años se consolidase como una asignatura independiente en el currículo educativo. De acuerdo con esto, hay quienes piensan que la enseñanza de las obras de arte se relaciona con otras asignaturas. Según Augustowsky: Utilizar obras de arte para enseñar ciencias sociales implica construir un proceso en el que, paulatinamente, los alumnos y las alumnas van pasando de una atención dispersa, de una mirada distraída o fugaz a una mirada consiente, intencional e inquisitiva. Se trata de la transformación de una mirada pasiva a una mirada activa, motor de más y mejores aprendizajes. (G, Augustowsky, 2012; 130)

Este alcance significativo de la historia del arte no solo ha sido de interés de libros y textos escolares, sino también de revistas y recursos digitales. Cada vez son más las personas que se interesan por conocer la historia del arte y alegrarse de alguna experiencia estética. Según Dewey “Las obras de arte son medios por los cuales penetramos, mediante la imaginación y las emociones que evocan, en 16

otras formas de relación y participación distintas de las nuestras” (2008; 377). Consideremos entonces que las obras de arte atraen la imaginación y suscitan un accionar distinto de quien las contempla. Entonces, el valor de la historia del arte en la educación es animar a que los estudiantes sean más conscientes de sus aspiraciones e ideales, a través de una mirada a los sentimientos que se reflejan en las distintas obras y expresiones de la historia del arte. Finalmente, y con la intención de contribuir a una educación más integral; quisiera decir que, como experiencia personal, la gente y los pocos que tienen la oportunidad de aprender historia del arte en niveles superiores con frecuencia buscan enseñarla como una asignatura.

2.2.1 Breve repaso de la historia del arte como disciplina académica. “La historia del arte es menos explosivo que el resto de la historia, por lo que se hunde más rápidamente en las regiones pulverizadas de tiempo” Robert Smithson La historia como ciencia estudia y narra acontecimientos pasados y dignos de rememorar, a través, de los descubrimientos y nuevos inventos; los mismos que cambian y marcan los nuevos paradigmas de una época. A su vez, la historia del arte es una disciplina de las ciencias sociales y las humanidades; que estudia, la historia de la humanidad por un lado, y las acciones y las creaciones humanas por el otro. En otras palabras la historia del arte pone énfasis en las acciones y creaciones humanas encontradas a lo largo del tiempo y las estudia. De manera semejante se puede decir que: “Estudiar la historia del arte es estudiar la historia de la humanidad por medio de su manifestación más bella. Sus producciones estéticas y artísticas” (D, Jaramillo, Entrevista, 2015). A su vez estas producciones o manifestaciones artísticas conllevan a un goce estético. Siempre y cuando el espectador se interese por apreciar sus elementos constitutivos. En palabras de Erwin Panofsky: Todo aquel que se encare con una obra de arte, ya sea que la recree estéticamente, o bien la investigue racionalmente, ha de sentirse interesado por sus tres elementos constitutivos: la forma materializada, la idea (esto es, en las artes plásticas, el tema) y el contenido […] La unidad de estos tres elementos es lo que viene a realizarse en la experiencia estética, y todos ellos concurren por igual a lo que se llama el goce estético del arte. (1979; 31)

Esto como aclaración para entender el papel del espectador a la hora de contemplar una obra de arte. Ahora bien, para entender la historia del arte como disciplina académica habrá que dejar bien claro que la historia del arte por un lado estudia las producciones artísticas y estéticas como lo observamos inicialmente. En cambio, la historia del arte como disciplina académica va a tomar como objeto de estudio la misma historia del arte. En otras palabras, es el estudio de la historia de la historia del arte a un nivel epistemológico. 17

En Grecia cerca del siglo V, la condición del artista era marginada a un segundo plano, el artista era calificado como un hombre vulgar que trabaja con sus manos. La inspiración y el genio habían sido considerados para oradores, filósofos y políticos. Posteriormente, Platón critica el quehacer artístico, el cual en un principio era un aficionado del arte, pero tras alcanzar su vejez, llego a la conclusión de que el arte era una copia del mundo de las cosas ideales; criticando al artista como un impostor y un mero imitador. Por el contrario, Aristóteles reconoció y valoró la función del artista. Sin embargo, aún se siguió considerando al artista como un hombre vulgar; pero serían los mismos artistas quienes reclamen una consideración social de mayor reconocimiento. A favor del artista apareció Plutarco quien formulaba “Aunque gozamos de las obras de arte, menospreciamos al artista”. Con estas reflexiones históricas acerca del lugar social del arte y los artistas ya podemos visibilizar que las futuras teorías van a ir cambiando estas concepciones de ver y estimar el arte. Continuando con la historia del arte como disciplina académica, tres fueron los historiadores que empezaron a teorizar esta disciplina: Giorgio Vasari, Johann Winckelmann y Gotthold Ephraim Lessing, los cuales dejarían bien asentadas las bases de la historia del arte como disciplina. Comenzando con Vasari en su libro la Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos. En 1550 – 1750 los artistas también comenzaron a introducir una nueva visión de la historia. Aunque existieron muchos precursores antes que Vasari, el mérito sigue siendo para él, ya que es considerado como el padre del método biográfico de la historia del arte. La verdad, es que, una cosa lleva a la otra: “Vasari se encontraba en la reunión del obispo Paolo Giovio; el cual manifestaba que tenía gran deseo por añadir a su museo y a su libro “panejírico” un tratado en el que hubiera una disertación sobre los maestros celebres del arte del dibujo. Acabada la reunión Giovio se dirigió a Vasari y pregunto “¿Qué opináis vos Giorgio? ¿No sería una hermosa obra y un hermoso trabajo? En verdad, excelentísimo señor, si alguna persona de nuestra profesión ayudara a micer Giovio, de modo que cada cosa estuviese en su lugar y se dijese conforme a la verdad” (Vasari en Kultermann, 1996; 29) manifestaban ellos. Tal conversación parece haber motivado a los estudios de Vasari, quien posteriormente se interesa por la evolución de la pintura. Aunque Vasari constantemente tomaba notas sobre la vida de los artistas y coleccionaba dibujos se puede decir que, su labor en cuanto a la conciencia de la historia del arte es única. Dice Kultermann: Lo mismo pasa con Vasari. Única es su capacidad para ofrecer, a mediados del siglo XVI, una construcción histórica y unificar gran calidad de hechos histórico-artísticos en una obra de monumental grandeza. Fue el primero que penetró en un ámbito que sólo mucho tiempo después se llamaría Ciencia o Historia del Arte. (1996; 29)

En segundo lugar, Johann Joachim Winckelmann quien fue considerado la cumbre de su tiempo y fundador en materia de historia del arte ya que creció rodeado de artistas, arquitectos, escritores y 18

catedráticos. Razón por la cual Winckelmann adquirió más oportunidades para afianzar sus conocimientos. Tras publicar en 1764 la Geschichte der Kunst des Altertums (Historia del arte de la Antigüedad) en la que diferencia cuatro periodos artísticos: antiguo, sublime, hermoso y decadencia. Los mismos que posteriormente serán reconocidos como importantes contribuciones para el estudio de las obras de arte de la Antigüedad. Sin embargo, previo a los tratados de Winckelmann, existían los estudios de Lanzi Christ, pues fue él quien se proyectó con anterioridad a escribir una historia de la pintura, que debería estar dividida en naciones y escuelas. Gracias a estos escritos pudieron acceder al estudio del arte Winckelmann, Lessing y otros. Así mismo, Winckelmann considera que el arte es una totalidad orgánica, pues toma la idea de Shaftesbury quien consideró la posibilidad de lo real y lo irreal, lo sensitivo y lo intelectual manifestado en el arte griego para así enaltecer su trabajo. Por otra parte y con la intención de capturar los aspectos sensitivos y formales de las obras de arte se descubre el conjunto ‘Laocoonte’. El mismo que fue encontrado en 1506 y atrajo la mirada de artistas, teóricos y personajes importantes de aquel momento. Puesto que esta obra escultórica representa la muerte del sacerdote troyano Laocoonte quien fue castigado por los dioses a morir estrangulado por serpientes marinas junto a sus hijos. Más tarde, en el siglo XVIII el grupo Laocoonte retoma la polémica del círculo de teóricos del arte, pues se mencionaba que esta obra es la representación del dolor del cuerpo y la grandeza del alma. Por todo esto el conjunto Laocoonte también se consideran una base para cimentar la historia del arte.

Fig. 1. Laocoonte y sus hijos. 500 d.C. Fuente: (http://www.poesiadelmomento.com/luminarias/mitos/50.html)

Finalmente Lessing en su obra llamada Laocoonte toma el carácter histórico-artístico ya existente hasta aquel entonces y analiza críticamente los valores estéticos de la obra. “El autor quería establecer algunos criterios que, le permitiesen delimitar las leyes de la Pintura y las de la Poesía, de las artes 19

tridimensionales y de las temporales” (U, Kultermann, 1996; 67). El grupo Laocoonte también fue revelador para los estudios de Lessing. Puesto que consiguió diferenciar la representación de la figura humana en las diferentes épocas y lugares. Dando paso a una conceptualización de artes plásticas. Habría que decir también, que la historia del arte le debe su nombre y su grandeza a estos historiadores y ellos a cada uno de los artistas.

2.2.2 Enseñar la historia del arte por medio de una micro-muestra. Durante mi carrera estudiantil de artes plásticas pude apreciar en las personas un desinterés por el arte. Realidad que despertó mi curiosidad, ¿Cómo hacer que los espectadores valoren el arte? fue una de las preguntas que me hacía con frecuencia, para luego intentar buscar una respuesta. Visitar un museo no debería causar la sensación de que se visita un cementerio. Las obras que habitan ese espacio no están muertas. Están tratando de hablarnos, y en muchos idiomas. Pero sus voces sólo se pueden oír si iniciamos el diálogo con ellas: en otras palabras, si les prestamos atención a su forma como objetos individuales; si les permitimos que causen impacto en nuestro cuerpo y mente; si las apreciamos en relación con el contexto en que se las exhibe; y por último pero no por eso menos importante, si tenemos presente que estos objetos pueden existir en innumerables otras formas cuando son reproducidos y transformados en mercancía. (Caballaro, & Vago-Hugles, 2001; 157 el énfasis es nuestro) La enseñanza-aprendizaje de la historia del arte durante años se ha logrado gracias a los aportes de grandes teóricos, que buscan exponer la historia del arte desde diferentes perspectivas; dando como resultado una infinidad de textos, los mismos que la engrandecen como disciplina y como recorrido histórico. Algunas veces la historia del arte ha sido narrada en orden cronológico (de origen o de hallazgo), ya que se presta interés por conocer dónde y cuándo las obras de arte fueron producidas. Habría que decir también, que la historia del arte antes de ser narrada, presta atención a las características físicas, formales y técnicas de sus productos. Que posteriormente darán pasó a los estilos; los mismos que pueden ser considerados como actitudes estéticas de pensamiento a la hora de concebir el mundo. Trasmitir una parte de este conocimiento ha sido tarea de historiadores, museólogos, críticos, galeristas y en los últimos años de los mismos artistas. Tal es el caso del artista neoyorquino Nathan Sawaya, quien se inspira en la historia del arte y construye esculturas tridimensionales y mosaicos a gran escala con miles de piezas de lego (ladrillos de juguete), como se puede ver en la figura 2. Por otra parte98, las obras de arte no siempre están al alcance de todas las personas; sin embargo, son los museos y coleccionistas los que más alcance tienen a ellas. Tal es el caso del museo de Louvre y coleccionistas como Annick y Anton Herbert quienes confiesan “Nosotros no hemos coleccionado obras de arte, sino una nueva forma de pensar”. Al igual que ellos los museos también conservan 20

formas de pensamiento. Con la diferencia de que los museos contribuyen en cierto sentido a dar un nuevo valor cultural a estas piezas artísticas y estéticas.

Fig. 2. La Victoria de Samotracia, Nathan Sawaya Fuente: (http://installationmag.com/nathan-sawaya-assembly-required/)

Como ya se mencionó anteriormente, las obras y expresiones artísticas generalmente atraen la atención de quien las contempla. Sin embargo, parece ser que algunas veces no todos los espectadores entienden lo que ven, más aun, cuando en la actualidad existen nuevos medios de expresión como son: el video, el performance y las instalaciones. Los mismos que para ser apreciados estéticamente necesitan mayor comprensión por parte del espectador. Entonces sería necesario ayudar a que los espectadores se familiaricen con la historia del arte y las particularidades de significado de los nuevos medios. Con el propósito de fomentar una cultura más solidaria con las prácticas artísticas; quisiera, a través de la fabricación de recursos didácticos, permitir a los espectadores y en especial a los niños y niñas tener un contacto más directo con las obras y expresiones de arte. A manera de un ambiente lúdico, esta micro-muestra reúne recursos didácticos que se inspiran en ciertos personajes y narrativa de la historia del arte. Recursos didácticos que sirven de herramienta pedagógica para grandes y pequeños. Rompecabezas y personajes de felpa que están minuciosamente elaborados para hacer que los espectadores jueguen, se diviertan y conozcan el fascinante mundo del arte. Una invitación atenta y motivada, a descubrir el mundo a través del sentir del arte. Finalmente estas obras también pretenden ser una herramienta pedagógica para

para enseñar a los espectadores a estimar el arte despertando primero sus

emociones. Tema que será tratado en el capítulo 3.

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2.2.3 ¿Cuál es el sentido de mirar hacia el pasado? Para los historiadores es común hacerse este tipo de preguntas. Todo surge en la necesidad de conocer el origen cultural del pensamiento de los seres humanos como individuos y como colectivos. Con respecto a esto, grandes civilizaciones antiguas llegaron a organizar diferentes tipos de pensamiento cultural a través de sus creencias, mitos y costumbres; siendo, las manifestaciones artísticas, el medio más cercano para trasmitir una parte de este pensamiento cultural a nuevas generaciones. Es decir, una parte del pensamiento cultural se materializó en obras y expresiones artísticas; logrando así que el pensamiento logre trascender por muchos más años (Hablamos de música, teatro, literatura y artes plásticas). Por esta razón, las producciones artísticas son material de mucha significación para los historiadores, porque representan gran parte de la herencia cultural del pensamiento ancestral. De aquí el interés por parte de la UNESCO en proteger el patrimonio intangible de la humanidad. Pues, se considera muy importante proteger la cultura para el desarrollo humano: La cultura constituye una fuente de identidad, innovación y creatividad para las personas y es un factor importante en la lucha contra la pobreza. Ella debe ser parte integral, instrumento y a la vez objetivo esencial de una adecuada concepción de desarrollo. Una concepción que coloque el bienestar material y espiritual de todo ser humano como su razón de ser. […] La cultura adquiere formas diversas a través del tiempo y del espacio. La diversidad cultural es para el género humano tan necesaria como la diversidad biológica lo es para los organismos vivos. Constituye el patrimonio común de la humanidad y por eso debe ser reconocida y consolidada en beneficio de las generaciones presentes y futuras. La diversidad cultural amplía las posibilidades de elección de las personas. Es una de las fuentes del desarrollo no solo económico; sino también un medio de acceso a una existencia intelectual, afectiva, moral y espiritual satisfactoria. (Unesco, video, 2013)

Por otra parte, ¿para qué sirve la historia? y ¿por qué habríamos de interesarnos por el pasado? La respuesta para ambas es: “porque nos interesamos por la realidad” y “Para poder captar la realidad tenemos que distanciarnos del presente” (E, Panofsky, 1979; 36). De acurdo con esto, lo que para algunas personas los productos artísticos se consideran simples objetos decorativos, para los arqueólogos e historiadores es material de mucha significación y fuente de re-significación. Por esta razón, no se debe dejar de lado los aportes de la historia del arte en el progreso cultural de las nuevas generaciones. Lo que hoy podemos percibir del mundo es producto de las épocas pasadas. La historia ha cambiado la visión e interpretación de millones de personas. Los avances culturales y tecnológicos que hoy percibimos no hubiesen existido; si la historia del arte no se hubiese preocupado por descifrar y documentar los conocimientos manifestados artística y culturalmente. Entonces la historia es muy importante porque constituye gran parte del pensamiento cultural de la humanidad y por eso debe ser estudiada profundamente.

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La historia es necesaria, no sólo para hacer agradable la vida, sino también para conferir a ésta un significado moral. Lo que es en sí moral, a través de la historia conquista la inmortalidad; lo que se halla ausente deviene presente; lo viejo se rejuvenece, y bien pronto adquieren los jóvenes la madurez de los ancianos. Si un hombre de setenta años cumplidos tiene la fama de sabio por su experiencia, ¡cuánto más sabio habrá de ser aquel cuya vida alcance mil o tres mil años! Pues puede decirse en verdad que un hombre ha vivido tantos milenios cuantos comprenda la amplitud de sus conocimientos acerca de la historia. (M, Ficino en Panofsky, 1979; 38)

2.3 El arte se mira a sí mismo. “Niego que el arte se puede enseñar, o, en otras palabras, sostengo que el arte es completamente individual, y que el talento de cada artista no es sino el resultado de su propia inspiración y el propio estudio de las tradiciones pasadas” Gustave Courbet El arte es un lenguaje común a todas las culturas, es una manifestación del alma, es una expresión y es una herencia cultural de los pueblos y civilizaciones. La historia del arte, a través de los historiadores, deposita su interés en estos avances culturales (obras y expresiones de arte) y hace que estos trasciendan en la historia a nuevas generaciones; en vista de que se consideran testimonios de apreciación estética y conocimiento humano. En palabras de Jorge Wagensberg: El conocimiento complejo humano actual tiene, creo, tres componentes: uno científico, uno revelado y otro artístico. La primera evidencia de conocimiento científico tiene unos treinta mil años y es un dibujo rupestre. La primera evidencia de conocimiento rebelado tiene más de cien mil años, es una tumba ritual. La primera evidencia de conocimiento artístico tiene casi medio millón de años, es un hacha simétrica de piedra. Primero fue el arte, luego la revelación y luego la ciencia. (J, Wagensberg en Céspedes, 2009; 8) De acuerdo con esto, y sin prestar interés a su orden cronológico, todas las producciones humanas de las diferentes culturas son evidencia de conocimiento, aprendizaje y experimentación. Además de ser un medio de expresión, que trasmiten sentimientos, que despiertan los sentidos en las personas que las contemplan. De la misma manera, en que las culturas antiguas dejaron sus conocimientos manifestados artísticamente, actualmente existen muchas personas que buscan expresarse como individuos y como colectivos. Razón por lo cual, los artistas tienden a mirar las manifestaciones del pasado, y buscar al igual que ellos, la manera de expresar sus sentimientos y conocimientos con gran audacia. No hay que olvidar, a lo largo de la historia, el arte ha ido evolucionando en teoría y práctica. Consideremos ahora, que el arte, los artistas y la historia del arte han avanzado simultáneamente. Pues, la historia del arte se escribe a través del hallazgo de las obras de arte; las obras de arte se 23

materializan con las manos hábiles de los artistas; y los artistas se han enriquecido gracias a las obras de arte de su época y su pasado lejano e inmediato. En este sentido, la historia del arte, los artistas y las obras de arte han estado en continuo diálogo. Un diálogo que en los recientes años se ha vuelto muy notorio. Pues el arte tiende a mirarse a sí mismo como un ejercicio de autoconciencia que reflexiona y critica su propia labor. Reclamando su propia autonomía y así romper sus propias reglas y tradiciones. Para Platón y Aristóteles el arte es producto de la mimesis (imitación), en donde la naturaleza y todo lo que la rodea es fuente de inspiración, anhelo y belleza. Quizás por esta razón, los seres humanos quedemos maravillados con frecuencia con la naturaleza. No en vano, el tema de producción artística para las antiguas civilizaciones giraba en torno a la idea de paisaje. Es decir, ellos representaban artísticamente las montañas, los animales y también se representaban a sí mismos. Después los temas de representación van a cambiar, pues el contexto cultural de las personas ya no será el mismo. Así, por ejemplo, para las nuevas culturas el tema de representación ahora habrá de girar en torno a temas de poder, la desigualdad social y el consumo. En resumen, cada época determina su propio tema de representación. Al principio de la enseñanza academicista (siglos XVIII, XIX y principios del XX), los artistas aprenden a dibujar, a pintar y a esculpir a través del proceso de copiar las obras de otros artistas y grandes maestros. Pronto, los artistas jóvenes adquieren la técnica y el estilo, reproduciendo las obras de arte del pasado. Años atrás y en la actualidad, sea recurrido a re-interpretar las obras de la historia del arte en nuevas y diferentes obras en el presente. Como el ejemplo ya mencionado de la Victoria de Samotracia de Nathan Sawaya y la re-interpretación de Marcel Duchamp quien tomó la imagen de la Monalisa de Leonardo Da Vinci, y le realizó una intervención al ponerle bigotes. Sea cual sea la razón, hoy en día, los artistas regresan a mirar atrás para tener algo que citar y cuestionar. Dando paso así a la apropiación y el arte referencial.

2.3.1 La apropiación. Ideas mejorar. El sentido de las palabras participa en ello. El plagio es necesario. El progreso lo implica. Abarca la frase de un autor, se sirve de sus expresiones, borra una idea falsa, y lo reemplaza por la idea correcta. Guy Debord La apropiación es una práctica contemporánea y recurrente de las artes visuales. El término apropiación o apropiacionismo se refiere al uso de elementos tomados de obras anteriores para la creación de nuevas obras. Estos elementos pueden ser tomados de la historia del arte o de la cultura popular. Habría que decir también, que la apropiación exige siempre una re-lectura, re-interpretación 24

y recepción distinta por parte del público. La práctica apropiacionista es la negación de conceptos de originalidad, autenticidad y autoría. Juan Martin Parda es uno de primeros interesados en teorizar esta práctica posmoderna y nos dice: Como estrategia de lenguaje el apropiacionismo crítico se sitúa en uno de los parámetros fundamentales de lo posmoderno, ya que se supone una radicalización de los recursos de cita, la alusión o el plagio que caracterizan la práctica artística posmoderna; como estrategia crítica implica una actitud de revisión, de relectura de lo dado, de toma de conciencia de la influencia de los sistemas de exposición y comercialización sobre la obra de arte, su dependencia del contexto institucional y del discurso histórico por él determinado. (J. Prada, 1998). Desde la década de 1980, el término también se refiere al hecho de citar las obras de otro artista para crear una nueva obra. La apropiación nace en oposición al arte minimalista (1960) y el arte conceptual (1965). En Estados Unidos, el crítico Douglas Crimp cuestiona el dogma moderno a través de la exposición PICTURES presentada en Nueva York en 1977. En la cual un grupo de artistas contemporáneos emplearon estrategias de cita y crítica a la originalidad; además, fue ahí en donde el término de posmodernidad aparece por primera vez, el cual se desarrolla a la par (H, Foster & otros, 2006; 580) De igual manera, las prácticas de apropiación también fueron consideradas en el pop art. Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein, precursores del pop, ya tomaban elementos de la sociedad y del mundo del consumo. El mismo Marcel Duchamp tomó la imagen de la mencionada Monalisa, probablemente para burlarse y ridiculizar a las instituciones del arte. A Duchamp le gustaba utilizar palabras groseras en francés, L.H.O.O.Q son las letras que escribió tras dibujar un bigote y una barba sobre una tarjeta postal de la Monalisa. El significado a estas letras según el artista es Elle a chaud au cul (ella tiene calor en el culo). Duchamp tanto se burla como hace un cuestionamiento del mundo y el círculo del arte; además, despoja la cualidad de las obras de arte como objetos de culto.

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Fig. 3. L.H.O.O.Q, Marcel Duchamp, 1919 Fuente: (http://www.kenney-mencher.com/pic_old/20th_century/BKlesson_dada.htm)

Similarmente a esto, podemos observar que años atrás algunos artistas ya recurrían a citar las obras de otros, tal es el caso de Eduard Manet. De ahí que cada vez son más los artistas que recuren a las prácticas apropiacionistas como una estrategia más de producción. También es cierto que, tras cada práctica apropiacionista los artistas tienen mayor libertad para alterar las obras originales, tal es el caso de la apropiación de Duchamp vista en el ejemplo anterior. Otros ejemplos son la apropiación de Picasso a la obra de Velázquez y el intento fallido de restauración de la señora Cecilia Giménez al Ecce Homo de Elías García Martínez. Con estos ejemplos se puede mirar que una de las características fuertes de la apropiación es ser más violenta con la obra original. Tal es el caso del Estudio del retrato del papa Inocencio X de Velázquez realizado por Francis Bacon.

Tabla. 2. Tabla comparativa de similares propuestas apropiacionistas, 2012. Fuente: (https://twitter.com/suarezgallego/status/238746228001734657)

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2.3.2 Arte referencial. “Los grandes artistas copian, los genios roban” Pablo Picasso Siguiendo con el tema de que el arte se mira a sí mismo. El arte toma como tema el propio devenir artístico, la historia del arte global y local, y otras manifestaciones estéticas son inspiración para elaborar nuevas obras de arte. Aquí las estrategias creativas pueden incluir: la cita, la apropiación, la reinterpretación crítica, la re-actuación, el performance, el video, entre otras. Lo importante de destacar aquí es que el arte puede tomar de su propia disciplina histórica y académica los referentes para realizar nuevas obras de arte. Tal es el caso de Michelangelo Pistoletto que es uno de los principales exponentes del arte Povera; quien en 1967, realiza la Venus de los trapos para citar al arte griego y causar una nueva reflexión del arte. Puesto que, esta obra se considera una crítica al arte del pasado y la sociedad del consumo.

Fig. 4. Venus de los trapos, Michelangelo Pistoletto, 1967. Fuente: (https://www.pinterest.com/pin/444660163184067445/)

Quizás el arte ha entregado mucho y no sea suficiente, ayudar al progreso del mundo ha sido y es la labor del arte contemporáneo. Para eso, el artista posmoderno cita, copia y se apropia de lo ajeno. El ingenio y picardía es su talento, su labor es hacer arte utilizando el mismo arte. Un ejemplo: En Guayaquil - Ecuador dos artistas cambian la localidad, el material, el formato y la dirección del Espiral Jetty (1970) de Robert Smithson. Una intervención paisajística de Gabriela Cabrera y Graciela Guerrero que no pretende criticar la labor del arte sino concientizar a la sociedad sobre el espacio que se gana y que se pierde con la idea de vanguardia.

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Fig. 5. Spiral Jetty, Robert Smithson, 1970. Fuente: (https://libraries.ucsd.edu/blogs/arts/files/2008/02/spiral-jetty-08.jpg)

Fig. 6. Lechuguines, Gabriela Cabrera y Graciela Guerrero, Palenque 2000. Fuente: (https://gracielaguerrerow.wordpress.com/tag/lechuguines-palenque-2000/)

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CAPÍTULO III UNA MICRO-MUESTRA LÚDICO-INTERACTIVA

3.1 Recursos didácticos de la historia del arte “El mundo está lleno de pequeñas alegrías; el arte consiste en saber distinguirlas” Li Tai-po Con la idea de contribuir a la enseñanza-aprendizaje de la historia del arte, he elaborado recursos didácticos que permiten a los espectadores tener un contacto más directo con las obras de arte. Ya que participar e interactuar con las obras de arte no es posible en muestras de museos de arte tradicional. Más aún, se puede decir que los artistas, museólogos y galeristas del siglo pasado no estaban en comunión con los espectadores, ya que al espectador no se le permite tocar las obras de una exposición. Es por esta razón, que ciertos museos ya tienen la intención por cambiar esto, tal es el caso del Museo Metropolitano de Nueva York, que a través de The Touch Collection cuenta con una serie de reproducciones de obras tradicionales pensadas para poder ser tocadas por personas con discapacidad visual y el público en general. Compartiendo algunos ideales de The Touch Collection quisiera presentar esta micro-muestra al público para que participe, juegue e interactúe con ciertas narrativas y personajes de la historia del arte. Antes, me gustaría dejar muy claro que, esta micro-muestra de recursos didácticos pone en práctica la idea de educar a través de la experiencia postulada por Dewey. La cual complementada con actividades que ocupen la mente (minds on), el corazón (hearts on) y las manos (hands on). (J, Wagensberg, 2004). Puede ser muy enriquecedor para el aprendizaje de la historia del arte. A su vez, esta micro-muestra pretende ser también una carta de invitación a la sociedad a que se interese por conocer su historia y la de los demás. Pues, la relación que guarda el artista con el espectador a través de sus producciones, es la misma relación que guarda el profesor con sus alumnos a través de sus enseñanzas. Según María Acaso, quien ya fue citada anteriormente: “Que un profesor es a la vez un artista. Que un artista es a la vez un profesor. Que un estudiante es a la vez un espectador. Que un espectador es a la vez un estudiante. Que un proyecto educativo es a la vez una obra de arte. Que una obra de arte es a la vez un proyecto educativo” (M, Acaso & otros, 2011; 9).

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3.1.1 Antecedentes y motivaciones. “Siente tu alma, escucha tu corazón” Rudolf Steiner Tras encontrarme en los últimos años de secundaria, encontré gran empatía por el dibujo artístico. Posteriormente, esto me ayudaría a decidir estudiar Artes. Después de un par de años ya estaba estudiando artes plásticas. Ya en octavo semestre de la carrera, una mañana me detuve a revisar el periódico de la biblioteca. Tras leer rápidamente un fragmento del periódico, observé una fotografía en la que pude observar la situación de los estudiantes de la facultad de artes de la Universidad de Cuenca - Ecuador. Una lamentable situación, pues en esta universidad se comenzó a cerrar algunas carreras artísticas. “Por la falta de recursos económicos hay limitaciones en infraestructura y contratación de profesores. El año pasado se cerró Canto Lirico” (M, Lituma, El Comercio, 2013). Esta noticia me conmovió y luego comencé a preguntarme ¿qué pasaría mañana si sucediera algo parecido con mi carrera? Esto me afecto mucho, ya que discurría que era muy triste e injusto lo que estaba pasando con los estudiantes de Cuenca. Aquí despertó mi preocupación hacia la educación artística. Conjuntamente a esto, recuerdo lo motivado que me sentía por asistir a las clases de escultura. Una mañana el profesor dio su clase y proyectó algunas imágenes de las obras del siglo XX. Después nos pidió que buscásemos un tema y una problemática a abordar. Yo seguía preocupado por el artículo de Cuenca y en algunas imágenes que se proyectaron en clase. No recuerdo bien ese día, pero por alguna razón sentía que el arte podría enseñarme a lidiar con algunos problemas de la vida. Si por un lado el impacto de la noticia de Cuenca me hacía sentir mal, el arte por el contrario me hacía sentir entusiasmado. Más tarde, comencé a revisar libros, artículos y videos, poco a poco comencé a familiarizarme con el tema que pidió el profesor de escultura. Reconozco que al principio no sabía qué hacer, sin embargo después de hablar y presentar algunos avances de la investigación se me fueron aclarando las ideas. Definitivamente, en ese momento, ya estaba convencido que mi preocupación no solo era el malestar educativo; sino también, la importancia del arte en la educación. A la par de esto, el gusto por el dibujo y la pintura me limitaban a encontrar nuevos medios de expresión. Sin embargo, la libertad que nos brindó el profesor de escultura Mario García a la hora de elegir los materiales y técnicas fue de gran ayuda para decidir pintar los rompecabezas. Tras mirar algunos libros de arte y revisar páginas web fui encontrando obras que con frecuencia se repetían. Personalmente buscaba obras que enseñen a la sociedad a ser mejores personas. Obras de arte llenas de valores, sentimientos y hazañas que aporten a la sociedad a pensar diferente. Pues estaba convencido de que el arte enaltece a las personas. Después de un par de días, ya estuve terminando de pitar el primer rompecabezas. Simultáneamente a esto hablé con el profesor de pintura y le 30

comenté la idea de los rompecabezas, luego le pregunté si podría dejarme pintar rompecabezas de arte ecuatoriano. Para esta selección de obras ecuatorianas partí del criterio que despertó en mí la exposición ‘Lago agrio’ de Pablo Cardoso.

3.1.2 Rompecabezas. El rompecabezas o Puzzle es un juego de mesa, que se presenta como un desafío de complicada solución. Este juego consiste en armar imágenes mediante la organización de sus piezas. Hay que mencionar además, que los rompecabezas tienen dos finalidades: el primero es presentar imágenes entretenidas que están fragmentadas en piezas planas de cartón o de madera; la segunda finalidad es estimular la destreza mental de grandes y pequeños, a través de la organización de sus piezas, hasta descubrir la totalidad de la imagen. Por otra parte, la historia de los rompecabezas se remonta a 1760, en el que, el experto creador de mapas John Spilsbury pego uno de sus mapas sobre una superficie de madera, la cual luego procedió a recortar con una sierra fina alrededor de sus fronteras. Y así dar paso al primer rompecabezas de la historia.

Fig. 7. El primer rompecabezas de la historia. John Spilsbury Fuente: (http://www.juguetessomosnosotros.com/juguetes/el-primer-puzzle-de-john-spilsbury/)

En la actualidad existen un sin número de rompecabezas, la mayoría representan paisajes y series animadas. Sin embargo, en la actualidad ya existen rompecabezas que despojan el tradicional formato de presentación, ya que se los puede encontrar en aplicaciones para dispositivos móviles que permiten jugar con ellos con tan solo pasar los dedos por la pantalla. Como referencia podemos citar las aplicaciones (Apps) para tabletas y teléfonos inteligentes. Puzzles mágicos 3D disponible para Apple o sistemas Android que permiten a los usuarios a través de sus dispositivos inteligentes armar rompecabezas con imágenes de paisajes, animales y obras de la historia del arte. Finalmente y con la intención de rescatar el valor de la historia del arte, fabrique algunos rompecabezas que muestran obras de arte para así fomentar la enseñanza-aprendizaje de la historia del arte en las niñas, niños y adolescentes.

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Los rompecabezas cuenta con 3 obras de arte ecuatoriano: Calle 14 de Camilo Egas, Sin Título (hombres calvos) de Luigui Stornaiolo y Lago Agrio de Pablo Cardoso. Además de algunas obras de arte mundial. A continuación mostrare algunos de ellos.

Fig. 8. Calle 14. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

CALLE 14 - CAMILO EGAS - ECUADOR Esta representación pictórica de una estación de tren en Nueva York muestra a un hombre, que se protege del frio de la niebla y el silencio de la noche. Cruzado los brazos duerme e intenta descansar. Un viajero que se apoya en la columna, mientras su vida pasa. Nos recuerda el sufrimiento, la soledad y la tristeza de la vida. Como alguien en una ciudad tan grande (megalópolis) puede sentirse tan solo y ser indiferente a la mirada de los demás.

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Fig. 9. El grito. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

“No voy a pintar más interiores con hombres leyendo y mujeres tejiendo. Voy a pintar la vida de personas que respiran, sienten, sufren y aman” Edvard Munch

EL GRITO - NORUEGA Munch pintó esta escena conmovido por el suicidio de su amigo. Quiso representar su desesperación. Una escena poco casual, muestra a un personaje, que preso del pánico, grita su miedo mientras su vida pasa. Al fondo dos personajes van desvaneciendo, él en cambio, mira hacia adelante, se tapa los oídos y da la espalda a la naturaleza; quizá, porque todo parece estar en su contra. Este insólito personaje, nos está confesando su dramática angustia existencial.

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Fig. 10. Sin título (Los amantes perfectos). Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

“Todo gran arte tiene sentimiento” Félix Gonzáles-Torres

SIN TITULO (LOS AMANTES PERFECTOS) – CUBA Esta fotografía es el testimonio de amor. Dos relojes idénticos, sincrónicamente ajustados, representan la felicidad y el sufrimiento de una relación de pareja. El tictac de sus manecillas representa metafóricamente los latidos del corazón, el tiempo de vida mientras permanecieron juntos. También es un recordatorio a la frase “Hasta que la muerte nos separe” ya que anuncia un destino trágico para cualquiera de los dos. A uno de los dos relojes se le terminará la batería por lo cual tendrá que apagarse y no podrá seguir acompañando a su pareja. En cambio, el otro reloj tendrá que continuar solo hasta que suceda lo mismo con que él. Un mensaje de amor a través de una manera muy poética y poco peculiar de decir las cosas.

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Fig. 11. Dar la vuelta a los propios ojos. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

DAR LA VUELTA A LOS PROPIOS OJOS - GIUSEPPE PENONE ITALIA Esta fotografía del artista sirve de documento para trascender la acción que llevó a cabo en los años de 70. Un juego de miradas y de representación, muestran al artista representar la naturaleza, para esto utilizó un par lentes de contacto que parecían espejos; los mismos que le impiden ver su entorno y permiten a la naturaleza que se refleje en ellos. Esta acción serviría para reflexionar que la naturaleza nos afirma, nos inspira y nos condiciona como productos de ella. Por lo tanto, el artista mira el mundo y lo refleja, pero a la vez esto le impide ver más allá. Es decir, el mundo es el reflejo de la mirada de los seres humanos y los seres humanos somos el reflejo del mundo que nos inspira. Quien mira a quien.

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Fig. 12. Como explicar los cuadros a una liebre muerta. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

“La enseñanza es mi mayor obra de arte. El resto es producto de desecho, una manifestación” Joseph Beuys

COMO EXPLICAR LOS CUADROS A UNA LIEBRE MUERTA ALEMANIA Fotografía de una acción que se llevó a cabo en una galería. Con su rostro cubierto de miel, grasa y polvo de oro como si llevara una máscara; el artista paseaba con una liebre muerta que acunaba entre sus brazos, a la cual acariciaba y le trataba de explicar cada uno de los cuadros. Esta acción simboliza y encarna el sufrimiento de un animal y el conocimiento de los seres humanos. Beuys decía que es más fácil enseñar las obras de arte a una liebre muerta porque ella si la entendería. El significado por parte del artista es revitalizar todo lo relacionado a la vida y al conocimiento. También es una crítica a la apreciación de la pintura y un llamado a la sociedad para que se interese por el arte y la historia del arte. 36

Fig. 13. Sin título (Hombres calvos). Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

“Los mejores cuadros son los que nunca he pintado” Ligui Stornaiolo

SIN TITULO (HOMBRES CALVOS) - ECUADOR Lo sensible, lo humano y lo atrevido son maneras de ver y reflexionar el mundo. La pintura de Stornaiolo caricaturiza el ánimo de las personas a través de la mezcla de colores, estilos y de humor. Para el artista ecuatoriano, el arte no representa necesariamente lo bello, sino más bien, representa una manera de mirar la vida y el mundo en decadencia. Un pintor que busca a través de sus pinceles plasmar una sociedad sin miedos, ni creencias. Lo cual lo consigue en cada una de sus pinturas siendo creativo, espontaneo y expresivo.

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Fig. 14. Alison Lapper embarazada. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

ALISON LAPPER EMBARAZADA - MARC QUINN - INGLATERRA Esta escultura de 3,5 metros tallada en mármol representa el heroísmo femenino; ya que, reconoce la importancia de las mujeres en la sociedad y cuestiona el papel de la escultura tradicional. Marc Quinn explora la naturaleza trágica del ser humano y amplía las posibilidades de reflexión y contemplación del arte público. El artista contradice la posición de fortaleza y triunfo de las esculturas tradicionales. Para Quinn, el retrato escultórico de Alison Lapper tiene más sentido de heroísmo que las esculturas tradicionales; ya que evoca a una mujer sin extremidades, la cual está embarazada y también es una artista.

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Fig. 15. Lago agrio. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

LAGO AGRIO - PABLO CARDOSO Esta representación pictórica es la última de un conjunto de 120 pinturas. Tras visitar el oriente ecuatoriano, Pablo Cardoso pudo constatar uno de los mayores desastres ecológicos producidos por la compañía Texaco durante casi tres décadas de explotación en la amazonia del Ecuador. Entonces, comienza a documentar el viaje de un pequeño frasco que contiene agua contaminada tomada directamente del primer pozo petrolero que realizó la compañía Texaco en el Ecuador. Después, el frasco con contenido tóxico comienza su travesía desde lago Agrio hasta llegar a Houston; en donde se encuentra el monumento que conmemora el hallazgo del primer pozo petrolero de la multinacional. Al cual, con una actitud de protesta, y al igual que 18 billones de galones que se derramaron en los ríos de la selva ecuatoriana; Cardoso, en un acto denuncia a esta injusticia derrama el frasco con contenido tóxico al pie de aquel monumento. Activando el proverbio “ojo por ojo, diente por diente”.

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3.1.3 Personajes de felpa. El osito de felpa, en nuestro medio conocido como animalito de peluche o simplemente peluche, es un juguete fabricado de un textil suave (conocido como felpa) y relleno de materiales blandos como: algodón y plumón. La historia de su fabricación se remonta a los países de Alemania y Estados Unidos. En Alemania en 1903 Richard Steiff ya mostraba un interés por fabricar un osito más suave que se diferenciara de las muñecas de trapo. En 1902 una caricatura del Sr. Berryman que ilustraba al presidente de Estados Unidos Theodore Roosevelt y a un oso negro. Serian el medio de inspiración para Morris Michtom que era un reconocido fabricante de juguetes. Quien con la ayuda de su esposa para confeccionarlo, pasó a exhibir en la vitrina de su tienda, el primer oso de peluche junto con la caricatura del Sr. Berryman.

Fig. 16. El primer osito de peluche. Fuente: (http://gallopintonews.blogspot.com/2012/07/el-primer-osito-de-peluche.html) El osito de peluche, al igual que cualquier otro juguete, es un recurso didáctico, que permite a las

personas y en especial a los niños y las niñas tener una relación cercana consigo mismos. Una relación afectiva que garantice su desarrollo emocional e intelectual. Es por esta razón, que los personajes de felpa guardaran algunas características importantes de los ositos de peluche. A continuación alguna de las obras propuestas a ser transferidas a personajes de felpa:         

La venus de Willendorf, arte paleolítico. “Tres estudios de figuras en la base de una crucifixión” de Francis Bacon. Escultura “Caballo” del artista colombiano Fernando Botero. Personaje de “El grito” de Eduard Munch. Caricaturización de felpa al artista japonés Araky Nobuyoshi. Escultura “Elefante” de Jeff Koons. Pieza antropomorfa de la cultura Tolita. Cabeza colosal de la cultura Olmeca. Arquitectura El Taj Mahal o ‘El Palacio de la Corona’ 40

Fig. 18. Pieza Antropomorfa de la Cultura Tolita Fuente: (http://alabado.org/sites/default/files/imagecache/960grande/photos/tolita-chaman-faldellin.jpg)

Fig. 17. Personaje de felpa de la Cultura Tolita. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

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Fig.19. Exposición de fin de semestre. 2014 Fuente: (Daniel Chisaguano)

PIEZA ANTROPOMORFA DE LA CULTURA TOLITA Mi pueblo me respeta, me escucha y me obedece. Pues soy el que conoce, el que los guía y los protege. No seré considerado un Dios en este período. Pero hace mucho tiempo atrás, las personas creyeron firmemente en mí.

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Fig. 21. Elefante. Jeff Koons 2003. Fuente: (http://whitney.org/Events/JeffKoonsFamilyOpening)

Fig.20. Elefante de felpa. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

Lo que quería y aún quiero, es ayudar a la gente a aceptar su propia historia, su propio bagaje cultural”

Jeff Koons

Dicen que los elefantes traen suerte por qué no me abrazas. 43

3.2 Proceso de fabricación de los recursos didácticos

3.2.1 Rompecabezas Cada uno de los rompecabezas está elaborado en tableros de MDF de 5 milímetros de grosor y con un tamaño de 42 cm x 30 cm. Materiales: 

Cola Blanca.



Barniz y thinner.



Lijas de agua (150 y 220).



Pinturas acrílicas (varios colores).



Laca brillante en aerosol.



Cemento de contacto.

Herramientas: 

Recipientes medianos.



Espátula pequeña.



Rodillo pequeño.



Pinceles (diferentes clases y tamaños).



Esponjas y trapos.

Para la fabricación de cada rompecabezas se utilizaron dos tableros. Al primer tablero lo vamos a llamar lado A y servirá de soporte para poder pintar las reproducciones de las obras de la historia del arte. El segundo tablero lado B servirá de base para poder transportar las piezas de los rompecabezas.

Pasos a seguir:

1. El tablero A debe ser preparado antes de comenzar a pintar las obras. Para su preparación debemos seleccionar el mejor lado del tablero; al cual lo vamos a recubrir de cola blanca, para ello vamos a utilizar una espátula grande. (esto servirá para garantizar un producto de buena calidad). Una vez seca la cola blanca procederemos a lijar la superficie (lija # 150).

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2. Luego aplicaremos dos manos de pintura (blanca o de color) con un rodillo o brocha, una vez que la primera mano de pintura se termine de secar procedemos a lijar (lija # 180). Después aplicamos la segunda mano de pintura y también procedemos a lijar (lija # 220). 3. Una vez que terminemos de lijar toda la superficie procedemos a limpiar el polvo y a continuación ya podremos comenzar a dibujar y a pintar las obras. 4. Después de terminar de pintar la reproducción artística, debemos aplicar laca (brillante o mate) en aerosol. La cual deberá ser aplicada con una distancia de 30 a 40 cm. Tiempo aproximado de secado una hora. 5. Para recortar las piezas de los rompecabezas, vamos a utilizar una máquina de corte a láser, pero antes debemos dibujar el esquema o diseño de corte en AutoCAD. Esto lo podemos ver en el siguiente gráfico.

Fig. 22. Diseño de corte de los rompecabezas. 2013. Fuente: (Elaborado por Alex Alomoto)

6. Finalmente, una vez que ya estén cortadas las piezas los rompecabezas procedemos a unir el lado B con el perímetro sobrante del lado A. Para ello tenemos que juntar el lado B y el recuadro que sobró del lado A y luego marcar con un lápiz el área que necesitamos recubrir con cemento de contacto. El siguiente paso será recubrir ambos lados A y B con cemento de contacto y que luego procederemos a unirlos.

3.2.2 Personajes de felpa Cada personaje de felpa está fabricado con un tamaño distinto. A continuación mostraré el proceso de fabricación de uno de ellos. Antes, debo reconocer que sin el conocimiento y destreza del señor de los bordados y del señor sastre no hubiese sido posible su realización. Materiales: 

Cartones y cartulinas.



Cemento de contacto o Silicona.



1/2 metro de tela polar amarillo. 45



Un metro de tela polar azul.



Medio metro de tela polar rosado.



4 kilos de plumón.



Un pedazo de 30 x 30 de Poliexpanded 8 mm blanco.

Herramientas: 

Tijeras y estilete.



Lápices, marcadores y borrador.



Reglas, compás y una cinta métrica.



Un metro de piola delgada.



Hilos y agujas.

Pasos a seguir:

1. Para comenzar a fabricar los personajes de felpa debemos realizar una estructura de cartón idéntica a la obra artística; la misma que servirá de soporte para sacar los patrones en cartulina. Un patrón en términos de confección es un molde de forma plana que tiene un tamaño específico y sirve de para sacar otra cosa igual. Estos patrones deben cubrir todas las partes del elefante.

Fig. 23. Estructura de cartón del Elefante. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

2. Una vez preparada la estructura de cartón del elefante comenzamos a sacar los patrones en cartulina. Para ello, vamos a tomar como ejemplo a la imagen anterior en la que podemos observar que la estructura de la cabeza esta imaginariamente dividirla en cruz. A continuación, con un extremo de la piola tomamos la medida A B y C D y procedemos a dividirlas por la mitad, estas medidas serán el radio de la cabeza y que luego deberán ser 46

transportadas a la cartulina. Para ello dibujamos una cruz y procedemos a transportar las medidas AB Y CD, las cuales van a representar los límites del patrón. A continuación procedemos a unir con un lápiz cada una de los extremos, luego recortamos el dibujo y ya tenemos el primer patrón de cartulina. Esto lo repetimos con cada una de las estructura de cartón del elefante. Para tener una idea de los patrones miremos la siguiente ilustración.

Fig. 24. Patrones de cartulina del Elefante. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

3. El siguiente paso es trasferir el dibujo de cada uno de los patrones a la tela polar. Para los detalles del rostro, las manos y lo pies; debemos recurrir a un lugar de bordados. Para este trabajo será importante llevar los patrones y las telas que vayamos a utilizar. Una vez que ya tengamos recortado cada una de las piezas, procedemos a confeccionar el elefante. Para esto debemos cocer por dividido la cabeza, cuerpo y las extremidades. 4. El siguiente paso será rellenar de plumón cada una de sus partes, pero antes se debe desgarrar el plumón. 5. Finalmente, el siguiente paso será unir y coser manualmente cada una de las partes del elefante. Habría que decir también, que la parte más difícil de cocer es el cuello, porque aquí deberá ir el poliexpanded de 30x 30 cm. Al cual lo vamos a enrollar y ajustar con una piola. Este pilar servirá para reforzar la cabeza del elefante.

Fig. 25. Confección y relleno del Elefante de felpa. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2014)

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3.3 MICRO-MUESTRA DE LA HISTORIA DEL ARTE “Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener, pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles” Andy Warhol Esta micro-muestra es producto del trabajo de los últimos tres años de mi carrera estudiantil. Como ya lo expliqué anteriormente lo que pretendo a través de esta muestra es generar un espacio de interacción, juego y diálogo entre espectadores y obras artísticas. Un espacio para transitar por la historia del arte y estimar algunas obras y expresiones artísticas. A manera de instalación, los rompecabezas y personales de felpa condicionan e invitan al espectador a acercarse, interactuar y descubrir el fantástico mundo del arte. “Ni cuadros, ni esculturas, sino acciones y situaciones, construir piezas organizar ambientes, todo menos ligarse a un único modo de expresión” (A, Fernández, 1998; 19). Al igual que el arte povera trató de buscar nuevas formas de expresión y acercar el arte a la vida de las personas.

Fig. 26. Exposición de fin de semestre, 2013. Fuente: (Daniel Chisaguano)

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Fig. 27. Exposición de fin de semestre. 2013. Fuente: (Daniel Chisaguano, 2013)

Fig. 28. Esquema para exposición de fin de semestre, 2014. Fuente: (Daniel Chisaguano)

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Fig. 29. Exposición Museo Camilo Egas, 2014. Fuente: (Museo Camilo Egas, 2014)

Fig. 30. Semana Internacional de la Educación Artística, 2015. Fuente: (Sala Infantil de Lectura – Biblioteca Federico Gonzáles Suárez, 2015)

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CAPÍTULO IV CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES

4.1 Conclusiones 

Una educación más comprometida con las artes y el juego contribuye a que los niños, niñas y adolescentes se sientan más felices en las aulas.



La enseñanza-aprendizaje de las prácticas artísticas en el currículo educativo amplía la mente de los niños, niñas y adolescentes a través de los diferentes medios de expresión.



La enseñanza-aprendizaje de la historia del arte ayuda a los alumnos a conocer su cultura y respetar con amor la cultura de los demás.



Los espectadores son como los estudiantes, ellos necesitan comprender las obras artísticas, al igual que los estudiantes comprenden sus libros.



Permitir a los espectadores que interactúen y jueguen con las obras de arte, hace que ellos consigan estimar, entender y familiarizarse con la historia del arte.

4.2 Recomendaciones 

A lo largo de esta investigación, he logrado exponer que los rompecabezas y personajes de felpa son recursos didácticos que pueden ayudar a las personas a entender la historia del arte. Sin embargo, estos no son los únicos mecanismos para cumplir tales fines. Personalmente recomendaría a los educadores y artistas diseñar más recursos didácticos para cada una de sus enseñanzas.



Recursos táctiles, auditivos y visuales no son los únicos mecanismos para enseñar a los estudiantes. El arte a través de sus múltiples lenguajes nos enseña que también los movimientos corporales, las dramatizaciones y las acciones pueden generar un óptimo aprendizaje.



Recomendaría a los padres, educadores y artistas tener en cuenta que: Un aprendizaje a través de la experiencia (Dewey), que incorpore actividades para la mente, el corazón y las manos (Wagensberg). Dan como resultado un aprendizaje más significativo que enriquece a los estudiantes. ‘Aprehender’ mientras se divierten e interactúan con el mundo. 51

BIBLIOGRAFÍA

LIBROS: 1. Acaso, María., Belver, Manuel., Nuere, Silvia., Moreno, María del Carmen., Antúnez, Noelia. & Ávila, Noemí. (2011). Didáctica de las artes y la cultura visual. Madrid: Ediciones Akal. 2. Alderoqui, Silvia & Pedersoli, Constanza. (2011). La educación en los museos. De los objetos a los visitantes. Buenos Aires: Editorial Paidós. 3. Arnheim, Rudolf. (1993). Consideraciones sobre la educación artística. Barcelona: Ediciones Paidós Ibérica. 4. Augustowsky, Gabriela. (2012). El arte en la enseñanza. Buenos Aires: Editorial Paidós SAICF 5. Bernabeu, Natalia & Goldstein, Andy. (2009). Creatividad y aprendizaje. El juego como herramienta pedagógica. Madrid: Narcea Ediciones. 6. Caballaro, Dani & Vago-Hugles, C. (2000). Historia del arte para principiantes. Buenos Aires: Editorial Era Naciente. 7. Dewey, John. (2008). El arte como experiencia. Barcelona: Ediciones Paidós Ibérica. 8. Eisner, Elliot. (2004). El arte y la creación de la mente. El papel de las artes visuales en la transformación de la conciencia.Traducido por Genís Sánchez. Barcelona: Ediciones Paidós Ibérica. 9. Fernández, Aurora. (1999). Arte povera. Madrid: Editorial Nerea. 10. Hal Foster., Rosalind Krauss., Yve – Alain Bois., Benjamin, H.D, Buchloh. (2006). Arte desde 1900. Modernidad Antimodernidad Posmodernidad. Traducción: Fabián chueca, Francisco López Martin y Alfredo Brotons Muñoz. Singapur: Ediciones Akal. 11. López, María & Martínez, Noemí. (2006). Arteterapia. Conocimiento exterior a través de la experiencia artística. Madrid: Ediciones Tutor. 12. Nelson, Annabelle. (1994). Técnicas de diseño curricular. Traducido por Claudio Ardisson. México: Editorial Limusa. 13. Oliveras, Elena. (2009). Cuestiones del arte contemporáneo. Hacia un nuevo espectador en el siglo XXI. Buenos Aires: Editorial Planeta. 2ª edición.

Referencias virtuales:

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15. Ecuador. Ministerio de Educación. Oferta educativa. Recuperado de: http://educacion.gob.ec/el-ministerio/ 16. Goleman, Daniel. (1996). La inteligencia Emocional. Recuperado de: http://www.hacienda.go.cr/cifh/sidovih/cursos/material_de_apoyo-F-CCIFH/2MaterialdeapoyocursosCICAP/5InteligenciaEmocional/Inteligenciaemocional.pdf 17. Kultermann, Udo. (1996). Historia de la historia del arte. Recuperado de: http://books.google.com.ec/books/about/Historia_de_la_Historia_del_arte.html?id=f95Sipr -66kC&redir_esc=y 18. Paymal, Noemi. (2014). Pedagooogia 3000. Recuperado de: http://www.pedagooogia3000.info/web/Files/P3000_Book_Tomo_I_web.pdf 19. Prada, Juan. (1998). La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y teoría de la posmodernidad. Recuperado de: http://w3art.es/jluismartinprada/textsjmp/introlaparopiacio.pdf 20. Unesco. (2006). Hoja de Ruta para la Educación Artística. Recuperado de: http://portal.unesco.org/culture/es/files/40000/12581058825Hoja_de_Ruta_para_la_Educa ci%F3n_Art%EDstica.pdf/Hoja%2Bde%2BRuta%2Bpara%2Bla%2BEducaci%F3n%2BA rt%EDstica.pdf 21. Viteri, Galo. (2006). Situación de la educación en el Ecuador. Recuperado de: http://www.eumed.net/cursecon/ecolat/ec/2006/gvd.htm 22. Wagensberg, Jorge. (2004). Principios fundamentales de la museología científica moderna. Recuperado de: http://201.147.150.252:8080/jspui/handle/123456789/1408

Videos:

23.Daniel Goleman. (2013). La inteligencia emocional. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=ikHT7EVGH8E 24. Elliot, Eisner. (2012). Que puede aprender la educación de las artes. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=4R6rasalOZ0 25. Unesco. (2013). La Cultura: Un factor clave para luchar contra la pobreza. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=TAG2-8_7Gvw&feature=share&fb_ref=share

Entrevistas: 26. López Jaramillo, D. (18 febrero; 2015). Entrevista personal.

Periódicos: 27. Lituma, Mariuxi. (25 de marzo del 2013) Facultad de Artes de Cuenca reclama recursos y apoyo. El Comercio; p. C2-10. 53

ANEXOS Rompecabezas Anexo.1. Las señoritas de Avignon, Pablo Picasso.

Por Daniel Chisaguano, 2013.

Anexo.2. Círculos concéntricos, Vasili Kandinsky.

Por Daniel Chisaguano, 2013

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Anexo.3. Autorretrato con oreja vendada, Vincent van Gogh.

Por Daniel Chisaguano, 2013

Anexo.4. La fuente, Marcel Duchamp.

Por Daniel Chisaguano, 2013

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Anexo.5. Venus de Willendorf.

Por Daniel Chisaguano, 2016 56

Obras a transformarse en personajes de felpa Anexo.6. Cabeza colosal de la cultura olmeca.

Fuente: (http://granmisterio.org/2015/01/21/las-increibles-cabezas-olmecas/)

Anexo.7. Caballo, Fernando Botero.

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Fuente: (http://www.davidtomlinsonphotos.co.uk/art/chatsworth/bl/bl2008.html)

Anexo.8.

Fuente: (http://www.lescoqsenselle.com/wp-content/uploads/2014/07/Quito_Mus%C3%A9e-dartpr%C3%A9colombien.jpg)

Anexo.9. Tres estudios de figuras en la base de una crucifixión, Francis Bacon.

Fuente: (http://pixgood.com/crucifixion-francis-bacon-1965.html)

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Anexo.10. Araky Nobuyoshi.

Fuente: (http://hypebeast.com/2009/7/honeyee-interview-with-nobuyoshi-araki-photographs-are-heading-to-death)

Anexo.11. El Taj Mahal o ‘El Palacio de la Corona’

Fuente: (http://jacobogordonlevenfeld.es/el-taj-mahal-india/)

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Anexo.12. Exposición ‘interactuar, jugar y sentir (arte)’, 2014.

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