"EL ARTE POP" Simon Wilson TÍTULO.− El arte pop. AUTOR.− Simon Wilson EDITORIAL.− Labor AÑO.− 1975 CIUDAD.− Barcelona Según Wilson, tres rasgos son los que, en principio, distinguen al arte pop: por una parte es figurativo y realista, toman de las vanguardias los aspectos teóricos, trascendiéndolos a un nivel de acción; por otro lado y como consecuencia los temas se insertan en un mundo cosmopolita gobernado por el consumo; y, por último, los motivos que de aquí se desprenden son totalmente innovadores y dan lugar a una nueva presentación de los temas que hace nacer el conflicto realismo/vanguardia. Centrándose en el foco neoyorkino, el autor destaca a Marcel Duchamp y sus ready−mades como el mejor de los antecedentes a este tipo de arte. Estas obras destacan por mostrar trozos de realidad (variando el tipo de representación en cánones de mayor o menor naturalidad)preexistentes que nos llevan a una idea. De esta forma, se demuestra que para llegar a esa idea no es necesario un cuidadoso trabajo manual, sino que la esencia de la obra de arte está en tomar decisiones, y que todo es alcanzable mediante esta metodología. A toda esta forma de pensar acuñada por Duchamp, se unieron en un principio Rauschenberg y Jasper Johns. Rauschenberg destacó por convertir la pintura en elemento para mostrar la realidad, pero una realidad que operaba en el vacío entre el arte y la vida. Jasper Johns destacó por una mayor profundización en cuanto a la utilización de elementos que nos son de inmediato familiares, visualmente simples e impactantes, sin descuidar una técnica formal y abstracta perfectamente cuidada y estudiada; todo esto nos hace ver una increíble capacidad fotográfica de la pintura que nos hace patente la complementariedad entre familiaridad y abstracción, que en cualquier caso tiene como resultado la banalización del arte como concepto teórico cerrado. Desde una posición teórica o histórica, se dice que el arte pop nace en reacción al expresionismo abstracto, movimiento que es criticado principalmente por ser demasiado romántico, y por tanto, irreal y utópico; la apuesta será poner el arte en contacto con la vida y mundo actuales y así conseguir el mayor grado de inaceptabilidad, de acuerdo al para éllos paradójico éxito del expresionismo abstracto. En este sentido, conviene destacar la figura de Lichtenstein, autor que en un primer momento adopta las características propias del expresionismo abstracto, pero que luego integra a la publicidad y el comic como formas de expresar que le llevan a ideas útiles, fuertes y vitales; en este sentido, se descubre que lo simple no tiene por que ser sencillo y que la introspección y subjetivismo románticos no llevan más que a un concepto de arte chauvinista y con más importancia que la que en realidad pudiera tener; estas tesis no promueven la utilización de un arte mimético o reproductivo con respecto a las fuentes señaladas, sino que cada artista sigue siendo dueño de sí mismo, de su vida y de su mundo, sólo que éstos se muestran vulgarizados, banalizados, como reacción a las ganas de darse importancia a uno mismo propias de las tendencias anteriores. Los diferencias por tanto, entre un arte y otro son a nivel historicista, pues la interactividad emisor−receptor sigue funcionando de la misma forma, aunque la creación esté más sujeta a la composición y selección que a la abstracción mental. 1

Otra figura fundamental del arte pop es Andy Warhol. En un principio, se sitúa a medio camino entre el expresionismo abstracto y el arte pop, decantándose más tarde por el último; es uno de los primeros autores pop que utilizan como método de trabajo la serigrafía (que, en detrimento de la pintura, gana mucho en verosimilitud). Quizás lo más importante en Warhol es su insistencia en no dar un mensaje determinado a través del arte; esto hace que los mismos planteamientos anteriores, del arte basado en las imágenes producidas en masa, queden en tela de juicio; este sinsentido estético no hace que neguemos la existencia de unas constantes temáticas entendidas en la mayor parte de los casos como repeticiones mecánicas y, por tanto, alcanzando un alto grado de degradación, sobre todo al ser etiquetadas. También destacamos una brillante utilización del color; la concepción fotográfica que en Lichtenstein podría también ser escultórica (si arte=vida)está al servicio de la obra de arte, entendida como una presencia y no desde un soporte, temática o género. Otro miembro de la corriente pop que se nos destaca es Oldenburg, que desde un principio se vió fascinado por todo lo urbano y destaca por sus composiciones con objetos extraños, basados en las pistolas de rayos propias del comic fantástico, llamadas Ray Guns (al revés Nug Yar, que sugería una imagen de las calles de Nueva York, que le llevaba, a su vez, a la idea del erotismo). Otra idea fundamental en Oldenburg es la importancia de la forma como manera de exhibición y, de aquí, su relación simultánea con otras formas, que determina definitivamente al mensaje; sin embargo, los objetos que se nos presentan a la vista como más blandos, tienen capacidad de cambiar por sí mismos. Oldenburg pretende en cualquier caso la máxima inmutabilidad posible de los objetos con el objetivo de extraer una significación metafórica concreta. En cuanto a J.Rosenquist, es importante la influencia en su obra de la publicidad y el diseño industrial. Destacó por la utilización de recursos parecidos al flou fotográfico que reflejaban la existencia de una visión crítica muy particular de la metrópoli y, a la vez, se mostraba como un simple publicista. Cultivó sobre todo la pintura y el collage y como temas se interesó en el desnudo y la naturaleza muerta. Otros autores neoyorkinos fueron Nesselman (erotismo), R.Indiana (destaca por sus mensajes en palabras sobre el sueño americano) y Allan D'Arcangello. A partir de Nueva York, se darán en la costa oeste dos focos de expansión del pop: San Francisco y Los Ángeles (de donde nacerán otras sub−culturas como los surfers, hot−roders, dragracers,...). En Los Ángeles (expansión hacia el sur) destacan Billy Al Bengston (máximo representante del customizing, movimiento basado en la reelaboración de artículos de consumo) y Ed Ruscher (combina un estilo comercial con otro pictórico y utiliza las palabras a veces en un aislamiento flotante con respecto al contexto). En San Francisco (expansión hacia el norte) destacan Wayne Thiebaud (grado mayor de banalización en el arte y, por tanto, de riesgo a través de la repetición, inexpresividad y formalidad; temática muy basada en la alimentación; busca crear una ilusión que brote de una exploración de las tendencias de los materiales) y Mel Ramos (desnudos de chicas pin−up; utilización de figuras publicitarias de simbología fálica). En cuanto al arte pop en Inglaterra, vemos cómo la influencia de los EE.UU. viene mediatizada por los medios de comunicación, y no por el arte pop norteamericano. En una primera fase, destacaríamos a Francis Bacon, que utilizó fotografías sacadas de los medios de comunicación (desde material fotográfico −Muybridge−, material cinematográfico −Eisenstein−, hasta libros sobre medicina −Positioning in Radiograph−); se basa en obras de arte del pasado (Velázquez,...); otra de sus características es que entiende el poder de evocación y sus declaraciones formales en consonancia, es decir, idea y forma como inseparables; y también es importante su obra gracias un gusto por lo inusual. Por otra parte y en la formación del Grupo Independiente (todavía en una primera fase) destacarían Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton. Eduardo Paolozzi no se integra en el pop, sino en el surrealismo; muestra gran 2

interés por la cultura popular (collages de revistas actuales); ante el obsoleto panorama inglés, da a conocer a artistas extranjeros ubicados dentro de las vanguardias históricas; jugaría un importante papel en la exposición "Paralelo de arte y vida", enfocando la vanguardia hacia valores populares vernáculos. Por otro lado, Richard Hamilton utilizó temas basados en el cine de Hollywood, las posibilidades estéticas de la máquina, la integración de las distintas artes visuales,...; destacó su antología de imágenes populares, titulada: "Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appeling?"; del mismo modo, Hamilton hablo del arte pop, describiéndolo a través de una serie de cualidades: popular, pasajero, que se puede dar de baja, bajo coste, producido en masa, joven, ingenioso, sexy, evasivo, atrayente y alta finanza; en el tema de la mujer y el erotismo, da preeminencia a una visión comercial frente a otra artística, privilegiando hasta tal punto el aspecto compositivo de sus creaciones, que ha llegado a ser considerado antes como un ingeniero, que como un artista. Alguien que se sale de los moldes planteados es Blake, autor que destaca por combinar ilusión y realidad; en él, la dicotomía Abstracción/figurativismo (collage) es complementaria en tanto en cuanto el resultado es un arte pop puro. En una segunda fase del arte pop en Inglaterra, a partir de 1961, que distinguimos a partir de la llamada Exposición de los Jóvenes Contemporáneos, cuyas influencias principales vienen del Grupo Independiente ya citado y de artistas como Smith (temas pop con finalidad abstracta; juego con los cambios de escala en cuanto a la forma y color de los objetos), Kitaj (imágenes figurativas por medios pictóricos muy fuertes; estructura de composición muy compleja). Los principales miembros de relevancia en este período fueron D.Donaldson, D.Hockney (utilización del graffiti; combina abstracción y figurativismo; temática autobiográfica: arte, sexo y publicidad), A.Jones (en su primera etapa los temas eran el sexo, autobuses y paracaidistas, con un estilo pictórico y abstracto; más tarde su estilo se hará más ajustado, directo y brillante, con interés por temas sexuales: publicidad de ropa interior, fetichismo,...), D.Boshier (enfoque pictórico−semi−abstracto, pero con la importancia de imágenes figurativas), P.Phillips, P.Caulfield (afinidad estética con Lichtenstein; figurativismo que esconde una abstracción nada agresiva), Tilson,... En Europa Occidental, no se habla de Pop, sino de Nuevo Realismo , movimiento acuñado por Pierre Restany en Francia y cuyo manifiesto proclama la fascinante aventura de lo real, vista en sí misma, rechazando al expresionismo abstracto, que mezcla romanticismo e intelectualidad, es decir, no del todo pop. Restany proclama, a pesar de estas diferencias, la existencia de unos mismos orígenes o puntos de partida en la obra de Duchamp. Entre los miembros principales de Nuevo Realismo destacan Ives Klein (famosas son sus "Antropometrías", que se hacen imprimiendo pintura en cuerpos de mujer y colocando a éstas sobre el lienzo) y los distintos grupos formados a partir de distintos enfoques o técnicas: Los pintores (Jacquet, Raysse, Adami, Richter, Lueg, Gaul); los que utilizan montaje en un sentido pictórico (Arman, Spoern); los que utilizan montaje en un sentido escultórico o 3−D (Cesar, Christo); los que utilizan el collage (Pistolleto, Fahlström); y los que utilizan el decollage (Hains, Rotella, Vostell).

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