LEGACY

EL LIBRO DEL ARTE Una respuesta al dilema: “¿Qué podría surgir De un tiempo Que cambió la búsqueda De la sociedad creativa Por la obsesión De estar conectado?”

T. S. Elliot

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Por Eduardo Cavallo Ejemplos del Libro del Arte 2012 pueden verse en el blog bayardcreartedigital.wordpress.com

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Thomas Stearns Eliot (n. St. Louis, Missouri; 26 de septiembre de 1888 - m. Londres; 4 de enero de 1965), más conocido como T. S. Eliot, fue un poeta, dramaturgo y crítico anglo-estadounidense. Representó una de las cumbres de la poesía en lengua inglesa del siglo XX. En 1948 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura.

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EL LIBRO DEL ARTE Es el nombre de un proyecto que realizamos en 4º grado que tiene 2 etapas: 1 – ETAPA CREATIVA. La creación por parte de los alumnos de gráficos de puntos utilizando motivos, técnicas y herramientas propias de los graficadores, relacionándolas con escuelas pictóricas de los siglos XIX y XX. 2 – RECOPILACIÓN La recopilación y ordenamiento de estas “obras” de expresión gráfica digital en un programa contenedor (generalmente PowerPoint). El resultado de esta etapa es el Libro del Arte propiamente dicho. Una vez terminada la etapa 1, la etapa 2 debe superar dificultades tales como: • Guardar los trabajos de los alumnos en un formato de puntos (Guardadib en el caso de MM EX). • Insertar cada trabajo en una diapositiva de PPT. • Rotular cada una de ellas • Hacer una carátula • Una introducción explicativa de cada trabajo • Una tabla de contenidos • Un sistema de navegación. Por lo general esta etapa era finalizada o hecha en su totalidad por el docente. En algunas oportunidades, cada alumno llegaba a hacer su Libro personal, mientras que el docente recopilaba cada uno de éstos en un Libro del curso.

ETAPA CREATIVA Esta etapa tiene un objetivo meta cognitivo y afectivo muy amplio y muy caro a nuestra filosofía, que podemos sintetizar en una frase: La

computadora es un medio de expresión para desarrollar la creatividad. Este objetivo global fue de suma importancia en los comienzos de la Informática educativa y lo es ahora por otros motivos. Si en el principio (1980) la lucha era contra una utilización mecánica y replicante (la máquina de enseñar), ahora lo es porque esa máquina es percibida y utilizada casi exclusivamente como una herramienta de comunicación. Así expresa esta preocupación el ingeniero Horacio C. Regginib en sus encuentros “woodyalleneano” b

Ingeniero, miembro de la Acadamia Nacional de Ciencias, de la de Letras, tradujo el lenguaje Logo al castellano, es autor de varios libros sobre Computadoras y Educación, e historia de las comunicaciones. Fue asesor del colegio Bayard.

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-Ayer, mientras caminaba por la calle Florida, tuve tres encuentros, el primero con T. S. Eliot, que me preguntó sin mucho trámite sabiendo que yo conocía sus escritos: “¿Qué podría surgir de un tiempo que cambió la búsqueda de la sociedad creativa por la obsesión de estar conectado?” Esta búsqueda de la “creación de una cultura informática creativa” está siempre presente en nuestra planificación, tanto en las áreas gráficas, como textuales, sonoras y aun tecnológicas. Por supuesto que no siempre se puede ser creativo. Los exámenes de la UTN, por ejemplo, demandan una eficiencia operatoria para replicar un modelo. En 4º grado el objetivo creativo tiene un espacio considerable en el área gráfica y un matiz novedoso. Se trata de utilizar las herramientas gráficas pero para expresarse de una forma diferente a la etapa de 1º a 3º grado. Salir de la línea y del dibujo figurativo y expresarse con puntos, formas geométricas, fotos, collages, y movimiento. No es casualidad que se vinculen estos trabajos con escuelas pìctóricas que en su momento “rompieron” con lo establecido. El “puntillismo”, el “cubismo”, el “Pop Art”, el “arte kinético”, innovaron la expresión del artista rompiendo con el concepto del color, la forma, la perspectiva, la temática, los recursos. Estas escuelas son un marco para la presentación la actividad, un marco que debe ser motivador para el alumno, ya sea porque se lo conecta con un campo cultural más amplio y adulto, o porque los materiales creados por los adultos pueden ser materiales para la propia creación, vía la intervención o la reelaboración.

RIESGOS Ahora bien el desarrollo personal de la creatividad, la destreza operatoria, el conocimiento temático, será diferente en cada alumno. Los docentes debemos estar preparados para aceptar “el fracaso” o “el aparente fracaso”. El docente no puede supeditarse únicamente a los resultados que le parezcan apropiados (trabajos lindos!). Debe bastarle la producción y la valoración de los alumnos de los objetivos propuestos. Objetivos que deberá explicitar en algún momento de la planificación. Otro riesgo deviene de la complejidad de las escuelas o técnicas plásticas con las que nos linkeamos. Esto quedó claro en una reunión que tuvimos hace algunos años con Mabel Casal. Así como no podemos pretender que nuestros alumnos se transformen en creativos por el hecho de pintar una hoja, tampoco sus trabajos serán puntillistas, ni cubistas, quizás sí puedan hacer Pop Art, porque las fronteras del Pop Art son más difusas.

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Es necesario entonces tener entonces una idea de lo que estas escuelas significaron y significan, con el doble propósito de transmitir información a nuestros alumnos y darle contenido y continente a nuestros objetivos y actividades. PUNTILLISMO El Puntillismo es un estilo de pintura. Aparece por vez primera en 1884, encabezado por el pintor Neo-Impresionista Georges Seurat , y contando con entre sus más fieles seguidores tales como HenriEdmond Cross. Los puntillistas no mezclan en la tela los colores, sino que utilizan colores puros, blanco y negro para que el ojo combine en la retina los puntos de luz. Para los puntillistas, la única mezcla capaz de producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se convierte así en el factor predominante de su ejecución. Tras haber reunido por separado en sus telas los elementos individuales de color presentes en la naturaleza, el pintor asignaba a la retina del espectador la tarea de unirlos de nuevo. La pintura puntillista se aprecia en vivo en directo, porque la foto hace el trabajo del ojo y mezcla los colores. Para entender el concepto podemos utilizar un programa Logo, en el que la tortuga se desplaza por una línea dejando un punto del tamaño de un pixel en la pantalla. Si alternamos puntos rojos y azules el resultado será:

para linea :lar c repite :lar [ punto 1 ponx coorx + 1 1] fin

d

punto 4 ponx coorx +

para linea2 :lar repite :lar [punto 4 desplazar punto 1 desplazar] fin Visto de lejos el ojo mezcla los colores y ve un magenta. Si ampliamos podemos ver mejor los puntos,

c d

1 = azul 4 = rojo

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Alternando blanco y negro obtenemos:

La obra más importante y famosa de Seraut es “Tarde de domingo en la isla la Grande Jatte”. La isla de la Grande Jatte se encuentra en el río Sena, en París, y aunque por muchos años fue un sitio industrial, pasó a albergar jardines públicos y un conjunto residencial. En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad.

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La complejidad del puntillismo podemos apreciarla en la descripción del proceso que llevó su terminación. Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886. Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera azul. De esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.e

DEL PUNTILLISMO AL SPRAYETISMO Obviamente que nuestros alumnos no podrían estar 2 años poniendo puntos a mano en una tela. De manera que inventamos el término SPRAYETISMO para aquella técnica que utiliza como herramienta expresiva el SPRAY. La técnica puede ser pura o combinada con alguna otra herramienta.

ASIMILACIÓN – ACOMODACIÓN Son los términos con que Piaget nombra a las 2 etapas del desarrollo cognitivo. Son acciones complementarias, la asimilación es el proceso por el cual la nueva información es incorporada a la estructura cognitiva personal según su propia lógica. La acomodación es el proceso de transformación de esa estructura, que debe modificarse para lo nuevo. Llamaremos trabajos de asimilación a aquellas actividades donde las herramientas se utilicen en forma libre, con una lógica propia, sin consignas externas o solo consignas temáticas. Estas deben ser preferentemente las iniciales, que permitan al chico experimentar con libertad la herramienta y sus parámetros. Parámetros del SPRAY son el color, el grosor, la transparencia.

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Extraído de Wikipedia.

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EJEMPLOS ASIMILACIÓN EXPLORADORA 1 – Consigna: Rellenar totalmente con spray el plano, utilizando colores, texturas y transparencias. (El ejemplo se hizo sobre fondo negro)

2 – Raspadura sobre tinta china. El fondo anterior se congela (Congelaf). Se aplica un rectángulo negro. Con la goma o con spray con color transparente se pasa por encima. Por donde se pase la herramienta se verá el fondo congelado.

Combinación puntillismo con grafitti

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ASIMILACIÓN FIGURATIVA El spray es utilizado como un lápiz para definir formas figurativas,

ACOMODACIÓN Se parte de una imagen previa que hay que intervenir. La intervención es una técnica usual en Arte. La obra intervenida interve se aprende, se hace parte de uno, se transforma en material de experimentación visual. En la acomodación las herramientas deben “seguir” la lógica del original, la lógica de la forma, del color, de la composición.

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ACOMODACIÓN SPRAY: INTERVENCIÓN FOTOGRÁFICA / PAISAJE

ACOMODACIÓN SPRAY: INTERVENCIÓN FOTOGRÁFICA / AFICHE

ACOMODACIÓN SPRAY: INTERVENCIÓN FOTOGRÁFICA / RETRATO

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ACOMODACIÓN SPRAY: INTERVENCIÓN POR EXTENSIÓN

ACOMODACIÓN SPRAY: INTERVENCIÓN POR EXTENSIÓN

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ACOMODACIÓN SPRAY: INTERVENCIÓN POR EXTENSIÓN

EL CUBISMO El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque (pequeño pueblo de Francia), Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

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El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional, basada en el punto de fuga o punto de vista único. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Adopta la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen. DORA MAAR Observar el rostro dividido en 2 perspectivas: de frente y de perfil. La falta de detalles en rostro y manos. La falta de profundidad en el cuerpo.

Retrato realizado por Pablo Picasso, de su "amiga" y fotógrafa Dora Maar.

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DEL CUBISMO AL GEOMETRISMO Para no ofender al cubismo (=:, inventamos un término relacionado: GEOMETRISMO BÁSICO. El objetivo expresivo operatorio es expresarse gráficamente mediante figuras geométricas simples (en el MM EX (rectángulos, elipses, líneas, poligonales), colores, texturas y composición. ASIMILACIÓN Composiciones libres con algún tipo de consigna: por ejemplo figuras anidadas, seriaciones, colores primarios, acromatismo. Composiciones equilibradas o desequilibradas. Simetrias.

Colores primarios / equilibrio, nidos

Colores secundarios / equilibrio, nidos

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Nidos, equilibrio, solo líneas

Equilibrio, monocromatismo

Nidos, monocromatismo, simetría

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ASIMILACIÓN Intervenir fotos, cuadros cubistas, siguiendo la lógica interna de la imagen fuente.

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TRAS LOS PASOS DE DORA MAAR Doble perspectiva

EL POP ART Movimiento surgido en 1959 en Inglaterra y EEUU Rechaza al arte como idealizador de la realidad. Se caracterizó por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». Líneas duras en oposición al puntillismo y al impresionismo.

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El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte. Rescata también la utilización de objetos de mal gusto y vulgares. El más conocido representante del POP ART fue el americano ANDY WARHOL. Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos f, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar.

Las conservas CAMPBELLS eran un símbolo reconocido por toda la cultura norteamericana. El envase es presentado frontalmente para que sea bien visible el logotipo de su empresa. La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo.

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Ícono: Representa una idea universal.

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Warhol utilizaba la técnica de la repetición como un símbolo de la era moderna, donde todo se produce en masa, en oposición a la producción artesanal, donde cada objeto producido es único.

DEL POP ART AL POP BAYARD Los desdibujados límites del POP ART permiten una variopinta interpretación de las producciones. En general es un tipo de trabajo que permite, casi demanda la utilización e intervención de imágenes fotográficas o dibujadas.

Repetición, variación, imagen vulgar.

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Repetición, variación, imagen icónica,

Personajes de historietas de la cultura popular

Repetición fotográfica, variación, ícono popular.

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Ícono popular, intervención. ARTE KITSCH: En algunas oportunidades bajo el nombre POP se han realizado composiciones más cercanas a un tipo de Arte Kitsch, que entre otros significados puede referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de mal gusto.

Recargado, re colorido, de mal gusto = Kitsch

Kitsch

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Kitsch

ARTE KINÉTICO El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado. El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70. Características El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada. La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.

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Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo. Busca la integración entre obra y espectador.g ARTE KINÉTICO MECÁNICO En la carpeta LIBRO DEL ARTE\ARTE KINÉTICO guardé videos con ejemplos que en general se les muestra a los chicos como motivadores. Hay obras muy elaboradas y otras muy “primitivas” que bien podrían ser objetivo de nuestros alumnos en el taller de mecanismos. Porque el arte kinético mecánico no es más que objetos en movimiento, merced a un motor (viento, gravedad, eléctrico). ARTE KINÉTICO ÓPTICO También hay un ejemplo. En este caso no hay un movimiento real, pero el ojo percibe un movimiento por algún efecto óptico producido por la luz incidente en la retina.

DEL ARTE KINÉTICO A LA PROGRAMACIÓN DE TORTUGAS Los trabajos que los chicos pueden producir programando tortugas de Micromundos (también podría hacerse con objetos en PowerPoint) están a mitad del camino entre lo mecánico y lo óptico. No hay objetos reales sino virtuales (las tortugas) con o sin figuras, pero el movimiento o la variación es real. Estamos ante programación de movimientos de tortugas o animación por cambio de formas o ambos.

La figura de arriba podría ser ARTE POP, pero cada imagen es una figura de tortuga y es portada por una tortuga. Las variaciones de

g

Wikipedia

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color se hicieron en la grilla de figuras, por lo tanto hay 9 tortugas y 9 figuras. PARA INICIO T1, ffig 1 T2, ffig 2 T3, ffig 3 T4, ffig 4 T5, ffig 5 T6, ffig 6 T7, ffig 7 T8, ffig 8 T9, ffig 9 Fin PARA KINETIQUEAR T1, ffig 2 espera TIEMPO (TIEMPO es un control deslizante entre 0 y 10) T2, ffig 3 espera TIEMPO T3, ffig 4 espera TIEMPO T4, ffig 5 espera TIEMPO T5, ffig 6 espera TIEMPO T6, ffig 7 espera TIEMPO T7, ffig 8 espera TIEMPO T8, ffig 9 espera TIEMPO T9, ffig 1 espera TIEMPO T1, ffig 3 espera TIEMPO (TIEMPO es un control deslizante entre 0 y 10) T2, ffig 4 espera TIEMPO T3, ffig 5 espera TIEMPO T4, ffig 6 espera TIEMPO T5, ffig 7 espera TIEMPO T6, ffig 8 espera TIEMPO T7, ffig 9 espera TIEMPO T8, ffig 1 espera TIEMPO T9, ffig 2 espera TIEMPO T1, ffig 4 espera TIEMPO (TIEMPO es un control deslizante entre 0 y 10) T2, ffig 5 espera TIEMPO T3, ffig 6 espera TIEMPO T4, ffig 7 espera TIEMPO T5, ffig 8 espera TIEMPO T6, ffig 9 espera TIEMPO T7, ffig 1 espera TIEMPO T8, ffig 2 espera TIEMPO T9, ffig 3 espera TIEMPO Etc … FIN Veremos las figuras cambiar de posición. Si ponemos un botón con la orden KINETIQUEAR, podemos programarlo para que repita por siempre.

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ANIMACIÓN POR ROTACIÓN Y MOVIMIENTO Podemos crear figuras geométricas o exóticas y cargarlas en tortugas PARA INICIO T1, FFIG 11 T2, FFIG 12 T3, FFIG 13 T4, FFIG 14 T5, FFIG 15 FIN PARA KINETIQUEAR T1, PORSIEMPRE [AD 10 DE 10 ESPERA 2] T2, PORSIEMPRE [AV 50 ESPERA 4 T3, PORSIEMPRE [RE 10 IZ 60 ESPERA 5] T4, PORSIEMPRE [AT 40 ESPERA 4 OT ESPERA 2 MT] T5, PORSIEMPRE [AD AZAR 50 DE AZAR 90 ESPERA1] FIN

PRESENTE, CONSTRUCCIÓN, HISTORIA Y GENES Revisando los trabajos de años anteriores me quedé admirado por los de una alumna, o su historia (educación familiar, porque la del colegio es la misma) es muy diferente al resto o sus inteligencia espaciales es también especial, o ambas cosas.

Colores primarios

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Colores secundarios

Pop Art