EL RENACIMIENTO. EL CINCUECENTO

[LA ESCULTURA DE MIGUEL ÁNGEL]

LA ESCULTURA DEL CINQUECENTO (SIGLO XVI) En contraposición al siglo XV, y del mismo modo que en arquitectura, el XVI va a ser el predominio de lo romano frente a lo florentino. En lo estrictamente formal, las delicadezas cuatrocentistas y el amor el detalle menudo, van a ceder el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las obras de Jacopo della Quercia. MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE SU OBRA: Su calidad excepcional y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. Sus figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos, modelos fervorosamente estudiados. De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la busca de la Idea de Belleza, sus figuras no son reales, sino ideales. Sus primeras obras son aún clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras conocer la obra de Jacopo della Quercia su monumentalidad imprimirá un giro definitivo a su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio del Quattrocento, lo rompe en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el Manierismo y el Barroco. RASGOS: Dominio como centro escultórico de Roma Tendencia a la Monumentalidad Conjuga en su obra el cristianismo ( temas ) y el paganismo ( ideal de belleza clásica ) Virtuosismo, perfección técnica Pulimenta el mármol Composiciones más grandiosas, menor interés por el detalle. En los ropajes hace profundas oquedades originando contrastes de luces y sombras EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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Enorme importancia de las formas. Interés por lo monumental: gusto por las grandes esculturas de busto redondo. Estudio de la anatomía y del desnudo. Búsqueda de la belleza, estudios del cuerpo desnudo, será uno de los temas fundamentales. A medida que avanza el siglo, se insiste en la FUERZA EXPRESIVA, en la GESTICULACIÓN, el MOVIMIENTO. En las composiciones se busca el retorcimiento helicoidal llamado LINEA SERPETINATA. Se consideraba sobretodo escultor. Le daba especial importancia al proceso creativo que lo concebía como un gran esfuerzo físico. Su influencia se prolongará a lo largo de todo el siglo, aunque le añadirán otros rasgos a finales del siglo. FASES EN SU OBRA En su juventud: suavidad, equilibrio, delicadeza, belleza ideal, Inspiración clásica, rebeldía, naturalismo. Humanismo, misticismo neoplatónico. En su fase madura: tensión y dramatismo, la llamada TERRIBILITÁ. Movimiento contenido, expresividad. Desnudo y nobleza de las formas, Desproporción expresiva. Precisión anatómica En su fase vejez: Abandono de ideales clásicos / desinterés por la materia. Cultivo del feísmo. Antinaturalismo. Cuerpos escuálidos, alargados, inmateriales, posturas forzosas. Dramatismo y subjetivismo. Amargura, dolor, soledad, misticismo OBRAS: OBRAS CLÁSICAS: EL BACO:

Pertenece al periodo clásico. Fue realizada para un banquero. Obra cercana a Praxíteles, a Lisipo o al Helenismo. Presenta una perfección técnica que se refleja en el pulido del mármol. La embriaguez del vino viene señalada en la escultura por la posición del Baco que se debate entre el placer y la melancolía. El Dios niño sostiene en la mano izquierda la piel de un león, símbolo de la muerte y un racimo de uvas del que come. La piel del león aparece comiendo la cabeza. En el cabello de Baco lleva guirnaldas y sus cabellos de uvas LA PIEDAD DEL VATICANO

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Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la Virginidad eterna y sin edad. Figura realizada bajo los parámetros del cuattrocento como se expresa en el equilibrio. Figuras ideales, de perfectos acabados. Tema: proviene del Gótico final: el cadáver de Cristo está en brazos de María, descansa sobre las rodillas dobladas trasmitiendo una sensación de pesadez. Composición piramidal , muy equilibrada con volúmenes cerrados. Grandes calidades pictóricas en el acabado de la musculatura y en los ropajes. María figura joven contrasta con la mayor edad del hijo. Tiene un carácter simbólico: nos habla de la pureza de la virgen EL DAVID DE LA ACADEMIA DE FLORENCIA

Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional, que lo representaba como adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol, pero de forma alargada y estrecha, lo que le obliga a hacer una obra casi plana. Figura que emerge de un gran bloque de mármol ligeramente estrecho lo que condicionará la posición de los brazos. Tema: se representa a David estudiando a su rival, justo en el momento de una mayor concentración. Está preparando las fuerzas de asalto. No representa la acción, sino la reflexión. Refleja el gusto por el desnudo como las esculturas clásicas. En él apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la figura está viva. La postura es helénica, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del Manierismo Anuncia el sentido de la grandiosidad mediante el agigantamiento de algunas partes , manos, uñas, dedos, o el gesto. Esta escultura era un símbolo para Florencia: es fortaleza e ira, atributos de Florencia en defensa de la libertad. No se inspira en los prototipos creados por Donatello ni Verrochio sino en las representaciones clásicas que conocía de Roma. Anatomía, fuerza, expresividad EL SEPULCRO DEL PAPA JULIO II: EL MOISÉS Y LOS ESCLAVOS

Concebido primero como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la Cúpula de San Pedro, con más de cuarenta figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas, EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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familiares), y cuando mucho años más tarde se instaló en la Iglesia de San Pietro in Vincoli, sólo figuran en él, de su mano, el famoso Moisés y las estatuas de Lía y Raquel. Respondía a un proyecto donde se integraba arquitectura y escultura. Se trataba de un conjunto de 40 esculturas de tamaño colosal. El proyecto no llegó a concluir por cuestiones económicas. De las 40 esculturas terminará solo: EL MOISES, Las esculturas de LIA Y RAQUEL y las figuras de algunos esclavos. Para estas últimas empleará la línea serpetinata

EL MOISÉS: Tema: el gran legislador judío, líder espiritual y guerrero. Condujo a su pueblo hasta la tierra prometida. Se inspira en el Laocoonte ( se había descubierto en el año 1506 y lo había adquirido el Papa Julio II ) Representa a la figura con una pierna ligeramente adelantada respecto a la otra. Tiene la cabeza prominente, girada, expresión facial es también fuerte y dura, con una barba muy poblada. Esta posición le da realismo y emoción contenida: está enfurecido. Representa los rasgos del profeta: fuerza y terribilitá. Esto se refleja en la poderosa anatomía, en los brazos, en las piernas. EL TEMA El profeta después de regresar del monte Sinai llevando las tablas de la ley para dárselas al pueblo de Israel, ve horrorizado como el pueblo ha abandonado el culto a Jehova y están adorando el Becerro de oro. Forma parte de una narración más extensa sobre la vida de Moisés y el pueblo judío. Desde Egipto Moisés los conduce a la tierra prometida [ Palestina ] Moisés nunca llegará a la tierra prometida. Conduce al pueblo desde el cautiverio, Egipto hasta la liberación. Ideal de belleza: Se busca la belleza idea, naturalista, interés por la figura humana, la anatomía, como corresponde a la cultura antropocéntrica .Composiciones equilibradas armoniosas, movimiento en potencia, perfección técnica.Todos los rasgos del Renacimiento hay que matizarlos en Miguel Ángel. El era un personaje excepcional por la forma de tratar las esculturas, por lo longevo de su vida. Sus influencias vinieron desde DONATELLO y su obras trascurrió desde la serenidad clásica de sus obras iniciales pasando por la TERRIBILITÁ hasta llegar a sus obras últimas que preludian el barroco SIGNIFICADO: Esta figura está ligada a la exaltación del Papa / imitaba los mausoleos de la Antigüedad. El primer proyecto tenía como centro al papa rodeado de figuras alegóricas alusivas a las virtudes del Pontífice. La grandiosidad del proyecto se fue reduciendo hasta transformarse en un sepulcro adosado. Se aprovecho esta escultura además de las figuras de Lía y Raquel que representaban la vida activa y la vida contemplativa En esta obra se identifica a Moisés con el Papa.

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LOS ESCLAVOS: Debían ir también en el Mausoleo de Julio II, pero quedaron inacabados: hondamente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas. Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este momento la expresión en sus figuras se hará más intensa, las actitudes más violentas y un halo de dramático pesimismo velará los rostros. LOS ESCLAVOS ENCADENADOS. Se trata de dos esculturas esculpidas entre 1513 / 1516 paralelos a la escultura del MOISÉS. El ESCLAVO MORIBUNDO está tratado con más perfección tanto en el pulido como en las formas anatómicas. Contrasta mucho la forma del cuerpo con las forma curva de los pies donde posiblemente se iba a representar un mono. Figura relajada, sosegada. El rostro del hombre aparece como abandonado al sueño o a la muerte. SIGNIFICADO: La personificación del espíritu humano intentando liberarse de las pasiones humanas. Este esclavo representa la perfección divina. El ESCLAVO REBELDE: Está menos acabado y lleva un paño como única vestimenta. Es una figura cargada de solidez física: sus músculos están muy resaltados resultado de la lucha que tiene por liberarse de las cuerdas.

+ SACRISTÍA NUEVA DE SAN LORENZO: CAPILLA FUNERARIA DE LOS MÉDICIS

El proyecto se inicia en el año 1527 para las tumbas de Lorenzo y Giuliano de Medicis en la sacristía nueva de la Iglesia de San Lorenzo. El encargo lo hizo el Papa León X de la misma familia de los Médicis. Los dos sepulcros se conciben como tumbas adosadas a la pared donde la arquitectura se integra en la escultura. Las esculturas son de bulto redondo de los dos hermanos que se colocan en nichos enmarcados por doble fila de pilastras corintias. Las figuras sedentes aparecen vestidas al modo clásico con posturas novedosas. Los cuerpos aparecen atléticos con enorme perfección anatómica. Los sarcófagos adquieren una forma totalmente novedosa con representaciones alegóricas recostadas en la parte superior. Se disponen en posturas opuestas ofreciendo torsiones violentas directamente inspiradas en la escultura clásica. LA TUMBA DE GULIANO DE MEDICIS. LA VIDA ACTIVA. Se trata dos tumbas donde se glorifica la familia Médicis. Los dos personajes son tratados como héroes de la antigüedad y aparecen triunfantes. La vida activa y la vida contemplativa aparece en cada uno de ellos. LA VIDA ACTIVA APARECE EN GUILIANO; LA VIDA CONTEMPLATIVA EN LORENZO, de ahí su postura de El pensador. Intentó representar el trascurrir del tiempo en la vida humana así en la imagen de Giuliano aparecen las imágenes del día y la noche LORENZO DE MEDICIS. EL PENSADOR. Representa la vida contemplativa en Lorenzo, de ahí su postura de EL PENSADOR. Lorenzo, nieto de Lorenzo El Magnífico y que falleciera en 1519, vestido también como jefe militar romano, cabeza y cuello cubiertos con el yelmo, el codo apoyado en el brazo del sillón y el índice doblado sobre los labios. La acción, Lorenzo pretende representar el pensamiento. Estas estatuas confieren a estos Médicis una jerarquía de príncipes, un carácter de nobleza que ni en sus actos ni en sus vinculaciones tuvieron EL RENACIMIENTO. EL CINCUENCENTTO |

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En los últimos años de su vida siente una fuerte religiosidad, por lo que se sentirá atraído por el tema de la Piedad. Las últimas que realiza son dramáticas, cada vez muestran mayor dolor y desesperación, sobre todo ésta, que no llegó a terminar. En ésta la expresividad llega a deformar las proporciones y la técnica empleada es sumaria y sugestiva (como en los escultores impresionistas del siglo XX). LAS ULTIMAS PIEDADES.

La Piedad de Florencia 1550 [ 1 ] Son de sus últimas obras cuando ya ha realizado la mayor parte de su obra. Acomete la obra en un bloque de mármol. Composición más compleja, aunque se mantiene la estructura piramidal. La virgen pasa a un segundo plano y el cuerpo de Cristo se contrae violentamente como mecanismo para impactar a los fieles. Le da mayor importancia a la figura de José de Arimatea donde el mismo escultor se representa. La figura de María Magdalena representa la vida terrenal. A la derecha la imagen de la Virgen simbolizando la muerte y la suprema liberación del alma. Aparece en la figura como donante. Con estas obras M. Ángel ya no le va a preocupar el acabado sino que va a manifestar el deseo de lo inacabado como expresión de lo fugaz de la existencia humana. LA PIEDAD RONDANINI 1564 [ 3 ] Obra inconclusa, murió el autor sin haberla terminado. La tarde anterior a su muerte estaba trabajando en esta escultura. Tema: la composición es revolucionaria y nueva: María desmayada y Jesús muerto, están ambos de pie. No se sabe muy bien quien sostiene a quien En este periodo el escultor atraviesa un periodo de profunda preocupación espiritual. La vida ha dejado de interesarle. Ruptura de los cánones clásicos. Representación del alma. La materia, lo físico ya no le interesa representarla. Le preocupa la vida interior. Son de sus últimas obras cuando ya ha realizado la mayor parte de su obra. La escultura es de un patetismo extremo. Aquí niega la forma en beneficio del espíritu. Aparece el feísmo en la escultura para poner de relieve la espiritualidad

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