Informalismo Movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación en España, desarrollado a partir de 1945 en paralelo al expresionismo abstracto estadounidense. El término informalista se adoptó para referirse a la abstracción lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico del neoplasticismo o De Stijl.

En 1951 el crítico de arte Michel Tapié presentó en Francia varias exposiciones que fueron dando forma al nuevo movimiento artístico. Por un lado organizó la muestra Vehemencias confrontadas, en la que mezcló obras de artistas franceses, italianos, americanos y canadienses con el fin de ofrecer las tendencias extremas de la pintura no figurativa. Pocos meses después preparó la exposición Significantes de lo informal con obras de Jean Fautrier, Georges Mathieu, Jean−Paul Riopelle, Iaroslav Serpan, Marcel Michaux y Jean Dubuffet. Las exposiciones se sucedieron hasta que en 1952 apareció el álbum−manifiesto Un arte distinto, consolidando con ello la nueva tendencia conocida como informalismo. Más que una escuela, lo informal designa, por tanto, una tendencia a la que se vincularon durante cierto tiempo diversos artistas como los antes citados o también Wols, Hans Hartung o Alberto Burri, entre otros muchos. Surgido en un momento de expansión de la abstracción, tras la II Guerra Mundial, los informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en el abstraccionismo (véase Arte abstracto), buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto es, la caligrafía, las formas, la mancha y las texturas, huyendo de todo lo referente a la forma, a la voluntad formativa, a la estructuración preconcebida y racional. En definitiva, la expresión del mundo interior del artista. Se han buscado diferentes influencias para justificar su estética, todas ellas discutidas y discutibles, desde el automatismo surrealista hasta el nihilismo dadaísta. Lo que sí es claro y aceptado por todos es que el informalismo es un término que unifica en su misma imprecisión a unos autores preocupados por explorar la materia, incorporando el valor de la textura, abordando tanto las posibilidades expresivas de los graffiti como el grattage o el Action Painting. Aunque se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias, el pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la década de 1950 de la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos de Michel Tapié. Se pueden localizar dos focos artísticos: Madrid, con un predominio del informalismo expresionista, y Cataluña, donde la mancha, las texturas, el relieve y los nuevos materiales darán lugar al desarrollo del informalismo matérico. En el núcleo madrileño se puede incluir la obra de artistas como Manuel Mampaso, los miembros del grupo de Cuenca (Fernando Zóbel, Gustavo Torner y Gerardo Rueda), César Manrique, Salvador Victoria, Alberto Greco, Lucio Muñoz y algunos integrantes del grupo El Paso (Antonio Saura y Manuel Millares). En Cataluña destaca la figura de Antoni Tàpies, así como también algunas obras de Albert Ráfols Casamada, Joan Hernández Pijuan, Josep Guinovart y Manuel Hernández Mompó. Alberto Greco (1931−1965) Nació en Buenos Aires en 1931; murió en Barcelona ( España ) en 1965. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en los talleres de Cecilia Marcovich y Tomás Maldonado. En 1954 viajó a Francia y en París se incorporó a los movimientos de actualidad y participo en diversas muestras colectivas, realizando también una individual en 1955.Su obra plástica se desarrollo a partir de 1955. En 1958, hacia una pintura matérica, densa, abstracta y tenebrista. Ese mismo año expuso en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Brasil, participó en la fundación del Movimiento Informalista Argentino. En 1962 abandono la pintura y fundo el Vivo−Dito, que consistía en firmar personajes vivos, objetos y situaciones, encumbrándolos de esta manera categórica de obras de arte. Greco volvió a pintar y, sobre todo, a dibujar. Fueron obras en las que 1

cohabitaban los monigotes y las palabras, los monstruos y los chistes, las manchas de café y las estrofas de viejas canciones, las salpicaduras de tinta y los comentarios domésticos. Su exposición en 1964 en la recién inaugurada Galería Juan Modó fue un acontecimiento artístico y social que hizo derramar ríos de tinta y mereció encendidos elogios de críticos y escritores como Moreno Galván, José Hierro o Francisco Nieva. Tras el éxito de su exposición madrileña, Alberto Greco volvió a Buenos Aires y organizó un multitudinario espectáculo Vivo−Dito. Seguidamente viajo a los Estados Unidos y residió algunos meses en Nueva York; allí entró en relación con los artistas pop y realizó un original Vivo−Dito en la Central Station. De vuelta a España, y tras un tormentoso verano en Ibiza, Alberto Greco se suicido en Barcelona en septiembre de 1965. César Manrique (1920−1992) Pintor y escultor español nacido en Lanzarote. Después de su paso por la Escuela de Bellas Artes de Madrid, fundó la galería Fernando Fe en la capital de España, abierta a las vanguardias. Su labor compaginó el arte con la protección del medio ambiente. La naturaleza es entendida como un espacio creativo, en donde el artista busca la sintonía de los elementos naturales con el entorno artístico que la rodea, tal y como se aprecia en su obra Los jameos del agua en Lanzarote. Su casa en Tahiche (hoy sede de la Fundación César Manrique) es un claro ejemplo que resume la integración del arte en la naturaleza, donde el entorno natural participa con las artes plásticas, interaccionadas en perfecta armonía, por medio de la propia arquitectura local, la escultura de carácter lúdico o la pintura mural. Su arte evolucionó desde el realismo de los paisajes tropicales hasta la abstracción que evocan los volcánicos. Manrique obtuvo en el 1978 el Premio Mundial de Turismo por su labor ecológica y en el 1986 fue galardonado con el Premio Europa Nostra. Lucio Muñoz (1929−1998) Pintor español nacido en Madrid. Durante una temporada trabajó en el comercio de su padre. Más tarde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Después de su formación académica, entró en contacto con los realistas madrileños, Antonio López, los hermanos López Hernández y la que sería su esposa Amalia Avia, también pintora. Becado en el año 1956 por el gobierno francés, tuvo la oportunidad de conocer el Art Autre, la obra de Tàpies y de Dubuffet. Su obra, inscrita dentro del informalismo durante la década de 1950, se decantó hacia la abstracción a su regreso a España. Ya en Madrid expuso en la galería Fernando Fe, fundada por César Manrique como referente de las vanguardias. Preocupado por las cuestiones matéricas, Lucio Muñoz comenzó a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados y madera, entre otros. El soporte va a ser esencial pues sobre él perfora, rasga, realiza incisiones, aproximándose de esta forma al informalismo. Sus obras, coloristas en su mayoría aunque con cierto predominio del negro, son un exponente del informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante un par de años, su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza. Su obra se encuentra representada en museos como el Guggenheim o el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York. En 1962 realizó la decoración del ábside de la basílica de Aránzazu en Oñate, Guipúzcoa. En 1983 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1989 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid inauguró una exposición antológica de su obra que recorrió varias ciudades de España. Grupo El Paso (arte) Grupo de pintores españoles creado en 1957. Expusieron por primera vez en la galería Buchholz de Madrid y 2

editaron un breve manifiesto, posteriormente ampliado, dirigido a todos los pintores españoles de toda clase de tendencias. Todos sus miembros pertenecían a la corriente informalista y seguían un programa común con el que buscaban romper con la situación dominante y abrir nuevos caminos para sus propuestas. El grupo estaba compuesto por los pintores Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manuel Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura, Juan Serrano y Manuel Viola y el escultor Martín Chirino. Rafael Canogar (Toledo, 1935) se consagró en el seno del informalismo hasta que, a mediados de la década de 1960, inclinó su pintura hacia lo figurativo, con una fuerte carga crítica y de denuncia política para más tarde volver a la abstracción. La obra de Luis Feito (Madrid, 1929) se caracteriza por la elevada densidad plástica de sus colores plomizos. Manuel Millares (Las Palmas de Gran Canaria, 1926−Madrid, 1972) abandonó la figuración tras su incorporación al grupo, atraído por el expresionismo abstracto. En sus obras entremezcla diversos materiales ásperos (telas de saco y arpilleras) cubiertos de pintura gruesa, blanca o negra, acompañada de algún grafismo. Antonio Saura (Huesca, 1930−Cuenca, 1998) inició su carrera en el surrealismo y el expresionismo hasta que a mediados de la década de 1950 radicalizó su pintura, utilizando la gama de grises para crear deformaciones de la figura humana. Manuel Viola (Zaragoza, 1919−El Escorial, Madrid, 1987) practicó el expresionismo abstracto en telas de color oscuro sobre las que aplicaba brochazos de vibrante colorido con abundante pasta y una pincelada suelta y dinámica. Manuel Millares (1926−1972), pintor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Su estancia en Lanzarote, durante la Guerra Civil española (1936−1939) le hace tomar contacto con la naturaleza, que le influirá en su obra. Al principio, es el surrealismo quien ejerce en él gran influencia; de esta época (1949) datan sus primeros Pictogramas. Más tarde traba amistad con la escuela de Altamira y es uno de los colaboradores de LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneos). Después de ahondar en la idiosincrasia canaria como temática de sus obras, pasa a investigar las superficies, la materia y las texturas. A partir de ahí elaborará sus arpilleras, donde combina arena y madera. En el año 1955 realiza sus Perforaciones. Participa en la creación del grupo El Paso, que influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. El viaje que realiza al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, da como resultado un predominio del blanco de la arena especialmente. A esta fase le sigue otra titulada Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados y convertidos en fantásticos. Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos, que provocan en el espectador una intensa reacción emocional. Su obra, dentro del más puro informalismo, se exhibe en numerosos museos de todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. Antoni Tàpies (1923− ) Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich Nietzsche, Miguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de jóvenes artistas e intelectuales catalanes, el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes 3

convencionales que se desarrollaban por entonces en España. En 1950 se le concede una beca de estudios en París, donde toma contacto con las ideas revolucionarias de izquierda y con la pintura abstracta. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico: impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956). A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961); signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido; números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras; también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama...) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Liubliana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra. Fernando Zóbel (1924−1984) Pintor español, uno de los más destacados representantes del informalismo y principal miembro del grupo de Cuenca. Nació en Manila (Filipinas) y comenzó su carrera como artista figurativo y expresionista hasta recalar, a mediados de la década de los cincuenta, en la abstracción. Poco después, influido por la caligrafía oriental, simplificó aún más su estilo hasta obtener sus característicos signos negros trazados sobre un fondo 4

blanco, como en Ornitóptero (1962, Museo de Arte Abstracto de Cuenca). Desde entonces recorrió un proceso inverso en el que vuelven a aparecer imágenes figurativas. Hacia 1965 comenzó a ampliar su paleta con colores ocres, verdes, grises, rosas, amarillos y marrones, como en la serie El Júcar (1971). Elementos fundamentales en este tipo de obras son la luz, el espacio y el dibujo, dentro de la tendencia lírica de la pintura española posterior a la experiencia informalista. Entre 1975 y 1978 retornó a la monocromía de blancos y grises con obras como Serie Blanca, para recuperar después el colorido en su serie Las Orillas, del año 1982. Zóbel fue fundador y director del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, donde se expone gran parte de su obra, repartida también por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y el Fogg Art Museum de Cambridge (EEUU).

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